Dossier de Prensa PHE16

Transcripción

XIX Festival Internacional
de Fotografía
y Artes Visuales
Dossier de Prensa
Jefa de prensa
Isabel Cisneros
T. + 34 91 298 55 11
[email protected]
Prensa internacional
Laure Maure
T. +34 647 458 776
[email protected]
Oficina de prensa
Marina P. Villarreal
T. +34 91 298 55 09
[email protected]
En su decimonovena convocatoria, PHotoEspaña estará dedicado de forma monográfica a la
fotografía europea, siguiendo el camino iniciado en la edición de 2014 de abordar un área geográfica.
Conscientes de que la extensión y variedad histórica, cultural y creativa de tan amplio territorio
hacen inviable un planteamiento enciclopédico, queremos presentar una plataforma que muestre
las confluencias, bifurcaciones y contraposiciones del medio fotográfico en ese territorio.
El programa expositivo analizará el desarrollo de la fotografía europea, desde sus orígenes
hasta la actualidad, recogiendo visiones transversales, así como propuestas temáticas
y contextualizadoras.
PHotoEspaña 2016 se celebrará entre el 1 de junio y el 28 de agosto de 2016.
ÍNDICE
X X PHotoEspaña 2016
5 Estructura del Festival
SECCIÓN OFICIAL
8Madrid
35 Alcalá de Henares
36 Alcobendas
43 Segovia
4 4 Zaragoza
Castilla-La Mancha
47 Albacete
48 Ciudad Real
49 Cuenca
50 Guadalajara
51 Toledo
52 Europa
SEDES INVITADAS
64 Madrid
FESTIVAL OFF
67 Madrid
PROGRAMAS PROFESIONALES
74 PIC.A. Escuela Internacional Alcobendas
PHotoEspaña
74 Semana Descubrimientos PHE:
visionado de porfolios y seminarios
74 Campus PHE
75 Encuentros culturales PHE.
75 Un mosaico inesperado
76 Visionado de porfolios en Murcia
76 Trasatlántica PHE
77 PIC.A. Escuela Internacional Alcobendas
PHotoEspaña.
77 Máster PHotoEspaña:
Teoría y proyectos artísticos
PROGRAMAS PARA PÚBLICOS
79 Foro PHE – Comunidad de Madrid
79 Del Selfie al Selfportrait.
¡Larga vida al selfportrait!
80 Talleres infantiles y juveniles PHE –
Fundación Canal
80 PHotoMaratón nocturno. Samsung
81 En la noche. Proyecciones al aire libre PHE –
Fundación Banco Sabadell
81 Seminario / Taller Adobe Stock
82 Espíritu Ribera
82 Fotografía en Europa. In and Out
83 PHotoBook Week
83 PHotoWalk Alcalá de Henares
84 PHotoWalk Lanzarote
86 Premios oficiales PHE16
87 Créditos
GRANDES PATROCINADORES
PATROCINADORES INSTITUCIONALES
GOBIERNO
DE ESPAÑA
MINISTERIO
DE EDUCACIÓN, CULTURA
Y DEPORTE
SECRETARÍA
DE ESTADO
DE CULTURA
GOBIERNO
DE ESPAÑA
COLABORADOR PRINCIPAL
ENTIDADES PATROCINADORAS
COLABORADORES ASOCIADOS
SEDES
INSTITUCIONES INTERNACIONALES
GOBIERNO
DE ESPAÑA
MINISTERIO
DE ECONOMÍA
Y COMPETITIVIDAD
FERNÁN GÓMEZ
PANTONE 166C
PANTONE 166C
KONINKRIJK BELGIË
COOL GRAY 8C
COOL GRAY 8C
Federale Overheidsdienst
Buitenlandse Zaken,
Buitenlandse Handel en
Ontwikkelingssamenwerking
GOBIERNO
DE ESPAÑA
ROYAUME DE BELGIQUE
Service public fédéral
Affaires étrangères,
Commerce extérieur et
Coopération au Développement
MINISTERIO
DE FOMENTO
ENTIDADES AMIGAS Y PROVEEDORES
MEDIOS ASOCIADOS
Aesthetica
CANAL180.PT
LOGOTIPO PRINCIPAL + WEB (fondo blanco)
MINISTERIO
DE FOMENTO
ESTRUCTURA DEL FESTIVAL
SECCIÓN OFICIAL
MADRID
BIBLIOTECA NACIONAL DE ESPAÑA
Los mejores libros de fotografía del año
CASA DE AMÉRICA
Cartografías íntimas, un acercamiento a las relaciones
interpersonales
CASA DE AMÉRICA
José A. Figueroa. Und Jetzt? (¿y ahora qué?)
CENTROCENTRO CIBELES
Fotografía de retrato en Europa desde 1990
CÍRCULO DE BELLAS ARTES / SALA GOYA
Louise Dahl-Wolfe. Con estilo propio
CÍRCULO DE BELLAS ARTES / SALA MINERVA
Federico Clavarino. The Castle
CÍRCULO DE BELLAS ARTES / SALA PICASSO
Transiciones. Diez años que trastornaron Europa.
Colección Motelay
COMUNIDAD DE MADRID /
SALA CANAL DE ISABEL II
Archivo Paco Gómez. El instante poético y la imagen
arquitectónica
CENTRO CULTURAL CONDE DUQUE / SALA SUR
¡A las puertas del paraíso! Ensayo fotográfico sobre
el migrante, el nómada, el exiliado, el refugiado,
el apátrida...
ESPACIO FUNDACIÓN TELEFÓNICA
Tras los pasos de Inge Morath. Miradas sobre
el Danubio
SECCIÓN OFICIAL
OTRAS CIUDADES
MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA
Humanismo y subjetividad en la fotografía española
de los años 50 y 60. El Caso Afal
MUSEO NACIONAL DEL PRADO
Copiado por el sol. The Talbotypes Illlustrations of
The Annals of the Artists of Spain de William Stirling
Maxwell (1848)
MUSEO NACIONAL DEL ROMANTICISMO
Miroslav Tichý o la celebración del proceso
MUSEO NACIONAL DEL TRAJE. CIPE
Joséphine Douet. Coutures (Costuras)
REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN
FERNANDO / CALCOGRAFÍA NACIONAL
Māris Maskalāns. Nagļi. LV- 4631
REAL JARDÍN BOTÁNICO – CSIC
Bernard Plossu. La hora inmóvil. Una metafísica
del Mediterráneo
Linarejos Moreno. Tabularia: laboratorios de ciencia
e imaginación
TEATRO REAL. ROTONDAS SALA GOYA
La vuelta al mundo en veinte años de ópera
SALA ARQUERÍAS. MINISTERIO DE FOMENTO
Cámara y modelo. Fotografía de maquetas de
arquitectura en España, 1925–1970
TABACALERA-ESTUDIOS
Linarejos Moreno
ALCALÁ DE HENARES
CONVENTO DE SANTA MARÍA LA RICA
Jürgen Schadeberg. La memoria visual de la vida.
Retrospectiva
ALCOBENDAS
BULEVAR SALVADOR ALLENDE
Alberto García-Alix. París, Rien de plus
CENTRO CULTURAL ANABEL SEGURA
Confines
CENTRO DE ARTE ALCOBENDAS
Yannis Karpouzis. La crisis paralela
Ricardo Cases. Paloma al aire
Pierre Gonnord. Retratista
Aleix Plademunt. Almost there (Casi allí)
Nicolas Grospierre. All pales before the book
SEGOVIA
LA CÁRCEL. CENTRO DE CREACIÓN
Carlos Saura. España, años 50
ZARAGOZA
CENTRO DE HISTORIAS
Daniel Blaufuks. Toda la memoria del mundo, parte uno
FERNÁN GÓMEZ. CENTRO CULTURAL DE LA VILLA
Juana Biarnés. A contracorriente
CENTRO DE HISTORIAS: LA CRIPTA
Pat Graham. Instrument
Cristina de Middel. Muchismo
LA LONJA
Chema Conesa. Retratos de papel
FUNDACIÓN CANAL
Vivian Maier, fotógrafa de calle
LOEWE GRAN VÍA
Lucia Moholy, Cien años después
MUSEO CERRALBO
Shirley Baker. Mujeres, niños y hombres que dejan
pasar el tiempo
MUSEO ICO
Robbins & Becher. Desplazamientos
MUSEO LÁZARO GALDIANO
Andrzej Tobis. A-Z (Diccionario ilustrado)
LA MANCHA
ALBACETE
MUSEO DE ALBACETE
Caio Reisewitz. Ingenios de hoy
CIUDAD REAL
MUSEO DE CIUDAD REAL –
CONVENTO DE LA MERCED
Montserrat Soto. Dato primitivo 5. Pinacoteca
CUENCA
MUSEO DE CUENCA
Jordi Bernadó. Las huellas del Quijote
GUADALAJARA
PALACIO DEL INFANTADO
Ferdinando Scianna. La ciudad y sus gentes
TOLEDO
MUSEO DE SANTA CRUZ
John Davies. Paisajes de La Mancha
SEDES INVITADAS
MADRID
SECCIÓN OFICIAL
EUROPA
FESTIVAL OFF
CASA DE VELÁZQUEZ /
ACADÉMIE DE FRANCE À MADRID
Fotógrafos de la Casa de Velázquez 2016
BRATISLAVA
CENTRAL EUROPEAN HOUSE OF PHOTOGRAPHY
Vasil Stanko. Photographs
6MAS1
Entre mundo y juguete. Colectiva
MAGDA BELLOTTI
Tete Álvarez. Desplazamientos
ASPA CONTEMPORARY
Nagore Legarreta. Hysteron
MATERNA Y HERENCIA
Alfonso Zubiaga. Caos y vacío.
Espacios de supervivencia
FNAC CALLAO
Christian Rodríguez. Una flor mixe
HOTEL IBEROSTAR LAS LETRAS GRAN VÍA
Miradas ibéricas. Colección La Fábrica
ISTITUTO ITALIANO DI CULTURA
Gabriele Basilico. Arquitectura y ciudad. Fotografías
de las colecciones del MAXXI
MUSEO NACIONAL DE CIENCIAS NATURALES
Juan del Junco. Conceptual Adalusia & Européen en
vol
REAL SOCIEDAD FOTOGRÁFICA
La triple mirada de los Dolcet
CHALON SUR SAÔNE
MUSÉE NICÉPHORE-NIÉPCE
L’oeil de l’expert. La photographie contemporaine
DUBLÍN
PHOTOIRELAND
Flâneur by Dublin
ESTAMBUL
ISTANBUL MODERN PHOTOGRAPHY GALLERY
Habitat
BAT ALBERTO CORNEJO
No words. Colectiva
BLANCA BERLÍN
Jürgen Schadeberg
BLANCA SOTO
Bigas Luna. A fior di pelle (A flor de piel)
CÁMARA OSCURA
Nanna Hänninen. Now is now
CERO
Daniel Mayrit. Imágenes autorizadas
HELSINKI
THE FINNISH MUSEUM OF PHOTOGRAPHY
Alec Soth. Gathered Leaves
ESPACIO VALVERDE
Miguel Rosón Riestra. Pleamar
LONDRES
THE PHOTOGRAPHERS’ GALLERY
Double Take: drawing and photography
FERNANDO PRADILLA
Fotografía transversal. Colectiva
MOSCÚ
THE LUMIÈRE BROTHERS CENTER FOR
PHOTOGRAPHY
Sandro Miller. Malkovich, Malkovich, Malkovich:
Homage to photographic masters
PARÍS
MAISON EUROPÉENNE DE LA PHOTOGRAPHIE
Marcel Gautherot. Form as narrative:
the photographs of Marcel Gautherot
RIGA
LATVIAN NATIONAL MUSEUM OF ART
Tamed Nature. Nature Motifs in Fashion
from the 18th Century till Nowadays
RÓTERDAM
NEDERLANDS FOTOMUSEUM
Crime Scences. A hundred years of photographic
evidence
VARSOVIA
FUNDACJA BĘC ZMIANA
Mikołaj Długosz. Summer in the City
FERNÁNDEZ- BRASO
Ouka Leele. Viajeros de mi galaxia
FREIJO GALLERY
Mónica Sánchez-Robles. LUZ INTERIOR |
COLOR OF EMOTIONS
IVORYPRESS
Chloe Dewe Mathews. Shot at Dawn
JORGE ALCOLEA
Abraham Calero. Dignus
JOSÉ DE LA MANO
Gerardo Vielba. París, 1962
LA CAJA NEGRA
Adolfo Patiño. Adolfotógrafo
Fotografía anónima pintada (México).
Vida soñada en color. Colectiva
LA FÁBRICA
Cristina de Middel. Antipodesedoptina
LA FIAMBRERA
Juan Pérez-Fajardo. All Access
LUCÍA MENDOZA
Christian Voigt. Paisajes de interior
LUIS BURGOS
Cano Erhardt. En Coney Island
MICHEL SOSKINE
Joel-Peter Witkin
MOISÉS PÉREZ DE ALBÉNIZ
Basurama. Abundancia
MONDO GALERÍA
Virginia Rota. Saudade
ODALYS
Transdiverso (fotografía, videoarte y arte multimedia
de Venezuela)
OGAMI PRESS
Jesús Labandeira. Cuando aún nevaba
PILAR SERRA
Linarejos Moreno. Write, write in order to remember.
You only Understand what you destroy
PONCE + ROBLES
Boa Mistura. Mi raíz es
STANDARTE
Javier Marquerie Bueno. Madrid, qué bien resistes
TIEMPOS MODERNOS
Juan de Sande. El tiempo vigila desde las sombras
TWIN GALLERY
Valle Galera. Estaba oculto
UTOPÍA PARKWAY
Ignacio Evangelista. After Schengen
Sección Oficial
BIBLIOTECA NACIONAL DE ESPAÑA
Los mejores libros de fotografía del año
SECCIÓN OFICIAL MADRID
Fechas: 31 de mayo – 4 de septiembre
Organiza: PHotoEspaña
Colabora: Biblioteca Nacional de España
Una muestra que recoge los libros de fotografía más destacados del último año
Más de un centenar de publicaciones candidatas al Premio al Mejor Libro
de Fotografía del Año de PHotoEspaña
En los últimos años, el libro de fotografía se ha convertido en una herramienta fundamental para la difusión del trabajo del fotógrafo. Es un soporte ideal que se adapta
formal y estéticamente a la idea del autor y sus posibilidades creativas son amplísimas.
Las publicaciones de este tipo han revolucionado el mercado editorial y acumulan
premios y aclamaciones en la escena internacional.
Como en ediciones anteriores, PHotoEspaña premia los mejores libros de esta disciplina del año. Tras una convocatoria abierta, a la que han concurrido autores y editores
con libros de fotografía impresos publicados entre marzo de 2015 y marzo de 2016, un
jurado especializado ha seleccionado casi un centenar de títulos para esta exposición,
que reúne los volúmenes más destacados por su concepto, diseño y calidad.
Entre ellos, un comité experto escogerá a los ganadores de los premios PHotoEspaña
al Mejor Libro de Fotografía en cuatro categorías: mejor libro de fotografía nacional,
internacional, editorial destacada y mejor libro autopublicado. Los premios se darán
a conocer en la PHotoBook Week, el sábado 11 de junio.
© Jacobo Medrano
8
CASA DE AMÉRICA
José A. Figueroa
Und Jetzt? (¿Y ahora qué?)
Comisaria: Cristina Vives
Fechas: 27 de mayo – 31 de julio
Organiza: Casa de América
Un testimonio fotográfico que recoge el paulatino desmoronamiento del muro
de Berlín, simbolizando también la caída del sistema que lo levantó.
El cubano José A. Figueroa retrató este símbolo de la Guerra Fría entre mayo y julio de
1990, creando un ensayo en torno a una pregunta aún sin responder: ¿Y ahora qué?
Todas las fotografías que José A. Figueroa (Cuba, 1946) tomó en Berlín entre mayo y
julio de 1990, agrupadas bajo el título Und Jetzt?, fueron hechas desde el lado este del
muro, una zona que sentía todavía segura según las leyes migratorias vigentes entonces para los cubanos. Casi todas las imágenes versan sobre «el muro», ese protagonista que se desmoronaba frente a sus ojos tan rápidamente como fue construido.
Las pocas personas que aparecen en sus fotografías sugieren solo sus estados de
ánimo: soledad, dolor, curiosidad, temor, osadía.
Movido por una mezcla de respeto y consternación, Figueroa decidió no usar sus
cámaras profesionales —como lo hacían cientos de fotógrafos del mundo en esos
días—, sino utilizar una cámara compacta para turistas. Fotografió sin perturbar a
nadie. Fue así que registró ese momento histórico: inmerso en una circunstancia que
sintió también suya.
José A. Figueroa. Berlín Este. De la serie «Und Jetz?» [¿Y ahora qué?], 1990
© José A. Figueroa, VEGAP, Madrid, 2016.
Und Jetzt? es un ensayo hecho desde la perspectiva de un cubano que abrió una interrogante aún no respondida. ¿Y ahora qué?
9
CASA DE AMÉRICA
Cartografías íntimas, un acercamiento
a las relaciones interpersonales
Comisario: Fabián Goncalves Borrega
Organizan: PHotoEspaña y ACCIONA
Colaboran: Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo – AECID
y su Red de Centros Culturales
Una selección de obras de los visionados de porfolios de Trasatlántica 2015 en
Ciudad de México y Santiago de Chile
Un ensayo visual a través del que se guía la imaginación del espectador para evocar
lugares y emociones.
La cartografía y la fotografía se parecen: ambas parten de la realidad y evocan algo
que es real. Sin embargo, esta representación no es exacta, está mediatizada. Dependiendo de la técnica y medios utilizados, la imagen será más o menos subjetiva. El
momento fotográfico de una captura remite a un lugar, a una persona o situación entre
personas en particular.
Partiendo de esta premisa, las fotografías incluidas en este ensayo visual tienden
a guiar y dirigir la imaginación del espectador, a evocar lugares y emociones. Estas
evocaciones buscan ese momento que trascienda más allá del mismo, que deje una
impronta que dure toda una vida y que, al mismo tiempo, pertenezca a una geografía
específica.
Los fotógrafos representados en esta muestra son una selección de los visionados de
porfolios realizados en noviembre de 2015 en Ciudad de México y Santiago de Chile
dentro del foro «Trasatlántica».
Vicente González Mimica. Alicia, 2015
© Vicente González Mimica
10
CENTROCENTRO CIBELES
Fotografía de retrato
en Europa desde 1990
Comisario: Frits Gierstberg
Fechas: 1 de junio – 28 de agosto
Organizan: CentroCentro Cibeles, Ayuntamiento de Madrid y PHotoEspaña
Coproducen: Nederlands Fotomuseum, Bozar Brussels y Museum of Photography Thessaloniki
Colabora: Embajada de los Países Bajos
Un recorrido por la evolución de los últimos 25 años del género del retrato
fotográfico en Europa que invita a la reflexión sobre la identidad, la cultura y la
historia europeas
33 fotógrafos con autores como Luc Delahaye, Clare Strand, Anders Peterse o Alberto
García-Alix, que construyen un discurso sobre la pluralidad de Europa, confrontando al
espectador con uno mismo, a través de la observación de diferentes rostros.
El retrato fotográfico cuenta con una larga historia a la hora de documentar y crear
identidades. Las obras seleccionadas para esta exposición —que reúne los retratos
realizados por más de treinta fotógrafos en diferentes lugares de Europa— se enmarcan dentro de la tradición europea de la representación individual o colectiva.
Utilizando como punto de partida la caída del muro de Berlín —y, en un sentido más
amplio, la desaparición del telón de acero—, la muestra tiene como objetivo provocar
una confrontación con uno mismo a través de la observación de los diferentes rostros:
contemplarlos es como introducirse dentro de un espejo para lograr un compromiso
entre la cercanía y la distancia, fomentando la empatía con nuestros semejantes.
De este modo, Europa se nos descubre por medio del individuo, de fotografías, historias personales e identidades particulares que reflejan la personalidad europea, tan
variada y heterogénea.
Konstantinos Ignatiadis, Francis Bacon, s.d.
© Konstantinos Ignatiadis
11
CÍRCULO DE BELLAS ARTES / SALA PICASSO
Transiciones. Diez años que trastornaron
Europa. Colección Motelay
Colectiva
Comisarios: Alexis Fabry y María Wills
Fechas: 1 de junio – 25 de septiembre
Organizan: Círculo de Bellas Artes y PHotoEspaña
Colabora: British Council
Una muestra colectiva que recorre la década de los años 80, fundamental
en la transformación de Europa, a través de la Colección Motelay
Transiciones recoge la mirada de 28 fotógrafos que construyen una secuencia llena
de contradicciones y tensiones geopolíticas y sociales.
PHotoEspañaEn 1979, Margaret Thatcher es elegida primera ministra del Reino Unido;
en 1989, se derriba el muro de Berlín. Diez años que trastornaron Europa, paradójicos
y caracterizados por su apertura, por una capacidad de innovación traducida en el desarrollo vertiginoso del sector bancario; pero también por el incremento del desempleo
y el desmantelamiento del estado providencial nacido en la posguerra.
En Gran Bretaña, una expresión tomada de una canción de 1977, se escucharía durante mucho tiempo: no future, cuya resonancia académica tuvo lugar en Estados Unidos
con el artículo «The end of History», de Francis Fukuyama, escrito doce años más tarde
para develar cómo el advenimiento de la democracia liberal occidental era el punto
final de la evolución sociocultural.
Al cabo de estos años de transición, cesó el enfrentamiento entre las dos superpotencias, la crisis económica entró en la vida de las personas y desaparecieron los límites
entre la fotografía y las demás manifestaciones.
Chris Steele-Perkins. Prime Minister Margaret Thatcher during the Conservative Party Conference,
1985. © Chris Steele-Perkins / Magnum Photos
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CÍRCULO DE BELLAS ARTES / SALA GOYA
Louise Dahl-Wolfe
Con estilo propio
Comisaria: Oliva María Rubio
Organizan: Circulo de Bellas Artes y PHotoEspaña
Coproducen: La Fábrica y La Pavillon Populaire de Montpellier
Louise Dahl- Wolfe, una pionera que revolucionó el mundo de la fotografía
de moda y marcó un punto y aparte en el retrato hollywoodiense
Una oportunidad única de descubrir el trabajo de esta mujer, en la primera muestra
sobre Louise Dahl- Wolfe que se realiza fuera de los Estados Unidos
Louise Dahl-Wolfe (1895-1989) es una de las grandes fotógrafas estadounidenses.
Modernizó la fotografía de moda de su tiempo y el retrato hollywoodiense, y su obra
tuvo un gran impacto en la cultura visual americana. Sus imágenes compitieron con las
de prestigiosos fotógrafos de la época, como Edward Steichen, e influyeron en otros
como Richard Avedon.
El grueso de su carrera lo desarrolló en la revista Harper’s Bazaar entre 1936 y 1958,
años en los que trabajó junto a un equipo excepcional que supo dejar libertad y estimular a la artista, y que colocó a la revista en un lugar central entre las publicadas en esa
época.
Esta exposición —la primera muestra individual organizada a la artista fuera de Estados Unidos— cubre todas las etapas de su producción fotográfica: retrato, desnudo
y fotografía de moda en blanco y negro. Entre su nómina de retratados figuran personalidades de la época como Vivien Leigh, Marlene Dietrich, Orson Welles o André
Malraux, entre otros muchos.
Louise Dahl-Wolfe. Gemelas en la playa. Nasáu, Bahamas, 1949. ©
Louise Dahl-Wolfe, Center for Creative Photography, The University
of Arizona Foundation / VEGAP, Madrid, 2016
13
CÍRCULO DE BELLAS ARTES / SALA MINERVA
Federico Clavarino
The Castle
Organizan: Círculo de Bellas Artes y PHotoEspaña
Una muestra que construye un particular edificio fotográfico a partir de la visión
de Europa como una idea o un conjunto de ideas
Una reflexión sobre la Europa contemporánea que analiza los procesos que han
llevado al continente a ser lo que es, hoy día.
Por encima de un grupo de naciones o un área geográfica, Europa puede ser entendida como una idea o un conjunto de ideas. Su imagen expresa la historia de una parte
considerable de la humanidad, desde los tiempos más antiguos hasta el día de hoy.
Este proyecto busca encontrar las huellas que estas ideas dejan sobre la superficie
de los objetos e individuos de Europa, en los muros de sus ciudades, en las vitrinas de
los museos o en las barreras que se alzan para definir y defender los confines de sus
territorios.
The Castle es un edificio construido por imágenes dividido en cuatro capítulos. El
primero simboliza el mito fundacional: los eventos que conducen hacia el ordenamiento de la Europa contemporánea. La segunda parte analiza cómo se articulan el poder
y la autoridad presentes en las bases de las sociedades europeas. El tercero, explora
el edificio resultante y evidencia sus elementos de separación y control. Finalmente,
el cuarto y último capítulo es una profecía y un llamamiento al mismo tiempo.
Federico Clavarino. Sin título, de la serie The Castle, 2015
© Federico Clavarino
14
COMUNIDAD DE MADRID / SALA CANAL ISABEL II
Archivo Paco Gómez
El instante poético y la imagen arquitectónica
Comisario: Alberto Martín
Fechas: 20 de abril – 24 de julio
Organizan: Oficina de Cultura y Turismo. Dirección General de Promoción Cultural
de la Comunidad de Madrid
Colabora: Fundación Foto Colectania
Una panorámica que recoge cuarenta años de producción fotográfica de uno
de los más importantes exponentes de la fotografía española contemporánea
Cerca de 400 piezas componen esta muestra construyendo un completo recorrido
por la obra del fotógrafo Paco Gómez.
El interés de Francisco Gómez (Pamplona, 1918 – Madrid, 1998) por la fotografía
comenzó en su juventud y su desarrollo fue completamente autodidacta. En 1956,
ingresó en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid y, a lo largo de su vida, participó en
numerosas exposiciones colectivas y algunas individuales. Creó el grupo La Palangana
junto a fotógrafos como Gabriel Cualladó, Gerardo Vielba o Ramón Masats.
Esta exposición está compuesta por cerca de cuatrocientas piezas —entre fotografías
y revistas— cuya selección es el resultado de un ingente trabajo de investigación por
parte del comisario Alberto Martín. Se muestran imágenes de sus primeras exposiciones y publicaciones, el proceso de conformación de su obra y el desarrollo posterior de
la misma a lo largo de las décadas de 1950 a 1990. Esta retrospectiva incluye, además,
un repaso de su producción editorial y su participación en diferentes proyectos, su
práctica del género del retrato desde diferentes vertientes y, especialmente, su colaboración con la revista Arquitectura.
Francisco Gómez. [Barrio de la Concepción. Madrid], 1966
© Archivo Paco Gómez / Fundación Foto Colectania
15
CONDE DUQUE. SALA SUR
¡A las puertas del paraíso!
Ensayo fotográfico sobre el migrante, el
nómada, el exiliado, el refugiado, el apátrida...
Colectiva
Comisario: François Cheval y Audrey Hoareau
Organizan: Área de Cultura y Deportes del Ayuntamiento de Madrid,
Centro Cultural Conde Duque y PHotoEspaña
Colabora: Embajada de Suiza
Un desgarrado diálogo entre fotógrafos y migrantes que pone en relación
el fenómeno actual con otros movimientos migratorios del pasado
Un registro fotográfico histórico, a través de placas de vidrio y revistas, y
contemporáneo, con el trabajo de cinco autores que despierta al espectador ante
un fenómeno que corre el riesgo de normalizarse
Actualmente, en las fronteras de la Unión Europea se reúnen dos colectivos cuyo
destino está ligado: los migrantes y los fotógrafos. Los primeros buscan escapar de la
pobreza, la guerra o la represión. Los segundos perseveran en su capacidad de proporcionar imágenes significativas o reveladoras.
Los fotógrafos participantes en esta exposición desean aportar un testimonio distinto y reconstruir, desde el exterior, la creación de una imagen «comprometida». Sin
embargo, la producción del fotógrafo se inscribe, necesariamente, en una historia
generalizada donde la acumulación de imágenes consigue poco efecto en el espectador europeo. No obstante, representa un diálogo de varias voces en el que el sujeto
fotografiado y el espectador participan en una suerte de reconstrucción. La fotografía
vuelve a encontrar la vía de la experimentación social y política.
La exposición incluye material de otras épocas que pone en diálogo el fenómeno
actual con otros movimientos migratorios del pasado.
ODYSSEIA, Tunesia, Choucha / Túnez, Choucha, 2013
©Antoine d’Agata / Magnum Photos
16
ESPACIO FUNDACIÓN TELEFÓNICA
Tras los pasos de Inge Morath.
Miradas sobre el Danubio
Colectiva
Comisaria: Celina Lunsford
Fechas: 27 de junio – 2 de octubre
Organiza: Fundación Telefónica
Ocho fotógrafas rinden homenaje a Inge Morath, una de las primeras mujeres
fotógrafas que ingresó en la agencia Magnum
El trabajo de estas mujeres se confronta con la propia obra de Inge Morath en una
muestra que reconstruye el itinerario que la pionera fotógrafa realizó siguiendo el
trazado del Danubio
Proyecto expositivo fotográfico y documental que rinde homenaje a la figura de Inge
Morath (Suiza, 1923 – Estados Unidos, 2002), una de las primeras mujeres fotógrafas
en entrar en la agencia Magnum Photos. Empezó a fotografiar en 1951, y fue asistente
de Henri
Cartier-Bresson entre 1953 y 1954. Con treinta años, inició su mítico trabajo fotográfico
sobre el Danubio, que tuvo que finalizar a partir de la década de 1990 por no poder
acceder a ciertos países a causa del telón de acero.
En verano de 2014, ocho jóvenes fotógrafas, de diferentes nacionalidades y reconocidas con el premio de fotografía Inge Morath, trazaron el mismo itinerario que esta
pionera de la fotografía documental, desde el nacimiento del Danubio, en Alemania,
hasta su desembocadura en el mar Negro, Rumanía.
Inge Morath. Cerca de Viena, 1958
© Inge Morath, Magnun Photos
La exposición recoge imágenes de los viajes llevados a cabo por Morath entre 1955 y
1990, así como los trabajos realizados por las ocho fotógrafas en un trayecto de 2.800
kilómetros.
17
Juana Biarnés
A contracorriente
Comisario: Chema Conesa
Fechas: 2 de junio – 31 de julio
Organizan: Ayuntamiento de Madrid, Teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa
y PHotoEspaña
Una muestra que descubre el legado desconocido de la que fue la primera
fotoperiodista española
Una mujer valiente que se hizo un hueco en un mundo de hombres y capturó con su
cámara el espíritu de una época.
Muy pocos conocen su nombre. Sin embargo, su legado fotográfico es el testimonio en
primera persona de una etapa clave del siglo xx: la crónica gráfica y social del franquismo y de los inicios de una nueva democracia.
Juana Biarnés (Terrasa, 1935) es considerada la primera fotoperiodista de España.
Fue la mujer que supo colarse en el avión y en el hotel de los Beatles para conseguir
una exclusiva histórica y cuya cámara retrató a los grandes personajes que marcaron
la historia de las décadas de 1960 y 1070: Jackie Kennedy, Louis Armstrong, Marisol,
Yul Brynner, Dalí, Jack Lemmon, Orson Wells o Roman Polanski, entre otros muchos.
Así es como se inmiscuyó en un mundo de hombres para conseguir unas imágenes
que destilan proximidad y sinceridad, sin artificios innecesarios. Por no hablar de su
persistencia en conseguir «la foto», la imagen que sobresalía y debía explicarlo todo,
como siempre le aconsejaba su padre. Una tenacidad necesaria para alguien que nadó
a contracorriente.
Juana Biarnés. Paul McCartney en el hotel. Barcelona, julio de 1965
© Juana Biarnés
18
Cristina de Middel
Muchismo
Organizan: Ayuntamiento de Madrid, Teatro Fernán Gómez.
Centro Cultural de la Villa y PHotoEspaña
Una aproximación al trabajo de la fotógrafa alicantina, una de las artistas más
relevantes de la fotografía española contemporánea, a través de algunas de sus
series más reconocidas.
Las composiciones de la serie Muchismo se construyen a partir de combinaciones y
copias de todo el inventario de la prolífica artista, que pone en cuestión la producción
y repetición de copias fotográficas
Cristina de Middel (Alicante, 1975) es una de las artistas más relevantes de la fotografía española contemporánea. En 2012 publicó su libro Afronautas, una reacción a
las limitaciones del lenguaje documental a la hora de describir y explicar el mundo.
La relación entre la fotografía, la realidad y la verdad, junto con el papel que los medios
de comunicación juegan en ella, se situó en la proa de sus inquietudes artísticas.
Cristina de Middel Muchismo, 2016
© Lademiddel, VEGAP, Madrid, 2016.
En esta exposición, la artista tiene como objetivo compartir sin filtros lo que estos
años han dado de sí con respecto a la producción y repetición de copias fotográficas
de exposición que difícilmente encajan con las bases del mercado y el coleccionismo.
Las imágenes de la serie «Muchismo» son todas las copias de su inventario con todas
las variaciones y adaptaciones que responden a ferias, planos de sala y comisariados.
Con esas fotografías contó sus historias, y ahora, como si fueran palabras en una frase,
juega con ellas y las redescubre.
19
FUNDACIÓN CANAL
Vivian Maier, Sreet Photographer
Comisaria: Anne Morin
Organiza: Fundación Canal
Colabora: diChroma Photography
Primera gran exposición de Vivian Maier, hoy considerada referente mundial de
la fotografía, cuya obra solo cobró valor después de su muerte
Un testimonio único de Nueva York y Chicago de la segunda mitad del siglo XX a
través de fotografías y películas en las que Maier ofrece su particular visión de la vida
cotidiana.
Primera gran exposición de Vivian Maier (Estados Unidos, 1926-2009), la niñera
autodidacta que, tras su muerte, se convirtió en referente mundial de la fotografía. La
muestra incluye un total de ciento veintiséis fotografías y nueve películas en super-8
que captan magistralmente el ambiente urbano de Nueva York y Chicago de la segunda mitad del siglo xx.
En su tiempo libre como niñera, creó una realidad paralela y secreta abriendo una fascinante ventana a la vida cotidiana en los espacios públicos. Consiguió acumular más
de dos mil rollos de película sin revelar, cinco millares de fotografías impresas y más
de ciento veinte mil negativos que, aparte de ella, prácticamente nadie más contempló
durante su vida. Maier murió en 2009 sin saber que su secreta pasión, la fotografía, la
sacaría del anonimato hasta convertirla en una enigmática y fascinante figura y en la
fotógrafa de calle por excelencia.
Vivian Maier. Autorretrato
© Vivian Maier / Maloof Collection. Cortesía Howard Greenberg Gallery, New York
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LOEWE GRAN VÍA
Lucia Moholy, cien años después
Comisaria: María Millán
Organiza: Fundación Loewe
Colabora: Fotostiftung Schweiz
Una exposición que recoge la obra de una de las principales difusoras
de la actividad de la Bauhaus
Lucia Moholy se convirtió en una de las principales documentalistas de este
movimiento que, a principios del siglo XX, quiso reformar las enseñanzas artísticas.
Lucia Moholy (República Checa, 1894 – Suiza, 1989) no podía imaginar en 1915,
cuando anotó en su diario su creciente interés por la fotografía, que se convertiría en la
fotógrafa más importante de la Bauhaus, donde empezó a colaborar en 1923. Hasta su
llegada, la fotografía no había formado parte de las actividades de la escuela.
La Bauhaus fue un centro de experimentación e investigación que, por medio del arte
y la tecnología, produjo innovadores diseños para proyectos arquitectónicos y objetos
utilitarios. Lucia Moholy se centró en documentar la actividad diaria en los estudios y
talleres. Además, retrató a Paul Klee, Kandinsky o Anni Albers, entre otros artistas, con
los que convivió durante los cinco años que pasó allí. Sus fotografías han sido imprescindibles, desde el principio, para difundir la filosofía y la estética de la escuela a través
de libros, folletos y revistas.
Esta muestra supone una aproximación al trabajo de una artista, historiadora de la
fotografía y crítica de arte cuyo legado no ha sido todavía justamente reconocido.
Lucia Moholy, Walter Gropius, 1926
© Lucia Moholy, Bauhaus-Archiv Berlin
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MUSEO CERRALBO
Shirley Baker
Mujeres, niños y hombres
que dejan pasar el tiempo
Comisaria: Anna Douglas
Organizan: Museo Cerralbo, Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y PHotoEspaña
Produce: The Photographers’ Gallery
Colaboran: Arts Council England, Mary Evans Picture Library, Manchester School of Art, Symon
y Mary Elliott y Shirley Baker Estate
Un relato sincero y sin artificios de la Inglaterra de los años 50 del siglo XX
Una muestra que rinde homenaje a Shirley Baker a través de algunas de sus imágenes
más conocidas y de otras inéditas que ofrecen un completo recorrido por la obra de
esta prolífica fotógrafa
Manchester, al norte de Inglaterra, al finalizar la Segunda Guerra Mundial, era una zona
difícil de transitar y mucho más en la cual vivir. La mayor parte de la población buscaba
levantarse de las cenizas y reconstruir una normalidad difícil de reimaginar. Este periodo de tiempo, oscuro y complejo, tuvo en Shirley Baker (Reino Unido, 1932-2014) una de
sus documentadoras más audaces; sin embargo, el humanismo gráfico de su trabajo
ha recibido poca atención durante sus más de sesenta años de carrera.
Esta exposición —organizada por la Photographers Gallery de Londres un año después de su muerte— rinde homenaje a esta gran figura de la fotografía e incluye imágenes nunca vistas. El intenso periodo de estudio, extensible desde 1961 hasta 1981,
documenta lo que Baker vio como la destrucción innecesaria de hogares en barrios
pobres de las clases trabajadoras para erigir nuevas construcciones. Sus fotografías
testifican todo el poder y la resistencia de las comunidades bajo su asedio.
Shirley Baker, Manchester, 1962
©Shirley Baker
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MUSEO DEL TRAJE. CIPE
Joséphine Douet
Coutures (Costuras)
Comisario: Diego Alonso
Organizan: Ministerios de Educación, Cultura y Deporte, Museo del Traje y Mondo Galería
Una exposición que recoge diez años de producción de Josephine Douet, en
los que se plantea un diálogo de influencias e inspiraciones en el mundo de la
historia de la indumentaria
Testigo de excepción de la fragua entre bambalinas de los sueños de grandes genios
de la moda como Valentino, Dior y Chanel, Coutures recoge imágenes íntimas en las
que tejidos y modelos se funden en escenas casi oníricas.
La exposición Coutures recoge más de una década de trabajo de esta fotógrafa, que
fue testigo de cómo los sueños de Valentino, Dior o Chanel comenzaron a cobrar
forma tras las bambalinas de las pasarelas. Desde esa perspectiva privilegiada pudo
capturar con su objetivo imágenes intimistas, muchas de ellas en blanco y negro, como
sacadas de una realidad onírica, que muestran una magia tejida a base de plisados,
lentejuelas y puntadas dadas a mano e instantes fugaces de los desfiles en los que el
tiempo parece haberse detenido.
Estas obras se presentan dialogando con la exposición permanente del Museo del
Traje de Madrid y generan un discurso alrededor de la historia de la indumentaria que
evidencia un ciclo interminable de influencias e inspiraciones. La herencia creativa y el
diálogo del presente con el patrimonio histórico y estético sirven de ayuda para comprender, de forma más práctica, la evolución de las costumbres de la sociedad.
Josephine Douet. Givenchy. Ateliers Berthier, 2007
© Josephine Douet. Cortesía Mondo Galería
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MUSEO ICO
Andrea Robbins / Max Becher
Robbins & Becher. Desplazamientos
Comisarios: Andrea Robbins, Max Becher e Ines Rüttinger
Organizan: Fundación ICO y Museum für Gegenwartskunst Siegen
Colabora: Goethe-Institut Madrid
Un recorrido por los veinticinco últimos años de trabajo de esta pareja
de artistas, a través de algunas de sus series más destacadas
Una muestra que cuenta con series como Colonial Remains, German Indians, Global
Village, 770, The East’s West y Black Cowboys. Con ocasión de la muestra se celebrará
un coloquio con los artistas
La obra de Andrea Robbins y Max Becher gira en torno a lo que ellos mismos denominan «lugar transportado»: situaciones en las que un paraje muy concreto es enormemente similar a otro muy lejano, pero, no obstante, es aceptado como genuinamente
local. Se trata de escenarios ligados a fenómenos de gran calado, como el colonialismo, las migraciones, los genocidios o la esclavitud, pero también a otros como el
turismo y los medios de comunicación de masas.
Sus series fotográficas, acompañadas por breves textos que explican las situaciones
reproducidas, no pretenden constituir documentos periodísticos, sino más bien conducir al espectador a una «lectura» minuciosa de las mismas. La exposición Robbins
& Becher. Desplazamientos muestra sus últimos veinticinco años de trabajo, con
series como «Colonial Remains», «Geman Indians», «Global Village, 770», «The East’s
West» y «Black Cowboys».
El día 31 de mayo se celebrará un coloquio moderado por Eva Schmidt, directora del
Museum für Gegenwartskunst Siegen, que contará con la presencia de los autores de
la muestra.
Andrea Robbins y Max Becher. Figuras…: Darth Vader, 2002
© Andrea Robbins y Max Becher
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MUSEO LÁZARO GALDIANO
Andrezj Tobis
A-Z. Diccionario ilustrado
Comisaria: Bogna Świtąkowska
Organizan: Museo Lázaro Galdiano, Instituto Polaco de Cultura, la Fundación Bęc Zmiana
y PHotoEspaña
Produce: Ministerio de Cultura y Patrimonio Nacional de la República de Polonia
Andrzej Tobis parte de un diccionario ilustrado de alemán y polaco de 1954 para
construir un nuevo y actual diccionario lleno de ironía y sentido del humor
Un concienzudo y sorprendente proyecto artístico que, desde la Polonia del siglo XXI,
ilustra una publicación insólita e históricamente significativa
Andrzej Tobis (Wieluń, 1970) es un pintor y fotógrafo cuyo original proyecto A-Z Diccionario Ilustrado es, sin duda, una de las actividades artísticas más importantes llevadas
a cabo en Polonia en el siglo XXI. Su punto de partida es un diccionario ilustrado de
alemán y polaco publicado en Leipzig en 1954, cuyo objetivo era facilitar la comprensión del significado de las palabras mediante ilustraciones de las mismas. Sin embargo,
esta peculiar obra se tambaleaba entre la visión objetiva de la realidad y la distorsión
subjetiva de la misma —debido, indudablemente, a las exigencias propagandísticas de
la entonces Alemania del Este—, donde cada definición y su ilustración suponían un
intento de «controlar» lo definido.
El artista aporta su propia versión recreando muchas de esas imágenes con fotografías muy cuidadas y repletas de ironía y sentido del humor, destacando las sutilezas
contenidas en las palabras y la diferencia entre el significado de las imágenes representadas y los conceptos que se les asignan. Estos cambios de matices y la muestra
de la ambigüedad constituyen el mayor valor del proyecto.
Andrzej Tobis, Basen dla niepływających, z cyklu A-Z (Gabloty edukacyjne), 2007
© Andrzej Tobis
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MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA
Humanismo y subjetividad en la fotografía
española de los años 50 y 60. El caso Afal
Colectiva
Comisarios: Departamento de Colecciones, Laura Terré y Horacio Fernández
Fechas: 30 de mayo – 7 de noviembre
Organiza: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Una muestra que recoge la actividad del grupo Afal, un colectivo de fotógrafos
que trabajó inspirado en el documental neorrealista y el reportaje humanista
Un completo testimonio que, a partir de los fondos del museo, ofrece una visión de
la fotografía española de los años 50, con obras de artistas como Ramón Masats,
Francisco Gómez, Leonardo Cantero u Oriol Maspons.
A principios de los años cincuenta, comenzó a desarrollarse en España una fotografía
inspirada en las tendencias internacionales del documental neorrealista y del reportaje
humanista. Dentro de este panorama, destacó la rica actividad del grupo Afal, un colectivo de fotógrafos desarrollado en torno a la revista del mismo nombre, dirigida por
José María Artero y Carlos Pérez Siquier entre 1956 y 1963.
Gracias a la ampliación de la presencia de los protagonistas de esta generación en los
fondos del museo y a la reciente donación de Pérez Siquier, esta muestra presenta una
selección que profundiza en Afal y que atiende a la internacionalización de los fotógrafos de ese periodo, analizando sus diversos intercambios con otros colectivos.
Por otra parte, y fruto de una donación de sus herederos, se subraya la figura de Leonardo Cantero y su participación en la exposición Once fotógrafos españoles a París
(1962).
Leonardo Cantero. Sin título. De la serie «Gentes de París». 1962
© Leonardo Cantero, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
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MUSEO NACIONAL DEL PRADO
Copiado por el sol
The Talbotypes Illlustrations of The Annals
of the Artists of Spain, de William Stirling
Maxwell (1848)
Nicolaas Henneman / William Fox Talbot
Comisarios: Hilary Macartney y José Manuel Matilla
Organiza: Museo Nacional de El Prado
Colaboran: Centro de Estudios Europa Hispánica (Madrid) y National Media Museum
(Bradford, Inglaterra)
Pieza fundamental de la historiografía del arte, la publicación Annals
of the Artists in Spain se componía de texto y una selección de calotipos
de Nicolaas Henneman
Una oportunidad única para contemplar la obra completa de William Stirling Maxwell
a través de su libro Annals of the Artists of Spain, una selección de hitos de la Historia
del Arte en España
En 1848, el hispanófilo escocés William Stirling Maxwell publicó los Annals of the Artists of Spain, un libro que abordaba, por primera vez, la historia del arte español de un
modo cronológico integrando las diferentes artes.
A los tres volúmenes de texto, Stirling añadió un cuarto ilustrativo que contenía 68
calotipos, método fotográfico inventado por William Fox Talbot pocos años antes. Su
importancia es excepcional, pues constituye el primer libro de arte ilustrado con fotografías que se publicó en el mundo. Las dificultades del proceso de gestación de los
calotipos realizados por Nicolaas Henneman, discípulo de Talbot, fueron rápidamente
evidentes, ya que, debido a sus diversos procesos químicos, su deterioro comenzó de
forma inmediata, y solo las estrictas condiciones con las que actualmente se custodian
han detenido su degeneración.
Esta exposición es una oportunidad única de ver seis ejemplares del volumen ilustrativo de los Annals, tan frágiles que muy pocos, incluidos académicos especializados,
han podido contemplar alguna vez una copia.
Atribuida a Benjamen Cowderoy o Calvert R. Jones. The Reading Establishment [Papel a la sal], c. 1843
© National Media Museum / Science & Society Picture Library
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MUSEO NACIONAL DEL ROMANTICISMO
Miroslav Tichý o la celebración
del proceso fotográfico
Comisaria: Pía Ogea
Organizan: Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, Museo Nacional del Romanticismo
y PHotoEspaña
Una muestra que con un lenguaje íntimo y delicado, retrata de forma atemporal
a la mujer, en un relato en el que los lenguajes fotográfico y pictórico se funden
La obra de un “artesano” de la fotografía que se fabricaba sus propias cámaras
fotográficas con materiales de desecho, así como los posteriores materiales de
presentación, como paspartús.
El trabajo de Miroslav Tichý (República Checa, 1926-2011) está directamente vinculado
al soporte fotográfico: desde la producción de las cámaras que él mismo construía con
material de desecho y que utilizaba para la realización de sus fotografías, al proceso de
revelado o la vida posterior de las mismas, intervenidas por el propio artista, en las que
dibujaba paspartús, hacía retoques y favorecía la acción de los elementos externos y
del tiempo.
“Untitled” Circa 1960-1980. Pieza única. Gelatina de plata sobre Baryt. 45,3 x 35,3 cm medidas con marco
© Foundation Tichy Ocean. Cortesía Ivorypress
La personalidad y delicadeza de su obra es retrato íntimo de su ciudad natal y, al
mismo tiempo, retrato universal y atemporal de la mujer –su fuente de inspiración para
contar historias–, además de un implícito alegato anticonformista. Su trabajo es de una
belleza única, casi onírica, a caballo entre la pintura y la fotografía. Sorprende cómo
tanta delicadeza pudo producirse entre tanta dureza y cómo, desde su vida de ermitaño, retrató de forma poética la femineidad y los cambios sociales de aquellos años en
Europa.
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REAL ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN FERNANDO /
CALCOGRAFÍA NACIONAL
Māris Maskalāns
Nagļi. LV- 4631
Comisaria: Inese Baranovska
Organizan: Embajada de Letonia, Latvian National Museum of Art, Real Academia de Bellas
Artes de San Fernando y PHotoEspaña
Maris Maskalans ofrece un sincero retrato de los habitantes de las zonas
rurales de su Letonia natal
El proyecto Nagil llevó durante más de veinte años al cineasta letón por el interior de
su país en un viaje en el que descubre un sector de la sociedad letona poco conocido
y valorado, pese a su fuerza y personalidad
El pequeño pueblo de Nagļi, en la comarca de Lagtale —al este de Letonia—, está
habitado por gentes genuinas y autosuficientes cuyo modo de vida y forma de pensar
fascinaron a Māris Maskalāns (1971), un director de cine y fotógrafo letón que ha llevado a cabo, durante el transcurso de veinte años, el proyecto «Nagļi»: una alegoría de la
preservación de la identidad a través del retrato de gentes de campo que, aunque forman parte genuina de Letonia, son tradicionalmente poco conocidas y valoradas. Esta
colección es un documento visual permanente de la región a comienzos del siglo xxi.
Las copias de sus fotografías, en blanco y negro, han sido realizadas aplicando el
proceso tradicional de impresión sobre gelatina de plata, una técnica complicada que
requiere de un gran esfuerzo y tiempo. Este medio tiene un gran valor por sí mismo,
pues permite obtener imágenes de gran calidad con brillantes tonos blancos y negros,
que enfatizan la carga emocional de los retratos.
Māris Maskalāns. Escolares: Rasma Svalbe (2002), Jānis Svalbe
(1992) y Santa Svalbe (2001), 2010. © Māris Maskalāns
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Bernard Plossu
La hora inmóvil, una metafísica
del Mediterráneo
Comisario: Ricardo Vázquez
Organizan: Real Jardín Botánico, Hôtel des Arts Toulon y PHotoEspaña
Coproducen: La Fábrica y Hôtel des Arts Toulon
El Real Jardín Botánico acoge la personal visión de Bernard Plossu sobre la
metafísica del Mediterráneo, a través de un centenar de imágenes tomadas en
los últimos treinta años
El autor, Premio PHE 2013, reúne imágenes atemporales que recogen momentos
suspendidos entre dos acciones en escenarios de España, Francia, Italia, Grecia y
Turquía.
Bernard Plossu (Vietnam, 1945) ha dedicado su vida a viajar y a fotografiar aquello que
observa. En sus viajes —con especial dedicación a México, al sur de Estados Unidos y la Europa mediterránea— ha plasmado su permanente búsqueda de la escala
tonal exacta. Pero, más que el reflejo de su odisea, su fotografía busca capturar esos
momentos expectantes que quedan suspendidos entre dos acciones, dos lugares,
dos instantes en el tiempo. En estos viajes, Bernard Plossu ha estado acompañado por
estas presencias telescópicas del universo, estas coincidencias mágicas tan inquietantes y surrealistas.
Bernard Plossu. L’heure immobile (La hora inmóvil)
© Bernard Plossu
A través de una selección de alrededor de cien fotografías tomadas en España, Francia, Italia y Grecia, esta exposición presenta el largo diálogo sostenido durante treinta
años por este gran fotógrafo francés con la metafísica del Mediterráneo, en particular
con aquellos de Carlo Carra o José Jorge Oramas. Son paisajes desiertos, silenciosos,
que pueden ser reales o imaginados, que nos resultan tan misteriosos como familiares
al mismo tiempo.
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REAL JARDÍN BOTÁNICO–CSIC
Linarejos Moreno
Tabularia: Laboratorios de ciencia
e imaginación
Organizan: Real Jardín Botánico y PHotoEspaña
Colabora: Transart Foundation for the Art and Anthropology in Houston
Linarejos Moreno explora en Tabularia. Laboratorios de ciencia e imaginación
los límites entre arte y ciencia con obras de gran formato y múltiples soportes
Una exposición que se articula en torno al diálogo entre un proyecto realizado en
colaboración con la investigadora Fabiola López Durán, Tabularia: laboratorios de
ciencia e imaginación y su instalación Art Forms in Mechanism.
Con la llegada de la modernidad, arte y ciencia se situaron en extremos opuestos de
una escisión epistemológica: el arte “inventaba” mientras que la ciencia “descubría”.
Una polaridad que esta exposición elimina, cuestionando las nociones aparentemente
excluyentes de subjetividad y objetividad, ficción y realidad, cultura y naturaleza, atribuidas tradicionalmente a la díada arte-ciencia.
La muestra se articula en torno al diálogo entre un proyecto realizado en colaboración
con la investigadora Fabiola López Durán, Tabularia: laboratorios de ciencia e imaginación —en el que Linarejos Moreno (Madrid, 1974) investiga y recontextualiza imágenes
científicas— y su instalación Art Forms in Mechanism, su propio archivo de modelos
botánicos del siglo XIX.
Además, el 6 de junio se realizará una mesa redonda con la propia artista y varios expertos que se centrará en el núcleo conceptual de la exposición. Este encuentro, que
tendrá lugar en la Glorieta de los Castaños del Real Jardín Botánico, revelará cómo arte
y ciencia han participado, indiferentemente, en los procesos de creación de imágenes
y producción de conocimiento.
Linarejos Moreno, Art Forms in Mechanism VI, 2009-printed 2016 (detail)
© Linarejos Moreno
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TEATRO REAL – ROTONDAS SALA GOYA
La vuelta al mundo
en veinte años de ópera
Fechas: 5 de mayo – 28 de agosto
Organizan: Teatro Real y La Fábrica
Asesor: Joaquín Turina
Una selección de las más impactantes imágenes de las óperas que el Teatro
Real ha puesto en escena en los últimos veinte años.
Las imágenes, tomadas por el fotógrafo de la institución, Javier del Real, permiten
al espectador revivir las notas, escenas, paisajes y emociones evocadas por los
intérpretes, gracias a este único álbum de recuerdos.
En los últimos veinte años, el Teatro Real ha llevado a sus espectadores a través de
mil mundos. Sobre su escenario, han desfilado historias de amor y odio ambientadas
en los más diversos paisajes, en recorridos creados con un libreto y guiados por un
director de escena.
De la mano de las imágenes tomadas por Javier del Real –fotógrafo oficial del Teatro–,
los espectadores percibirán las imágenes en movimiento, escucharán la música, recordarán a los intérpretes y revivirán todas aquellas óperas que han tenido cabida dentro
de este espacio durante estos veinte años.
Javier del Real. Katia Kabanova
© Javier del Real
Esta muestra puede ser concebida como un álbum de recuerdos; una foto fija para
aquellos que hayan asistido a alguna de sus representaciones, pero también un acercamiento a todos los lugares a los que nos quiere trasladar la ópera. En definitiva, un
espectáculo creativo en el que las fotografías permiten diseñar con la mente un viaje
maravilloso.
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SALA DE EXPOSICIONES ARQUERÍAS NUEVOS MINISTERIOS
Cámara y modelo. Fotografía de maquetas
de arquitectura en España, 1925–1970
Colectiva
Comisario: Iñaki Bergera
Fechas: junio – septiembre 2016
Patrocina y organiza: Ministerio de Fomento. Dirección general de Arquitectura,
Vivienda y Suelo
Un homenaje a la maqueta y la fotografía como grandes medios de expresión
arquitectónica
La muestra está compuesta por más de un centenar de fotografías originales de
maquetas de proyectos arquitectónicos españoles del siglo XX, con obras de CatalàRoca, Kindel, Lladó, Maspons-Ubiña o Masats, entre otros.
Esta exposición es una continuidad de la celebrada en el Museo ICO (PHE 2014) al
amparo del proyecto de investigación FAME. Rinde, por primera vez, un homenaje
conjunto a dos importantes sistemas de representación arquitectónicos: la maqueta
y la fotografía. Rescatar más de un centenar de fotografías originales de maquetas de
destacados proyectos —conocidos o menos conocidos, construidos o no— de la modernidad española del siglo xx constituye un discurso visual, crítico e historiográfico
de primera magnitud, una suerte de narrativa visual paralela del devenir moderno de la
arquitectura.
Más allá del análisis de su estructura técnica o compositiva, la muestra subraya el valor
documental de la imagen como portadora de un legado proyectual autónomo y trascendente. No se persigue revisar la historia de la arquitectura moderna y sus protagonistas, sino explorar la identidad y el alcance de su representación.
Juan Pando Barrero (Pando) Monumento a José Batlle y Ordóñez en Montevideo (Uruguay), 1958.
©Juan Pando Barrero, Fundación Jorge Oteiza
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TABACALERA. ESPACIO PROMOCIÓN DEL ARTE - ESTUDIOS
Linarejos Moreno
Organiza: Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes. Ministerio de Educación,
Cultura y Deporte.
Linarejos Moreno reflexiona sobre la invención de nuevos significados
en lugares que han perdido su función
Una instalación que dota de nuevos significados el espacio en el que se ubica:
los insólitos “estudios” de Tabacalera.
En las instalaciones de Linarejos Moreno, a menudo, grandes impresiones fotográficas
sobre arpillera y objetos cargados de memoria devienen en construcciones escultóricas que hablan de una ausencia. Su obra, determinada por la utilización procesual
de la ruina, explora las posibilidades semánticas de un material caracterizado por la
disolución del todo y la desintegración en el fragmento, la dislocación del uso original
y las pérdidas de contexto y contenido que fuerzan a la imaginación del espectador a
intervenir activamente.
Es ahí, en la invención de nuevos significados posibles de lugares que han perdido
su función original y en la reclamación de la alteridad como práctica política, donde
coincide con su exposición en el Real Jardín Botánico Tabularia: laboratorios de ciencia
e imaginación. En esto y en que ambas muestras se basan en un detournement de
objetos didácticos del siglo xix. Una ocasión más de adentrarse en una investigación
en la que la imaginación no es presentada en oposición a la neutralidad de la ciencia
o la memoria, sino que convive formando lo que Victor Turner denominara una «tensa
unidad».
Linarejos Moreno. La construcción de una ruina [Mecanismo y vídeo 11’ loop], 2008
© Linarejos Moreno
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CONVENTO DE SANTA MARÍA LA RICA
Jürgen Schadeberg
La memoria visual de la vida. Retrospectiva
SECCIÓN OFICIAL ALCALÁ DE HENARES
Patrocinan: Embajada de la República Federal de Alemania y Fundación Goethe
Organizan: Ayuntamiento de Alcalá de Henares y PHotoEspaña
Colabora: Galería Blanca Berlín, representante de Schadeberg en España
Una retrospectiva que recoge más de sesenta y cinco años de producción de
uno de los fotógrafos más emblemáticos del panorama cultural de las últimas
décadas
La Sudáfrica del apartheid, el Berlín de la posguerra ocupado por los aliados y la
construcción del muro, son algunos de los hitos que recoge la cámara de Schadeberg
y que se reúnen en esta muestra
Jürgen Schadeberg (Alemania, 1931) es uno de los fotógrafos más emblemáticos del
panorama cultural alemán y mundial de la segunda mitad del siglo xx y comienzos
del xxi. Esta primera retrospectiva de su obra en España descubre al público más de
sesenta y cinco años de trabajo profesional. Después de emigrar, en 1950, a Sudáfrica,
Schadeberg retrató la lucha por la abolición del apartheid, y con su cámara observa
hasta hoy la vida de la población sudafricana. Con el entonces desconocido abogado
Nelson Mandela entabló una amistad que duraría hasta la muerte del primero, a quien
retrató en numerosas ocasiones.
Jürgen Schadeberg. Los últimos días del barrio de Gorbals, 1968
© Jürgen Schadeberg
En sus múltiples viajes ha sido testigo activo de una realidad repleta de contrastes y
desigualdades. Plasmó de forma excepcional el Berlín de la posguerra, desde la construcción del muro hasta las consecuencias de la reunificación de la capital alemana.
En 1964, Schadeberg se trasladó a Gran Bretaña, donde trabajó como fotoperiodista,
profesor y comisario de exposiciones. Antes de volver a Sudáfrica, en 1985, vivió en
España, Francia y Estados Unidos. Las fotografías de este periodo combinan magistralmente imágenes abstractas con escenas cotidianas y de denuncia social.
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BULEVAR SALVADOR ALLENDE
Alberto García-Alix. Paris, rien de plus
SECCIÓN OFICIAL ALCOBENDAS
Comisario: José María Díaz-Maroto
Fechas: 13 de abril – 16 de diciembre
Organiza: Centro de Arte Alcobendas
Una muestra que recoge las imágenes de una de las épocas vitales más intensas
de los últimos años de Alberto García– Alix: su traslado a París en 2003
Un recorrido fotográfico por la ciudad de la luz cargado de sinceridad, donde los
paisajes urbanos, turbios y oscuros cobrarán gran presencia
En el inicio del año 2003, Alberto García-Alix (León, 1956) abandona Madrid y se instala
en París, periodo particularmente intenso, vital y significativo en su carrera. Aquí crea
su primer vídeo —Mi alma de cazador en juego, encargo de la galerista Chantal Crousel— y plasma desenfrenos y bondades, mujeres de un día, recuerdos imborrables y
autorretratos dolientes. París queda marcado para siempre en la biografía del artista:
nuevos amigos, espacios, ilusiones y pasiones. Además, es en esta ciudad donde,
de una manera firme y perseverante, integra en sus contenidos biográficos el interés
perturbador por el paisaje urbano, callejero, turbio y oscuro, alterna la forma de mirar y
sustituye la serenidad que permite el manejo del formato medio 6x6 con la espontaneidad gestual que ofrece el tradicional 35 mm.
Una selección de este trabajo compone la muestra Alberto García-Alix. Paris, rien de
plus. París, nada más… conforma un recorrido por la ciudad en la que, posiblemente, el
fotógrafo haya vivido los momentos más duros de su camino.
Alberto García-Alix. Camino del Gólgota / Way to Golgotha, 2003
© Alberto García-Alix
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Yannis Karpouzis
La crisis paralela (The Parallel Crisis)
Organizan: Centro de Arte de Alcobendas y PHotoEspaña
Yannis Karpouzis, ganador del Premio Descubrimientos PHE 15, plantea una
dualidad entre el estado actual de la crisis financiera y el poder de la fotografía
de detener un instante
En la muestra La crisis paralela el artista reflexiona sobre el “tiempo inmovilizado” que
genera la imagen fotográfica.
Hoy en día, los medios de comunicación son mucho más complejos en la representación de vida cotidiana. Sin embargo, la fotografía conserva como privilegio su mayor
desventaja: el tiempo fotográfico inmovilizado y pasado es el lienzo más adecuado para
visualizar los momentos congelados.
Yannis Karpouzis (Grecia, 1984), ganador del Premio Descubrimientos PHE 15, expone
de manera individual su serie «La crisis paralela». En este trabajo, realiza una comparación entre el «tiempo muerto» de la crisis financiera y el «tiempo congelado» que la
fotografía produce. La fotografía llega a su destino poético cuando narra la historia de
los encarcelados, de esos hombres cuyo tiempo se gastó, de los hombres inmovilizados. De este modo, el autor afirma que el tiempo presentado en la fotografía es un
«tiempo inmovilizado», pues siempre se refiere a momentos pasados que, al igual que
los tiempos de crisis, no pueden volver a ser visitados.
Yannis Karpouzis. Escena de la calle: soldado volviendo a casa. De la serie «La crisis paralela, 2010-16
© Yannis Karpouzis
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CENTRO CULTURAL ANABEL SEGURA
Confines
Máster PHotoEspaña
Colectiva
Colabora: Ayuntamiento de Alcobendas
Una muestra colectiva que tiene como hilo conductor la preocupación común
de los artistas por traspasar límites y fronteras, ya sea de la propia fotografía
o de la sociedad en general
Una exposición con los trabajos de nueve artistas, alumnos del Master PHotoEspaña
de fotografía de la Escuela Internacional Alcobendas PHotoEspaña (P.ICA).
Bajo el título Confines se agrupa el trabajo de los nueve artistas que han cursado la
octava edición del Máster PHotoEspaña en fotografía en la Escuela Internacional Alcobendas PHotoEspaña (PIC.A).
Con una gran diversidad de proyectos, temáticas o intereses, la mayoría de ellos
comparten la misma preocupación creativa: la necesidad de traspasar los límites,
las fronteras, los lindes, ya sea de la propia fotografía y el lenguaje fotográfico —como
Azevedo y Griglio, recurriendo a otros sentidos y disciplinas—, o de los límites que la
sociedad impone a través de normas rígidas de convivencia y educación, como plantea
Asensi. Esto mismo se aprecia en los trabajos sobre lo tangible y lo intangible de
Lutyfyan, sobre lo visible y lo invisible de Zhengfei, y sobre lo permitido y lo prohibido
de Forchini. Por su parte, Touzani aborda temas como la apropiación en la era tecnológica, mientras que Cano y Martín proyectan una mirada intimista sobre la ciudad y
sus gentes.
Daniel Martín Maestro. Semana Santa, 2016
© Daniel Martín Maestro
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Ricardo Cases
Paloma al aire
Fechas: 5 de mayo – 22 de junio
El fotógrafo Ricardo Cases se adentra en el colorido universo de los criadores
de palomos
Una original muestra que descubre el universo de estos hombres que ponen sus
esperanzas sobre las alas de estas aves a las que crían y amaestran
Criar un palomo campeón supone prestigio y ganancias. Pintado con combinaciones
de colores, el palomo seleccionado, criado y entrenado para aparearse se convierte en
una proyección del colombófilo, que encarnará ante la comunidad su éxito o fracaso
deportivo, económico y sexual. Lejos de sus miserias cotidianas, el colombaire tiene,
en este universo, una vida paralela donde puede llegar a lo más alto. Solo hace falta tener un ave ganadora. El palomista se queda en tierra, pero su proyección puede volar.
Este trabajo de Ricardo Cases (Orihuela, 1971) propone un estudio del juego como acto
simbólico, como proyección y forma de relación con el mundo. Un grupo de hombres
corriendo por el campo tras sus palomos observando su apareamiento, discutiendo
las reglas y los arbitrajes, acto que remite a la documentación etnográfica de ritos de
tribus remotas o al grupo de niños que inventan el juego mientras descubren el mundo.
Ricardo Cases. Sin título. De la serie «Paloma al aire», 2011
© Ricardo Cases
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Pierre Gonnord. Retratista
Comisarios: Belen Poole y José María Díaz Maroto
La exposición se compone de una selección de obras y un trabajo videográfico,
realizado íntegramente en yacimientos mineros
Muestra que recoge la obra, en su mayoría inédita, de uno de los más destacados
representantes del retrato en España
Desde el nacimiento de la fotografía, el retrato ha sido una obsesión para los fotógrafos; reivindicar y mostrar la epidermis, la huella del tiempo como vida tatuada. Esta
premisa ha sido y sigue siendo la pasión de Pierre Gonnord (Francia, 1963), ganador
del Premio Internacional de Fotografía Ciudad de Alcobendas 2015 y protagonista de
esta muestra individual de su trabajo, la mayor parte, inédito.
En sus estoicas obras, todo lo que aparece, existe; las huellas de luz son huellas de
tiempo. Figuras sin paisaje, sin artificio, sin otro soporte que esas marcas sobre la piel.
Empleando la luz como mecanismo para buscar el volumen que aporte entidad a los
rostros y solidez al entorno, el artista se adentra en la historia cotidiana de cada uno de
los retratados.
La exposición la componen una selección de obras bajo el sustento de idealismos
espirituales —no solo religiosos— y un trabajo videográfico realizado íntegramente en
yacimientos mineros, donde la mirada firme y desnuda de los personajes encarna, de
principio a fin, el protagonismo.
Pierre Gonnord. HATTIE, 2012
© Pierre Gonnord
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Aleix Plademunt
Almost there (Casi allí)
Comisaria: Belén Poole
Fechas: 23 de junio –3 de septiembre
El título de la muestra, Almost there, refleja la frustración del artista ante la
ausencia de respuestas absolutas
Una exploración en torno al tiempo y la distancia a través de la obra del fotógrafo,
Premio Revelación PHE15
Aleix Plademunt (Girona, 1980) presenta en este proyecto una constelación compleja
de imágenes explorando el tiempo y la distancia y llevando ambas nociones hasta
sus polos más extremos. En última instancia, comunica la frustración generada por
no poder estar nunca suficientemente cerca ni suficientemente lejos; solo consigue
estar «casi allí». Introduce la idea de que no hay respuestas absolutas: todo es relativo.
Distancias, emociones, tiempo. No debe haber reglas en sus lecturas.
En un contexto en el que todo se sugiere de una manera u otra —normalmente,
siguiendo puntos de vista estandarizados por ser ajeno a uno mismo—, este trabajo
camina en dirección opuesta a los condicionantes. Almost There fotografía la fotografía como viaje de un retorno imaginario y, a la vez, como reflejo de un «allí» que
nunca se puede volver a observar de la misma manera. Propone, en suma, un modo
de deambular por los géneros y los lenguajes con los que el individuo trata de entender
el mundo a partir de las imágenes, pero también por cómo la fotografía condiciona su
percepción.
Aleix Plademunt. Snake. From the series “Almost There”, 2013
© Aleix Plademunt
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Nicolas Grospierre
All pales before the book
(Todo palidece ante el libro)
El Centro de Arte Alcobendas presenta el trabajo del artista suizo Nicolas Grospierre
All pales before de book se articula en torno a fotografías, instalaciones y vídeos con el
objetivo de rendir homenaje al libro como medio universal
All pales before the book presenta el libro impreso como medio universal y contenedor
de todas las narraciones; la historia que cuenta todas las historias, incluido el nacimiento del individuo, pero también su propia destrucción.
En esta exposición, Nicolas Grospierre (Suiza, 1975) ha montado varias obras —fotografías, objetos fotográficos, instalaciones, vídeos— que, combinadas y de un modo
diferente cada vez, alaban las maravillas de un libro mostrando el vértigo y la emoción
que la ilustración puede crear, descubren la melancolía ante una biblioteca devastada
y revelan la capacidad del conocimiento para volver a la vida una vez que ha sido destruido, literalmente, renaciendo de sus propias cenizas.
Nicolas Grospierre. El interminable pasillo de libros
© Nicolas Grospierre
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LA CÁRCEL. CENTRO DE CREACIÓN
Carlos Saura
España, años 50
SECCIÓN OFICIAL SEGOVIA
Organiza: Ayuntamiento de Segovia y PHotoEspaña
Colabora: Steidl
España años 50 es un fiel retrato de la España de los años 50, un espacio
contradictorio donde la miseria y la tristeza conviven con la riqueza cultural y
el espíritu abierto de sus gentes
Segovia se incorpora como Sede Oficial del Festival con una magnífica exposición que
rescata la faceta fotográfica del director Carlos Saura
Aunque reconocido internacionalmente por sus películas, Carlos Saura (Huesca, 1932)
ha compaginado su labor de director con la de fotógrafo. Debutó en esta práctica a
una edad temprana y su primera exposición tuvo lugar en la Real Sociedad Fotográfica
de Madrid en 1951.
Carlos Saura. Sanabria
Esta muestra reúne una selección de las fotografías que realizó en la España de los
años cincuenta del siglo xx y constituye un verdadero álbum fotográfico sobre los
pueblos y gentes que descubrió en sus diversos viajes por el país. Sus imágenes retrotraen al espectador a un tiempo que parece lejano y a unos lugares que ya apenas se
reconocen, presentando una España mísera, triste, reprimida y sumida en la pobreza;
pero también un país con una gran riqueza cultural, de gentes abiertas, sencillas y
trabajadoras que son el reflejo de la vida y las costumbres de una nación, de sus fiestas
y sus ritos. En definitiva: un país con una gran riqueza cultural, resultado de múltiples
influencias.
© Carlos Saura
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CENTRO DE HISTORIAS
Daniel Blaufuks
Toda la memoria del mundo, parte uno
SECCIÓN OFICIAL ZARAGOZA
Organizan: Sociedad Municipal Zaragoza Cultural y PHotoEspaña
Produce: Museu Nacional de Arte Contemporánea do Chiado, MNAC
Colaboran: VERA CORTÉS art agency y Embajada de Portugal
Daniel Blaukfus reflexiona sobre el fenómeno de Internet y su influencia
Un atlas de imágenes sobre la memoria que se construye a partir de un mapa visual
realizado a través del ensamblaje de imágenes de archivo
Esta exposición está dedicada a la memoria, a la literatura y al archivo en continua expansión que es internet. ¿Cómo contar toda la memoria del mundo? El subtítulo «parte
uno» asume la imposibilidad de esta tarea y propone, con una muestra dividida en tres
espacios expositivos, representar una parte de esta memoria.
Para llevar a cabo este cometido, Daniel Blaufuks (Portugal, 1963) ha utilizado fuentes
que abarcan una extensa gama técnica y temporal. La exposición presenta un grupo
de trabajos asociados a la idea y creación de un «atlas de imágenes» sobre la memoria
mediante una especie de mapa visual realizado a partir del ensamblaje de imágenes
de archivo con las de su propia obra. Un collage con el cual el artista busca, en sus
propias palabras, «embarcarse en un viaje a través de las diferentes formas de ver,
de las diferentes variaciones sobre un mismo tema» que se han producido en torno al
Holocausto desde una perspectiva contemporánea.
Daniel Blaufuks, Spartakiad, 2014
© Daniel Blaufuks
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CENTRO DE HISTORIAS: LA CRIPTA
Pat Graham
Instrument
Comisaria: Antonella Montinaro
Organizan: Sociedad Municipal Zaragoza Cultural y GACMA
Colabora: STAF MAGAZINE
Una exposición que recoge una reflexión de Pat Graham sobre los paralelismos
entre fotógrafos y músicos
Las relaciones íntimas que se establecen entre los fotógrafos y sus cámaras y los
músicos y sus instrumentos convierten los objetos en extensiones de los propios seres
humanos
Entre los músicos y sus instrumentos, o entre los fotógrafos y sus cámaras, siempre
hay una relación de amor con todas sus dinámicas: atracción, pasión, apego y, a veces,
hasta una ambivalencia de amor-odio. En ambos casos, el instrumento o la cámara
llegan a ser casi una extensión de sus cuerpos, con la única diferencia de que el fotógrafo tiene la capacidad de captar en una imagen el instante mágico de un encuentro
fortuito para inmortalizarlo en una dimensión atemporal a través de la fotografía. Herramientas de trabajo, mediadores entre el músico y la gloria intangible de una canción,
todos estos instrumentos, mimados o maltratados, guardan secretos.
A principios de los ochenta, en Washington, D. C., el punk estaba experimentando una
transformación de la que el fotógrafo, aún adolescente Pat Graham (Estados Unidos,
1970) fue testigo de primera mano. Con su trabajo contribuyó a documentar una de las
subculturas más influyentes de Estados Unidos.
Pat Graham. Flaming Lips, 2009
© Pat Graham
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LA LONJA
Chema Conesa
Retratos de papel
Comisarios: Ramón Masats y Alberto Anaut
Organiza: Ayuntamiento de Zaragoza y PHotoEspaña
Produce: Dirección General de Promoción Cultural de la Comunidad de Madrid
Colabora: La Fábrica
Una muestra que tiene como hilo conductor los retratos de varias generaciones
de hombres y mujeres ilustres, recogidos desde la Transición hasta la actualidad
Miguel Delibes, Camilo José Cela, Antonio López, los barones Thyssen, Penélope Cruz
o Emma Suarez, son algunos de los personajes que aparecen en esta galería de retratos.
Nacido en la prensa y gracias a la prensa —más concretamente, a las revistas—,
Chema Conesa (Murcia, 1952) ha creado y desarrollado un estilo propio, íntimamente
ligado al hecho editorial. Sus retratos son encargos cargados de una fuerte literalidad;
están pensados para publicarse y se realizan en las circunstancias más inesperadas.
A través de ellos, lleva realizando desde hace más de treinta años una extensa biografía de España.
Las imágenes seleccionadas para esta exposición tienen un hilo conductor: son retratos de varias generaciones de hombres y mujeres ilustres que han vivido la época más
fascinante de España, desde los años dorados de la transición hasta los turbulentos
momentos actuales. La España que muestra el fotógrafo está hecha de una colección
de retratos asombrosos, en la que algunos de los nombres más importantes de la
sociedad interpretan, como en un espejo, el mundo del fotógrafo que los ha retratado
a ellos mismos.
Chema Conesa. Camarón, 1986
© Chema Conesa
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MUSEO DE ALBACETE
SECCIÓN OFICIAL CASTILLA-LA MANCHA
Caio Reisewitz
Ingenios de hoy
Organizan: Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha y La Fábrica
Un retrato de La Mancha industrial en la muestra Ingenios de hoy
Caio Reisevizt presenta en el Museo de Albacete un proyecto que “desmonta” la idea
del anclaje agrícola de la Comunidad de Castilla – La Mancha
Las fotografías de Caio Reisewitz (Brasil, 1967), uno de los fotógrafos brasileños más
reconocidos internacionalmente, dan cuenta de la potencia industrial de una comunidad aparentemente anclada en su pasado agrícola.
Caio Reisewitz ha viajado por diversas ciudades de Castilla-La Mancha fotografiando
sus empresas tecnológicas, centros astronómicos, centros de hidrógeno, institutos
fotovoltaicos, centrales térmicas y fincas vinícolas con denominación de origen. Sus
imágenes de la planta Airbus en Illescas, Toledo, el centro Astronómico de Yebes, en
Guadalajara, el Centro Nacional de Hidrógeno o la central térmica GICC de Puertollano, Ciudad Real —donde desarrollan tecnología encaminada a lograr un modelo sostenible de generación de energía, utilizando, de forma limpia, combustibles sólidos de
bajo valor económico— muestran una comunidad en pleno desarrollo de su potencial.
Caio Reisewitz, Centro Astronómico de Yebes (CAY), Guadalajara, 2015
© Caio Reisewitz
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MUSEO DE CIUDAD REAL – CONVENTO DE LA MERCED
Montserrat Soto
Dato primitivo 5. Pinacoteca
Un viaje por las obras de autores manchegos del Siglo de Oro custodiadas
en las pinacotecas de La Mancha
Montserrat Soto profundiza en obras que muestran la vinculación directa con el libro
y su representación
Dato Primitivo 5. Pinacoteca es una serie de fotografías que retratan obras de autores
del Siglo de Oro –en su mayoría, de artistas manchegos o que han tenido que ver con
La Mancha– en las que se muestra la vinculación directa del libro y su representación.
Han sido realizadas por Montserrat Soto (Barcelona, 1961) en 2015. La serie recoge
algunas imágenes de pinturas creadas después de la invención de la imprenta y que
contienen la iconografía del libro. A modo de pinacoteca, las relaciona por cómo se
representan estos iconos y cómo se muestran en las pinturas, con el propósito de
desvelar las intenciones con las que el libro, como imagen con estructuras complejas,
es utilizado para generar nuevas asociaciones de ideas. En esta exposición, la información que ofrece la imagen de un libro se abre ante su propio significado, contextualizado dentro de la obra, y ante las interrelaciones establecidas con otras obras.
Montserrat Soto, Dato primitivo 5, 2015
© Montserrat Soto
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MUSEO DE CUENCA
Jordi Bernadó
Las huellas del Quijote
Jordi Bernadó recorre monumentos y testimonios de la más diversa índole
sobre El Quijote
Una reflexión sobre la influencia de este personaje universal en La Mancha
cargada de humor
Jordi Bernadó (Lérida, 1966), ganador de los premios Laus (1990) por su libro Good News,
PHotoEspaña y Ministerio de Cultura al mejor libro (2002) por Very Very Bad News, ha recorrido
diversos lugares de la Comunidad de Castilla-La Mancha buscando las huellas del Quijote.
Con una gran capacidad de observación y el toque de humor e ironía que caracteriza su trabajo,
Bernadó ha viajado por ciudades como Almodóvar del Campo, Madridejos, Puerto Lápice,
Toboso, Villarta de San Juan, Daimiel o Campo de Criptana y ha encontrado estatuas del Quijote
montando su caballo y enarbolando su espada en medio de la nada, coronando la verja de
una finca o anunciando la llegada a una ciudad; el nombre de Dulcinea anunciando tiendas de
antigüedades o pubs; motivos del Quijote decorando las cortinas en las puertas de las casas o
los molinos típicos del paisaje manchego.
Jordi Bernadó, Campo de Criptana, 2014
© Jordi Bernadó
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MUSEO DE GUADALAJARA
Ferdinando Scianna
La ciudad y sus gentes
Un estudio sobre la arquitectura manchega y sus gentes
Ferdinando Scianna recoge en esta muestra las impresiones que obtuvo sobre esta
comunidad durante su viaje por la zona en 2015
En el invierno de 2015, Ferdinando Scianna (Italia, 1943), uno de los grandes reporteros
italianos perteneciente a la agencia Magnum Photos, viajó por diversas ciudades de la
Comunidad de Castilla-La Mancha fotografiando a sus gentes.
Las imágenes tomadas en las ciudades que recorrió (Albacete, Almagro, Ciudad Real,
Cuenca, Guadalajara o Toledo, entre otras) dan cuenta tanto de la riqueza arquitectónica de la Comunidad como de la fuerte presencia de los elementos religiosos. Destacan
la magnificencia del palacio del Infantado, la fachada de la catedral de Cuenca o el interior de la catedral de Toledo. Scianna retrató, asimismo, las diferentes generaciones de
sus habitantes, desde los jóvenes que juegan con la nieve o hacen travesuras ante la
cámara hasta los ancianos sentados en los bancos viendo transitar a la gente, pasando
por parejas haciéndose selfies o señoras que se protegen del frío con sus abrigos de
pieles.
Ferdinando Scianna, Guadalajara, 2015
© Ferdinando Scianna
50
MUSEO DE SANTA CRUZ. TOLEDO
John Davies
Paisajes de La Mancha
Un recorrido por los paisajes de La Mancha
El fotógrafo británico John Davis refleja en esta muestra sus viajes por algunos de los
parques naturales más importantes de la comunidad manchega
John Davies (Reino Unido, 1949), uno de los más reconocidos fotógrafos del paisaje e
influyente documentalista contemporáneo, que ha sabido captar la esencia de la campiña británica y el paisaje urbano, ha recorrido los parques naturales de la Comunidad
de Castilla-La Mancha y fotografiado su entorno.
Davies ha viajado por el parque natural del Río Dulce, el parque natural de Calares del
Río Mundo y de la Sima, el barranco de la Hoz y el parque natural del Alto Tajo dando
cuenta de la riqueza paisajística de estos territorios. Sus imágenes, tomadas durante
el otoño, muestran un paisaje de vegetación, en ocasiones exuberante; de montículos rocosos cuyas estratificaciones deja ver la erosión; de simas profundas y cielos
envueltos en nubes. Imágenes de una gran carga emocional y simbólica que remiten a
la pintura.
John Davies, Parque natural del Río Dulce y Pelegrina, 2014
© John Davies, VEGAP, Madrid, 2016
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CENTRAL EUROPEAN HOUSE OF PHOTOGRAPHY
SECCIÓN OFICIAL EUROPA
Vasil Stanko. Photographs
Vasil Stanko (Eslovaquia, 1962) es un reconocido fotógrafo que ha llegado a formar
parte de la conciencia cultural tanto en Europa como fuera de ella. Sus fotografías
muestran un mundo propio surgido de las experiencias de la ensoñación y de la realidad conocida. A través de ellas, el artista comparte con el espectador un universo que
refleja su estado de ánimo. Es un creador sensible, frágil y vulnerable; no habla demasiado y deja que sean las propias fotografías las que hablen por él.
Ese mundo imaginado se expresa con la ayuda de cuerpos desnudos. La figura humana es un medio de expresión especialmente abstracto con el que escenifica y compone sus sueños para expresar su visión del mundo. Encuentra su inspiración en naves
industriales y salas de teatro desérticas y abandonadas, espacios que el artista llena
con premeditadas composiciones. De este modo, su obra refleja no solo la creación
artística en sí, sino también su vida privada llena de erotismo oculto, estados de ánimo,
impresiones y visiones.
Vasil Stanko. Man and requisite / Hombre y requisito
© Vasil Stanko
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MUSÉE NICÉPHORE-NIÉPCE
L’oeil de l’expert.
La photographie contemporaine
Esta exposición tiene como propósito la vuelta al Musée Nicéphore Niépce de la
política original de la fotografía contemporánea que reafirma su oposición al mercado
del arte y su institucionalización, rechazando redoblar los fondos constituidos por otros
museos. Las propuestas del museo incluyen un apoyo tanto a la creación francesa
como internacional, la realización de programas de residencias, la constitución de una
colección capaz de aportar una visión completa de la carrera de un artista o a la producción de publicaciones bajo la dirección de los fotógrafos. Esto ha permitido abrir
sus colecciones a una reflexión sobre el mundo y el medio fotográfico a través del ojo
experto del artista.
Elina Brotherus. La nariz del señor Cheval. De la serie «Suites francesas 2», 1999
© Elina Brotherus
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PHOTOIRELAND
Flâneur by Dublin
Fechas: 2 de julio – 24 de julio
La instalación Flâneur by Dublin, integrante de la VII edición del PhotoIreland Festival, presenta, en las calles de la capital de Irlanda, obras encargadas a dos grandes
fotógrafos contemporáneos. Las fotografías se muestran en una serie de cubos
grandes, dispersos sobre una plataforma de metal, que se convierte, a su vez, en parte
del espacio público en el que está instalado. Al anochecer, los cubos se iluminan y se
transforman en cajas de luz, creando una presentación aún más especial y ampliando
el horario de disfrute de esta galería al aire libre.
La exposición forma parte de “Flâneur - Nuevas narrativas urbanas”, un nuevo proyecto
de dos años de duración, financiado por la Unión Europea, que convierte a fotógrafos
en flâneurs, exploradores de lo cotidiano, y les pide aplicar un nuevo enfoque a su trabajo dentro del territorio urbano. El proyecto es el fruto de la colaboración de más de
veinte organizaciones internacionales de once países diferentes, y será presentado en
las trece ciudades asociadas, con diferentes artistas en cada emplazamiento.
Flâneur – New Urban Narratives
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ISTAMBUL MODERN PHOTOGRAPHY GALLERY
Habitat
Fechas: 23 de diciembre de 2015 – 22 de mayo de 2016
Kürşat Bayhan / Kerem Ozan Bayraktar / Zeynep Beler / Görkem Ergun / Beril Gür /
Çağlar Kanzık / Oğuz Karakütük / Barbaros Kayan / Gündüz Kayra / Neslihan Koyuncu /
Desislava Şenay Martinova / Ali Taptık / Serkan Taycan
Esta propuesta expositiva reúne distintas perspectivas de los espacios en los que
habita el individuo. La muestra examina la evolución del concepto de espacio, continuamente definido y redefinido, a través de la visión de trece destacados fotógrafos
seleccionados por el Consejo Asesor en Fotografía del museo.
«Hábitat» es el espacio en el que un organismo vive y se desarrolla; el conjunto de
factores físicos y geográficos que inciden en el desarrollo de un individuo, una población, una especie o grupo de especies determinados. Sus hábitats se han rediseñado
físicamente y han sido reestructurados bajo la presión de las condiciones diarias.
Con este punto de partida, y a través de temáticas como las relaciones del individuo
con la naturaleza, la migración o las transformaciones urbanas, las imágenes analizan
la necesaria adaptación de las especies a un entorno que reúna las condiciones adecuadas para garantizar su perpetuidad.
Barbaros Kayan. Ayazma Project / Proyecto Ayazma, 2008
© Barbaros Kayan
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THE FINNISH MUSEUM OF PHOTOGRAPHY
Alec Soth
Gathered Leaves (Hojas apiladas)
El fotógrafo, reportero gráfico de la agencia Magnum Photos, instagramer y autoeditor
Alec Soth (Estados Unidos, 1969) es un profesional polifacético que propicia el encuentro con el público a través de diferentes formatos, desde los medios sociales hasta
las exposiciones en museos. No es de extrañar que se haya convertido en uno de los
fotógrafos más reconocidos de la década de 2010.
La muestra Gathered Leaves reúne los cuatro trabajos principales que llevaron a Soth
al reconocimiento internacional: Sleeping by the Mississippi, Niagara, Broken Manual y
Songbook. Son fotografías tomadas entre 2004 y 2014 que muestran estudios poéticos
de personas a las que el artista encontró en pequeñas localidades, suburbios, áreas
silvestres y paisajes nacionales.
En un momento en el que la sociedad está inundada de fotografías, Soth utiliza sus
aptitudes personales para recoger todas las hojas de una realidad disociada y convertirlas en una única y fascinante colección.
Alec Soth. Charles, Vasa, Minnesota. De la serie «Durmiendo junto al
Mississippi», 2002 © Alec Soth
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THE PHOTOGRAPHERS’ GALLERY
Double Take: drawing and photography
Fechas: 15 de abril – 3 de julio
Anna Barriball / Pierre Bismuth / Marcel Broodthaers / Paul Chiappe / Richard Forster /
Jolana Havelkova / Nancy Hellebrand / Lisa Junghanß / Běla Kolářová / László MoholyNagy / Curtis Moffat / Jiří Thýn
El dibujo y la fotografía representan dos formas directas, prácticas y claras de relacionarse con el mundo, si bien cada una de ellas ha desempeñado un papel fundamental
en el desarrollo del arte moderno y contemporáneo.
La fotografía, en su acepción literal de «dibujar con luz», permite que «la naturaleza
se dibuje a sí misma» tal como describió Henry Fox Talbot, científico e inventor de la
fotografía, en su publicación El lápiz de la naturaleza (1844): no es el artista quien hace
la imagen; es la imagen la que se hace a sí misma.
Esta exposición pretende explorar las múltiples vías en las que fotografía y dibujo se
han combinado, reflejado y contrastado para extenderse hacia nuevas áreas, lo cual ha
permitido a los artistas descubrir nuevos lenguajes visuales y formas de expresión.
Nancy Hellebrand, Interior 64. De la serie «Pintura manual», 1989-2016
© Nancy Hellebrand. Cortesía de la artista
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THE LUMIÈRE BROTHERS CENTER FOR PHOTOGRAPHY
Sandro Miller
Malkovich, Malkovich, Malkovich:
Homage to photographic masters
En 2013, tras haberse convertido en uno de los fotógrafos publicitarios más prestigiosos a nivel mundial, Sandro Miller (Estados Unidos, 1958) se propuso completar una
serie que rindiera homenaje a las fotografías que le habían impactado e inspirado a lo
largo de su vida: Truman Capote retratado por Irving Penn; Marilyn Monroe inmortalizada por Bert Stern; La madre migrante de Dorothea Lange; el autorretrato de Robert
Mapplethorp; John Lennon y Yoko Ono en la portada de la revista Rolling Stone, de
Annie Leibovitz; la icónica fotografía de un niño con una granada de mano de juguete
de Diane Arbus; o el hombre con abejas de Richard Avedon, entre otras muchas.
La serie consigue capturar el estilo y la composición de las fotografías originales gracias al talento creativo de Miller y a la gran capacidad interpretativa de su protagonista:
el legendario actor y amigo personal del artista John Malkovich, quien recrea con gran
exactitud las expresiones de los sujetos fotografiados.
Sandro Miller. Bert Stern, Marilyn Monroe crucificada II (1962), 2014
© Sandro Miller
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MAISON EUROPÉENNE DE LA PHOTOGRAPHIE
Marcel Gautherot
Form as narrative: the photographs
of Marcel Gautherot
Marcel Gautherot photographs es la primera gran retrospectiva dedicada a Marcel
Gautherot (Francia, 1910 – Brasil, 1996) fuera de Brasil. Realizada en París, la que fuera
su ciudad natal, cumple dos importantes retos: el primero, reintroducir a Gautherot en
el círculo cultural e intelectual parisino, en cuyo circuito artístico estuvo muy activo en
la década de 1930; y, el segundo, mostrar su destacado trabajo al público internacional,
incluyendo, de manera particular, su papel como fotógrafo preferido por el arquitecto
Oscar Niemeyer. Su creación artística jugó un rol fundamental en la construcción de
la representación e imaginario modernos, tanto en Brasil como en el extranjero. Su
proyecto documental monumental sobre Brasil fue creado con un conocimiento formal
excepcional, y constituye un legado permanente en la cultura brasileña, en los lazos
culturales entre Brasil y Francia y en el entendimiento global de la fotografía como un
lenguaje itinerante, claramente internacional, en el desarrollo de la modernidad y la
contemporaneidad.
Marcel Gautherot. La Explanada de los Ministerios en construcción, c. 1958
© Marcel Gautherot
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LATVIA NATIONAL MUSEUM OF ART
Tamed Nature. Nature Motifs in Fashion
from the 18th Century till Nowadays
Alexandre Vassiliev’s private couture
collection
Fechas: 13 de julio – 16 de octubre
La colección privada de costura de Alexandre Vassiliev que se exhibe en el Museo de
Artes Decorativas y Diseño de Riga se ha convertido en una tradición desde el año
2009. El tema de la muestra es la capacidad de metamorfosis de moda desde el siglo
XVIII hasta la actualidad. La exposición, integrada por más de un centenar de trajes
y accesorios de alta costura, se complementa con varios archivos fotográficos y documentales.
Alexander Vassiliev (Rusia, 1962), historiador de la moda y artista, es el propietario de
una de las mayores colecciones de moda del mundo, contando más de cincuenta mil
artículos. Es autor de numerosos libros y artículos sobre la historia de la moda y ha
diseñado más de un centenar de escenografías para óperas y ballets en los principales
teatros de Francia, Reino Unido, Estados Unidos, Japón y otras partes del mundo. Anteriormente fue editor en revistas como Vogue o Harper ‘s Bazaar en sus ediciones rusas.
Vintage post card. Josephine Baker. Paris, 1960-ies. From the private
collection of the Alexandre Vassiliev Foundation
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NEDERLANDS FOTOMUSEUM
Crime Scenes. A hundred years
of photographic evidence
¿Puede una fotografía demostrar, revelar o probar lo que ocurrió realmente? No cabe
duda de que una imagen muestra algo que una vez tuvo lugar, pero, ¿significa eso que
refleja, en todo caso, «la verdad»?
Crime Scenes presenta, por primera vez en una exposición, cómo la fotografía ha sido
utilizada, a lo largo del último siglo, como evidencia visual en los tribunales a través de
un recorrido que ilustra el uso de la fotografía como prueba legal. En ella se documentan once casos de estudio sobre cuestiones como la delincuencia, la guerra, la historia
política y los conflictos actuales, así como asuntos de gran importancia humanitaria o
relevancia para el derecho internacional. Todos ellos, de manera conjunta, ilustran los
intentos llevados a cabo para utilizar la fotografía como prueba legal y, en definitiva,
ofrecen una visión fascinante de la forma en que los tribunales han visto la fotografía a
lo largo del tiempo.
Alphonse Bertillon, Asesinato del Sr. Canon, bulevar de Clichy, 9 de diciembre de 1914.
Sede del departamento de identificación forense de la policía de París © Archives de la Préfecture
de Police de Paris
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FUNDACJA BĘC ZMIANA
Mikołaj Długosz
Summer in the City
Fechas: 1 de julio – 28 de agosto
Summer in the City muestra una colección de fotografías seleccionadas del archivo de
una empresa fabricante de tarjetas postales. Estas, por lo general, muestran lugares
turísticos u orgullos locales. En la década de 1970, época de la que se extrae esta
colección, las autoridades socialistas adquirieron grandes préstamos para modernizar
el país. En ese momento se construyeron muchos edificios modernos con múltiples
finalidades que se insertaron en el paisaje urbano de maneras diversas y, a menudo,
sorprendentes. Sus imágenes son el corazón de esta muestra, mientras que las escenas de la vida cotidiana aparecen en un segundo plano: tipografías, letreros de tiendas,
luces de neón o modelos de coches que, raramente, se encuentran hoy en día. Estas
fotografías evocan cierta nostalgia entre los ciudadanos de la Europa del Este que crecían en esos momentos; pero también atraen a aquellos que no recuerdan un mundo
con ese exótico atractivo.
Mikołaj Długosz. Verano en la ciudad [Łódź 1973. Piscina «Anilana» club deportivo, fotografía de
Stelmach / KAW] © Mikołaj Długosz
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Sedes invitadas
SEDES INVITADAS MADRID
CASA DE VELÁZQUEZ
FNAC CALLAO
HOTEL IBEROSTAR LAS LETRAS GRAN VÍA
Fotógrafos de la Casa de Velázquez 2016
Christian Rodríguez
Una flor mixe
Miradas ibéricas. Colección La Fábrica
Antonio Barroso / Vicky Méndiz / Paco López / Maria-do-Mar
Rêgo / Vicente Sáez Castaño / Anna Katharina Scheidegger /
Aurore Valade
Fechas: 6 de junio – 28 de junio
La Casa de Velázquez acoge cada año a unos cuarenta artistas a través de la concesión de becas anuales o
mensuales. En esta ocasión, se suma a la programación
de PHotoEspaña con una exposición colectiva que agrupa
el trabajo fotográfico de sus artistas miembros y becarios
que, desde sus disciplinas respectivas —artes plásticas,
cine y fotografía— proponen una muestra plural, con enfoques estéticos y conceptuales variados, del trabajo que
han desarrollado en este entorno de creación excepcional.
Francesc Català-Roca / Robert Frank / Fernando Herráez /
Xavier Miserachs / Ricard Terré
El interés de Christian Rodríguez (Uruguay, 1980) radica en
exponer una visión moderna de la mujer y su entorno. En esta
serie documenta, de forma poderosa, el embarazo adolescente y el abuso sexual doméstico, con un toque delicado y
poético, a través del retrato respetuoso de Gloria. Los elementos simbólicos, la historia que subyace detrás de las imágenes,
los susurros y su melancolía sutil hablan de una tragedia
todavía muy extendida en la región, causada directamente por
la ignorancia, la desigualdad de género y la pobreza.
La selección de obras para esta exposición, a partir de los
fondos de La Fábrica, presenta una variedad de miradas
sobre la península ibérica, sus gentes, ciudades y paisajes:
Xavier Miserachs, Francesc Català-Roca y Ricard Terré
dan testimonio de la España de la década de 1950; Robert
Frank viajó a Valencia en 1952, donde tomó unas emoticas
imágenes de rituales, niños, escenas nocturnas y del mar;
y las fotografías de Fernando Herráez transportan a Vila do
Conde y Castelo do Queijo, en Portugal.
Christian Rodríguez. Una flor mixe
© Christian Rodríguez
Vicky Méndiz. Claire Kuijck, 2016
© Vicky Méndiz
Ricard Terré. Semana Santa. L’Hospitalet de Llobregat, 1958
© Ricard Terré
64
SEDES INVITADAS MADRID
ISTITUTO ITALIANO DE CULTURA
MUSEO NACIONAL DE CIENCIAS NATURALES
REAL SOCIEDAD FOTOGRÁFICA
Gabriele Basilico
Arquitectura y ciudad. Fotografías
de las colecciones del MAXXI
Juan del Junco
Conceptual Andalusia & Européen en vol
La triple mirada de los Dolcet
Elías Dolcet del Álamo / Juan Carlos Dolcet del Álamo /
Juan Dolcet Santos
Para Gabriele Basilico (Italia, 1944-2013) fotografiar el
espacio urbano significa entrar en relación con su cuerpo
físico y con su vivida organicidad. El estado de suspensión
que acompaña sus imágenes refleja el intento de captar la
estructura más profunda de la ciudad. Esta muestra es un
recorrido por diferentes ciudades italianas e internacionales
realizado a través de la mirada de uno de los más importantes intérpretes de la fotografía contemporánea. Las obras
expuestas proceden de las colecciones de fotografía del
MAXXI Arquitectura y del MAXXI Arte.
Gabriele Basilico. Milán, edificio de apartamentos en la vía Corridoni
(Milan, apartment building in Corridoni Street), 2010
© Gabriele Basilico
El punto de partida de este proyecto es la memoria personal del artista, que bucea en sus recuerdos para rescatar
dos libros que ojeaba de niño: Oiseaux en vol (1962) y Wild
Andalusia. Coto Doñana (1967), de Charles-A. Vaucher. A
partir de esta imagen evocada, construye una metáfora
vinculada a la libertad y las rutas migratorias con la que
reflexiona sobre lo que ocurre hoy en Europa: del mismo
modo que las aves se desplazan hacia lugares más favorables, actualmente, miles de refugiados pretenden alcanzar
idéntico destino.
Juan del Junco. De la serie «Conceptual Andalusia», 2015-16
© Juan del Junco
La Real Sociedad Fotográfica presenta una exposición
conjunta con fondos de su fototeca que muestra imágenes
que representan los inicios de la fotografía documental y
singulares retratos introspectivos e intimistas realizados por
el padre, Juan Dolcet, destacado integrante de la Escuela
de Madrid; la experimentación moderna de Elías Dolcet
como partícipe en el aire renovador que supuso la llegada
de Nueva Lente y su pertenencia a la Quinta Generación; así
como el testimonio de la movida madrileña a través de las
imágenes de Juan Carlos Dolcet.
Elías Dolcet del Álamo. Retrato en blanco, 1976
© Elías Dolcet del Álamo
65
Festival Off
FESTIVAL OFF MADRID
6MÁS1 ARTE
ASPA CONTEMPORÁNEA
BAT ALBERTO CORNEJO
Entre mundo y juguete
Patricia Gómez y María Jesús González
/ Nieves Mingueza / Rebecca Wilton
Nagore Legarreta
Hysteron
No words
Comisario: Francisco Ramallo
Los paralelismos entre Elegías de Duino de Rilke y Estética
de la desaparición de Virilio, acotan un espacio apoyado en
el lapso temporal necesario para atrapar lo evanescente.
Esta muestra reproduce un proceso de borrado fraudulento. Mediante diferentes técnicas, se preserva la memoria
de una prisión, se plasma el intervalo indispensable para
la demolición de un edificio, y se cristaliza el intersticio de
tiempo previo a la disolución de la psique de un interior
doméstico
Comisario: PhotoGune
Hysteron es una serie fotográfica que retrata mujeres
fragmentadas, despiezadas, que tratan de fundirse entre
ellas pero que a su vez se empujan, se molestan. Nagore
Legarreta (Hernani, 1981) construye un denso cosmos
onírico que evidencia la crisis del individuo, de la mujer, de
su identidad. Las fotografías se han realizado con cámaras
estenopéicas cilíndricas de cuatro agujeros –construidas
expresamente por la autora a partir de latas y cazuelas–,
que originan imágenes poco nítidas y crean un ambiente
irreal de inquietudes y sueños.
No words es la propuesta de veintinueve fotógrafos donde
la fuerza de las imágenes hace superfluo el uso de palabras para explicar su sentido. Desde estampas intimistas
hasta retratos sociales, No words es la expresión de un
sentir individual, del fotógrafo con su obra y de esta con el
espectador. Pasear por esta galería de imágenes transporta a lugares insospechados de la mente, a parajes insólitos
de la conducta, a rincones desconocidos del mundo y a
paisajes nostálgicos de la memoria.
BLANCA BERLÍN GALERÍA
BLANCA SOTO
CAMARA OSCURA
Jürgen Schadeberg
Bigas Luna.
A fior di pelle (A flor de piel)
Nanna Hänninen.
Now is Now (Ahora es ahora)
Bigas Luna (Barcelona, 1946 – La Riera, 2013) es mundialmente reconocido por su labor cinematográfica. Sin
embargo, él mismo afirmaba que se introdujo en el cine
por la iniciación previa en el arte, en la pintura.
El punto de partida de este proyecto de Nanna Hänninen
(Finlandia, 1973) es su interés en las emociones cotidianas
y las experiencias que, a pesar de ser únicas para cada ser
humano, pueden ser sentidas y compartidas por todos. La
artista lidia con la ansiedad y las amenazas existencialistas
y explora la importancia del presente, así como del tiempo
mismo y de su relatividad. El resultado es una estética de
corte minimalista que libera un gran espacio asociativo
y confronta al espectador con sus propios recuerdos y
experiencias.
Jürgen Schadeberg (Alemania, 1931) es uno de los fotógrafos más reputados de la escena internacional. Su obra ha
estado presente en importantes exposiciones individuales
en lugares como Ciudad del Cabo, Dublín, Nueva York,
Berlín, Budapest o Luxemburgo. Esta muestra selecciona
una serie de fotografías tomadas en Sudáfrica –principalmente, durante el periodo del apartheid–, en Gran Bretaña
en los años sesenta y setenta del siglo XX, y en Alemania a
lo largo de varias décadas.
Esta exposición –una serie de ocho diapositivas que realizó
en 1964 y manipuló con líquidos y otros objetos en 2012– es
una oportunidad para observar una muestra de su amplia producción pictórica y descubrir, así, una parte de la
creación de este artista multidisciplinar hasta ahora poco
conocida.
67
FESTIVAL OFF MADRID
CERO
ESPACIO VALVERDE
FERNÁNDEZ-BRASO
Daniel Mayrit
Imágenes autorizadas
Miguel Rosón Riestra
Pleamar
Ouka Leele
Viajeros de mi galaxia
Hace ahora un año entró en vigor la Ley Orgánica de Protección de la Seguridad Ciudadana. Bajo ese eufemismo,
esta norma genera un vacío de representación al penalizar
“el uso no autorizado de imágenes o datos de autoridades
o miembros de las Fuerzas y Cuerpos de Seguridad”.
El proyecto Pleamar está realizado en el antiguo barrio de
pescadores de Cimadevilla, Gijón. Miguel Rosón (Gijón,
1978) ha centrado su trabajo en los muros pintados de
colores por los servicios municipales de limpieza para
tapar grafitis, en los que los operarios han intervenido para
generar, involuntariamente, obras murales abstractas.
“Quiero, en esta exposición, mostrar al público ese sistema
tan mío que habita el universo, un conjunto de estrellas que
brillan en las imágenes que he captado con mi cámara.
Una cámara oscura que solo ve luz y la captura, y construye
conmigo espejos donde mirarnos […]. Venid, viajeros, entrad,
volad, os invito a conocer esta escuela para voladores”.
La muestra está articulada en torno un recorrido de tres
espacios expositivos, a través de los cuales el autor reflexiona, entre otras cuestiones, sobra la naturaleza de las
apariencias, la profundidad y la superficie.
Con estas palabras, Ouka Leele (Madrid, 1957) propone
al espectador una visita a su “galaxia” personal; un viaje
atemporal, a través de todos sus tiempos, al universo de
las composiciones fotográficas de su trayectoria artística
FERNANDO PRADILLA
FREIJO GALLERY
IVORYPRESS
Fotografía transversal
Mónica Sánchez-Robles
Luz interior
Chloe Dewe Mathews
Shot at Dawn
El estado emocional de una persona determina la forma en
que percibe el mundo. Mónica Sánchez-Robles (Madrid,
1964) investiga la relación entre los colores y las ocho
emociones básicas identificadas en los seres humanos,
partiendo de la realización de un test cuyos resultados son
la base de su trabajo artístico.
La fotógrafa británica Chloe Dewe Mathews (Reino Unido,
1982) ha investigado varias localizaciones del norte de
Europa en las que miles de soldados fueron ejecutados
por deserción y cobardía durante la Primera Guerra
Mundial. Estos impactantes hechos son la base de este
proyecto fotográfico en el que la artista recrea, a través de
la observación del paisaje actual y de manera muy precisa,
el lugar y el momento exacto en el que ocurrieron aquellos
acontecimientos.
Este trabajo explora diferentes maneras de volver a llenar
dicho vacío mediante el uso de nuevas técnicas de captación y difusión de imágenes, en un contexto internacional
que tiende a la ilegalización de las protestas y la invisibilidad de la represión.
Esta exposición reúne un conjunto de trabajos de más
de veinte artistas iberoamericanos. En ella se pueden
identificar las diversas líneas estilísticas y temáticas que
han configurado la fotografía dentro del contexto general
del arte contemporáneo.
Los autores presentan reinterpretaciones, de cuestiones
relacionadas con el paisaje, el retrato, el documento, la
ciudad, la arquitectura o la narrativa planteadas desde
posturas investigativas que reflexionan sobre asuntos de
la práctica fotográfica tan pertinentes como su objetividad,
subjetividad, veracidad o artificio.
En esta instalación se presentan piezas de vídeo y fotografías que sumergen al espectador en un mundo vegetal en
el que los espacios de silencio y meditación están representados por escenarios de naturaleza.
68
FESTIVAL OFF MADRID
JORGE ALCOLEA
JOSE DE LA MANO
LA CAJA NEGRA
Abraham Calero
Dignus
Gerardo Vielba
París, 1962
Adolfo Patiño. Adolfotógrafo
Fotografía anónima pintada (México)
Vida soñada en color
Abraham Calero (Madrid, 1976) trabaja como si de un
arqueólogo de reliquias olvidadas se tratara, y con sus
creaciones devuelve la dignidad a objetos que, a lo largo de
sucesivos usos, perdieron la capacidad de atraer la mirada.
Retrata objetos y trastos que han vivido vidas mejores antes
de ser sustituidos y olvidados; ancianos que muestran sin
complejos el paso de los años, las heridas de la vida.
Gerardo Vielba (Madrid, 1921-1992) es uno de los fotógrafos más destacados del panorama español, tanto por su
obra visual como por sus escritos. Fue uno de los principales impulsores del movimiento fotográfico universitario, del
que surgirían algunas de las más relevantes figuras de la
escena artística actual.
Dignus no pretende mostrar el desenlace del objeto del
consumo, sino dignificar, en la evocación de su recuerdo,
lo fotografiado.
Este proyecto muestra fotografías que realizó en París en
el año 1962, y es un homenaje no solo a este gran fotógrafo y retratista de la ciudad y sus gentes, sino también a la
eternamente evocadora ciudad de París.
Dos propuestas comparten este espacio expositivo que
tienen como hilo conductor el sentido del travestismo con
el que opera la representación. Adolfo Patiño (México,
1954-2005) comenzó en el mundo de la fotografía en la década de 1970. Creó los colectivos “Peyote y la Compañía” y
“Grupo de Fotógrafos Independientes”. La segunda muestra recopila fotografías pintadas de los siglos XIX y XX que
revelan los códigos estéticos de la época y las técnicas de
manipulación de la imagen.
LA FÁBRICA
LA FIAMBRERA
LUCÍA MENDOZA
Cristina de Middel
Antipodesedopitna
Juan Pérez-Fajardo
All Access (Acceso total)
Christian Voigt
Paisajes de interior
Cristina de Middel (Alicante, 1975) comenzó el proyecto
«Antipodes» en Nueva Zelanda en 2013. Al fotógrafo que
viaja al otro extremo del mundo parece que no le queda
más opción que disparar al majestuoso entorno en el
que se ve envuelto. De este modo, la fotografía de paisaje
le hace poca justicia al paisaje en sí: lo aplana, le resta
dimensiones y sensaciones.
All Access recoge el trabajo gráfico, tanto en color como
en blanco y negro, del fotógrafo musical Juan Pérez-Fajardo (Madrid, 1969) a lo largo de varios años. Su cámara ha
retratado a estrellas consagradas de la escena musical
española e internacional, así como a distintas bandas y
personajes de la escena más underground, captando imágenes donde artistas y personas se confunden. Su obra es
testigo de la historia reciente de la música y se ha convertido en un vehículo necesario para contarla.
Christian Voigt (Alemania, 1961) ha desarrollado un lenguaje capaz de contar la vida como si de historias se tratara.
De presentar la situación vivida como un escenario, donde
el límite entre lo real y lo onírico es especialmente frágil,
o de transmitir que la realidad más cruda es una escena
cotidiana. Basándose en una superposición de treinta
exposiciones de la misma imagen, una técnica ya empleada a principios del siglo xx, y en la edición de imágenes
de grandísimo tamaño, Voigt accede a la utilización de
los colores, las luces, las sombras y los contrastes de una
manera sobrecogedora.
Este trabajo trata de devolver la profundidad al paisaje añadiendo confusión y mirando a través de dos espejos: el de
la cámara y el que invierte la toma, situado frente a la lente.
69
FESTIVAL OFF MADRID
LUIS BURGOS
MAGDA BELLOTTI
MATERNA Y HERENCIA
En Coney Island
Tete Álvarez
Desplazamientos
Alfonso Zubiaga
Caos y vacío. Espacios de supervivencia
Fechas: 3 de junio –16 de julio
A partir de material hallado en la red, Desplazamientos
plantea una reflexión crítica sobre el estatuto de la imagen
en la sociedad contemporánea y su papel en la conformación de la esfera pública. En una estrategia de acumulación y reciclaje, Tete Álvarez (Cádiz, 1964) bucea entre
la avalancha de imágenes que se generan en la sociedad
de la comunicación para clasificarlas, recomponerlas y
volverlas a dotar de otros significados que subvierten ese
carácter, aparentemente unívoco, con que se nos presentan a diario las imágenes
Alfonso Zubiaga (Vizcaya, 1958) trata de escenificar la relación de los europeos con su hábitat y mostrar los universos contrapuestos que juegan un gran papel en el espacio
común: la urbe, presentada como un territorio complejo,
multiplicado y opresivo en su grandiosidad; y, en el otro
extremo, la naturaleza, en su forma más difícil.
MICHEL SOSKINE INC
MOISES PÉREZ DE ALBÉNIZ
MONDO GALERÍA
Joel-Peter Witkin
Basurama.
Abundancia
Virgina Rota
Saudade
Basurama es un colectivo dedicado a la investigación,
creación y producción cultural y medioambiental que centra su área de estudio y actuación en los procesos productivos, la generación de desechos que estos implican y las
posibilidades creativas que suscitan.
Virginia Rota (Málaga, 1989), ganadora del concurso NEXOFOTO 2016, presenta una exposición llena de soledad,
nostalgia y añoranza. Así se define el término «saudade»;
pero solo quien ha perdido lo más poderoso de su vida
conoce la fuerza real de esta palabra. Saudade es lo que
queda cuando uno alcanza la certeza de que aquello que
resultó ser el hogar no volverá. Significa extrañar con tal
intensidad que hasta el cuerpo duele. El valor se desvirtúa;
pues uno ya conoció la cima y ahora no hay paz en la que
descansar.
Coney Island es la playa y parque de atracciones de Nueva
York por excelencia. Muchas de las personas que por allí
transitan acuden en busca de evasión y para dar salida a
sus ansias de exhibicionismo. Cano Erhardt (Bilbao, 1955)
persigue en este proyecto revelar la capacidad de la fotografía para crear ficciones, e incluso mentiras, y muestra
un rasgo de la fotografía de calle que le fascina: la cualidad
aleatoria de esa generación de ficciones. Al pretender una
reproducción instantánea y estática de la vida, el azar del
momento produce, en muchos casos, resultados inesperados.
Fechas: 9 de junio – 30 de Julio
Desde hace más de treinta años, Joel-Peter Witkin (Estados Unidos, 1939) persigue su interés por la fenomenología de la violencia, el sufrimiento y la muerte. Crea composiciones surrealistas en las que cuestiona las nociones
preconcebidas de la belleza. Sin ningún pudor, busca el
deseo en lo grotesco, lo sagrado en lo profano, acercándose a estos temas a través de cuerpos singulares y rechazados, presentando, directamente, la deformidad. En esta
exposición se muestran obras recientes y algunos de sus
trabajos más conocidos de las décadas de 1980 y 1990.
Este proyecto reflexiona sobre el concepto de abundancia
en las sociedades capitalistas actuales y analiza el cartón
como mejor representante de su medida. La omnipresencia invisible de ese material representa la mimetización
del consumo de la abundancia en la forma de vivir
Mediante la estratificación y superposición de capas, el
fotógrafo construye una metáfora del medio en el que el
europeo moderno, en su mayoría, sobrevive.
70
FESTIVAL OFF MADRID
ODALYS
OGAMI PRESS
PILAR SIERRA
Transdiverso (fotografía, videoarte
y arte multimedia de Venezuela)
Jesus Labandeira.
Cuando aún nevaba
Doce artistas venezolanos que trabajan integrando la
fotografía, el videoarte y las artes electrónicas presentan
propuestas inéditas y recientes. Existe una notable variedad en los estilos, ya que muchos de ellos tienen ya una
dilatada trayectoria en el panorama de las artes visuales
venezolanas. Resulta interesante analizar las aproximaciones particulares que realizan en torno a sus temas habituales y cuando se relacionan con Venezuela como visiones
transversales: idealizadas y poéticas o, por el contrario,
más directas y específicas.
La infancia, la ausencia y el tiempo que borra pausadamente los lugares habitados son el foco de este proyecto Jesús
Labandeira (Madrid, 1963) indaga en el paisaje del recuerdo.
Auras que se transforman en un nuevo espacio de identidad
mediante procesos tradicionales como el fotograbado, que
dan sentido a la función semántica de la obra.
Linarejos Moreno. Write, write in order to
remember. You only Understand what you
destroy (Escribe, escribe para recordar.
Solo comprendes aquello que destruyes)
PONCE + ROBLES
STANDARTE
TIEMPOS MODERNOS
Boa Mistura
Mi raíz es
Javier Marquerie Bueno
Madrid, qué bien resistes
Juan de Sande
El tiempo vigila desde las sombras
El colectivo Boa Mistura desarrolla su trabajo, principalmente, en el espacio público. Entienden su obra como una
herramienta para transformar la calle, intervenir en ella y
crear vínculos entre las personas.
Interesante propuesta expositiva en la que Javier Marquerie (Madrid, 1969) contrapone la visión del Madrid próspero, despreocupado y consumista de hoy en día con la del
Madrid pobre, derruido y desgarrador de la guerra civil.
Juan de Sande (Madrid, 1964) tiene una larga trayectoria
como artista. Sus fotografías —aparentemente sencillas,
técnicamente muy elaboradas— son falsamente reales o,
por decirlo de otro modo, construyen realidades falsas.
En esta muestra se exhibe el proyecto realizado para la
XII Bienal de Arte de La Habana. El colectivo utilizó puntos
característicos de El Romerillo, uno de los barrios más
complejos de la capital, para plasmar los veinticinco versos
del poema No sé, del autor cubano Samuel Feijóo.
Cada fotografía de la serie es un collage que contiene el
primer y último fotograma de una realidad configurada durante setenta y siete años, y confronta realidades en unas
composiciones que despiertan sentimientos discordantes,
que van desde el horror y el sufrimiento, hasta el impacto
o el humor, deshumanizando y ridiculizando la sociedad.
Esta exposición incide en esta dirección: nada es lo que
parece. En ella se muestran las dos últimas series realizadas por el autor. La primera, “Algunos movimientos del
todo innecesarios”, se centra en equilibrios imposibles;
mientras que “Y que los salmones canten por las calles”
presentan un particular juego visual cargado de humor.
El autor, al plantear la expresión, abandona factores racionales basados en conciencia y razón. Así, genera imágenes reflexivas e irracionales, ni reales ni oníricas, en un
mundo atemporal, donde espacio y tiempo se confunden.
En esta exposición, que toma prestado su título de una cita
de Edmond Jabès, Linarejos Moreno propone un diálogo
entre procesos artísticos y científicos para desvelar sus
hermenéuticas y epistemologías tomando como eje central el ensayo destructivo y su representación como vía de
adquisición de conocimiento. Lo que genera interrogantes
desde la perspectiva ecológica y poshumanista. La muestra se ofrece como germen de la exposición Tabularia:
laboratorios de ciencia e imaginación, que se expone,
paralelamente, en el Real Jardín Botánico de Madrid.
71
FESTIVAL OFF MADRID
TWIN GALLERY
UTOPIA PARKWAY
Valle Galera
Estaba oculto
Ignacio Evangelista
After Schengen (Después Schengen)
La producción de Valle Galera (Jaén, 1980) gira en torno a
la identidad como construcción. Indaga sobre el arquetipo
del hombre seductor dibujándolo a través de la repetición
de poses, gestos y estilos semejantes entre celebridades
y desconocidos, entremezcladas con retratos actuales que
realiza a homosexuales sexagenarios. Rastrea una confusa
y evocadora generación que se adelantó a su tiempo al
vivir una sexualidad prohibida en época franquista, hoy
también censurada por una sociedad que desexualiza a
sus ancianos.
El fotógrafo Ignacio Evangelista (Valencia, 1965) recorre en este proyecto antiguos puestos fronterizos entre
varios Estados de la Unión Europea para descubrir qué
ha quedado de ellos. Después del Acuerdo de Schengen,
la mayoría de ellos —que en otro tiempo delimitaban los
territorios— permanecen abandonados, en estado ruinoso
y en un limbo espacio-temporal. Las imágenes mostradas
provocan muchas reflexiones en un momento en el que
el proyecto de la Unión Europea está siendo fuertemente
cuestionado.
72
Programas profesionales
73
73
PROGRAMAS PROFESIONALES. PIC.A ESCUELA INTERNACIONAL
ALCOBENDAS PHOTOESPAÑA
PROGRAMAS PROFESIONALES. PIC.A ESCUELA INTERNACIONAL
ALCOBENDAS PHOTOESPAÑA
Semana Descubrimientos PHE
Visionado de porfolios y seminarios
Semana Descubrimientos PHE / Campus PHE
Imagen creativa. Con Michel Atavar
Sede: PIC.A Escuela Internacional Alcobendas PHotoEspaña
Actividades previa inscripción en www.phe.es
Apoyan: Programa AC/E para la internacionalización de la Cultura Española (PICE), Fundación
Ankara, Instituto de las Industrias Culturales y las Artes de la Región de Murcia, Embajada de los
Países Bajos y Goethe Institut
Sede: Escuela Internacional Alcobendas PHotoEspaña PIC.A. Espacio Miguel Delibes (Avenida
de la Magia, 3. Alcobendas)
Fechas: 30 de mayo – 31 de mayo
Actividad previa inscripción en www.phe.es
Por segundo año, Descubrimientos PHE amplía su convocatoria y extiende su programación en dos sesiones para reunir a cerca de doscientos fotógrafos y más de cuarenta expertos nacionales e internacionales, ofreciendo un grupo de visionado más amplio
y heterogéneo y presentando, durante cuatro jornadas, un programa de actividades
que incluye seminarios y talleres.
La Semana Descubrimientos PHE ofrece a los participantes, a través de los visionados,
un espacio para mostrar su trabajo a comisarios y editores en el que pueden conectar
con destacados profesionales del sector, explorar nuevas posibilidades profesionales,
mejorar la presentación de proyectos, descubrir tendencias actuales, entrar en contacto con otros fotógrafos para conocer sus procesos y métodos de trabajo y ampliar su
red profesional.
Además de los visionados, la Semana Descubrimientos PHE organiza seminarios
sobre buenas prácticas profesionales para aquellos participantes inscritos. Así, la programación ofrece, cada día, talleres con algunos expertos como Marc Prüst, Semiramis González, Juan Valbuena o Ciara Hickey con el fin de explorar temas de actualidad
en el sector fotográfico, descubrir posibilidades de financiación, trabajo en colectivo o
conocer métodos de trabajo. Los fotógrafos Simon Roberts y Manuel Zambrana presentarán su trabajo y la nueva revista Clavoardiendo estará como proyecto invitado.
La Semana Descubrimientos PHE pretende crear un espacio donde los fotógrafos
puedan mostrar su trabajo, recibir asesoramiento y ampliar su conocimiento. Para ello
tendrán lugar los Talleres Campus PHE, que ayudarán a los participantes a fomentar su
proceso creativo.
El taller Imagen creativa es un curso diseñado para ayudar a los participantes a ser
más creativos y ampliar los recursos de su vida profesional. Durante las sesiones, los
alumnos trabajarán en el desarrollo de su personalidad y creatividad profesional con
ayuda de técnicas, ejercicios y métodos prácticos.
Michael Atavar es un artista y consultor creativo con una práctica que mezcla la creatividad, los negocios, el arte y la psicología. Trabaja individualmente y con empresas
para ayudar a resolver los problemas profesionales utilizando la creatividad como una
clave. Este proceso lo ha desarrollado en la Tate Modern y en la escuela 1-2-1s, entre
otros.
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SEMANA DESCUBRIMIENTOS PHE / CAMPUS PHE
CAIXA FORUM
Self Publish, Be happy.
Con Bruno Ceschel
Un mosaido inesperado.
Singularidades de la fotografía europea.
Encuentros culturales PHE
Sede: PIC. A Escuela Internacional Alcobendas PHotoEspaña
Sede: Caixa Forum. (Paseo del Prado, 36, Madrid)
Organizan: PHotoEspaña y Central European House of Photography
Colabora: Caixa Forum
En este programa, los alumnos podrán unirse a Bruno Ceschel, fundador de Self
Publish, Be happy, en un taller intensivo de dos días. Las personas interesadas podrán
concebir su propio libro de fotografía y tendrán a su disposición las herramientas
necesarias y la visión para convertirse en editor de su propia publicación. Las sesiones mostrarán los diversos «modelos» editoriales contemporáneos, desde la revista
al tradicional libro de fotografía perfectamente atado. La edición, la secuenciación y el
diseño se discutirán desde el punto de vista tanto teórico como práctico, y se analizarán opciones de distribución y comercialización para los títulos terminados. Además,
al finalizar, cada participante presentará su propio proyecto en clase y lo visualizará
utilizando el programa Adobe In-Design.
La Central European House of Photography y PHotoEspaña, con la colaboración de la
Obra Social «la Caixa», organizan en CaixaForum Madrid unas jornadas de reflexión sobre determinados aspectos de la fotografía europea con el fin de abordar una serie de
temas que tienen que ver con su historia común. A lo largo de tres días se desgranará
la fotografía europea en el siglo xx hasta la actualidad a través de sus más importantes
autores.
Asimismo, se abordarán temáticas concretas que han centrado el debate de la fotografía a lo largo del siglo, como las discusiones entre fotografía documental y de ficción, la
fotografía escenificada, la fotografía subjetiva, la posfotografía, el papel de la fotografía en
la Segunda Guerra Mundial y la influencia de la memoria en la fotografía contemporánea.
Estos contenidos se plantean de la mano de historiadores y expertos europeos como
Vladimir Birgus y Michal Kolecek (República Checa), Vaclav Maceck y Bohunka Koklesová (Eslovaquia), Adam Mazur (Polonia), Johan Swinnnen (Bélgica), Emilia Tavares
(Portugal), Irina Chmyreva (Rusia) y Jan Erik Lundstrom (Suecia), entre otros.
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CENTRO PÁRRAGA
TRASATLÁNTICA PHE
Visionado de porfolios en Murcia
Trasatlántica PHE
Sede: Centro Párraga (Madre Elisa Oliver Molina; s/n, Murcia)
Organizan: Obra Social «la Caixa», Instituto de las Industrias Culturales y las Artes de la Región
de Murcia, Centro Párraga y PHotoEspaña
Organizan: Trasatlántica PHE, Agencia Española de Cooperación Internacional al Desarrollo –
AECID y ACCIONA
PHotoEspaña organiza, en colaboración con el Instituto de las Industrias Culturales y
las Artes de la Región de Murcia y el Centro Párraga, un nuevo programa de visionados
de porfolios con el fin de promover y difundir la fotografía en la región.
Tras la celebración de los visionados que han tenido lugar en el Centro Párraga los días
13 y 14 de mayo, cinco finalistas han sido seleccionados por los visionadores Mónica
Lozano (docente,
editora gráfica y gestora cultural), Manuel Olveira (director, MUSAC, Museo de Arte
Contemporáneo de Castilla y León), Paco Salinas (fotógrafo, editor, crítico, visionador y
comisario) y Pilar Serra (directora, Galería Pilar Serra). Estos fotógrafos serán becados
por el Instituto de las Industrias Culturales y de las Artes de Murcia para participar
en la Semana Descubrimientos PHE, que se celebrará en Madrid entre los días 30 de
mayo y 3 de junio, coincidiendo con la inauguración oficial de PHotoEspaña.
En 2008, PHotoEspaña creó Trasatlántica, un foro de fotografía y artes visuales que ha
convocado a fotógrafos, investigadores, críticos y comisarios de arte iberoamericanos
para participar en una amplia oferta de actividades como encuentros, talleres de edición, visionados de porfolios, exposiciones y concursos. Hasta el momento, ha organizado actividades en Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Costa Rica, España,
Estados Unidos, Guatemala, Honduras, México, Nicaragua, Perú, República Dominicana, Uruguay y Venezuela.
Trasatlántica PHE continúa en 2016 gracias al apoyo de la Agencia Española de Cooperación Internacional al Desarrollo – AECID y su Red de Centros Culturales, así como
la colaboración del Banco Interamericano de Desarrollo-BID, organizando visionados
de porfolios en Perú, dentro del contexto de Lima Photo, y Panamá, dentro de Fotoseptiembre. Además, Trasatlántica llegará al continente africano con un visionado de
porfolios en Dakar.
ACCIONA renueva su apoyo participando en el visionado de Lima y lanzando, por primera vez, el Premio Trasatlántica de fotografía ACCIONA «medio ambiente y sostenibilidad».
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PIC.A ESCUELA INTERNACIONAL ALCOBENDAS PHOTOESPAÑA
PIC.A Escuela Internacional Alcobendas
PHotoEspaña
Máster PHotoEspaña:
teoría y proyectos artísticos
La Escuela Internacional Alcobendas PHotoEspaña PIC.A es un centro internacional
de formación en fotografía que cuenta con un amplio programa formativo, que cubre
el espectro que va desde el nivel básico o amateur hasta el profesional. PIC.A tiene su
sede en el Espacio Miguel Delibes de Alcobendas, donde se forman anualmente más
de cuatrocientos alumnos.
Sede: PIC. A Escuela Internacional Alcobendas PHotoEspaña
Matrícula abierta a partir del 30 de junio
Información: [email protected] y www.phe.es
PIC.A establece su recorrido formativo a lo largo de cuatro años. Dos están dedicados
a los estudios básicos; uno a la especialización, cursando estudios superiores. Culmina con un año en el Máster PHotoEspaña en fotografía, un programa que ofrece a los
alumnos preparación teórica y herramientas para emprender una carrera profesional
en esta disciplina.
Durante todo el curso escolar, PIC.A organiza diversas actividades: clases magistrales abiertas al público, talleres monográficos impartidos por artistas y especialistas
en fotografía con una reconocida trayectoria, seminarios profesionales en los que se
profundiza en campos como la edición y la gestión y cursos online.
El Máster PHotoEspaña: Teorías y proyectos artísticos recoge toda la experiencia del
Festival para ofrecer un programa completo de formación en fotografía. Está especialmente diseñado para aquellas personas que buscan tanto encaminar su obra de autor
como consolidar su actividad en el sector.
Sirve como marco para la producción de nuevos trabajos y para la creación de una
red internacional de destacados profesionales. Los alumnos exploran los aspectos
teóricos de la imagen a través de diferentes prácticas y cada uno de ellos realiza un
porfolio, un libro de autor, un proyecto expositivo y una pieza audiovisual.
El programa de estudios se articula en módulos impartidos por profesionales en activo
de destacada trayectoria como Alberto García-Alix, Rafael Doctor, Horacio Fernández,
Gerardo Mosquera, Graciela Sacco o Noé Sendas, entre otros muchos. Completan el
programa visitas profesionales a los estudios de artistas, galerías de arte, imprentas
y centros de arte. El curso ofrece las herramientas necesarias para que los alumnos
puedan llevar a cabo su actividad desde el inicio de la creación de sus proyectos hasta
la promoción de los mismos.
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Programas para públicos
PROGRAMAS PARA PÚBLICOS. FORO PHOTOESPAÑA – COMUNIDAD DE MADRID
PROGRAMAS PARA PÚBLICOS. FUNDACIÓN CANAL. CONCURSO
Foro PHotoEspaña – Comunidad de Madrid
Del Selfie al Selfportrait. ¡Larga vida al Selfportrait!
Varias sedes
Más información: www.phe.es
Organizan: Comunidad de Madrid y PHotoEspaña
Colabora: Canon
Fechas: Inscripciones: 9 de junio – 10 de julio
Participación: Instagram #LargaVidaAlAutorretrato
Fallo del jurado: 19 de julio
Organizan: Fundación Canal y PHotoEspaña
La Comunidad de Madrid y PHotoEspaña organizan un espacio físico y virtual en el
que los fotógrafos y el público establecerán una relación directa por medio de exposiciones, encuentros, sesiones de aprendizaje o comunicación en redes sociales, y en el
cual es posible «Hacer», «Hablar», «Escuchar» y «Estar» con la fotografía.
«Hacer». Tras una convocatoria abierta, en la que autores y creadores españoles
han presentado proyectos fotográficos y de artes visuales, la Comunidad de Madrid
y PHotoEspaña han seleccionado los cuatro mejores trabajos, que se podrán ver en
exposiciones de corta duración en la sala El Águila.
«Hablar». Autores y colectivos podrán dialogar directamente con el público con el objetivo de potenciar el intercambio de experiencias cara a cara. Las citas se celebrarán un
día a la semana en los jardines de la Sala Canal de Isabel II. Participarán las plataformas:
Piece of Cake. POC, NOPHOTO, Género y figura, 30 contemporáneos y Daniel Mayrit.
«Escuchar». Varias de las escuelas de fotografía más destacadas de Madrid programarán actividades para el público con el objetivo de extender los conocimientos fotográficos a sectores no especializados pero sí interesados en el medio. Las cinco sesiones,
a modo de talleres, se desarrollarán durante un día a la semana en los jardines de la
Sala Canal de Isabel II. Colaborarán las escuelas: EFTI, IED, PIC.A, LENS y TAI.
PHotoEspaña y Fundación Canal proponen aparcar por un momento la pasión por los
selfies y recuperar el valor y la magia de los autorretratos de la tradición fotográfica clásica. Para este concurso, los participantes podrán tomar como referencia los autorretratos de la fotógrafa Vivian Maier, cuyo trabajo se puede visitar en la exposición Vivian
Maier. Street Photographer que organiza la Fundación Canal.
Siempre con una Rolleiflex alrededor del cuello, Maier captó fotografías en blanco y negro de la arquitectura y la vida callejera de Chicago y Nueva York de la segunda mitad
del siglo xx.
En muchas de sus imágenes, la propia Vivian aprovechaba los elementos de la ciudad
para construir autorretratos enigmáticos y fascinantes. En esta línea, los participantes
retomarán la creatividad a la hora de autorretratarse para encontrar las múltiples posibilidades de expresión que la ciudad y este formato fotográfico ofrecen. Junto con su
autorretrato, cada participante deberá, además, aportar un breve relato o una historia
para contextualizar la imagen.
«Estar». Ocho fotógrafos españoles e internacionales, invitados por PHotoEspaña y la
Comunidad de Madrid, publicarán en Instagram una vez al día una imagen en torno a la
idea de Europa. Al final del proyecto se creará una exposición-galería virtual con todas las
capturas. Los autores convocados son: Kristine Norlander, Laura El-Tantawy, Iñaki Domingo, Juan Carlos Martínez, José Miguel, María Sánchez, Daniel Seljebo y Nicanor García.
Metro de Madrid apoyará el proyecto con la difusión de la programación a través de los
soportes publicitarios disponibles en sus más de trescientas estaciones.
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PROGRAMAS PARA PÚBLICOS. FUNDACIÓN CANAL. TALLERES
PROGRAMAS PARA PÚBLICOS. CONCURSO SAMSUNG
Los talleres de los sábados.
PHotoEspaña / Fundación Canal
Photomaratón nocturno.
Samsung Galaxy S7
Organizan: Fundación Canal y PHotoEspaña
Para niños y jóvenes de 5 a 15 años agrupados por edades
Inscripción: Previa y limitada en www.phe.es y [email protected]
Precio: 5 €
Sábados 11, 18, 25 de junio y 2 de julio, de 11:30 a 13:30h y 17:00 a 19:00
Fecha: 24 de junio de 2016
Organizan: Samsung y PHotoEspaña
Patrocina: Samsung
Por octavo año consecutivo, la Fundación Canal y PHotoEspaña presentan Los talleres
infantiles y juveniles PHotoEspaña / Fundación Canal, que se desarrollarán durante
cuatro sábados en los jardines de la Fundación y permitirán a niños y jóvenes familiarizarse y profundizar en la práctica de la fotografía.
En el programa de este año, los participantes, actualmente familiarizados con el selfie,
podrán descubrir los secretos del autorretrato clásico. Como actividad previa al taller,
todos los alumnos inscritos realizarán una breve visita a la exposición que tiene lugar
en la Fundación Canal Vivian Maier. Street Photographer, donde conocerán los conceptos con los que, posteriormente, trabajarán de manera práctica en los talleres.
La inscripción en esta actividad se realizará por riguroso orden de llegada.
El PHotoMaratón es la gran actividad lúdica del Festival, la fiesta más popular de PHotoEspaña. Una puerta abierta a la participación de los aficionados a la fotografía que,
durante una jornada, recorren la noche de Madrid con sus smartphones en busca de
las mejores imágenes nocturnas de la ciudad.
El reto consistirá en recorrer las calles de Madrid durante dos horas para descubrir
fotográficamente un tema propuesto por la organización en el punto de salida.
Tras recoger su dorsal identificativo, los participantes se dispersan por las calles de la
ciudad para captar las instantáneas que mejor se adecuen a la temática lanzada. De
entre las imágenes que hayan realizado, los PHotoMaratonianos deberán elegir una y
compartirla en el hashtag de la actividad, desvelado a todos los participantes al inicio
del recorrido, con la que concursarán en la convocatoria.
El recorrido desemboca en una fiesta al aire libre, el viernes 24 de junio, en la que los
participantes podrán ver sus fotos a lo grande en la pantalla gigante de los cines Callao
mientras comparten sus fotos subidas a Instagram entre sus contactos y seguidores.
Un jurado formado por varios especialistas en fotografía y un representante de Samsung seleccionará a los ganadores, que recibirán los premios esa misma noche en la
Plaza de Callao. Por último, se entregará el premio del público a aquella foto a concurso que más «me gusta» haya recibido.
Además de los participantes, invitaremos a una selección de destacados fotógrafos e
instagrammers para que, fuera de concurso, muestren las funcionalidades de la cámara del nuevo Samsung Galaxy S7 para la fotografía nocturna.
A partir del 12 de mayo, todas las personas que quieran participar podrán inscribirse
en la web de PHotoEspaña. La convocatoria es gratuita y limitada a un máximo de mil
participantes.
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PROGRAMAS PARA PÚBLICOS. PROGRAMA DE PROYECCIONES
PROGRAMAS PARA PÚBLICOS. SEMINARIO / CONCURSO ADOBE
En la noche. Proyecciones al aire libre
PHotoEspaña Fundación Banco Sabadell
Seminario / Concurso.
Comisarios en Adobe Stock
Organizan: Fundación Banco Sabadell y PHotoEspaña
Fecha: 30 de junio a las 16:00h
Participación: www.phe.es/adobe-stock stock.adobe.com/contributor
Organiza: Adobe Stock
La Fundación Banco Sabadell y PHotoEspaña invitan a cuatro artistas visuales a realizar varias piezas para este programa, que presenta una serie trabajos proyectados en
soportes insólitos situados en varios enclaves de Madrid. Los árboles, las fachadas de
edificios o las estructuras urbanas de algunos de los lugares más emblemáticos del
Festival se convierten en espacios expositivos al aire libre, ofreciendo al público convocado y casual una deslumbrante galería de imágenes.Para esta ocasión, el parisino
Julien Nonnon despliega una muestra de su trabajo, el cual se articula, esencialmente,
en la interacción con la arquitectura y los elementos urbanos y naturales a través de
sus «safaris urbanos». Sus animales salvajes humanizados nos ofrecen imágenes insólitas en la noche de Madrid.
Daniel Canogar (Madrid, 1964) presenta una proyección siguiendo las pautas de la
videoinstalación y la intervención pública con uno de sus «asaltos». La pieza que se
mostrará en el Festival es el resultado de una performance participativa, que da lugar a
una animación en vídeo dinámica de multitud de formas.
Javier Riera (Avilés, 1964) explora las relaciones entre naturaleza y geometría a través
de intervenciones lumínicas sobre el paisaje y los edificios. En esta ocasión, sus ciervos, que se proyectan sobre las superficies con una naturalidad sorprendente, recuerdan al acto del hombre primitivo de pintar animales sobre las paredes de las cuevas.
PHotoEspaña y Adobe organizan dos actividades en el marco del Festival. El día XXXX,
tendrá lugar un seminario a cargo de un profesional de reconocido prestigio designado
por Adobe Stock que ofrecerá un acercamiento a profesionales del ámbito de la imagen sobre los nuevos productos que están desarrollando.
En el contexto de esta jornada, se lanzará un concurso online abierto a la participación
de todo tipo de público. El reto consistirá en establecer relaciones entre imágenes a
partir de un archivo fotográfico, facilitado por Adobe Stock, mediante el cual los usuarios podrán seleccionar algunas de ellas y relacionarlas entre sí para crear una galería
visual virtual. El objetivo será buscar los lazos de unión entre las distintas imágenes
—en principio, inconexas— para establecer discursos teóricos y reflexivos. Cada participante deberá justificar su selección mediante un breve texto que será subido a un
microsite. Posteriormente, un jurado seleccionará un máximo de diez galerías virtuales
que serán públicas en el microsite. De entre ellas, se seleccionarán tres que recibirán
diferentes premios otorgados por Adobe Stock.
La artista británica Louise Mackenzie muestra su interés en la materia viva y en las
relaciones con el medio a través de un trabajo que se basa en la creación de instalaciones, esculturas, performances, sonidos y proyecciones partiendo de elementos
orgánicos y residuales procedentes de los espacios sobre los que, después, actúa.
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PROGRAMAS PARA PÚBLICOS. CONCURSO ONLINE
PROGRAMAS PARA PÚBLICOS. PROGRAMA DE PROYECCIONES
Espíritu Ribera
Fotografía en Europa. In and Out
Anuncio premiados: 20 de junio
Organizan: D.O. Ribera del Duero y PHotoEspaña
Patrocina: Ribera del Duero
Sede: Espacio Fundación Telefónica
Organizan: Fundación Telefónica, British Journal of Photography y PHotoEspaña
El #EspírituRibera define la filosofía de las bodegas y viticultores de la Denominación
de Origen, su apuesta por vinos de calidad logrados desde la innovación, la creatividad, el esfuerzo y la observación de las últimas tendencias. Esta actitud creativa es
una fuente de inspiración a la hora de buscar la calidad y la excelencia en los vinos. La
fotografía es creatividad, innovación, esfuerzo y calidad: este es el nexo de unión con
los vinos de la Denominación de Origen.
Por ello, junto con PHotoEspaña, pone en marcha el primer concurso de fotografía
«Espíritu Ribera». Los participantes podrán enviar fotografías relacionadas con cada
una de las siguientes categorías: ColorRibera, OlorRibera, SaborRibera. Con estas
temáticas, Ribera del Duero propone realizar un viaje por los sentidos. De cada una de
ellas se seleccionarán cinco imágenes para formar una exposición, y las tres mejores
de cada categoría serán presentadas en otros eventos que Ribera del Duero realizará
en distintas ciudades españolas.
Fundación Telefónica y PHotoEspaña organizan un programa de proyecciones de una
amplia selección de fotógrafos contemporáneos que analiza las tendencias de la fotografía en Europa desde la perspectiva de los propios autores.
La revista sobre fotografía por excelencia British Journal of Photograpy presenta Ones
to Watch, un programa de proyecciones que muestran el trabajo de dieciséis fotógrafos seleccionados de entre los más destacados de la publicación que, cada año, la revista dedica a los mejores talentos emergentes en el mundo fotográfico. Acompañando
las proyecciones se organizará un debate moderado por el periodista Juan Peces, en el
que tres artistas hablarán de su trabajo y de las experiencias que han tenido en el inicio
de sus carreras.
En otra jornada, se presentará un programa de proyecciones que culminará con una
charla entre cuatro renombrados fotógrafos españoles con una amplia trayectoria,
los cuales, en la mitad de su carrera, dejaron España buscando una fuente de posibilidades con mayores perspectivas para el desarrollo artístico y profesional: Cristina
de Middel, Marta Soul (residente en el Reino Unido), Sergio Belinchón (Alemania) y
Gerardo Custance (Francia).
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PROGRAMAS PARA PÚBLICOS. ACTIVIDADES EN LA FÁBRICA
PROGRAMAS PARA PÚBLICOS. PHOTOWALK
Photobook Week
Photowalk Alcalá de Henares
Sede: La Fábrica (Alameda 9. Madrid)
Fechas: 8 de julio y 9 de julio
Organizan: Ayuntamiento de Alcalá de Henares y PHotoEspaña
La Fábrica presenta la PHotoBook Week, un programa de actividades enfocado en
el fotolibro que reunirá a autores, críticos y editores en presentaciones de proyectos
editoriales, talleres y firmas de libros.
Por primera vez en el Festival, PHotoEspaña y el Ayuntamiento de Alcalá de Henares
organizan el PHotoWalk PHE, una experiencia fotográfica en la que quince fotógrafos
previamente seleccionados tendrán la oportunidad de recorrer y descubrir fotográficamente los intereses de esta ciudad, Patrimonio de la Humanidad y cuna de Cervantes.
Entre los participantes en la PHotoBook Week están los autores de los últimos títulos
de La Fábrica: Laia Abril, Reiner Riedler, Cristina de Middel, Bernard Plossu y Jesús
Labandeira, quienes firmarán ejemplares de sus publicaciones.
La iniciativa incluye una feria donde se pondrán a la venta fotolibros autoeditados, así
como las novedades editoriales de Mack, Xabier Barral, Pierre Von Kleist, Steidl, Aperture, Thames & Hudson, Hatje Cantz, Damiani, Tate, Nazareli o Phaidon. Durante la
PHotobook Week se entregarán, además, los premios PHE al Mejor Libro de Fotografía
del Año.
Para esta ocasión, Julio César González, que ha trabajado con el colectivo Nophoto y,
recientemente, ha organizado el proyecto El diari indultat, en Valencia, acompañará a
los participantes en un recorrido en el que el grupo podrá documentar el legado histórico y cultural de Alcalá, intercambiar experiencias sobre los procesos fotográficos y
aprender métodos de trabajo al lado del artista.
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PROGRAMAS PARA PÚBLICOS. PHOTOWALK
Photowalk Lanzarote
Fechas: 27 de octubre – 29 de octubre
Organizan: Cabildo de Lanzarote y PHotoEspaña
PHotoEspaña y el Cabildo de Lanzarote organizan, por cuarto año consecutivo, el PHotoWalk PHE, una experiencia en la que los asistentes profundizarán en el ámbito de la
fotografía y realizarán sus propios proyectos de la mano de Miguel Ángel Tornero.
La actividad, desarrollada a lo largo de tres jornadas a modo de taller, está orientada a
fotógrafos de toda condición y experiencia, y en ella se les propondrá realizar un proyecto fotográfico documentando el entorno de Lanzarote, así como diferentes retos,
cuyo fin será crear un retrato coherente, representativo y, a la vez, multifacético de la
isla.
El taller finalizará con la puesta en común de todos los trabajos, la selección y edición
de los mismos para lograr una secuencia que llegue a representar esa particular visión
de la isla, realizada por un grupo heterogéneo de personas dirigidas por un punto de
vista particular.
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PREMIOS OFICIALES PHE15
Premios oficiales PHE15
PHotoEspaña premia la trayectoria profesional de fotógrafos nacionales e
internacionales consagrados y emergentes y las mejores publicaciones del año
Galardones otorgados por jurados compuestos por destacados especialistas
internacionales
Premio PHotoEspaña. Reconoce la trayectoria profesional de una personalidad en
el ámbito de la fotografía nacional o internacional. Anteriores ganadores: Paz Errázuriz,
Ramón Masats, Bernard Plossu, Alberto García-Alix, Thomas Ruff, Graciela Iturbide,
Malick Sidibé, Martin Parr, Robert Frank, Hiroshi Sugimoto, William Klein, William
Eggleston, Helena Almeida, Nan Goldin, Duane Michals, Chema Madoz, Luis González
Palma y Josef Koudelka.
Premio Bartolomé Ros a la mejor trayectoria profesional española en fotografía.
El galardón, otorgado por el legado de Bartolomé Ros, reconoce la aportación
de una personalidad española al desarrollo de la fotografía en cualquiera de sus
campos, ya sea como comisario, autor, historiador, crítico o a través de cualquier otro
vínculo directo con el medio. Anteriores ganadores: Colita, Gervasio Sánchez, Carlos
Pérez-Siquier, Fundació Foto Colectania, Chema Madoz, Chema Conesa, Isabel
Muñoz, Ricard Terré, Marta Gili y Javier Vallhonrat (ex aequo), Alejandro Castellote,
Librería Kowasa, Joan Fontcuberta, Alberto García-Alix, Juan Manuel Castro Prieto,
Ramón Masats, Cristina García Rodero y Publio López Mondéjar.
Premio Descubrimientos PHE. Otorgado al autor del mejor proyecto presentado
en los visionados de porfolios celebrados en Ciudad de México y Santiago de Chile.
Este premio supone la producción de una exposición en la siguiente edición de
PHotoEspaña. Anterior ganador: Yannis Karpouzis.
Premio Descubrimientos PHE. Otorgado al autor del mejor proyecto presentado
en los visionados de porfolios celebrados en Madrid, Tegucigalpa y Rosario. Anterior
ganadora: Mariela Sancari.
Premio PHE al Mejor Libro de Fotografía del Año. Distingue la mejor publicación
de fotografía del pasado año, así como al editor más destacado. Anteriores ganadores:
en categoría nacional, Everybody Needs Good Neighbours, de Arnau Blanch, editado
por RM y La Caixa; e Illustrated People, de Thomas Mailaender, editado por RVB Books
y Archive of Modern Conflict, en la internacional. El premio a la editorial destacada del
año fue para AMC–Archive of Modern Conflict; y el Premio al mejor libro de fotografía
autoeditado ha correspondido a PAIN, deToni Amengual.
La exposición Los mejores libros de fotografía del año puede visitarse hasta el mes
de agosto en la Biblioteca Nacional de España, donde se exponen los libros ganadores
junto a una selección de volúmenes participantes en la convocatoria.
Premio Revelación. El Corte Inglés y PHotoEspaña reconocen el trabajo de un
fotógrafo español menor de 35 años cuya obra haya destacado en el año anterior.
Anterior ganador: Aleix Plademunt.
Premio Festival Off. Cada año, PHotoEspaña reconoce a una de las galerías
del Festival Off tras valorar el planteamiento de la exposición, el valor artístico de
los autores y las obras expuestas, así como el esfuerzo de la galería por presentar
un proyecto específico para PHotoEspaña. Un jurado de expertos elige la galería que
haya mostrado la mejor exposición de esta sección. Anterior ganador: Ponce + Robles
por la exposición Lo que importaba estaba en la línea, no en el extremo, de Irene Grau.
Premio del Público. PHotoEspaña y El País convocan una nueva edición del Premio
del Público en la que los visitantes del Festival escogerán su exposición preferida
de la Sección Oficial. La votación se realizará a través de la página web de El País.
Anterior ganador: Construyendo mundos. Fotografía y arquitectura en la era moderna,
celebrada en el Museo ICO.
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CRÉDITOS
Alberto Anaut
Presidente
Directora
María García Yelo
Jefa de prensa
Isabel Cisneros
Alberto Fesser
Vicepresidente
Coordinación general
Ana Belén García Mula
Prensa internacional
Laura Maure
Claude Bussac
Directora general
Festivales y exposiciones
Responsable de exposiciones
Ana Berruguete
Oficina de prensa
Marina P. Villarreal
Coordinación de exposiciones
Maíra Villela
Álvaro Matías
Director general
Editorial, proyectos y comunicación
Responsable de programas
pedagógicos y profesionales
Ana Morales
Administración
Lorena Gómez
Vanessa González
Verónica Martín
Isabel Prieto
Eva Sancho
Rocío Soler
Agustín García Benavente
Director general
Oliva María Rubio
Directora artística y del Máster
PHotoEspaña [PIC.A.]
Luis Posada
Subdirector de Festivales y Exposiciones
La Fábrica
Verónica, 13. 28014 Madrid
Tel + 34 91 360 13 20
[email protected]
www.lafabrica.com
Coordinación de programas
pedagógicos y profesionales
Gabriela Navarro
Producción
Leticia Díez
Relaciones externas y protocolo
Gerardo Silva
Diseño
gráfica futura

Dossier de Prensa PHE16

Transcripción

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