Descarga - Batería Percusión

Transcripción

BATERIA&PERCUSION
M
A
G
A
Z
I
N
E
Núm 25
JULIO-AGOSTO 2015
Slingerland Gene Krupa
Deivhook / Ludwig Breakbeats Questlove Signature / Sabian Xs
Taller / Didáctica
sumario 03
editorial#25
Os hemos preparado un número que os ayude a soportar o al menos llevar
con calma la ola de calor que nos invade, para ello hemos elaborado una serie
de contenidos que os pueden resultar interesantes.
Hemos entrevistado a Deivhook un baterista español responsable del Spanish
Drummer Mafia, el proyecto consiste en reunir en un solo video a un buen
número de baterías profesionales en España, cerca de 70, una iniciativa muy
interesante que este año cumple su segunda edición… aunque lo mejor es que
te leas la entrevista con Deivhook donde lo esplica todo muy bien.
Proponemos unos cuantos reviews de producto, desde una pareja de platos
Sabian: XS20 y B8PRO O-Zone 16”, pasando por la batería Ludwig Breakbeats
Questlove, tamaño mini, prestaciones grandes. Un artículo de introducción a los
Stompbx un instrumento de origen
viejuno, actualizado y que pone a
prueba los límites de la creatividad.
Cerramos el apartado con un artículo
sobre una Slingerland de los años 50.
Hemos entrevistado a
Deivhook un baterista
español responsable del
Spanish Drummer Mafia
Por otro lado iniciamos una nueva
sección que llevará Toni Fernández,
batería de la banda indie Supermosca
y responsable de Benny Drums y que
va a tratar de temas de mantenimiento, reparación, construcción de kits etc. Su
primer artículo tratará de dar pistas para como seleccionar el kit que se adapte
a nuestras necesidades, promete ser interesante.
El resto de apartados habituales completan los contenidos de este número
estival, si tienes tiempo entre festivales y playas, ya tienes algo del mundo de la
batería y la percusión para leer.
Como siempre digo, visita las webs de nuestros anunciantes, siempre tienen
propuestas interesantes que ofrecer y están a un solo clik, gracias a ellos
podemos hacer este maravilloso proyecto que es Batería & Percusión. Gracias
por estar ahí.
Deivhook
Entrevista
09
Ludwig Breakbeats Questlove Signature
Review
12
Stompbox
Review
16
La mano tonta
Didáctica
18
Sabian XS20 y B8 Pro O-Zone 16”
Review
20
Slingerland Gene Krupa Deluxe Radio King
Review
24
Como elegir un kit y no morir en el intento
Luthier
28
31
32
Heroínas de la New Wave española
Relato de Toni Garrido
DM-307 de Heaviocity
Software
Multimedia
ENTREVISTA
Deivhook
Saboreando el
trabajo
Deivhook, es el nombre de batalla tras el que se encuentra David
Serrano, uno de los jóvenes talentos de la batería en nuestro país.
Desde muy joven comenzó a tocar
y estudiar la batería y fue un viaje
a USA para completar estudios lo
que le abrió la mente y el enfoque
al respecto de la batería, la música
y la escena en general. Pero mejor nos lo cuenta él, en Batería &
Percusión: Deivhook Jose Manuel López
PORTADA
La primera es obligada ¿Cuándo y por qué comenzaste tocar la batería?
Empecé a tocar la batería a los 9 años de edad en el Instituto de Música
Tecnología de Madrid (IMT). El porqué, no lo recuerdo muy bien, pero si me
acuerdo, que anteriormente mis padres me apuntaron a guitarra clásica en
el colegio donde estudiaba, y me cansé enseguida de este instrumento. Vi un
video por aquel entonces de una banda muy conocida en la televisión, donde
se veía destacar perfectamente al batería de la misma. Recuerdo que esa
imagen se quedó grabada en mi memoria y me hizo pedir a mis padres que
me cambiarán de instrumento.
¿Qué nos puedes contar acerca de tus primeros años de práctica, de
formación?
Son años que recuerdo muy cariñosamente. Mi madre me llevaba nada más
salir del colegio al *IMT y se quedaba esperándome en el coche mientras yo
daba mis 45 min. de clase semanales. El director de la escuela Andrés, se
involucró mucho desde el principio en mi formación, introduciéndome en
combos de la escuela a pesar de mi corta
edad y convenciendo a mis padres para
realizar actuaciones y concursos de todo
tipo. Reconozco que me sentía muy arropado y mimado por todo el equipo de la
escuela que me hicieron sentir como en
casa a pesar de ser tan pequeñito; y por
supuesto, de mi primer profesor, al cual
mando un fortísimo abrazo: “José Antonio
Pereira”. Estuve dando clases semanales
en esta escuela prácticamente hasta los
18 años, pasando por diversos profesores
(Jorge Lucero) hasta que empecé a realizar
cursos intensivos con “El niño” José Bruno,
promovidos también dentro de la misma
escuela. A José también le guardo tremendo cariño, ya que fue una de las personas
que me aconsejaron cruzar el charco en
busca de nuevas aventuras musicales.
Esto es un trabajo y
como tal, necesitas
unas horas mínimas de
práctica.
Te has formado en el Drummer Collective de NYC ¿Qué nos puedes comentar
de la experiencia?
Sin duda, una experiencia que me cambió
B&P Magazine. Isue JUL/AGO 2015
la vida. Los profesores, la cultura musical, los compañeros... y sobre todo la
actitud con la que quise afrontar esta nueva situación.
Todo ello hizo que enfocase el instrumento de la batería, de la manera que lo
enfoco hoy, y digamos que fue allí donde me profesionalice en esta profesión.
Allí creé y nació el proyecto del cual vivo: Deivhook.
¿Mantienes una rutina de estudio?
Si claro, fue una de las cosas con las que más nos insistían todos los profesores en la escuela de Drummer Collective NY. Esto es un trabajo y como tal,
necesitas unas horas mínimas de práctica. Es lo que te hace ser profesional.
Lo comparo igual que un atleta o deportista en su deporte, cuanto más alto
quieres competir más preparado debes estar, es decir: más debes entrenar.
Cuando comprendes que el avance y progreso en cualquier instrumento proviene tan sólo de la SIMPLE PRÁCTICA del mismo, entiendes que el trabajo y
solo eso, es lo que te va a llevar a conseguir cualquier meta.
En mi caso mi rutina va desde las 4 a las 6 horas diarias dependiendo del volumen del trabajo que tenga. Una buena organización de estudio es esencial
para que tu cuerpo y mente sienta todos los avances.
¿Quiénes han sido tus mayores influencias o referentes en el mundo de
la batería?
Uno de mis baterías favoritos es y siempre será David Garibaldi, desde pequeñito he estudiado la mayoría de sus métodos y libros. Más tarde cuando
viaje a USA se me abrió tanto el abanico de artistas que mi cabeza explotó... por destacar algunos: Mark Guilliana
(estoy muy enganchado a este artistazo,
su descaro mezclado con su originalidad y
simplicidad lo hacen único) Peter Retzlaff
(director de la escuela Drummer Collective
y uno de los mentores que a nivel filosófico
más me marcaron en mi forma de ver este
instrumentó) Tobias Ralph (otro de los
profesores de la escuela y un todo terreno,
su especialidad en el campo del “drum &
bass” es impresionante) y así un largo etc...
Brian Blade, Benny Greb...
Recomiéndanos algunos discos que te
resulten especialmente importantes
por el trabajo del batería...
4
PORTADA
Toda la discografía entera de “James
Brown”, o cualquier disco de “Tower
of Power” es un “MUST PRACTICE” en
condiciones. Para estudiar funk a fondo “Stanton Moore” en su libro “groove alchemy” hace un recorrido de toda
la discografía funk imprescindible.
Para quien quiera ir a algo más actual
y moderno que se escuche “Beat Music: The Los Angeles Improvisations”
de Mark Guiliana ¡crema!
Si te tuvieras que definir como batería ¿Cómo lo harías?
Soy un batería extrovertido que ama
tocar en directo. Trabajo con la misma intensidad mi técnica y mi imagen.
Cuido muchos detalles de estas dos
vertientes.
Creo que mi punto fuerte es el trabajo. No creo que haya nacido con unas
cualidades exageradas para el instrumento pero mi trabajo y sólo eso,
me ha posicionado y me posicionará
en cualquier meta que me proponga.
Esto lo aprendí estudiando día a día
en la escuela de Drummer Collective.
Saboreo cada logro de una manera
muy intensa.
¿Qué significan las redes sociales
y los nuevos medios de promoción
como Youtube para ti?
TODO. Creo que no sólo vamos con
años de retraso en este aspecto los
músicos; también las empresas, tiendas, revistas... La realidad la marcan
las redes sociales, nos guste o no; si
no publicas tus trabajos y proyectos
es como si no hubieran existido, y al
revés (puedes inventarte cosas y hacerlas reales). Es tan
claro como lo acabo
de escribir. Deivhook
nació, se desarrolló
y sigue creciendo de
todas las “socials media”. Trabajarlas de
una correcta forma
(una redacción acer-
Foto: Rob Shanahan
5
PORTADA
tada de los post, conocer los tiempos
cuando la gente está más conectada a
ellas, etc.) marcará el éxito de tu proyecto, sin duda.
Si te doy a elegir entre un buen groove o la hipervelocidad ¿Con qué te
quedas?
Cada momento en una canción/banda
exige una cualidad determinada en la
ejecución de tu arte en la batería, pero
supongo que si NO hay GROOVE no
hay esencia, no hay base, no hay nada.
Así que por supuesto: groove
Cuéntanos algo al respecto de Spanish Drummer Mafia... ¿Cómo gestionas todo eso?
Cuando tienes un proyecto de semejante magnitud, el éxito del mismo depende de la seriedad y profesionalidad
de sus participantes, así como del equipo con el que te rodeas. (Idemm Estudios, Mauri D.Galiano y Yamaha)
He coordinado a casi 70 baterías en
dos días con cuatro turnos (mañana
y tarde respectivamente) el secreto
está en medir bien los tiempos dentro del estudio para que no se alargue
demasiado. El kit que utilizamos para
todos los baterías debe ser el mismo,
con pequeñas variaciones de colocación según preferencia personal. Hice
de “runner” para cada turno, de “backliner” para cada batería y coloqué un
pequeño catering para los baterías que
llegasen y estuviesen esperando. La experiencia que se vive participando en el
proyecto intento que sea única y que a
nadie le falte nada.
Todo esto, sumado a un trabajo impecable de Idemm Estudios (Marcos y
Fran) en sonido, ilusión, actitud etc. Y
un trabajo brutal de edición de Mauri D.Galiano con la misma intensidad,
hace un resultado espectacular.
Esto es “Spanish Drummer Mafia”.
Realizas clinics y workshops para algunas marcas ¿En qué consisten generalmente?
Depende mucho del evento o la marca
para la que se realice el “workshop”. Por
ejemplo, la pasada semana estuve participando en un macroevento de Nike
donde asistieron los corredores de élite españoles. Mi misión en este caso
fue marcar cada vuelta con un ritmo de
batería diferente, subiendo intensidad
hasta la cuarta vuelta y última.
Cuando se tratan de eventos para marcas de batería como Yamaha, intento
que no sea una “masterclass” al uso,
introduciendo elementos que alteren
todo aquello que siempre se suele
hacer en este tipo de situaciones. Por
ejemplo, el año pasado traje a Randy
Ebright (Molotov) de México, con Yamaha, el evento que hicimos además
de ser retransmitido “worlwide” por
mi canal de Youtube, consistió en una
“Drum battle” entre Randy y Deivhook. No hubo preguntas ni charlas, pero si
hubo un “photocool” y un espacio festivo posterior donde la gente mientras
tomaba sus refrescos y cervezas podían
hablar con nosotros y preguntarnos de
una manera más natural cualquier tipo
de inquietudes acerca del instrumento.
Supongo que si no hay groove no hay esencia, no hay base, no hay nada.
Si tuvieras que contratar a un baterista para tu banda... ¿Qué condiciones debería reunir?
Trabajador. Groove. Tiempo. Imagen.
Háblanos de tu kit actual ¿Empleas
diferentes sets? ¿De qué elementos
se compone?
Mi kit actual es una Yamaha Rock Tour.
No es una gama alta, pero me encanta el sonido pesado, gordo y grave que
tiene. Se compone de bombo de 22”,
tom de 12”, tom de 16”. A ello le añado
una caja vintage de Yamaha de 14” x 6”.
En cuanto al set de platos, no suelo uti-
Te manejas en diferentes estilos musicales... ¿En cuál te sientes más cómodo?
Rock
6
PORTADA
lizar medidas muy grandes. Hi hat de
13”(14” a veces). Ride de 22” y crash
de 17” y 19” respectivamente. A veces
me coloco un plato de efectos para
añadir un toque más roto.
(Se acercan grandes noticias con este
proyecto. Dejo todas las redes para
quien lo desee pueda encontrarme
en ellas)
y mi banda KITAI
¿Cuáles son tus proyectos, tus planes a corto plazo?
Deivhook
(Lanzamos nuestro primer disco el
próximo mes de Septiembre, también se acercan grandes noticias en
este proyecto)
- Deivhook +
7
REVIEW
LUDWIG
Will Martin
Breakbeats Questlove
Signature
Cabe en un taxi
Siempre ha sido un sueño para cualquier
baterista poder desplazar su kit sin complicaciones y sobre todo si es un bolo en
espacio reducido, poder llevar todo su
sonido consigo sin necesidad de cargar un
set grande. Ya en los 90 el Jungle kit de Sonor se enfocó es esa dirección y casi todas
las marcas ofrecen en su catálogo una configuración llamémosle pequeña.
9
REVIEW
Sin embargo hay algunas cuestiones que tener en cuenta, el tener
un kit pequeño no tiene que ser
necesariamente sinónimo de empequeñecer tu sonido y tampoco
tiene por qué estar orientado a estilos musicales más cerca del jazz
que del rock.
En esa dirección ha trabajado Ludwig con su propuesta de hace un
par de años, la Ludwig Breakbeats
Questlove Signature, aquí aparece
un nombre que es responsable de
este modelo que vamos a comentar: Ahmir “Questlove” Thompson.
Questlove es un baterista norteamericano de Philadelphia, además
de productor, periodista, DJ… ganador de un Grammy con su banda
The Roots es muy popular por su
aparición en la banda residente del
programa de TV de Jimmy Fallon.
Disfruta de un endorsement de
Ludwig desde 2012 y esa relación
con el fabricante de baterías nos ha
llevado a la “Questlove Signature”
El kit de esta Breakbeats es ideal para
actuaciones “urbanas”, fácil de transportar.
El kit
El kit de esta Breakbeats es ideal
para actuaciones “urbanas”, fácil de
transportar, propone las siguientes
medidas, bombo de 16 “x 14”, timbal de 13 “x 13” y tom de y 10 “x 7”,
a ello se le suma una caja standard
de de 14” x 5”. El pack de cascos
viene con una funda de terciopelo
incluida y disponible en distintos
acabados.
10
REVIEW
La primera impresión que te da es que está bien construida, los acabados son correctos y el hardware se siente sólido, los aros lisos, el elevador del tom robusto…
buena nota. Hemos de comentar que el kit tiene un precio de venta recomendado que no alcanza los 500 euros
y todas las valoraciones debemos hacerlas en función de
ello.
Los cascos son de álamo (poplar), en concreto de siete
capas y tienen un bearing edge de 45 grados lo que garantiza una respuesta rápida, ataque bien focalizado y un
punto resonante. Vienen acabados en un sparkle Blue
Azure que le otorga un aire vintage. Los aros de los cascos con triple brida soportan eficazmente los rimshots
que se puedan producir.
La parte más inquietante si no estás acostumbrado a
estas medidas es el bombo, veamos. Viene con un alza
bombo incluido para que el pedal impacte lo más centrado posible y no desvirtúe el sonido y el retroceso. A pesar
del tamaño suena contundente y poderoso con mucha
proyección.
Al respecto de la caja, ofrece un sonido un pelín rugoso
pero con mucho carácter, lo que Questlove llama “break
power” se entrevé por aquí. Con afinaciones bajas, la respuesta es viva con solidez, con afinación más alta sale un
sonido funky vintagero que te transporta a áreas funky,
drum and bass… ciertamente versátil.
Por otro lado la batería monta parches Remo Pinstripes
UT, una versión made in China de los Pinstripe y por tanto
más económica, al ser de doble capa comprimen más el
sonido engordándolo y con ello nos lleva a la batería a
sonoridades roqueras.
En los toms no es un rollo super power, tiene un matiz de
limpieza, notas definidas y con sustain, no nos engañemos esta batería es pequeña pero para nada “tranquila”.
Conclusiones
Si el objetivo de Questlove en colaboración con Ludwig,
pasaba por desarrollar un kit de batería con un plus de
portabilidad sin renunciar a un sonido con un nivel importante, han dado en la diana. La batería no es un jugueB&P Magazine. Isue JUL/AGO 2015
te para niños, ni siquiera un instrumento menor dentro
de un catálogo, es una alternativa real totalmente válida
para actuaciones en lugares reducidos, suena lo suficientemente potente y versátil para enfrentarse a situaciones
de directo que no impliquen un gran despliegue, aportando un sonido Ludwig innegable. Si tienes curiosidad
pasa a probarla por tu tienda favorita.
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REVIEW
STOMPBOX
Miguel Ángel Nueda
El ritmo en tu bolsillo
La aparición de instrumentos nuevos, o la forma
de uso de los mismos, viene determinada muchas veces por la necesidad a la hora de crear
o interpretar música. Si no se hubiera desarrollado la música de salón a finales del siglo XIX y
con ello que los músicos en las bandas “dejaran
de marchar”, es probable que no existiera la batería como la conocemos en la actualidad, ni los
pedales de bombo, los soportes para los platos,
el hi-hat etc. no hubieran sido necesarios.
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REVIEW
¿Pero qué es un StompBox?
El StompBox, en la actualidad, es un pedal utilizado como instrumento
de percusión, que consiste en una pequeña caja hueca de madera, con
un piezo en el interior que te permite conectarlo a cualquier tipo de amplificación, o incluso a un módulo de sonido.
Funciona de la siguiente manera, el sonido se produce al golpear una
superficie la cual está en contacto directo con un transductor piezoeléctrico, cuando este es sometido a una deformación mecánica, aparece
una diferencia de potencial eléctrico (voltaje) la cual si es enviada a través
de un cable de jack a un amplificador o a una mesa de mezclas, resulta
un sonido similar a un bombo de batería.
Distintas maderas pueden proporcionar diferentes timbres, pero a la
hora de su construcción para el stompbox lo más importante es su resistencia
Vamos a hablar de un curioso instrumento de percusión, para
ponernos en el contexto adecuado, tenemos que hacer un viaje mental en el tiempo, pensar, escuchar en “blanco y negro”,
y trasladarnos a la época dorada del blues, allá por las décadas de los 40 y 50, incluso antes. Una época, donde el ingenio
jugaba una gran baza para los músicos, ya que era la fuente
para crear sus propios instrumentos en caso de necesidad, sobre todo sin hablamos del blues mayormente interpretado por
afroamericanos y para los cuales la economía personal no solía
ser muy buena que digamos
Fue entonces, cuando nació lo que hoy conocemos como
STOMPBOX. Por ejemplo y de manera muy primitiva, unas simples correas cogidas a los pies para golpear el suelo más fuerte,
tacones de madera, sonajas atadas a la pierna, etc.
En ESTE documental vais a poder ver “Alma” en estado puro,
un instrumento de percusión con mucho ingenio y la cara más
humilde del blues.
13
REVIEW
Los transductores piezoeléctricos pueden ser de distintos materiales, aunque generalmente son cerámicos.
También con distintas frecuencias se puede conseguir que el sonido resultante cambia de
tono, además de poder implementar con circuitos activos o pasivos mediante los cuales
se pueda modular el tiempo real en el sonido final. Además por medio del StompBox se
puede controlar un módulo de sonido o un sampler a través de una salida midi, de esta
forma el voltaje resultante del golpeo lo usamos para disparar samples o plugins de un
pedal, un teclado o módulo de sonido. Es decir, puedes producir un sonido similar al
bombo, con lo que se convierte en una pieza complementaria para un set de percusión
en acústicos, o en un auto-acompañamiento, perfecto para guitarristas.
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REVIEW
Habitualmente se utilizan en géneros como el folk americano, country
o blues. Pero con un poco de imaginación puede convertirse en pieza
clave en cualquier estilo.
En España, hasta donde hemos podido investigar, sólo hemos encontrado un luthier que opera en la zona
de Valencia que los comercializa, Vicente Hueso, que se dedica también
a la fabricación de CigarBox... todo
de los más añejo y de raíces. (web)
Hueso, a través de un proceso artesanal los fabrica completamente
a mano. También ofrece la posibilidad al cliente de personalizarlos a
su gusto.
Nosotros, hemos tenido la posibilidad de probarlos, y os podemos
asegurar que el resultado es genial,
como un concepto tan primitivo se
puede adaptar a la música contemporánea. En realidad, ya sabes, las
aplicaciones de los StompBox son
tantas como puedas “ingeniar”.
Os dejo con unos enlaces donde se
puede ver el StompBox en funcionamiento
VIDEO1
VIDEO2
VIDEO3
Artesanos del sonido
www.facebook.com/bennycustomdrums
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DIDÁCTICA
La mano tonta.
Una de las cosas que más me llama la atención en mis alumnos -o en mi mismo
hace unos cuantos años- es lo “tonta” que tenemos la mano izquierda (evidentemente para los zurdos me refiero a la derecha) y lo importante que llega a ser para
tener una buena técnica en nuestro instrumento.
Lo mejor para hacer que se ponga a la altura de la otra mano, es sin duda practicar
ejercicios en caja o pad, de combinaciones de manos y/o acentos, intentando que
“suene igual”, con la misma intención, con una mano que con otra.
A estas alturas no hablaré del mítico Stick Control, súper aconsejable aunque “un
poco tostón”, al menos para críos de 9 o 10 años que aún no tienen muy claro
todo esto de la batería y que lo que quieren es pasarlo en grande…
Pero ¿Cómo lo hacemos para conseguir nuestro objetivo?
Hará un par de años descubrí un método que me encanta: Great hands for a life
time de Tommy Igoe. Se trata de un DVD con horas de metraje del mismo Igoe
hablando y mostrándonos como agarrar las baquetas, y como practicar en un
pad. Del cual me encanta este pequeño ejercicio con el que en tan solo cuatro
compases podemos “resumir” unas cuantas páginas de la Biblia.
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2015
David González
Y es sólo el principio de un montón de ejercicios. Pero no pretendo hablar de este
método así que continuemos buscando maneras de trabajar la mano izquierda
sin que se nos haga pesado.
Hay quienes optan por “incorporar” la mano tonta a la vida diaria. Tratad de abrir
las puertas, peinaos, coged el ratón del ordenador con la otra mano. Aunque parezca mentira funciona, le estamos dando trabajo a la mano.
Y para mí una de las mejores formas de espabilar la mano es tocando “en abierto”
o Open-handed drumming.
O es una cosa mía o ¿Cada día hay más gente que toca con esa técnica?, ¿Quizá
porque a veces queda molón? Sea como sea hay bateristas que llevan años tocando de esta manera como el gran Simon Phillips con el que Agus estuvo hablando
en el primer número. Simon lo lleva a niveles estratosféricos pero haced la prueba.
Coged el ritmo más fácil que conozcáis, posiblemente sea este:
16
DIDÁCTICA
Que no os de vergüenza que el grupo del local de al lado os oiga tocando este
ritmo con la de años que hace que tocáis… Ahora desplazad la mano con la que
tocáis la caja al Hi-hat y viceversa, ¿Cómo suena ahora el ritmo? ¿Tiene el mismo
groove?
A partir de aquí, podéis ir complicando la cosa (al igual que cuando empezasteis)
con golpes de caja y de bombo a la contra pero siempre manteniendo ese groove
en el Hi-hat que tan bien suena cuando lo tocáis con la otra mano.
Para los chavales y para los que no, les será mucho más divertido este tipo de
ejercicios que horas y horas de golpear el pad ¿o no?
*A mi modo de ver el aprendizaje de un instrumento (al menos del de la batería)
no existe ninguna “verdad absoluta”, podemos partir de unas bases o dar algunas
directrices, pero creo que cada uno se tiene que hacer a si mismo absorbiendo un
poco de aquí, un poco de allá… por lo que en este artículo he querido dar mi punto
de vista o una manera diferente de conseguir un mismo fin.
Y por último, ¡Utilizad la red para aprender, leed mucho y mirad que y como lo hacen los grandes! Por ejemplo y a lo que a tocar en abierto se refiere: Simon Phillips,
Billy Cobham, Carter Beauford, Mike Mangini…y muchos más.
¡Saludos! ¡Os espero en Facebook para hablar de ello!
B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2015
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REVIEW
SABIAN
Miguel Ángel Nueda
XS20 & B8Pro O-Zone 16”
En este artículo vamos a poner a prueba
los platos Crash de 16” SABIAN O ZONE
XS-20 y SABIAN O ZONE B8Pro. Sabian es
una marca relativamente joven, que nace
en 1981, pero fijaros que el fundador de
la empresa se llama Robert Zildjian. Hijo
de un directivo de Zildjian, que al parecer
no pudo heredar la empresa familiar por
conflictos internos.Así pues nació Sabian,
nombre que nace de las iniciales de los
tres hijos de Robert. (Sally, Bill y Andy)
18
REVIEW
En primer lugar la serie Xs 20 son unos platos creados
con la mejor aleación de bronce B20, pero en el proceso de fabricación Sabian ha conseguido un modo exclusivo de mezcla entre la aleación PRO y la B20, para que
así el resultado sea unos platos de calidad alta, pero a
un precio muy aceptable. Perfectos para cualquier tipo
de bateristas y de todos los niveles.
Antes del 2009, esta gama de platos tenían un acabado
vintage, y posterior a la fecha todos sus acabados son
brillantes.
La gama O-zone, está basada en el famoso O-zone Evolution Signature de Dave Weckl.
Fue Sabian, la primera marca que indagó el sonido de
platos agujereados. Su diseño hace que el plato abra
mucho más rápido que cualquier otro Crash y con un
gran volumen pero tiene menos sustain. Por ello no se
suele encontrar en set como un Crash principal, si no
como un plato para efectos.
El sonido del plato tiene tintes muy parecidos a un china, pero con la cola característica de un crash.
En mi opinión es perfecto para acompañar acentos de
caja, o para cambios de atmósfera dentro de mismo
tema, en estilos tipo Rock, Metal.
Aunque también puede estar perfectamente adaptado
en un set de jazz, buscando el golpeo con la punta, ya
que el sonido es potente y dependerá de las pulgadas
que sea más o menos brillante.
Además como es tan rápido en abrir el sonido, si se le
golpea con la mano da mejor resultado que un splash
ya que la cola es bastante más larga y el volumen es
alto sin necesidad de golpear con la baqueta. Con lo
que también es muy recomendables para sets de percusión.
En ÉSTE video, en la fábrica de Sabian, vais poder ver
como dependiendo de donde se agujeree el plato, el
sonido que produce al ser golpeado es bastante distinto.
En el proceso de fabricación nos encontramos sorprendentemente que un plato con un solo agujero tiene un
tono más grave que uno sin, pero con dos agujeros el
plato tiene un tono más agudo que el que no tiene.
No es cierto que el plato agujereado tenga menor resistencia al golpeo, que aquel que no lo está, esto solo
depende de la aleación de la que este hecho.
Efectivamente la gama xs20 es más resistente que la
gama B8Pro, pero sin embargo, esta última, en calidad
precio es una de las más vendidas en todo el mundo.
La serie B8pro son platos hechos de 92% Cobre, 8% Estaño. Por ejemplo en la gama XS 20 hay un porcentaje,
secreto, que solo conoce Sabian, de plata.
De esta forma se consigue más sustain y ese tono característicos de los platos turcos.
19
REVIEW
Slingerland
Alex Casal
Eduardo Olmedo
Gene Krupa Deluxe
Radio King Ensemble ‘50-’53
Una parte de la historia
Cuando se presenta la oportunidad de poder probar y preparar la review de una batería de estas
características no lo dudamos ni un instante, levantamos el teléfono y de inmediato nos pusimos
en contacto con su actual propietario Eduardo Olmedo, batería de Señor Mostaza, Quique González
y que ha trabajado con muchísimas formaciones a
lo largo de su carrera como Sole Giménez, El Koala, Roser, Feliu Ventura y un largo etcétera.
20
REVIEW
Aprovechando su vuelta a casa tras estar
trabajando en la grabación del próximo
disco de Quique González, donde disfrutaremos del sonido a pleno rendimiento
de este set, nos presentamos en su local
para verla en persona y escucharla en
sus manos. La batería según nos cuenta
Eduardo perteneció anteriormente al batería de New Jersey afincado en Valencia,
Jeff Jerolamon, de ahí las iniciales JJ en el
parche del bombo al más puro estilo de
los baterías de los ’50 y ’60.
Antes de comenzar a hablar de este set
os vamos a situar un poco dentro de la
historia de la marca y de su evolución
hasta nuestros días.
HISTORIA
Heanon Henry Slingerland fundó en 1912 en Chicago un negocio de importación de ukeleles y tras la
alta demanda de estos decidió comenzar a fabricar
sus propios instrumentos, banjos y ukeleles e incluso a partir de 1936 incluyeron en su catálogo guitarras eléctricas.
No fue hasta 1927, cuando en respuesta a la llegada de la marca Ludwig al mercado de la fabricación
de banjos, comenzaron con la fabricación de instrumentos de percusión y baterías. Dando así lugar al
nacimiento de los primeros sets Slingerland en 1928.
El nombre de Slingerland ha ido siempre acompañado del de los grandes baterías de jazz de la historia
como son Gene Krupa y Buddy Rich, hasta alcanzar
con el tiempo a músicos de todos los estilos como
Bev Bevan batería de la Electric Light Orchestra, Nigel Olssen, baterista de Elton John o Neil Peart de
Rush.
Tras la muerte de Heanon Henry la dirección de la
compañía pasó a manos de su esposa, Nona, y uno
de sus hijos, Henry Jr. Y continuó a cargo de la familia
Slingerland hasta 1970. Durante las siguientes décadas de los 70 y 80 la compañía cambió varias veces
de dueño e incluso a finales de los 80 tras introducir
la serie Magnum entró en quiebra hasta que Gibson en 1994 la adquirió de su anterior propietario, Gretsch, reviviendo el nombre de Slingerland y
arrancando de nuevo la producción.
El nombre de Slingerland ha ido siempre acompañado
del de los grandes baterías de jazz de la historia como son
Gene Krupa y Buddy Rich
21
REVIEW
SERIE RADIO KING
La línea de productos más famosa de Slingerland es
la serie “Radio King”, esta se lanzó por primera vez en
1935 convirtiéndose en el buque insignia de la marca hasta 1957, momento en el que por decisión de
la empresa surgieron nuevas líneas de productos y
descatalogaron la serie, para más tarde entre 1960 y
1962 volver a introducirla de nuevo en los catálogos.
Actualmente sigue siendo el producto estrella de la
marca.
Las cajas “Radio King” en lugar de fabricarse con varias capas de caoba como la mayoría de las cajas de
la época, están construidas en una única pieza de
arce doblada a vapor, con aros de refuerzo también
de arce que ayudan a mantener la forma redonda
bajo la presión de las piezas metálicas que van unidas a él. Este tipo de construcción en una sola pieza
le aporta una gran resonancia y un tono claro.
Los toms y bombos de la serie se fabricaban con
madera de caoba, con aros de refuerzo de arce, con
un sonido “sordo” característico, muy fuerte y con un
rápido apagado.
CONSTRUCCIÓN
Y ya entrando en materia con la batería que tenemos
delante nos encontramos con que el set consta de
un bombo de 22”x14”, un tom de 13”x9” y un base de
16”x16”, fabricado en 3 capas de mahogany y poplar
y con el acabado exterior “Marine Pearl”. Todas las
piezas son originales, se encuentran un poco deterioradas con el paso del tiempo pero en buen estado
salvo uno de los herrajes situados sobre el bombo
para los platos que no está.
Investigando un poco en los catálogos de la época
se podría decir que es el modelo Gene Krupa Deluxe
Radio King Ensemble, ya que las dimensiones de las
piezas se corresponden a las recogidas en los catálogos entre el ’51 y el ’59. Además la placa situada en el
bombo está fechada en varias publicaciones especializadas entre el ’50 y el ’53.
La línea de productos más famosa de Slingerland
es la serie “Radio King”
Unos anúncios de los primeros años
Por aquella época la marca no llevaba un
registro de los productos que fabricaban,
por lo que no existe un número de serie
que pueda servir para fecharla exactamente. E incluso podríamos encontrar dentro
de un mismo set que las piezas fueran de
años distintos.
22
REVIEW
SONIDO Y CONCLUSIONES
La sensación a la vista una vez montada la batería es impresionante, sientes que te encuentras frente a una pieza única con muchos
kilómetros en sus parches y por supuesto su sonido y tacto es lo
que puedes esperar de una batería de la época, te transporta a
los discos de los ’50 y ’60, el bombo en concreto suena a Buddy
Rich.
En aquella época los volúmenes y capacidades de respuesta del
instrumento estaban pensadas para trabajar sin amplificación, tocando con suavidad consigues un volumen suficiente como para
acompañar a la banda, lo que significa que en afinaciones medias/agudas tiene muchísima dinámica y capacidad de respuesta
al tacto.
Cuando empiezas a jugar con los parches observas que en cualquier afinación responde con mucho cuerpo pero siempre mantiene un sustain contenido, moderado, característico de este tipo
de batería, además en los toms cuenta con unos apagadores regulables que nos permite jugar algo más con el sonido.
No podemos más que darle la enhorabuena a Eduardo por su
última adquisición y esperar poder verle disfrutarla en directo y
en sus futuras grabaciones.
23
TALLER
Cómo elegir un kit y no morir
en el intento.
¡Ha llegado la hora de cambiar de kit
y éste es el definitivo! ¡Voy a echar el
resto y tengo que tenerlo muy claro!
¿Cuantas veces habremos dicho esto
en un flagrante autoengaño? ¿En mi
caso? Unas cuantas...
Pues bien, vamos a intentar fijarnos
en cosas que influirán bastante y que
muchas veces pasamos por alto.
Lo primero es evidentemente el presupuesto, no caer en el
típico, “por un poquito más...” que acaba metiéndote en algo
bastante alejado de lo que necesitas y puedes permitirte; y
lo segundo, que va muy unido, cuál es mi nivel: ya sea musical, de exigencia, de necesidades, de presupuesto, etc.
Ya tenemos esto claro, necesitamos una gama alta ¡Un pepino! Llevo demasiado tiempo con medias tintas y necesito
sonar ya al nivel de la banda.
Lo siguiente serían las medidas. Todos tenemos claro qué
medidas nos gustan, al menos en este momento de nuestras vidas, pero hay mucha presión porque es algo muy crítico en el sonido que vas a conseguir. Es evidente que nadie
se haría con un bombazo de 24” o 26” a lo Bonham para su
trío de jazz, pero siguiendo el ejemplo en tu banda de rock
puede encajar tan bien ese 24” como un 20”. Y… ¿qué suena
más rockero un 24x16 o un 22x18? Me temo que este camino deberás recorrerlo solo porque las combinaciones son
infinitas. Y además no hay una acertada y las demás erróneas, cualquiera de ellas dependiendo de parches, afinación
y demás variables, tiene un abanico bastante grande.
El material. He visto kits de metal, fibra de carbono, fibra
de vidrio, metacrilato o acrílico... y alguno más que se me
escapa. Pero qué duda cabe que el 95% de la oferta son kits
de madera. Vale, ¿pero qué madera? ¿Tan importante es?
evidentemente sí y ésta es una de las cosas que no pasamos
por alto, pero sí nos dejamos guiar por lo que ofrecen sin
pensar demasiado en lo critico que es.
La especie con que está construida tu batería va a darle el
carácter general a pesar de que puedas llevarlo a tu terreno
con otras cosas. La versatilidad, potencia y musicalidad del
Toni Fernández
arce, que es sin duda el rey en la construcción de baterías,
nada tiene que ver con el latigazo y tono agudo, casi metálico del wenge o el tono grave, cálido y casi “lento” “blando”
de la caoba africana. Y digo lento y blando porque es una
sensación que te invade cuando estás acostumbrado a tocar
con arce, abedul, cerezo, etc. Casi da la sensación de estar
tocando con delay. Y no lo digo como algo malo, su oscuridad y tono grave la hizo la reina del baile durante muchos
años, por eso a día de hoy se la asocia con el vintage. Algo
parecido pasa con su hermano (musicalmente hablando) el
nogal, que a diferencia de la caoba nunca ha sido un referente y posee unas características a mi oído, porque esto
siempre es muy subjetivo, muy parecidas pero con algo más
de brío, sin ese slow motion de la caoba. Y así podríamos
pasarnos horas intentando describir las especies aplicadas
a la batería. El cerezo, una grandísima madera no demasiado
usada en kits y que tiene muy poco que envidiar al arce, el
roble, para mi bastante superior al arce sobre todo para la
gente que le gusta sonar fuerte y contundente, la bubinga,
el abedul, etc.
Y algo que de un tiempo a esta parte se ha empezado a generalizar que es la mezcla de maderas en un mismo casco
intentando buscar lo mejor de cada una. Tama con las Starclassic birch/bubinga (abedul/bubinga), DW con las maple/
mahogany (arce/caoba), Yamaha con las Hibryd Absolute de
arce/wenge/arce y las combinaciones de C&C de maple/poplar/maple (arce/álamo/arce), muy vintage acorde a su estilo.
Casi todas las marcas punteras están metiendo la cabeza en
esto. Pero sin duda las marcas custom made o artesanas,
se llevan el gato al agua en gran medida por el sistema de
algunas de ellas para construir los cascos. La construcción
24
TALLER
en stave o segment, que les permite destacarse fabricando casi con cualquier especie que se te ocurra
y mezclando entre ellas casi hasta donde alcance la
imaginación del cliente.
Y esto nos lleva a la siguiente variable, un poco olvidada o asumida por que no había opción, la construcción. Todas las marcas, excepto algunas de las
mencionadas custom made, construyen sus cascos o
bien se los compran a fabricantes tipo Keller, con el
sistema ply o capas. Es decir: se doblan finas láminas
de madera, se encolan entre si y se meten en una
prensa o caldera con forma cilíndrica hasta que están
secas. Ésta es la manera más barata y rápida de fabricar un casco, pero tiene un ligero problema y es que,
como estarás deduciendo, el casco al final tiene tantas capas de cola, como de madera, bueno una menos… Y amigos, no os equivoquéis: ¡La cola no vibra!
Algunas marcas artesanas, más en cajas que en kits
enteros, fabrican con el método staves o segment. Se
trata de encolar bloques de madera maciza bien en
vertical (stave) o bien en horizontal (segment) hasta
conseguir un polígono de tantos lados como bloques
lo conformen, para después tornearlo y darle forma
cilíndrica. De esta manera el casco solo tendrá una
finas tiras de cola entre cada bloque (según afirma alguno de ellos hasta un 95% menos de cola que con el
método por capas) y la madera vibrará libremente. Indiscutiblemente, y aunque menos rentable, ésta es la
mejor manera de construir un casco, de hecho dicen
que cuando compras un kit por staves te lo entrega
San Pedro junto con las llaves del cielo...
Hay alguna otra manera de construir muy poco extendida al menos en kits, una sería el steambent, que
consta de una gruesa lámina doblada al vapor y encolada entre si y el supuesto sumun de la construcción, el casco sólido, es decir solo madera vibrando,
sin adhesivo ni nada que la perturbe, que no es más
que cortar una sección de árbol y vaciarlo. A mí esto
personalmente me parece una aberración y sólo lo
conozco en la caja Canopus Zelkova, que puede sonar a gloria, pero ¿os imagináis que todas las marcas
empiezan a construir así? Deforestaríamos el planeta
más rápido que el agente naranja... ¡no, gracias!
Ahora bien, el método por staves tiene también sus
inconvenientes y es que la cola que existe hoy en día
realiza unas uniones más fuertes que la propia madera, o eso dicen los fabricantes de ésta, y eso permite,
con tanta cola entre capas hacer cascos estructuralmente más resistentes por capas con el mismo grosor que uno en staves, por lo que los cascos staves
suelen ser más gruesos y el grosor también tiene bastante que decir en como sonará un casco.
de cuantas ponen. El problema viene porque lo que
nos importa más que las capas que lleve, es el grosor del casco y cada marca utiliza las láminas de un
grosor distinto e incluso distinto grosor de lámina,
dependiendo de la especie, con lo que a misma cantidad de capas, distinto grosor y a igual grosor distinta
cantidad de capas y más o menos adhesivo.
Calibre en mano medí un casco Keller de 8 capas de
arce, un Santafe de 8 capas de arce también y uno del
ya retirado Dave Carrera de mezcla en 3/4/3 caoba/
arce/caoba. El keller daba 6´5 mm de grosor, el Santafe 7´1mm y el Carrera 5´7mm. _(comparación grosor casco stave y por capas)
Grosor: ¿Cuántas personas deciden entre una u otra
batería o marca por la cantidad de capas que llevan
los toms? Pocos. Pues deberíamos, porque el grosor
del casco afecta bastante a su comportamiento. A
mayor grosor más ataque y volumen, más mala leche
tendrá y a menor grosor más sustain, más dulce pero
más difícil de controlar. He de decir que es algo realmente complicado, por no decir imposible, elegir en
base al grosor porque las marcas por lo general no
te permiten elegir la cantidad de capas que quieres,
pero sí te informan aunque sea a modo de marketing
_(medición con calibre grosor casco Carrera)
25
TALLER
Tan solo con una marca artesana y dependiendo de si se presta, podrás elegir el
grosor en caso de que fabrique en stave
o segment y siempre con “obligación” de
aros de refuerzo internos si quieres un
casco fino. Mientras que por capas un
casco grueso termina por ser un casco
un poco muerto, ahogado literalmente en
cola, que consigue el volumen de un stave
pero no tiene ni de lejos sus matices.
Los aros de refuerzo, que en su día fueron la solución al problema estructural
de aquellos cascos de 3 capas ultrafinos,
luego se convirtieron en una opción por
el plus de enfoque que le dan al tambor. Ahora en los stave han vuelto a su
origen permitiendo fabricar cascos más
finos por este método. El bearing edge. Éste más que olvidarlo,
es que nunca se ha podido elegir y es curioso, porque sin duda es una de las partes que más afectará a la respuesta de tu
batería. El bearing edge o filo, es la superficie de contacto entre el parche y el casco, y
es lo que va a determinar cómo de rápido
se transmite la energía al golpear del parche a la madera. Cuanto más afilado más
rápido, lo que se traduce en ataque y casi
diría volumen y cuanto más redondeado el
sonido más lleno, más rico, puede parecer
obvio o visual pero a grandes rasgos sería
como darle un golpe a una madera con
una baqueta o con una maza acolchada.
Después cada marca utiliza un ángulo
para el bearing edge, 30º, 45º, 60º, redondo, incluso la misma marca va cambiando
según la época. También es corriente aplicar uno para el bombo más redondeado y
más afilado el los toms.
Si esta cuestión te quita el sueño, prepárate a buscar alguien que haga los filos como
tú le digas y por supuesto sólo entre cusB&P Magazine. Isue JUL/AGO 2015
tom maders. Sólo hay una cosa que añadir respecto a
los filos: a veces se pasa por alto que da
igual el ángulo que le des, si el contacto no
es total, es decir si el filo no está totalmente
plano, la cosa no va a funcionar. Afinar se
hace poco menos que imposible y cuando
lo consigues tenderá a desafinarse realmente rápido. Esto se escapa a nuestro
control, pero me resulta curioso que he
visto, tanto de artesanos como de marcas
en masa, verdaderas montañas rusas en
los filos, a veces por el uso, ya que es una
parte delicada y a veces antes de darle un
solo baquetazo. Por el mismo motivo, al ser los grandes
olvidados y dada su importancia, os recomiendo que los comprobéis cada cierto
tiempo y si están en mal estado buscad
un luthier que os los rehaga, ¡el cambio es
espectacular!
Y por último, el acabado. Sí, sí, el acabado... es algo que a priori es simplemente
estético y nada más lejos de la realidad.
Se pueden terminar los cascos de varias
maneras, pero hay que hacerles algo para
conservar la madera, ya sea, pintura, lacado, acetatos, aceite o cera. Con diferencia
el más respetuoso, pero el más costoso
por el tiempo que requiere, es el acabado con aceite y/o cera. La madera queda
al natural pero protegida y nada le impide
vibrar como lo hacía antes. Luego estarían
los lacados, sean del tipo que sean, nitro,
polyester, etc. y las pinturas. Y por último y
el que más modifica el sonido, el que realmente se nota, son los acetatos o wrap.
Estos son láminas de materiales plásticos
y de celulosa con algunos diseños ya convertidos en clásicos, como el oyster que
_(ejemplo de bearing edge mal realizado. No es plano)
llevaba la batería de Ringo, o los sparkles y
glitters de las baterías de los 60. Esta lámina pegada alrededor del casco impide que
vibre de la misma manera y tiene incluso
adeptos a ese sonido más grave, oscuro,
como “muteado” que le aporta.
Un caso claro es el de DW con sus Collector Series, que las ofrecen en acabado ply
con acetato o satin lacadas. Si conocéis a
alguien que tenga o haya tenido los dos
acabados os puede hablar de la diferencia
notable de sonido en las dos.
Es cierto que hay algo más que también influye notablemente en el sonido, que son
los aros, pero es algo relativamente asequible de sustituir si crees que has errado
eligiéndolos. Haciendo un símil automovilístico sería como cambiarle las llantas a tu
coche.
Después de todo esto y de las variables
que seguro ya tenías en mente para decantarte por uno u otro kit, hay que ser
justos y decir que encontrar la batería que
aúne todas tus preferencias, excepto si te
decides por un artesano o marca custom,
es una tarea poco menos que imposible y
que para los más exigentes es una opción
más que acertada buscar entre este tipo
de marcas. Pero… ¡ojo! a veces en nuestra
cabeza hay un sonido y creemos tener la
combinación para conseguirlo y tanto en
marcas custom como en los constructores
en masa, hay alguien detrás probablemente con más conocimientos que nosotros
aunque sea por la posibilidad del ensayo
y error de que disponen y nosotros no...
No creo que ninguna marca quiera sacar
un producto que funcione peor que los
demás, creo que es más una cuestión de
la subjetividad del gusto y el oído de cada
uno.
26
RELATO
Toni Garrido
Heroínas de la
New Wave española
Teresa González aka Tere Desechable, es una de las pocas leyendas reales del
rock and roll en estado femenino. No exageraría demasiado, si dijera que Tere
fue la primera front woman real del rock español. Ocupó con su actitud todos
los frentes que debe dominar una líder y supo colocar a la vista de todos una
postura salvaje y seminal que guardaba en su recámara de chica mala.
Desechables, lo tenían todo, una chica sexual y tremendamente atractiva al frente, una
imagen sombría entre The Cramps e Iggy Pop, unas letras que complacían todo el universo adolescente desde un punto de vista muy cinematográfico, a saber... asesinos,
sexo salvaje, ritos satánicos, mucho, mucho sexo de nuevo y un sonido crudo, ruidoso,
oscuro y reverberante a ritmo de psicobilly. Existía también una salvedad importante,
prescindían del bajo para dar más crudeza a su música.
Aunque de Barcelona, Desechables, colaron muy rápidamente por los ambientes madrileños dadas sus características especiales, de hecho, parte de sus discos en estudio
fueron grabados en Madrid. La primera formación la completa un trío, Tere a la voz, Dei
Pei aka Jordi Solá como batería y otra leyenda, Miguel González a la guitarra.
En 1982 editaron una cassette en la indi barcelonesa, Anarchy Records, sonando rápidamente en radio 3, hecho que les llevo inevitablemente al Rock Ola. En los estudios Doublewtronic de Madrid grabaron su primer single que sería editado por Tres
Cipreses en 1983 con la producción de dos popes del rock en Barcelona, el crítico
Jaime Gonzalo y el músico Sabino Méndez. Por lo que todo quedó en casa en cuanto
al material humano.
27
RELATO
Este single contenía en la cara a, el primer
hit de la banda, La Oración... una historia
de sexo y satanismo muy en la onda de
los Cramps con una portada espectacular,
una calavera con vestimentas de obispo
surgido de las tinieblas. El single contenía
otros números tan elocuentes como Destruye y Mata o El Peor Dios.
El boca a boca fue rápido por todo el país y
Desechables se convirtieron en una especie de leyenda urbana por la muchas historias que se contaban sobre ellos. La más
dramática sobrevino el 23 de diciembre de
1983, justamente unos días antes de grabar el primer disco. Miguel González moría
en una joyería de Villafranca del Penedés
abatido a tiros en un atraco que pretendía
llevar a cabo con una pistola que no era
tal. El resultado de estos hechos, fue un
disco que recopiló estractos de varios conciertos de la banda en Lyon, París y el Rock
Ola de Madrid en el otoño de 1983, con
el trío original. El disco contenía historias
sadomasoquistas como Golpe tras golpe o
sucesos de psychokillers como El asesino.
El primer Lp de la banda se tituló Golpe
tras golpe y fue editado en 1984 por Distrimusic. Con una portada en la que Tere
y Dei Pei posaban junto a una sombra que
emergía de la oscuridad en recuerdo y homenaje del compañero fallecido, Miguel.
El segundo disco de la banda es de nuevo
un directo, pero en este caso con un escenario tan solo como protagonista, el Rock
Ola de Madrid en un 29 de diciembre de
1984. La portada muestra a una Tere provocadora y sexual, dando cabida en este
caso a una reestructuración de la banda
que se quedaba como cuarteto. Junto a
Tere y Dei Pei se incorporan Marcelo El
enano, (hermano de Dei Pei ) y Carlos a las
guitarras. Aquí se encuentran hits como La
Oración junto a otros números como En el
infierno. El título es sugerente, Buen Ser-vicio y es editado por Tres Cipreses en 1985.
En 1987 la banda grabaría su primer lp
en estudio, Nada que entender, con una
poderosa producción de Ángel Altolaguirre que entró a formar parte del line up
como guitarrista junto a Marcelo. Ángel
era un veterano y conocido músico en el
ambiente rockero de Madrid, tenía su propia banda, Ángel y las Guais, y formó parte
de Alaska y Dinarama durante una época.
Además produjo algunos discos de grupos
madrileños como Seres Vacíos.
El disco se registró en los estudios de RNE
y fue el mismo ente público quien sacó a
la calle el tercer lp de Desechables. No era
extraño que Altolaguirre entrara en la banda barcelonesa, dadas las coinciden cias
con Tere en cuanto a su pasión por Iggy
Pop en números como, Abreme u Hombre
serio y formal... En este disco colabora el
saxofonista Justo Bagueste, que procedía
de formaciones como Polansky y El Ardor. Durante aquellos años Tere González
intervino en varios films como Un par de
huevos (1984) o Un negre amb un saxo
(1988), cintas de Francesc Bellmunt, el llamado Almodovar catalán dado los tintes
pop que introducía en sus películas a la
hora de retratar la Barcelona de los 70 y
80, en films como, La orgía (1978), La quinta del porro (1980), Radio Speed (1985) y
Un negre... donde cambió Barcelona por
Valencia. Bellmunt fue también responsable de interesantes peliculas-documental
como, La Nova Cançó y Canet Rock , ambas
de 1975.
28
RELATO
Amor Pirata es el cuarto y último disco, editado en
esta ocasión por Interferencias en 1988. El disco
es portador de rabiosos momentos como Fuera
de la ley, entre otros, dando una visión muy social
y caótica del mundo... (no tengo patria, no creo en
Dios, para que quiero rey y menos tu rey) Disco
energético producido por Ángel Altolaguirre de
nuevo y con una Tere y Dei Pei metidos en su papel de francotiradores del subsuelo. Amor Pirata
es el único disco que Tere y su banda grabaron
en Barcelona y fue el primer disco en el que contaron con un bajista en su line up. Finiquitada la
historia con su antigua banda, Tere monta LoveRaiser, que posteriormente se quedaría en Raiser,
una banda de hard rock muy potente y profesional
con excomponentes de Último Resorte, Loads o
Wom A2. El disco se graba en los Estudios Box de
Madrid en 1990 y es editado por GASA. Del único
disco de Raiser salieron varios singles como Mátame, Dame un beso o Tus dedos.
El intento de Tere era montar una banda seria con
un futuro comercial pero al parecer la cosa no
tuvo continuidad.
Otra leyenda del rock español femenino es Ana
Isabel Fernández, más conocida como Ana Curra,
musa de la new wave española primero y del after punk patrio después. Alaska y Los Pegamoides,
Parálisis Permanente y Seres Vacíos fueron las
tres formaciones en las que militó entre los 70 y
80, componiendo con ello un puzzle visual y sonoro que recogió toda la new wave madrileña de
principio a fin. En el capítulo anterior se repasó
toda la discografía de estas tres bandas. En 1985
se presentó con el maxi Una noche sin ti... disco
de cuatro canciones en las que se rodeó de un
buen equipo de músicos como José Battaglio de
La Frontera a la guitarra, Rafael Balmaseda, antiguo componente de Parálisis Permanente y Seres
Vacíos al bajo y Carlos Torero, ex de Espasmódicos
a la batería. En 1986 salió el single Volveré, canción
que estaba incluida en el maxi.
Ana Curra, musa de la new
wave española primero y del
after punk patrio después.
leño. Entre las canciones del disco destacan dos
versiones, Rien de rien de Edith Piaf y Unidos de
Parálisis Permanente. Todos sus discos los editó
Hispavox.
Su corta carrera en solitario finaliza con ese disco
y a partir de ahí Ana se limita a contadas colaboraciones con amigos. Alaska y Dinarama la llaman
para su último disco Fan Fatal (1989) en el que colabora como voz junto a Alaska para el maxi que se
editaba junto al Lp, en una revisión discohouse de
Quiero ser santa.
Con anterioridad tocó los teclados en el disco Que
Dios reparta suerte de Gabinete Caligari y en El ritmo del garaje de Loquillo y Trogloditas ambos grabados y editados en 1983. Ese mismo año montó
junto a Los Nikis y su amiga Alaska un combo de
funk nueva olero llamado Negros S.A con los que
grabó el divertido maxi Sabana, sabana. También
formó parte del supergrupo Los Vengadores, formado en 1992 junto a Alaska, Manolo Uvi y Carlos
Torero con quienes grabó un disco en homenaje
a Toti Árboles.
En 1994 colaboró en la elaboración del disco Polvo
de Ángel de Ángel aka Ángel Caballero, excomponente de Escaparates y Negroes. Tanto Tere Desechable como Ana Curra se convirtieron en dos
iconos visuales y sonoros de la new wave española que desde dos púlpitos distintos y con carreras
paralelas en un mismo tiempo desarrollaron una
fuerte influencia en toda una generación rockera
de este país.
Posteriormente en 1987 graba su primer y único Lp, Volviendo a las andadas, en el que cuenta
con la colaboración de Manolo Uvi, José Battaglio
y Sabino Mendez entre otros muchos.El disco lo
registra en los estudios Doublewtronics de Madrid
y tiene un relativo éxito con canciones de pop bien
estructurado, cimentado por otro lado en las bases dejadas por el arty pop del post punk madri29
SOFTWARE
Agus González Lancharro
Heavyocity
DM-307
Percusión y grooves virtuales
Heavyocity son bien conocidos entre los compositores por sus librerías Damage, Evolve y AEON y por proporcionar algo fresco y muy fácil de utilizer.
Cada uno ofrece una visión diferente de sonidos de percusión y DM-307 es
sin duda una continuación en la misma línea.
SOFTWARE
Las muestras de DM-307 derivan de baterías
de sintetizador modular, percusión en directo
y cajas de ritmos analógicas y clásicas. En total, la biblioteca contiene 7.5GB de muestras
sin comprimir (aunque sólo utiliza 4.8GB de
espacio de disco duro con la compresión sin
pérdida de Native Instruments) con más de
3.600 muestras repartidas en más de 1.500
presets.
DM-307 es un producto de descarga y funciona con la versión gratuita de Kontakt Player o,
como antes de la revisión, la versión completa
de Kontakt 5.
Adentrémonos, pues, en la interfaz. La pestaña principal tiene los controles normales
ADSR junto con pitch bend, velocidad, retardo
y controles de modulación. En el centro de la
pantalla se puede ver una instantánea de la
forma de onda para el loop o sonido que se
está reproduciendo y también tienen como
opciones el “Twist” y “Punish” para dar más
modulación o distorsión a cada sonido.
Más allá de los instrumentos proporcionados
hay un montón de contenido adicional que
amplía aún más las posibilidades que ofrece
el DM-307. La carpeta de kits, por ejemplo,
ofrece un medio alternativo de acceso a las
baterías utilizadas para alimentar los presets
del “Grid”, así como una colección de efectos
y sonidos que añaden interés sonoro instantáneo a cualquier composición. Los kits son
ideales si tienes la intención de secuenciar el
DM-307 con tu aplicación de audio, especialmente al usar los “Element Kits”, que presentan los sonidos por diferentes tipos, por lo
que un instrumento contiene solo cajas, por
ejemplo, o sólo bombos.
Como no podia ser menos, DM-307 nos ofrece multitude de estilos de kits, dependiendo
del género en el que estemos interesados,
como por ejemplo Drum & Bass, Dubstep,
Electronic, Hybrid Scoring, Industrial Edge, Latin Organic y Rock.
Los sonidos que nos ofrecen son de una gran
variedad, desde los elementos acústicos bastante convencionales, baterías electrónicas
y sintetizadas analógicamente con y sin procesamiento, etc... Podría imaginar fácilmente
los sonidos básicos en la composición de cine
contemporáneo, casi cualquier estilo moderno de electrónica y también en estilos más
vanguardistas.
Hay mucho que toquetear pero, sin embargo,
el esfuerzo se paga con creces. Eso tampoco
quiere decir que no haya ninguna gratificación instantánea ya que cualquier manera, es
casi imposible no encontrar algo bueno en un
par de minutos y para redondearlo, los bucles de ritmo también se pueden manipular
en una variedad de formas creativas.
CONCLUSIÓN
Así las cosas, tenemos una enorme biblioteca de excelentes y muy variados sonidos de batería y percusión y una interfaz que te permite reproducir y manipular los sonidos en una gran variedad de formas. Es justo
decir que, por lo tanto, que para obtener lo mejor de DM-307, deberás
poner un poco de esfuerzo inicial. DM-307 contiene una asombrosa
cantidad de potencial rítmico. Los sonidos son fabulosos y la interfaz
de Kontakt, mientras que se necesita un poco de tiempo para explorar
a fondo, es una alegría a la hora de usar. Resumiendo, DM307 es un
paquete impresionante con multitud de posibilidades que, casi sin excepción, suenan genial.
MULTIMEDIA
Discos, directos,
webs, y curiosidades... ...en los que parar, ya sea un ratito o para que formen parte de
tus incunables.
incluyen el rock, blues, jazz, heavy metal,
reggae, funk, calypso, bossa nova, march,
mambo, New Orleans 2nd line, etc.
Los CD que acompañan los ejercicios incluyen la tecnología Slow-Downer para poder ralentizar los tempos sin bajar el tono
y facilitar la comprensión de lo que suena.
Trabajo para todo un año que puede ser
tomado como un reto…¡A ver si te lo acabas!
servir de apoyo además a profesores con
los contenidos que propone. Además de
los principios elementales de la música
hay 83 clases de ejercicios y rudimentos,
21 ejercicios de lectura y estudios rítmicos avanzados. La habilidad de un genio
de la batería como Buddy Rich queda
plasmada en este libro que puede ser de
gran ayuda para mejorar tu lenguaje con
la caja.
LIBROS
BUDDY RICH´S MODERN
INTERPRETATION
OF SNARE DRUM
RUDIMENTS.
Ted Mackenzie.
MUSIC SALES AMERICA
Este es un manual clásico de técnica, de
rudimentos para caja. Contiene un curso
sistemático para principiantes, que también es útil si se trabaja con orden y disciplina para bateristas avanzados y puede
LIBROS
DRUMS AEROBICS.
Andy Ziker.
HAL LEONARD
¿Quieres un programa de entrenamiento
para mejorar tu técnica? Aquí hay una propuesta para 52 semanas, realizando un
ejercicio cada día. Para baterías de todos
los niveles que quieran mejorar en velocidad, coordinación, destreza y precisión.
Los dos CD contienen los 365 licks de trabajo, además de play-alongs en estilos que
32
LIBROS
MULTIMEDIA
SHAKEY.
LA BIOGRAFÍA DE NEIL
YOUNG.
JIMMY McDONOUGH
CONTRA
Como el título indica nos encontramos ante
la biografía de una de las mayores estrellas
del rock de los años 70 y que ha seguido
con proyectos más o menos aceptados por
el público hasta la actualidad. El libro es un
perfecto retrato de la cultura rock, del negocio posterior que comienza a pervertirla,
de los músicos y sus relaciones con la creatividad y un entorno totalmente desmadrado por el consumo de sustancias estupefacientes totalmente cotidiano. El sex, drugs
and rock and roll en su máximo explendor.
Durante cerca de mil páginas el autor plasma la información proveniente de sus entrevistas con más de 300 personas del entorno de Young, y las conversaciones con el
artista cuya relación con su gente alrededor
no siempre es fluida. En retrato de una
época desde los 60 hasta 2002 y que todo
aficionado a la música debería echarle un
vistazo porque desde luego no le va a dejar
indiferente.
33
bateriapercusion.com
25
Jefe de Redacción
Asensio Ros “Wally”
Artículos y Entrevistas
Agus González-Lancharro
Jose Manuel López
Toni Garrido Vidal
Miguel Angel Nueda
Álex Casal
Will Martin
David González
Toni Fernández
Eduardo Olmedo
Maquetación
Diego Vieites

Descarga - Batería Percusión

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