Compra - Editorial IED Madrid

introducción
[p. 4-17]
Francisco Jarauta [p. 4]
Raquel Pelta [p. 6]
Esquema curso [p. 8]
Staff+ Estudiantes + Agradecimientos [p. 9]
Biografías profesionales [p. 12]
workshops
[p. 18-67]
Jorge Moreno, Tecnoseñal, RENFE Cercanías [p. 20] Ricardo Salas, Gráficas Palermo [p. 24] Sam Baron_Fabrica [p. 28] Fun & Basics [p. 32]
Irma Boom [p. 34] Sigridur Heimisdottir_IKEA [p. 38] Andrea Boffetta [p. 40] Gala Fernández, Vitra Summer Courses [p. 42]
El último grito [p. 46] Nicola Swartz_Pocko [p. 50] Pedrita, Gonçalo Prudèncio_AO SOL Energia Renováveis Lda. [p. 54]
Bernard Bréchet_Gédéon + Patrick Rouchon_Ostra Delta [p. 56] Jorge Moita_Krv Kurva, Prisión de mujeres de Tires, MUDE [p. 58]
Giuseppe y Simone Zecca + Valentina Downwey_BTicino [p. 62] Jaime Hayon, Metalarte [p. 64] Fernando Gutiérrez [p. 66]
proyectos de tesis
[p. 68-131]
observatorio cultural
[p. 132-153]
Francisco Jarauta [p. 134] Renzo di Renzo [p. 136] Marc Augé [p. 138] Irma Boom [p. 140] David Quiles [p. 142]
Joana Vasconcelos [p. 144] Valérie Debure [p. 146] Jordi Mollá [p. 148] José Guirao [p. 150] Ezio Manzini [p. 152]
viajes
[p. 154-175]
La formación en la sociedad del conocimiento
Francisco Jarauta_director del comité científico, ied-madrid
Nadie duda de que la generalización de los nuevos sistemas de
Estos mismos argumentos valdrían a la hora de discutir los
información y comunicación ha sido uno de los principales factores en
experimentos formativos a aplicar en un contexto determinado. Sólo
el proceso de transformación del mundo contemporáneo. Y el concepto
aquellas políticas abiertas, capaces de articular tradición e innovación
que mejor describe sus efectos no es otro que el de la sociedad del
tienen futuro. Sus objetivos no pueden ser otros que la construcción de
conocimiento. Se trata de un cambio radical en los procesos de acceso,
una nueva mirada, ajustada a las condiciones de la época. Una tensión
apropiación y uso del saber y del conocimiento, que modifican en su
que se resuelve mediante el desarrollo de amplias zonas de
conjunto los comportamientos de aprendizaje e instrumentalización
experimentación que, atentas a los problemas del mundo actual,
del saber. La sociedad red nace como una nueva utopía, como modelo
reflexionen y postulen sus propias respuestas en un juego abierto
y proyecto al que tienden las sociedades del futuro.
de análisis y construcción.
La adecuación a este modelo representa hoy en día uno de los desafíos
Y no han sido otros los principios y métodos que desde su inicio han
principales de cualquier política educativa o cultural. Se trata de inducir,
guíado la orientación de este primer proyecto de los European Design
formar, adecuar la percepción, las actitudes intelectuales a las
Labs, cuyos resultados quedan aquí recogidos como memoria de una
condiciones de saber de la nueva época. Todo nuestro sistema de
experiencia abierta a las diversas tendencias y trabajos relevantes en
conocimiento bascula en la dirección de un proceso fuertemente
el campo del Design europeo. hechos realidad a través de los diferentes
acelerado, capaz de suministrarnos un tipo de información que supere
proyectos llevados a cabo por los estudiantes y profesores de este
cualitativamente los modelos sobre los que se ha construido todo
programa. Para todos, ellos los mejores Auguri.
nuestro anterior sistema de aprendizaje y de conocimiento.
Dicha adecuación conlleva un proceso múltiple de adaptación
estructural y estratégica. Anthony Giddens y Manuel Castells, entre
otros, plantearon las condiciones para la construcción de una segunda
modernidad o modernidad reflexiva, acorde con las condiciones de la
Francisco Jarauta
época y sus desafíos. Esta nueva modernización sólo será posible
Catedrático de Filosofía de la Universidad de Murcia. Ha realizado estudios de Historia,
Historia del Arte y Filosofía en las Universidades de Valencia, Roma, Münster-Westf,
Berlín y París. Profesor invitado de universidades europeas y americanas, sus trabajos
se orientan especialmente en el campo de la filosofía de la cultura, la historia de las
ideas, la estética y teoría del arte.
mediante una cultura de la innovación que abarque los procesos
y los métodos competentes para el desarrollo de mecanismos eficaces.
Las políticas de innovación deben tener hoy prioridad estratégica
Entre sus numerosas publicaciones citamos los ensayos: Kierkegaard. Los límites de la
dialéctica del individuo (1975), La filosofía y su otro (1977), Fragmento y totalidad: los
límites del clasicismo (1988). Es editor igualmente de libros como Globalización y
fragmentación del mundo contemporáneo (1997), Escenarios de la globalización (1997),
Mundialización/periferias (1998), J. Ruskin: Las piedras de Venecia (2000),
Poéticas/Políticas (2001), S. Mallarmé: Fragmentos sobre el libro (2001), Teorías para una
nueva sociedad (2002), Desafíos de la Mundialización (2002), Nueva economía. Nueva
sociedad (2002), Después del 11 de Septiembre (2003), L.B. Alberti: Momo o del Príncipe
(2003), Oriente-Occidente (2003), Gobernar la globalización (2004), Escritura suspendida
(2004). Ha sido comisario de varias exposiciones internacionales, entre las más recientes
Arquitectura radical (2002), Micro-Utopías. Arte y Arquitectura (2003) y Desde el puente
de los años. Paul Celan – Gisèle Celan-Lestrange (2004).
en todos los ámbitos. Deben ser acompañadas de marcos normativos y
de procedimientos adecuados para su desarrollo. Es necesario articular
los diferentes segmentos económicos, sociales, culturales a la hora
de postular los modelos de formación. Y es en este ámbito que cobra
especial relevancia el debate actual sobre los modelos educativos
y formativos y la orientación de los procesos de aprendizaje en sus
diferentes niveles. Todos los gobiernos tienen sobre la mesa su
correspondiente libro blanco sobre los problemas de la educación.
La necesidad indiscutible de adaptarse a las condiciones de la sociedad
Ha sido Vicepresidente del Patronato del MNCARS, siendo actualmente miembro del
Patronato del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo y del Consejo Rector del IVAM
(Valencia). Forma parte del Comité Científico de Iride, Experimenta, Pluriverso,
Le Monde diplomatique, World Political Forum y la Scuola Internazionale di Alti Studi
(Modena). Participa en el grupo Géo-philosophie de l’Europe y es coordinador del Grupo
Tánger. Igualmente dirige el Observatorio de Análisis de Tendencias de la Fundación
Marcelino Botín, la colección Arquilectura y el Comité Científico del Istituto Europeo
di Design (Madrid).
del conocimiento, la urgencia por solventar la distancia tecnológica
respecto a los modelos heredados, obliga a un trabajo generoso
que priorice los objetivos educativos sobre otros.
4
5
Quince miradas desde el diseño contemporáneo
Raquel Pelta_directora académica ied masters
Desde hace algo más de dos décadas, el concepto de diseño viene
Individualización y personalización (en el sentido de adaptación al
sometiéndose a una profunda revisión. Por un lado, se ha puesto en
gusto del usuario) son dos palabras clave –aunque no del todo nuevas-
cuestión la antigua definición que lo ligaba casi exclusivamente a la
en los últimos tiempos mientras se reivindica el diseño local como una
producción industrial y lo distanciaba del arte y la artesanía y, por otro,
reacción ante el fenómeno de la globalización.
el término se ha ampliado tanto que actualmente se entiende como
De paso, y al mismo tiempo que se siguen desestabilizando las
algo más que un proceso de proyección y planificación para producir
categorías y los límites entre arte, ciencia, tecnología y diseño se
en serie.
desdibujan, los diseñadores miran hacia fuera de su propia disciplina
Hoy en día hablamos de la necesidad de juzgar los objetos no sólo en
y se preocupan por cuestiones como la destrucción medioambiental
términos de forma, función y economía sino, también, relacionándolos
y la búsqueda de modelos económicos y de consumo alternativos.
con un contexto más extenso en el que se sitúan las circunstancias de
Se habla de sostenibilidad y de diseño para todos, dos temas que están
creación, producción y marketing así como su adecuación a las
alcanzando un lugar privilegiado en el discurso de muchos de los
situaciones sociales, ambientales y tecnológicas. Puede asegurarse, por
profesionales contemporáneos que se interrogan sobre su papel
tanto, que el concepto de diseño no sólo se ha expandido sino que se ha
en un mundo que necesita soluciones cada vez más urgentes.
convertido en algo mucho más complejo y fragmentado debido, tanto
En ese contexto tan diverso se sitúan las propuestas de los quince
a que cada vez se hace más patente que los diseñadores han de trabajar
jóvenes diseñadores que han cursado el European Design Labs,
para una sociedad multicultural –con audiencias segmentadas que
un máster que refleja tanto en sus planteamientos didácticos como
demandan un diseño focalizado-, como a que están surgiendo nuevos
en las vías elegidas las distintas direcciones del diseño actual.
medios que todavía no han acabado de establecer sus normas, en un
entorno en el que es preciso conciliar los modelos de producción, el
consumo, la inclusión social y la sostenibilidad. Esto, sin duda, está
obligando a los profesionales del diseño a abandonar cualquier idea
preconcebida y a tratar de responder, en cada momento, a las
particularidades del contexto en el que se hallan.
Raquel Pelta
Los cambios conceptuales han dado lugar a nuevas opciones estilísticas
Raquel Pelta es la directora académica del IED Master. Historiadora del Diseño y
Doctora en Bellas Artes por la Facultad de BB. AA. de la Universidad de Barcelona, ha
sido profesora de Historia del Diseño en la Facultad de Publicidad del Colegio
Universitario de Segovia, el Istituto Europeo di Design de Madrid, la Universidad de Vic y
la Escola Elisava de Barcelona, donde además fue Jefa del Departamento de
Humanidades. En la actualidad es profesora asociada de la Facultad de BB. AA. de la
Universidad de Barcelona.
que nos sitúan ante un panorama formal ecléctico, en el que conviven
formas y materiales muy diferentes como reflejo de perspectivas
diversas: desde las de los que tratan de volver a una modernidad
estilizada y de extrema simplicidad, pasando por las de quienes
reivindican lo básico, para llegar a la postura de aquellos que defienden
Escribe habitualmente en publicaciones especializadas entre las que pueden citarse:
Experimenta, Visual, Cuadernos Hispanoamericanos, Diseño Interior, Box (Argentina),
Punto Doc (Bolivia), Zehar, Tipográfica, Lars, Artlab (Italia), entre otras. Asimismo ha
publicado textos en obras colectivas y catálogos de exposiciones y es autora del libro
Diseñar hoy, entre otros.
el retorno del ornamento como un modo de transmitir ideas
y emociones.
Al mismo tiempo y, gracias a las nuevas tecnologías, se están
modificando tanto los procesos de trabajo como los resultados finales.
Asimismo, ha participado en proyectos de investigación, comisariado exposiciones e
impartido conferencias en universidades e instituciones españolas e internacionales.
Así, junto a los diseñadores que proyectan para la fabricación en serie,
se sitúan aquellos que trabajan desde la proximidad a la artesanía o los
Es miembro del Patronato de la Fundación Comunicación Gráfica de Barcelona y
pertenece a la Design History Society de Londres. Entre el año 2000 y el 2006, ha sido
vocal de la Junta Directiva de ADG-FAD.
que se acercan a la industria para introducir en ella “maneras” que
siempre se han considerado artesanas.
6
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European Design Labs 2007/08
03
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marzo
march
abril
april
mayo
may
junio
june
julio
july
agosto
august
septiembre
september
octubre
october
noviembre
november
diciembre
december
enero
january
febrero
february
italy
netherlands
sweden
denmark
france
uk
portugal
barcelona
Renzo
di Renzo
Mark Augé
Irma Boom
David
Quiles
Fernando
Ochoa
Fernando
Gutiérrez
Joana
Vasconcelos
Jordi Mollá
trips
cultural
observatory
Francisco
Jarauta
germany
Valérie
Debure
Ezio Manzini
José Guirao
product design
Thesis project
development
workshops
<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<< Thesis theme >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
Jorge
Moreno
FABRICA
Fun & Basics
Sigridur
Heimisdottir
IKEA
Boisbuchet
VITRA
<<<<<<<<<<<<<<<< Thesis development >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
El último
grito
Pedrita
KRV KURVA
Giuseppe
y Simone Zecca
Valentina
Downwey
<<<<<<<<< Thesis presentation >>>>>>>>>
Jaime
Hayón
presentación
final
visual communication
Thesis project
development
workshops
<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<< Thesis theme >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
Ricardo
Salas
FABRICA
Irma
Boom
Andrea
Boffetta
8
Boisbuchet
VITRA
<<<<<<<<<<<<<<<< Thesis development >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
Pocko
Bernard Brechet
Patrick Rouchon
Oscar Villegas
César Fdez. Arias
9
Laura
Meseguer
<<<<<<<<< Thesis presentation >>>>>>>>>
Fernando
Gutiérrez
presentación
final
IED Madrid
Estudiantes
Agradecimientos
Dirección IED Madrid
Riccardo Marzullo
Giulia Barbanente
Muchas gracias a todos los compañeros del IED Madrid,
Andrea Caruso
sin vosotros este proyecto no hubiese sido posible.
Subdirección IED Madrid
José Piquero
Claudia Contreras
Agradecemos especialmente la colaboración de
Dirección Comité Científico IED Madrid
Francisco Jarauta
Berta García
Isabel Tejeda, Rafael Gálvez, Mario Sandoval,
Alberto Gobbino
Fernando Ochoa, Oscar Villegas, Laura Meseguer,
Área Cultural IED Madrid
Pedro Medina
Mónica González del Pliego
César Fernández Arias, Murphy, Carlos Rolando,
Comunicación IED Madrid
Marisa Santamaría
Andy Marlow
Mª Eugenia Mendoza
Alex Jordan, Claudia Bur, Cerstin Thiemann, Malene Antón,
Dirección IED Master
Dario Assante
Javier Pascual
Giorgio Galanti, Lidja Kolovrat, Barbara Coutinho,
Enrico Pastorello
Nerea Fernández y Elsa Varela, Pierre Bourrigault,
Dirección Académica IED Master
Raquel Pelta
Mario Alonso Ricci
Pablo Serret, Matias Kalwill, Natasha Srevro, Hélène Bergaz.
Sharon Sacal
Empresas
Maider Saracíbar
Tecnoseñal, RENFE Cercanías, Gráficas Palermo, Turner,
Davide Fichera
Profesionales
Andreu Balius, Jurgen Bey, María Solá, Alex Trochut,
Nynke de Haan
Eric Olivares, Rober Pallás, Eric Spiekermann, Claudia Hain,
José Martínez, Dolors Boatella, Giorgia Ricci, Julio Jiménez,
Fun & Basics, IKEA, Metalarte, Bticino, Krv Kurva, Euromark,
european design labs
Benetton, Vitra, Pocko, Ratioform, Fellowdesigners, Actar,
Dirección
Gala Fernández
Base Design, RG Artes Gráficas.
Coordinación de tesis área Visual Communication
Raquel Pelta
Fabrica, Domaine de Boisbuchet,
Instituciones
Eindhoven Design Academy, Konstfack, KKK.
Coordinación de tesis área Product Design
Ali Ganjavian
Tutor Visual Communication
David Vásquez
Tutor Product Design
Pedro Luis Carretero
Asistente de didáctica
Adriana Ibarra
Documentación
Andra Piscaer
Servicio de Información y Orientación
Roberto Bernad
Manolo Jiménez, Federica Miazzi, Miguel Matorras, Maiko Arrieta
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BIOS profesionales
Marc Augé
Antropólogo, ha sido director de estudios en l’École des Hautes
Études en Sciences Sociales y posteriormente presidente de la
misma (1985-1995). Africanista de formación, pasó a orientar sus
estudios hacia los problemas del mundo contemporáneo. De sus
trabajos cabría destacar El viajero subterráneo: un etnólogo
en el metro (1987), Los “no lugares” espacios del anonimato: una
antropología de la modernidad (1993), Hacia una antropología
de los mundos contemporáneos (1995), El sentido de los otros:
actualidad de la antropología (1996), o Diario de guerra.
El mundo después del 11 de septiembre (2002).
Sam Baron
[www.fabrica.it]
Nació en Francia en 1976 y empezó su actividad como diseñador
en 1997 trabajando en diversas agencias y estudios de diseño
y arquitectura como Kristian Gavoille, Garouste et Bonetti,
François Bauchet y KRBO / Lille.
Tras graduarse en Diseño en L'École des Beaux Arts de Saint
Etienne' en 1999, en 2001 recibe el título de post-grado en L'École
Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris' y en L'École
des Beaux Arts de Saint Etienne'.
En 2003 y 2004 es invitado por el Ministerio francés de asuntos
exteriores para representar el diseño francés en el Tokyo
Designers Block, donde le conceden el premio a la mejor
instalación con la exposición 'Rendez-Vous'.
En el 2003 fue seleccionado para formar parte del departamento
de diseño de Fabrica, , donde trabajó durante un año,
especialmente en una colección de cerámica producida
por Bosa.
Reconocido a nivel internacional, ha colaborado con firmas
tan prestigiosas por su carácter innovador como Droog Design.
Entre sus trabajos, destaca Kokon, una colección de mobiliario
presentada en Milán en 1999.
“He estado generado, por lo que dicen, el 16|02|74 y parido el 27|
11|74 en turin. soy soltero, heterosexual, con la pierna derecha
1 cm mas corta de la izquierda, alergico a los guisantes y no
como carne, la chupo, pero no la como. he empezado mi carrera
escolar en el gardin de infancia con tres años y he terminado
esta tragedia con diecinueve anos y un papel, diploma de ciencia
cientifica. me he mudado de turin a milan: istituto europeo di
disegno. italia y españa. eclectica banda derecha, mozo de
almacen, recoletor de manzanas, grafico y fotografo.
Un año de mi vida con un contrato a tiempo indeterminado en
españa y me parecia de ahogarme. freelance en el alma. italia,
españa y muchos viajes. continuo a vivir vendendo mis ideas,
a producir reportajes de fotos, documentales de video digital
y a coleccionar buenos propositos”.
Irma Boom
[www.irmaboom.nl]
Nació en Lochem (Holanda) en 1960 e inició sus estudios en 1979
en la AKI School of Fine Art de Enscheden.
Tras graduarse en 1985, se integró en la Oficina de Publicaciones
del Gobierno Holandés en La Haya, donde trabajó como
diseñadora durante cinco años.
En 2007 ganó el Grand Prix de la Création de La Ville de Paris.
En 1998, se convierte en tutora de la Van Eyck Akademie de
Maastricht, uno de los centros de enseñanza más prestigiosos
de Holanda. Ese mismo año diseña el libro Workspirit para Vitra.
Paralelamente, en 1992, empezó a impartir clases en Yale
(Estados Unidos).
En 1993, diseña una serie de sellos para Dutch PTT (Correos).
En el año 2001, la Bibliothèque Nationale de Francia (París) le
dedica una exposición individual y gana el premio Gutenberg.
Jurgen Bey
[www.jurgenbey.nl]
Profundamente interesado por el significado emocional
de los objetos, Bey ha creado diseños que provocan la reflexión
y discusión sobre el valor de la producción masiva
contemporánea. Su trabajo, muy ligado al diseño conceptual,
se integra dentro de la actual discusión, de ámbito
internacional, sobre el papel del diseño y del diseñador.
Los diseños de Bey tratan de narrar historias y reflejan una
manera de pensar en la que se funden intelecto e intuición.
Bernard Brechet
[www.gedeon.com]
Desde 1984, Gédéon ha llevado a cabo el diseño gráfico de un
buen número de canales televisivos tanto en Francia como
en todo el mundo.
Con una visión global, este estudio se encarga no sólo de la
creación del logotipo sino, también, del desarrollo de la
identidad de canales y programas, así como de la dirección
de arte y del marketing.
12
En el año 1994, fue premiada en el concurso Tooyaka
International Luggage Competition de Japón por su proyecto
de vajilla “Lola”.
El último grito
[www.elultimogrito.co.uk]
Realizó sus estudios en l’École des Beaux-Arts d’Orléans.
En 1991, abrió su propio estudio en Ámsterdam y comenzó el
proyecto de un libro conmemorativo del centenario de Dutch
Conglomerate SHV, un trabajo que se prolongó durante cinco
años para finalizar en 1996.
Nacido en 1965 en Holanda, vive y trabaja en Rotterdam.
Valérie Debure
[www.noustravaillonsensemble.org]
Nacida en 1972.
Andrea Boffetta
[www.trakatan.com]
Sus proyectos han sido expuestos en varios eventos y ferias
internacionales de diseño tales como ‘Maison et Objets’, ‘Salon
du Meuble’ en Paris, ‘Salone del Mobile’ en Milán, ‘International
Contemporary Furniture Fair’ en Nueva York, Tokyo Designers
Block, ‘Biennale de Saint Etienne’ y Frankfurt Design Fair.
Algunos de sus clientes: Louis Vuitton, L’Oréal, Sephora,
Musée des Arts Décoratifs de París, Renault, De Beers Londres,
Vista Alegre / Atlantis Portugal y Baccarat.
Actualmente vive entre Francia, Portugal e Italia donde dirige
el departamento de Diseño de Fabrica.
En el año 2006, Gédéon ha creado Numero$ para la producción
de programas de televisión.
Desde 1996 forma parte de Nous Travaillons Ensemble.
“Desde hace ya siete años! Llego, doy de comer a los canaries,
a Robert, hago café,suena el teléfono, hay que organizar, calma,
siempre, el ordenador hecha humo, reuniones humeantes,
¡35 horas más cinco al día! Y dibujo”.
Nous Travaillons Ensemble nació en 1989 dentro de el viejo
atelier Grapus. Hoy está compuesto por Valérie Debure, Isabelle
Jégo, Alex Jordan y Ronit Meirovitz. Otros colaboradores como
Antonio García, web designer, se asocian durante el tiempo
que dura un proyecto.
Las creaciones gráficas de Nous Travaillons Ensemble
(campañas de comunicación, acciones pedagógicas,
identidades corporativas y escenografías) responden
esencialmente a los encargos de municipios, instituciones,
asociaciones humanitarias o educación popular, museos
y centros socioculturales.
Además de los encargos, el estudio origina numerosos proyectos
e identidades relacionadas con sus preocupaciones. Sus
producciones dan prioridad al mensaje, ya sea politico, social
o cultural, sin olvidarse de influenciarse por una nota de humor.
NTE comunica con imagines provocativas, inmediatas, siempre
en sintonía con la realidad social próxima o de la aldea global.
Esta búsqueda de sentidos se expresa con el dibujo al trazo,
la acuarela, la fotografía sin olvidar los new media.
Valentina Downey + Patrizia Scarzella
[www.valentinadowneydesign.it]
Nacida en 1970 y graduada por la Academia de Arte de Florencia,
su ciudad natal, Valentina Downey comenzó su carrera como
freelance en 1995.
Establecida en Parma, junto a Patrizia Scarzella se encuentran
al frente de un proyecto de comunicación para promover la
producción tailandesa en el mercado europeo.
Coordinadora de diversos talleres para empresas italianas
y extranjeras (Bormioli Rocco S.p.A., Pirex, Koleksiyon, Saint
Gabin Glass, Gruppo Fanti), junto a Patrizia Scarzella ha editado
el libro Il Giurì del Design, publicado por Franco Angeli Editore
en el año 2005.
Ha comisariado y coordinado a un grupo de jóvenes
diseñadores, junto a los cuales ha llevado a cabo una nueva
colección de complementos denominada “Le Vitamine”. Fue
presentada en el Spazio Bigli de Milán en septiembre de 2004.
Profesora de la Università La Sapienza de Roma, ha colaborado,
asimismo, en el Máster de Diseño Industrial de la Domus
Academy de Milán.
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Fundado en 1997, en Londres, por Roberto Feo y Rosario
Hurtado, El último grito se describe como “estudio creativo
concentrado en el diseño”.
Aunque nacidos en Madrid, sus fundadores viven y trabajan
en Londres desde 1990.
Roberto Feo es, desde 1999, tutor en el Royal College of Art
y Rosario Hurtado en la Goldsmiths University.
Ambos han diseñado desde mobiliario, hasta ropa y
exposiciones para clientes nacionales e internacionales.
Sus trabajos han recibido numerosos galardones –entre otros y
en tres ocasiones el Blueprint Design Award- y se han expuesto
en diversos museos.
Gala Fernández
[www.edl07.com]
Nacida en Madrid en 1969. Estudió Bellas Artes y Diseño en la
Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de
Madrid y Diseño Industrial en el Istituto Europeo de Design
en Milán, donde más tarde trabajó impartiendo clases y
coordinando diversos cursos.
Ha dado conferencias en el Royal College of Art, Londres,
Goldsmith College, Londres y el Nederland Architectuur Instituut
de Rotterdam, entre otras instituciones educativas.
Ha trabajado para Fabrica, el Centro Investigación para la
Comunicación de Benetton, donde ha sido coordinadora
del departamento de diseño 3D y responsable del proyecto
Fabrica Features.
José Guirao
[www.lacasaencendida.es]
Nació en la localidad almeriense de Pulpí en el año 1959,
es licenciado en Filología Hispánica.
Fue responsable del Área de Cultura de la Diputación Provincial
de Almería entre 1983 y 1987. Un año después se trasladó
a Sevilla para hacerse cargo de la Dirección General de Bienes
Culturales de la Junta de Andalucía. Hasta octubre de 1993
desarrolló proyectos como el Plan General de Bienes Culturales
de Andalucía, la Ley 1/91 del Patrimonio Histórico de Andalucía,
el proyecto del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, y la
creación del Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico.
De ahí saltó a Madrid, donde en 1993 fue nombrado director
general de Bellas Artes y Archivos del Ministerio de Cultura.
Ha sido director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
de Madrid.
Fernando Gutiérrez
[www.fernandogutierrez.co.uk]
En el año 2000 regresó a Italia para realizar un máster en la
Domus Academy.
Jordi Mollá
[www.jordimolla.com]
Pedrita
[www.pedrita.net]
Fernando Gutiérrez (1963) estudió diseño en el London College
of Printing y se graduó en 1986.
Desde el año 2001, trabaja para Ikea en Suecia, donde
reside actualmente.
Actor, director, pintor y escritor.
Pedrita está constituido por Rita João y Pedro Ferreira.
Trabajó en CDT Design de Londres, Summa de Barcelona y,
en 1993, fundó en Barcelona junto a Pablo Martín,
el estudio Gráfica.
Ha realizado proyectos en colaboración con algunas de las
principales escuelas del mundo: Eindhoven Design Academy,
Royal College of Art de Londres, Domus de Milán, University of
Art and Design de Helsinki, Parsons de Nueva York, University
of Shangai, Marhi de Moscún, entre otras.
Jordi estudió Arte Dramático en el Instituto de Teatro en
Barcelona, también estudió en Italia, Hungría e Inglaterra.
Como actor, ha trabajado en más de quince películas con
prestigiosos directores como Bigas Luna, Montxo Armendáriz,
Pedro Almódovar, Ricardo Franco y Fernando Colomo.
Ambos estudiaron diseño en la Facultad de Arquitectura de la
Universidad Técnica de Lisboa. Asimismo, Rita estudió en TU
Delft y Pedro en el Politécnico de Milán.
En octubre de 2000, se estableció en Londres y se unió
a Pentagram, donde ha permanecido hasta fecha reciente.
Su trabajo se ha publicado en numerosas revistas y se ha
mostrado en diversas exposiciones internacionales.
Es miembro de la Alliance Graphique Internationale (AGI).
Jaime Hayón
[www.hayonstudio.com]
Nacido en Madrid en 1974, estudió diseño industrial en Madrid
(1994-1997) y en París (1996-1997). En 1997 comenzó a trabajar
para el Benetton Group Research Center of Communication
Fabrica, primero como investigador para, un año más tarde,
convertirse en Jefe del Departamento de Diseño. En Fabrica creó
la decoración interior de varias tiendas de Benetton y del
restaurante Madam en Treviso (Italia) así como la bolsa nómada,
un sistema de mobiliario para nómadas contemporáneos que se
expuso en el Vitra Design Museum, en el marco de la exposición
Living in Motion.
Establecido actualmente en Barcelona, ha colaborado con
importantes empresas, entre las que destacan Metalarte,
Artquitect Edition, Coca-Cola, Fontbella Danone Group, bd
y Adidas.
Creador polifacético, ha comisariado exposiciones, entre las que
hay que mencionar XYZ Ideas on Furniture presentada en la
Feria del Mueble de Milán, organizado eventos como la última
edición de la Bienal del Diseño de Lisboa y ha participado en
diversas muestras con obras como la Hayón Garden, una
instalación de esculturas, juguetes y cerámicas que se presentó
en la David Gill Galerie de Londres en el año 2003.
Se le considera un representante del “new mediterranean digital
barroque style”, como él mismo lo denomina, y una joven
promesa del diseño español.
Sus trabajos han sido publicados por algunas de las revistas de
diseño y tendencias más prestigiosas del mundo, destacando
Wallpaper, Surface, Oxygen, Domus e Interni Magazine.
Sigridur Heimisdottir
[www.ikea.com]
Nacida en Reykjavik (Islandia) en 1970, se graduó como
diseñadora industrial en el Istituto Europeo di Design de Milán
en 1994 y recibió el premio Compasso d’Oro por su proyecto
de final de estudios.
Ezio Manzini
[www.sustainable-everyday.net/manzini/]
Ingeniero y arquitecto, profesor de los Politécnicos de Milán
y Hong Kong, director del CIRIS (Interdepartmental Centre on
Innovation for Sustainability). Sus análisis se centran en el
estudio de los procesos de innovación y producción en las
sociedades postindustriales y en las relaciones entre las
políticas de medio ambiente y la perspectiva del desarrollo
sostenible. Entre sus ensayos sobresalen La materia
dell’invenzione (1986), Artefacta (1990), Competitive
and Sustainable Production (2000).
Jorge Moita
[www.krvkurva.org]
Su primer éxito fue en "Jamón, Jamón" de Bigas Luna en 1992.
Desde entonces Jordi ha aparecido en "Historias del Kronen"
(1994) Director: Montxo Armendáriz; "La flor de mi secreto" (1994),
Director: Pedro Almodóvar; "La Celestina" (1996), Director:
Gerardo Vera; "La buena estrella" (1997), Director: Ricardo Franco
(Nominado a los Premios Goya); "Los años bárbaros" (1998),
Director: Fernando Colomo; "Volavérunt" (1999), Director:
Bigas Luna; "Nadie conoce a nadie" (1999), Director: Mateo Gil;
"Segunda piel" (1999), Director: Gerardo Vera y "Son de Mar",
(1999), Director: Bigas Luna.
Aclamado por la crítica por su papel en "Blow" con Johnny Depp
y Penélope Cruz. Este fue su debut en Hollywood.
Ha dirigido dos cortrometrajes: "Walter Peralta" (Premio Alcalá
de Henares, Premio Generalitat de Cataluña) y "No me importaria
irme contigo".
En septiembre de 2002 se integraron en el equipo de Fabrica y
comenzaron a desarrollar proyectos para Benetton, Trudi, Ittala,
Koziol, Danilo Ferrara, Ferrán Adrià, Unicef, Skira, Ayuntamiento
de Roma, Partito Unito, Electa, Parque Dolomiti, Ayuntamiento
di Treviso, El País, Ayuntamiento di Riccione, Moving Images
Museum NY, Makalle Restaurant TV, Ospedale Meyer, B.D.
Ediciones de Diseño, Electa, Magis, Bosa Ceramics y Metalarte.
Desde enero de 2005, ya en Lisboa y bajo el nombre de Pedrita,
han trabajado en proyectos multidisciplinares como el
comisariado de la exposición TAP Air Portugal (por invitación
de Experimentadesign); Diálogos (junto a Francesco Meneghini
y Ramón de Marco), proyecto presentado en el Kunstmuseum
(Basilea) y Experimentadesign en 2005; merchandising para
Coca-Cola (en colaboración con HayonStudio; Ga.Lo bag
producido por Krvkurva, así como un proyecto institucional,
coordinado por CENCAL para Corval, presentado durante
Experimentadesign y en Monsaraz en diciembre de ese
mismo año.
Su primer largometraje, "No somos nadie", fue producida
por Lola Films se realizó en el 2002.
Nacido en 1976 en Elvas Alentejo (Portugal) y graduado por la
Facultad de Arquitectura de Lisboa en el año 2000, Jorge Moita
trabaja desde 1998 como diseñador. Ha colaborado en
numerosos proyectos, entre los que hay que mencionar
Experimenta Design 99 Meeting Point, Correio da Manhã, Moda
21, Máxima, Lab Magazine (Londres) y la revista Colors (Italia).
Cofundador del Laboratorio de Diseño de Moda, Krv Kurva
Design, “design for unexpected dressing”.
Entre los galardones que ha recibido por su trabajo hay que
mencionar: la Medalla de Oro del premio Infante D. Enrique por
sus actividades desde 1998, el Premio Nacional de Diseño,
Diseño de Producto, Trofeo Sena da Silva en 2002 y el Premio
de Jóvenes Creadores 2002, al Diseño de Equipamiento,
con Daniela Pais, por el proyecto Krv Kurva.
Entre 2003 y 2004, fue invitado a integrarse en el equipo
de Fabrica, como Diseñador del Departamento 3D, donde
desarrolló proyectos para Benetton, Sisley, Nórdica, PlayLive,
Colors, Eleca, etc…
Director creativo del “Studio 09º 08` 36``W, 38º 42` 34``N”, sus
trabajos se han publicado en numerosas revistas: 34, IDN, NEO2,
B-Guided, LAB Magazine, Sleazenation, Marie Claire Italia, Eye
magazine, Elle Portugal, Time Out Grecia, El Mundo,
Cosmopolitan, etc.
Además Jordi ha escrito dos libros: "Las Primeras Veces"
y "Agua Estancada".
Nacido en Conegliano en 1962, reside actualmente en Treviso.
Jorge Moreno Arozqueta
[www.lajabonera.com]
Graduado en Letras, tras ser ayudante de la cátedra de Literatura
Italiana en la Universidad de Venecia en el año 1992, realizó
un máster en Comunicación de Empresas.
Director de Diseño Industrial. Departamento de Arquitectura
y Diseño Industrial del Tecnológico de Monterrey,
Campus Querétaro.
Director de Comunicación para el Gruppo Benetton
Sportsystem, es desde el año 2004 Director de la revista Colors.
Diseñador industrial, graduado por el CIDI-UNAM en 1989.
Fundador, en 1991, de la empresa Objetarías de Diseño de
Toulouse. Consultor para desarrollo de producto e iluminación
de varias empresas e instituciones, entre las que pueden
mencionarse Osram, Philips, INAH e INBA. Director del Programa
Diseño Industrial ITESM Qro.
Entre sus trabajos destacan el diseño y desarrollo de los
sistemas de iluminación de bajo voltaje Trolebús y Trapecio,
utilizados por diversos museos mexicanos, la iluminación de la
exposición de diseño México-Comunidad Europea, organizada
por SECOFI, Bancomext y el Barcelona Centro de Diseño (BCD)
y la línea de luminarias de bajo voltaje Colección Prima para
Philips-Construlita; una colección lanzada en México en
noviembre de 2001.
En 1995 fundó su propia empresa H&H en Islandia, donde diseñó
para diferentes empresas de todo el mundo.
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Renzo di Renzo
[www.colorsmagazine.com]
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Desde el año 2001 es Director Creativo de Fábrica, el Centro
de Investigación sobre la Comunicación del Gruppo Benetton,
donde se desarrollan todo tipo de proyectos creativos.
Consultor de comunicación y marketing para diversas empresas,
imparte regularmente cursos y conferencias en la Universitá di
Pesaro y Urbino, la Universitá Cattolica de Milán, el Istituto
Europeo di Design o la Universitá di Venecia.
Es miembro del Comité Directivo de la sede europea de la
Miami Ad School. Ha coordinado los siguientes libros: 1000
Extraordinay objects (Taschen, 1999), Preghiera (Ed. San Paolo,
1999), Fabrica Files (Electa, 2002), 2398 gr (Electa, 2002), 1000 Signs
(Taschen, 2004), Fabrica 10: From Chaos to Order and Back
(Electa, 2004) y publicado el libro Brevi incontri, lunghi addii
(Teoria, 2000).
Ricardo Salas
[www.frontespizio.com.mx]
Erik Spiekerman
[www.spiekerman.com]
Giuseppe Zecca + Simone Zecca
[www.bticino.com]
Ricardo Salas nació en México D.F., en 1954. Diplomado en
Diseño Gráfico e Industrial por la Scuola Politecnica di Design
de Milán, realizó un postgrado en gráfica, animación y tipografía
en Basilea (Suiza) en la Kunstgewerbeschule, con los profesores
Wolfgang, Weingart, Olpe, von Arx y Gurtler.
Nacido en Stadthagen (Alemania) en 1947, Erik Spiekerman
estudió Historia del Arte en la Universidad de Berlín. En 1973 se
trasladó a Inglaterra. Durante siete años trabajó como freelance
principalmente para Wolff Ollins, Henrion Design Associates y
Pentagram e impartió clases de tipografía en el London College
of Printing.
Giuseppe Zecca nació en Sondrio en 1934. Pintor, se traslada
a Milán a mediados de los años cincuenta, donde frecuenta los
círculos artísticos que gravitaban en torno a la figura de Lucio
Fontana. Junto a Piero Manzoni y Ettore Sordina interviene
en el manifiesto Per la scoperta di una zona di immagini (1956),
en el que se teoriza sobre una pintura que ha de surgir
de la colectividad.
Entre 1977 y 1980 colaboró como diseñador gráfico en el estudio
Value Design de Hamburgo (Alemania). En 1980 regresa a México,
para dedicarse al diseño gráfico en todas sus áreas.
En 1983, la empresa italiana BTicino le encarga el diseño de su
imagen global, de aplicación internacional. Gracias a ello, funda
su propio estudio, Frontespizio, en Milán.
A mediados de los años 80, colabora con Achille Castiglione y con
Hainz Waibl para llevar a cabo la aplicación de la Bienal Intel 85,
en Milán.
Profesor en el área editorial en la Universidad Anáhuac de
México D.F., ha impartido cursos en la Universidad Autónoma
de México, Universidad Iberoamericana, Universidad de las
Américas, Universidad del Mayab, Universidad Autónoma de
Puebla, Veracruz, Guadalajara y Centro George Pompidou y
Museo Vitra Disegn.
Actualmente es Director de la Escuela de Diseño de la
Universidad Anáhuac, es miembro del comité de selección de la
“Bienal del Cartel” en México; del consejo editorial de la revista
Estilo México, así como del Comité de Dirección del Museo
Rufino Tamayo.
En seis ocasiones ha sido distinguido con el premio a la
excelencia por The Printing Industries of the Gulf Coast, Inc
y Printing & Imaging Association of Mid America (1994-2002).
Sus trabajos se han publicado en Matiz, A! Diseño, Caminante,
Experimenta, Domus, Abitare, Ottagono, y Art Directors Index,
entre otras revistas.
Nicola Schwartz
[www.pocko.com]
Nicola Schwarz fundó en 1999, en Londres, el estudio Pocko, que
ha alcanzado renombre internacional.
Una de sus iniciativas de mayor reconocimiento ha sido la Pocko
Collection, una serie de libros de bolsillo -compuestos por
diferentes artistas- en los que se combina la edición con la
comunicación corporativa.
Uno de los rasgos de Pocko es su habilidad para descubrir
nuevos talentos e impulsarlos de un modo original empleando
estrategias de marketing, comunicación y publicidad
poco convencionales.
A finales de la década de 1970, comenzó a colaborar con
Berthold AG.
Hacia 1979, abandonó Inglaterra y fundó en Berlín, con otros
dos socios, su propio estudio: MetaDesign.
En la actualidad se encuentra al frente de la fundición
tipográfica FontShop. A él se deben tipografías tan conocidas
como la FFMeta o la Officina.
A su faceta de escritor debemos la «novela tipográfica» titulada
Rhyme & Reason – A Typographic Novel, publicada primero en
alemán en 1982 y después en inglés, en 1989, donde con humor
expone sus ideas sobre la tipografía. En 1993 apareció otro de
sus libros: Stop Stealing Sheep & Find Out How Type Works,
editado por Adobe Press.
Escribe artículos para revistas como Baseline, Emigré o Eye,
cargados de sentido crítico, reflexión teórica y profundo
conocimiento.
Joana Vasconcelos
[www.joanavasconcelos.com]
Nació en París en 1971. Vive y trabaja en Oeiras.
Estudió Artes Visuales en Ar. Co School, Centre of Visual Arts and
Communication entre 1989 y 1996. En 2006 ganó el premio de la
Fundación Berardo para crear la obra, “Néctar” para el Centro
Cultural de Belém.
En 2003 recibió el premio “Tobacco Public Art Fund” para crear
un proyecto de intervención en el Largo da Academia das Belas
Artes, en Lisboa, que está siendo preparado.
Después de una breve experiencia en el campo del diseño
gráfico, en 1958, Zecca se integra en el grupo BTicino, empresa
italiana líder en el sector de la iluminación, para encargarse
de aspectos relacionados con la identidad corporativa de la
compañía. Para BTicino realizará la serie Magic que destacará
por su carácter innovador y supondrá el inicio de una carrera
dedicada ya plenamente al diseño. A partir de 1964, al frente
de un equipo de diseñadores gráficos, técnicos y publicitarios,
se encarga del diseño industrial producido por BTicino.
En 1971, y sin dejar de colaborar con la compañía, se convierte
en freelance.
En 1988 funda el estudio Zecca & Zecca – Design e sviluppo del
prodotto. Entre sus trabajos destacan las series Living, -que en
1989, mereció el premio Compasso d’Oro-, Living International,
Light, New Magic, Axolute y el proyecto domótico My Home,
premiado en el año 2001, también con el Compaso d’Oro.
A lo largo de su vida, ha realizado alrededor de 6.000 proyectos
de luminarias.
Simone Zecca nació en Varese en 1961, reside habitualmente
en Milán.
Graduado por la Facultad de Arquitectura del Politécnico de
Milán, es socio fundador del estudio Zecca&Zecca. Design
e sviluppo del prodotto.
Ha impartido conferencias y publicado críticas de arte en
diversas revistas italianas.
Fundador en el año 2003 y consejero de la Associazione
Grytzko Mascioni.
Desde 1994 es invitada regularmente a exponer en Portugal y en
extranjero. Los más destacados: “Joana Vasconcelos”, Rena
Bransten Gallery, S. Francisco (2007), “Al(mas…)”, Palácio da Gleria,
Tavira (2007), “A Ilha dos Amores”, Mario Mauroner Contemporary
Art, Viena (2007), Espais Oberts”, Caixa Forum, Fundación La
Caixa, Barcelona (2006), “Joana Vasconcelos”, Pasaje du
Desir/BETC EURO RSCG, Paris (2005), “I Lusas”, Casa de América,
Madrid (2004), “Joana Vasconcelos”, Galeria Casa Triângulo, Sâo
Paulo (2004); “Marquise”, Galeria 111, Porto (2004): “Todas las
direcciones”, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilha
(2003); “F.A.T.”, Galeria 111, Lisboa (2002); “Happy Lady”, Galeria
Màrio Sequeira, Braga (2001); “Medley”, Galeria Central
Tjo/Museu da Electicidade, Lisboa (2001); “Ponto de Incontro”,
Museu de Arte Contemporânea de Serralves, Porto (2000).
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Workshops
European Design Labs presenta una serie de dieciséis talleres
de cinco a diez días de duración. Algunos de ellos fueron
realizados sólo por los estudiantes de Visual Communication,
otros por los de Product Design, aunque seguramente los más
interesantes fueron aquellos en los que ambos grupos
compartieron un proyecto y lo desarrollaron juntos.
Los participantes trabajaron con profesionales del diseño,
cada uno de ellos con una visión y una metodología particular.
El objetivo de estos talleres no es el desarrollo de un producto
perfecto sino facilitar la captación de la dinámica interna
de los procesos de diseño y los desafíos que esto supone para
el pensamiento dirigido al proyecto.
Jorge Moreno
De la caja negra a la caja de cristal
En este taller trabajaremos diversas metodologías que nos ayudarán
a descubrir como los procesos mentales exteriorizados ayudan a una
concepción lógica al tiempo que dan mejores herramientas de justificación
y entendimiento a nuestros clientes. El proyecto que realizaremos esta
semana, lo analizaremos desde tres perspectivas; La primera, la del
diseñador en dos ámbitos. El individual, su identidad, valores propios,
espiritualidad y creencias y el segundo en su contexto, definiendo intereses,
capacidades y competencias. En segundo término, visualizaremos nuestra
sociedad, de lo general a lo particular. Pasando de los aspectos mundiales
a un análisis de usuarios potenciales. Finalmente, abordaremos
la perspectiva de la empresa, analizando los intereses y las expectativas
que engloban el proyecto.
La síntesis de estos tres enfoques serán vertidos en el análisis
de la “naturaleza huérfana” del mueble urbano, tratando de generar
propuestas auténticas desde su origen hasta su presentación.
Tecnoseñal / RENFE Cercanías
Nuevos elementos de mobiliario urbano
La aparición de la prensa gratuita genera una nueva necesidad.
Se distribuye generalmente en los centros de transporte, pero nadie
se encarga de retirar los periódicos una vez leídos, salvo los servicios
de limpieza que ya existían. En la red de RENFE Cercanías en la Comunidad
de Madrid recogen a diario 3 tm. de este tipo de publicaciones,
aproximadamente 2/3 en los trenes y 1/3 en las estaciones. Cada periódico
viene siendo leído por dos o tres personas, 2.5 de media. Como dato
adicional, para generar una tm. de papel son necesarios 17 árboles,
si este reparto es parecido en los otros dos medios transporte principales,
estamos hablando de más de 150 árboles diarios solo en Madrid.
RENFE Cercanías de la comunidad de Madrid, con la participación de
Tecnoseñal se han planteado desarrollar e implantar un elemento que
ayude a reducir el impacto que este fenómeno está generando, aportando
soluciones a la reutilización y el reciclaje de los periódicos y a la limpieza
de las estaciones y trenes.
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Ricardo Salas, Gráficas Palermo
Redes contemporáneas para publicaciones
El programa de diseño editorial se dividirá en dos partes claramente
determinadas. En la primera, se desarrollarán varias alternativas de retículas
dentro de un espacio predeterminado: éstas auxiliarán y permitirán al
estudiante experimentar y entender al mismo tiempo la relación que existe
entre la proporción de oro de las dos páginas de la publicación y su
contenido formal para lograr tener una óptima lectura y entendimiento
del mensaje y/o contenido.
En la segunda parte, se diseñará la estructura editorial, que permita
al estudiante crear su propia publicación en base a una diagramación
clásica, permitiendo entender el contenido y su relación estrecha
con la retícula editorial preestablecida.
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Sam Baron_Fabrica
In/Out
Trabajaremos con la contradicción exitente
entre fuera y dentro, cuestionándonos:
1. Identidades nacionales y culturales
2. De lo local a lo internacional
3. Los símbolos de identidad, comunicación,
protección personal y reconocimiento en el uso
de objetos cotidianos o conceptos
4. Elementos como una bolsa o un pin
5. Cómo transmitimos estas respuestas en nuestra
vida particular, cómo actuamos y nos situamos ante
lo que poseemos…
Por supuesto, esta es la base sobre la que se discutirá
en un equipo de trabajo.
¡Espero que os divertáis!
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Fun & Basics
Add fun to your life
Fun & Basics propone la creación de la línea ADD FUN TO YOUR LIFE con la voluntad de darle un aire urbano
con cierto “punto canalla” a productos, elementos y “atmósferas” de la marca.
Esta línea se caracterizará por una serie de atributos que irán mutando en sus sucesivas aplicaciones,
así como a lo largo del tiempo a medida que resulten más reconocibles en el conjunto de los productos
del universo Fun & Basics.
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Irma Boom
Retrato
Quiero pedir a cada estudiante que haga un retrato.
¡Hay muchos modos de hacerlo!
Cada uno puede elegir cómo.
Escribe los nombres de todos los estudiantes
en pequeños trozos de papel y pliégalos.
Cuando empecemos cada uno escogerá un nombre…
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Sigridur Heimisdottir_IKEA
Inside-Outside
IKEA diseña colecciones que se presentan con la periodicidad de un año,
se llaman PS (Post Scriptum) y representan un pequeño “extra” dentro
de la oferta de Ia marca.
Por otro lado existe un tema muy interesante al que llamamos “InsideOutside” (dentro-fuera).
La idea es la de crear objetos que puedan funcionar en ambos ambientes,
el interior y el exterior.
Nos desplazamos de adentro a afuera dependiendo, entre otras cosas,
de la estación, el clima (la luz y la temperatura).
Deberíamos poder mover nuestros objetos con nosotros.
Pensad globalmente, tiene que funcionar en cualquier parte del mundo.
Quizás tengáis algo que sólo pertenezca a vuestra cultura que penséis
que sería bueno que otras culturas comenzasen a apreciar…. Pero no olvidéis
que en las tiendas de IKEA no pueden explicarse los objetos complicados;
los objetos, de alguna manera, han de explicarse por si mismos... ¡y rápido!
Los objetos te pueden hacer feliz y evocar emociones… Trabajad sobre
las emociones humanas... ¿Qué nos hace sentirnos felices, relajados, plenos,
tranquilos, seguros, …?
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Andrea Boffetta
¿Qién soy yo?
El fin del workshop es llegar a conceptualizar y aplicar
en un soporte la estrategia de comunicación de cada
participante.
Como profesionales, nos pasamos la vida aplicando
estrategias de comunicación en empresas, territorios
o personajes según la interpretación de unos términos
que el mercado global impone. La idea es que cada
estudiante estructure la comunicación de si mismo
según los terminos que decida.
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Gala Fernández, Vitra Summer Courses
Back to Basics
Reflexionaremos sobre los objetos que consideramos BÁSICOS E INDISPENSABLES para la vida.
Se trata, en primer lugar, de crear una taxonomía individual de artefactos de uso personal en todos los ámbitos
de la actividad humana. Una lista organizada por temas. Ésta será ilustrada por una lista de imágenes de los objetos
que cada estudiante usa.
Luego suprimirán los objetos “superfluos” y documentarán con fotografías el proceso, alegando las causas de los
descartes. A partir de esta destilación crearán un “manifiesto” una aproximación a la base ética de cada diseñador…
De los objetos restantes se elegirán uno o varios y se diseñarán o bien se rediseñarán.
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El Último Grito
Se trata de elegir un personaje del siglo XX, relacionado con el mundo de la creación artística en todas
sus disciplinas o perteneciente al mundo del diseño, al que admiremos y a quien queramos invitar a cenar.
Habrá que desarrollar un proyecto de diseño en este contexto.
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Invitado: Federico Fellini
Invitado: Tim Burton
Invitado: El Santo
Invitada: Jenny Holzer
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Nicola Swartz_Pocko
DIY
Cada estudiante tendrá a su disposición un volumen
de DIY, un librito de 96 páginas en blanco publicado
por Pocko, para diseñar su propuesta.
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Pedrita, Gonçalo Prudêncio_AO SOL Energia Renováveis Lda.
Energías renovables
Dentro del campo del product design, este puede ser uno de esos raros
momentos en los que se invita a intervenir a los diseñadores, en una fase
muy inicial y contando con muy pocas referencias o ninguna, para
desarrollar las aplicaciones de una tecnología existente. Se trata de una
oportunidad para combinar tecnología y creatividad al servicio de la
sostenibilidad, contando con un contexto sin preconceptos, para proyectar
algo NUEVO (y anteriormente inexistente): Sistemas integrados y productos
que satisfagan cada nivel de nuestras verdaderas exigencias y que
promuevan una actitud ética hacia un modo de vida, combinando la
necesidad individual del confort, el estatus social y realización personal.
Ao Sol Energias Renovaveis Lda. Es una compañía que, dentro del campo
de las energías renovables, está especializada en usar la energía solar
para producir agua que pueda tener diversas aplicaciones en edificios
públicos y privados. Una de las mayores preocupaciones de la empresa es la
integración en la arquitectura de los sistemas tecnológicos que desarrollan.
Sus esfuerzos se están orientando en esa dirección y pensamos que un taller
sobre este tema podría contribuir a desarrollar tres aspectos fundamentales
del mismo:
1. Cómo minimizar el impacto arquitectónico de los sistemas actuales.
2. Pensar en nuevos modos de integrar este tipo de energía en los edificios.
3. Qué nuevas funciones arquitectónicas podría introducir (si hubiese
alguna) esta tecnología de energía solar.
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Bernard Bréchet_Gédéon
Patrick Rouchon_Ostra Delta
Durante esta experiencia de creación audio-visual se exploraron diversos
aspectos de la metodología propios de la displina para realizar un pequeño
vídeo usando ténicas y herramientas específicas de la misma para presentar
el contenido del máster.
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Jorge Moita_KRV KURVA
Prision de mujeres de Tires (Lisboa)
MUDE (Museo de la Moda y el Diseño de Lisboa)
a_
La dimensión humana y social del proyecto que Krv Kurva desarrolla en
colaboración con la prisión de mujeres de Tires, sede de la producción de
muchas de las líneas de la bolsa La.Ga entre otros proyectos, es el aspecto
fundamental que enmarca la necesidad desarrollar nuevas calidades que
den sentido a este trabajo. ¿Cuál es la propuesta en este contexto?
La propuesta se llamará “a_”.
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Giuseppe Zecca, Simone Zecca, Valentina Downey_BTicino
Domótica
Se pretende afrontar el problema del pasaje entre la proyectación y la
realización en un manufacturado técnico que formará parte de un sistema
integrado referido al ambiente doméstico. La innovación consiste en la
introducción de la noción de escenario, es decir a una secuencia de
comandos elementales que han de reconducir a una mayor abstracción.
Ejemplificando: la intercción entre el usuario y su habitación se explica
en una serie de funciones: entrar en casa, encender las luces y los diversos
aparatos eléctricos y electrónicos, subir o bajar las persianas, activar o
desactivar los sistemas de alarma y control, ir a dormir, etc. Hacen falta por
tanto por lo menos dos comandos a distancia, separados de la pared a la
persona, uno para poder acceder a la casa y otro para las demás funciones,
cuya importancia está unida a la frecuencia de las operaciones requeridas.
Se quiere partir del “sueño” y no de los límites tecnológicos, dejando al
estudiante la máxima libertad inventiva e imaginativa: la mediación con
la realidad llegará sucesivamente. Las posibilidades son innumerables,
precisamente porque no estamos vinculados a la mecánica tradicional.
Para evitar de este modo volver a recorrer caminos ya y sobretodo para
permitir proyectar sin ningún tipo de referencia tecnológica. Al iniciar el
taller se ilustrarán algunas soluciones actualmente en uso o en estado
de experimentación, de la cuales se podrán extraer motivos de inspiración
para el desarrollo del trabajo o para negarlos y sobrepasarlos partiendo
siempre de una base objetiva y real.
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Jaime Hayón, Metalarte
Objetos de luz
¿Cómo crear objetos que iluminen y que creen un
ambiente? Hay que tener en cuenta muchos aspectos,
algunos muy técnicos y específicos…
Pero sobre todo hay que hacerlo, realizarlo, para poder
probar, experimentar, encontrar.
¿Qué es lo que hace que una empresa decida producir
uno de estos objetos?
Buscad ideas que cuenten historias.
Para esta experiencia usad materiales simples, baratos,
y fáciles de encontrar.
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Fernando Gutiérrez
Durante la recta final de los proyectos de tesis de los
alumnos de visual communication, Fernando Gutiérrez
asesoró y dio apoyo a la presentación y acabado
de los mismos.
La definición de los matices y aspectos más delicados
de un proyecto de cualquier disciplina del diseño
requieren de la experiencia y competencias de visión
y filtro de una figura fundamental: el art director.
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Proyectos de tesis
En primer lugar, hay que señalar que todos son proyectos de
Los proyectos de este máster son, asimismo, el reflejo de una
autoencargo, con un briefing construido por los propios diseñadores
concepción del proceso de diseño como un viaje personal en el que se
como resultado de un proceso de indagación en aquellos temas
producen constantes negociaciones entre lo que uno desea y lo que
que les eran más afines. En este sentido, no debemos olvidar que el
precisa el usuario, mientras se vive una experiencia creativa que
autoencargo, hoy en día, no necesariamente es sólo voluntad de
enriquece personalmente no sólo a quien la protagoniza sino al
autoexpresión sino que, en muchos casos, se constituye en alternativa
producto mismo, creado muchas veces con la voluntad de fomentar
a un sistema productivo que deja fuera las necesidades de ciertos
usos alternativos y secundarios y, por tanto, con un proceso de
colectivos o que obvia aquellas cuestiones que pueden presentarse
utilización también abierto. Se trata, pues, en muchos casos de
como conflictivas. Así, todas las piezas creadas por estos estudiantes
estimular la capacidad de improvisar e inventar innata en los
son, efectivamente, el producto de una inquietud personal pero,
seres humanos.
además, algunas de ellas presentan una carga crítica o una denuncia,
exploran aspectos emocionales o intentan responder a una demanda
Por último, habría que destacar que algunos de estos jóvenes
sociocultural aún no contemplada por instituciones y empresas.
diseñadores se han atrevido a abandonar los campos del diseño que
mejor conocían y a realizar incursiones en territorios que les habían
En segundo lugar, los diseños de estos estudiantes se sitúan dentro de
sido ajenos hasta ahora. De esta manera, el European Design Labs se
la línea de aquellos que reivindican que el diseñador es alguien capaz
ha convertido en una plataforma de cruce disciplinar, donde quienes
de generar contenidos, una perspectiva que lo sitúa íntimamente
procedían de la arquitectura han acabado llevando a cabo proyectos
ligado al desarrollo conceptual de los proyectos y no a su simple
de gestión cultural o de diseño industrial, quienes diseñaban productos
resolución estética. En esa medida, por tanto, estamos hablando
han entrado en el lenguaje de la web o casi en el del arte y aquel
de un nuevo tipo de profesional que actúa como autor sin dejar de
los otros que venían del mundo digital se han atrevido con el
comprometerse con su trabajo y con la sociedad en la que vive.
medio impreso.
En tercer lugar, habría que destacar la variedad de metodologías
Quince diseñadores, quince proyectos y quince miradas, en un mundo
y procesos seguidos por cada uno de los participantes para alcanzar
complejo que demanda soluciones imaginativas. Eso ha sido la primera
el resultado final. Unos se muestran más intuitivos y otros más
edición del European Design Labs.
cercanos a la investigación en ciencias sociales pero todos han
Raquel Pelta
dedicado muchas horas de búsqueda y reflexión, algo que nos
aproxima al carácter empírico que deberían tener siempre los
proyectos de diseño, especialmente cuando han de desarrollarse
en una escuela como parte de un aprendizaje que debe ser amplio y,
sobre todo, crítico.
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Biografías estudiantes
Giulia Barbanente Nacida en 1975 en Mola di Bari, un risueño
pueblo de pescadores, campesinos, poetas y músicos hard-core
sobre la costa adriática del sur de Italia.
Graduada en el 2000 en diseño industrial en el ISIA de Roma
y diplomada en sastrería en el 2005 en Bari. Trabaja
independientemente como diseñadora gráfica e ilustradora,
y como creadora de vestuario para el Teatro Teatro Kismet
Opera, La luna ne Pozzo y otras producciones independientes.
Ha colaborado con la creadora de vestuario Ruth Keller, la
escenógrafa Marianna Sciveres y con los directores Alessandro
Piva, Marianna Sciveres, Angela Iurilli y Teresa Ludovico.
Ahora vive y trabaja en Madrid.
Andrea Caruso Nació en 1984 en Turín, Italia. Durante la infancia
se dedica con obsesión al juego del Lego. Trenes, aviones, naves,
salían cada día desde su Legopoli.
Se licencia en diseño industrial en el Politecnico de Torino en
2005 y expone sus primeros proyectos en el Macef, Salón del
Complemento del Mueble de Milano.
En 2003, junto con Alberto Gobbino y Carlo Frigerio crea
UNFAMOUS, una plataforma creativa que trabaja en diferentes
disciplinas como la fotografía, la producción de vídeo,
la comunicación y el diseño. (www.unfamousatelier.it)
Realiza prácticas en Pininfarina donde diseña una ducha
de hidromasaje para Jacuzzi que fue producida en el 2007.
Colabora con el estudio BRH+ de Turín en el proyecto de
restauración de la sala de conciertos “Hiroshima Mon Amour”
y para la exposición SPAcqua de Amnesty International en Milán,
proyecto con el cual ganan el primer premio Enzo Baldoni Prize.
Realiza workshops con Lucy Orta, Vittorio Bonacita y Gufram.
En el 2006 colabora con Artemide en la investigación y
desarrollo de lámparas de Michele De Lucchi, Matteo Thun,
Karim Rashid e Ross Lovegrove. En Madrid, dentro del master
European Design Labs, realiza colaboraciones fotográficas
con el Instituto Europeo di Design de Madrid.
En el 2007 funda el estudio de diseño UNDB, Unfamous Design
Bureau (www.undb.it).
Claudia Contreras Nacida en Colombia en 1977, estudia diseño
industrial en la Universidad Autónoma de Manizales (Colombia).
Desde el comienzo de su carrera se interesa por el eco-diseño,
entendiendo esta disciplina como una manera de ayudar
a mejorar la calidad de vida del hombre, y el bienestar de
su entorno. Su interés en la responsabilidad ambiental la lleva
a trabajar en Cali (Colombia) con el Zoológico y el Jardín
Botánico (diseño de interactivos educativos y señalización).
Posteriormente trabaja durante dos años con “Almacenes Éxito”,
una cadena de hipermercados, donde coordina la logística
de los montajes de la ambientación (arquitectura efímera)
de las temporadas en los diferentes almacenes, y participa
en la remodelación y apertura de nuevas tiendas.
Simultáneamente trabaja como profesora de composición
y estructura (Conceptos Básicos de Diseño) en el departamento
de diseño de la Universidad del Valle (Cali, Colombia).
Davide Fichera Vive en una ciudad de mar del sur de Italia.
Después de una formación como delineante, comienza a
estudiar diseño industrial en la Università degli studi di Firenze
(Florencia), donde adquiere un enfoque más arquitectónico
que de producto. Dos años más tarde, viaja a Valencia (España),
donde permanece un año, a través de una beca Erasmus,
estudiando en el sorprendente complejo de la Universitat
Politécnica de Valencia. De regreso en Italia, se gradúa en el
2006. Siempre se ha interesado por la imagen, sea gráfica y/o
fotográfica. Ha trabajado en estudios de arquitectura, de diseño
de exposiciones y publicidad. Curioso por naturaleza, le
apasiona el proceso que transcurre entre el briefing y el
concepto, esa cadena creativa semi-lógica e impredecible.
Berta García Nacida en 1977 en Palencia. Comienza estudiando
ingeniería técnica en mecánica industrial en la Universidad
Politécnica de Valladolid, pero su inquietud por el diseño le
motiva a cambiar esta especialidad por la de diseño industrial.
En 2002 concluye sus estudios en la Universidad Alfonso X el
Sabio, Madrid, y empieza su andadura profesional desarrollando
proyectos de diseño interior para grandes hoteles en una
empresa de ebanistería en Las Palmas de Gran Canaria, dónde
explora otros campos desarrollando labores comerciales para
VOX. Dos años después, vuelve a Madrid para trabajar durante
tres años en el Instituto Renault como consultora de calidad
realizando proyectos de reingeniería de procesos.
La suma de las experiencias anteriores crean la necesidad
de enriquecer sus conocimientos en el campo del diseño.
Alberto Gobbino Nacido en Turín en 1983. Se graduó como
diseñador en el Politécnico de Turín. En el año 2007 trabajó
con Inga Sempé en París, con ella realizó proyectos para Ligne
Roset, Edra, Magis y Cappellini. Es miembro fundador de UNDB
y el estudio fotográfico UNFAMOUS. Vive y trabaja en Madrid.
www.unfamousatelier.it
www.undb.it www.unfamous.it
www.justbu.it
Nienke Haan Nacida en Holanda en 1978, asistió al liceo en su
ciudad materna de Leeuwarden. Después un año viviendo
en el Caribe y una práctica en Washington D.C., recibe su BA
en Arte & Diseño. Tras su graduación vuelve a Washington
para crear y dirigir un departamento de diseño interno en
International Arts & Artists, una organización de gestión de arte.
Aquí, durante cinco años y medio, desarrolla su portfolio
de diseño gráfico, compuesto por la identidad corporativa,
periódicos, folletos, carteles, y demás materiales impresos.
Su trabajo principal, sin embargo, fue el diseño de libros
de arte. Nynke busca profundizar en el diseño de libros,
explorando los aspectos técnicos de este medio e investigando
el diseño multilingüe.
Andy Marlow Nacido en Londres en 1974. Durante su primera
etapa profesional tuvo varios empleos en Inglaterra y luego
viajando alrededor del mundo. Cuando regresó a su país, todavía
joven, fue policía en la ciudad de Londres durante tres años para
más tarde ir a España con la intención de aprender la lengua
y enseñar el inglés. Se interesó en el diseño mientras vivía en
Barcelona. Estudió diseño gráfico y trabajó como diseñador de
páginas web en estudios pequeños y grandes. Se mudó a Madrid
para trabajar como libre profesional.
Tiene un gran interés en diversos temas fuera del mundo del
diseño que ayudan a enriquecer su trabajo: la evolución, la
psicología y la religión, que se han puesto de manifiesto en su
proyecto de tesis. Además le gustan el snowboard, la fotografía,
el ajedrez y el cine.
Mª Eugenia Mendoza Nace en 1982 en México DF. Estudia
diseño gráfico en la Universidad Tecnológica de México.
Se especializa en diseño editorial cursando una maestría
en la Universidad Anáhuac.
En 2005 se incorpora a Inplax, empresa mexicana de inyección
de plásticos, donde colabora en el área de impresos.
Profundizando en el interés editorial, realiza un seminario sobre
diseño de la información dentro de la Bienal de Letras Latinas
(2006) en Veracruz, y un curso de encuadernación en el Instituto
de Investigación y Cultura en Ciudad de México (2007).
Enrico Pastorello Nacido en 1969 en Padua (Italia), se graduó
en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Florencia.
Es socio fundador de la asociación cultural COA (Cross Over Arts),
con sede en Bolonia, fundada con la finalidad de promover la
integración de las artes, ocupándose de la organización de
eventos, montajes y escenografías, efectuando así un intenso
recorrido de fervor creativo en diversos periodos. Ha tratado de
mantener viva una actitud creativa innata y al mismo tiempo a
desarrollado una actividad profesional intensa. Por lo que busca
aunar las diversas experiencias laborales canalizándolas hacia
su gran pasión, el diseño.
Mario Alonso Ricci Estudió arquitectura en la Universidad
Peruana de Ciencias Aplicadas (UPC) en la ciudad de Lima, Perú.
Durante y después de su carrera practicó y trabajó en diversos
estudios de arquitectura y paisajismo. Ahora trabaja como
arquitecto independiente habiendo desarrollado proyectos
como casas de playa y en la ciudad, edificios multifamiliares
además de diseño interior y diseño de muebles. Eventualmente
publica artículos sobre temas de diseño en diarios peruanos.
Sharon Sacal Nacida en México DF en 1983. Termina sus
estudios escolares. Luego de una breve estancia en París,
viaja a Israel. Allí pasa un período en el ejército, y en un kibutz.
Tras su viaje a Israel, regresa a México e inicia sus estudios
universitarios en diseño industrial.
En paralelo y como formación continua y complementaria,
estudia diseño 3D, realiza un intercambio de seis meses en
Madrid, un curso de accesorios de moda y complementos,
y un workshop en Boisbuchet.
Compaginando sus estudios empieza a diseñar una colección
de zapatos para Símil Cuero Plymouth; a fines de 2006 crea la
primera colección de su propia línea de zapatos.
Sus intereses principales son conocer diferentes culturas, viajar
y aprender de cada experiencia. En cuanto al diseño, se interesa
por los accesorios de moda, y en particular por los zapatos.
La pasión por los zapatos, es algo que tiene desde siempre;
Al diseñarlos, ha convertido su pasión en profesión.
Mónica González del Pliego Nació en México, D.F. en 1983,
allí estudió diseño industrial en la Universidad Anáhuac.
Participó en dos ocasiones en los “Premios Quórum” quedando
finalista el último de ellos con su proyecto de tesis.
Tras finalizar su carrera en mayo del 2005, desarrolla proyectos
como diseñadora independiente. El mismo año trabajó en
Industrias F.G. diseñando moldes para compresión y vaciado
de piezas de poliuretano y en 2006 en Air Design, empresa
especializada en el diseño de piezas y accesorios automotrices.
El patinaje artístico sobre hielo es una de sus grandes pasiones
desde los 11 años; en él encuentra arte, pasión y disciplina.
Interesada en aprender de otras culturas y perspectivas,
crece su inquietud por ampliar sus panoramas, visiones y retos
en el mundo del diseño, para intentar ser capaz de aportar algo
a la sociedad.
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Javier Pascual Nacido en Madrid en 1982 siempre le gustó
dibujar y las artes plásticas aunque su formación iba más
dirigida hacia las ciencias. Decide realizar la carrera de diseño
gráfico en la escuela de arte y tecnología GARBEN. Poco tiempo
después de empezar la carrera comienza a trabajar en la
empresa de marketing R. L. Polk como responsable del diseño
visual de los trabajos para marcas automovilísticas.
Terminada la carrera cursa el máster en diseño editorial en el
Istituto Europeo di Design de Madrid y a su término trabaja en
el Estudio de Manuel Estrada. Allí realiza trabajos de diferentes
ámbitos desde diseño digital, web, editorial, identidad.
La fotografía, la música y la búsqueda de nuevas experiencias
son sus principales motivaciones.
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Maider Saracibar Nacida el 17 de julio de 1979 en Vitoria,
una tranquila ciudad del norte de España (País Vasco), estudia
publicidad y relaciones públicas en la Universidad del País
Vasco. Al terminar los estudios, viaja a Barcelona, donde se inicia
en el diseño gráfico a través del diseño editorial.
Tras un año en Barcelona, regresa a Vitoria para trabajar en Ega
Master, una empresa internacional de herramientas de mano.
Trabaja en el área de marketing y comunicación; rediseña la
imagen corporativa y los contenidos gráficos de la empresa:
packaging, catálogo de productos, etc. Al mismo tiempo realiza
trabajos de diseño gráfico freelance y colabora con Zabalik,
una revista local.
La experiencia de trabajar en una empresa, junto a sus
inquietudes personales, le llevan a cultivar una visión crítica
del diseño gráfico, buscando ampliar sus perspectivas sobre
esta práctica, y su visión de la comunicación visual.
Giulia_retrato 1/3, 2/3, 3/3
Cualquier ser humano que se dedique a la creación de cualquier tipo de manufacturado parte de una visión personal del mundo
y lo hace guiado de su imaginario profundo.
Durante este proceso más o menos consciente, es sabido que a veces se bloquea la vena creativa. A menudo porque en la cabeza
suceden demasiadas cosas y tantas razones se yuxtaponen.
Funcionalidad, ecología, sostenibilidad, son conceptos de gran importancia, pero están lejos de agotar el tema y determinar
el resultado.
¿Cómo se puede hablar de producto sostenible cuando la mayor parte de las decisiones importantes concernientes a la
sostenibilidad son decisiones políticas? ¿Y de economía política?
¿Y qué quiere decir funcionalidad?
¿Es funcional que haya una cantidad tal de objetos funcionales detrás de los escaparates, en un mundo rebosante de basura?
¿Qué motivación para producir puede tener un joven lleno de bella esperanza, buena voluntad y un mínimo de sentido cívico?
Hablar hoy de diseño es agradable tanto cuanto hablar de comida después de una indigestión.
No obstante existe siempre una razón para crear y el hecho de que vivamos en un mundo tan saturado de objetos no quiere decir
que todas las necesidades tengan ya una respuesta.
Quizás hoy más que nunca en este mundo y en nuestro higiénico y pornográfico modo de vivir tenemos necesidad de “todo”.
Entonces es importante recoser la unión con la vena profunda. Con cualquier medio necesario. Con cualquier idea, aunque pueda
parecer loca a priori. Generalmente la primera es la mejor. Esta es la vía de la intuición.
Imaginad un folio en blanco
imaginad la clásica crisis del folio en blanco.
y ahora
imaginad una habitación silenciosa
imaginad la misma persona y el mismo folio en blanco
y otra persona delante
Imaginad que le haga un retrato, tarda una hora, se detiene todavía una decena de minutos para acabar
el dibujo, el cabello.
Imaginad que, una vez sola, escriba un texto pequeño: un recuerdo, una reflexión,
como un breve diario de viaje.
Imaginad que, más tarde, repita lo mismo con otra personas.
Son 14 en total. Son los compañeros de una clase.
Han pasado días.
Ahora hay un paquete de folios sobre la mesa, en realidad dos,
la misma persona de antes se encuentra sentada a la mesa.
Imaginad que haya tenido muchas dudas e incertidumbres, pero que ahora se ha decidido.
Imaginadla mientras coge un retrato del primer paquete, lo cuelga delante de si,
y del segundo paquete toma el pequeño texto que le corresponde para leerlo.
Y ahora miradla reflexionar y esperar,
está dejando que se forme una imagen en la pantalla del interior de su mente.
Y ahora, ¿qué hace? La escribe, la describe, se la explica a sí misma. Recoge
cada detalle porque luego deberá construir en realidad los objetos que ha visto.
¿Qué había decidido después de tantas dudas?
Había decidido que le servían estos objetos.
Le servirían a ella: hace tiempo le habían pronosticado que su primer proyecto de éxito podría ser una coraza
protectora artificial, para quien, como ella, no la tenía.
Se había olvidado, pero ahora, que era libre de desarrollar un loco proyecto intuitivo, había decidido precisamente
esto: que su alter ego más importante fuese un guerrero.
Y que éste necesitaba ser vestido, dotado de armas y dotado de eficiencia.
Sus 14 compañeros de curso serían desde ahora de forma inconsciente sus mentores.
Habría obtenido de cada uno de ellos un objeto útil para este plan.
Un regalo involuntario, fruto de sus cualidades, de un sentir opuesto a ellos, a veces quizás un entendimiento a
medias. Desde luego todos extremadamente útiles.
Esta es una colección de objetos fantásticos. Simplemente nos hace
rodearnos de ellos, porque los objetos nos acogen, nos protegen
y nos recuerdan cualidades, advenimientos, personas.
Por eso amamos tanto las cosas y nos rodeamos de ellas.
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Andrea_clínica de reanimación de objetos
Todo empezó el día en el que llegué en Madrid, el 10 de febrero 2007…
Y cómo fui preso de su encanto. Me daba la impresión de que todo se podía
desarrollar. En los meses siguientes descubrí otra Madrid, sus mecanismos
orgánicos y su ritmo frenético. Una vez Danny de Vito dijo <<Ojalá los
madrileños pudiesen encontrar pronto el tesoro>>. Raro, porque a mí me
parecía que el oráculo de de Vito ya estaba cumplido. De hecho empecé
a recoger desechos que parecieron tesoros. Tardé poco en darme cuenta
de que las calles de Madrid eran una tienda gratis a cielo abierto.
¿Qué es un desecho? ¿Algo que no funciona o algo que perdió su encanto?
¿Quién ha dicho que no podemos enamorarnos de las cosas “imperfectas”?
Aquí nació la idea de la Clínica de reanimación de objetos para explorar
mecanismos para aplicar el concepto de re-uso a los objetos formando
nuevas configuraciones de los mismos a través de diversos procesos de
recomposición. Estudié estrategias de procesos, de mecanismos, para
crear una metodología propia y así reanimar estos objetos en una manera
“quasi científica”.
La Clínica de reanimación de objetos enfoca sus diagnosis en las causas
que provocaron el hecho de que un objeto fuese descartado.
El proceso de investigación se localiza en las calles de Madrid sea paseando
y encontrando de forma ocasional piezas de desecho, sea durante los
recorridos de algunas recogidas privadas o públicas en diversos barrios.
En los meses de Noviembre y Diciembre 2007 he recogido 20 piezas
desechadas. Para cada pieza encontrada se ha creado un registro
descriptivo: el sitio, la fecha, la hora y el problema encontrado.
Cada “paciente” tiene su diagnóstico tras el cual se propone la terapia
de reanimación más adecuada. Para las terapias han sido desarrolladas
diferentes técnicas, sean de tipología estructural o estética.
Al final los pacientes curados han sido
reinsertados en su ciclo de vida a través de una
subasta, cerrando el círculo en una forma
sostenible. Creo que una manera para resolver
el problema de la basura es sensibilizar la gente
al re-uso, hacer que los objetos vuelvan
a ser recuperados con dignidad, en vez de que
sean usados y tirados.
La clínica de reanimación de objetos explora mecanismos para aplicar
el concepto de “re-uso” a los objetos encontrados en la calle, formando
nuevas configuraciones de los mismos a través de diversos procesos
de recomposición. Cada pieza ha sido curada como un “paciente”
enfermo. A partir de su diagnosis se propone la terapia de reanimación
más adecuada. Al final los “pacientes” curados son reinsertados en su
ciclo de vida a través de una subasta, cerrando así el círculo de manera
sostenible. Creo que una manera para resolver el problema de la basura
es sensibilizar a la gente para reutilizar, haciendo que los objetos
vuelvan a ser recuperados con dignidad. Mejor que usarlos
y tirarlos, reanimarlos.
¡Ojalá también la producción industrial repensase su procesos
para crear “objetos un poco eternos”!
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Claudia_hook & loop
Mis intereses son las relaciones que pueden tener los sistemas artesanales
de producción en la sociedad contemporánea.
Personalmente me llaman mucho la atención los productos hechos
a mano, lo artesanal, donde un producto nunca va a ser exactamente
igual a otro por que lleva las características de la mano que lo trabaja.
Entre las varias técnicas artesanales me inspiré en el Batik para el
desarrollo de mi proyecto, tomando la propiedad que tiene la cera de
resquebrajarse una vez endurecida, permite que en el posterior teñido
se dibujen líneas quebradas o "craqueladas”, que son el sello diferenciador
de esta técnica de teñido.
Estas líneas para mí son una analogía de la vida; de las estructuras
y formas de crecimiento de los seres vivos.
Lo que estaba buscando era como aplicar estas estructuras de crecimiento
en un contexto contemporáneo; trabajando el Velcro, que es un material
que utilizando módulos lineales me da la facilidad de crear diversas formas
y crecer estructuras de una manera orgánica; Involucrando al usuario en el
proceso de creación.
Lo que realmente me parece interesante es la infinidad de posibilidades
de este elemento invasivo. Y como puede ser interpretado de diferentes
maneras por cada persona que interactúa con él.
Las relaciones que pueden tener los sistemas artesanales de
producción en la sociedad contemporánea hacen que al diseñar
productos donde interviene el usuario, en el proceso de creación,
tengan un carácter único ya que llevan las características de la mano
que lo trabaja. Junto con esto se plantea utilizar materiales
contemporáneos con formas artesanales de creación y producción.
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Todo lo que se produce hay que venderlo. ¿Cómo? Anunciándolo.
La publicidad es una necesidad, es una exigencia del sistema en que
vivimos. Estamos rodeados por ella y la hemos asumido como parte
de nuestro cotidiano. ¿Por qué? Simple, vivimos en un mundo donde
generar beneficios es una cosa muy importante y, la publicidad, cumple
estas expectativas.
Davide_enfrenta
De aquí parte mi reflexión: ¿existe la posibilidad que la expresión artística
llegue a generar tantos beneficios económicos para que se vuelva parte
de lo cotidiano? ¿Y cual sería el método, el movimiento o el sistema que
permitiría que esto se convirtiera en realidad?
Asumiendo como una “regla” la necesidad de generar
beneficios y basando mi proyecto en promover las artes nace Enfrenta.
Enfrenta se propone como una plataforma de reflexión y acción cultural
que actúa en contextos urbanos. Se propone en síntesis, llevar el museo
a la calle dejando que el arte en muchos de sus aspectos sea accesible
para todos.
En concreto Enfrenta se plantea localizar puntos específicos dentro
de Madrid donde artistas, ilustradores, diseñadores gráficos, arquitectos,
etc. puedan intervenir por medio de un concurso, donde quien quiera pueda
proponer su trabajo.
La convocatoria prevé intervenciones de “artes gráficas” y “arquitectura
efímera” que se realizaran respectivamente en fachadas y plazas en los
barrios de Universidad y Justicia.
Cada seis meses se renovará la convocatoria para volver a revalorizar
los distintos contextos donde se interviene y para sacar a la calle el mejor
potencial creativo tanto nacional como internacional. De esta manera
se genera un circuito continuo que propondrá, a lo largo de todo el año,
dos fechas importantes en la agenda cultural de la ciudad.
Enfrenta pretende valorizar las áreas en las cuales interviene, generar una
repercusión en los medios tanto para el evento como para la ciudad. Quiere
sensibilizar al gran público, fomentar las disciplinas artísticas y con esto
apoyar el posicionamiento de Madrid en el panorama artístico/cultural
tanto nacional como internacional. Quiere, con el apoyo del ayuntamiento,
desarrollar sinergias entre asociaciones, entidades, privados, talentos
emergentes, etc. generando así un valor añadido tanto para la ciudad como
para los ciudadanos.
Todo esto es posible ya que Enfrenta es una nueva herramienta de
expresión y comunicación que se alimenta del patrocinio de entidades
publicas y/o privadas.
La asociación cultural enfrenta convoca un concurso de “artes
gráficas” y “arquitectura efímera” para intervenir en las calles
de Madrid y mostrar todo el potencial creativo del momento.
La convocatoria se propone a la ciudad de Madrid aunque
se podría adaptar a muchos otros contextos. De hecho, Enfrenta,
es una matriz que está basada en la análisis del entorno en que vivimos
y que encuentra fundamentos en muchos ámbitos distintos.
El propósito es incentivar la creación artística y proporcionar
a la ciudad un fuerte atractivo.
La propuesta es de una nueva herramienta de expresión
y comunicación.
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Espacios
E#1
E#2
E#3
Espacio_ E#1 Barrio: Universidad
Dirección: Pz. Conde del Valle de Suchil / Calle de Alberto Aguilera
Espacio_ E#2 Barrio: Universidad
Dirección: Pz. Conde Duque
Espacio_ E#3 Barrio: Justicia
Dirección: Calle de Barceló / Calle de Fuencarral
Plaza_ E#4 Barrio: Justicia
Dirección: Gardines del Arquitecto Ribeira
E#4
Fases
Estado actual
Pre-ENFRENTA
ENFRENTA
Comunicación
1ª edición
2ª edición
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Berta_¿te importa?
¿Te importa? Nos hacemos la misma pregunta una y otra vez. No nos miramos a los ojos y la vida pasa como
un cuento ajeno a nosotros.
Es necesario que hagamos una pausa, un paréntesis para la reflexión.
Que busquemos la luz, como una revelación.
La luz, ese frágil y precioso tesoro que debemos proteger, admirar y disfrutar. Que esta luz sea la armonía que
necesitamos para vivir, el motivo de nuestro objeto.
¿Te importa ver lo que no es? ¿Te importa imaginar lo imposible? Darte cuenta de que ese objeto que te acompaña
día a día ya no es más lo que era. Ha sufrido una mutación y se ha convertido en luz. Se ha revelado.
Un elemento descontextualizado. Un objeto que nos ayuda a burlarnos de la rutina. Son objetos que pueden ser
percibidos como una metáfora, una reflexión acerca de nosotros mismos.
¿Te importa si la iluminación de tu salón no sale de la lamparita que tanto te acostumbraste a ver?
Imaginemos por un segundo que nada es lo que era... que unas simples perchas, que hasta ayer colgaban tu ropa,
hoy encontraron la armonía reuniéndose entre sí formando un objeto lleno de luz. Colgamos la imagen, a la que
tanta importancia le damos hoy en día, para dar paso a la esencia que cada uno llevamos dentro.
La superficialidad nos inunda, no nos deja ver lo que realmente somos.
La falsedad y la mentira crean tensión entre nosotros y esa luz, la luz de la verdad. Continuos tirones hacen
que este objeto sea preciado por nosotros como el equilibrio mismo.
La armonía entre los elementos es lo que hace que funcione el todo, lo importante es utilizar los contrastes
en su justa medida.
A mí me importa, ¿y a ti?
¿te importa?
Mi intención es diseñar objetos a partir de otros mediante un juego
de contrastes, para ofrecer la posibilidad de establecer un paréntesis
para la reflexión.
Una reflexión sobre los contrastes con los que vivimos día a día.
Los valores que cada uno de nosotros tenemos, la esencia que todos
llevamos dentro.
El denominador común de todos los objetos será la luz. La luz
entendida como algo frágil y precioso, algo que hay que proteger.
El “escudo-pantalla” se compone de elementos que en principio
son objetos ajenos a los componentes de uso común en las lámparas.
Objetos descontextualizados.
Pueden ser percibidos como una metáfora, un elemento que nos ayuda
a burlar un poco la rutina.
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Manicaretto es una experiencia que sumerge a algunas personas invitadas
a propósito en una “performance” que se desarrolla entre una película
y un acto teatral, entre una instalación artística y un restaurante. La comida,
preparada para la ocasión por el chef Mario Sandoval, será uno de los
principales vehículos que articularán tantos otros estímulos que provocarán
diferentes sensaciones en el invitado.
Alberto_manicaretto
El formato tiene un doble objetivo:
_Promover la continua evolución del producto (en este caso la comida de
Mario Sandoval), aprovechando otros media que lo enriquecen dotándole
de matices inusuales.
_Dar vida a un “producto” paralelo que se puede identificar con la experiencia
misma, creada ad-hoc para el invitado.
Fotograma de la película
Mulholland Drive de David Lynch
manicaretto a design experience
Día de la exposición Process EDL 07
27 de Febrero 2008
Horario: 18.00 - 22.00 (Duración 4h. aprox.)
Duración experiencia: 5/8 min.
Participantes: 10/15 personas seleccionadas.
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Menú de degustación Madrid en Boca
del chef Mario Sandoval:
Ravioli de rabo de ternera
de Guadarrama con castañas.
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El contexto es muy importante al percibir los alimentos antes de ingerirlos;
dependiendo del lugar o ambiente donde comamos tendremos una
predisposición u otra ante el mismo plato. Igualmente, los utensilios y
objetos en los que una misma receta es servida, condicionan la percepción
de su calidad a priori.
Mónica_pickeat
El desarrollo comenzó observando rituales relacionados al consumo
de comestibles en distintas culturas, destacando diferencias
principalmente en el modo de comer, los entornos, costumbres,
tradiciones, platos, y lo más interesante: los utensilios.
Actualmente podemos hablar de una cultura globalizada que convive con
culturas más locales, algunas de ellas conservan sus rituales y costumbres.
Esto ha provocado la evolución en el modo de servir ciertos platos,
que debido a una mistificación de usos y costumbres, han adquirido
instrumentos que en principio no les pertenecían tradicionalmente.
El diseño se ha sumergido en la gastronomía dándole cada vez más
importancia y cuidado en la creación de platos, utensilios e instrumentos.
Además, la transmisión de emociones por medio de la comida, cobra un
nuevo protagonismo manifestándose en lo que se conoce como diseño
de experiencias.
Elegí el pincho como utensilio a desarrollar, ya que es un instrumento
utilizado comúnmente en la gastronomía Española, pero también conocido
por otras culturas.
Explorando formas que se presten al juego de la interacción con el objeto,
rompiendo esquemas en la forma de comer, pero al mismo tiempo uniendo
características conocidas por diferentes culturas; probando diferentes
formas para que los objetos puedan funcionar
en distintos entornos, pero respetando siempre la transmisión de
sensaciones sin perder de vista la comodidad y ergonomía, desarrollé la
colección de utensilios para comer: PICKEAT.
La colección de PICKEAT es la semilla de una nueva línea de instrumentos
de cocina que consiste en 4 piezas estilizadas que obligan a elegir nuevos
movimientos para nuevos rituales. Dos pinchos PICKEATIN y PICKEATON,
que permiten al usuario manejar una gestualidad particular, alejada de la
que conocen. Otros dos, PICKEATINTO y PICKEATONTO, más evolucionados,
que pueden inyectar salsas y aderezos dentro de los alimentos, creando así
una experiencia diferente para el usuario.
Se proponen dos versiones de la colección PICKEAT, una se presenta en
acero inoxidable, pensado en el uso para restaurantes, y otra en plástico
para caterings y venta al mercado.
Los objetos en sí son importantes, pero más importante es la experiencia
que nos dejan…
Este proyecto pretende recuperar y potenciar el valor del ritual
de la comida. Aprender a disfrutar del entorno y degustar
los alimentos. Probar, saborear y percibir con deleite
sensaciones agradables.
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Nienke_experiments of a polyglotter
Diseñar con múltiples idiomas sucede cada vez más a menudo. Es cierto que algunos desarrollos en el lenguaje
informático, como Unicode y Open Type fonts, ayudan a facilitar la comunicación digital en el mundo. ¿Pero cuál
es el proceso cuando hay que diseñar una pieza impresa? Además de combinar múltiples escrituras latinas, nos
enfrentamos a combinar escritura latina y no-latina. Quizás ahora, nos encontramos incluso con la necesidad de
combinar múltiples escrituras no-latinas como el chino y el coreano, el cirílico y el japonés, o el árabe y el griego,
en una sóla publicación.
Entonces me pregunté… y haciendo camino, he intentado responder a estas preguntas.
Distintas lenguas necesitan distintos enfoques de diseño. Esta afirmación tiene sentido si piensas en lenguas
que no entiendiendes provenientes de diferentes culturas que no conoces.
A lo largo de este proyecto he tratado con cuatro lenguas diferentes, dos de las cuales, no soy capaz de leer.
Dos sentidos distintos de lectura y escritura asociados a dos situaciones de encuadernación opuestas. Tres tipos
de escritura diferentes con proporciones verticales y horizontales también distintas. Y una serie de imágenes
que acompañan a un tema en un libro… ¿Una pesadilla, o quizás un sueño?
Afortunadamente los experimentos que hice dieron un resultado. Elegí situar el lomo en la parte superior que
resolvió el problema de los diferentes sentidos de lectura/escritura. En cuanto al texto, opté por una retícula a
cuatro columnas para dar la misma importancia a las cuatro las lenguas y asegurar la fluidez del texto, que tiene
continuidad página tras página seguiendo las páginas aparentemente sin interrupciones. Quise distinguir sobre las
otros textos al coreano, ya que no conseguí una tipografía que armonizase con las otras tres. Teniendo en cuenta
que los compradores potenciales de este libro no son coreanos podría justificarse la decisión. Separé el texto de las
imágenes para no romper las columnas. Así las fotografías adquieren mayor protagonismo con relación al texto.
Cuando abrimos las dos partes del libro, percibimos las cuatro páginas como una doble página de gran anchura.
A partir de este proyecto experimental quisiera continuar con la discusión. Algunas personas han insistido en que
no tenía mucho sentido poner todas estas lenguas en una sóla publicación ya que presupone un trabajo complejo
y además la presencia de las lenguas que no sabes leer confunden. Con la tecnología de impresión en offset puedes
sustituir fácilmente la plancha de negro con otra en una lengua distinta y así ser capaz de imprimir diferentes
versiones en diferentes idiomas. Puede ser que estén en lo cierto, pero creo que cada vez más las instituciones
y las compañías se expanden a nivel internacional y tienen la necesidad de promover y comunicar su presencia.
Por ejemplo organizaciones culturales humanitarias. Si profundizamos en el tema no acabará siendo una pesadilla,
sino que es posible que nos lleve hacia una mayor consciencia de transculturalidad.
De todos modos en este caso, por lo menos un enfoque diferente para diseñar libros.
Reflexionando acerca del mundo de la composición
tipográfica multilingüe.
¿Cuáles son los beneficios de introducir más de una lengua en una
publicación en la actualidad? ¿Quién estaría interesado en publicar
libros en múltiples lenguas? ¿Cómo tratar las lenguas que no sabemos
leer? ¿Existen aspectos culturales que necesitan ser tomados en
consideración? ¿Cómo puedes estar seguro de que el lector se
de cuenta sin distraerse de que el texto que no puede leer es una
traducción del texto que puede leer? ¿Necesitas dar a las distintas
lenguas la misma importancia? ¿Cómo? ¿Qué reglas tipográficas
deberían aplicarse? ¿Qué aspectos técnicos debería considerar,
relacionados por ejemplo con el software y la impresión?
¿Nos acercará el futuro a la composición tipográfica multilingüe?
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Andy_made by mammals
“Made by mammals” es un libro de corte gráfico compuesto de citas de
intelectuales del pasado y del presente, que pretende criticar de modo
racional la religión y su rol en la sociedad moderna. Se han creado
imágenes para acompañar esta información con el objetivo de difundirla
a través de una mayor audiencia. En este contexto, el diseño gráfico juega
un papel importante a la hora de ayudar a concienciar a la gente que
de otro modo no estaría interesada en la religión.
El libro se concentra solamente en las tres religiones monoteístas
principales: Judaísmo, Cristianismo e Islam (a las cuales se adhieren el 54%
de la población mundial), que gracias a su exclusividad y absolutismo,
son causa de muchos de los conflictos del mundo.
El libro busca provocar el pensamiento y la discusión racional acerca de los
problemas causados por estas religiones, especialmente en la gente que no
leería un libro convencional acerca de este tópico. La manera más efectiva
de resumir algunos de los numerosos temas presentados en el libro
es a través de algunas citas que este contiene:
“El Dios Judeo-Cristiano-Islamico participa nanosegundo
por nanosegundo en cada evento que sucede en cada
nanometro cúbico del universo, desde las interacciones
de los quarks dentro de los núcleos atómicos, hasta la
evolución de las estrellas en las más lejanas galaxias.
Y lo que es más, Dios escucha cada pensamiento
y participa en cada una de las acciones de su creación
especial, un micro-trocito de materia organizada llamado
humanidad, que se mueve por la superficie de un minúsculo
guijarro en el vasto universo”.
victor stenger
“made by mammals” es un libro de corte gráfico sobre los problemas
de las religiones monoteístas.
“Cuando un hombre se libera de la religión tiene más
oportunidades de vivir una una vida plena y normal”.
sigmund freud
Para provocar el pensamiento, la reflexión y el debate racional
en torno a la religión.
Para difundir las ideas sobre el tema de algunos intelectuales
que lo han tratado de cerca.
“Si Jesús hubiese sido ajusticiado hace veinte años, los niños que van
a colegios católicos llevarían al cuello cadenitas con sillitas eléctricas
en lugar de cruces”.
A través de la creación de imágenes que ayuden a transmitirlas
y retenerlas estimulando el interés en el argumento.
lenney bruce
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Mª Eugenia_entre volcanes
El juego al igual que las leyendas ha sido una actividad presente en el
ser humano desde tiempos inmemoriales pues como actividad natural
potencia la interacción social con otros individuos, es una forma de
recreación pero también una propuesta de aprendizaje. El juego como
herramienta educativa ayuda a ampliar los conocimientos, el dominio
del lenguaje, la capacidad de razonamiento, planificación, organización
y toma de decisiones.
Entre volcanes es un juego basado en leyendas mexicanas de origen
prehispánico entre la cuales se retoma mitos que explican el nacimiento
y origen de culturas que han marcado la historia del México; sus objetivos
oscilan entre la preservación de la riqueza literaria que nos brindan las
leyendas y la función educativa del mito como enlace entre el hombre
y su raíces.
La mecánica del juego se basa en el estudio del mapa de México así como
de la localización del eje volcánico en donde encontramos a dos de sus
formaciones más importantes el volcán Popocatepetl y el nevado
Iztaccihuatl los cuales comparten una de las leyendas más famosas
y tradicionales en México “ La Leyenda de los Volcanes” convirtiéndose
en la leyenda principal dentro del juego.
El objetivo del juego es descubrir el tesoro que ha sido escondido por el
emperador azteca Moctezuma en el período en que tuvo auge la Cultura
Azteca y que por medio de la aparición de un supuesto códice indica
que el tesoro se ubica entre los volcanes en el municipio de Amecameca
(Estado de México).
“Las leyendas son ese patrimonio de lo imaginario que viene de boca
en boca como arrullo de voces; son ese sortilegio que abriga la
certidumbre de la vida frente al misterio; al cual solo se puede llegar
creando en la imaginación una constelación de seres solo accesibles
en la imaginación”.
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A través de mi tesis quiero estimular el nacimiento de un canal que ofrezca
una alternativa al conformismo. Promover que las ideas y opiniones que
tenemos durante conversaciones, debates, charlas no caigan en el olvido.
Intentar no quejarnos sin fundamento y aportar soluciones a los problemas
que nos rodean.
Javier_alienados
El proyecto Alienados plantea un canal de comunicación para que la gente
pueda expresar opiniones. El funcionamiento de dicho proyecto es sencillo,
se parte de una idea o propuesta la cual se comunica visualmente,
por calles, comercios, de una manera potente y barata.
En los soportes donde esta la comunicación de las campañas (posters,
postales, pegatinas, etc.) siempre irá la dirección alienados.org la cual
nos remite al web-blog que es el núcleo del proyecto.
En la web se explica qué es el proyecto Alienados, cómo se puede participar
en él, el manifiesto, las campañas que se han realizado o se están
realizando, así como textos y vídeos relacionados con ellas.
Pero la parte más importante de alienados.org es el blog. Aquí las personas
pueden exponer sus ideas, criticar las campañas que se han realizado,
aportar medios para campañas posteriores, exponer nuevas formas
de comunicar las propuestas. Es aquí donde empieza de nuevo el ciclo:
idea-campaña-blog. No es un blog para albergar insultos o quejas sin
fundamento, es un blog para exponer problemas e intentar darles solución.
Las dos primeras campañas propuestas son MEDIATIZADAS que plantea
el efecto que ejercen los medios de comunicación sobre nuestras vidas
y SU PUBLICIDAD AQUÍ que crítica la saturación de publicidad a la que
estamos expuestos en las grandes ciudades. Son el punto de partida
del proyecto Alienados y las primeras propuestas de crítica.
La producción se lleva de forma autofinanciada pero se buscarán
aportaciones económicas y de recursos que no afecten a la libertad
del canal.
La ambición del proyecto es que la gente pueda ver las campañas
expuestas, opine sobre ellas, pero sobre todo que quiera expresar y
compartir propuestas para evitar así el conformismo que estamos viviendo.
Gran parte de los medios de comunicación están acaparados
por grandes corporaciones de empresas y organismos públicos.
Si alguna persona quiere expresar su opinión o alguna crítica
de manera masiva le suele costar mucho trabajo y dinero.
Esto provoca que la sociedad se vaya callando frente a las situaciones
y se cree un estado de conformismo generalizado. A todo esto algunos
medios de comunicación existentes, con sus contenidos, no ayudan
a mejorar la situación.
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Enrico_prueba privada
Prueba Privada es un dialogo íntimo entre el hombre y el espacio.
Es un intento de demostrar que otra forma de construir y pensar un espacio
íntimo en un ambiente público, en el que vivimos cotidianamente, es posible,
para garantizar la armonía y la cualidad de vivir.
Mi proyecto ha nacido desde una simple reflexión sobre el concepto
de espacio público y espacio privado, especialmente ahora que estamos
absortos en vivir la ciudad contemporánea, donde la mayoría de los
arquitectos y diseñadores están proyectados a la búsqueda del mínimo
espacio habitable como prueba de autor.
Es una segunda piel, un ejercicio de estilo para interpretar la exigencia
de intimidad en la sociedad contemporánea por medio de una estructura
ligera, fácilmente transportable y montable que cerrándose y abriéndose
crea tu espacio privado.
Es un “Cocoon”, construido en Tyvek , que es una tela no tejida
confeccionada con microfibras de polietileno de alta densidad.
Estas fibras otorgan al producto final una increíble resistencia al desgarro,
a los agentes químicos y la acción del clima.
Doblada con la técnica del origami estructural se configura en un objeto
a escala humana de arquitectura efímera.
prueba privada es un diálogo íntimo entre el hombre y el espacio.
Es un intento para demostrar que otra forma de construir y pensar
un espacio íntimo en un ambiente público, en el que vivimos
cotidianamente, es posible, para garantizar la armonía y la calidad
de vida.
Cómo el hombre vive este ambiente… es cómo es el carácter de un
lugar, lo efímero como nueva arquitectura para nuevos tiempos.
¡En la vida moderna el concepto de lujo, especialmente en las grandes
ciudades, está ligado al espacio que los usuarios tienen a disposición,
poder elegir, la posibilidad de crear un espacio abriendo y cerrando
cuando quiero o necesito. Esto es un lujo, estático y en movimiento,
elegir! Abrir y cerrar como sinónimo de libertad, tomar la decisión,
tener el derecho a modificar el lugar donde se vive.
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Mario_chicha design
Estamos en una época donde el diseño ha llegado a niveles inimaginables
donde el límite más grande es el dominio que uno tenga de un software
cada vez más fácil de usar.
¿Pero qué sucede cuando no existen estos recursos? ¿Dónde queda el
diseño? ¿Hasta dónde llega el límite más próximo? o quizá sería mejor
preguntar: ¿Cómo se hacía antes y/o como se hace donde no hay recursos?
Este es el punto donde la reflexión comienza es entender de dónde venimos
y ser consciente de ello.
Un fenómeno a nivel mundial, sobretodo en sectores populares, es una
muestra de diseño que surge como expresión de la cultura y esta se ve
reflejada en creativas soluciones a problemas específicos ya sean de
comunicación como de función. Es sorprendente ver como una propuesta
gráfica de Latino América, la cual es muy similar a lo largo de toda su
extensión, puede llegar a ser muy parecida en África o en Europa y esto
se da por que inconscientemente se vuelve al uso de las manos y a la
improvisación sobre el lienzo de forma directa careciendo de bocetos
elaborados. Eso une a los hombres como diseñadores y artistas naturales.
Este sería el punto de partida de la tesis, recoger y analizar la información
que existe en el ambiente popular y darle la debida importancia en un
sentido orientado no solamente al rubro del diseño. Con este propósito
se crea un soporte virtual acorde a la tendencia contemporánea del uso
de internet. Este es un blog (www.chichadesign.com) destinado a recolectar
y difundir las distintas expresiones populares alrededor del mundo. Otro fin
es tener un espacio donde encontrar información que sirva de punto de
inspiración. Y por último, lograr encontrar y demostrar similitudes que nos
unan como hombres. En este caso se comenzará con la cultura popular
peruana, más específicamente limeña, a la cual se le denomina hoy en día
cultura Chicha y que tiene muchas expresiones como en moda, música,
prensa, arte y “look”. He de aquí de donde proviene el nombre general
de la tesis.
La principal intención de esta tesis es rescatar los valores populares que
muchas veces pasan desapercibidos y están muy poco valorados en una
sociedad moderna que aprecia el consumismo de la moda dejando de lado
la importancia de las raíces culturales. Buscar inspirarse en esta clase de
improvisación y costumbres. Pero sobretodo tener muy en cuenta que es
muy difícil ser Chicha a la hora de diseñar.
Recoger y analizar la información que existe en el ambiente popular
alrededor del mundo y darle la debida importancia en un sentido
orientado no solamente al rubro del diseño. Con este propósito se crea
un soporte virtual. Este es un blog (http://www.chichadesign.com)
destinado a recolectar y difundir las distintas expresiones populares
alrededor del mundo y lograr unir a los hombres como diseñadores
y artistas naturales.
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“No era una cuestión de glamour que sólo con
7 años me quedara paralizada frente a una vitrina,
donde me llamaba mi nuevo amor, un par de
bailarinas. No era un consumismo frívolo aquello
que me obligaba a llevar a mi padre por todas las
tiendas de México para conseguir unos zapatos
bicolor de los 60’s…
Sharon_ori-kutsu
Esta es la historia de una niña convertida en mujer, diseñadora, y creadora
de una línea de zapatos, que quiere hacerse un regalo y a todos aquellos
que aún sigan pensando que la línea entre la fantasía y poner los pies
en la tierra puede ser tan delgada, como una hoja de papel”.
La sociedad actual, es una sociedad flexible, que está constantemente
en movimiento y cambio por esto busca productos multifuncionales.
Estos productos ya no solo se limitan a cumplir una sola función si no que
poco a poco la transformación de estos se ve dirigida al ahorro de espacio.
Lo mismo pasa con la moda y con el calzado. Esta tendencia hace cada vez
más variada la oferta y cada vez más imposible tener todos los modelos
existentes ya sea por motivos de dinero como por espacio. ¿Acaso no sería
ideal poder tener muchas opciones en una sola caja…?
Para lograr unir estos conceptos se plantea como técnica base el Origami
ya que esta permite transformar la idea de un objeto tridimensional
a uno bidimensional y con esto tener un ahorro considerable de espacio.
De la misma forma, solo que en sentido contrario, el Origami nos permite
construir lo bidimensional en tridimensional.
Con esto se crea Ori-Kutsu que es la amalgama de una técnica milenaria
con necesidades contemporáneas enfocadas a la mujer.
El nombre viene del japonés en donde Ori significa doblar y Kutsu
significa zapato, formándose con esto un concepto de “doblar zapatos”.
La propuesta consiste en brindar a la mujer contemporánea la fácil
creación de sus zapatos permitiéndole decidir el tipo que quiere llevar
ya sea de tacón, cuña o plano. También poder elegir colores, texturas
o añadir accesorios que realcen su vestimenta. Ori-Kutsu es una colección
de 14 pares de zapatos para cualquier ocasión.
Este libro en manos de distintas mujeres puede ser un simple catalogo
de modelos, un juego, una caja de zapatos que se puede usar en algunas
ocasiones, o quizá una vez usado puede ser un diario donde ilustre las
experiencias vividas con el mismo zapato, es decir, cada usuario puede
darle una interpretación muy personal con lo cual cada uno de estos será
una pieza única.
¿Algún día Imelda Marcos y Sara Jessica Parker podrán cambiar su zapatero
por un librero?
ori-kutsu, es la amalgama de una técnica milenaria basada en el
origami con necesidades contemporáneas enfocadas a la mujer.
La propuesta consiste en brindar a la mujer contemporánea la fácil
creación de sus zapatos permitiéndole decidir el tipo que quiere llevar
ya sea de tacón, cuña o plano. También poder elegir colores, texturas
o añadir accesorios que realcen su vestimenta. ori-kutsu es una
colección de 14 pares de zapatos para cualquier ocasión.
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La hipótesis central de la que parte Versus es que vivimos demasiado
deprisa para pensar/reflexionar y ser conscientes de lo que nos afecta,
de qué hacemos, por qué lo hacemos y cómo convivimos en sociedad.
¿Existe la necesidad de desacelerar para conseguir un ritmo de vida más
consciente y equilibrado? ¿Es necesario un tiempo de reflexión y una
búsqueda de significado?
Maider_versus
El proceso Versus como proyecto de diseño quiere responder y dar soporte
a todas estas cuestiones. La propuesta gráfica del diccionario “Vademécum
Versus” dentro del campo del diseño editorial es una herramienta simbólica
de búsqueda, reflexión y conciencia que parte de una reflexión individual
para extenderla a un ámbito social. Formalmente, está compuesto por
palabras y significados dentro del marco Versus.
El proyecto se compone de tres piezas gráficas. El elemento central, es un
diccionario de formato reducido compuesto por una selección de palabras
y algunas de sus definiciones recogidas Diccionario de la Lengua de la Real
Academia Española. La estructura interna del contenido del diccionario
se divide en seis capítulos (uno por cada letra de la palabra Versus).
La composición y juego con los distintos elementos textuales, tipográficos
y formales a lo largo de estas secciones son el vehículo gráfico para la
experimentación de nuevas vías de expresión e interpretación, por lo que,
además de la significación de los conceptos en sí, se crean nuevas
significaciones y vías de interpretación del contenido. El segundo elemento
es algo más funcional y se trata de una colección de postales que sirven
para la difusión del proyecto. Para enfatizar la parte más íntima y humana
del ser frente a la parte más superficial, se ha experimentado en una sesión
fotográfica con el cuerpo humano desnudo como lienzo para la proyección
textual del mensaje. Las fotografías realizadas en esta sesión forman parte
de este segundo elemento. Estos dos elementos (el vademécum y la
colección de postales) van dentro en un tercer elemento de packaging
para reforzar la idea de lectura íntima que anime a buscar e interpretar
los significados del marco Versus.
versus es una confrontación interna del ser.
versus es una búsqueda de significado.
versus es un camino hacia un deseado y necesario equilibrio.
versus es una reflexión sobre las consecuencias de un ritmo de vivir
apresurado e inconsciente.
versus es una experimentación a través del diseño sobre cómo
empezar a encontrar las claves que nos ayuden a vivir mejor.
versus es una herramienta para concienciar sobre la necesidad
de reflexión, de retomar tiempo para uno mismo.
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Observatorio cultural
Dentro del seno de European Design Labs, luchando por conjugar tanto
la parte técnica o práctica, como la parte teórica de aquéllos que son
formados, se propuso la existencia de un espacio teórico capaz de
conjugar creatividad y organización, sensibilidad individual y cultura
colectiva, intuición y exigencias prácticas. Así nació el “Observatorio
Cultural” como parte de la enseñanza del máster. En éste se han venido
proponiendo una serie de ponencias magistrales impartidas por
especialistas en cada una de las diversas temáticas tratadas y un
programa de seminarios los que han venido ofreciendo el apoyo teórico
al desarrollo de las tesis y de los workshops en curso. Aquí hoy, en
nuestras manos, tenemos el resultado de este cruce híbrido de caminos.
Edición y redacción de los textos: Nieves Soriano.
constituirse como problema bioético, asegura un futuro, quizás para hoy día inimaginable, en el que se podría
Pensar y habitar la sociedad del futuro
desarrollar la prótesis como forma de vida médica.
Francisco Jarauta_filósofo
Estos cambios han producido un desplazamiento que nos introduce en un nuevo tipo de sociedad, la sociedad
El ciclo de ponencias Observatorio Cultural, construido como
moderna, que, como señala Zygmunt Baumann, se caracteriza por su carácter líquido, ya no rígido2.
complemento teórico del Master European Design Labs en su edición
del 2007, dirigido y coordinado por Gala Fernández en el Istituto
El carácter líquido de esta sociedad, en el que se diluyen y propagan de forma global las cuestiones
Europeo de Design de Madrid, se inauguró con la ponencia de Francisco
relacionadas no sólo con la economía o el conocimiento, sino con la vida diaria de los ciudadanos, provocará,
Jarauta, catedrático de filosofía en la Universidad de Murcia.
como predecía Francisco Jarauta, un estado en el que las identidades serán globales, esto es, en el que las
diferencias entre un habitante de China y uno de Francia serán mucho más reducidas: ambos crearán
Francisco Jarauta elaboró una visión global sobre la cartografía de las
su imaginario con la misma videoconsola, ambos escucharán la misma música, e incluso ambos podrán
inquietudes de la situación actual del mundo. En los últimos treinta
encontrarse en tiempo real por la red en espacios tales como el de Second Life.
años, desde 1970 hasta hoy día, la situación del tiempo mundial ha
cambiado debido a la introducción de una serie de objetos, herramientas
En la medida en que, como señala el filósofo, “pensamos de acuerdo al sistema de información que
o medios que han revolucionado la situación actual global, desde la vida
utilizamos”, se crearán en la sociedad líquida del futuro espacios en los que se abrirán pensamientos
de los sujetos hasta el planteamiento de los gobiernos. Ahora todo se
que ya no estarán relacionados con una pertenencia a una identidad local, sino que serán comunes a todos
basa en la velocidad, desde el teléfono móvil hasta internet, que produce
los ciudadanos a nivel mundial. Esto se verá favorecido por el hecho de que, a través de la utilización
un tiempo acelerado todavía no asimilado por los sujetos, y que les
de medios como internet, el conocimiento se ha convertido en algo democratizado y accesible a todas las
produce lo que podría llamarse el síntoma de lo moderno: la ansiedad.
personas que tengan acceso a la red. Mientras en épocas anteriores a la actual el conocimiento era algo
Es así como cada uno de nosotros, ciudadanos de la época, vivimos en la
caracterizado por estar normativizado, y tan sólo se podía acceder a él a través de una serie de rituales
brecha marcada por una dificultad para interpretar todos estos cambios.
de seguimiento de la norma, que aseguraban que el conocimiento estaría en manos de unos pocos, hoy día
Sin embargo, como señalaba Zygmunt Baumann citado por Francisco
tan sólo hace falta abrir una página web para llenarse de nuevos inputs.
Jarauta, nosotros somos hoy día los “observadores globales” desde los
que se podrá pensar la época y el futuro. En palabras del conferenciante,
Esto permite que exista un mayor alcance de lo que se ha venido llamando el proyecto, el cual fue
“ésta es una época de la que se necesita tener interpretaciones para
desarrollado desde comienzos del siglo XX, con Mies van der Rohe o Le Corbusier para pensar la casa
poder hacer las revoluciones del futuro”, y la ausencia de estas
del futuro, y es a través de los proyectos, que son prospectivas, como se construyen las formas de pensar
interpretaciones es la que marca las dificultades que desde los últimos
nuestro futuro.
treinta años se tienen a la hora de interpretar el futuro. Claro ejemplo es
el de las instituciones que se crearon en los años ’70, con sedes en Texas,
Tokio y Hannover, cuya tarea era la de predecir o dar prospectivas de cuál
sería la situación mundial en el año 2000. Ninguno de estos institutos de
investigación, ante los cambios tan acelerados de la época, pudo llegar a
imaginarla existencia de los tres factores que Manuel Castells identificó
en el primer volumen de La era de la información: La sociedad red 1,
como señaló Francisco Jarauta. Por un lado, la construcción y utilización
de un aparato hoy día tan necesario en la forma de vida moderna
como es el teléfono móvil. Tampoco pudo imaginarse el hecho de la
democratización del ordenador, que en la época tan sólo existía como
herramienta militar. Y, por último, tampoco se pudo hacer predicción
alguna de lo que es hoy día internet, y del cambio que ha supuesto
en las formas de vida.
Por otro lado, no fue imaginable, desde el punto de vista de la
1_Madrid, Alianza, 1997.
2_Modernidad líquida, Buenos Aires, FCE, 1999; Amor líquido, México DF, FCE, 2005;
Vida líquida, Barcelona, Paidós, 2006; Miedo líquido. La sociedad contemporánea
y sus temores, Barcelona, Paidós, 2007.
neurociencia, la existencia de la clonación real, que trajo a colación
el filósofo en su conferencia a través del caso de la oveja Dolly.
Y la cuestión de la neurociencia, poco desarrollada hoy día, por
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Comunicación, Fábrica y Colors
Renzo di Renzo_director de fabrica y directo jefe de la revista colors
Resulta de especial interés el proyecto llevado a cabo en el número 56
de Colors dedicado a la Violencia. En él pueden observarse, a través
de fotografías especialmente sugerentes y comunicativas, diferentes
Renzo di Renzo llegó al ciclo del Observatorio Cultural para hablarnos sobre qué significa y en qué consiste
formas de violencia en el mundo que hablan de la guerra, de la ablación,
el proyecto de Fabrica y cómo se ha venido materializando hasta hoy día la revista Colors.
de la pena de muerte, etc. Y este proyecto se une al realizado por Fabrica
Cinema en el 2001 con la participación en la producción de la película
Fabrica se constituyó desde su nacimiento como un centro de investigación en torno a la comunicación,
No man’s land –galardonada con un Óscar a la mejor película
1
nacido de la iniciativa de Benetton, que diese un lugar de expresión a los jóvenes creadores . Situado en la
extranjera–, en la que se narran las situaciones humanas de convivencia
ciudad de Treviso, en su centro se reúnen personas de menos de 25 años que se dedican, sin clase teórica
pacífica entre un serbio y un croata encontrados en un territorio que
alguna, a trabajar en proyectos concretos y creativos. De sus cabezas nacen las iniciativas que colaboran
es “tierra de nadie”.
con las diferentes disciplinas tratadas por Fabrica: Fabrica Cinema, Fabrica Musica, Fabrica Fotografia, etc.
Y, por último, cabe reseñar de entre los proyectos expuestos tan
De entre los proyectos llevados a cabo desde Fabrica nació la revista Colors2, en la que, en torno a una
lúcidamente por Renzo di Renzo el dedicado a la relación que tenemos
temática en concreto, se trata en cada número de reflexionar desde un punto de vista ético, con imágenes
en el día a día con la comida, y que dio lugar al libro 2398 gr. A book
o proyectos de comunicación, sobre la cuestión planteada. Como el mismo Renzo di Renzo señaló en la
about food. En él se expone a través de una serie de fotografías cómo
ponencia, la comunicación ha venido siendo tratada injustamente en base a un número concreto de proyectos
la comida se convierte en fetiche de los rituales diarios asociados a la
realizados desde la misma. Y éstos hacen referencia al hecho de realizar publicidad asociando sensaciones
cultura, cómo nos ayuda a comunicar, y cómo se asocia a cuestiones
al producto –el que es atractivo por tener el coche con mayor motor, por ejemplo– en vez de asociando ideas
psicológicas y sociales que la transportan a un lugar donde deja de ser
al mismo. La comunicación, así, debe sugerir, debe hacer pensar, reflexionar al que la observa, consiguiendo
meramente el objeto de satisfacción de una necesidad básica.
que ese espectador en su vivencia futura asocie ese pensamiento al producto. Esto no crea las condiciones
para el pensamiento plano, sino que presupone y educa al espectador en la configuración en su cabeza
Todo ello, así como los esenciales proyectos llevados a cabo desde
de una forma de pensamiento. Y ésta es la intención desde la que parte tanto Fabrica como la revista Colors.
Fabrica, ha sido recogido a través de 2500 ilustraciones que configuran
el libro Fabrica 10. From chaos to order and back, que conmemoraba,
Los productos visuales creados desde este tipo de idea abren las fronteras de la funcionalidad encorsetada
en el 2004, el décimo aniversario de la existencia de ese innovador
de la imagen que ha venido dando la comunicación que no incita a la reflexión. Es por ello que una fotografía,
espacio de investigación y reflexión en torno a la comunicación.
como la que forma parte de la portada del primer número de la revista Colors: It’s a baby, realizada por Oliviero
Toscani pasó de ser una imagen publicitaria de Benetton, en su campaña a favor de la diversidad y las nuevas
apuestas, a ser una imagen utilizada como representativa de la maternidad contemporánea en una exposición
realizada en Holanda en torno a la presencia de los motivos de la maternidad a lo largo de la historia del arte.
La relación entre Fabrica, Colors y las reflexiones e ideas se evidencia a lo largo del planteamiento de sus
proyectos. Entre ellos es interesante resaltar el realizado junto a la asociación Greenpeace, materializado,
entre otras cuestiones, en el número 33 de Colors, dedicado a Venecia. Se trata de denunciar los problemas
asociados a la ciudad para concienciar a sus habitantes: el turismo desbordante que produce situaciones
provechosas desde el punto de vista financiero, la presencia masificada de palomas, etc.
También resulta interesante el proyecto que se llevó a cabo desde Fabrica con la asociación francesa
Reporters sans frontières en el cual se describe desde dentro la complicada situación de los reporteros,
los cuáles tratan de brindar una información real sobre los acontecimientos que ocurren en un lugar concreto
–entre ellos la denuncia de los abusos a los Derechos Humanos–, pero que son en la mayor parte de las
ocasiones censurados por diferentes razones que tienen que ver con la economía y con la política.
1_http://www.fabrica.it/
2_http://www.colorsmagazine.com/
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El papel del diseño en el no-lugar
Marc Augé_antropólogo. ehess. paris
A la hora de analizar el papel, tanto ético como político, del diseño en el mundo actual, en el seno del
Otra de las características de ese mundo global es el hecho de que, a través de los no-lugares, desaparece
Observatorio Cultural se invitó a realizar una reflexión sobre la cuestión al reputado antropólogo Marc Augé.
el espacio donde se forma la opinión pública, aquel ágora de los antiguos griegos. Son ahora los medios
de comunicación los que administran ese no-lugar en el que se crea una opinión unificada que anula la
Como el autor señalaba, para poder conocer las condiciones del diseño en la sociedad contemporánea,
posibilidad de existencia de ese concepto clásico en la evolución de las ciudades que había sido la “opinión
resulta especialmente necesario realizar un análisis detallado y consciente de cómo funciona y cómo se
pública”. En este sentido el diseño ha contribuido a cumplir una función unificadora, por ejemplo, a la hora
organiza esa sociedad.
de concebir la ciudad como lugar configurado desde la presencia de unos cuantos edificios significativos,
llamativos, pero que se banalizan hasta el punto de que no responden a las necesidades de los ciudadanos.
Actualmente vivimos en un mundo que ha cambiado totalmente, un mundo que los teóricos de la sociología
han venido llamando global, sin fronteras, líquido. Esta globalidad produce, como señala el mismo Marc,
2. La mutación mediática se ha producido, y en esta cuestión el diseño gráfico, la ilustración han contribuido
dos efectos sociales generales y nuevos: por un lado tenemos una mayor homogeneización, y por otro lado
intensamente, de manera que se han multiplicado las imágenes y los mensajes que unifican la opinión
tenemos unas mayores condiciones puestas para la exclusión, que va creando una distancia cada vez mayor
y el gusto. Es en ese punto donde los medios de comunicación confunden el espacio público con el espacio
entre ricos y pobres, entre saber e ignorancia. Ante la situación actual se ha desarrollado, desde la conciencia
de lo público, siendo el público más seducido por el consumo que informado.
crítica, una visión planetaria inquieta, preocupada por el espacio reducido que compartimos cada vez más
gente, y que tratamos de manera inadecuada.
La comunicación está relacionada hoy día, desde el punto de vista filosófico, con lo que Hegel llamaba
“fin de la historia”. El reino actual de lo instantáneo alimenta la ideología del presente, de la existencia
y consideración tan sólo del mismo, olvidando la cuestión del pasado, y la cuestión de que desde el presente
1. Las tres mutaciones del mundo actual
se construye un futuro.
En el mundo global se han producido tres mutaciones: la mutación geopolítica, la mediática y la espacial.
Y son estos tres aspectos los que están relacionados unos con otros, y los que atienden a la bipolaridad
3. Por último se puede observar en el mundo contemporáneo una mutación espacial en la que, a nivel global,
homogeneización-exclusión antes nombrada:
la política y la economía de las ciudades, de los paises ya no depende de sus fronteras, sino que se encuentran
desplazadas a unas grandes metrópolis mundiales que constituyen una especie de “meta-ciudad virtual”,
1. La mutación geopolítica se ha producido fundamentalmente en el acto de borrarse las fronteras entre los
en términos de Paul Virilio.
paises, quedándose el mundo abierto, cambiándose lo local por lo global, a través fundamentalmente de la
introducción de las tecnologías de la imagen, en las que el diseño ha tenido un papel fundamental.
Es así el mundo una ciudad inmensa donde existen los mismos productos. Y este mundo-ciudad se extiende
cada vez con más fuerza. Sin embargo, es en él mismo donde se encierran las ciudades-mundo, que crean,
Más allá de la permutación misma de lo local por lo global han nacido también una serie de espacios de
dentro del mismo, los espacios privados de exclusión antes nombrados. Así surgen las ciudades privadas,
consumo y de circulación que, por su globalidad, y por su ausencia de pertenencia a un espacio real, son
los barrios privados, los sectores de lo público, de la ciudad, donde no se puede entrar ni salir si no se tiene
denominados por Marc Augé los no-lugares.
la identidad de pertenencia.
En estos espacios sin fronteras nace la condición de una homegeneización, de una uniformidad que nos lleva
por un lado a conocer todo aquello que significa la alteridad, y por otro a identificarnos con la misma, porque
esta uniformidad se extiende y nos hace crear identidades que van más allá de las fronteras.
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tipología se sitúan los textos del autor o los que giran en torno a su obra
En torno a Irma Boom
en una cubierta con la que se recubre el libro, y que, una vez retirada,
Irma Boom_diseñadora de libros
se convierte en póster.
Irma Boom, a pesar de haber diseñado en diferentes formatos y con
Por último, una tercera técnica de creación de discurso de entre las
diversos materiales a lo largo de su carrera, se califica a sí misma,
mostradas en la ponencia nos enseña cómo a través de la impresión
como bien hace remarcar en la conferencia, una diseñadora de libros.
de una imagen o unas palabras en la parte opuesta al lomo del libro,
compuesto por el conjunto de las hojas sueltas en sí, se puede dar
sentido al conjunto de la obra. En Inside/Outside puede leerse cada
1. Diseño de libros y creación de discurso
una de las letras en esa parte opuesta al lomo dependiendo de si se
Los libros que Irma Boom diseña suelen contener en su interior material
comienza el libro por el principio o por el final, y cada una de ellas
visual, que se complementa, en ocasiones, con material escrito. Bien sea
dedica el espacio que acoge en su seno para mostrar la obra de interior
un libro para un artista, tal como el que diseñó para Otto Treumann
o de paisajismo realizada por Petra Blaisse. En el libro dedicado a la
(2000), bien sea un libro para una compañía como el diseñado para SHV
celebración del centenario de SHV, la impresión de cien líneas de colores
(1996), todo material que produce Irma Boom va acompañado con
sobre esa parte del libro representa discursivamente cada uno de los
genialidad de la huella de la diseñadora. Es por ello que, en respuesta a la
años que se celebran.
crítica de Otto Treumann a su libro, con la que acusaba discretamente a
la diseñadora de distorsionar con ese libro la percepción del espectador
de la obra de Otto, Irma Boom respondió que era “su libro sobre él”. Y es
2. Irma Boom más allá del diseño de libros
que ella trabaja conociendo y siendo consciente de qué significa hoy día,
Más allá del diseño de libros, Irma Boom también ha realizado y realiza
inspirándose teóricamente de la historia, ser una diseñadora de libros.
otros trabajos de diseñadora.
Para Irma Boom cada libro en su conjunto se convierte en una colección
de curiosidades. Éstas pasan a sus manos en su carácter fragmentario
Uno de los más importantes fue la elaboración de un diseño para una
y disperso, y ella, en su tarea, trata de darles un discurso en su conjunto,
serie de monedas de plata y oro en el año 2006, año que conmemoraba
como el que puede tener una exposición de arte.
el 400 aniversario del descubrimiento de Australia por parte del capitán
holandés Willem Janszoon. En este diseño Irma Boom plantea en una
Abrir cada uno de los libros diseñados por Irma Boom es como visitar
cara de la moneda el perfil de la reina actual de Holanda, y en la otra
un pequeño cuarto ordenado lleno de las maravillas del mundo, como
cara un perfil de la isla de Australia, estando ambas unidas por
las que podía brindar Marco Polo a un coleccionista tras sus viajes.
múltiples líneas trazadas imaginariamente, cual paralelos y meridianos
Ella crea el discurso sobre las mismas, utilizando diferentes técnicas
alternativos, que evocaban tanto las relaciones actuales como la
que permiten que el libro hable no sólo a través de la palabra escrita
cartografía de los viajeros de antaño.
que pueda incluir en su seno, sino a través de la composición de lo visual.
Otro de sus grandes proyectos de diseño fue una serie de tarjetas
Una de las técnicas de discurso recurrentes en la forma diseñada por
telefónicas dedicadas a la cuestión europea. En ellas se podían observar
Irma Boom para los libros es la utilización de una apertura/recorte con
relaciones e interactuaciones de diferentes niveles entre personas más
forma circular en cada una de las páginas, la que permite mostrar en
allá de las fronteras. Es clásico el diseño de la tarjeta Euro Mix, en el que
una imagen un fragmento –elegido de forma consciente– de la imagen
se observan dos mujeres unidas por sus lenguas, o el de Euro Cult en el
que se sitúa en la página anterior o posterior. Ésta se encuentra
que se puede observar a Miterrand hablando con el primer ministro
presente en el libro con la obra de Petra Blaisse, Inside/Outside,
holandés sólo a través de la gesticulación de sus bocas, ya que la parte
y en el Vitra Work Spirit Book (1998).
superior del rostro, que incluye los ojos, no se detalla.
Otra de las técnicas principales de discurso que Irma Boom ha utilizado
en libros tales como el dedicado a la obra de Ange Leccia ha sido la
construcción de un metadiscurso a través de la utilización de papel A3,
que, una vez desplegado, nos hace establecer un diálogo entre las
diferentes caras mostradas. En la serie de libros construidos con esa
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141
y realizaron, aparte de la revista, otros proyectos de diseño para
En torno a la Revista Rojo
grandes empresas como Smart o Nike.
David Quiles Guilló_co-creador de la revista rojo y de rojo®
En el seno del ciclo de ponencias del Observatorio Cultural se dedicó
2. ROJO® hoy día
un espacio abierto a la reflexión sobre el modelo de la Revista Rojo1,
ROJO® hoy día es, como ya ha sido señalado, una organización
para la cual fue invitado David Quiles Guilló, uno de los tres creadores
independiente que se dedica a la difusión del arte y de los artistas
de la misma, junto a Alejandra Raschkes y Maria Ana Moura.
en ese contexto internacional creado a lo largo de sus últimos seis años.
Habiendo nacido en Barcelona, posee hoy dos sedes, Barcelona
La Revista Rojo hoy día es el medio de difusión de ROJO®, por realizar un
y São Paulo. El proyecto central de ROJO® sigue siendo la Revista Rojo,
contexto regresivo, que se constituye como un espacio de una galería
a través de la cual se siguen difundiendo, en números monográficos
de arte itinerante, siendo uno de los focos principales de difusión del
en torno a un concepto, las obras de artistas conocidos o nóbeles,
arte y de los artistas en un contexto ampliamente internacional.
siguiendo el precepto de ser tan sólo visual. La revista hoy día ha
conseguido una difusión y distribución en treinta paises del mundo,
no sólo de la Unión Europea y en Estados Unidos, sino llegando a
1. En los orígenes de la Revista Rojo
fronteras tales como Turquía, Israel, Australia, Corea del Sur, China
En el año 2001 nació la idea de elaborar esta revista con la misma
o la India, por citar algunos ejemplos. De esta forma se ha convertido
intención que tiene hoy día: la de convertirse en una plataforma de
en uno de los puntos clave de referencia a la hora de conocer el ámbito
encuentro y difusión de artistas, fuesen cuáles fuesen sus orígenes,
del arte a escala mundial.
trabajos o inquietudes. Así, se realizó una versión impresa de la misma
en la que se incluían, en esa primera etapa, no sólo la obra de artistas,
Pero aparte del proyecto de la Revista Rojo han ampliado los horizontes
sino textos materializados en cualquier tipo de “género literarios”,
de difusión, realizando la publicación hoy día de monográficos
desde entrevistas, hasta recetas de cocina o textos sobre arquitectura.
dedicados a algunos de los artistas que más han colaborado con ellos,
Los textos, llegados de cualquier parte del mundo, tenían la peculiaridad
entre ellos Fupete, Chet Purtilar o Catalina Estrada.
de que eran publicados en el idioma original. Esta cuestión marcó los
orígenes del carácter abierto de fronteras, propiamente internacional,
A su vez, están abriendo los llamados Artspace en los que, en galerías
que posee hoy día. Esta revista se distribuía gratuitamente,
situadas en diferentes ciudades del planeta, se pueden exponer la obra
convirtiéndose en un proyecto que acompañaba a las gentes en sus
de entre los artistas que colaboran con ellos. Hoy día están abiertos
tareas diarias –aquellos que entran en un metro para ir a trabajar,
al público el de Barcelona, São Paulo y Rosario, y serán de apertura
aquellos que caminan para realizar la compra, etc–. Es más, se
inmediata el de Los Ángeles, Milano y Berlin.
caracterizaba por la cuestión de que, en la medida en que cada
número se construía sobre cuatro versiones, con cuatro portadas
Por último, realizan una tarea revolucionaria para hacer evolucionar
diferentes, animaba esos quehaceres diarios con la tarea detectivesca
el arte aurático en vistas al arte del futuro. Producen obras de los
del coleccionista.
artistas en formato digital impreso sobre poliéster, lo cual permite
vender y difundir en exposiciones la obra realizada en formato de un
Tras esta primera idea, se abrió paso a una segunda fase en la que
único ejemplar a través de un camino más hacia el arte en la época
se realizó un cambio radical de la misma: ya no sería una revista
de la reproductibilidad, que Walter Benjamin nombraba.
de distribución gratuita, sino que se lanzó al mercado bajo una idea
conceptual. Cada número debía centrarse en un concepto, existente
o creado, que inspirara o diera cierto discurso de unión impresionista
a lo que dentro se albergaba. Los materiales incluidos, para que la
revista tuviese un contexto más internacional, ya no se construirían
sobre palabra escrita alguna –ya que éstas crean identidades y
diferencias que pueden incluir o excluir–, sino que todo lo que debiera
ser expresado debía hacerse a través de la imagen. A lo largo de esta
fase se constituyó como organización independiente, ROJO®,
1_Para conocer más sobre la revista http://www.rojo-magazine.com/
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En torno a la obra de Joana Vasconcelos
Joana Vasconcelos_escultora del diseño gráfico
A lo largo de la activa e intensa ponencia que ofreció Joana Vasconcelos
2. Airflow (2001) es una pieza perteneciente a la colección Vítor
a propósito del ciclo del Observatorio Cultural, se pudo apreciar el valor
Assunçao de Lisboa, heredera de Wash and Go, que sigue el mismo
teórico, explicado a través de sus palabras, que acompaña a su obra.
esquema que ésta. Una serie de corbatas de seda natural insertadas en
Joana Vasconcelos, como ella misma se califica, es “una escultora del
una estructura desde la que surgen soplos aleatorios de aire, lo cual
diseño gráfico” nacida en París, pero que trabaja actualmente en Portugal.
hace mover las corbatas produciendo oleadas de la llamada “generación
de tridimensionalidad de la tridimensionalidad”.
1. Teoría crítica y práctica activa en la obra de Joana Vasconcelos
3. Kidsland (2001), perteneciente al Hospital Pediátrico Holandês, es una
El interés de su obra se centra principalmente en que tiene una fuerte
pieza compuesta de una banda giratoria sobre la que se sitúan juguetes
raíz de crítica política. Cada pieza se encuentra arraigada a una temática
que van siendo elegidos por los padres dependiendo de la profesión
de actualidad que resulta de interés y preocupación comunes. Como ella
que predeterminan, eligen y con la que encorsetan a sus hijos, al igual
misma ha ido explicando, y como se detallará en líneas sucesivas, el arte
que a ellos mismos: una guitarra para el músico, una moto para el
se convierte en una forma de ética, a fin de cuentas, la estética y la ética
motorista, etc.
en su obra se unen, como ya predecía Wittgenstein para el arte del siglo
XX, prolongada al siglo XXI. Y es que el arte como producto cultural,
4. Burka (2002), perteneciente al MUSAC de Léon, es una pieza textil
al igual que puede ocurrir con otros ámbitos de la cultura como la
compuesta por diferentes trajes de mujer de diversas culturas que
literatura, la fotografía o el cine, se convierte en un producto con una
utilizan como forma de identidad. Entre ellos, y de ahí sobre todo el
forma concreta que nos habla no sólo del trasfondo del autor, sino del
sentido crítico de la pieza, la cabeza se compone de un burka. Esta pieza
trasfondo de la época a la que el autor pertenece. Así pues, Joana
textil se eleva hacia el cielo, cual el auriga platónica que, a través
Vasconcelos critica la consideración de la mujer como objeto y
del amor, nos conduce a la verdad, como señala la propia Joana
reivindica la igualdad de la misma para todas las sociedades con obras
Vasconcelos. Sin embargo, nunca llega a tocarla, porque vuelve a caer
como Spin (1999), Fashion Victims (2001), A novia (2001) o Burka (2002),
de nuevo hacia los suelos. Y nunca llega, porque ese traje que identifica,
siendo éste uno de sus mayores temas de preocupación; critica la
oprime y no abre a la igualdad.
programación de la vida y la carrera que los padres hacen de los hijos
con Kidsland (2001) o critica el trato vejatorio que en ocasiones hacemos
5. Passerelle (2005), perteneciente a la colección de la artista, es una
los seres humanos a los animales, lo que puede ser extrapolado al medio
pieza compuesta de una cadena sobre la que se encuentran colgados
ambiente, con Menu do dia (2001), Passerelle (2005) o A Matilha (2005).
diferentes perros de cerámica de lujo, perros que pertenecen y
representan las razas de pedigrí. Éstos, cuando la cadena comienza
girar, y conforme se van chocando unos con otros, se rompen en trozos
2. La obra de Joana Vasconcelos
y destruyen. Critica así la obra el maltrato que tenemos con los animales
De entre las piezas explicadas por Joana Vasconcelos a lo largo de la
que nos acompañan.
ponencia, se recogen aquí las más representativas tanto de la escultora
del diseño gráfico, como de la intencionalidad de su obra:
6. Dorothy (2007), perteneciente a la colección de la artista, es una pieza
que representa un zapato gigante hecho con tapas de diferentes
1. Spin (2001) es una pieza que pertenece a la colección Mario Sequeria
cacerolas de aluminio o acero inoxidable. Estas cacerolas, vistas desde
en Braga. Está compuesta de un espejo rodeado de una gama diversa de
lo lejos, dan una idea de que el zapato está hecho con lentejuelas
secadores que apuntan hacia la persona que se mira. Estos funcionan
gigantes. Esta obra se une a las anteriores en las que critica la condición
como pistolas de aire frío que apuntan hacia la persona que se mira,
de la mujer, que esta vez es por un lado ama de casa, y por otro, de cara
de tal forma que en vez de peinarla, la despeinan. Así, la funcionalidad
a lo social, objeto que debe decorarse con tacones para llamar
tanto del espejo como del secador es cambiada, y se convierte en una
a la belleza.
forma de crítica que habla de aquella sombra oscura que también
se esconde tras la belleza, o tras la necesidad de aparentarla.
Para conocer su trabajo http://www.joanavasconcelos.com
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En torno a la obra de Nous Travaillons Ensemble
Valérie Debure_miembro de nous travaillons ensemble
Valérie Debure colaboró en el ciclo del Observatorio Cultural para hablar de la organización de la que es
2. Para la asociación Emmaüs Nous Travaillons Ensemble ha realizado
miembro, Nous Travaillons Ensemble, y del trabajo y la producción que tienen desde la misma.
también una serie de carteles que tratan de sensibilizarnos de los
prejuicios que tenemos con respecto a los sin techo. Cada uno de ellos
Junto a ella, componen Nous Travaillons Ensemble Isabelle Jego, Ronit Meirovitz y Alex Jordan. Todos juntos
está dedicado a un concepto que tenemos sobre los mismos, y este
trabajan en una organización que se define en su mismo centro en base a unas ideas del ámbito de lo social
concepto, para que sea puesto en duda, y, por tanto, podamos repensar
y lo político muy concretas: como la misma Valérie señaló, su trabajo no va dedicado a empresas privadas,
sobre él, está escrito de forma interrogativa: “Fainéants?”, “Logés?”,
sino a asociaciones y Organizaciones No Gubernamentales que luchen porque sea justo en el cumplimiento
“Baratineurs?”, “Asistes?”, “Nomades?”, “Rassasiés?”, “Encombrants?”
cada uno de los postulados éticos presentes en la vida, así como colaboraciones con algunas campañas del
y “Financeurs?” componen la serie.
gobierno que están dedicadas a la sensibilización. Así pues, colaboran con la asociación Emmaüs, dedicada
a la lucha contra la pobreza, la exclusión y la opresión, han colaborado en campañas de educación y de
3. Mon corps, j’en prends soin es el cartel para una exposición realizada
integración que ha llevado el gobierno en barrios de las afueras parisinas como Aubervilliers, en campañas
en Villetaneuse en el 2007 en la que se trataba de sensibilizar a los niños
de sensibilización como la que se llevó a cabo para mantener limpia la ciudad de Nîmes, la llevada a cabo
y los jóvenes sobre la importancia de la higiene, la salud y la
para sensibilizar a los jóvenes de utilizar el caso en la motocicleta, o la que educaba a los jóvenes en la
alimentación para nuestro cuerpo, que nos va a acompañar día a día
utilización del anticonceptivo, y contra la violencia de género.
durante toda nuestra vida.
1. Nous Travaillons Ensemble y los espacios de la resistencia
en el 2006, habiendo sido ésta una de las ciudades en las que se hicieron
Nous travaillons ensemble pertenece y se configura como uno de los lugares propios de la actualidad, en el
más protestas contra el gobierno en los días de la quema de coches
sentido de lo moderno. Vemos ahora, como vimos en la ponencia de Francisco Jaruata los aspectos positivos,
a raíz de los problemas de exclusión internos a la sociedad francesa.
los que son negativos de la máquina del sistema global. Y es que ésta, en ocasiones, no considera aquello
En él puede verse cómo una misma imagen compone el rostro de una
que resulta ser el carácter de lo humano desde el punto de vista antropológico: dejar al lado la ley de la selva,
persona joven y una persona mayor, de la modernidad y lo clásico,
y hacer leyes, quizás en un pacto social que identificaba Rousseau, que nos aseguren una vida justa a cada
y ello reivindica el pacto y la paz entre las generaciones.
4. Bonne Année à tous es un cartel realizado para la Ville de Bagnolet
uno de los que componemos la humanidad. Así surgen plataformas, pensadas como espacios de la resistencia,
que protestan haciendo ver que es necesario también tener en cuenta las desigualdades del sistema, y el
medio que habitamos. Y qué mejor que una imagen, directa y sugerente, trabajada desde el diseño gráfico,
para democratizar la sensibilización para paliar esas desigualdades.
2. La obra de Nous Travaillons Ensemble
Se han seleccionado las obras más relevantes de entre las mostradas y explicadas por Valérie Debure en la
ponencia, aquéllas que permiten hacernos una idea de qué es y en qué consiste Nous Travaillons Ensemble:
1. Para una campaña de sensibilización hacia los problemas tan presentes en la Francia de hoy día como son
la existencia numerosa de los “sin techo”, el aumento del analfabetismo y la precariedad laboral, realizaron
para la asociación de Emmaüs una serie de carteles en los que se repite un mismo motivo: la existencia de una
persona en rojo sobre el suelo, simbolizando su estado de desolación: “L’été... la mort”, dedicado al número
de muertes en verano de los “sin techo” debido al cierre de las entidades del gobierno que se dedican a darles
abrigo o comida; “L’illetrisme… l’exclusión”, dedicado al problema del analfabetismo incipiente que crea mayor
número de desintegración y “Le travail… la précarité”, dedicado al problema del trabajo basura actual que no
brinda dinero ni para pagar la vivienda, son los tres carteles que pertenecen a la serie.
Para saber más ver http://noustravaillonsensemble.org
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Cinemart
Jordi Mollá_actor, director, escritor y pintor
Jordi Mollá, en su hálito por la lucha pluridisciplinar, presentó para
Es de esta forma como los objetos, las situaciones sacadas de contexto,
el Observatorio Cultural una clase magistral en la que expuso el
mezcladas, recicladas, adquieren un significado diferente que
significado y las diferentes connotaciones de lo que el actor y director
acompaña al nuevo punto de vista. Son fragmentos que quizás antes
viene llamando en el desarrollo de sus proyectos “Cinemart”.
de ser unidos entre sí creando un discurso carecían de sentido.
Sin embargo, al componerlos juntos comienzan a adquirirlo.
1. En los orígenes del Cinemart
En ese punto es donde la historia comienza a dejar de tener razón de ser
Cinemart hace referencia, en el híbrido que presenta la palabra misma,
de por sí, cuando deja de ser una armadura que constriñe el expresarse
a una manera de hacer cine en la que se apuesta por una forma de arte
libremente de las imágenes en solitario. En el cinemart no existe historia
novedosa, perteneciente a la cultura contemporánea. Si el cinema ya
a priori que condicione los objetos, sino que aquélla se construye con el
presentó en su día una apertura al número de siete de las artes,
diálogo de estos mismos. En él no existe, por carecer de antemano de las
cinemart abre nuevos lenguajes para el mismo.
barreras que pone el concepto, una forma de pertenencia, y, por tanto,
no existe una forma de identidad. Así, el Cinemart se compone, como
De la misma forma lo había hecho su gran antecesor, el Videoarte, años
ya se señalaba, de fragmentos elegidos de situaciones muy diversas,
atrás. Éste ya proponía, desarrollado por artistas tan decisivos como
no coincidentes, de formas de grabación distintas, con iluminaciones
Nam June Paik, la utilización de las formas de arte aplicadas a las nuevas
no convergentes, personajes no unívocos, etc.
artes surgidas a raíz de analogización, y más tarde digitalización del
mundo. Así, se trató de hacer arte a través del video, es decir, videos
Múltiples son las composiciones del conferenciante en este campo
artísticos en los que no existiese forma establecida a priori dentro
que cada vez va cultivando con mayor ahínco como forma reivindicativa
de los marcados por los cánones del video clásico, definido desde
de esa cara nueva de la que dota el Cinemart al cine. Entre ellas se
el cinema. Fue de esta forma como se pudo trabajar, al igual que con
encuentra Ahhhhh!, en la que se experimenta con el video y la creación
el arte pictórico, la existencia de conceptos de visualización
musical a través de los gritos de varias mujeres, Portraits of USA, en la
y entendimiento inmediatos.
que se presentan fragmentos unidos de situaciones estadounidenses
que describen fragmentariamente el país o Recognition, en el que se
observan dos amantes que no se acaban de reconocer el uno al otro.
2. El concepto “cinemart” y su alcance interpretativo
Gran parte de los mismos pueden encontrarse disponibles en Youtube.
La palabra “cinemart” hace referencia, así, a una forma de hacer
películas en la que el orden direccional de las mismas cambia con
respecto al orden habitual de construcción que se aplica a ellas. Si en la
realización de un film en primer lugar se escribe un guión que después
será desarrollado y grabado hasta llegar a obtener la propia película,
en la realización del cinemart en primer lugar se graban fragmentos que
proceden de contextos muy diferentes, y después, en base a los mismos
y a la sugerencia que al artista produzcan, se mezclan unos con otros
hasta crear un discurso, que podría asimilarse al guión del film.
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2. La Casa Encendida. Modelo de proyecto de gestión contemporáneo
La Cultura del Proyecto
La Casa Encendida nace como espacio financiado económicamente por
José Guirao_director de la casa encendida
la obra social de Caja Madrid con dos condicionantes previos. El primero
de ellos es la cuestión del espacio, y el segundo es la cuestión de la
José Guirao ofreció para el Observatorio Cultural una ponencia llena
temática: para proyectar La Casa Encendida se tenían que trabajar
de referencias, ideas e inquietudes en la que trató de marcar los hitos
cuatro ámbitos necesariamente, el cultural, el social, el educativo
fundamentales, desde el punto de vista de la gestión del arte y la
y el medioambiental.
cultura, para la construcción y el pensamiento de un proyecto como
ha sido La Casa Encendida, que viene sirviendo actualmente como
Y es en base a esos cuatro ámbitos en el que se piensa, desde la
ejemplo de institución cultural.
dirección del mismo encargada al propio conferenciante, en la cuestión
de brindar un pensamiento, un discurso que le permitiese convertirse
en un lugar en el que no sólo se realizasen actividades, sino en el que
1. Contexto cultural en la gestión del proyecto contemporáneo
se hiciesen bajo unos preceptos que les diesen sentido.
A la hora de pensar hoy día el proyecto de gestión de un centro cultural
en el contexto de la España contemporánea es necesario recurrir
Es así como se creó el centro de formación, que suplía la cuestión
a la historia de los proyectos, miradas y gestiones que se han venido
cultural, educativa y social de la filosofía que estaba a la base del
llevando a cabo en el país desde la salida de la dictadura.
proyecto. En éste se ofrecen una serie de talleres de corta duración
en los que se potencia que el público se forme, y que conozca, en una
Cuando se abre un panorama tal para España en el que se pasa del
ciudad tan amplia y dispersa como Madrid, a gente que tiene los mismos
aislamiento con respecto Europa y al mundo, a la apertura y la libertad,
o cercanos intereses.
se optó, desde los mismos finales de los ’70, por una contextualización
con respecto al arte dentro de las posturas de lo contemporáneo que
Por otro lado, se creó un centro de recursos en el que se atendía a la
habían estado invisibles para el país. Fue desde estas coordenadas
parte cultural y educativa, compuesto por una biblioteca –condicionada
que museos tales como el Reina Sofía o el IVAM fueron adquiriendo
por la cuestión del espacio–, una hemeroteca, una mediateca y un
una serie de fondos de colección permanente en los que se apostaba
laboratorio de audiovisuales –fotografía, radio y multimedia– en el
por el arte contemporáneo. Así el IVAM, por ejemplo, apostando por las
que los interesados pueden realizar sus composiciones.
vanguardias de comienzos del siglo XX fue coleccionando una serie de
nombres y obras que, a pesar de no estar dentro de las más conocidas,
También se realizó, para atender a la parte cultural, un programa de
porque no se tenía suficiente presupuesto para adquirirlas, se han
exposiciones sobre arte contemporáneo, como las que se han hecho
constituido como parte fundamental de la historia a la hora de
en los últimos tiempos en torno a John Cage o Andy Warhol, una serie
comprender e investigar el movimiento mismo de las vanguardias.
de conciertos y conferencias realizadas en el seno de un auditorio
con un aforo de 170 personas.
En este contexto, a la hora de plantear un proyecto en y sobre la
contemporaneidad, resulta necesario inevitablemente instaurarse en
Y, por último, para atender a la cuestión medioambiental y educativa,
unas coordenadas entre la memoria del pasado y la incertidumbre del
se realizan talleres para los niños y adolescentes en los que se enseña
futuro que nos permitan crear una sistematización. Y así toda acción
y se conciencia, así como se trata de elaborar y distinguir las
cultural, todo proyecto de gestión debe ir precedido de un acto de
características y consecuencias propias del ecosistema urbano.
pensamiento, de reflexión, de investigación, en suma de un discurso
que pueda acoger en sí cada una de las ramas trabajadas dentro
del proyecto.
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En el proyecto de Sustainable Everyday se recogen una serie de formas
Concepto de “Bienestar” y tarea del diseñador
participativas de ciudadanía en la que grupos de personas eligen llevar
una vida alternativa al concepto de bienestar asociado al consumo,
Ezio Manzini_profesor de diseño industrial. politécnico de milán
no ya tan sólo por cuestiones de conciencia o concienciazión, sino por
Ezio Manzini, caminando con los tiempos contemporáneos y con la tarea ética que debe adquirir cada
cuestiones también relacionadas con la economía personal y familiar.
individuo, trató de hacer ver, a través del contexto del mundo actual, cuál debe ser la tarea de quien dedica
Así, se proponen formas de vida, en diversos lugares del planeta, desde
su esfuerzo al diseño, que crea los artefactos que nos rodean día a día, y que se encarga de difundir ideas
China a Polonia, en las que se crean redes de individuos, agrupados en
a través de la imagen.
los llamados “Bancos del tiempo”, que colaboran entre ellos, ofreciendo
lo que saben hacer, y recibiendo a cambio lo que hacen otros.
Comunidades de cultivo de alimentos ecológicos, de cuidado de
1. Contexto actual y tarea del diseñador
jardines, de cuidado de niños y ancianos, de acompañamiento,
En los últimos años hemos venido observando cómo es la configuración de la identidad de las sociedades
en las que se comparten coches para ir al trabajo, etc.
de los paises de bienestar contemporáneos, lo que podría llamarse el síntoma de lo moderno, y que hace
referencia inmediata a la velocidad. Como bien nos ha venido señalando Zigmunt Baumann a lo largo
En estas redes de complejidad colaboradora se van cambiando las
de su obra, vivimos una sociedad líquida que se transforma y cambia su sociología en un espacio de tiempo
formas del concepto actual de “bienestar”, como se ha señalado, a base
muy breve.
de cultivar y dar uso a las habilidades y capacidades personales.
Constituyen éstos nuevos modelos económicos que van surgiendo
La forma de vida actual, como bien ha señalado Manzini a lo largo de la ponencia, ha venido siendo construida
como respuesta a los modelos que ya tenemos, y que van basando
bajo un precepto insostenible en el que se considera que a mayor consumo, a mayor posesión de objetos,
cada vez más la economía en el don, en el intercambio, en el
mayor bienestar reseñado o reseñable en la vida de cada uno de nosotros.
trabajo voluntario.
Este sueño del bienestar consumista supone una forma de vida particular que tan sólo el 20% de la población
Es en este punto en el que el diseñador, como
mundial lleva a cabo actualmente. Sin embargo, este 20% de la población consume el 80% de los recursos del
amplificador, difundidor de la ideología que se
planeta. Esto supone que, en el sueño del bienestar planteado desde los parámetros de hoy día, y por el que
constituye como verdad, y en la medida en que
tantas personas luchan para acceder, si un gran número de la población mundial pretende llevarlo a cabo,
es creador de objetos, debe actuar considerando
ocurrirá, en términos de Manzini, una “catástrofe” medioambiental, así como una “catástrofe” social de lucha
las alternativas que ya se tienen, y pensando,
por acceso a los escasos recursos.
en base al mismo concepto de “alternativa”
cuáles formarán nuestro futuro.
Es en este punto donde resulta ya hoy necesario comenzar a plantear una idea diferente de “bienestar” que
lleve a una actuación a su vez diferente con respecto al medio que nos rodea. Y es ahí donde el diseño, que a lo
largo de su historia ha contribuido a la idea actual que tenemos de bienestar, puede entrar con una tarea ética
de responsabilidad sobre el cambio de mentalidad en la relación entre las personas y los objetos. No ya sólo
dando ejemplo de utilización de materiales, como en el diseño industrial, que no sean perjudiciales para el
medio ambiente, sino en la producción de una conciencia ideológica a través de la gráfica, por ejemplo, que
haga que la gente pueda plantearse su preocupación sobre el lugar donde habitamos.
2. Modos de ver y Modos de hacer
La tarea ética de responsabilidad para con lo que nos rodea, como bien señala Ezio Manzini, no es una cosa
que tan sólo vaya a ser proyectada para un futuro lejano, y casi apenas inimaginable para la limitada
conciencia de los seres humanos, sino que es ya en el presente donde han comenzado a surgir voces y formas
de actuación. Es por éstas por las que se debe comenzar, pudiendo así darles voz, amplificarlas, para que
seamos conscientes desde la humanidad de que existen, y de que podemos cada uno de nosotros participar
en ellas.
Ver más información en http://www.sustainable-everyday.net/manzini/
http://www.sustainable-everyday.net/cases/?page_id=108
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APRENDI(VIA)JE
Algunas notas desordenadas sobre el proceso
como fundamento del aprendizaje
Desde finales del siglo XVII, coincidiendo con la pacificación de una gran parte del territorio europeo,
hasta principios del siglo XIX, coincidiendo con la implantación de las primeras líneas ferroviarias
en el continente, era común entre la juventud aristocrática británica embarcarse en un viaje de carácter
escolástico que ahora conocemos como Grand Tour (en francés). Este periplo continental, que con
frecuencia conllevaba estancias en distintas universidades y centros académicos, además de visitas
a monumentos de la antigüedad y el medievo, se desarrollaba de manera imprevisible en función
de los avatares que surgieran. De esta manera ni su longitud ni su itinerario preciso podían predecirse,
siendo la experiencia sensorial e intelectual del tránsito en sí la piedra angular del proceso didáctico
implícito en el rito del Gran Tour. Se trataba, en resumen, de un viaje por amor al aprendizaje. A su vuelta
a Gran Bretaña, se consideraba que estos jóvenes estaban ya en condiciones de desempeñar cargos de
liderazgo y representación, constatando así el gran reconocimiento del que disfrutaba esta peculiar
andadura escolástica.
La gradual aceleración y plurificación del transporte de larga distancia, desde el ferrocarril al avión,
ha ido erosionado el mito del viaje convirtiéndolo en mero desplazamiento de un lugar a otro, distinto
y con frecuencia distante. De Gran Tour a turismo; hemos olvidado la didáctica del viaje y hemos retenido
sólo su aspecto lúdico. Este hecho es sintomático de la sociedad contemporánea occidental, ávida de
heterotopías radicales y transiciones inmediatas, hambrienta de réditos finales y poco atenta a los procesos
intermedios que es de los que se alimenta la curiosidad.
La anterior analogía nos sirve para demostrar la importancia del devenir (del viaje) en el aprendizaje y la
enseñanza, con mayor énfasis si cabe cuando se trata de disciplinas sensoriales y directamente relacionadas
con la experiencia, la percepción y la creación. Sólo de esta manera procesual llega el aprendizaje a calar y a
proveer al pupilo de verdaderas herramientas de invención y no sólo de soluciones autómatas a problemas
previsibles. La esfera académica corre el constante riesgo de sucumbir ante la inmediatez y la celeridad que
impone la presión comercial por resultados tangibles y productos finales. Por eso conviene de vez en cuando
volver a las raíces y recapitular cuál es la esencia del aprendizaje y la enseñanza.
El proceso de aprendizaje, como un viaje, implica no estar en un lugar concreto ni en un instante concreto,
sino en tránsito constante. Esta terra incógnita, donde los pocos elemento fijos en torno a los cuales
pivotamos nos sirven como puntos de orientación, agudiza nuestra perspectiva móvil del mundo y nuestro
uso de los limitados recursos disponibles en cada momento.
El proceso de aprendizaje requiere tiempo e incluso redundancia de tiempo, lo que Samuel Beckett
solía llamar idleness (la práctica de la holgazanería), pues sólo así se alcanza a observar el mundo
con detenimiento y fijación. Dar y darse la calma necesaria para desarrollar estrategias de avance,
para explorar vías imprevistas, para extraviarse y extraer una lección de ello, para racionalizar las vivencias
e interiorizarlas. Un ejemplo paradigmático de este método paciente, dilatado y obsevador es el de la deriva
psicogeográfica, una suerte de viaje urbano a través del cual los miembros de la Internacional Situacionista
se sumergían en la ciudad.
155
Dejándose llevar por los flujos de la misma, sin acelerarlos ni
ralentizarlos; esta técnica les permitió descifrar las pulsiones
encriptadas en el palimpsesto urbano.
El proceso de aprendizaje exige constancia y atención ininterrumpida.
La solución a una cuestión puede llegarnos de la manera más
improbable y fortuita allí donde no esperábamos encontrarla
(anécdota de viaje), o por el contrario a través de la acumulación
de pequeñas experiencias o tentativos yuxtapuestos (cuaderno
de bitácora). Como en los Cadáveres Exquisitos, ese juego gráfico
secuencial popularizado por los Surrealistas, cada paso del ejercicio
didáctico añade un nuevo estrato que se ensambla a los anteriores
produciendo un acervo más complejo y rico.
El proceso de aprendizaje se nutre de la memoria y del reúso del
recuerdo. El tránsito enriquece sólo si en su desarrollo se van recogiendo
experiencias en una red imaginaria, vasta y a la vez ligera. Este almacén
de recursos e imágenes, a modo de cartografía momentánea y
permanentemente provisional, ilumina subsiguientemente el camino,
otorgando significado, escala y dirección a los pasos aún no dados.
El proceso de aprendizaje no existe sin comunicación. No sólo viajan
los aprendices sino también las ideas, y cada vez en mayor medida.
Hace bien Michel Serres, un filósofo obsesionado con la brutal
celeridad del transporte aéreo, en recordarnos que el aprendizaje se
encuentra en el intercambio, en el mestizaje, en el andar al encuentro
de la alteridad del saber.
El proceso de aprendizaje incluye intrínsecamente la estrategia de la
praxis. La formación no es un simulacro de la realidad sino una lectura
crítica y transformación de la realidad misma. Los ensayos sólo cobran
sentido cuando existe un riesgo verdadero de fracaso y cuando están
dirigidos conscientemente hacia un cambio necesario e instrumental
de la realidad.
El proceso de aprendizaje lleva a la intuición.
Key Portilla-Kawamura / Ali Ganjavian
156
Rigo 23, “Europa Latina”, mural en la Avda. 24 de Julio (escaleras junto a la Casa de América Latina). Fotografía: Pablo Serret
Italia
Fabrica, Benetton Communication Research Center. Catena de Villorba, Treviso
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Giuseppe Zecca. BTicino, Varese
Pabellón Satellite
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Polo Fiera Rho
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Salone del Mobile. Polo Fiera Rho, Milán
Conferencia Li Edelkoort
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162
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Via Tortona
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Tranvía, Milán
Pieke Bergmans Virus. Salone del Mobile, Via Tortona
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Polo Fiera Rho
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163
Polo Fiera Rho >>>>>>>
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Salone del Mobile. Polo Fiera Rho, Milán >>>>>>>
>>>>>> Via Tortona
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Performance Vibram
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Holanda
Museo Boymans van Beauningen, Roterdam
Stedelijk Museum Amsterdam >>>>>>>>>>>>>>>>>>
Suecia/Dinamarca
KKK, Malmo
Museo Witte de With, Roterdam
Design Academy, Eindhoven
Droog Design Store, Amsterdam
Cena en casa de Sigridur Heimisdotir
Almhult, Suecia
European Design Labs en IKEA. Almhult, Suecia
Paul de Fellow Designers,
Estocolmo
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164
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>>>>>>>>
The Wanas Foundation, Knislinge
Copenague, Dinamarca
Jurgen Bey,
Roterdam Prize
Design Academy, Eindhoven
Metro, Amsterdam
Konstfack, Estocolmo
165
Fellow Designers, Estocolmo
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Mamam de Louis Bourgeois, museo al aire libre
The Wanas Foundation, Knislinge
Inglaterra
Fernando Gutiérrez Studio, Londres
Zaha Hadid Museum, Londres
Tent London, Londres
Boisbuchet
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Pabellón de veranoOlafur Eliasson, Serpentine Gallery, Londres
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166
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Designers Block, Londres
100% Design, Earls Court, Londres
Francia
Fernando Gutiérrez Studio Teatro, Londres
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Design Museum, Londres
Metro, Paris
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167
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100% Design, Earls Court, Londres
Gare de Montparnasse, Paris
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Portugal
Estudio de Joana Vasconcelos. Oeiras, Lisboa >>>>>>>>>>>>>>>
Barbara Coutinho directora del MUDE,
Museo del Diseño y de la Moda, Lisboa
MUDE, Museo del Diseño y de la Moda,
Lisboa
Prisión de mujeres de Tires, Lisboa
Calzada, Lisboa
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Tranvía en Lisboa
Natasha Srevro,
Krv Kurva Production Manager
Pedro Ferreira y Rita Joao, Lisboa
Río Tajo, Lisboa
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168
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Natasha Srevro y Jorge Moita. Krv Kurva, Lisboa
Elevador de Santa Justa,
Lisboa
Prisión de mujeres de Tires, Lisboa
Prisión de mujeres de Tires, Lisboa
MUDE, Museo del Diseño
y de la Moda, Lisboa
169
>>>> >>>
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ENGLISH TRANSLATION
FORMATION IN THE SOCIETY OF KNOWLEDGE
Francisco Jarauta
There is no doubt about it: the widespread use of new
information and communication technologies has been
one of the main components in the transforming process
undergone by our contemporary world. And the notion that
describes better its results is none other than society of
knowledge. It has to do with a fundamental change in the
routes of access, acquisition and uses of learning and actual
knowledge, all of which modifies the usual behaviour
towards the process of learning and exploitation of
knowledge as a whole. Society as an interconnected net
begins as a new utopia, as a model and a project that are
the ultimate goal future societies tend to.
The adaptation to this model seems to be nowadays
one of the main challenges to be faced by any valuable
policy dealing with education or culture. It has to do with
leading, shaping and adapting our perception, as well as our
intellectual abilities, to the requirements of knowledge in
this new time and age. All our system of knowledge moves
towards an increasingly accelerated process, able to provide
us with some kind of information that would be able to go
qualitatively beyond the previous models, upon which
we had built the preceding system of learning and
using knowledge.
The aforementioned adaptation implies a manifold
process of structural and strategic revision. Among other
authors, Anthony Giddens and Manuel Castells put forward
the requirements necessary in the construction of a second
Modernity or -we could call it that way- a reflective
Modernity, appropriate to the characteristics of the age as
well as to its challenges. This new process of modernization
will be only possible by means of an innovative culture that
encompasses the proper practices and the methods needed
to develop efficient mechanisms.
Policies dealing with innovation should have a strategic
priority in every sphere nowadays. They should go together
with a new legal framework, as well as adequate procedures
towards its development. It is necessary to harmonize the
different sectors in the economy, society and culture in
order to endorse new models of education. And it is in this
respect where it is especially relevant the current debate
about possible models for the education, teaching and
orientation around the learning process in its many
different levels. Every government has on its desk the usual
white paper on the problems of education. The undeniable
necessity of getting adapted to the requirements of the
society of knowledge, the urgent need to fill the
technological gap in comparison to previous models; all of
which needs of a generous amount of work that would give
priority to educational goals instead of focusing on others.
FIFTEEN WAYS OF LOOKING FROM THE POINT
OF VIEW OF CONTEMPORARY DESIGN
Raquel Pelta
These very lines of reasoning would be of use when
discussing the learning experiments to be applied in a given
context. Only open policies, able to harmonize tradition and
innovation, will have a future. Their goals are nothing but
the construction of a new gaze, which would be extremely
close to the requirements of the age. It is a tension that will
have a solution by means of the development of wide areas
of experimentation, which could pay attention to the
problems of our current world, as well as reflecting and
putting forward their own answers in an open game of
analysis and construction.
And none other have been the principles and methods
that, since the very beginning, have guided the focus of this
first project of European Design Labs, whose results are
gathered together here as memory of a experience open to
the diverse trends and works that are relevant in the area
of European Design. These have been brought to fruition
as a new reality by means of the different projects carried
out by the students and teachers working in this program.
I wish the best to all of them.
178
For something more than two decades, the design concept
comes undergoing a deep revision. On one hand, it has
put on in question the old definition that tied it almost
exclusively to the industrial production and it distanced
it of the art and the craft and, for other, the term has been
enlarged so much that at the moment it understands
the other as something more than a process of projection
and planning to take place in series.
Nowadays we speak of the necessity of not only judging
the objects in form terms, function and economy but, also,
relating them with a more extensive context in which the
creation circumstances, production and marketing are
located as well as their adaptation to the social,
environmental and technological situations. It can make
sure, therefore that the design concept has not only
expanded but rather it has transformed into something
much more complex and broken into given fragments,
so much that every time becomes more patent than the
designers must work for a multicultural society with
segmented audiences that demand a focused design, such
as the arising new media that have just to established even
its very norms, in an environment in which is necessary to
reconcile the production models, the consumption, the
social inclusion and the sustainability. This, without a doubt,
is forcing the professionals of design to abandon any
preconceived idea and to be about responding, in each
moment, to the particularities of the context where
they are.
The conceptual changes have given place to stylistic
new options that locate us before a formal eclectic
panorama, in which forms and very different materials
cohabit as reflection of diverse perspectives: from those
of those that are about returning to a stylised modernity
and of extreme simplicity, going by those of those who
claim the basic thing, to arrive to the posture of those
that defend the return of the ornament like a way of
transmitting ideas and emotions.
At the same time and, thanks to the new technologies,
they are modifying the work processes so much as the final
results. This way, next to the designers that project for the
production in series, those are located that work from the
vicinity to the craft or those that come closer to the industry
to introduce in their "ways" that have always been
considered craftsmanship.
Individualization and personalization (in the sense of
adaptation to the user's pleasure) are two words -although
they are not completely new- in the last times while
the local design is claimed as a reaction before the
phenomenon of globalisation.
In passing, and at the same time that they are continued
destabilizing the categories and the limits among art,
science, technology and design become fuzzy, the designers
look toward the outside of their own discipline and they
worry about questions such as the environmental
destruction and the search of economic models and
of alternative consumption. It is spoken of sustainability
and of design for all, two topics that they are reaching a
place privileged in the speech of many of the contemporary
professionals that are interrogated on their paper in
a world that needs more and more urgent solutions.
In that so diverse context the proposals of the fifteen
young designers are located that have studied European
Design Lab, a Masters that reflects so much in their didactic
positions as in the elected roads the different addresses
of the current design.
179
Marc Augé
Anthropologist, he has been director of studies in l'École de
Hautes Études in Social Sciences and later on president of
the same (1985-1995). Formation in African Studies, passed to
guide its studies toward the problems of the contemporary
world. Of his works it would be necessary to highlight The
underground traveller: an ethnologist in the underground
(1987), The “non-places” as spaces of the anonymity: an
anthropology of modernity (1993), Toward an anthropology
of the contemporary (1995) worlds, The sense of the other
ones: present time of the anthropology (1996), or Journal of
war. The world after September 11 (2002).
Sam Baron [www.fabrica.it]
Born in France in 1976, Sam Baron begins his design activity
in 1997 working in several design and architecture offices,
such as Kristian Gavoille, Garouste et Bonetti, François
Bauchet and KRBO / Lille advertising office. After his
graduation in Design at the 'École des Beaux Arts de Saint
Etienne' in 1999, in 2001 he receives a post-graduation
in Design at the 'École Nationale Supérieure des Arts
Décoratifs de Paris' and at the 'École des Beaux Arts de Saint
Etienne'. In 2003 and 2004 he is invited by the French
Ministry of Foreign Affairs to represent French Design
at the Tokyo Designers Block, winning the Prize for Best
Installation with the exhibition 'Rendez-Vous' and to run a
workshop in Rio de Janeiro Favella about Lace and art and
craft. Thanks to the support of ‘Villa Médicis Hors Les Murs’
and of the ‘Programme à La Carte’ of AFAA (Association
Française d’Action Artistique), he has developed the projects
‘Frágil’04’ and ‘L’collection’, working with the Vista
Alegre/Atlantis group in Portugal. In 2003 he is selected to be
part of the design department of Fabrica, the Benetton
group communication research center, where he works for
one year, specially on a ceramic collection produced by
Bosa. His “design slices” plates have been are part of the
Cooper Hewitt museum of New York and are sold
worldwide. His projects have been exhibited in several
international design events and fairs, such as ‘Maison et
Objets’, ‘Salon du Meuble’ in Paris, ‘Salone del Mobile’ in
Milan, ‘International Contemporary Furniture Fair’ in NY,
Tokyo Designers Block, ‘Biennale de Saint Etienne’ and
Frankfurt Design Fair. Among his clients : Louis Vuitton,
L’Oréal group, Sephora, Musée des Arts Décoratifs de Paris,
Renault, De Beers London, Vista Alegre / Atlantis Portugal
and Baccarat. He is the winner of the 2007 Grand Prix de la
Création de La Ville de Paris for the design section of 2007.
Sam Baron currently lives and works between France,
Portugal and Italy where he directs the Fabrica 3D
design department.
Jurgen Bey [www.jurgenbey.nl]
Born in 1965 in Holland, lives and works in Rotterdam.
Deeply interested for the emotional meaning of the objects,
Bey has created designs that provoke the reflection and
discussion about the value of the massive contemporary
production. Their work, very bound to the conceptual
design, is integrated inside the current discussion, of
international environment, on the paper of the design
and of the designer. The designs of Bey are about narrating
histories and they reflect a way to think of the one that you
melt intellect and intuition. Grateful at international level,
it has collaborated with signatures as noted for their
character innovator as Droog Design. Among their works,
Kokon, a furniture collection highlights presented in Milan
in 1999.
Andrea Boffetta [www.trakatan.com]
“I have been generated, for what they say, the 16 | 02 | 74
and given birth to the 27 | 11 | 74 in Turin. I am single,
heterosexual, with the right leg 1 cm shorter than the left
one, allergic to peas and I do not eat meat, I suck it, but I do
not eat it. I have begun my school career in the kindergarten
with three anuses and I have finished this tragedy with
nineteen anuses and a paper, diploma of scientific science.
I have moved from Turin to Milan: Istituto Europeo di
disegno, Italia and Spain, right eclectic band, warehouse
waiter, recollector of apples, graph and photographer.
An anus of my life with a contract on time uncertain in Spain
and I looked like each other of drowning. Freelance in the
soul. Italia, Spain and many trips. Continuous to live selling
my ideas, to produce report of pictures, documental of
digital video and to collect good purposes”.
Irma Boom [www.irmaboom.nl]
She was born in Lochem (Holland) in 1960 and it began their
studies in 1979 in AKI School of Art of Enscheden it Dies.
After graduating in 1985, she was integrated in the Office
of Publications of the Dutch Government in The Hague,
where she worked as designer during five years. In 1991,
she opened her own study in Amsterdam and the project
of a commemorative book of the centennial of Dutch
Conglomerate SHV, a work that was prolonged during five
years to conclude in 1996. Parallelly, in 1992, she began to
impart classes at Yale (United States). In 1993, she designs
a series of stamps for Dutch PTT (Mail). In 1998, she becomes
tutor from Van Eyck Akademie of Maastricht, one of the
most noted teaching centres in Holland. That same year
it designs the book Workspirit for Vitra. In the year 2001,
Bibliothèque Nationale de France (Paris) dedicates her an
individual exhibition and she wins the Gutenberg Award.
Bernard Brechet [www.gedeon.com]
From 1984, Gédéon has carried out the graphic design of a
good number of television channels so much in France as
in the entire world. With a global vision, this study not only
takes charge of the creation of the logotype but, also, of the
development of the identity of channels and programs,
as well as of the art address and of the marketing. In the
year 2006, Gédéon has created a good number of projects
for the production of television programs.
Valérie Debure [www.noustravaillonsenble.org]
Born in 1972. She carried out her studies in l'École des BeauxArts d'Orléans. From 1996 she is part of Nous Travaillons
Ensemble. "For already seven years! I arrive, I give of eating
to the canaries, to Robert, I make brown, sound the
telephone, be to organize, calm down, always, the computer
made smoke, smoky meetings, 35 hours more five a day! And
I draw." Nous Travaillons Ensemble was born in 1989 inside
180
the old atelier Grapus. Today is composed by Valérie Debure,
Isabelle Jégo, Alex Jordan and Ronit Meirovitz. Other
collaborators are Antonio García, web designer, and some
other associates during the time that a project lasts.
The graphic creations of Nous Travaillons Ensemble
(communication campaigns, pedagogic actions, corporate
identities and sceneries) responds essentially to the
responsibilities of municipalities, institutions, humanitarian
associations or popular education, museums and sociocultural centres. Besides the responsibilities, the study
originates numerous projects and identities related with
its concerns. Their productions give priority to the message,
political, social or cultural, without forgetting to be
influenced by a note of humour. NTE communicates with
you imagine provocative, immediate, always in synchrony
with the social next reality or of the global village.
This search of senses is expressed with the drawing
to the line, the watercolour, the picture without forgetting
the half new.
Valentina Downey [www.valentinadowneydesign.it]
Born in 1970 and graduated by the Academy of Art of
Florence, her native city, Valentina Downey began its career
like freelance in 1995. Settled down in Parma, next to
Patrizia Scarzella is to the front of a communication project
to promote the Thai production in the European market.
Coordinator of diverse shops for Italian companies and
foreigners (Bormioli Rocco S.p.A., Pirex, Koleksiyon, Saint
Gabin Glass, Gruppo Fanti), next to Patrizia Scarzella has
published the book Il Giurì of Design, published by Franco
Angeli Editore in the year 2005. There is comisariado and
coordinated to a group of young designers, next to which
it has carried out a denominated new collection of
complements "Vitamine." It was presented in Spazio Bigli of
Milan in September of 2004. Teacher of Università Sapienza
of Rome, it has collaborated, also, in Master of Industrial
Design of Domus Academy of Milan. In the year 1994, it was
rewarded in the competition Tooyaka International Luggage
Competition of Japan for their project of China "Lola."
El Ultimo Grito [www.elultimogrito.co.uk]
It was founded in 1997, in London, for Roberto Feo and
Rosario Hurtado, The last scream is described like creative
concentrated "study in the design." Although born in Madrid,
their founders live and they work in London from 1990.
Roberto Feo is, from 1999, tutor in Royal College of Art
and Rosario Hurtado in Goldsmiths University. Both have
designed from furniture, until clothes and exhibitions for
national and international clients. Their works have
received numerous awards among others and in three
occasions Blueprint Design Award - and they have been
exposed in diverse museums.
Gala Fernández [www.edl07.com]
Gala Fernández was born in Madrid in 1969. She studied Fine
arts and Design in the School of Fine arts of the University
Of Alcalá de Henares of Madrid and Industrial Design
in European Istituto of Design in Milan, where later she
worked imparting classes and coordinating diverse
courses... She has worked during four years for Fabrica,
181
the Center of Investigation for the Communication of
Benetton, where she has been coordinator of the design
department 3D and responsible for the project “Fabrica
Features”. She has given lectures at Royal College of ArtLondon, Goldsmith University-London and Nederland
Architectuur Instituut-Rotterdam, among other so many
institutions... At the moment, she works in her studio in
Madrid GalaFM and directs the Masters European Design
Labs in IED Madrid.
José Guirao [www.lacasaencendida.es]
He was born in the town of Pulpí in Almeria (Spain) in the
year 1959, He graduated in Hispanic Philology. It was
responsible for the Area of Culture of the Provincial
Delegation of Almería between 1983 and 1987. One year later
moved to Seville to be taken charge of the General Address
of Cultural Goods of the Meeting of Andalusia. Until October
of 1993 it developed projects like the General Plan of
Cultural Goods of Andalusia, the Law 1/91 of the Historical
Patrimony of Andalusia, the project of the Andalusian
Center of Contemporary Art, and the creation of the
Andalusian Institute of the Historical Patrimony. Of there
it jumped to Madrid, where in 1993 it was named general
director of Fine arts and Files of the Ministry of Culture.
has been director of the Museum National Center of Art
Sofía from Madrid it Reigns.
Fernando Gutiérrez [www.fernandogutierrez.co.uk]
Fernando Gutiérrez (1963) studied design in London College
of Printing and he graduated in 1986. Design of London
Worked in CDT, Summa of Barcelona and, in 1993, it was
founded in Barcelona together with Pablo Martin, the
Gaphic Studio. In October of 2000, he settled down in
London and joined Pentagram, where he has remained until
recent date. Their work has been published in numerous
magazines and it has been shown in international diverse
exhibitions. He is member of Alliance Graphique
Internationale (AGI).
Kawamura-ganjavavian [www.studiobanana.org]
kawamura-ganjavian is a young architecture studio
established in 2000 by Key Portilla-Kawamura and Ali
Ganjavian. After meeting in London, where both were
studying, they have worked in several countries: India,
USA, Japan, Great Britain and Switzerland in the fields of
urbanism, architecture, stage design and product design,
both professionally and academically. In 2006 they set up
their present base in Madrid from where they direct projects
in Spain, Great Britain, France and Switzerland. They are
founding members of the multidisciplinary creative
platform Studio Banana. In spite of its youth, and in virtue of
the intense experience of its members in some of the most
prestigious academic centres (Royal College of Art London,
Cooper Union Nueva York, Architectural Association London,
Istituto Europeo di Design Madrid, Accademia di
Architettura di Mendrisio) and architecture studios (SANAA
Tokyo, Herzog & deMeuron Basel) of the world, the studio
has the capacity to take on board archtiectural challenges
at all types of scales.
Jaime Hayón [www.hayonstudio.com]
Born in Madrid in 1974, studied industrial design in Madrid
(1994-1997) and in Paris (1996-1997). In 1997 he began to work
for Benetton Group Research Center of Communication
Fabrica, first as investigator for, one year later, to transform
into Boss of the Department of Design. In Fabrica created
the interior decoration of several stores of Benetton and
of restoring Madam in Treviso (Italy) as well as the nomadic
bag, a furniture system for contemporary nomads that it
was exposed in Vitra Design Museum, in the mark of the
exhibition Living in Motion. Settled down at the moment
in Barcelona, it has collaborated with important companies,
among those that Metalarte highlights, Artquitect Edition,
Coca-Cola, Fontbella Danone Group, bd and Adidas. Versatile
creator, has curated exhibitions, among those that it is
necessary to mention XYZ you Devise on Furniture
presented in the Fair of the Piece of furniture of Milan,
organized events like the last edition of the Biennial one
of the Design of Lisbon and it has participated in diverse
samples with works as Hayón Garden, an installation of
sculptures, toys and ceramic that showed up in David Gill
Gallery of London in the year 2003. is considered a
representative of the "new Mediterranean digital baroque
style", as him same it denominates it, and a young promise
of the Spanish design. Their works have been published by
some of the design magazines and more noted tendencies
of the world, highlighting Wallpaper, Surface, Oxygen,
Domus and Interni Magazine.
Siggridur Heimisdottir [www.ikea.com]
Born in Reykjavik (Iceland) in 1970, graduated as industrial
designer in European Istituto I gave Design of Milan in 1994
and received the prize Compasso d'Oro for their project
of final of studies. In 1995 it founded their own company
H&H in Iceland, where it designed from all over the world
for different companies. In the year 2000 returned to Italy to
carry out a Masters in Domus Academy. From the year 2001,
works for Ikea in Sweden, where it resides at the moment.
has carried out projects in collaboration with some of the
main schools of the world: Eindhoven Design Academy,
Royal College of Art from London, Domus of Milan,
University of Art and Design of Helsinki, Parsons of New
York, University of Shangai, Marhi of Moscún, among others.
Ezio Manzini [www.sustainable-everyday.net/manzini/]
Engineer and architect, professor of the Polytechnic of
Milan and Hong Kong, director of CIRIS (Interdepartmental
Centers on Innovation for Sustainability). Their analyses are
centred in the study of the innovation processes and
production in the post-industrial societies and in the
relationships between the environment politicians and the
perspective of the sustainable development. Among their
texts stand out La matteria dell'invenzione (1986), Artefacta
(1990), Competitive and Sustainable Production (2000).
Jorge Moita [www.krvkurva.org]
Born in 1976 in Elvas Alentejo (Portugal) and graduated by
the Ability of Architecture of Lisbon in the year 2000, Jorge
Moita works from 1998 as designer. It has collaborated in
numerous projects, among those that it is necessary to
mention Design it Experiences 99 Meeting Point, Correio
gives Manhã, Fashion 21, Maxim, Lab Magazine (London) and
the magazine Colors (Italy). Cofundador of the Laboratory of
Design in fashion, Krv Kurva Design, “design for unexpected
dressing”. Among the rewards that has received for their
work it is necessary to mention: the Medal of Gold of the
prize Infante D. Enrique for their activities from 1998, the
National Prize of Design, Design of Product, Trophy Sign
gives Silva in 2002 and the Prize of Creative Youths 2002,
to the Design of Equipment, with Daniela Country, for the
project Krv Kurva. Between 2003 and 2004, it was invited
to be integrated in the team of it Manufactures, as Designer
of the Department 3D, where it developed projects for
Benetton, Sisley, Nordic, PlayLive, Colors, Eleca, etc. was
coordinating of the project Features Manufactures. In the
year 2004 were cultural agent of the spaces it Manufactures
Features of Lisbon and Bologna. Creative director of “Studio
09º 08’ 36” W, 38º 42’ 34” N”, their works have been published
in numerous magazines: 34, IDN, NEO2, B-Guided, FOB
Magazine, Sleazenation, Marie Claire Italy, Eye magazine,
Elle Portugal, Time Out Greece, The World, Cosmopolitan, etc.
Jordi Mollá [www.jordimolla.com]
One of Spain’s best-recognized artistic personalities,
Jordi Mollá is an actor, director, painter and a writer.
PicassoMio.com is pleased to introduce Jordi’s less-known
facet of painting to the art-loving public, for the very first
time. Jordi was trained as an actor at the Barcelona Institute
of Theatre and he also studied in Italy, Hungary and
England. As an actor, he has worked in more than fifteen
films, with prestigious directors like Bigas Luna, Montxo
Armendáriz, Pedro Almodovar, Ricardo Franco and Fernando
Colomo. Jordi first received in acclaim in Bigas Luna’s
“Jamón, Jamón”, in 1992. Since then Jordi has appeared in
“Historias del Kronen” (1994) Director: Montxo Armendáriz;
“La flor de mi secreto” (1994), Director: Pedro Almodóvar; “La
Celestina” (1996), Director: Gerardo Vera; “La buena estrella”
(1997), Director: Ricardo Franco (Nominated for the GOYA
Awards); “Los años bárbaros” (1998), Director: Fernando
Colomo; “Volavérunt” (1999), Director: Bigas Luna; “Nadie
conoce a nadie” (1999), Director: Mateo Gil; “Segunda piel”
(1999), Director: Gerardo Vera and “Son de Mar”, (1999),
Director: Bigas Luna. Critically acclaimed “Blow” with
Johnny Depp and Penélope Cruz, was Jordi’s debut film in
Hollywood. Jordi has also directed two short films: “Walter
Peralta” (Alcalá de Henares Award, Generalitat de Cataluña
National Cinematographic Award) and “No me importaria
irme contigo”. His first feature film as a director, “No somos
nadie”, produced by Lola Films, will be realised in 2002.
Additionally, Jordi has written two books: “Las Primeras
Veces” and “Agua Estancada”. In addition to regularly
exhibiting at PicassoMio Galleries, Jordi has exhibited at
Sotheby´s Gallery, Madrid (2007) and Galeria Carmen de la
Guerra, Madrid This multi-faceted artist is a self-trained
painter, for whom painting is an act of spontaneity.
His works often surprise the viewer both with his ability
to manage the media and with his power to express
himself on canvas or paper.
182
Jorge Moreno Arozqueta [www.lajabonera.com]
Director of Industrial Design. Architecture Department
and Industrial Design of the Technological one of
Monterrey, Campus Querétaro. Industrial designer,
graduated by the CIDI-UNAM in 1989. Founder, in 1991,
of the company you would Object of Design of Toulouse.
Consultant for product development and illumination of
several companies and institutions, among those that
Osram, Philips, INAH and INBA can be mentioned. Director
of the Program Industrial Design ITESM Qro. Among their
works they highlight the design and development of the
systems of illumination of low voltage Trolebús and
Trapecio, used by Mexican diverse museums, the
illumination of the exhibition of design European Mexicocommunity, organized by SECOFI, Bancomext and Barcelona
Center of Design (BCD) and the line of stars of low voltage
Collection Prevails for Philips-Construlita; a collection
rushed in Mexico in November of 2001.
Pedrita [www.pedrita.net]
Pedrita is constituted by Rita João and Pedro Ferreira.
Both studied design in the Ability of Architecture of the
Technical University of Lisbon. Also, Rita studied in YOUR
Delft and Pedro in the Polytechnic from Milan. In September
2002 they were integrated in the team of it Manufactures
and they began to develop projects for Benetton, Trudi,
Ittala, Koziol, Danilo Ferrara, Ferrán Adrià, Unicef, Skira,
City council of Rome, Childbirth Unito, Elect, Park Dolomiti,
City council di Treviso, The Country, City council gave
Riccione, Moving Images Museum NY, Makalle Restaurant TV,
Ospedale Meyer, B.D. Design Editions, Elect, Magis, Bosa
Ceramics and Metalarte. From January of 2005, already in
Lisbon and under the name of Pedrita, TAP has worked in
projects multi-disciplinary like the curated at the exhibition
Air Portugal (for invitation of Experimentadesign); Dialogues
(next to Francesco Meneghini and Ramón of Marco),
I project presented in Kunstmuseum (Basle) and
Experimentadesign in 2005; merchandising for Coca-Cola
(in collaboration with HayonStudio); Ga.The bag taken place
by Krvkurva, as well as an institutional project, coordinated
by CENCAL for Corval, presented during Experimentadesign
and in Monsaraz in December of that same year.
Renzo di Renzo [www.colorsmagazine.com]
Born in Conegliano in 1962, it resides at the moment in
Treviso. Graduated in Letters, after being helping of the
class of Italian Literature in the University of Venice
in the year 1992, he carried out a Masters in Communication
of Companies. Director of Communication for Gruppo
Benetton Sportsystem, is from the year 2004 Director
of the magazine Colors. From the year 2001 are Managing
Creative of Fabrica, the Center of Investigation on the
Communication of Gruppo Benetton, where they are
developed all type of creative projects. Communication
consultant and marketing for diverse companies, impart
courses and conferences regularly in Universitá I gave
Pesaro and Urbino, Universitá Cattolica of Milan, Istituto
Europeo di Design or University of Venice. is member of the
Directive Committee of the European headquarters of the
Miami Ad School. He has coordinated the following books:
183
1000 Extraordinary objects (Taschen, 1999), Preghiera
(Ed. San Paolo, 1999), Files (Elect, 2002), 2398 gr (Elect, 2002),
Manufactures 1000 Signs (Taschen, 2004), it Manufactures 10:
From Chaos to Order and Back (Elect, 2004) and published
the book Brevi incontri, lunghi addii (Theory, 2000).
Ricardo Salas [www.frontespizio.com.mx]
Ricardo Salas was born in Mexico City, in 1954. Graduate in
Graphic and Industrial Design at the Polytechnic Scuola di
Design of Milan, carried out a graduate degree in graph,
animation and typography in Basle (Switzerland) in
Kunstgewerbeschule, with the professors Wolfgang,
Weingart, Olpe, von Arx and Gurtler. Between 1977 and 1980
he collaborated as graphic designer in the study Design
of Hamburg (Germany). In 1980 he returns to Mexico, to be
devoted to the graphic design in all their areas. In 1983,
the Italian company BTicino takes charge of the design
of its global image, of international application. Thanks to it,
he founds their own study, Frontespizio, in Milan. By the
middle of the 80s, Castiglione collaborates with Achille and
with Hainz Waibl to carry out the application of Biennial
Intel 85, in Milan. Professor in the publishing area in the
University Anáhuac of Mexico City, it has imparted courses
in the Autonomous University of Mexico, Ibero-American
University, University of America, University of Mayab,
Autonomous University of Puebla, Veracruz, Guadalajara
and Center George Pompidou and Museum Vitra Disegn.
At the moment he is Head of the School of Design of the
University Anáhuac, is member of the committee of
selection of the "Biennial one of the Poster" in Mexico; of the
editorial advice of the magazine I am Used Mexico, as well
as of the Committee of Management of the Museum Rufino
Tamayo. In six occasions he has been distinguished with the
prize to the excellence for The Printing Industries of the Gulf
Coast, Inc and Printing & Imaging Association of Mid
America (1994-2002). His works have been published in
Shade, TO! Diseño, Walker, Experiences, Domus, Abitare,
Ottagono, and Art Directors Index, among other magazines.
Nicola Schwartz [www.pocko.com]
Nicola Schwarz founded the Studio Pocko in 1999, in
London, which has reached international fame. One of their
initiatives of more recognition has been Pocko Collection,
a series of pocket books -composed by different artistsin those that it combines the edition with the corporate
communication. One of the features of Pocko is their ability
to discover new talents and to impel them in an original
way using marketing strategies, communication and not
very conventional publicity.
Erik Spiekerman [www.spiekerman.com]
Born in Stadthagen (Germany) in 1947, Erik Spiekerman
studied History of Art in the University of Berlin. In 1973
he moved to England. During seven years, he worked mainly
as freelance for Wolff Ollins, Henrion Design Associates and
Pentagram and it imparted typography classes in London
College of Printing. At the end of the decade of 1970, it
began to collaborate with Berthold AG. Toward 1979, he left
England for good and he was relocated to Berlin, and with
other two partners, they opened their own study:
MetaDesign. At the present time it is to the front of the
typographic foundry FontShop. To him so well-known
typographies are owed as FFMeta or Officina. To their writer
facet we owe the “typographic titled novel” Rhyme &
Reason. To Beginner Typographic, published first in German
in 1982 and later in English, in 1989, where with humour it
exposes their ideas on the typography. In 1993 another of
their books appeared: Stop Stealing Sheep & Find Out How
Type Works, published by Adobe Press. He writes articles for
magazines like Baseline, Emigré or Eye, loaded with critical
sense, theoretical reflection and deep knowledge.
Joana Vasconcelos [www.joanavasconcelos.com]
Born in Paris in 1971. Lives and Works in Oeiras. Studied
Visual Arts at the Ar. Co School, Centre of Visual Arts and
Communication between 1989 an 1996. In 2006, won a prize
from Berardo’s Foundation to create the work “Néctar” for
the Cultural Centre Of Belém. In 2003 receives an award from
the “Tobacco Public Art Fund” for an intervention Project at
Largo da Academia das Belas Artes, in Lisbon, which is being
prepared. Since 1994 she is invited regulary to exhibit in
Portugal and abroad. Of special note among her solo shows:
“Joana Vasconcelos”, Rena Bransten Gallery, S. Francisco
(2007), “Al(mas…)”, Palácio da Gleria, Tavira (2007), “A Ilha dos
Amores”, Mario Mauroner Contemporary Art, Viena (2007),
Espais Oberts”, Caixa Forum, Fundación La Caixa, Barcelona
(2006), “Joana Vasconcelos”, Pasaje du Desir/BETC EURO
RSCG, Paris (2005), “I Lusas”, Casa de América, Madrid (2004),
“Joana Vasconcelos”, Galeria Casa Triângulo, Sâo Paulo
(2004); “Marquise”, Galeria 111, Porto (2004): “Todas las
direcciones”, Centro Andaluz de Arte Contemporâneo,
Sevilha (2003); “F.A.T.”, Galeria 111, Lisboa (2002); “Happy
Lady”, Galeria Màrio Sequeira, Braga (2001); “Medley”, Galeria
Central Tjo/Museu da Electicidade, Lisboa (2001); “Ponto
de Incontro”, Museu de Arte Contemporânea de Serralves,
Porto (2000).
Giuseppe Zecca + Simone Zecca [www.bticino.com]
Giuseppe Zecca was born in Sondrio in 1934. Painter, moves
to Milan by the middle of the years fifty, where it frequents
the artistic circles that gravitated around Lucio's figure
Fontana. Next to Piero Manzoni and Ettore Mute intervene
in the manifesto Per la scoperta dell’ area di immagini (1956),
in which is speculated on a painting that must arise
of the collective. After a brief experience in the field of the
graphic design, in 1958, Zecca is integrated in the group
BTicino, company Italian leader in the sector of the
illumination, to take charge of aspects related with the
corporate identity of the company. For BTicino will carry out
the series Magic that will highlight for their character
innovator and it will suppose the beginning of a career
already dedicated fully to the design. Starting from 1964,
to the front of a team of graphic designers, technicians
and advertising, takes charge of the industrial design
taken place by BTicino. In 1971, and without stopping
to collaborate with the company, becomes in freelance. In
1988 case the study Zecca & Zecca. Design and Development
of the Product. Among their works they highlight the series
Living, - that in 1989, it deserved the prize Compasso d’Oro -,
Living International, Light, New Magic, Axolute and the
project domótico My Home, rewarded in the year 2001,
also with Compaso d'Oro. Throughout their life, has carried
out around 6.000 projects of stars.
WORKSHOPS
European Design Labs presents a series of sixteen
workshops, which will last for five or ten days. Some of
them counted with the participation of the students of
Visual Communication only; some of them were of Interest
mainly for the students of Product Design, although it
seems quite sure that the most Interesting ones were
those where both groups shared a project, which they
later on developed together.
Simone Zecca Born in Beaches you in 1961, resides
habitually in Milan. Graduated by the Ability of Architecture
of the Polytechnician from Milan, is charter member of the
study Zecca&Zecca. Design and sviluppo of the prodotto.
It has imparted conferences and published art critics in
Italian diverse magazines. Founder in the year 2003
and consultant of Associazione Grytzko Mascioni.
All through this workshop we will use different methods
that will help us to find out how the externalisation of
mental processes can contribute to a logic concept of time,
which provides our customers with better tools of
rationalization and understanding. The project that we will
bring to fruition this week needs an analysis from three
different points of view. First, the one where the designer
stands, which is two-fold. The individual, the identity, the
inner set of values, the spirituality and beliefs, and, secondly,
the context in order to define interests, abilities and
competences. In a second term, we will try to visualize our
society, from the general to the particular, going from the
world characteristics to an analysis of potential users.
Finally, we will take into account the point of view of the
industry, analysing the interests and the expectations that
remain within the project.
The synthesis of these three focal points will be
continued in the analysis of the “orphaned nature” of street
furniture, trying to produce real proposals from the
inception to their introduction.
The participants had the pleasure to work with designers
whose long and fruitful careers are a guarantee for their
teaching, even though every teacher had their particular
vision and methodology.
The stated aim of the workshops is not to develop a
“perfect” product but rather to provide insights into the
process of design and the related challenges of thinking
towards a project.
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Ricardo Salas
Contemporary networks for publishing
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Jorge Moreno
From the black box to the glass box
Tecnoseñal / RENFE Cercanías
New elements of street furniture
The creation of free newspapers provokes a new type
of necessity.
This new kind of newspapers is generally distributed
in the hubs of public and mass transportation, but nobody is
in charge of getting rid of the waste once the rags have been
read, with the exception of the existing sanitation services.
In the network of RENFE Cercanías, giving service to
Comunidad de Madrid, 3 tons of these publications are
184
amassed every single day, of which 2/3 are collected on
the trains and 1/3 and the stations. Every newspaper is read
by two or three people, 2.5 on average. As additional
information, we could say that to produce a ton of paper
17 fully grown trees are required; if these figures are similar
for the other two main means of transport (buses and
underground), we are talking about more than 150 trees
per day only in Madrid.
RENFE Cercanías in Comunidad de Madrid, in
partnership with the NGO Amigos de la Tierra and the
participation of Tecnoseñal, has planned the development
and implementation of a furniture element that will help in
the reduction of the impact provoked by this phenomenon,
providing solutions for the re-use and recycling of these
newspapers, as well as the cleaning of the stations
and trains.
185
The program of publishing design will be divided in two
parts, clearly different. In the first one, diverse grid works
will be developed in a given space: these grids will help and
allow the students to experiment, as well as understanding
at the same time, the relationship between the golden
proportion in two pages of the publication and their formal
contents, all this in order to achieve an optimal reading and
understanding of the message and / or contents. In the
second part, the publishing structure will be designed,
something that would allow the students to create their
own publication with respect to a classical layout, which
will also allow a better understanding of the contents
and their relationship with the pre-established
publishing network.
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Sam Baron (FABRICA)
In / Out
We will work on the contradiction from inside
to outside questioning:
1. National and cultural identities.
2. From local to international.
3. The symbols of identity, communication, self protection
and recognition in the use of everyday life objects
and/or concepts.
4. Wearable items such as a bag and a pin.
5. What is our transmission of these answers, in a life
schedule and particular history, how do we now act
and take position towards our possessions…
Of course, this is a base of discussion for a team work,
so it will evolve.
I hope you will enjoy it!
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Fun & Basics
Add fun to your life
Gala Fernández + Vitra Summer Courses
Back to basics
Fun & Basics puts forward the creation of the new line ADD
FUN TO YOUR LIFE, with the aim of providing the products,
elements and “environments” of the brand with a sort of
“roguish attitude”.
This line will be characterized by means of a series of
features that will be changing in their successive uses, as
well as with the passing of time insofar as those features
will become more easily recognized as a whole in the
products of the Fun & Basics world.
We will reflect upon the objects that we deem as BASIC AND
INDISPENSABLE for our lives. First of all, our aim is the
creation of an individual taxonomy of devices for personal
use in every sphere of the human activity. It will be a list
organized according to subject, and it will be illustrated by
a list of images of the objects that every student is using.
Later on, they will get rid of any “superfluous” object,
documenting the process with photographs as well as
providing reasons for the rejections. From this reduction as
a starting point, they will develop a “manifesto” as a kind
of close consideration of the ethical background of every
designer… From the remaining objects, they will select one
or several, which will be re-designed or simply will be
designed from scratch.
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Irma Boom
Portraits
About the assignment:
I want to ask the participants to make a portrait of one
other participant.
There are many ways to do this!!
Which I can explain when I introduce the assignment.
If you make small pieces of paper with the names and fold
it. Then when we start everybody can pick a name…
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Rosario Hurtado and Roberto Feo (El Último Grito)
“Having dinner with...”
The idea is to choose a famous character from the 20th
century, closely related to the spheres of artistic creation in
any discipline, or belonging to the field of design; someone
we admire or whom we would like to invite our for dinner.
A design project will have to be developed in this context.
Sigridur Heimisdottir (IKEA)
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Ikea has design collections that are presented around every
other year. Those design collections are called PS -as in Post
Scriptum- and are ment to represent that little extra within
the design at Ikea.
Some years back we had a very interesting theme
and it was called Inside-Outside.
The idea was to create objects that could work
and function for both the inside and the outside.
We tend to move outside/inside depending on the
season; the light and the heat.
We should be able to move our objects with us.
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Andrea Boffetta
Who am I?
The aim of the workshop is to end up in a conceptualisation
and the application in a supporting material of the
communication strategy of every person attending the
workshop. As people grasping with our careers, we spend
our whole life applying communication strategies to
businesses, territories or people according to the
interpretation of the terms imposed by the global market.
The idea is that every student has to organize their own
communication according to the terms of their choice.
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Nicola Schwartz (PocKo)
DIY
NEW (new an non-existent before) integrated systems and
products, that can be satisfactory on every level of our lives.
Products that promote an ethical approach to a sustainable
way of living, and that combine this with every individual’s
pursuit of comfort, social status and self-realisation.
Ao Sol Energias Renovaveis Lda. is a company that,
inside of the field of renewable energies, is specialised on
using the sun power to produce hot water that can have
several applications both on private and public buildings.
One of the major issues for the company, is the architectural
integration of the technological systems they develop.
A great deal of effort is being addressed to this issue,
and we think that a workshop upon this matter could have
a good contribution regarding 3 levels:
>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
that could reach an increasingly abstract nature: to come
inside our home, switching on the lights and the different
electrical, as well as electronic, devices; rising or lowering
the shades, logging in or out the codes of the alarms and
controls, going to sleep and so on. At least two remotely
controlled commands will take place, from the wall to the
person: one to clear access to the rooms, and another one
for the rest of diverse functions, whose importance is
closely linked to the frequency of the operations asked.
We want to start from the dreams, and not from the
technological limits, leaving the students to enjoy the
largest amount possible of freedom to invent and to
imagine: mediations with factual reality will take place
afterwards. There are endless possibilities, precisely
because we are not related to traditional mechanics.
Even then, with the aim of avoiding very familiar paths
and, most of all, of projecting without any technological
reference, at the beginning of the workshop we will see
by way of illustration a series of solutions used nowadays
or that are in an experimental phase; all that will be used
in the workshop seminars, either to take them into
consideration or to dismiss them, but always with a real
and objective basis as starting point.
Bernar Bréchet (Gédéon) + Patrick Rouchon (Ostra Delta)
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All through the experience in this brief project dealing with
audio-visual creation there was an exploration of several
methodological aspects related to the very discipline,
in order to achieve the completion of a short video using
specific techniques and tools to introduce the contents
of the Masters.
Jaime Hayón + Metalarte
Objects of light
1. How to minimize the architectural impact of the
existing systems.
2. To think of new ways to bring this type of energy to the
buildings.
3. What new architectural functions could be addressed
(if any) by this technology of producing energy.
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Every student will be able to use a volume of DIY, a little
book comprising 96 blank pages published by Poco, in order
to design their own book.
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Pedrita / Gonçalo Prudêncio
(Ao Sol Energias Renováveis Lda.)
Renewable Energies
It would be an overstatement to refer the social imperative
associated to the renewable energies. It is undoubtedly
known by now, that this type of energy can be a key factor
on many levels of our society, and finally it is becoming an
issue being addressed on a central government level by
many Nations around the World. Strategies, and legislations
are being pondered and established in order to
institutionalize the use of renewable sources of energy.
As far as product design is concerned, this could be one
of those rare moments, were designers are asked to
intervene, on one hand, in a very early stage of development
of the existing technology, and on the other hand, with very
little references of anything done before. This 2 aspects
combined, make it a very good opportunity to merge
technology and creativity on behalf of sustainability with
very little margin for preconceived ideas, and to develop
186
Jorge Moita (KRV KURVA)
Women’s Prison at Tires (Lisbon) /
MUDE (Museum of Fashion and Design in Lisbon)
a_
The human and social dimensions of the project that Krv
Kurva is developing in partnership with the Women’s Prison
at Tires, which is the main production site for many lines of
the LaGa bags, among other projects, are the fundamental
aspect that provides a background for the need of
developing new qualities, which might provide this work
with some additional sense. What is our proposal in this
context? The project will be called “a_”.
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Giuseppe Zecca, Simone Zecca, Valentina Downey (BTicino)
Domotics
This workshop deals with problem of passing from the
project and realization of a single technical product that is
concluded in itself to an integrated system that deals with
the domestic environment.
The real innovation consists on the introduction of the
concept of scenery, or a sequence of elementary commands
187
How are we going to be able to develop objects to give us
light? To create an atmosphere? There is a lot of aspects to
take into account, some of which are very specific, quite
technical. But most of all, we have to do it; we have to bring
it to fruition, just in order to try, to experiment, to find. What
is the reason that causes a business to start the production
of one among all these objects? You have to look for ideas
that tell stories.
To fulfil this experience you better use simple and
cheap materials, which are easy to find.
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Fernando Gutiérrez
During the last stages of the Thesis Projects carried out
by the students of Visual Communication, Fernando
Gutiérrez gave advice and support to their presentation
and finishing touches.
The definition of the most delicate nuances and
characteristics in any project within any discipline related
to design must have the experience and the skills of vision
and filtering that converge in a basic figure: the art director.
THESIS
In the first place, it is necessary to point out that all are
self-commissioned projects, with a briefing built by the
own designers as a result of an inquiry process in those
topics that they were they more kindred. In this sense,
we should not forget that the self-commission, nowadays,
is not necessarily only self-expression will but rather, in
many cases, it is constituted in alternative to a productive
system that leaves the necessities of certain communities
outside or that it obviates those questions that can show
up as conflicting. This way, all the pieces created by these
students are, indeed, the product of a personal
restlessness but, also, some of them present a critical load
or an accusation, they explore emotional aspects or they
try to even not respond to a social and cultural demand
contemplated by institutions and companies.
In second place, the designs of these students are
located inside the line of those that claim that the
designer is somebody able to generate contents,
a perspective that locates it intimately bound to the
conceptual development of the projects and not to his
aesthetic simple resolution. In that measure, therefore,
we are speaking of a new professional type that acts as
author without stopping to commit with their work and
with the society in the one that lives.
In third place, it would be necessary to highlight the
variety of methodologies and processes continued by each
one of the participants to reach the final result. Some they
are shown more intuitive and other nearer ones to the
investigation in social sciences but all have dedicated
many hours of search and reflection, something that
approaches us especially to the empiric character that
should always have the design projects, when they must
develop in a school like part of a learning that it should be
wide and, mainly, critical.
The projects of this Masters are, also, the reflection
of a conception of the design process as a personal trip in
which constant negotiations take place among what one
wants and what the user specifies, while one lives a
creative experience that personally not only enriches who
plays it but to the product many same, created times with
the will of fomenting alternative and secondary uses and,
therefore, with an use process also open. It is, because,
in many cases of stimulating the capacity to improvise
and to invent innate in the human beings.
Lastly, it would be necessary to highlight that some
of these young designers have dared to abandon the fields
of the design that better they knew and to carry out
incursions in territories that had been they other people’s
up to now. This way, European Design Lab has transformed
into a crossing platform to discipline, where who
proceeded of the architecture they have finished carrying
out projects of cultural management or of industrial
design who you/they designed products they have entered
in the language of the web or almost in that of the art and
those other ones that came from the digital world they
have dared with the printed means.
Fifteen designers, fifteen projects and fifteen looks,
in a complex world that demands imaginative solutions.
That has been the first edition of European Design Lab.
Giulia Barbanente Born in 1975 in Mola di Bari, a smiling
town of fishermen, peasants, poets and hard-core musicians
right in the middle on the Adriatic coast of the south of Italy.
Graduated in the 2000 in industrial design in ISIA of Rome,
and graduated in tailoring in 2005 in Bari. She works
independently as graphic designer and illustrator, and as
wardrobe creator for the Theater Teatro Kismet Opera,
La Luna ne Pozzo and other independent productions.
She has collaborated with the wardrobe creator Ruth Keller,
the scenographer Marianna Sciveres and with stage
directors Alessandro Piva, Marianna Sciveres, Angela Iurilli
and Teresa Ludovico. Now she lives and works in Madrid.
Andrea Caruso was born in 1984 in Torino, Italy. During his
childhood, he is devoted with obsession to the game of
LEGO. Trains, airplanes, ships and whatnot came out every
day from his Legopolis. He holds a degree in Industrial
Design at the Polytechnics of Torino, 2005, and he exposes
his first projects in Macef, the Fair of Auxiliary Furniture of
Milano. In 2003, he gave birth together with Alberto Gobbino
and Carlo Frigerio to UNFAMOUS, a creative platform that
works in different disciplines, such as painting, video
production, communication and design
(www.unfamousatelier.it) He carried out an internship at
Pininfarina where he designs a hydro-massage shower for
Jacuzzi that was produced in the year 2007. He collaborates
with the studio BRH+ of Turín in the project of restoration
of the concert hall "Hiroshima Mon Amour" and for the
exhibition SPAcqua of Amnesty International in Milano, a
project with which he was awarded the first prize of the
Enzo Baldoni Prize. He carries out workshops with Lucy
Orta, Vittorio Bonacita and Gufram. In the year 2006, he
collaborates with Artemide in the research and
development of lamps of Michele de Lucchi, Matteo Thun,
Karim Rashid and Ross Lovegrove. In Madrid, within the
Masters European Design Labs, he carries out photographic
collaborations with the Instituto Europeo di Design of
Madrid. In the year 2007, he establishes the design studio
UNDB, Unfamous Design Bureau. (www.undb.it)
Claudia Contreras Born in Colombia in 1977, she studies
Industrial Design in the Universidad Autónoma de
Manizales (Colombia). From the beginning of her career
she is interested in ecological design, understanding this
discipline like a way of helping to improve the quality
of man's life, and the well-being of their environment.
Her interest in the environmental responsibility makes her
to work in Cali (Colombia) with the Zoo and Botanical
Garden (Design of interactive educational and signalling).
Later on she works for two years with “Almacenes Éxito”,
a chain of superstores, where she coordinates the logistics
of the assemblies of the atmosphere (ephemeral
architecture) of the season in the different warehouses,
and she participates in the remodelling and opening of new
stores. Simultaneously, she works as teacher of Composition
and Structures (Basic Concepts of Design) in the department
of design of Universidad del Valle (Cali, Colombia).
188
Davide Fichera lives in a city by the sea in the south of Italy.
After a formation as draftsman, he begins to study Industrial
Design in Università degli studi di Firenze (Florence), where
he acquires a more architectural focus than about the
product. Two years later, he travels to Valencia (Spain),
where he remains one year, through an Erasmus
scholarship, studying in the astonishing complex of
Universitat Politéctica de Valencia. Upon returning to Italy,
he graduates in the year 2006. He has always been
interested in the image, be it graphic and/or photographic.
Granted a scholarship by his Italian region, he returns to
Spain, this time to the capital city, to carry out the Masters
European Design Labs. He chooses the course of Visual
Communication. He has worked in studios of architecture,
of design of exhibitions and publicity. Curious by nature,
he is crazy about the process that lapses among the briefing
and the concept: that semi-logic and unpredictable
creative chain.
Berta García Born on December 10th, 1977, in Palencia. She
begins studying Technical Engineering in Industrial
Mechanics in the Polytechnic University of Valladolid, but
her restlessness for design motivates her to change this
specialty for that of Industrial Design. In 2002 it concludes
their studies in the University Alfonso X “El Sabio”, Madrid,
and her professional career begins by developing projects
of interior design for big hotels in a company of woodwork
in Las Palmas de Gran Canaria, where she explores other
fields developing commercial works for VOX. Two years
later, she comes back to Madrid to work during three years
in the Institute Renault as consultant of quality carrying
out projects of re-engineering processes. The sum of the
previous experiences gives way to the necessity to enrich
her knowledge in the field of the design.
views, visions and challenges in the world of design, in order
to try to be able to contribute something new to society.
Nienke Haan Born in Holland in 1978, Nynke attended the
secondary school in its maternal city of Leeuwarden. Then,
after one year living in Caribbean and an internship in
Washington, D.C., she receives her BA in Art & Design. After
her graduation she returns to Washington to create and
direct a department of interior design in International Arts &
Artists, an organization of art management. Here, during
five and a half years, she develops her portfolio of graphic
design, composed by corporate identity, newspapers,
pamphlets, posters, and other printed materials. Her main
work, however, was the design of art books. Nienke looks
forward to deepening her abilities in the design of books,
exploring the technical aspects of this means and
investigating multilingual design.
Andy Marlow Born in London in 1974. Varied early
employment history whilst living in England and then
traveling around the world. Returned, still young and
became a policeman in London for three eye-opening years
before going to Spain to learn Spanish and teach English.
Became interested in design whilst living in Barcelona.
Studied graphic design, then worked as a graphic/web
designer in both large and small studios. Moved to Madrid
to work freelance. Has now been in Spain for eight years.
Has a wide interest in varied subjects outside the world of
design, which contribute to the work undertaken within it.
These interests include evolution, psychology and religion,
which have all manifested themselves in his thesis project.
Other interests include snowboarding, photography, chess
and cinema.
Alberto Gobbino Born in Turin in 1983. He graduated as
a designer in the Polytechnic of Turín. In the year 2007,
he worked with Inga Sempé in Paris where he carried out
with her several projects for Ligne Roset, Edra, Magis and
Cappellini. He is a founding member of UNDB and of the
photographic studio UNFAMOUS. He currently lives
and works in Madrid.
www.unfamousatelier.it
www.undb.it www.unfamous.it
www.justbu.it
Mª Eugenia Mendoza was born in 1982 in Mexico DF.
She studies Graphic Design in the Technological University
of Mexico. She specializes in Publishing Design studying a
Masters in the University Anáhuac. In 2005, she incorporates
to Inplax, a Mexican company focused on the injection
of plastics, where she collaborates in the area of printing.
Deepening in her the publishing interest, she carries out
a seminar on Information Design at the Biennial of Latin
Literature in Veracruz (2006), and a course of Bookbinding
in the Institute of Investigation and Culture in Ciudad de
Mexico (2007).
Mónica González del Pliego was born in Mexico, D.F., in 1983,
there she studied Industrial Design in the University Anáhuac.
She has participated on two occasions in the “Prizes
Quorum”, being finalist in the last two editions with her
project of thesis. After concluding her studies in May of the
year 2005, she develops projects as an independent designer.
The same year, she worked for F.G. Industries designing
moulds for the process of compressing and casting of
polyurethane pieces, and in 2006 for Air Design, a company
specialized in the design of automotive pieces and
accessories. The artistic skating on ice is one of her big
passions since she was 11 years old; she finds in it art, passion
and discipline. Interested in learning about other cultures
and perspectives, her restlessness grows to amplify her
Javier Pascual Born in Madrid in 1982, he has always liked
to draw and the plastic arts although their formation went
more directed toward the sciences. He decides to carry out
the studies of graphic design in the GARBEN art school and
technology. Little time after beginning the studies, he starts
to work in the marketing company R. L. Polk as responsible
for the visual design of the works for automobile brands.
He finished his Master studies in Publishing Design in
Istituto Europeo di Design in Madrid and after finishing he
works for Manuel Estrada Studio of Design. There, he carries
out works for different environments, ranging from digital
design, web, publishing, and corporative identity.
Photography, music and the search for new experiences
are his main motivations.
189
Enrico Pastorello was born in 1969 in Padua (Italy),
graduated in the School of Architecture at the University of
Florence. He is charter member of the cultural association
COA (Cross Over Arts), with headquarters in Bologna,
founded with the purpose of promoting the integration
of the arts, being in charge of the organization of events,
assemblies and sceneries, making this way an intense
journey of creative fervour in diverse periods. He has been
dealing with maintaining alive a natural creative attitude
and at the same time, he has developed an intense
professional activity. This is the reason why he looks
forward to joining the diverse experiences in labour,
channelling them toward his great passion, Design.
Mario Alonso Ricci studied architecture in the Peruvian
University of Applied Sciences (UPC) in the city of Lima, Peru.
During and after his studies, he practiced and worked in
diverse studios of architecture and landscaping. Now he
works as free-lance architect, having developed projects
like beach houses and in the city, multifamily buildings,
besides interior design and design of furniture. From time
to time, he publishes articles on design topics in diverse
Peruvian newspapers.
Maider Saracibar Born on July 17th, 1979, in Vitoria, a calm
city in the north of Spain (Basque Country), she studies
Publicity and Public Relationships at the University of
Basque Country (UPV). When finishing the studies, she
travels to Barcelona, where she begins her introduction
to graphic design by means of Publishing Design.
After one year in Barcelona, she returns to Vitoria to work
for Ega Master, an international company of hand tools. She
works in the areas of marketing and communication; she
redraws the corporate image and the graphic contents of
the company: packaging, catalogue of products, and so on.
At the same time she carries out works of graphic design as
a freelance and she collaborates with Zabalik, a local
magazine. The experience of working in a company,
together with her personal restlessness, take her to
cultivate a critical vision of graphic design, looking for
enlarging her perspectives on this practice, and her vision
of the visual communication.
Sharon Sacal was born in Mexico DF in 1983. She finishes
her school studies. After a brief stay in Paris, she travels
to Israel. There, she spends a period of time in the army, and
in a kibbutz. After her trip to Israel, she returns to Mexico
and begins her university studies in Industrial Design.
In parallel and as a kind of continuous and complementary
formation, she studies design in 3D, she carries out an
exchange of six months in Madrid, a course of Accessories
and Complements in Fashion, and a workshop in
Boisbuchet. Does paging their studies begin to design a
collection of shoes for Simil Cuero Plymouth; at the end of
2006, she unveils the first collection of her own line of shoes,
“S?”. Her main interests are to know different cultures,
to travel and to learn something from each experience.
As for the design, she is interested in fashion accessories,
and in particular in the world of shoes. The passion
for shoes is something that she has always had;
when designing them, she has transformed her passion
into something of a vocation.
GIULIA_Portrait 1/3, 2/3, 3/3
This is a collection of fantastic objects, simply makes well us
have them surroundings because the objects welcome us,
they protect us and they remind us qualities, comings,
and people.
For that reason we love so much to the things and
we surround ourselves of them.
Any human being that is devoted to the creation of any
type of having manufactured part of a personal vision of
the world and it is guided him of their imaginary one deep.
During this process more or less conscious, it is known
that the creative vein is sometimes blocked. Often because
in the head too many things happen and so many reasons
are juxtaposed.
Functionality, ecology, sustainable environments,
are concepts of great importance, but they are far from
to drain the topic and to determine the result.
How can one speak of sustainable product when most
of the important concerning decisions to the sustainable
political decisions are? And what about political economy?
And what does it mean functionality?
Is it functional that there is such a quantity of
functional objects behind the windows, in an overflowing
world of garbage?
What motivation to take place when you can have a
youth full with beautiful hope, good will and a minimum
of civic sense?
To speak today of design is pleasant so much as much
as to speak of food after an indigestion.
Nevertheless it always exists a reason to create and the
fact that we live in a so saturated world of objects doesn't
mean that all the necessities already have an answer.
Maybe today more than ever in this world and in our
hygienic and pornographic way of living have necessity
of “everything”.
Then it is important to mend the union with the deep
vein. With any means necessary. With any idea, although it
can seem crazy a priori. The first one is generally the best.
This is the road of the intuition.
Imagine a blank page
Imagine the classic crisis of the blank page.
and now
imagine a silent room
imagine the same person and the same blank page
and another person before
Imagine that you make a portrait, slow one slow hour;
you still stop a dozen of minutes to finish the drawing,
the hair.
Imagine that, once alone, write a small text: a memory,
a reflection,
As a brief, frequent trip.
Imagine that, later, repeat the same thing with
another people.
They are 14 in total. They are the partners of a class.
Days have passed.
Now there is a package of pages on the table, in fact two,
The same person of before it is seated to the table.
190
191
Imagine that has had many doubts and uncertainties,
but that now has decided.
Imagine it while catches a portrait of the first package,
it hangs it before if,
and of the second package you take the small text that
corresponds to read it.
And now look at it to meditate and to wait,
it is letting him to be formed an image in the screen
of the interior of their mind.
And now, how long ago? You write it, you describe it,
and you explain it to yourself. It picks up
each detail because then it will build the objects that
she has seen in fact.
What had she decided after so many doubts?
She had decided that they served these objects to her.
They would serve her: a while ago they had predicted
that their first project of success could be an armour
artificial protector, for the one who, as her, she did not
have it.
She had forgotten, but now that was free of developing
a lunatic intuitive project, she had decided in fact this:
that their alter ego more important ego was a warrior.
And that this needed to be addressed endowed with
weapons and endowed with efficiency.
Their 14 course partners would be from now on in
an unconscious way their mentors.
She would have obtained of each one of them a useful
object for this plan.
An involuntary gift, fruit of their qualities, of a to feel
opposed to them, sometimes maybe an understanding
fifty-fifty. Certainly all extremely useful ones.
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ANDREA_Hospital for the Reanimation of Objects
The clinic of reanimation of objects explores mechanisms to
apply the “re-use” concept to the objects found in the street,
forming new configurations of the same ones through
diverse alteration processes. Each piece has been cured as
a sick “patient”. Starting from their diagnosis intends the
therapy of more appropriate reanimation. At the end the
cured “patients” are reinserted in their cycle of life through
an auction, closing this way the circle in a sustainable way.
I believe that a way to solve the problem of the garbage is
to sensitise people for reutilise, making that the objects are
recovered with dignity again. Better than to use them
and to throw them, to revive them.
God willing also the production industrial may rethink
their processes to create “objects a little eternal!”
Everything began the day in which arrived in Madrid,
February 10 2007.
And how prisoner of their charm I was. gave me the
impression that everything you could develop. In the
following months I discovered another Madrid, their organic
mechanisms and their frantic rhythm. Once Danny de Vito
said <<God willing, the people from Madrid will be able find
the treasure soon>>. Strange, because to me I looked like
each other that the oracle of de Vito it was already fulfilled.
In fact I began to pick up waste that seemed treasures.
I took little in realizing that the streets of Madrid were free
a store to open sky.
What is a waste? Something that does not work is
something that has lost its charm? Who has said that we
cannot fall in love with the “imperfect” things?
Here the idea of the Clinic of reanimation of objects
was born to explore mechanisms to apply the re-use
concept to the objects forming new configurations of the
same ones through diverse alteration processes. I studied
strategies of processes, of mechanisms, to create an own
methodology and this way to revive these objects in a way
scientific “quasi”.
The Clinic of reanimation of objects focuses its
diagnoses in the causes that provoked the fact that
an object was discarded.
The investigation process is located in the streets of
Madrid it is going for a walk and finding in way occasional
waste pieces, be during the journeys of some private or
public collections in diverse neighbourhoods.
In the months of November and December 2007 have
picked up 20 pieces you discard. For each opposing piece
a descriptive registration has been created: the place,
the date, the hour and the opposing problem.
Each “patient” has her diagnosis and she intends the
therapy of more appropriate reanimation. For the therapies
they have been developed different technical, belong to
structural typology or aesthetics.
At the end the cured patients have been reinserted in
their cycle of life you dare of an auction, closing the circle in
a sustainable form. I believe that a way to solve the problem
of the garbage is to sensitise people to the re-use, to make
that the objects are recovered with dignity again, back that
to be used and thrown.
God willing also the production industrial reengage
their processes to create objects a little eternal?
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CLAUDIA_Hook & Loop
The relationships that can have the handmade systems
of production in the contemporary society make that
when designing products where the user intervenes,
in the creation process, have an unique character since
they take the characteristics of the hand that he works him.
Together with this thinks about to use contemporary
materials with handmade forms of creation and production.
My interests are the relationships that can have
the handmade systems of production in the
contemporary society.
Personally they get me a lot the attention the products
made by hand, the handmade thing, where a product will
never be exactly similar to another for that it takes the
characteristics of the hand that works him.
Among the handmade several techniques I inspired by
Batik for the development of my project, taking the property
that has the wax of cracking once hardened, it allows that in
the later one coloured broken lines or “crackled” are drawn
that are the differentiating stamp of this technique
of colours.
These lines for me are an analogy of the life; in the
structures and ways of the living beings’ growth.
What was looking for was as applying these structures of
growth in a contemporary context; the Velcro that is a
material that using lineal modules gives me the easiness of
to create diverse forms and to grow structures in an organic
way working; Involving the user in the creation process.
What I really find interesting it is the infinity of possibilities
of this element invasive. And like each person that interacts
with him can interpret it in different ways.
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DAVIDE_Enfrenta
The cultural association faces it summons a competition
of graphic, arts and ephemeral architecture to intervene
in the streets of Madrid and to show the whole creative
potential of the moment.
The purpose is to motivate the artistic creation
and to provide to the city a strong attractiveness.
The proposal is of a new expression tool
and communication.
All that takes place is to sell it. As? Announcing it.
The publicity is a necessity; it is a demand of the system
in that we live. She surrounds us and we have assumed it as
part of our daily one. Why? Simple, we live in a world where
to generate benefits is a very important thing and,
the publicity, completes these expectations.
Of here part my reflection:
Does the possibility that the artistic expression ends up
generating economic so many benefits exist so that
becomes part of the daily one? And which the method,
the movement or the system that it allows that this
becomes in fact would be?
Therefore, assuming like a “rule” the necessity to
generate benefits and basing my project on promoting
the arts is born it Faces.
faces it proposes like a reflection platform and cultural
action that it acts in urban contexts. intends in synthesis of
taking the museum to the street leaving that the art in many
of its aspects is accessible for all.
In short Faces it outlines to locate specific points
inside Madrid where artists, illustrators, graphic designers,
architects, etc. they can intervene by means of a
competition, where who wants it can propose their work.
The convoking foretells interventions of graphic, arts
and ephemeral architecture that were carried out
respectively in facades and squares in the neighbourhoods
of University and Justice.
Every six months will be renewed the convocation
revalue the different contexts again where you intervenes
and to take out to the street the creative best potential so
much national as international. This way a continuous
circuit is generated that will propose, throughout the whole
year, two important dates in the cultural calendar of the
city. It faces it seeks to valorise the areas in which
intervenes, to generate a repercussion in the means as
much for the event as for the city. wants to sensitise the
great one I publish, to foment toward the artistic disciplines
192
and with this to support the positioning of Madrid in the
artistic / cultural panorama so much national as
international. wants, with the support of the city council,
to develop synergies among associations, entities, private,
emergent talents, etc. generating this way an added value as
much for the city as for the citizens.
All this is possible since it Faces it is a new expression
tool and communication that feeds by means of the
patronage of entities you publish and/or private.
The convocation this proportionate one to the city
of Madrid although it could adapt to many other contexts.
In fact, it faces, it is a womb that this based on the analysis
of the environment in that we live and that finds basics
in many different environments.
clothes until yesterday, today they found the harmony
meeting forming an object full with light to each other. We
hang the image, to which so much importance gives
him/her nowadays, to open the way to the essence that
each one takes inside.
The superficiality floods us; it doesn't allow us to see
what we are really.
The falsehood and the lie believe tension among us and
that light, the light of the truth. Continuous tugs make that
this object is priced for us as the same balance.
The harmony among the elements is it makes that the
works everything,
the important thing is to use the contrasts in their
fair measure.
Do I care for it, and for you?
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BERTA_Do you care?
ALBERTO_Manicaretto
Do you care for it?
My intention is to design objects starting from other
mediating one a game
Of contrasts, to offer the possibility to establish a
parenthesis for the reflection.
A reflection on the contrasts with those that we live day
by day.
The values that each one of us has, the essence that
we all take inside.
The denominator common of all the objects will be
the light. The light understood as something fragile and
beautiful, something that it is necessary to protect.
The “shield-screen” is composed of elements that are
objects unaware to the components of common use in
the lamps in principle. Objects without a context.
They can be perceived as a metaphor, an element that helps
us to deceive the routine a little.
Do you care it? We ask ourselves time and again the
same question. We don't look at ourselves to the eyes
and the life passes as a story unaware to us.
It is necessary that we make a pause, a parenthesis
for the reflection.
That we look for the light, like a revelation.
The light, that fragile and beautiful treasure that
we should protect, to admire
And to enjoy. That this light is the harmony that
we need to live,
The reason of our object.
Do you care to see what is not? Do you care to imagine
the impossible thing? To realize that that object that
accompanies day by day is no longer more what was. It has
suffered a mutation and has transformed into light. It has
been revealed.
An element out of context. An object that helps us
to make fun of the routine. They are objects that can be
perceived as a metaphor, a reflection about ourselves.
Do you care if the illumination of your living room doesn’t
come out from the lamp to the one that so much got used
to see?
Let us imagine for one second that already anything
is what was... that some simple hangers that hung your
193
Manicaretto is an experience that submerges some invited
people on purpose in a “performance” that is developed
between a movie and a theatrical act, between an artistic
installation and a restaurant. The food, prepared for the
occasion for the chef Mario Sandoval, will be one of the
main vehicles that will articulate so many other stimuli
that will provoke different sensations in the guest.
The format has an objective double:
- To promote the continuous evolution of the product
(in this case Mario's food Sandoval), other stocking that
you enrich it endowing him/her of unusual shades
taking advantage.
- To give life to a parallel “product” that you can identify
with the experience created same ad-hoc for the guest.
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MÓNICA_PICKEAT
“The beauty is not in the object but in the eyes of who looks
at it, since this finds him/her the essence”.
The intention of the project is to recover and to develop
the value of the ritual of the food. To learn how to enjoy
the environment and tasting the foods. To prove, to savour
and to perceive with delight pleasant sensations related
with the atmosphere and the food.
The context is very important when perceiving
the foods to ingest them; depending on the place or
atmosphere where we eat we will have a bias or another
before the same plate. Equally, the utensils and objects
in those that oneself recipe is served, they condition the
perception of its quality a priori.
The development began observing rituals related to the
groceries consumption in different cultures, highlighting
differences mainly in the way of eating, the environments,
customs, traditions, plates, and the most interesting thing:
the utensils.
At the moment we can speak of a global culture that
cohabits with more local cultures, some of them they
conserve their rituals and customs. This has provoked
the evolution in the way of serving certain plates that due
to a mystification of uses and customs; they have acquired
instruments that didn't belong them traditionally
in principle.
The design has dived in the gastronomy giving him/her
more and more importance and care in the creation of
plates, utensils and instruments. Also, the transmission of
emotions by means of the food, charges a new protagonism
showing in what is known like design of experiences.
I chose the prickle like utensil to develop, since it is an
instrument commonly used in the Spanish gastronomy,
but also known by other cultures.
Exploring forms that are lent to the game of the
interaction with the object, breaking outlines in the form
of eating, but at the same time uniting well-known
characteristics for different cultures; proving different
forms so that the objects can work in different
environments, but always respecting the transmission
of sensations without losing of view the comfort and
ergonomics, I developed the collection of utensils
to eat: PICKEAT.
The collection of PICKEAT is the seed of a new line of
kitchen instruments that it consists on 4 stylised pieces that
they force to choose new movements for new rituals. Two
prickles PICKEATIN and PICKEATON that allow the user to
manage a particular body language, far from which you
know. The other two, PICKEATINTO and PICKEATONTO, more
evolved, that can inject sauces and seasonings inside the
foods, creating this way a different experience for the user.
They intend two versions of the collection PICKEAT, a shows
up in stainless steel, thought of the use for restaurants,
and another in plastic for caterings and sale to the market.
The objects in yes they are important, but more important
it is the experience that you leave us...
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NIENKE_Experiments of a polyglot
Wondering around the world of multilingual typesetting
Designing with multiple languages happens lives and it
lives. Certain developments help us communicate with each
other digitally across the world like Unicode? And Open Type
fonts? Unicode makes it possible to see different scripts and
different typefaces across computer platforms, applications
and the Internet. But what is the process when you have to
design to printed piece? Besides multiple combining Latin
scripts, we already face-combining Latin scripts with nonLatin scripts. Perhaps now we will even encounter to
combination multiple of non-Latin scripts. Such ace Chinese
and Korean, Cyrillic and Japanese, or Arabic and Greek. In
one publication.
So I wondered. Does what current benefit ploy there
of putting than one language it lives in one publication?
Who would be interested in publishing books with multiple
languages? How do you deal with languages you dog not
read?? Do ploy there cultural issues you need to keep in
mind? How dog you make sure the reader realizes that the
text they dog not read is merely to translation of the exact
same text they dog read without it being distracting?
Do you need to treat the languages equally and, if so, how?
Which typographic rules do still apply? What technical
issues do I need to consider, for example, related to
software and printing? And will the future bring for
multilingual typesetting? Ace went along, I tried to answer
these questions.
Different languages need different design approaches.
This makes sense if you think about languages you do not
understand coming from cultures you do not know. During
this project I dealt with four different languages of which
two I dog not read, two different reading / writing directions
with two different, opposite sides of binding, three different
scripts with different vertical proportions and thickness,
and one Sep of images with one theme in one book.
A nightmare waiting to happen! Or maybe to dream?
Fortunately, the experiments did lead to result.
I picked to format with the spine at the top which solved
the problem of the different reading / writing directions.
Concerning the text, I chose to four-column lay out to
enhance equality of the languages and the flow of the text:
the columns seemed to easily continued on following pages
without interruption. I chose to distinguish the Korean text
from the others because I was not able to find to font that
matched nicely with the other three. Since the potential
buyers of the book ploys not Korean, this distinction is
justified. I separated the text part from the image part due
to limited space and to not break up the columns. This way
there is lives emphasis on the photographs instead of on the
text. When both parts ploys open and the images it ploys
matched up with the text, the four pages look like one
large page.
With this experimental project I would like to continue
to discussion. Some people have told me that it doesn’t
make much sense putting all these languages in one
publication ace it entails complex work and the languages
ploys confusing if you dog not read them. With offset
printing you dog simply change the black ink plate with
to different language and print four different versions.
This may be true at this moment in it cheats but I do believe
that and it lives companies and institutions it lives it ploys
expanding to an international level. Promoting their
international presence and intentions ploys important to,
for example, humanitarian and cultural organizations.
If we explore this subject it lives, it may not end up being
such to nightmare. It may even lead to lives cross-cultural
awareness. Well, today at least to different approach
to book design.
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ANDY_Made by Mammals
To graphic book on the problems with Monotheism
Mission Statement:
To provoke thinking, reflection and rational debates
about religion.
To spreads some of the world's leading intellectuals’
you devise on the subject via the creation of images that
aid the transmission and retention of these you devise
and stimulate interest in the subject.
194
“Made by Mammals” is to graphic book composed of quotes
from leading intellectuals, both past and present that
rationally criticise religion and its role in modern society.
Images have been created to accompany this information
with the aim of making it lives memorable and increasing its
diffusion to wider audience. In this respect, graphic design
has an important role to play in helping raise the
consciousness of people who may not otherwise be
interested in religion.
The book concentrates solely on the three main
monotheistic religions: Judaism, Christianity and Islam
(to which 54% of the world's population adhere) that
by their exclusivity and absolutism plow the causes
of much irresolvable conflict in the world.
The aim of this book is to provoke thought and rational
discussion on the problems caused by these religions,
particularly among people that would not be willing to read
to conventional book on the subject. The most effective way
to summarize some of the many subjects addressed in the
book is to provide some of the quotes used:
“The Judeo-Christian-Islamic God is to nanosecond-bynanosecond participant in each event that takes place
in every cubic nanometer of the universe, from the
interactions of quarks inside atomic nuclei to the
evolution of stars in the most distant galaxies. What is
lives, God listens to every thought and participates in
each action of his very special creation, to minute bit of
organised matter called humanity that moves around
on the surface of to tiny pebble in to vast universe”.
VICTOR STENGER (PHYSICIST)
“When to man is freed of religion, there am there is to
better chance to live to normal and wholesome life”.
SIGMUND FREUD (PSYCHIATRIST)
“If Jesus had been killed 20 years ago, Catholic
schoolchildren would be wearing little electric chairs
around their necks instead of crosses”.
LENNEY BRUCE (THEY WERE RESTRAINED)
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Mª EUGENIA_Entre volcanes
Fear: Mexican Legends
“The legends are that patrimony of the imaginary thing that
comes from mouth in mouth like cooing of voices; they are
that spell that shelters the certainty of the life in front of
the mystery; to the one which alone you can arrive creating
in the imagination an alone accessible constellation of
beings in the imagination”.
The game the same as the legends have been a present
activity in the human being from immemorial times because
as activity natural power the social interaction with other
individuals, is a recreation form but also a learning proposal.
The game like tool educational help to enlarge the
knowledge, the domain of the language, the reasoning
capacity, planning, organization and taking of decisions.
195
“Among volcanoes” it is a game based on Mexican legends of
pre-Hispanic origin among which is recaptured myths that
you explain the birth and origin of cultures that have
marked the history of Mexico; their objectives oscillate
among the preservation of the literary wealth that you offer
us the legends and the educational function of the myth like
link between the man and their roots.
The mechanics of the game is based on the study of the
map of Mexico as well as of the localization of the volcanic
axis where we find at two of its more important formations
the volcano Popocatepetl and snowy Iztaccihuatl which
share one of the most famous and traditional legends in
“Mexico The Legend of the Volcanoes” transforming into
the main legend inside the game.
The objective of the game is to discover the treasure
that has been hidden for the Aztec emperor Moctezuma in
the period in that had peak the Aztec Culture and that by
means of the appearance of a supposed codex it indicates
that the treasure is located among the volcanoes in the
municipality of Amecameca (State of Mexico).
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JAVIER_Alienados
Big corporations of companies and public organisms
monopolize great part of the media. If some person wants
to express her opinion or some critic in a massive way
usually costs him/her a lot of work and money. This
provokes that the society goes being quiet in front
of the situations and a state of widespread conformism
is believed. To this some entire existent media, with their
contents, they don't help to improve the situation.
Through my thesis I want to stimulate the birth
of a channel that offers an alternative to the conformism.
To promote that the ideas and opinions that we have during
conversations, debates, chats don't fall in the forgetfulness.
To try not to complain without foundation and to
contribute solutions to the problems that surround us.
The Alienated project outlines a communication channel
so that people can express opinions. The operation
of this project is simple; leaves of an idea or proposal
that communicates visually, for streets, trade, in a potent
and cheap way.
In the supports where the communication of the
campaigns (posters, postcards, stickers, etc.) the address will
always go alienados.org which remits us to the web-blog
that is the nucleus of the project.
In the web it is explained what the alienated project is,
how you can participate in him, the manifesto, the
campaigns that have been carried out or they are being
carried out, as well as texts and videotapes related
with them.
But the most important part in alienados.org is the
blog. Here people can expose their ideas, to criticize the
campaigns that have been carried out, to contribute means
for later campaigns, to expose new forms of communicating
the proposals. It is here where it begins the cycle again:
idea-campaign-blog. It is not a blog to house insults or
complaints without foundation; it is a blog to expose
problems and to try to give them solution. The first two
proposed campaigns are MEDIATIZED that it outlines the
effect that you exercise the media HERE about our lives and
THEIR PUBLICITY that critic the saturation of publicity to
which we are exposed in the big cities. They are the starting
point of the Alienated project and the first critic proposals.
The production is taken in a self-financed way but
economic contributions will be looked for and of resources
that don't affect to the freedom of the channel.
The ambition of the project is that people can see the
exposed campaigns, say on them, but mainly that she wants
to express and to share proposals to avoid this way the
conformism that we are living.
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ENRICO_Prueba privada
Prueba privada is an intimate dialogue between the man
and the space. It is an intent to demonstrate that another
form of to build and to think an intimate space of a public
atmosphere, in which live daily, is possible, to guarantee
the harmony and the quality of life.
How the man this atmosphere lives. It is how it is the
character of a place, the ephemeral thing as new
architecture for new times.
In the modern life the deluxe concept, especially in the
big cities, it is bound to the space that the users have to
disposition, to be able to choose, the possibility to create
a space opening up and closing when I want or I need. This is
a luxury, static and in movement, to choose! To open up and
to close as synonym of freedom, to make the decision, to be
entitled the to modify the place where one lives.
It proves Private it is and I dialogue close friend between
the man and the space.
It is intent of demonstrating that another form of to
build and to think
an intimate space in a public atmosphere, in which live
daily, is possible, to guarantee the harmony and the quality
of living.
My project has been born from a simple reflection on
the concept of space public and private space, specially now
that we are absorbed in living the contemporary city, where
most of the architects and designers are projected to the
search of the minimum inhabitable space as author's test.
It is a second skin, an exercise of style to interpret the
demand of intimacy in the contemporary society by means
of a slight, easily transportable structure and mountable
that closing and opening up believes your private space.
It is a "Cocoon", built in Tyvek that is a not knitted cloth
made with micro-fibre of polyethylene of high density.
These fibres grant to the final product an incredible
resistance to the laceration, to the chemical agents
and the action of the climate.
Bent with the technique of the structural origami
it is configured in an object to human scale of
ephemeral architecture.
MARIO_Chicha design
SHARON_Ori-kutsu
To pick up and to analyse the information that exists in the
popular atmosphere around the world and to give him/her
the due importance in a sense not only guided to the item
of the design. With this purpose a virtual support is
believed. This is a blog (http://www.chichadesign.com)
dedicated to gather and to diffuse the popular different
expressions around the world and to be able to unite the
men like designers and natural artists.
Ori-kutsu, is the amalgam of a millennial technique based
on the origami with contemporary necessities focused
the woman.
The proposal consists on offering the contemporary
woman the easy creation of its shoes allowing him/her
to decide the type that either wants to take of heel, wedge
or plan. Also to be able to choose colours, textures or to add
accessories that enhance their gear. Ori-kutsu is a collection
of 14 pairs of shoes for any occasion.
We are in a time where the design has arrived at
unimaginable levels where the biggest limit is the domain
that one has of software more and more easy of using.
But what does it happen when these resources don't exist?
Where is the design? Until where does the next limit arrive?
Or it would be maybe better to ask: How did it become
before and/or like one makes where there are not
resources? This is the point where the reflection begins it is
to understand from where we come and to be aware of it.
A phenomenon at world level, overalls in popular sectors is a
design sample that arises as expression of the culture and
this it is reflected in creative solutions to specific problems
they are already of communication like of function. It is
surprising to see like a graphic proposal of Latin America,
which is very similar to the long thing of all their extension,
it can end up being very similar in Africa or in Europe and
this is given for that unconsciously becomes to the use of
the hands and the improvisation on the canvas in a direct
way lacking elaborated sketches. That unites the men like
designers and natural artists.
This would be the starting point of the thesis, to pick up
and to analyse the information that exists in the popular
atmosphere and to give him/her the due importance in a
sense not only guided to the item of the design. With this
purpose a support virtual chord is believed to the
contemporary tendency of the use of Internet. This is a blog
(www.chichadesign.com) dedicated to gather and to diffuse
the popular different expressions around the world. Another
end is to have a space where to find information that serves
as inspiration point. And lastly, to be able to find and to
demonstrate similarities that unite us as men. In this case
you will begin with the culture popular Peruvian, more
specifically Limean, to which is denominated culture
nowadays Chicha and that has many expressions like in
fashion, music, presses, art and “look”. There am of here
of where the general name of the thesis comes.
The main intention of this thesis is to rescue the
popular values that many times pass unnoticed and they
are very little valued in a modern society that appreciates
the consumerism of the fashion leaving aside the
importance of the cultural roots. To look for to inspire
by this improvisation class and customs. But overalls
to have very in bill that it is very difficult to be Chicha
when designing.
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196
Some day Imelda Marcos and Sara Jessica Parker will be able
to change his shoemaker for a bookseller?
It was not a question of glamour that only with 7 years it
was paralysed in front of a cabinet, where called me my
new love, a couple of dancers. It was not a frivolous
consumerism that that I put under an obligation to take to
my father for all the stores of Mexico to get some bicolour
shoes of the 60’s.
This is the history of a girl transformed into woman,
designer, and creator of a line of shoes that wants to be
made a gift and to all those that still continue thinking that
the line among the fantasy and to put the feet in the earth
can be so thin, like a paper leaf.
The current society is a flexible society that is
constantly in movement and change for this reason looks
for multi-functional products. These products no longer
alone they are limited to complete a single function if not
that little by little the transformation of these it is directed
to the space saving.
The same raisin with the fashion and with the footwear.
This tendency makes more and more varied the offer and
more and more impossible to either have all the existent
models for reasons of money like for space. Would not it
maybe be ideal to be able to have many options in a
single box?
To be able to unite these concepts thinks about as
technique Origami it bases since this it allows transforming
the idea from a three-dimensional object to one twodimensional and with this to have a considerable saving
of space. In the same way, alone that in contrary sense,
Origami allows us to build the two-dimensional thing in
three-dimensional. With this Ori-Kutsu is believed that is
the amalgam of a millennial technique with contemporary
necessities focused the woman.
The name comes from Japanese where Ori means to
bend and Kutsu means shoe, being formed with this a
concept of "bending shoes." The proposal consists on
offering the contemporary woman the easy creation of its
shoes allowing him/her to decide the type that either wants
to take of heel, wedge or plan. Also to be able to choose
colours, textures or to add accessories that enhance their
gear. Ori-Kutsu is a collection of 14 pairs of shoes for
any occasion.
This book in different women's hands can be a simple
one I classify of models, a game, a box of shoes that you can
use in some occasions, or maybe once used it can be a
newspaper where it illustrates the experiences lived with
the same shoe, that is to say, each user can give him/her a
very personal interpretation with that which each one of
these it will be an unique piece.
197
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MAIDER_Versus
versus it is the being's internal confrontation.
versus it is a meaning search.
versus it is a road toward a wanted and necessary balance.
versus it is a reflection on the consequences of a rhythm
of living accelerated and unconscious.
versus it is an experimentation through the design on
how to begin to find the keys that you help us
to live well.
versus it is a tool to make aware on the
reflection necessity, of recapturing time for oneself.
The central hypothesis of which leaves Versus it is that we
live too quickly to think / meditate and to be aware of what
affects us, of what we make, why we make it and how we
cohabit in society. Does the necessity to slow down exist to
get a more conscious and more balanced rhythm of life?
Is it necessary a time of reflection and a meaning search?
The process versus like design project wants to respond
and to give support to all these questions. The graphic
proposal of the dictionary "Vademécum Versus" inside the
field of the editorial design it is a symbolic tool of search,
reflection and it makes aware that it leaves of an individual
reflection to extend it to a social environment. Formally, it is
compound for words and meanings inside the mark versus.
The project is composed of three graphic pieces. The
central element is a dictionary of reduced format composed
by a selection of words and some of its definitions picked up
Dictionary of the Language of the Royal Spanish Language
Academy. The internal structure of the content of the
dictionary is divided in six chapters (one for each letter
of the word versus).
The composition and game with the textual,
typographic and formal different elements throughout
these sections is the graphic vehicle for the
experimentation of new expression roads and
interpretation, for that that, besides the significance
of the concepts in yes, feels new significances and roads
of interpretation of the content. The second element is
something more functional and it is about a collection of
postcards that you are good for the diffusion of the project.
To emphasize the being's more intimate and more human
part in front of the most superficial part, it has been
experienced in a photographic session with the human
naked body as canvas for the textual projection of the
message. The pictures carried out in this session are part of
this second element. These two elements (the vademécum
and the collection of postcards) go inside in a third
packaging element to reinforce the idea of intimate reading
that encourages to look for and to interpret the meanings
of the mark versus.
TRAVELEARNING
Some disorganized notes on the process as foundation
for the learning progression.
From final of the XVII century, coinciding with the
pacification of a great part of the one European territory,
until the beginning of the 19th century, coinciding with the
installation of the first rail lines in the continent, it was a
common practise among the young British aristocrats to go
aboard in a trip of a scholastic character that now we know
as Grand Tour (in French). This continental journey, which
quite frequently entailed stays in different universities and
academic centres, apart from visits to monuments of the
antiquity and the Middle Ages, was developed in very
unforeseeable ways in function of the changing
circumstances that arose before the traveller. This way,
neither its duration in time neither its precise itinerary
could be predicted, being the sensorial and intellectual
experience of the passage in itself the corner stone of the
implicitly didactic process in the ritual of the Grand Tour.
To sum up, it was a trip just for the love of learning. When
they came back to Great Britain, it was considered that
these youths had already achieved the right conditions to
carry out posts of leadership and representation, verifying
this way the great recognition enjoyed by this peculiar
travel of a scholastic nature.
The gradual acceleration and pluralization of the long
distance transport, from the railroad to the airplane,
have erode the myth of the trip converting it in a mere
displacement from one place to the other, different and
frequently distant. From the Grand Tour to tourism: we have
forgotten the didactic nature of the travel and we have
retained its playful aspect alone. This fact is symptomatic
in the contemporary Western society, avid of radical
heterotopies and immediate changes, hungry of final
results and not very attentive to the intermediate processes,
which are those that truly feed the human curiosity.
The previous analogy is quite useful to demonstrate
the importance of becoming (of the act of travelling) in the
process of learning and teaching, emphasising even more
–if it were possible- when we refer to sensorial disciplines,
which are directly related to experience, perception and
creation. Only in this process-related way, the progression
of learning ends up by permeating and providing the pupils
with true inventive tools and not with of robot-like
solutions to predictable problems. The academic sphere
runs the constant risk of succumbing to the immediacy
and the velocity imposed by the commercial pressure for
tangible results and final products. For that reason, it is
suitable from time to time to come back to the roots and to
recapitulate which is the essence of learning and teaching.
The learning process, as a trip, implies not to be in a
concrete place neither in a concrete instant, but in constant
movement. This terra incognita, where the few fixed
elements around which we pivot, serves us as points of
orientation, sharpens our always on the move perspective
of the world and our use of the limited resources available
in each moment.
OBSERVATORIO CULTURAL
The learning process requires time and even redundancy
of time, something that Samuel Beckett used to call idleness
(the practice of the laziness), because alone this way you
may succeed in observing the world thoroughly and
fixation. To give and to be given the necessary calm to
develop advanced strategies, to explore accidental roads,
for to stray and to extract a lesson of it, to rationalize the
experience, and internalise it. A paradigmatic example of
this patient, extensive and observing method is that of the
psycho-geographic drift, a sort of urban trip through which
the members of International Situationiste submerged
themselves in the city. With the act of losing themselves in
the flows of the urban scenario, without accelerating them
or slowing them down, this technique allowed them to
decipher the urges encrypted in the urban palimpsest.
The learning process demands perseverance and
uninterrupted attention. The solution to a question can
arrive us there in the most unlikely and fortuitous way
where not we hoped to find it (travel anecdote), or on the
contrary through the accumulation of small experiences or
juxtaposed tentatives (binnacle log book). As in the
Exquisite Corpse, that graphic sequential game popularised
by the Surrealists, each step of the didactic exercise adds
a new stratum that you have to ensemble to the previous
ones, thusly producing a more complex and richer
cultural heritage.
The learning process is nurtured of the memory and of
the reuse of the memory. The traffic it enriches alone if in
their development they leave picking up experiences in a
net imaginary, vast and at the same time slight. This
warehouse of resources and images, by way of momentary
and permanently provisional cartography, illuminates
subsequently the road; granting meaning, it climbs and
address to the steps not yet taken.
The learning process does not exist without
communication. Not only the apprentices travel but also
the ideas, and every time to a bigger extent. Michel Serres is
quite right, a philosopher obsessed with the brutal velocity
of the air transport, in reminding us that the learning is in
the exchange, in the miscegenation, in walking to the
encounter of the otherness of knowledge.
The learning process includes intrinsically the strategy
of the practice. The formation is not a simulacrum of the
reality but a critical reading and transformation of the same
reality. The many tries only make sense when there is a true
risk of failure and when they are consciously directed
toward a necessary and instrumental change of reality.
The learning process leads to intuition.
198
“Deep in the heart of European Design Labs, in the fight
for reconciling both the technical or practical part and the
theoretical one of the people who are being schooled here,
there was a proposal about the creation of a theoretical
milieu, which would be able to link up creativity with
organizing abilities, individual sensibilities with collective
culture, intuition with practical demands. This way,
“Observatorio Cultural” was born as an integral part in
the teachings of the Masters. This “Observatorio” has been
the natural places for proposals in the form of a series
of master classes, contributed by experts and specialists
in every subject area covered, as well as a series
of seminars to provide theoretical support to the
development of thesis and the continuing workshops.
Therefore, here and today, we have in our hands the result
of this hybrid crossroads”.
Nieves Soriano Nieto contributed editing and writing these texts.
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THINKING AND LIVING IN THE SOCIETY OF THE FUTURE
Francisco Jarauta, Philosopher
The series of lectures included in Observatorio Cultural,
developed as a theoretical counterpart for the Master
European Design Labs in their 2007 edition, a work directed
and coordinated by Gala Fernández at Istituto Europeo de
Design in Madrid. It was launched by means of Francisco
Jarauta’s contribution; he is professor of Philosophy at the
University of Murcia.
Francisco Jarauta went into detail about a global vision
dealing with the ‘cartography’ of the restlessness that
suffuses the current situation of the world. In the last thirty
years, from the beginning of the 1970s until our time, the
state of affairs of the world with regard to time has changed
due to the introduction of a series of objects, tools or means
that have revolutionized the current global situation, from
the life of people as political subjects to the standpoint of
governments. Now everything is based on speed, from the
wireless telephone networks to the Internet and many
more, all of which still produces an increasingly fast time
that still has not been taken in by the citizens, as well as
causing them to feel what we could call the symptom of
Modernity: the anxiety. It is in this way that every one of us
-citizens of time- has to live in the breach marked by an
insurmountable difficulty to read through all these changes.
However, like Zygmunt Baumann has pointed out -a concept
mentioned by Francisco Jarauta in his lecture- we are in this
day and age the “global observers”, and by taking them as
starting point, we will be able to ponder rightfully on time
and the future. In the lecturer's words, “this is a time about
which one needs to have precise interpretations in order to
be able to make the revolutions of the future”, and the
absence of these interpretations is the one that highlights
199
the difficulties that we have had when interpreting the
future during the last thirty years. A clear example of what
has been said is the one dealing with the institutions that
were created all through the 70s, with headquarters in
Texas, Tokyo and Hanover whose main task was to predict
or to provide prospective knowledge about what the world
situation would be like in the year 2000. None of these
research institutions, in the face of the incredibly fast
changes that have taken place through time, could end up
imagining the existence of the three factors that Manuel
Castells identified in the first volume of La era de la
información: la sociedad red, as Francisco Jarauta pointed
out. On one hand, the construction and use of a device so
necessary nowadays in our modern way of life as it is the
cellular telephone. Neither those institutions could have
imagined the fact of the democratisation of the computer,
which only existed as a military tool at the time. And, last
but not least, no one could have made any prediction
whatsoever about what is Internet in our time, and about
the dramatic changes that this tool has implied in our ways
of life.
On the other hand, and from the point of view of the
neurosciences, the existence of real examples and new
possibilities for cloning was not imaginable, something that
the philosopher brought up in his lecture through the case
of the sheep Dolly. And the question of the neurosciences,
little developed nowadays after being constituted as a
bioethical problem: all that surely looks forward to a future,
maybe unimaginable in this day and age, in which one could
develop a prosthesis as a new form of life created by
medical sciences.
These changes have produced a displacement that
introduces us in a new type of society, the modern society
that, just as Zygmunt Baumann has pointed out, it is no
longer characterized by its rigid character, but by its
liquid nature.
The liquid nature of this society, in which there is not
only a dilution and a dissemination in a truly global way
concerning the questions related to the economy or the
politics of knowledge, but also with the daily life of the
citizens, all of which will provoke, like Francisco Jarauta
predicted, a state of affairs in which the identities will be
global, that is to say, in which the differences between an
inhabitant from China and one of France will be much more
reduced: both will create their imaginary one with the same
video games gadgets, both will listen to the same music,
and even both will be able to meet in real time around the
Net in spaces such as those provided by Second Life.
Like the philosopher pointed out, insofar as it is
possible that we “think with respect to the system of
information that we use”, there will be spaces created in the
liquid society of the future, spaces where there will be room
for ways of thinking that will be no longer related to a
feeling of belonging to a local identity, but instead they will
be common to all the citizens around the world. This will be
favoured by the fact that through the use of new means like
the Internet, knowledge has turned into something more
democratic and accessible to all the people who have
access to the Net. Whereas in previous times knowledge
was something characterized by a series of norms, and one
could only have access to it through a series of rituals
stressing a stern respect for the norm, all of which made
sure that knowledge would be in hands of a reduced
number of people, nowadays we only need to open a web
page to be filled with new input.
This allows for a bigger reach in what we have been
usually called the project, a concept that was developed at
the beginning of the 20th century by Mies van der Rohe or
Le Corbusier in order to think about the house of the future,
and it is through the projects, which are prospective
thinking, that we build up new ways of thinking about
our future.
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COMMUNICATION, FABRICA AND COLORS
Renzo di Renzo, Director of Fabrica and Head director
of the magazine Colors
Renzo di Renzo it arrived to the cycle of the Observatorio
Cultural to speak to us on what it means and on what it
consists the project of Fabrica and how one has come
materializing until nowadays the magazine Colors.
It manufactures it was constituted from their birth like
an investigation centre around the communication, born of
the initiative of Benetton that gives an expression place to
the creative youth. Located in the city of Treviso, in their
centre people meet of less than 25 years that are devoted,
without theoretical class some, to work in concrete and
creative projects. Of their heads the initiatives that
collaborate with the different disciplines covered by
Fabrica: Fabrica Cinema, Fabrica Musica, Fabrica Fotografia
and so on.
From among the projects carried out from Fabrica
the magazine Colors was born, in the one that, around
a thematic one in short, it is in each number about
meditating from an ethical point of view, with images
or communication projects, on the outlined question.
As the very Renzo di Renzo pointed out in the lecture, the
communication has come being treated wrongly based on a
concrete number of projects carried out from the same one.
And these make reference to the fact of carrying out
publicity associating sensations to the product that is
attractive to have the car with more motor, for example,
instead of associating ideas to the same one. The
communication, this way, it should suggest, it should make
us think, to meditate the one that observes it, getting that
that spectator in his future experience associates that
thought to the product. This does not create the conditions
for the flat thought, but rather it presupposes and it
educates the spectator in the configuration in their head in
a thought way. And this is the intention from which leaves
so much to Fabrica as to the magazine Colors.
The visual products created from this type of idea the
frontiers of the restricted functionality of the image that
has come giving the communication that does not incite to
the reflection open up. It is hence that a picture, as which is
part of the cover of the first number of the magazine Colors:
It's a baby, carried out by Oliviero Toscani passed of being
an advertising image of Benetton, in its campaign in favour
of the diversity and the new bets, to be an image used
as representative of the contemporary maternity in an
exhibition carried out in Holland around the presence of the
reasons of the maternity throughout the history of the art.
The relationship among Fabrica, Colors and the
reflections and ideas are evidenced throughout the position
of their projects. Among them it is interesting to stand out
the one carried out among other next to the association
Greenpeace, materialized, questions, in the number 33 of
Colors, dedicated to Venice. It is about denouncing the
problems associated to the city as well as to make aware
their inhabitants: the overflowing tourism that produces
profitable situations from the financial point of view,
the massive presence of doves, and so on.
It is also interesting the project that was carried out
from Fabrica with the French association Reporters sans
frontières in which is described from inside of the
complicated situation of the reporters, which are about
offering a real information on the events that happen in a
concrete place, among them the accusation of the abuses
to the Human Rights, but that they are in most of the
occasions censored by different reasons that they
have to do with the economy and with the politics.
It is of special interest the project carried out in the
number 56 of Colors dedicated to violence. In him they can
be observed, through pictures especially suggestive and
talkative, different forms of violence in the world that
you/they speak of the war, of the ablation, of the death
penalty and so on. And this project unites to the one carried
out by Fabrica Cinema in the year 2001 with the
participation in the production of the movie No man’s land
-which was awarded with an Oscar to the foreign best
movie-, in which the human situations of peaceful
coexistence are narrated among a Serbian and a Croatian
found in a territory that is “no man’s land”.
And, lastly, it is necessary to point out from among so
lucidly the exposed projects for Renzo di Renzo the one
dedicated to the relationship that we have day by day in the
with the food, and that he/she gave place to the book 2398
gr. A book about food. In him it is exposed through a series
of pictures how the food transforms into fetish of the daily
rituals associated to the culture, how it helps us to
communicate, and how it associates to psychological and
social questions that transport it to a place where it stops
to be merely the object of satisfaction of a basic necessity.
Everything it, as well as the essential projects carried
out from Fabrica, it has been picked up through 2500
illustrations that configure the book Fabrica 10. From chaos
to order and back that commemorated, in the year 2004,
the tenth anniversary of that innovative space for
investigating existence and reflect around the concept
of communication.
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200
THE ROLE OF DESIGN IN THE NO-PLACE
Marc Augé, Anthropologist. EHESS, Paris
When analysing the role, so much ethical as political,
of design in the current world, in the inner process of the
Observatorio Cultural the reputed anthropologist Marc Augé
was invited to carry out a reflection on the issue.
As the author pointed out, to be able to know the conditions
of the design in the contemporary society, it is especially
necessary to carry out a detailed analysis and to be aware
of how it works and how that society is organized.
At the moment we live in a world that has changed totally,
a world that the theoretical of the sociology have come
calling global, without opposite, liquid. This globalisation
takes place, as Marc Augé pointed out, two social and
general backgrounds, as well as new effects have to be
taken into account: on one hand we have a bigger
homogenisation, and on the other hand we have some
larger conditions and settings for the exclusion that goes
creating a larger distance with the passing of time between
rich and poor, among knowledge and ignorance.
Before the current situation has been developed, from the
critical conscience, a planetary restless vision, worried by
the reduced space that we share more and more people,
and that we are in an inadequate way.
1. The three mutations of the current world
In the global world three mutations have taken place: the
geopolitical mutation, the media and the space one. And
they are these three aspects those that are related some
with other, and those that assist before to the bipolarity
homogenisation-exclusion noted:
1. The geopolitical mutation has taken place
fundamentally at once of fading the frontiers among the
countries, staying the open world, being changed the local
thing by the global thing, to inclination fundamentally of
the introduction of the technologies of the image, in those
that the design has had a fundamental paper.
Beyond the same exchange of the local thing for the
global thing have been born also a series of consumption
spaces and of circulation that, for their globalisation,
and for their absence of ownership to a real space,
they are denominated by Marc Augé the no-places.
In these spaces without frontiers the condition of a
homogenisation is born, of an uniformity that takes us on
one hand to know everything that that means the
otherness, and for another to identify us with the same one,
because this uniformity extends and it makes us create
identities that you/they go beyond the frontiers.
Another of the characteristics of that global world is
the fact that, through the no-places, the space disappears
where it is formed the public opinion, that Greek agora
of the old tradition. They are now the media those that
administer that no-place in which an unified opinion is
believed that it annuls the possibility of existence of that
classic concept in the evolution of the cities that had been
the public opinion. In this sense the design has contributed
to complete a function unifying, for example, when
conceiving the city like place configured from the presence
of some significant, attractive buildings, but that turns it
201
into something banal until the point that they do not
respond to the necessities of the citizens.
2. The media mutation has taken place, and in this
question the graphic design, the illustration has contributed
intensely, so that they have multiplied the images and the
messages that unify the opinion and the pleasure. It is in
that point where the media confuses the public space with
the space of the public thing, being the public more seduced
by the consumption that informed.
The communication is related nowadays, from the
philosophical point of view, with what Hegel called “end of
the history”. The current realm of the instantaneous feeds
the ideology of the present, of the existence and
consideration only of the same one, forgetting the question
of the past, and the question that from the present a future
is built.
3. Lastly one can observe in the contemporary world a
space mutation in the one that, to global level, the politics
and the economy of the cities, of the countries it no longer
depends on their frontiers, but rather they are displaced
to some world big metropolises that constitute kind of
a virtual goal-city, in the terms of Paul Virilio.
It is this way the world an immense city where the same
products exist. And this world-city extends every time with
more force. However, it is in him same where they are
contained the city-world that you/they believe, inside the
same one, the private spaces of exclusion before noted. The
private cities arise this way, the private neighbourhoods, the
sectors of the public space, of the city, where one cannot
enter neither to leave if one does not have the identity
of belonging.
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AROUND IRMA BOOM
Irma Boom, Book designer
Irma Boom, in spite of having designed in different formats
and with diverse materials throughout their career, it is
qualified itself, as well he/she makes stress in the
conference, a designer of books.
1. Design of books and the creation of discourse
The books that Irma Boom designs usually contain in its
material a visual interior that is supplemented, on a number
of occasions, with written material. Whether it is a book for
an artist, just as the one that she designed for Otto
Treumann (2000), whether it is a book for a company like the
one designed for SHV (1996), all the material that Irma Boom
produces goes accompanied with a brilliant idea of the
designer's print. It is hence that, in answer to Otto
Treumann’s critique to their book, with which he accused
the designer of discreetly distorting with that book the
perception of the viewer of Otto Treumann's work, Irma
Boom responded that it was "her book on him." And it is that
she works knowing and being aware of what it means
nowadays, being inspired theoretically on the history, to be
a designer of books. For Irma Boom each book in its group
transforms into a collection of curiosities. These pass to
their hands in their fragmentary and dispersed character,
and her, in their task; it is about giving them a discourse
in their group, as which we can have an art exhibition.
To open each one of the books designed by Irma Boom
is as visiting an orderly small room full with the marvels
of the world, as those that Marco Polo could offer to a
collector after his trips. She believes the speech on the same
ones, using different technical that they allow that the book
not only speaks through the written word that it can
include in its breast, but through the composition of the
visual thing.
One of the recurrent speech techniques in the form
designed by Irma Boom for the books is the use of an
opening / clipping with form to circulate in each one of the
pages, the one that allows to show in an image a fragment
–chosen in a conscious way- of the image that is located in
the previous or later page. This is present in the book with
the work of Petra Blaisse, Inside/Outside, and in Vitra Work
Spirit Book (1998).
Another of the main techniques of speech that Irma
Boom has used in such books as the one dedicated to the
work of Ange Leccia it has been the construction of a metadiscourse through the use of A3 paper that, once deployed,
makes us establish a dialogue among the different faces
shown. In the series of built books with that typology the
author's texts are located or those that rotate around their
work in a covered with the one that the book is recovered,
and that, once retreat, transforms into a poster.
Lastly, a third technique of discourse creation from
among those shown in the report teach us how through the
impression of an image or some words in the opposed part
to the loin of the book, composed by the group of the loose
leaves in yes, one can give sense to the group of the work.
In Inside/Outside each one of the letters can be read in that
opposed part to the loin depending on if you begin the book
at the initial page or at the end, and each one of them
dedicates the space that welcomes in their core to show the
interior work or of landscaping carried out by Petra Blaisse.
In the book dedicated to the celebration of the centennial
of SHV, the impression of a hundred lines of colours on that
part of the book represents each one of the years that take
place in a discursive way.
2. Irma Boom beyond the design of books
Beyond the design of books, Irma Boom has also carried out
and she still carries out designer's works. One of the most
important was the elaboration of a design for a series of
silver currencies and gold in the year 2006, year that
commemorated the 400th anniversary of the discovery of
Australia on the part of the Dutch captain Willem Janszoon.
In this design Irma Boom outlines in a face of the currency
the profile of the current queen from Holland, and in the
other face a profile of the island of Australia, being both
united ones for multiple lines traced imaginarily which
parallel and alternative meridians that evoked as much the
current relationships as the cartography of the travellers
of in the past.
Another of their big design projects was a series of
phone cards dedicated to the European question. In them
relationships and interactions of different levels could be
observed among people beyond the frontiers. It is classic
the design of the card Euro Mix, the one that two women
are observed united by their languages, or that of Euro Cult
in which one can observe Miterrand only speaking with the
Dutch prime minister through their mouths, since the upper
part of the face that includes the eyes, is not detailed.
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CONSIDERATIONS ABOUT REVISTA ROJO
David Quiles Guilló, Co-creator of the Revista Rojo
and of ROJO®
Within the series of lectures included in the Observatorio
Cultural, a space was devoted and open to the reflection
on the model of Revista Rojo, for which was invited David
Quiles Guilló, one of the three creators of the periodical,
together with Alejandra Raschkes and María Ana Moura.
Revista Rojo nowadays is the means of diffusion for
ROJO®, to carry out a regressive context that is constituted
as a space of a travelling art gallery, being one of the main
hubs of diffusion of the art and of the artists in a broadly
international context.
1. In the origins of Revista Rojo
In the year 2001, it was born the idea of elaborating this
magazine with the same intention that has nowadays: the
one of transforming into an encounter platform and artists’
diffusion, no matter what their origins were, as well as for
their works or their worries. This way, it was carried out a
printed version of the same one in which were included,
in that first stage, not only the work of artists, but texts
materialized in any type of “literary genre”, from interviews,
to cooking recipes, or texts that had more than enough to
do with architecture. The texts, arrived from any part of the
world, had the peculiarity that they were published in the
original language. This question marked the origins of the
open character to opposites, properly international that
the magazine possesses nowadays. This magazine was
distributed for free, transforming itself into a project that
accompanied people in its daily tasks -those who get inside
the underground to go to work, those who walk carrying out
their purchases, and so on-. And what is more, it was
characterized by the question that, in the measure in that
each number was built on four versions, with four different
covers, it encouraged those daily chores with the collector’s
task as a detective.
After this first idea, the next step opened up to a second
phase in which was carried out a radical change of the same
one: it would be no longer a magazine of free distribution,
but rather a conceptual idea rushed to the market. Each
number should be focused on a concept, existent or created,
that inspired or that gave certain discourse of impressionist
cohesion to everything that was included inside the
magazine. The included materials, so that the magazine had
a more international context, would no longer be built on
the written word some -because these give rise to identities
and differences that can include or to exclude-, but rather
all that should be expressed should be made through the
image. Throughout this phase it was constituted as an
independent organization, ROJO®, and they carried out,
202
apart from the magazine, other design projects for big
companies like Smart or Nike.
2. ROJO® at the present time
ROJO® at the present time is, as it has already been pointed
out, an independent organization that is devoted to the
diffusion of art and of the artists in that international
context created throughout its last six years. Having been
born in Barcelona, it possesses today two headquarters,
Barcelona and São Paulo. The central project of ROJO®
continues being Revista Rojo, through which continues
spreading in single subject issues around a concept, the
works of well-known artists or young, emerging ones,
following the precept of being only visual. The magazine
nowadays has got a diffusion and distribution in thirty
countries of the world, not only in the European Union and
in the United States, but arriving to extreme places such as
Turkey, Israel, Australia, South Korea, China or India, to
mention only a few examples. This way, it has transformed
into one of the key points of reference in order to know
the art environment at a global scale.
But apart from the project of Revista Rojo they have
enlarged the diffusion horizons, carrying out the
publication nowadays of single subject issues dedicated to
some of the artists that have collaborated more with them,
among them we need to mention Fupete, Chet Purtilar or
Catalina Estrada.
In turn, they are opening the so-called Artspace where,
in galleries located in different cities of the world, they can
organize exhibitions of the work from among the artists
that collaborate with them. Currently, they are open to the
public in locations at Barcelona, São Paulo and Rosario, and
they will be of immediate opening spaces in Los Angeles,
Milano and Berlin.
Lastly, they carry out a revolutionary task to make
evolve the auratic art with respect to the art of the future.
They produce the artists' works in digital formats printed
on polyester, which allows them to sell and to diffuse in
exhibitions the work carried out more in the format of a
single copy through a road toward the art in the age of
mechanical reproducibility, as Walter Benjamin called
the phenomenon.
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AROUND THE WORK OF JOANA VASCONCELOS
Joana Vasconcelos, Sculptress of graphic design
Throughout the active and intense lecture that
Joana Vasconcelos offered concerning the cycle of the
Observatorio Cultural, you could appreciate the theoretical
value, explained through the words that accompany her
work. Joana Vasconcelos, as she describes herself, is a
sculptress of the graphic design born in Paris, but that
she works at the moment in Portugal.
1. Critical theory and active practice in the work
of Joana Vasconcelos
The interest of its work is centred mainly in that has a
strong root of political critic. Each piece is ingrained to
203
a thematic of present time that is of interest and common
concern. As herself he/she has gone explaining, and like it
will be detailed in successive lines, the art transforms into
an ethics form, after all, the aesthetics and the ethics in its
work are united, such as Wittgenstein had already predicted
for the art of the 20th century, lingering to the 21st century.
And it is that the art like cultural product, the same as it can
happen with other environments of the culture like the
literature, the picture or the cinema, it is transformed into
a product with a concrete form that not only speaks to us of
the author's background, but of the background of the time
to the one that the author belongs. Therefore, Joana
Vasconcelos criticizes the woman’s consideration as object
and it claims the equality of the same one for all the
societies with works as Spin (1999), Fashion Victims (2001),
A novia (2001) or Burka (2002), being this one of its biggest
topics of concern; it criticizes the programming of the life
and the career that the parents make of the children with
Kidsland (2001) or it criticizes the vexatious treatment that
we make the human beings to the animals in occasions,
what can be extrapolated to the environment, with Menu
do dia (2001), Passerelle (2005) or A Matilha (2005).
2. The work of Joana Vasconcelos
From among the pieces explained by Joana Vasconcelos
throughout the lecture, are picked up the most
representative point in the sculptress of the graphic design
here, as of the premeditation of their work:
1. Wash and Go (1998) belongs to the collection António
Cachola. Being one of the first pieces of Joana Vasconcelos,
it was locked in her one of the fundamental parts of what
would be their work, what she defines with their words
the tree-dimensional nature of "generation from the treedimensional." This work, made up of panties of colours of
the 70s inserted in the external layer of a cylindrical
structure, it rotates on itself in such a way that the panties,
in the face of their levity of weight, rises treating creating
risky similar waves to those of the flight of a bird.
2. Ponto de encontro (2000) belongs to Caixa Geral
of Depositos. It is a piece made up of ten seats of company
director or of high position, gathered in a carrousel that
rotates around the centre. This, like a critic space, allows,
as well Joana Vasconcelos points out that the high positions
can feel a sensation bigger than nimbleness that the one
that you/they feel daily in their works.
3. Spin (2001) is a piece that belongs to the collection
Mario Sequeria in Braga. It is made up of a surrounded
mirror of a diverse range of dryers that you/they point
toward the person that looks at you. These work as guns of
cold air that point toward the person that looks at you, in
such a way that instead of combing it, they disarrange the
hair it. This way, the so much functionality of the mirror like
of the dryer it is changed, and it transforms into critic's form
that speaks of that dark shade that hides also after the
beauty, or after the necessity of looking it.
4. Airflow (2001) is a piece belonging to the collection
Vítor Assunçao of Lisbon, heiress of Wash and Go that
follows the same outline that this. A series of ties of natural
silk inserted in a structure from which chance blows of air
arise, that which makes move the ties producing waves
of the so-called “generation of tree-dimensional nature
of the tree-dimensionality”.
5. Fashion Victims (2001), belonging to a private London
collection, is composed of three dolls that have a twelve
year-old body, and a height of a four year-old girl. These are
placed on a structure that rotates, and, with the turn, they
go covering without stopping of sewing for all the less parts
the intimate (those that theoretically from a canonical point
of view they should be covered) ones. This work is inserted
inside those that Joana Vasconcelos dedicates to the critic
to the woman's treatment like object through the corsets
that it inserts us a suit that has to be in a way or
another predetermined.
6. Kidsland (2001), belonging to the Hospital Pediatrico
Holandês, is a piece made up of a revolvable band on that
toys are located which go being chosen by the parents
depending on the profession that they predetermine, they
choose and with the one that is confined to their children,
the same as to themselves: a guitar for the musician,
a motorbike for the motorist, and so on.
7. A novia (2001) is a piece of the collection António
Cachola, Campo Maior, measuring six metres in height and
inspired by the design of jewels. This is built with tampons
entwined one with the other, and it implies a discourse in
critical way of the contemporary double standards in
morals in which is that the tradition persists, and of looking
that it is faithful to same -in the case of the girlfriend
arriving virgin to the marriage of white-, but however you
behave in the day by day in another different way.
8. Menu do dia (2001) is a piece belonging to the
collection Pedro Cabrita Reis at Lisbon. It is composed by
the interior of different refrigerator doors, on those that
skin coats have been hung. It is constituted in one from
critic's fundamental works to the abuse of the animals,
making see the confusion that exists among the skin that
eats up and the one that is used to be sheltered, belonging
in occasions to the same animal.
9. Brise (2001) is a piece belonging to the collection Elba
Benítez, composed by a sofa for two people made of roses
that represent the beauty through the colour and the
perfume. However, this sofa contains two cushions made of
naphthalene, which offers to the sofa an unbearable
perfume, impeding, even that the spectator can come closer
to the same one. It is again a contradiction that criticizes
the double standard of morals applied the couple.
10. Burka (2002), belonging to MUSAC in León, is a textile
piece composed by different suits of woman of diverse
cultures that use like form of identity. Among them, and of
there mainly the critical sense of the piece, the head is
composed of a burka. This textile piece rises toward the sky,
which the Platonic charioteer that through love drives us to
the truth, like Joana Vasconcelos points out. However, it never
ends up playing it, because it falls again toward the floors
again. And it never arrives, because that suit identifies,
oppresses and does not open up to the necessary equality.
11. Neoblanc (2004), of the collection at Galleria 111,
it is an electric structure made up of a net of plugs, screens,
bulbs, symbol of the society of nowadays that works
perfectly. However, in the moment in the one that one of the
plugs is unplugged, or one of the apparatuses, the complete
system is ruined and stops to work, which reflects
the power of the progress so much, as the weakness
of the same.
12. Passerelle (2005), belonging to the artist's collection,
is a piece made up of a chain on which different dogs of
deluxe ceramic are hung, dogs that belong and they
represent the pedigree races. These, when the chain begins
to rotate, and conform to they go colliding some with other,
they break in pieces and they destroy. It criticizes this way
the work the abuse that we have with the animals that
accompany us.
13. Dorothy (2007), belonging to the artist's collection,
is a piece that represents a shoe giant fact with lids of
different aluminium or stainless steel saucepans. These
saucepans, viewed from a distance, give an idea that the
shoe is made with giant spangles. This work unites to the
previous ones in those that criticizes the woman’s condition
that this time is on one hand housewife, and for other,
of face to the social thing, I object that should be decorated
with heels to call to the beauty.
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AROUND THE WORK OF NOUS TRAVAILLONS ENSEMBLE
Valérie Debure, Member of Nous Travaillons Ensemble
Valérie Debure collaborated in the series of lectures and
events of the Observatorio Cultural speaking about the
organization of which she is a member, Nous Travaillons
Ensemble, and of the work and the production that have
been carried out from the same.
Next to her, Nous Travaillons Ensemble is constituted
by Isabelle Jego, Ronit Meirovitz and Alex Jordan. All
together work in an organization that is defined in its very
nucleus with respect to some ideas of the environment of
the social and the political spheres that are very precise:
as Valérie Debure pointed out, their work is not dedicated
to private companies, but to associations and Non
Government Organizations that fight for what is fair and
just in the execution of each one of the ethical postulates
present in our life, as well as collaborations with the
government's campaigns that are dedicated to the public
awareness of these problems. Therefore, the association
Emmaüs collaborates with them, dedicated to the fight
against poverty, exclusion and oppression; they have
collaborated in education and integration campaigns that
the government has taken to the neighbourhoods in the
outskirts of Paris like Aubervilliers, as well as in campaigns
to raise public awareness like the one that was carried out
to maintain clean the city of Nîmes, the one carried out to
make the youths responsible of using the helmet in the
motorcycle, or the one that educated the youths in the use
of contraceptives, and against the gender violence.
1. Nous Travaillons Ensemble and the spaces
of the resistance
Nous travaillons ensemble belongs and it is configured like
one of the places characteristic of the present time, in the
sense of the modern ways of thinking. We see now, just as
we saw in the lecture by Francisco Jarauta, the positive
204
aspects, as well as those that are negative in the machinery
of the global system. And it is, as it happens from time to
time, that this does not take into account what turns out
to be the characteristics of the human nature from an
anthropological point of view: to leave behind the law of
the jungle, and to make laws, maybe in that kind of social
contract that Rousseau identified as something that could
assure us a fair life to each one of those that compose the
humanity. Platforms arise this way, conceived as spaces for
the resistance that use the protest to make us see that it is
necessary also to bear in mind the inequalities of the
system, and the environment that we inhabit. And what
better than an image, direct and suggestive, created in the
field graphic design, to democratise the public awareness
in order to palliate those inequalities.
2. The work of Nous Travaillons Ensemble
The most outstanding works have been selected among
those shown and explained by Valérie Debure in her lecture,
those that allow us to get an idea of what is Nous
Travaillons Ensemble and what consists of:
1. For a campaign of raising public awareness toward
the ever so present problems in France nowadays, such as
the numerous existence of “homeless people”, the increase
of illiteracy and labour precariousness, they carried out for
the association Emmaüs a series of posters in which the
same motif is repeated time after time: the existence
of a person in red on the floor, symbolizing their state of
desolation: “L'été... la mort”, dedicated to the number of
deaths in summer of those “homeless people” due to the
closing of the government's institutions that are devoted
to give them shelter or food; “L'illetrisme... l’exclusión”,
dedicated to the problem of the incipient illiteracy that
creates a larger social exclusion and “Le travail... la
précarité”, dedicated to the current problem of the garbage
jobs that do not give enough money even to pay for the
housing, these are the three posters that belong to
the series.
2. For the association Emmaüs Nous Travaillons
Ensemble has also carried out a series of posters that are
about raising public awareness about the prejudices that
we have with regard to the homeless. Each one of them
is dedicated to a concept or prejudices that we have
constructed around them, and these concepts, so that they
are questioned, and therefore, let us think again about that,
are written in an interrogative way: “Fainéants?”, “Logés?”,
“Baratineurs?”, “Asistes?”, “Nomades?”, “Rassasiés?”,
“Encombrants?” and “Financeurs?” compose the series.
3. Mon corps, j'en prends soin is the poster for an
exhibition carried out in Villetaneuse in the year 2007,
which was about raising the awareness of the children
and the youths on the importance of personal hygiene,
the health and the nourishment for our body that will go
with us day by day during the rest of our life.
4. Bonne Année à tous is a poster carried out for Ville de
Bagnolet in the year 2006, this having been one of the cities
where more protests and demonstrations were made
against the government in the days of car burning soon
after the internal exclusion problems inherent to the French
society. In it we can see that it turns how the image
205
of oneself composes the face of a young person and a
grown-up, of modernity and the classic times, and it claims
a pact and peace among the generations.
5. Also for the association Emmaüs, Nous Travaillons
Ensemble prepared a scenery in the Salon Emmaüs, in a
room where different beds were located which symbolized
the beds that the association has prepared to provide
housing to the "homeless", and on each one of the beds a
human figure was drawn that represented each one of the
social prototypes of "homeless" that were housed: drifters,
young people that have left their homes, battered women,
and so on.
6. Et toi, ça va? This scenery was transformed into a
pedagogical instrument for the workers of the service of
hygiene to raise the awareness among the children of the
schools of Aubervilliers, in the outskirts of Paris, on the use
of the birth-control methods in their sexual relationships.
The series is made up of some images that are good to start
a debate with the students on the issues of heterosexuality,
homosexuality, love, violence, the couple's relationships,
and so on. This was accompanied by a series of notebooks
and calendars given to the pupils so that they would be able
remember the campaign in their day-by-day life.
7. Elles disent non is an exhibition that was published
in the magazine Clara where, through a series of images
of graphic design that make us remember the problem
of domestic violence, and without any kind of written word
–because the visual elements are turned into the most
direct means-, it was about denouncing the violence inside
the marriages and couples, to raise the awareness of the
readers on this important problem.
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CINEMART
Jordi Mollá, Actor, film director, writer and painter
Jordi Mollá, in his joint effort for the multidisciplinary fight,
presented for the Observatorio Cultural a masterful class
in which he exposed the meaning and the different
connotations of what the actor and director has come
to call “Cinemart” in the development of his projects.
1. On the origins of Cinemart
Cinemart makes reference, in the hybrid form that the same
word presents, to a way of making cinema in which is a clear
bet on a novel art form, belonging to the contemporary
culture. If cinema already presented in its day an opening
to the number of the seven arts, cinemart opens new
languages for the same process.
In the same way it had been made by their great
predecessor of many years ago, Video art. This already
proposed, developed by so artists decisive as Nam June Paik,
the use in the art ways applied to the new arts arisen soon
after analogical processes, and later digitising of the world.
This way, it was about making art through the video, that is
to say, artistic videos in those that form settled down a
priori inside the marked ones by the canons of the classic
video does not exist, defined from the cinema. It was this
way like one could work, the same, as with the pictorial
art, the existence of visualization concepts and
immediate understanding.
2. The concept “cinemart” and its interpretive reach
The word "cinemart" makes reference, this way, to a form of
making movies in which the directional order of the same
ones changes with regard to the habitual order of
construction that is applied them. If in the realization of a
film a script is written in the first place that, afterwards, it
will be developed and engraving until ending up obtaining
the own movie, in the realization of the cinemart in the first
place fragments are recorded that proceed of very different
contexts, and later, based on the same ones and to the
suggestion that you/they produce the artist, they mix some
with others until creating a speech that could be
assimilated to the script of the film.
It is of this form like the objects, the taken out
situations of context, blended, re-cycled, they acquire a
different meaning that accompanies to the new point of
view. They are fragments that maybe before being united
creating a speech to each other they lacked sense. However,
when composing them together they begin to acquire it.
In that point it is where the history begins to stop to be right
of being of for yes, when it stops to be an armour that
constrains being expressed freely of the images in solitary.
In the cinemart history doesn't exist a priori that it
conditions the objects, but rather that is built with the
dialogue of these same ones. In him it doesn't exist, to lack
beforehand of the barriers that puts the concept, a form of
ownership, and, therefore, do not unite existing form of
identity. This way, Cinemart is composed, just like it was
already pointed out, of elected fragments of very diverse
situations, not coincident, in different recording ways,
with non-convergent illuminations, non univocal characters,
and so on.
Multiple are the lecturer's compositions in this field
that every time goes with bigger insistence like vindicating
form of that new face of which Cinemart endows to the
cinema. Among them Ahhhhh!, in the one that is
experienced with the video and the musical creation
through the screams of several women, Portraits of USA,
in which you/they show up fragments together of American
situations that describe fragmentary-mind the country or
Recognition, in that two lovers are observed which they do
not finish of recognising each other. Great part of the same
ones can be available in YouTube.
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THE CULTURE OF THE PROJECT
José Guirao, Director of Casa Encendida
José Guirao offered for the Observatorio Cultural a report
full with references, ideas and restlessness in which was
about marking the fundamental landmarks, from the point
of view of the management of the art and the culture,
for the construction and the thought of a project like it has
been Casa Encendida that is serving at the present moment
as an example of cultural institution.
1. Cultural context in the management
of contemporary projects
When thinking the project of management of a cultural
centre nowadays of the context of contemporary Spain
it is necessary to appeal to the history of the projects,
looks and managements that one has come carrying out in
the country from the exit of the dictatorship.
When such panorama opens up for Spain after a long
period of the isolation with respect to Europe and the rest
of world, to the opening and the freedom, it was opted,
from the same ends of those typical in the 70s, for a
contextualisation with regard to the art inside the postures
of the contemporary trends that had been invisible for the
country. It was from these coordinates that such museums
as Reina Sofía or IVAM were acquiring a series of funds for
the permanent collection in those that it was a clear bet on
the contemporary art. This way IVAM, for example, betting
on the vanguards of beginnings of the 20th century was
collecting a series of names and works that, in spite of not
being inside the good known ones, because one did not
have enough budget to acquire them, they have been
constituted as fundamental part of the history about
when to understand and to investigate the same movement
of the avant-guard.
In this context, when outlining a project in and on
the contemporariness, it is necessary inevitably to be
established in some coordinates among the memory of
the past and the uncertainty of the future that allow us to
create a systematizing. And this way all cultural action, all
management project should go preceded of a thought act,
of reflection, of investigation, in sum of a speech that can
welcome in yes each one of the branches worked inside
the project.
2. La Casa Encendida. A model of contemporary
project management
La Casa Encendida is born like space financed economically
by the social work of Caja Madrid with two previous
conditions. The first of them is the question of the space,
and the second is the question of the thematic one: to
project La Casa Encendida they had to necessarily work
in four environments, the cultural one, the social one,
the educational one and the environmental one.
And it is based on those four environments in which
one thinks, from the address of the same one in charge to
the own lecturer, in the question of offering a thought,
a discourse that allows it to transform into a place in which
is carried out not only activities, but in the one that
becomes low some precepts that gives them sense.
It is as well as it created the formation centre that
replaced the cultural, educational and social question of
the philosophy that was to be the base of the project. In this
they offer a series of workshops of short duration in those
that is developed that the public is formed, and that he
knows, in such a wide and dispersed city as Madrid,
to people that has the same or near interests.
On the other hand, it created a centre of resources in
the one that was assisted to the cultural and educational
part, composed by a library -limited by the question of the
space-, a newspaper library, a media pool of resources and
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a laboratory of audiovisual media -photography, radio and
multimedia- in the one that the interested ones can carry
out their work.
It was also carried out, to assist to the cultural part,
a program of exhibitions has more than enough
contemporary art, as those that have been made in the last
times around John Cage or Andy Warhol, a series of concerts
and conferences carried out in the breast of an auditory
with a seating capacity of 170 people.
And, lastly, to assist to the environmental and
educational question, they are carried out shops for the
children and adolescents in those that they become trained
and they become aware, as well as it is about to elaborate
and to distinguish the characteristics and characteristic
consequences of the urban ecosystem.
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THE CONCEPT OF “WELL-BEING” AND THE DESIGNER'S TASK
Ezio Manzini, Professor of Industrial Design.
Polytechnic of Milan
Ezio Manzini, keeping pace with the contemporary times
and with the ethical task that each individual should
acquire, it was about making see, through the context of the
current world, which the task should be of who dedicates its
effort to the design that they believe in the devices that
surround us on a day to day basis, and that they take charge
of diffusing ideas through the image.
1. Current contexts and the designer's task
In the last years we have come observing how the
configuration of the identity of the societies of the
contemporary countries of well-being is, what could call you
the symptom of the modern thing, and that he/she makes
immediate reference to the speed. As well he has come to us
pointing out just like Zigmunt Baumann throughout his
work, a liquid society that transforms the lives and changes
its sociology in a very brief period of time.
The form of current life, as well Manzini has pointed out
throughout the lecture, has come into being built under an
untenable precept in which is considered that to more
consumption, to bigger possession of objects, pointed out
bigger well-being or redeemable in the life of each one of us.
This dream of the consumerist well-being supposes a form
of particular life that the world population's 20% only
carries out at the moment. However, the population’s 20%
consumes 80% of the resources of the planet. This supposes
that, in the dream of the well-being outlined from the
parameters of nowadays, and for the one that so many
people fight to consent, if the world population's great
number seeks to carry out it, it will happen, in terms of
Manzini, an environmental “catastrophe”, as well as a social
“catastrophe” of fight for access to the scarce resources.
It is in this point where it is already necessary today to
begin to outline an idea different from “well-being” that
takes in turn to a performance different with regard to the
means that surrounds us. And it is there where the design
that has contributed to the current idea that we have of
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well-being, throughout its history can enter with an ethical
task of responsibility about the change of mentality in the
relationship between people and the objects. Not already
only giving example of use of materials, like in the industrial
design that you/they are not harmful for the environment,
but in the production of an ideological conscience through
the graph, for example that makes people to think about her
concern on the place where we inhabit.
2. Ways of seeing and ways of making
The ethical task of responsibility towards what surrounds
us, as well Ezio Manzini points out, it is not a thing that will
be projected only for a distant future, and almost hardly
unimaginable for the limited conscience of the human
beings, but rather it is already presently where they have
begun to arise voices and performance forms. It is for these
for those that you should begin, this way being able to give
them voice, to amplify them, so that we are conscious from
the humanity that they exist, and that we can each one of us
to participate in them.
In the project of Sustainable Everyday is picked up a
series in participatory ways of citizenship in which people’s
groups choose to take an alternative life to the concept of
well-being associated to the consumption, not already only
for questions of conscience or raising awareness, but for
questions also related with the personal and family
economy. This way, they intend to cater to new forms of life,
in diverse places of the planet, from China to Poland, in
those that individuals’ nets are believed, contained in the
calls “Banks of the time” that collaborate among them,
offering what they know how to make, and receiving to
change that makes others. Communities of cultivation of
ecological foods, of care of gardens, of children's care and
old men, of accompaniment, in those that cars are shared
to go to the work, and so on.
In these nets of collaborating complexity they leave
changing the forms of the current concept of “well-being”,
like it has been pointed out, with the help of to cultivate and
to give use to the abilities and personal capacities. They
constitute these economic new models that go arising as
answer to the models that we already have, and that they
go basing more and more the economy in the gift, in the
exchange, in the voluntary work.
It is in this point in the one that the designer, as
amplifier, as a broadcasting medium of the ideology that is
constituted as truth, and in the measure in that is creative
of objects, it should act considering the alternatives that are
had already, and thinking, based on the same“alternative”
concept upon which they will form our future.
Coordinación editorial
Gala Fernández
Diseño
Gloria Rodríguez
Traducción
Antonio García
Créditos fotográficos
Hélène Bergaz, Pablo Serret, Unfamous Studio, Pedro Luís Carretero,
David Vásquez, Andra Piscaer y alumnos del European Design Labs.
Imprime
RG Artes Gráficas
Publica
Istituto Europeo di Design
Palacio de Altamira. C/ Flor Alta, 8. 28004 Madrid
IED Master. C/ Larra, 14. 28004 Madrid
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