Cuando en 1992, decidimos iniciar un acontecimiento dedicado a la

Cuando en 1992, decidimos iniciar un acontecimiento dedicado a la

C
uando en 1992, decidimos iniciar un acontecimiento dedicado a
la música que pudiera convertirse en referencia cultural de los medinenses, era
difícil imaginar que se cumplirían dos décadas con esta fidelidad. Ahora, que la
edición nº 20 está próxima a comenzar, son muchos los momentos en los que
recordamos con agrado la presencia de grandes intérpretes y conjuntos de
prestigio internacional. A la vez, un puñado de obras emblemáticas de la Historia
de la Música, se han escuchado en directo por primera vez en Medina del Campo.
A lo largo de estos 20 años La Semana de la Música ha tenido escenarios
diferentes, desde el año 1992 hasta el 1999, el cine Lope de Vega, del 2000 al
2002, el teatro Olimpia y desde el año 2003 hasta hoy el Auditorio Municipal.
El Ayuntamiento de la Villa ha sido el motor que ha impulsado este festival, que
ahora cumple 20 años. Las dificultades económicas, que sufre la sociedad en
los momentos actuales, no ha permitido que la llegada de esta edición tuviera
un reflejo más amplio plasmado en una mayor cantidad de conciertos, una
programación de actos paralelos y una publicación que aportara con información
contrastada en profundidad, los conciertos que han dejado huella en cada una
de las ediciones. Aún así la 20ª Semana está aquí con su programación fiel a sus
principios. Los intérpretes de prestigio tienen su primer exponente con la presencia
de Ara Malikian, de uno de los violinistas más apreciados en los cinco continentes:
que viene de cosechar un rotundo éxito con su espectáculo Pagagnini, en el que
trata de acercarnos la música desde el lado mas desenfadado. Es una llamada
a los sentimientos agradables con que la música nos recibe desde pequeños. De
este modo arranca una semana que tendrá un recorrido, en el que la última
estación será la interpretación de “La canción de la tierra” de Mahler en
conmemoración del primer centenario de su muerte. El concierto dirigido por
Ramón Torrelledó, contará con la colaboración del actor Juan Antonio Quintana.
A lo largo de este camino, tendremos la cita anual con la ópera en la modalidad
de recital. El dúo formado por la soprano Carmen Romeu y la mezzo Marifé
Nogales, cantarán arias de algunas de las óperas mas significativas de Mozart,
asi como las más conocidas de la “Carmen” de Bizet. La fidelidad de la OSCYL
nos brindará la posibilidad de escuchar a Masim Rysanov, uno de los violistas
de mayor prestigio mundial. El joven pianista Iván martín se ha convertido en la
revelación de la generación actual. La categoría de sus interpelaciones en directo
o en disco le han llevado a ocupar la portada de todas las revistas especializadas.
La semana contará también con un espectáculo que se aleja de lo clásico para
atraer la atención de los seguidores de géneros diferentes. Este año será Rafael
Amargo el que acompañado de un grupo instrumental contrastado, ofrecerá una
visión distinta del arte en su espectáculo “Solo y amergo”.
Serán seis conciertos, de alto nivel, tanto por la importancia de cada uno de
los intérpretes como por la categoría de la obras. Conjugar ambas virtudes ha
sido siempre el objetivo de este festival que se muestra de nuevo ante medinenses
y visitantes con renovada ilusión un año más. Si el público con su asistencia y
calor, nos acompaña, el objetivo se habrá cumplido.
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p resent a c i on
LOS CONCIERTOS
lunes catorce DE NOVIEMBRE
YLLANA & ARA
MALIKIAN
Pagagnini
Yllana es creatividad. Nace en 1991 como
compañía de teatro de humor gestual, aunque
en la actualidad ha diversificado su actividad
ofreciendo distintas prestaciones en el mundo
de las artes escénicas y el audiovisual. Por un
lado se dedica a la creación, producción y
distribución de espectáculos, eventos y formatos
audiovisuales y por otro gestiona espacios
teatrales y desarrolla diferentes proyectos en
el ámbito cultural. Los miembros de Yllana son
Juan Francisco Ramos, Marcos Ottone, David
Ottone, Joseph O´Curneen y Fidel Fernández.
En estos 20 años Yllana ha producido
diecisiete espectáculos teatrales. Estos montajes
se han representado en más de 2000 ocasiones
en 33 países y han sido vistos por más de un
millón de espectadores. Destacan en el
extranjero temporadas teatrales en Nueva York,
Montreal, México DF, Roma, Londres y París y
la participación en festivales internacionales
de gran prestigio como el Fringe Festival de
PAGAGNINI es el espectáculo que
Yllana coproduce junto a Ara Malikian.
Reúne en un mismo plano el humor y
la locura de Yllana y la música. A través
del virtuosismo de cuatro grandes
músicos, capitaneados por el maestro
Ara Malikian, Pagagnini repasa algunos
momentos cumbre de la música clásica
fusionados con otros estilos musicales,
consiguiendo un divertido y sorprendente
Des-Concierto, con el que pretende
reinventar la manera de concebir un
recital, llegando al gran público que
descubrirá en los pasajes musicales una
mirada diferente.
Nueva York (USA), obteniendo el Premio
“Outstanding Unique Theatrical Event” por 666
en 2009, El Fringe Festival de Edimburgo (UK)
galardonados con el Premio al Mejor
Espectáculo del Fringe por los editores del
periódico “Three Weeks” por PaGAGnini en
2008, y el Festival Printemps des Courges de
Toulouse (Francia), ganando el premio con
Muuu! al Mejor Spectacle Etranger en 1993.
En España Yllana ha hecho temporadas teatrales
en todas las grandes ciudades y recibido
multitud de premios, entre los que destaca el
Max Al Mejor Espectáculo Infantil por Zoo en
2010.
Desde 1996 gestiona el Teatro Alfil de
Madrid, convirtiéndolo en un espacio de
referencia dedicado a la comedia en todas sus
variantes. En 1994 crea el FIHUM (Festival
Internacional de Humor de Madrid), un festival
que presenta en cada edición las mejores
propuestas internacionales de humor.
Yllana es una empresa joven, flexible, con
capacidad de adaptación y soluciones rápidas,
que goza de reconocimiento en el sector
cultural. No sólo a nivel nacional sino también
internacionalmente.
Ara Malikian es sin duda uno de los más
brillantes y expresivos violinistas de su
generación. Poseedor de un estilo propio,
forjado a partir de sus orígenes y ricas vivencias
musicales, su violín se alza como una de las
voces más originales e innovadoras del
panorama musical. En “Pagagnini” no solo es
co-productor, sino también el encargado de la
dirección musical.
Nacido en Líbano en 1968 en el seno de
una familia armenia, Ara Malikian se inició en
el violín a muy temprana edad de la mano de
su padre. Dio su primer concierto con 12 años
y a los 15 recibió una beca del Gobierno Alemán
(DAAD) para cursar estudios en la "Hochschule
für Musik und Theater Hannover".
FICHA
Posteriormente amplió sus estudios en la
“Guildhall School of Music & Drama” de
Londres, además de recibir lecciones de algunos
de los más prestigiosos profesores del mundo
como Franco Gulli, Ruggiero Ricci, Ivri Gitlis,
Herman Krebbers o miembros del Alban Berg
Quartett.
Poseedor de un amplísimo repertorio, que
incluye la práctica totalidad de las grandes
obras escritas para violín (conciertos con
orquesta, sonatas y piezas con piano y música
de cámara) ha estrenado también obras de
compositores actuales como Franco Donatoni,
Malcolm Lipkin, Luciano Chailly, Ladislav
Kupkovic, Loris Tjeknavorian, Lawrence Roman
y Yervand Yernakian. Su calidad y nivel como
violinista ha sido reconocida en numerosos
concursos de prestigio mundial, entre los que
cabe destacar los Primeros Premios obtenidos
en los Concursos Internacionales “Felix
Mendelssohn” (1987 Berlín, Alemania) y “Pablo
Sarasate” (1995 Pamplona, España) además
de los premios recibidos en concursos como
“Niccolo Paganini” (Génova, Italia), “Zino
Francescatti” (Marsella, Francia), “Rodolfo
Lipizer” (Gorizia Italia), “Juventudes Musicales”
(Belgrado, Yugoslavia), “Rameau” (Le Mans,
Francia), “International Artist Guild” (Nueva
York, USA), y en la “International Music
Competition of Japan”. En 1993 recibió el
“Premio a la Dedicación y el Cumplimiento
Artístico” del Ministerio de Cultura de Alemania.
Ha tocado en las mejores salas de concierto
del mundo en más de cuarenta países de los
cinco continentes y como violín solista ha sido
invitado por orquestas de la talla de la Tokio
Symphony Orchestra, Bamberg Symphony
Orchestra, Zürich Chamber Orchestra, London
Chamber Orchestra, Genova Opera Orchestra,
Sinfónica de Madrid, Sinfónica de Portugal,
Orquesta de Cámara de Tubingen, Virtuosos
de Moscú, Filarmónica de Belgrado, Orquesta
de Cámara de Toulouse, entre otras.
ARTÍSTICA Y TÉCNICA
Idea original: Yllana, Ara Malikian
Creación y dirección: Yllana
Dirección artística: David Ottone, Juan Francisco Ramos
Director musical: Ara Malikian
Creación musical: Ara Malikian, Eduardo Ortega, Gartxot Ortiz, Thomas Potiron
Intérpretes: Ara Malikian, Eduardo Ortega, Gartxot Ortiz, Fernando Clemente
Una Producción de Yllana y Ara Malikian
C onc i ert o 1.
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martes quince DE NOVIEMBRE
GALA DE ÓPERA
CARMEN ROMEU
Soprano
Nace en Valencia en 1984. Empieza sus
estudios musicales en “La Lírica de Silla” como
clarinetista. Finaliza los de canto en Valencia
con Ana Luisa Chova y Husan Park.
Desde el 2007 forma parte del “Opera Studio”
de la Accademia Santa Cecilia de Roma donde
estudia con Renata Scotto.
Obtiene diversos premios en la “Beca
Montserrat Caballé”, “Concurso de Canto Ciudad
de Logroño”, “Concurso Internacional de Canto
Manuel Ausensi” y “Concorso Internazionale
Ottavio Ziino” de Roma.
Ha sido dirigida por maestros como Lorin
Maazel, Kent Nagano, Patrick Fournillier,
Michele Mariotti, Corrado Rovaris, Cristobal
Soler, Carlos Aragón, Marco Angius, Tonino
Battista…y por registas como Emilio Sagi,
Graham Vick, C.Scarto.
Interpreta Dido y Eneas (Dido), L'elisir
d'amore (Adina), Don Carlo (Tebaldo) y
Iphigenie en Tauride (Sacerdotisa) en el Palau
de Les Arts , Il Viaggio a Reims (Madama
Cortese) en Pesaro, Lo Scoiattolo in gamba de
N.Rota, La Zorrita Astuta y Così fan tutte
(Fiordiligi) en el Auditorium de Roma, Le streghe
di Venezia de P.Glass en Ravenna, L'isola
disabitata de M.García (Costanza) en el Arriaga
de Bilbao y Maestranza de Sevilla, L'Italiana in
Algeri (Elvira) en ABAO, Orfeo ed Euridice
(Euridice) en Valencia, Ainadamar (Nuria) en
Granada, Trust de los Tenorios y Puñao de
Rosas (Rosario) en el Teatro de la Zarzuela…
Como solista ofrece recitales para la
Asociación Amigos de la Ópera de Madrid,
Sociedad Filarmónica de Valencia (Palau de la
Música), Festival Enclave de Cartagena, Sagunt
in excelsis, Los Cuartitos del Arriaga (Bilbao),
Festival de Rieti, Festival de Belcanto de Roma,
Recital junto a Carlos Álvarez en el Teatro Circo
de Albacete, Festival Isaac Albéniz… Gran parte
de sus recitales son interpretados junto al
Pianista-repertorista Rubén Fernández Aguirre.
En su actividad concertística se incluyen
obras como, “Requiem” y “Misa de la
Coronación” de W.A.Mozart, “Las siete últimas
palabras de Cristo en la Cruz” de J.Haydn,
“Mesías” de G.F.Händel, “Fantasía Coral”
L.v.Beethoven, “Soirées Muicales” G.Rossini…
Entre sus próximos compromisos destacan:
Cosi fan tutte en el Teatro São Carlos de Lisboa
y La Corte de Faraón en Bilbao.
(Damasco) y África (Argel). Además es pianista
residente de los Ciclos Musicales de Santiago
de Compostela y de Medina del Campo
(Valladolid), y profesor de repertorio vocal de
los Cursos de verano “Isaac Albéniz” de
Camprodón (Girona) y de la Universidad del
País Vasco en Bilbao.
En el año 2010 recibe el premio Ópera
Actual “por su dedicación a la lírica y el creciente
prestigio que está logrando en este campo”.
RUBÉN FERNÁNDEZ AGUIRRE
Piano
Nace en Barakaldo (Vizcaya). Realiza sus
estudios superiores de piano en Vitoria con
Albert Nieto y de Correpetición
(acompañamiento de cantantes) en Viena con
David Lutz y Munich con Donald Sulzen. Recibe
además los consejos de Félix Lavilla, Miguel
Zanetti y Wolfram Rieger.
Repertorista en Cursos y Clases Magistrales
de R. Scotto, J.Aragall, I. Cotrubas, S.Estes,
A.L.Chova, E. Viana o E.Sagi. Ha sido pianista
oficial del Concurso “Operalia 2006” (presidido
por Plácido Domingo) y maestro correpetidor
en el Palau de la Música de Valencia, el Teatro
Real de Madrid y el Teatro de la Maestranza
de Sevilla.
Pianista habitual de cantantes como Carlos
Álvarez, Ainhoa Arteta, Ismael Jordi, NancyFabiola Herrera, José Manuel Zapata, Elena de
la Merced, Celso Albelo, María Bayo, J. Miquel
Ramón, Mariola Cantarero, David Menéndez,
Isabel Monar o José Antonio López entre otros,
también ha trabajado con Mariella Devia,
Cristina Gallardo-Domâs, Leontina Vaduva,
Simón Orfila, e Isabel Rey
Actúa en la mayoría de Festivales y Teatros
españoles así como en importantes escenarios
de Europa (Musikverein de Viena, Teatro de La
Monnaie de Bruselas, Festival Rossini de Pesaro,
Slovenská Televízia de Bratislava), América
(Carnegie Hall de Nueva York, Auditorio Nacional
del Sodre de Montevideo), Oriente Medio
Concie rt o 2 . Not a s a l Progra m a e n pa g. 2 9
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martes quince DE NOVIEMBRE
GALA DE ÓPERA
PROGRAM
A
I
L'isola disabitata
MANUEL GARCÍA(1775-1832)
Dúo de Costanza y Silvia: “Ah germana! Ah Costanza!”
MARIFÉ NOGALES
Mezzosoprano
Realiza sus estudios de canto en Musikene
(Centro Superior de Música del País Vasco)
con la mezzo Maite Arruabarrena.
Ha actuado en los prestigiosos Festivales
internacionales de Granada, Peralada y
Quincena Musical Donostiarra, y ha trabajado
bajo la batuta de importantes directores como
Jesús López Cobos, Miquel Ortega, Friedrich
Haider, Alberto Zedda, Lutz Köler, Eduardo
López Banzo, Vasily Petrenko, Lionel Bringuier
y José Ramón Encinar entre otros.
Debuta en el Teatro Real de Madrid en el
papel de Zulma de L´italiana in algeri. También
ha cantado Cherubino de Le nozze di Figaro
en la ABAO, Magdalena de Il viaggio a Reims
y Prexen de Mirentxu en el Teatro Arriaga de
Bilbao, Mercedes de Carmen en el Palacio
Baluarte de Pamplona y en el Auditorio Miguel
Delibes de Valladolid junto a Magdalena Kozena,
Inés de Il Trovatore en el Teatro Campoamor
de Oviedo, Siebel y Zerlina en el Teatro Amaia
de Irún y muchacha flor en Parsifal en Santiago
de Compostela. En el campo del oratorio La
Pasión según San Mateo de Bach en el
Auditórium Príncipe Felipe de Oviedo y en la
cuarta sinfonía de Mahler en Granada.
Destaca su participación en el estreno
absoluto de la ópera La casa de Bernarda Alba
de Miquel Ortega así como en el estreno europeo
de L´isola Disabitata de Manuel García en los
Teatros Arriaga de Bilbao y de la Maestranza
de Sevilla con dirección escénica de Emlio Sagi
y musical al piano de Rubén Fernández-Aguirre.
Ha grabado Emilia de Otello de Verdi bajo la
dirección de Friedrich Haider.
De sus futuros compromisos destaca su
debut en el Teatro de la Zarzuela en El Gato
montés.
La clemenza di Tito
W.A. Mozart (1756-1791)
Aria de Sesto: “Deh per questo istante solo”
Cosi fan tutte
W.A. Mozart
Aria de Fiordiligi: “Come scoglio”
Cosi fan tutte
W.A. Mozart
Dúo de Fiordiligi y Dorabella: “Prenderò quel brunettino”
II
Mignon
A. Thomas (1811-1896)
Aria de Mignon: “Connais-tu lle pays”
Manon
J. Massenet (1842-1912)
Gavotte de Manon: “Je marche sur tous les chemins”
Les contes D'hoffmann
J. Offenbach (1819-1880 )
Dúo de Giulietta y Nicklaus: “Belle nuit”
Carmen
G. Bizet (1838-1875 )
Seguidilla de Carmen: “Près des remparts de Séville”
Carmen
G. Bizet
Aria de Micaela: “Je dis que rien ne me pouvante”
Lakme
L. Delibes (1836-1891)
Dúo de Lakme y Mallika: “Viens, Mallika”
INTÉRPRETES
Carmen Romeu, Soprano
Marifé Nogales, Mezzosoprano
Rubén Fernández Aguirre, Piano
Concie rt o 2 . Not a s a l Progra m a e n pa g. 2 9
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miercoles dieciseis DE NOVIEMBRE
La Orquesta Sinfónica de Castilla y León ha
cumplido sus primeros veinte años situándose
como una de las mejores y más dinámicas
agrupaciones españolas gracias a su calidad,
a la amplitud de su heterogéneo repertorio y
ORQUESTA
SINFÓNICA DE
CASTILLA Y LEÓN
a la incesante actividad desplegada en su sede
estable del Auditorio Miguel Delibes de
Valladolid y por todo el territorio nacional.
Creada en 1991 con el apoyo de la Junta
de Castilla y León, la OSCyL tiene como su
primer director titular a Max Bragado-Darman.
Tras este periodo inicial, Alejandro Posada
asume la titularidad de la dirección durante 7
años hasta la llegada de Lionel Bringuier, quien
permanecerá al frente de la formación orquestal
hasta junio de 2012. Así mismo la OSCyL ha
contado con Salvador Mas, Vasily Petrenko o
Alejandro Posada como principales directores
invitados.
Durante estos 20 años de trayectoria, la
OSCyL ha llevado a cabo importantes estrenos
y ha realizado diversas grabaciones
discográficas para Deustche Grammophon, Bis,
Naxos, Tritó o Verso entre otras, con obras de
compositores como Joaquín Rodrigo, Dmitri
Shostakovich, Joaquín Turina, Tomás Bretón,
Osvaldo Golijov o Alberto Ginastera. Además,
la OSCyL ha llevado a cabo una intensa actividad
artística en el extranjero, con giras por Europa
y America, que le han permitido actuar en salas
tan destacadas como el Carnegie Hall de Nueva
York.
A lo largo de estas dos décadas, la OSCyL
ha ofrecido centenares de conciertos junto a
una larga lista de directores y solistas, entre
los que destacan los maestros Semyon Bychkov,
Rafael Frühbeck de Burgos, Jesús López Cobos,
Marc Minkowski, Gianandrea Noseda o Josep
Pons, los cantantes Teresa Berganza, Barbara
Bonney, Juan Diego Flórez, Magdalena Kozena
o Angela Gheorghiu, e instrumentistas como
Daniel Barenboim, Alicia de Larrocha, Joaquín
Achúcarro, Katia y Marielle Labèque, Maria
Joao Pires, Viktoria Mullova, Gidon Kremer, Gil
Shaham, Natalia Gutman o Misha Maisky, entre
muchos otros.
Algunos de los compromisos para la
presente temporada 2011/2012 incluyen
actuaciones con la soprano norteamericana
Renée Fleming o junto al cantante y pianista
Rufus Wainwright, así como una versión
concierto de la ópera Rigoletto bajo la dirección
de Semyon Bychkov. Además ofrecerá el estreno
en España de 4 obras, entre las que cabe
destacar el concierto para violín de James
McMillan, interpretado por Vadim Repin.
Uno de los principales objetivos de la OSCyL
es la difusión del repertorio sinfónico en el
sentido más amplio de la palabra, así como la
creación de nuevos públicos. En este sentido
es importante reseñar la alta implicación de la
orquesta en las numerosas iniciativas sociales
y educativas que el Auditorio Miguel Delibes
está llevando a cabo.
Desde el año 2007, la OSCyL tiene su sede
estable en el Auditorio Miguel Delibes de
Valladolid, obra del arquitecto Ricardo Bofill.
MAXIM RYSANOV
Director y viola
Maxim Rysanov es reconocido como uno de
los mejores y más carismáticos intérpretes de
viola del mundo, siendo invitado a tocar en las
mejores salas junto a reconocidos directores,
orquestas e intérpretes.
Cerró la última temporada con dos
conciertos en el Festival de los BBC Proms,
clausurando el Festival junto a la BBC Symphony
Orchestra y Jiri Belohlavek, donde interpretó
las Variaciones Rococó de P.I. Tchaikovsky en
la simbólica Last Night of the Proms,
retransmitida a millones de espectadores de
todo el mundo.
Otros compromisos la pasada temporada
le llevaron a tocar con la Orquesta Sinfónica
de Castilla y León (Vasily Petrenko), Orquesta
Sinfónica de la Radio de Frankfurt (Philippe
Herreweghe), NDR Philharmonic Orchestra
(Eivind Gullberg Jensen), Gurzenich Orchestra
(Sir Mark Elder), Orquesta Sinfónica Nacional
de Dinamarca (Michael Schoenwandt), Orquesta
Filarmónica de la Radio de Holanda (Alexander
Lazarev), Joven Orquesta de la Unión Europea
(Matthias Bamert), Ulster Orchestra (Paul
Watkins), Orquesta Sinfónica de la Radio de
Praga (Juraj Valcuja), Orquesta Sinfónica de
Shanghai (Long Yu) y Orquesta Sinfónica de
Guangzhou (Lin Daye).
Concie rt o 3 .
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miercoles dieciseis DE NOVIEMBRE
PROGRAM
Maxim Rysanov está desarrollando una
interesante relación con España, actuando
como Artista en Residencia en el Auditorio
“Miguel Delibes” de Valladolid y de la Orquesta
Sinfónica de Castilla y León. Esta residencia,
permite a Maxim desarrollar todas sus facetas
como intérprete solista, música de cámara y
director. La pasada temporada ofreció el
Concierto para viola y orquesta de William
Walton junto a Vasily Petrenko, así como un
concierto de música de cámara junto a Kristina
Blaumane y Jacob Katsnelson. Además de estos
importantes compromisos, ha actuado en otras
muchas ciudades y salas, entre las que cabe
destacar el Auditorio Nacional de Madrid y la
Sociedad Filarmónica de Bilbao. Asimismo,
actuará por primera vez en gira junto a la
Orquesta Sinfónica de Euskadi y Diego Matheuz,
interpretando el Concierto para violonchelo y
orquesta nº 1 de Camille Saint-Saens en arreglo
para viola.
Internacionalmente, la presente temporada
llevará a Maxim a tocar con la BBC Symphony
Orchestra, la Orquesta Filarmónica de Tampere,
Orquesta Filarmónica de Holanda, Residentie
Orkest, o la RTE Symphony Orchestra, entre
otros. Maxim trabaja con asiduidad con la
conocida Orquesta de Cámara de Lituania, y
ha sido invitado a dirigir una serie de conciertos
en el Festival de Melbourne, donde tomará
parte en dos de ellos.
Su gran interés por la música de cámara le
llevará la presente temporada a ofrecer
conciertos en Estados Unidos, Canadá, Australia
y Japón, así como otros países de Europa.
Colabora asiduamente con músicos como Piotr
Anderszewski, Leif Ove Andsnes, Katya
Apekisheva, Kristina Blaumane, Michael Collins,
Alice Coote, Augustin Dumay, Martin Frost,
Janine Jansen, Jacob Katsnelson, Gidon Kremer,
Mischa Maisky, Viktoria Mullova, Eldar Nebolsin,
Alexei Ogrintchouk, Julian Rachlin, Maxim
Vengerov, Denis Matsuev o Ashley Wass.
Es reconocido por la escena musical
internacional desde hace tiempo. Entre los
premios que ha recibido están el Classic FM
Gramophone Young Artist of the Year 2008 y
el BBC New Generation Award (2007-2009),
así como los concursos de Ginebra (2005),
Lionel Tertis (2003) y Valentino Bucchi (1995).
Su entusiasmo por la música contemporánea
ha generado un gran número de colaboraciones
que le han llevado a ampliar el repertorio
existente para la viola. Ha estrenado varias
obras de música de cámara y conciertos de
Dobrinka Tabakova, y le han sido dedicadas
obras de compositores como Richard
Dubugnon, Elena Langer o Artyom Vassiliev.
En 2011 estrenó a título póstumo el Concierto
para viola de Valentin Bibik (1940-2003).
A
I
Sonata en La menor para Arpeggione y Piano, D. 821
Franz Schubert (1797-1828)
Dobrinka Tabakova (1980)
[Arreglo para viola y orquesta de cuerda de D. Tabakova]
Allegro moderato
Adagio
Allegretto
Suite en estilo antiguo “The Court Jester Amareu” (2006)
para viola, orquesta de cuerda y clave
Dobrinka Tabakova
Preludio: fanfarria desde los balcones y regreso de la cacería
A través de los pasillos de cristal
Claro de luna en el jardín de las rosas
El acertijo del organillero
Posludio: cacería y final
II
Concierto para viola, cuerdas y bajo continuo en Sol Mayor,
TWV 51:G9
Georg Philipp Telemann (1681-1767)
Largo
Allegro
Andante
Presto
Fantasía en Do menor para dos pianos, D. 940 (Op. 103)
Franz Schubert / Dobrinka Tabakova
[Arreglo para orquesta de cuerda de D. Tabakova]*
*Estreno absoluto de esta versión
OSCyL
Con la colaboración de:
Maxim Rysanov, director y viola
Concie rt o 3 .
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jueves diecisiete DE NOVIEMBRE
IVÁN MARTÍN
Pianista
PROGRAM
Nacido en las Palmas de Gran Canaria
(1978), Iván Martín es hoy por hoy reconocido
por la crítica y el público como uno de los
pianistas más brillantes de su generación dentro
y fuera de nuestras fronteras.
Colabora con prácticamente la totalidad de
las orquestas españolas, así como con la
Orquesta de París, Orquesta Filarmónica de
Estrasburgo, Virtuosos de Praga, Orquesta
Filarmónica de Helsinki, Orquesta Filarmónica
de Zagreb, Polish Chamber Orchestra, Orquesta
Sinfónica de Monterey (EE.UU.), Orquesta
Sinfónica de Santiago de Chile, Orquesta
Sinfónica de Sao Paulo, Orquesta Mundial de
Juventudes Musicales, etc., de la mano de
directores tales como Gerd Albrecht, Maurizio
Benini, Max Bragado, Justin Brown, Christoph
Eschenbach, Günter Herbig, Pedro Halffter,
Lüjia, Christoph König, Jean Jacques Kantorow,
Kirill Karabits, Adrian Leaper, Paul Mann, Miguel
Ángel Gómez Martínez, Juanjo Mena, Roberto
Montenegro, John Neschling, Josep Pons,
Alejandro Posada, Antoni Ros-Marbá, Alfonso
Scarano, Michael Schønwandt, Georges
Tchitchinadze, Josep Vicent o Antoni Wit, y
siendo repetidamente invitado a participar en
marcos tan destacados como “New York
International Keyboard Festival” (EE.UU.),
“Oxford International Music Festival” (Canadá),
“Festival International La Roque d'Anthéron”
(Francia), “Festival International La Folle
Journée” (Francia y España), “Festival
Internacional de Grandes Pianistas” (Chile),
“Festival Internacional Cervantino” (México),
“Ciclo de Jóvenes Intérpretes Scherzo” (España),
“Festival Internacional de Música y Danza de
Granada” (España), “Festival Internacional de
Música de Peralada” (España) o “Festival de
Música de Canarias” (España), visitando las
salas de concierto más prestigiosas del mundo
como son Berliner Staatsoper, Berliner
Philharmonie, Amsterdam Concertgebouw,
Salle Pleyel de París, Carnegie Hall de Nueva
York o Beijing National Center for Performing
Arts. Así mismo, colabora constantemente con
Patrimonio Nacional (España) para ofrecer
conciertos en los reales sitios.
Comprometido con la creación musical en
España, ha protagonizado estrenos e
interpretado obras de compositores como Antón
García Abril, Cristóbal Halffter, Pedro Halffter,
Pilar Jurado, Alberto Martínez, Daniel Roca o
Ramón Paús. Asimismo, consciente de la
importancia de la música de cámara, participa
siempre que le es posible en proyectos con
otros artistas y diversas formaciones
instrumentales. Ha debutado como director
interpretando los conciertos para teclado de
Bach junto la orquesta “Proyecto Bach” -en
colaboración con Juventudes Musicales de
España y registrado por RTVE y los conciertos
de Mozart junto a la Orquesta de Cámara “Liceo
de Barcelona”.
Dentro del campo de la composición e
investigación musical, ha sido integrante del
proyecto Aula de Música Actual del
Conservatorio Superior de Música de las
Palmas, impartiendo cursos sobre nuevas
tecnologías para la Universidad de las Palmas
de Gran Canaria, y asimismo, ha logrado varios
estrenos, como su obra Paisajes, encargo de
la Radio Televisión Italiana, o la serie de piezas
para piano Ictus, en colaboración con el pintor
James Lambourne, estrenada en el Festival
Chopin de Valldemossa de 2002.
Ha grabado numerosos programas de radio
y televisión en España, Francia, Italia, Brasil y
Estados Unidos, y recientemente ha tenido
lugar el lanzamiento de su primer disco para
el sello Warner Music dedicado al compositor
Antonio Soler, que ha tenido una calurosa
acogida por el público y la crítica, agotando la
primera edición en menos de dos meses y
siendo nominado a los XV Premios Nacionales
de la Música en la categoría de mejor intérprete
de música clásica; actualmente se encuentra
inmerso en su próximo proyecto discográfico,
dedicado a los compositores Mozart y Schröter.
Futuros compromisos incluyen presentaciones
en el célebre “Carnegie Hall” de Nueva York,
EE.UU., Canadá, Alemania, Austria, Suiza, Italia,
Reino Unido y Argentina, en recital y
colaborando con diversas orquestas y
directores.
A
I
Antonio Soler (1729-1783)
Sonata en Re mayor R 84
Sonata en Sol menor R 32
Sonata en Re menor R 105
Sonata en Re bemol mayor R 88
Sonata en Re menor R 115
Sonata en Do menor R 48
Sonata en si b mayor op.24 no.2
Muzio Clementi (1753-1832)
I. Allegro con brio
II. Andante quasi allegretto
III. Allegro assai
II
Nuages gris s.199
Funerailles s.173/VII
F.Liszt (1810-1757)
Andante Espianato y Gran Polonesa Brillante
Op.22
Frédéric Chopin (1810-1849)
Seis estudios op.10
Frédéric Chopin
I. en do mayor
II. en la menor
III. en mi mayor
IV. en do # menor
VI. en mi b menor
XII. en do menor
Con la colaboración de:
Concie rt o 4 . Not a s a l Progra m a e n pa g. 3 0
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viernes dieciocho DE NOVIEMBRE
RAFAEL AMARGO
Solo y amargo
FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNIC
Rafael Amargo es un bailarín y coreógrafo
ecléctico. Se ha inspirado en el más puro
flamenco de sus maestros, pero a la vez ha
asimilado otro tipo de tendencias coreográficas,
como las enseñanzas en la escuela de Marta
Graham durante su estancia en Nueva York.
Sus coreografías rebosan una concepción
tradicional y a la vez actual. A veces muy
cercanas al baile contemporáneo, nunca pierden
el punto de referencia de la esencia del
flamenco.
Aunque Rafael Amargo es un reivindicador
de la compañía de baile, y del concepto teatral
y escénico del flamenco (con la inevitable
referencia a su admirado Antonio Gades), ello
no le impide bailar de vez en cuando en los
tablaos, o investigar coreográficamente en el
entorno de la danza contemporánea.
Rafael Amargo y sus espectáculos han
recibido numerosos premios entre los que
destacan cuatro Premios Max de las Artes
Escénicas: dos por “Amargo” (Mejor
Espectáculo y Mejor intérprete masculino de
danza), uno por “Poeta en Nueva York” (Mejor
intérprete masculino de danza) y uno por “El
amor brujo” (Mejor intérprete masculino de
danza); el Premio Positano Leonide Massine
de la Danza como bailarín y coreógrafo (la más
importante distinción de danza de Italia, que
han recibido figuras como Rudolf Nureyev,
Carla Fracci, Maurice Bejart, Alexandra Ferri,
Moses Pendleton, o Lindsay Kemp entre otros),
o el Premio APDE (Asociación de Profesores
de Danza Española y Flamenco de España),
junto a Antonio Gades y Matilde Coral.
Pero es el público quien mejor ha acogido
las creaciones de Rafael Amargo llenando los
teatros en los que actúa. Un público que le ha
concedido además el Premio al Mejor
Espectáculo de Danza de El País de las
Tentaciones por “Amargo” (2000) y “Poeta en
Nueva York” (2002), que también ha sido
elegido como Mejor Espectáculo de la Década,
el año siguiente.
A
JUAN PARRILLA
Director musical y flauta
Juan Fernández Gálvez (Juan Parrilla) nace
en Jerez de la Frontera en 1968. Cursa estudios
de música en el Conservatorio de Jerez y
posteriormente se traslada a Madrid, donde
estudia con D. Andrés Carreres, solista de la
ONE.
Procede de una de las grandes familias del
flamenco y es uno de los nuevos exponentes
del nuevo flamenco. Es uno de los compositores
más requeridos por las grandes figuras de la
danza, como Antonio Canales, Aída Gómez,
Joaquín Cortés, Rafael Amargo, etc.
Como flautista, ha colaborado con grandes
artistas como Manolo Sanlúcar, Enrique de
Melchor, Vicente Amigo, Moraíto, Rafael Riqueni,
Gerardo Núñez, Carmen Linares, Enrique
Morente, José Mercé, Diego “El Cigala”, Estrella
Morente, Jorge Pardo, Ara Malikian, Ketama,
Manuel Molina, Diego Carrasco, y un largo
etcétera.
Juan Parrilla, dirección musical
Rafael Amargo, coreógrafo y bailaor
Batio, violonchelo
Antoñito Maya, percusión
Maite Maya, cantaora
Pedro Obregón/Saúl Quirós, cantaor
Mario Montoya, guitarra
Juan Pedro Cornejo/Jesús Pérez
de la Cruz “Cuco”, piano y acordeón
Juan Parrilla, flauta
Diseño de iluminación: Pato Bessia
Iluminación: Xavier Arana
Sonido: Marc Romagosa
Regiduría: Julián Alcántara
Concie rt o 5.
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sabado diecinueve DE NOVIEMBRE
LA CANCIÓN DE LA
TIERRA
Mahler
ENSEMBLE ORQUESTA
EUROPEAE DE CONCIERTOS
La OEC es uno de los elementos esenciales
de vertebración y cohesión del proyecto europeo
La Nota Azul Europeae. Está formada por
profesores nacidos en los diferentes estados
de la Unión Europea y de Europa, aspirando,
desde su fundación a ser un colectivo orquestal
de primer nivel artístico, social, solidario e
itinerante, que actuará como embajador
artístico europeo para divulgar principalmente
su gran patrimonio musical, y como símbolo
de cohesión, de diversidad, de unión, de
colaboración, de esfuerzo, de disciplina, de
trabajo en equipo, de pensamiento y de
sentimiento, valores que desarrolla una orquesta
sinfónica, similares a los que aspira y debe
encarnar la Unión Europea.
Aunque la OEC presenta sus conciertos en
España y en Europa y sus programaciones
incluyen primordialmente creaciones
provenientes de compositores originarios de
zonas latino-mediterráneas, eslavas, nórdicas
y anglosajonas, que es donde se enmarcan
cada uno de los países miembros de la Unión
Europea y de Europa, sus programaciones y
su radio geográfico de acción serán universales.
El Director Titular y Artístico de la
ORQUESTA EUROPEAE DE CONCIERTOS, es
el Maestro español Ramón Torrelledó.
RAMÓN TORRELLEDÓ
Director
Nació en el seno de una familia de
músicos, en Castro Urdiales (Cantabria). Su
padre, compositor y director, Nicolás Torre,
fue su primer profesor. En España obtuvo los
título de Piano y de Composición e
Instrumentación y en Estados Unidos,
en la Universidad Carnegie Mellon de
Pittsburgh, Máster en Dirección de Orquesta,
con profesores como los maestros Lukas Foss
y Samuel Jones. El maestro Jesús López Cobos,
su primer maestro, fue quien le introdujo en
la profesión de Director de Orquesta.
Ha ocupado puestos de responsabilidad en
diferentes Orquestas: Filarmónica de Bucarest
“George Enescu”, Filarmónica de Moldava-Iasi
(Rumania), Sinfónica de Moscú, Sinfónica de
la Ópera de El Cairo (Egipto), Sinfónica Rusa,
The Moscow Orchestra, Orquesta de Cámara
Rusa, The Great Symphony Orchestra of
Siberia-Omsk, Orquesta Sinfónica Académica
Estatal Rusa de Rostov.
En la actualidad dirige la Orquesta Sinfónica
Académica Estatal Rusa de Voronezh “Mstislav
Rostropovich y la Orquesta Europeae de
Conciertos.
Como compositor, su catálogo abarca
música sinfónica, de cámara, escénica, de cine
y obras orientadas al público infantil. Sus
grabaciones discográficas recogen obras de
Sibelius, Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky,
Mozart, Beethoven, Brahms, Rachmaninov,
Shostakovich... El género de Zarzuela figura
como protagonista dentro de su catálogo
discográfico, habiendo grabado algunas de las
composiciones más populares de la historia
de la zarzuela, de compositores como Chapí,
Chueca, Jiménez, Luna...
La biografía quedaría incompleta si no se
destacara su perfil divulgador y solidario, su
empeño por llevar la música a todos los
rincones y a todo tipo de público.
Para ello, sus conciertos se celebran en
auditorios muy variados, fábricas, cárceles,
hospitales, catedrales, en auditorios
o en conciertos multitudinarios al aire libre.
Así, el concierto que dirigió en Auschwitz
-en los barracones del campo de exterminio-,
en el verano de 2005, para conmemorar el 60º
aniversario del final de la 2ª Guerra Mundial,
o el concierto de Beslán, en homenaje a las
víctimas -más de 333 personas, la mayoría
niños- del atentado terrorista ocurrido en la
escuela de dicha población rusa...
Patrono fundador de la Fundación LaNota
Azul Europeae, intenta impulsar el espíritu
europeísta, aproximando el valor armónico,
global, diverso y unido de Europa y de la UE
a los ciudadanos europeos, a través del
Patrimonio Cultural común de las creaciones
humanas, con el objetivo de favorecer el
desarrollo esencial de la conciencia europea
en torno a una Europa no solamente pensada
sino sentida.
Porque para el maestro la música es cultura,
arte, placer, mensaje y compromiso.
C onc i er to 6. Nota s a l Progra m a en pa g. 3 3
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sabado diecinueve DE NOVIEMBRE
LA CANCIÓN DE LA
TIERRA
Mahler
ELENA GRAGERA
Mezzosoprano
Sin duda, la de la extremeña Elena Gragera
es una carrera sólida que está llamando
poderosamente la atención de los medios
musicales en España, y continuamente solicitan
su presencia los principales escenarios
musicales del país: L'Auditori de Barcelona, el
Festival Internacional de Santander, el Festival
Internacional de Torroella de Montgrí, el Centro
para la Difusión de la Música Contemporánea,
el Palau de la Música, el Teatro Real, el Festival
de Otoño de Madrid, el Teatro Principal de
Alicante, Salamanca 2002, etc. Ha ofrecido
recitales en el Wigmore Hall de Londres, el
Teatro del Ermitage de San Petersburgo, la
Sala Chaikovski de Moscú, Teatro del Hermitage
de San Petersburgo, la Halle aux Grains de
Toulouse, el Gemeentemuseum de La Haya, la
Salle Cortot de París, Musiekgebouw de
Ámsterdam, Teatro Bellas Artes de México,
etc. Está considerada una de las mejores
recitalistas españolas actuales y con mayor
proyección europea.
Recibió la tradición interpretativa del Lied
alemán de la mano de uno de los grandes mitos
del género: la soprano Irmgard Seefried. Estudió
también con Edith Mathis, con el barítono
francés Gérard Souzay y con la gran contralto
holandesa Aafje Heynis, obteniendo el diploma
superior con distinción del Koninklijk
Conservatorium de La Haya.
Dentro de su faceta liederística, alcanzó un
gran éxito su ciclo de Robert Schumann “Lieder
de 1840” en la Fundación Juan March de
Madrid. Su ya extenso catálogo de grabaciones
ha sido elogiado y premiado por las más
importantes publicaciones musicales, y a él
pertenecen Veinte canciones populares de
Joaquín Nin Castellanos, la Integral de la obra
para voz y piano de Ernesto Halffter, Canciones
para voz y piano de Joaquín Nin-Culmell, Álbum
de comendadoras de Eduardo Rincón y José
Hierro, monográfico Josep Soler, Cánticas
sefardíes (todas las anteriores en Columna
Música), Canciones para voz y piano de Robert
Gerhard (Harmonia Mundi), Integral de la obra
para voz y piano de Isaac Albéniz (Calando),
Integral de las canciones de Federico Mompou
y “La Celestina” de Pedrell con la OBC bajo la
dirección de Antoni Ros Marbá para el sello
“Autor”, “Pasión Argentina” (Con el Octeto
Ibérico de Violonchelos bajo la dirección de
Elías Arizcuren) para “Challenge”.
Colabora con directores de la talla de Helmut
Rilling, William Christie, Antoni Ros-Marbà,
Josep Pons, José Ramón Encinar, Henrie
Adams, Ramón Torrelledó, Alexis Soriano o
Enrique García Asensio; y ha estrenado obras
como Cantata de José Pradas, de Nin-Culmell,
“Four songs” de Albéniz en arreglo orquestal,
Tres poemas de Lope de Vega y Sinfonía bíblica,
ambas de Eduardo Rincón, La Tercera Sinfonía
de David del Puerto, “Noche serena” de Gabriel
Erkoreka, “Cinco poemas de Cernuda” de
Ramón Lazkano o “Mudas” de José Luís Greco.
VALERIANO GAMGHEBELI
Tenor
Tenor georgiano, residenciado en Madrid,
estudió piano, dirección coral en Georgia y
perfeccionó su técnica vocal con A. Kraus en
Madrid. Debutó, siendo aún estudiante, con el
emblemático papel de Ricardo en “Un Ballo in
Maschera” de Verdi en la Ópera de Tbilisi,
donde cantó también papeles protagonistas
en “Tosca”, “Rigoletto”, “Madame Butterfly”,“La
Traviata”. Debutó en España con “La
Tabernera del Puerto” en el Teatro de Madrid
y “Carmen” en la Ópera de Sabadell,
compartiendo escenario con otra debutante en
esta ópera Nancy Fabiola Herrera, dirigidos
ambos por M. Ortega. A este debut le siguió el
de Duca “Rigoletto” en la Deutsche Oper de
Berlín. A partir de allí el tenor, que establece
su residencia en Madrid, actúa en varios
escenarios operísticos y salas de conciertos de
España, Alemania, Portugal, Rusia, Francia,
Rumanía, Bulgaria e Italia. Su repertorio abarca
desde Duca y Alfredo hasta Radamés,
Florestán de “Fidelio”, “Canción de la Tierra”,
de G. Mahler y “Lohengrin”. La Ópera francesa
está representada, además de su alabado Don
José de “Carmen”, y el papel de Nicias de
“Thaïs” de Massenet, que el tenor interpretó
por primera vez en La Ópera de Roma, donde
también ha participado en distintas temporadas
en montajes de óperas de Puccini y Respighi.
En el repertorio italiano destacan también
el “Requiem” de Verdi y el papel de Turiddu
en “Cavalleria Rusticana” en el apartado
liederístico ciclos vocales de Liszt y Schumann.
El tenor, que es ganador de varios Concursos
Internacionales de Canto - I Premio y Medalla
de Oro en el “Francisco Viñas”; I Premio en el
“Francisco Alonso”; Premio al Mejor
Tenor “José Carreras” en el “Julián Gayarre”;
I Premio en el Concurso Internacional de
Tenores “Troyan Grozavescu”-,ha participado
en varias transmisiones radiofónicas y televisivas
en España, Georgia e Italia.
JUAN ANTONIO QUINTANA
Actor
Juan Antonio Quintana aunque nacido en
Zaragoza, está considerado vallisoletano de
adopción, porque ha desarrollado su labor
como director de teatro y actor alrededor de
esta ciudad, consiguiendo una amplio eco y
reconocimiento a nivel nacional. Su actividad
se extiende con éxito a todos los campos de la
interpretación. En teatro ha llevado a cabo
multitud de montajes como director y actor
entre las que destacan: “Rosencrantz y
Guildenstern” han muerto de Stoppard, “La
Zapatera Prodigiosa” de G. Lorca, “Romeo y
Julieta” de Shakespeare, “El Avaro” de Molière,
“Tío Vania” y “La Gaviota” de Chejov o “La
Noche de la Iguana” de Tenesse Williams. Entre
sus interpretaciones en cine y televisión
destacan sus trabajos en “Mamá es Boba” y
“Un buen día lo tiene cualquiera” de Santiago
Lorenzo, “La vida de nadie” de Eduard Cortés
y su papel en la serie “Ana y los siete” de TVE.
Está en posesión de numerosos premios y
distinciones: Gran Premio del Festival Mundial
de Teatro de Nancy (Francia) “Grand Prix”,
Nacional de Cámara y Ensayo, Medalla de Oro
de la Diputación de Valladolid, Pilares del T.
Calderón de Valladolid y Premio Mayte de
Teatro.
C onc ierto 6. Nota s a l P rog ra m a en p a g . 3 3
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sabado diecinueve DE NOVIEMBRE
LA CANCIÓN DE LA
TIERRA
Mahler
Primer Movimiento: Das Trinklied vom Jammer der
Erde (La canción báquica de la miseria terrenal)
Segundo Movimiento: Der Einsame im Herbst
(El solitario en otoño)
Tercer Movimiento: Von der Jugend
(De la juventud)
Cuarto Movimiento: Von der Schönheit
(De la belleza)
El vino ya brilla en la dorada copa,
¡pero no bebáis todavía,
antes os cantaré una canción!
El canto de la aflicción os ha de sonar
con risas en el alma.
Cuando se acerca la pena,
yacen desiertos los jardines del espíritu,
se marchita y muere la alegría, el canto.
Sombría es la vida, oscura es la muerte.
¡Señor de esta casa!
¡Tu bodega atesora la abundancia de vino dorado!
¡Aquí, declaro mío este laúd!
Tocar el laúd y vaciar los vasos,
he aquí las cosas que realmente hacen juego.
¡Una buena copa de vino en el momento justo
vale más que todos los reinos de esta tierra!
Sombría es la vida, oscura es la muerte.
El firmamento es eternamente azul, y la tierra
permanecerá inmutable largo tiempo,
se llenará de flores en primavera.
Pero tú, hombre, ¿cuánto tiempo vives tú?
¡Ni siquiera cien años se te permite divertirte
con las frágiles futilidades de este mundo!
¡Mirad allá abajo! A la luz de la luna, sobre las tumbas
se agacha una imagen salvaje y fantasmal...
¡Es un mono! ¡Escuchad cómo su lamento
resuena por todas partes,
en el suave perfume de la vida!
¡Tomad ahora el vino! ¡Ahora es la hora de disfrutarlo!
¡Vaciad vuestros dorados vasos hasta el final!
Sombría es la vida, oscura es la muerte.
Las nieblas otoñales ondean, azules, sobre el mar;
toda la hierba se cubre de escarcha;
se diría que un artista ha extendido polvo de jade
sobre las delicadas flores.
El dulce perfume de las flores se ha evaporado;
un viento frío dobla los tallos.
Pronto flotarán las mustias y doradas hojas
de las flores de loto sobre el agua.
Mi corazón está cansado. Mi pequeña linterna
se apaga crepitando, y me hace pensar en el descanso.
¡Voy hacia ti, querido último lugar de reposo!
¡Sí, dame tranquilidad, necesito tanto alivio!
Lloro muchísimo en mi solitud.
El otoño perdura demasiado en mi corazón.
Sol del amor, ¿ya no quieres brillar más
para secar tiernamente mis amargas lágrimas?
En el centro del estanque
hay un pabellón hecho de porcelana
verde y blanca.
Como el lomo de un tigre
se encorva el puente de jade
hasta el pabellón.
Dentro de la casita se sientan amigos,
bellamente vestidos, beben, conversan;
algunos apuntan versos.
Sus mangas de seda resbalan
hacia atrás, sus sombreros de seda
caen alegremente hasta el cuello.
Sobre la tranquila superficie
del agua del estanque se muestra todo
maravillosamente como una imagen de espejo.
Todo se ve al revés
en el pabellón de porcelana
verde y blanca.
El puente parece una media luna,
con su arco invertido. Los amigos,
bellamente vestidos, beben, conversan.
Chicas jóvenes cogen flores,
cogen flores de loto cerca de la orilla.
Se sientan entre arbustos y hojas,
acumulan flores en su regazo y se hacen
burla entre ellas.
El sol dorado se mueve en torno a las imágenes,
las refleja sobre el agua resplandeciente.
El sol refleja sus miembros esbeltos,
sus dulces ojos.
Y el céfiro levanta con caricias aduladoras la tela
de sus mangas, se lleva la magia
de sus agradables perfumes a través del aire.
Oh, mira, ¿qué chicos son estos que se apresuran
allá, en la orilla, con valerosos caballos?
Brillan en la lejanía como los rayos del sol;
¡ya entre las ramas de los verdes álamos
trota el joven gallardo!
El caballo de uno de ellos relincha contento
y duda y cae.
Sobre las flores y la hierba vacilan las pezuñas,
pisan precipitadamente como una tormenta
las desmayadas flores.
¡Ay! ¡Cómo aletean en el éxtasis sus crines,
y humea calurosamente el hocico!
El sol dorado se mueve en torno a las imágenes,
las refleja sobre el agua resplandeciente.
Y la más bella de las jovencitas le dirige
largas miradas de anhelo ardiente.
Su actitud orgullosa es sólo disimulo:
en lo achispado de sus grandes ojos,
en la oscuridad de su mirada
se remueve todavía la excitación compadeciente
de su corazón.
C onc ierto 6. Nota s a l P rog ra m a en p a g . - -
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sabado diecinueve DE NOVIEMBRE
LA CANCIÓN DE LA
TIERRA
Mahler
Quinto Movimiento: Der Trunkene im Frühling
(El borracho en primavera)
Sexto Movimiento: Der Abschied
(La despedida)
Si la vida es sólo un sueño,
¿para qué, entonces, el esfuerzo y la pena?
Yo bebo hasta que ya no puedo más,
¡todo el querido día!
Y cuando ya no puedo beber más
porque el gaznate y el alma están llenos,
entonces camino vacilante hasta mi puerta
y duermo maravillosamente.
¿Qué oigo al despertarme? ¡Escucha!
Un pájaro canta en el árbol.
Le pregunto si ya es primavera...
Para mí, es como un sueño.
El pájaro responde, parloteando:
¡Sí! ¡La primavera ya ha llegado,
ha venido por la noche!
Con el asombro más profundo,
escuché atentamente,
¡el pájaro canta y ríe!
¡Me lleno nuevamente la copa
y la vacío hasta el final,
y canto, hasta que la luna brilla
en el oscuro firmamento!
Y cuando ya no puedo cantar más,
me duermo otra vez.
¡Qué me importa la primavera!
¡Dejadme estar borracho!
El sol se despide detrás de las montañas.
En todos los valles baja el atardecer
con sus sombras, llenas de frío.
¡Oh, mira! Como una barca argéntea,
cuelga la luna alta en el mar del cielo.
¡Noto cómo sopla un frágil viento tras los oscuros abetos!
El riachuelo canta lleno de armonía a través de la oscuridad.
Las flores palidecen a la luz del crepúsculo.
La tierra respira llena de tranquilidad y de reposo.
¡Todo anhelo quiere ahora soñar,
los hombres cansados vuelven al hogar
para aprender nuevamente, en el descanso,
la felicidad y la juventud olvidadas!
Los pájaros se encogen tranquilos en sus ramas.
El mundo descansa...
El viento sopla frío por las sombras de mis abetos.
Yo estoy aquí, y espero a mi amigo, espero su último adiós.
Oh, amigo, deseo fervientemente gozar
contigo de la belleza de este atardecer.
¿Dónde estás? ¡Me dejas demasiado tiempo solo!
Camino de un lado para otro con mi laúd
por campos cubiertos de hierba tierna.
¡Oh, belleza! ¡Oh, mundo ebrio de amor y de vida eternos!
Bajó del caballo, y le ofreció el brebaje
de la despedida. Le preguntó hacia dónde
se dirigía, y también por qué tenía que ser así.
Habló, y su voz estaba anegada en lágrimas:
¡Oh, amigo mío,
la fortuna no fue benevolente conmigo en este mundo!
¿Adónde voy? Voy a errar por las montañas.
Busco la tranquilidad para mi corazón solitario.
Hago camino hacia la patria, hacia mi hogar.
Ya nunca más vaguearé en la lejanía.
Mi corazón está tranquilo y espera su hora.
¡La querida tierra florece por todas partes en primavera
y se llena de verdor nuevamente!
¡Por todas partes y eternamente resplandece de azul la
lejanía! Eternamente... eternamente...
PROGRAM
LA CANCION DE LA TIERRA
“Das lied von der erde”
A
LA
Gustav Mahler (1860-1911)
Versión de cámara (Schöenberg/Riehn)
(en conmemoración del centenario de su muerte)
ORQUESTA EUROPEAE DE CONCIERTOS
Director: Ramón Torrelledó
Elena Gragera, mezzosoprano
Valeriano Gamghebeli, tenor
Juan Antonio Quintana, recitador
Primer Movimiento: Das Trinklied vom Jammer der Erde
(La canción báquica de la miseria terrenal), tenor
Segundo Movimiento: Der Einsame im Herbst
(El solitario en otoño), mezzosoprano
Tercer Movimiento: Von der Jugend
(De la juventud), tenor
Cuarto Movimiento: Von der Schönheit
(De la belleza), mezzosoprano
Quinto Movimiento: Der Trunkene im Frühling
(El borracho en primavera), tenor
Sexto Movimiento: Der Abschied
(La despedida) , mezzosoprano
C onc i ert o 6. Not a s a l P rog ra ma en p a g . --
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notas al programa
MARTES 15 DE NOVIEMBRE
OTRA NOCHE EN LA ÓPERA
NOTAS AL PROGRAMA
En torno al canto se han escrito algunas de las
mejores páginas de música de la historia. El género
operístico sigue alimentando nuevos valores, que son
los encargados de seguir transmitiendo esas bellas
páginas. Y la Semana de la Música, continua incluyendo
en su programación alguna de esas obras, interpretadas
por cantantes que están siempre en los mejores
momentos de sus carreras. Rubén Fdez. Aguirre es el
pianista residente, considerado unos de los mejores en
la especialidad de acompañamiento, que se encarga
con acierto cada año en reunir nuevos valores para dar
luz a las arias y dúos inmortales de los grandes
compositores. Este año serán Marife Nogales y Carmen
Romeu las que abrirán el concierto con uno de los dúos
de “L´isola desabitada” del español Manuel García, para
continuar con una parte dedicada por entero a Mozart.
En julio de 1791, último de la vida de Mozart, el
compositor estaba enfrascado en la creación de “La
flauta mágica”. Le encargaron entonces la composición
de una ópera seria. Quien realizaba el encargo era el
empresario Domenico Guardasoni, que vivía en Praga
y a quien en junio de ese año le pidieron una nueva obra
para la coronación de Leopoldo II como Rey de Bohemia,
ceremonia que tendría lugar el 6 de septiembre.
Guardasoni se desplazó a Viena, e intentó primero
contratar a Antonio Salieri, que estaba muy ocupado y
declinó la oferta. La experiencia de Guardasoni con Don
Giovanni le convenció de que Mozart era capaz de
trabajar con una fecha límite tan ajustada. Mozart no
dudó en aceptar, pues Guardasoni le ofreció el doble de
lo que normalmente le pagaban por una ópera en Viena.
Abandonó la composición de “La flauta mágica” para
dedicarse a “La clemencia de Tito”. Los primeros
biógrafos de Mozart afirmaron que la había compuesto
en 18 días, si bien hoy en día se considera una leyenda
no probada. Después de trabajar en Viena, se trasladó
a Praga, con su alumno Franz Xaver Süssmayr y su
mujer, Constanze Mozart. Al trabajo que ya traía hecho
de Viena le sumó el realizado a lo largo del viaje. A
Süssmayr le confió la redacción de gran parte de los
recitativos secos.
Se estrenó en el Teatro Nacional de Praga el 6 de
septiembre de 1791. Horas antes, Leopoldo había sido
coronado.La obra tuvo una tibia acogida. El rey Leopoldo
prefería la opera de estilo más italiano, en lugar de la
manera germánica por la que Mozart se había decidido.
No se sabe lo que Leopoldo pensaba de esta opera
compuesta en su honor, pero se cuenta la anécdota de
que su esposa María Luisa se refirió a ella como "porcheria
tedesca" (una "porquería alemana"). Durante largo tiempo,
los eruditos mozartianos consideraron que “Tito” era
una obra inferior, dentro del repertorio del compositor,
Sin embargo, en años recientes esta ópera ha sido
revalorizada. Hoy descubrimos por fin en “La clemencia
de Tito” una composición de notable introspección
psicológica, que nos ofrece por lo menos una hora de
la mejor música jamás escrita por Mozart.
Così fan tutte ossia La scuola degli amanti (título
original en italiano; en español, Así hacen todas o La
escuela de los amantes) es un drama jocoso en dos
actos con música de Mozart y libreto en italiano de
Lorenzo da Ponte. SE estrenó en Viena, el 26 de enero
de 1790. Aunque normalmente se dice que fue creada
debido a la sugerencia del Emperador José II de
Habsburgo, recientes investigaciones no apoyan esta
idea. Hay evidencia de que el contemporáneo de Mozart,
Antonio Salieri intentó musicar el libreto, pero lo dejó
inacabado. La traducción literal del título es "Así hacen
todas (las mujeres)", y menos literalmente: "Lo mismo
hacen todas" o "Las mujeres son así. Mozart y Da Ponte
tomaron como tema el "intercambio de parejas", que se
remonta al siglo XIII, con notables antecedentes como
el Decamerón de Boccaccio y el Cimbelino de
Shakespeare. Elementos de otra obra de Shakespeare
“La fierecilla domada” también están presentes. Más
aún, incorpora elementos del mito de Procris tal como
se encuentra en las Metamorfosis de Ovidio, De esta
ópera escucharemos el aria de Fiordiligi “Come scoglio”
y el dúo del segundo acto “Prenderò quel brunettino”.
La segunda parte estará dedicada a la opera francesa.
Comenzando por el aria de Mignon “Connais tu le pays”
de la opera Mignon de Ambroise Thomas (1811-1896).
Este compositor francés, nacido en Metz el 5 de
agosto de 1811, que en 1832 había ganado el Premio
de Roma del Conservatorio de París, tenía en su haber
16 estrenos de ópera con escaso o ningún éxito cuando,
en 1866, es decir a los 56 años, obtuvo un gran triunfo:
Mignon. Y en su obra siguiente, Hamlet el éxito se repitió;
pero disminuyó en su última ópera. No obstante, las
dos obras mencionadas se mantuvieron durante décadas
en el repertorio de los teatros. Contienen varios
fragmentos musicales que los grandes cantantes siguen
interpretando. Una y otra vez hay reposiciones de esas
obras, lo que es una prueba de que, en especial Mignon,
no podían gustar sólo en la época romántica. Thomas,
muy admirado y mundialmente célebre, murió en París
el 12 de febrero de 1896. Thomas fue sin duda un gran
compositor, y también un melodista inspirado. Las partes
de canto, tanto en los solos como en las numerosas
escenas de conjunto, tienen un desarrollo sobresaliente;
el sonido de la orquesta es muy variado y a menudo
brillante. Mignon es una de las pocas óperas románticas
cuyo papel principal fue confiado a una mezzosoprano.
De la ópera Manon de Massenet escucharemos la Gavotta
de Manon “Je marche sur tous les chemins”. La ópera
está basada en la novela "Les Aventures du Chevalier
Des Grieux et de Manon Lescaut" del Abate Prévost. Se
estrenó en la Ópera Cómica de París el 19 de enero de
1884. En España se estrenó en el Gran Teatre del Liceu
de Barcelona, el 29 de diciembre de 1894.
Jules Massenet
29
notas al programa
En la ópera, Massenet se limitó a recoger solamente
algunas escenas de la novela, que había disfrutado de
un gran éxito en Francia durante el siglo XVIII. En la
versión de Massenet, Manón, la protagonista, es
deportada a Luisiana por ejercer la prostitución, pero
muere antes de salir de Francia. Massenet se ajusta de
manera brillante al libreto. Su música es inspirada, llena
de melodías que expresan multitud de sentimientos, y
está construida e instrumentada de manera brillante.
De Los cuentos de Hoffman de Hoffenbach escucharemos
la famosa barcarola. de Nicklausse y Giulietta (Belle
nuit - "Bella noche"). Curiosamente, el aria no fue escrita
por Offenbach pensando en Los cuentos de Hoffmann.
La escribió como "Canción de los elfos" en la ópera Die
Rheinnixen (Las hadas del Rin), que se estrenó en Viena
el 8 de febrero de 1864. Offenbach murió con Los
cuentos de Hoffmann inacabados. Ernest Guiraud
completó la partitura y escribió los recitativos para el
estreno. La barcarola inspiró al compositor inglés
Kaikhosru Shapurji Sorabji para escribir su Passeggiata
veneziana sopra la Barcarola di Offenbach (1955-56).
Moritz Moszkowski también escribió una transcripción.
La barcarola se ha usado en muchas películas, entre
ellas La vida es bella y Titanic. También proporcionó la
melodía para la interpretación de Elvis Presley de la
canción "Tonight Is So Right For Love" en la película G.I.
Blues (1960).
De Carmen de Bizet escucharemos la Seguidilla de
Carmen y el aria de Micaela “Je dis que rien ne me
pouvante”.
Como todos probablemente conocen la historia se
ambienta en Sevilla, alrededor del año 1820, y la
protagoniza Carmen, una bella gitana con fiero
temperamento. Libre con su amor, seduce al cabo don
José, un soldado inexperto. Su relación lleva a que él
rechace a su anterior amor, al amotinamiento contra su
superior y a unirse a un grupo de contrabandistas. Sus
celos cuando ella dirige su amor al torero Escamillo
lleva a don José a asesinar a Carmen.
La composición modificó decididamente la ópera
francesa hoy es considerada como la gran anticipación
de la escuela italiana conocida como "verismo". Fue
considerada por el filósofo alemán Friedrich Nietzsche
como una respuesta latina a la estética wagneriana. Hoy
es la ópera francesa más famosa e interpretada en el
mundo entero.
Y para finalizar este conocido recorrido el concierto
terminará con el famoso dúo “Viens Mallika” más
conocido como “Dúo de las flores” de Lakme de Leo
Delibes La ópera fue estrenada en la Opéra-Comique en
1883. Narra el amor imposible de un oficial británico
y la hija de un sacerdote de Brahma, en la India del
siglo XIX. Entre muchos números deslumbrantes,
contiene el famoso número de lucimiento para soprano
de coloratura conocido como la Scène et légende de la
fille du paria, llamada Air des clochettes (Aria de las
campanillas y el citado dúo, que ha sido utilizado en
multitud de ocasiones dentro del mundo de la publicidad.
Leo Delibes
JUEVES 17 DE NOVIEMBRE
EL PIANO DE ALTA ESCUELA
El pianista Iván Martín ofrece un programa centrado
en la primera parte en Soler y Clementi.
Georges Bizet
30
Antonio Soler y Ramos (Olot, 3 de diciembre de
1729- San Lorenzo de El Escorial, 20 de diciembre de
1783) fue un compositor y clavecinista español,
representante de la escuela española de música para
teclado del siglo XVIII, y seguidor de la corriente musical
introducida en España por el italiano Domenico Scarlatti.
Cuando tenía 6 años entró en la Escolanía de Montserrat,
donde comenzó sus estudios de música y órgano, al
igual que haría Fernando Sor. Ingresó como monje en
la orden religiosa de San Jerónimo y se consagró como
sacerdote en 1752, por lo que se le conoce como “el
padre Soler”. Fue maestro de capilla en la catedral de
Lérida y, más tarde, ocupó el cargo de organista y
director del coro del monasterio de San Lorenzo de El
Escorial, donde pasó a formar parte de su comunidad
de jerónimos. Aquí enseñaba y actuaba como primer
organista, y componía la música para los oficios. Entre
sus alumnos destacaba el Infante Gabriel de Borbón,
hijo de Carlos III. El Infante era un estudiante muy capaz;
Antonio Soler
de hecho varias de las sonatas para clave de Soler fueron
compuestas expresamente para él.
Fue en El Escorial donde estudió con José de Nebra
y Domenico Scarlatti. Este último era, por aquel entonces,
compositor de la corte española e influenció ciertamente
la obra de Soler. Se encuentran semejanzas significativas
en las sonatas de ambos compositores. Ambos usaron
saltos amplios, cruces repetidos de las manos y pasos
escalares en tercias o en sextas. Aun así hay diferencias
estilísticas, como la predilección de Soler por el "bajo
de Alberti", raramente empleado por Scarlatti. A su vez
este último usaba l'acciaccatura, técnica que no utilizaba
el padre Soler. Se le considera el maestro más
renombrado de la escuela de clave español y su marcada
personalidad domina poderosamente en el panorama
de la música española del siglo XVIII.
Se le atribuyen algo más de 400 obras, entre ellas
más de doscientas sonatas para clave. Como teórico
escribió un tratado sobre la armonía titulado: Llave de
la modulación y antigüedades de la música. Es
popularmente célebre su Fandango, un aire de la rítmica
danza española.
Muzio Clementi (24 de enero de 1752 - 10 de marzo
de 1832) fue un compositor reconocido como el primero
que escribió específicamente para piano. Es más conocido
por su colección de estudios para piano Gradus ad
Parnassum.
Clementi nació en Roma en 1752, .Fue el primero
de siete hijos de Nicolò Clementi, un platero altamente
respetado y romano por herencia, y de Magdalena Kaiser
de nacionalidad suiza. Su talento musical empezó a
manifestarse a temprana edad: a los siete años comenzó
su instrucción musical, y sus progresos fueron tan
notables que a los trece años ganó un lugar como
organista .
En 1766, Sir Peter Beckford (1740-1811), un
acaudalado inglés primo del excéntrico William Beckford,
mostró interés en el talento musical del muchacho, y
trató de convencer a Nicolò para llevarlo a su Mansión
de Blandford Forum en Dorset,Inglaterra - donde Beckford
acordó proveer pagos trimestrales para solventar la
educación musical de Clementi. A cambio de esta
educación, Clementi se encargaba de los eventos
musicales en la Mansión. Clementi pasó los siguientes
siete años dedicándose enteramente al estudio y práctica
del clavicordio. Sus composiciones de este período
inicial, sin embargo, fueron pocas y casi todas se han
perdido.
En 1770, Clementi se presenta por primera vez en
público como pianista. La audiencia estuvo muy
impresionada con su ejecución, fue el comienzo en ese
entonces de una de las carreras como concertista de
piano más exitosas en la historia. En 1774, Clementi
fue liberado de sus obligaciones para con Peter Beckford,
y se trasladó a Londres, en donde entre otras realizaciones
hizo varias presentaciones en público como clavicordista,
intervino en conciertos para cantante y arpa, y sirvió
como "director" - desde el teclado - al teatro del rey,
Haymarket por al menos este período. Su renombre
creció, al menos en parte a la popularidad de sus Sonatas
Opus 2 recientemente publicadas. Su fama y prestigio
aumentó rápidamente, y fue considerado por muchos
círculos musicales como el pianista virtuoso más grande
del mundo.
Clementi inició un tour europeo en 1781, que le
permitió viajar por Francia, Alemania y Austria. En Viena,
Clementi convino con José II para entrar en un duelo
musical con Wolfgang Amadeus Mozart para
entretenimiento del Emperador y sus invitados. Cada
ejecutante fue invitado a improvisar y a ejecutar
selecciones de sus propias composiciones. La habilidad
de ambos compositores y su virtuosismo fue tan grande
que el Emperador se vio forzado a declarar un empate.
El 12 de enero de 1782 Mozart escribió a su padre:
"Clementi toca bien, tanto como la ejecución con su
mano derecha le permite. Su mayor potencial reside en
sus pasajes en terceras. Aparte de eso, no tiene el valor
de Kreuser en cuanto al gusto y la sensibilidad resumiendo él es muy técnico". En cartas subsiguientes,
fue más allá diciendo que "Clementi era un charlatán,
como todos los Italianos". Las impresiones de Clementi
respecto de Mozart, por el contrario, fueron todas muy
positivas y entusiastas.
Pero el tema principal de la sonata en si bemol que
escucharemos en el concierto a Ivan Martín, mayor
cautivó la imaginación de Mozart, y diez años más tarde
lo utilizó en la obertura de su ópera Die Zauberflöte (La
Flauta Mágica). Este hecho indignó tanto a Clementi que
cada vez que publicó esta sonata, incluyó una nota
explicando que fue escrita diez años antes que Mozart
escribiera La Flauta Mágica.
Muzio Clementi
A partir de 1782, y en los siguientes veinte años
Clementi permaneció en Inglaterra tocando el piano,
dirigiendo y enseñando. Dos de sus estudiantes
alcanzaron un importante renombre: Johann Baptist
Cramer y John Field (quien, a su vez, ejerció una gran
influencia sobre Frédéric Chopin). En 1807. inició
contactos con Ludwig van Beethoven, uno de sus más
grandes admiradores, quién le dio los plenos derechos
de publicación de toda su música. El nivel alcanzado
por Clementi dentro de la historia de la música como
editor e intérprete de Ludwig van Beethoven no es
ciertamente menor que como compositor. En 1810
Clementi dejó de realizar sus conciertos para dedicarle
todo su tiempo a la composición y a la fabricación de
31
notas al programa
pianos. En 1830 se trasladó a las afueras en Lichfield
y pasó sus últimos años en Evesham, donde murió a los
80 años de edad. Fue enterrado en la abadía de
Westminster. Clementi se casó tres veces.
Clementi es conocido por su colección de estudios para
piano Gradus ad Parnassum, sobre la cual hace Debussy
una divertida alusión en la obra "Doctor Gradus ad
Parnassum" (el primer movimiento de su suite El rincón
de los niños). Del mismo modo sus sonatinas pasaron
a ser un estudio obligado para los estudiantes de piano,
hasta pasado el siglo XX. Erik Satie, un contemporáneo
de Debussy, bromearía con estas sonatinas
(específicamente la sonatina Op. 36 n° 1) en su Sonatina
Burocrática.
Clementi compuso alrededor de 110 sonatas para
piano. Algunas de las primeras y más sencillas fueron
reeditadas como sonatinas después del éxito de su
sonatina Op. 36 n° 1, y continúan siendo obras de
práctica popular en la educación del aprendizaje del
piano. Sus sonatas raramente son tocadas en conciertos
públicos, en gran parte porque son consideradas como
música educacional sencilla. Las Sonatas de Clementi
son a menudo más difíciles de tocar que las de Mozart,
aunque - en realidad, escribió una carta a su hermana
en la que le decía que preferiría que no tocase las sonatas
de Clementi debido a sus saltos de movimientos, a la
amplitud de espacios de digitación y los acordes, que
pensaba que para lograr tocarlos le podría causar alguna
lesión.
El ser un contemporáneo de los más grandes
compositores clásicos de piano tales como Mozart y
Beethoven hizo mucha sombra sobre su propio trabajo,
por lo menos en la práctica del concierto, a pesar de su
posición central en la historia de la música para piano
y en el desarrollo de la forma de sonata.
Ivan Martín incluye en la segunda parte de su
concierto, obras de Liszt dedicadas a Chopin y a su vez
obras de éste, dedicadas al primero. Una forma original
de confeccionar y unir a dos de los mas grandes virtuosos
del piano moderno, auténticos revolucionarios de la
forma y la técnica del instrumento.
Franz Liszt (Raiding, Imperio austríaco, 22 de octubre
de 1811 - Bayreuth,Imperio alemán, 31 de julio de 1886)
fue un compositor húngaro romántico, virtuoso pianista
y profesor. Liszt se hizo famoso en toda Europa durante
el siglo XIX por su gran habilidad como intérprete. Sus
contemporáneos afirmaban que era el pianista
técnicamente más avanzado de su época y quizás el
más grande de todos los tiempos. También fue un
importante e influyente compositor, un profesor de piano
notable, un director de orquesta que contribuyó
significativamente al desarrollo moderno del arte y un
benefactor de otros compositores y artistas, intérpretes
o ejecutantes, en particular de Richard Wagner, Hector
Berlioz, ,Camille Saint-Saëns,, Edvard Grieg y Aleksandr
Borodín.
Como compositor, fue uno de los más destacados
representantes de la «Nueva Escuela Alemana»
(«Neudeutsche Schule»). Compuso una extensa y variada
cantidad de obras para piano (rapsodias, estudios,
transcripciones, etc.), y también una extensa producción
orquestal. Influyó a sus contemporáneos y sucesores y
anticipó algunas ideas y tendencias del siglo XX. Algunas
de sus contribuciones más notables fueron la invención
del poema sinfónico, desarrollando el concepto de
transformación temática como parte de sus experimentos
en la forma musical, y hacer desviaciones radicales en
la armonía.
Fryderyk Chopin Compositor y pianista polaco
adscrito al movimiento romántico, considerado como
uno de los más grandes compositores de música para
piano. Nació el 4 de marzo de 1810 en Zelazowa Wola,
cerca de Varsovia. Hijo de padre francés y madre polaca,
comenzó a estudiar piano a los cuatro años; a los ocho
ofrecía un concierto privado en Varsovia. Más tarde
Fryderyk Chopin
estudió armonía y contrapunto en el conservatorio de
dicha ciudad. También fue precoz como compositor; su
primera obra publicada data de 1817. Dio sus primeros
conciertos como virtuoso el año 1829, en Viena, donde
vivió durante los dos años siguientes. Excepto durante
breves ausencias, a partir de 1831 vivió en París, donde
se convirtió en un prestigioso profesor, pianista y
compositor. En 1837 inició una relación íntima con la
escritora francesa George Sand. En 1838 enfermó de
tuberculosis y se trasladó a Mallorca, en las islas Baleares.
Allí, en la cartuja de Valldemosa, Sand lo atendió en su
enfermedad hasta que las continuas disputas entre los
dos condujeron a su ruptura el año 1847. A partir de
entonces su actividad concertística se limitó a varios
recitales en Francia, Escocia y Gran Bretaña. Murió en
París el 17 de octubre de 1849, víctima de la tuberculosis.
Prácticamente todas las composiciones de Chopin son
para piano. Aunque expatriado, siempre fue leal a
Polonia, un país desgarrado por las guerras; sus
mazurcas reflejan los ritmos y melodías del folclore
polaco y las polonesas están marcadas por el espíritu
heroico de su patria. La influencia que sobre él ejerció
Franz Liszt
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el compositor de ópera italiano Vincenzo Bellini también
se puede apreciar en sus melodías. Las baladas, scherzos
y estudios (cada uno de ellos centrado en un problema
técnico específico) son muestra de su amplísima obra
para piano solo. Su música, romántica y lírica, se
caracteriza por las dulces y originales melodías, las
refinadas armonías, los ritmos delicados y la belleza
poética. Influyó notablemente sobre otros compositores,
como el pianista y compositor Franz Liszt y el compositor
francés Claude Debussy. Sus obras publicadas incluyen
55 mazurcas, 27 estudios, 24 preludios, 19 nocturnos,
13 polonesas y 3 sonatas para piano. Entre sus otras
obras destacan los Conciertos de juventud, en mi menor
y fa menor opus 11 y opus 21, respectivamente (ambos
para piano y orquesta; en los dos se aprecia la influencia,
tanto en su forma como en la melodía, de los conciertos
para piano de Johann Nepomuk Hummel), así como una
sonata para violonchelo y piano y 17 canciones.
SÁBADO 19 DE NOVIEMBRE
EL TEMOR AL NÚMERO NUEVE
Cuando Mahler emprende la composición de su
siguiente obra sinfónica, se da cuenta que le
correspondería el número nueve si de una sinfonía se
trataba. Ese era y es un número fatídico para los
compositores. Beethoven murió después de su “novena”
sinfonía, Schubert, Bruckner y Dvotak también. Así que
Mahler cuya relación con la muerte siempre fue cercana,
decidió evitar componer su novena sinfonía . Finge estar
componiendo un nuevo ciclo de canciones y apunta,
según cuenta su esposa Alma, un primer título “La flauta
de Jade”. En realidad Mahler había perdido el habito ya
de emprender la composición de una gran obra, se
cumplían cuatro años sin escribir una sola canción y
más de dos desde su última sinfonía. Pero necesita
enfrentarse a una nueva obra con nuevos bríos y con
nuevas ideas que de algún modo reflejen los importantes
cambios en su vida. Durante seis semanas compone de
modo constante y el 1 de septiembre de 1908 termina
la que será finalmente “La canción de la tierra” a la que
no sabe como nombrar para eludir el fatídico numero
nueve. Primero dice “Sinfonía para tenor, contralto y
orquesta”. Después le llama “Sinfonía de canciones”.
Todavía no era consciente de que había creado una
forma sinfónica nueva. Los textos son orientales. ¿Por
qué Mahler se fijaría en poemas escritos tan lejos en
la distancia y en el tiempo? Tal vez porque quería buscar
una solución “oriental” a su angustia interior. Lo cierto
es que extrajo siete de entre ochenta y seis poemas
chinos y acabó convirtiéndolos en seis movimientos. Los
poemas 1, 3 y 5 son de Li Bai, conocido también como
Li Tai Po ( 701-762 ). Lo tremendamente intrigante es
que el escritor chino parece ser que era un borracho,
que según una leyenda se ahogó en un río buscando el
reflejo de la luna. “ Se interpreta esa búsqueda de la
luna como una referencia sexual. O dicho de otro modo
Li Tai Po, se suicidó por causa de un amor frustrado.
Lo que al parecer a Mahler le atrajo fue la tremenda
fuerza poética de los poemas que hablan de dolor eterno
y angustia existencial, algo muy familiar para él,
desesperado por una melancolía que le invadía cada
vez con más frecuencia. Lo desconcertante es que la
obra de Li tai Po se enseña en los colegios de preescolar
en China. Mahler utilizó la versión traducida por un poeta
alemán llamado Hans Betghe, que a su vez se había
servido de la traducción francesa de Judith Gautier,
tomándose incluso la libertad de añadir líneas suyas a
los poemas. Parece clara la intención de Mahler de
intentar “curarse” del miedo a la muerte a través de las
sensaciones de oriente y para ello utiliza un discurso
musical que se basa en una escala pentatónica perfecta.
El ciclo de seis canciones tiene una estructura unitaria
que se equilibra en el contraste. Su naturalismo, dado
el título, parece evidente, pero si leemos atentamente
los textos, veremos que las referencias a las estaciones
no son externas sino interiores, es decir sensaciones de
distintos estados de ánimo. El halago de la vida, el fluir
de los sentimientos y de los deseos, los vínculos con la
naturaleza, están marcados por lo negativo que procede
del dolor, de la melancolía o de la desilusión. La primera
poesía “canción báquica por la miseria de la tierra”, es
una invitación a perderse en los efectos del vino. “Oscura
es la vida, oscura es la muerte”. Después viene el segundo
poema “El solitario en otoño” en el que el frío viento y
la niebla envuelven la naturaleza. En el tercer poema
“De la juventud”, se ve a los jóvenes vestidos de domingo
mientras él, viejo e impotente se asoma a su pabellón
de verde y blanca porcelana. El cuarto poema “La
belleza” , habla de jóvenes chicos y chicas que juegan
a la orilla del río. El quinto poema “El borracho en
primavera”, retoma el simbolismo expresado
musicalmente en los contrastes llevados al límite. La
tensión casi apocalíptica busca de nuevo la culminación
en el vino. Y así se llega al ultimo poema “La despedida”,
lleno de contradicciones indisolubles. La sensación del
poeta es de resignación ante la muerte mientras la
naturaleza, renueva el ciclo eterno. La orquesta sostiene
siempre un canto lleno de congoja dentro de un contexto
variado y sombrío ,extraño y doloroso pero a la vez muy
sugestivo, dibujado y trasmitido por empastes tímbricos
muy atrevidos. Los sonidos evocan cierto exotismo. El
color orquestal se sirve de todo tipo de recursos para
fusionar el estilo inequívoco de un autor que mezcla
como nadie lo sublime con lo banal y al que como él
mismo predijo le ha llegado el momento del
reconocimiento universal.
EMILIANO ALLENDE
Gustav Mahler
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ORGANIZA
Excmo. Ayuntamiento de Medina del Campo
Concejalía de Educación y Cultura
PATROCINA
Excmo. Ayuntamiento de Medina del Campo
Junta de Castilla y León
Diputación de Valladolid
Caja Duero / Caja España
COLABORA
Escuela Municipal de Música
Pianorent
Silvano Coello
EQUIPO DE LA 20 SEMANA INTERNACIONAL DE LA MUSICA
Teresa Rebollo (Presidenta)
Emiliano Allende (Director)
Eduardo López (Coordinador)
Juan Alfredo Rodríguez
René Gay
Rosa Amigo
Fco. Javier Blanco
Dulce Mª Hernández
Verónica Herrero
Rubén Fernández Aguirre (Pianista residente)
La Semana Internacional de la Música agradece expresamente
la especial colaboración de las siguientes personas:
Agustín Achúcarro
Félix Alcaraz
Manuel del Río
Alicia González
Alberto Hernández
Fernando Herrero
Mercé Illa
Iván Martín
José Mª Morate
Francisco Lorenzo
Marcos Ottone
Jaime Pérez
Juan Antonio Quintana
Galo Senovilla
Juan Torrelledó
Ramón Torrelledó
Durante la celebración de la 20ª Semana Internacional de la Música estará
abierto el Servicio de Guardería del Auditorio Municipal.