descargar - Punto y Raya Festival

Comentarios

Transcripción

descargar - Punto y Raya Festival
organizado por | organised by
www.mad-actions.com
[email protected]
La Casa Encendida [Madrid]
1 y 2 septiembre 2007
colaboradores | collaborators
mauro arroyo
esdip
helena febrés
ana fresco
salah malouli
medialabmadrid
alex posada
lluís ribalta coma-cros
javier romañach
carlos santos
1 y 2 septiembre 2007
La Casa Encendida [Madrid]
Este festival explora la síntesis máxima de la dualidad forma·movimiento en diversas esferas
artísticas. Gracias a la simplicidad de la consigna, utiliza la materia prima de la abstracción
humana para revelar los logros y las limitaciones de nuestras formas de
representación. Se plantea en varias ediciones que incluyen cada vez una nueva dimensión
a explorar. Esta primera edición 0·2 utiliza únicamente punto·rayas como fines en sí mismos.
Nada de figuración, nada de perspectiva, sólo punto·rayas desplazándose sobre el plano.
Del lápiz al stylus, del punto·analógico al píxel·digital, un espectro de obras de increíble
ingenio y abstracción que nos harán reflexionar sobre la esencia del tiempo y el espacio.
This festival explores the ultimate synthesis of the form·movement duality in different spheres
of human endeavour. Due to the simplicity of its criteria, it uses abstraction's prime matter
to reveal the limitations and achievements of our representation systems.
It offers several editions adding one new dimension to explore at the time.
This first 0·2 edition features exclusively dot·lines as ends in themselves. No figuration, no
narrative, just dot·lines moving on a plane. From the pen to the stylus, from the analogic·dot
to the digital·pixel, a broad spectrum of short·films of exquisite genius and
abstraction that will make us wonder about the essence of space and time.
organizado por | organised by
mad [moviment d’alliberament digital]
www.puntoyrayafestival.com
www.mad-actions.com
[email protected]
sección retrospectiva
retrospective section
Un recorrido deslumbrante por más de 80 años de historia que incluye primeras incursiones en el mundo de
los dibujos animados abstractos, experimentaciones pioneras por ordenador de los 60’s y piezas contemporáneas
realizadas con las últimas tecnologías y software.
An amazing journey over 80 years of history, including early experimentations in abstract hand-drawn animation,
pioneer computer programming in the 60’s and contemporary pieces designed with the ultimate technology
and software.
Allures
7’30’’ · colour · op·art · 1961 · USA
Jordan Belson
Precursor de Lazer Shows, Allures desarrolla la búsqueda espiritual de Belson por comprender el universo y la condición
humana, tan personal a la vez que profundamente universal. Es una combinación de estructuras moleculares y eventos
astronómicos en un clima subjetivo e hipnótico donde puntos y rayas se conducen mutuamente al límite. Para su
realización Belson utiliza patrones de interferencia cuidadosamente diseñados para crear efectos complejos e hipnóticos.
Una vez diseñada la secuencia, la filmaba íntegra en “tiempo real”.
A precursor to Lazer Shows, Allures unfolds over time a journey of his spiritual quest for understanding the universe
and the human condition within, a journey as deeply personal as it is profoundly universal. It's a combination of molecular
structures and astronomical events intermingled in a subjective and hipnotic milieu, where dots and lines push each
other to the limit. Belson uses carefully-prepared interference patterns that create complex and sensitive
effects. Once the construction of a sequence was over, he shot it in "real time".
Jordan Belson [Chicago·USA 1926]
Desde su primer film Transmutación en 1947, el arte sagrado es la naturaleza del trabajo de Belson; en sus composiciones
todo encaja en perspectivas múltiples, lo micro y lo macro. Entre 1957 y 1959 colaboró con el compositor Henry Jacobs
en el histórico Vortex Concerts. Esta obra y la contemplativa Lumia de Thomas Wilfred inspiraron a Belson a abandonar
la pintura y animación tradicionales para dedicarse a la creación de fenómenos visuales manipulando luz pura en algo
muy similar al “tiempo real”. Ésta la base tecnológica de sus más de 20 films.
Since his first film Transmutation in 1947, sacred art is the nature of Belson's work; in his compositions everything fits
together in multiple perspectives, the micro and the macro. Between 1957 and 1959, he collaborated with composer
Henry Jacobs on the historic Vortex Concerts, which combined the latest electronic music with moving visual abstractions.
This work and the contemplative Lumia of Thomas Wilfred inspired Belson to abandon traditional painting and animation
to create visual phenomena by live manipulation of pure light in something like “real-time”. That's the technological basis
for his more than 20 films.
A man and his dog out for air
Un hombre y su perro tomando el aire
3’ · b&w · drawing · 1957 · France
Robert Breer
En toda la obra de Breer hay una persistente sensación de azar colisionando con el orden; estructuras y relaciones
aparecen y desaparecen superando toda expectativa. Desafiando los mandatos cinematográficos sobre la continuidad
narrativa, Breer crea un cine de angularidad discontinua, formal a la vez que llena de referencias personales. Este corto
compuesto de líneas de tinta revoloteando en constante transformación sobre un fondo blanco está dedicado a su joven hija.
In all Breer's work there's a pervasive feeling of randomness colliding with order; structures and relationships appear .
and recede slyly, subverting expectation. Challenging the cinematic mandate for narrative continuity, Breer creates a
cinema of discontinuous angularity, formal yet brimming with personal reference and wit. This short·film composed of
squiggly ink lines cavorting in constant transformation on a white field, is dedicated to his young daughter.
Robert Breer [Detroit·USA 1926]
Como estudiante en la escuela de arte de Stanford Breer fue atacado por pintar como Mondrian en lugar de seguir el
realismo socialista de sus maestros. En 1949 se mudó a París y se sumergió en la abstracción pura y dura del
neo·plasticismo. Allí comenzó una serie de experimentos fílmicos y en 1955 editó su flipbook Image Par Images. En 1959
se reubicó en Nueva York, expandiendo su trabajo para incluir escultura cinética. Breer desarrolló una técnica lineal
relacionada con la forma libre de los dibujos del suizo Paul Klee y en sus films comenzó a utilizar la dinámica de la línea
a mano alzada para capturar la sensación de humor y movimiento; para ello usó una técnica tan simple como lápiz sobre
tarjetas blancas de 4” x 6”.
As an undergraduate art major at Stanford Breer was attacked for painting like Mondrian, instead of following the social
realism of his teachers. In 1949 he went to Paris and immersed himself in the hard-edged abstraction of neo·plasticism.
There he began a series of film experiments and in 1955 made Image Par Images, the first fine art edition flipbook. Upon
relocating to New York in 1959, Breer broadened his work to include kinetic sculpture. He developed a line technique
related to the free form work of swiss painter Paul Klee and started using in his films the dynamics of drawing and line
to capture the feeling of humour and motion, relying on the simple technique of pencils on 4" x 6" cards.
Two Space
7’30’’ · b&w · cgi · 1979 · USA
Larry Cuba
La imaginería en esta pieza consiste de puntos blancos sobre un fondo negro. Al realizar una serie de operaciones de
simetría [traslaciones, rotaciones, reflexiones, etc.] sobre una figura básica o “mosaico”, se generan patrones similares
a los mosaicos de los templos islámicos . Doce de estos patrones construidos a partir de nueve figuras son animados
para producir la ilusión de que fondo y figura invierten posiciones, e incluso se aprecian residuos de color. La animación
se desarrolla al ritmo de música javanesa de 200 años de antigüedad.
The imagery in this piece consists of white dots against a black field. Patterns resembling the tiles of Islamic temples
are generated by performing a set of symmetry operations (translations, rotations, reflections, etc.) upon a basic figure
or "tile." Twelve such patterns constructed from nine different animating figures are choreographed to produce illusions
of figure-ground reversal and afterimages of color. This is set against 200 year old Javanese gamelan music.
Calculated Movements
Movimientos Calculados
6’20’’ · b&w · cgi · 1985 · USA
Larry Cuba
Una secuencia coreográfica de eventos gráficos construida a partir de sencillos elementos que se repiten y organizan
en una estructura jerárquica. El elemento más simple es una figura lineal similar a una cinta que aparece, continúa su
camino a lo largo de la pantalla y finalmente desaparece. El siguiente nivel en la jerarquía es una forma geométrica
compuesta de copias múltiples de la figura·cinta desplazándose en el espacio·tiempo. A este nivel las copias se extienden
en un patrón simétrico bidimensional, se desfasan para seguirse unas a otras o bien realizan una combinación de ambas. El nivel
más elevado es el arreglo secuencial de estos eventos gráficos en una coreografía que describe la composición de principio a fin.
A choreographed sequence of graphic events constructed from simple elements repeated and combined in a hierarchical
structure. The simplest element is a linear ribbon-like figure, that appears, follows a path across the screen and then
disappears. The next level up in the hierarchy is an animating geometric form composed of multiple copies of the ribbon
figure shifted in time and space. At this level the copies are spread out into a two-dimensional symmetry pattern or
shifted out of phase for a follow-the-leader type effect, or a combination of the two. The highest level is the sequential
arrangement of these graphic events into a score that describes the composition from beginning to end.
Larry Cuba [Atlanta·USA 1950]
Larry Cuba es uno de los artistas más importantes en la tradición conocida como animación abstracta, absoluta o
concreta. Cuando aún estudiaba en el Instituto de las Artes de California, estaba convencido del potencial artístico de
la gráfica por ordenador, pero por esas fechas las escuelas no enseñaban dicha disciplina. Así que Larry solicitó acceso
a los modernos ordenadores del Laboratorio Jet Propulsion de la NASA y aprendió por sí mismo animación por ordenador
produciendo su primera película, First Fig. En 1975 John Whitney le invitó a realizar la programación de uno de sus films;
el resultado de esta colaboración fue Arabesque. Más tarde Cuba produjo otras tres películas de animación por ordenador:
3/78 [Objects and Transformations], Two Space y Calculated Movements. Como Raphael Bassan escribió en 1981 en un
número de La Revue du Cinema, “La animación por ordenador establece un paralelo entre la percepción visual y una
estructura lingüística u orden matemático: trata de establecer un nuevo campo de organización para el material estético…
En la esfera del cine abstracto [a falta de un término mejor], la investigación de Larry Cuba es, de hecho, el origen de
una nueva dirección que aún no tiene nombre…”
Larry Cuba is one of the most important artists in the tradition known variously as abstract, absolute or concrete animation.
While still a graduate student at The California Institute of the Arts, he was convinced of the artistic potential of computer
graphics, but this was years before art schools began teaching the subject. So Larry solicited access to the mainframe
computers at NASA's Jet Propulsion Lab and taught himself computer animation by producing his first film, First Fig.
In 1975 John Whitney invited him to be the programmer on one of his films; the result of this collaboration was Arabesque.
Subsequently, Cuba produced three more computer·animated films: 3/78 [Objects and Transformations], Two Space, and
Calculated Movements. As Raphael Bassan wrote in a 1981 issue of La Revue du Cinema, "The computer animation
establishes a parallel between visual perception and a structure of linguistic or mathematical order: it is concerned with
establishing a new organizational field for the aesthetic material. …In the sphere of abstract cinema [lacking a better
term], Larry Cuba's research is, in fact, at the origin of a new direction which does not yet have a name…"
Earthquake Weather
Tiempo de Terremoto
4’26’’ · colour · cgi · 2005 · UK
D-Fuse
Jugando con imágenes abstractas reales y de animación [punto·rayas en su mayoría], D-Fuse diseñó más de 100 streams
de vídeo para la edición limitada CD/DVD del álbum Guero de Beck. Esta pieza es uno de ellos, y presenta puntos creados
por chispas o “haces de luz” en movimiento y finas líneas de color que crecen en complejidad al ritmo de una canción
estilo 70's.
Playing with live action and animated abstract images [dot·lines mostly], D-Fuse designed more than 100 videostreams
for the double-disc CD/DVD-Audio limited edition of Beck's Guero. This piece is one of them and features dots created
by sparks or “passing spotlights” and thin colour lines that grow in complexity to the rhythm of this 70's style song.
D-Fuse
Colectivo de artistas en Londres que explora la amplia variedad de la comunicación mediática. Trabajando con métodos
trans-disciplinarios y tecnología punta, animan a su audiencia a reflexionar sobre el proceso de experimentar el arte
de manera multi-dimensional y multi-sensorial. D-fuse explora la performance audiovisual, el diseño web, gráfica, artes
plásticas y arquitectura, TV y cine, y ha colaborado con músicos como Scanner, Beck, el compositor contemporáneo
Steve Reich y la ensemble italiana Alter Ego.
A collective of London based artists who explore a wide range of creative media. Working in a trans-disciplinary method
with cutting edge technology, they encourage their audience to reflect on the process of experiencing art in a multidimensional, multi-sensory way. D-Fuse explore live audiovisual performance, mobile media, web, print, art and architecture,
TV and film and have collaborated with groundbreaking musicians like Scanner, Beck, contemporary classical composer
Steve Reich and the Italian ensemble, Alter Ego.
Symphonie Diagonale
Sinfonía Diagonal | Diagonal Symphony
8’ · b&w · 1923-24 · Germany
Viking Eggeling
Como Standish Lawder señala, el énfasis de esta pieza está puesto en el movimiento analizado objetivamente más que
en la expresividad de las líneas con movimientos claramente definidos, controlados por un tempo mecánico casi a fuerza
de metrónomo. Siendo la pieza original muda, Raúl Santos [a.k.a Supercinexcene] ha compuesto una banda sonora para
esta proyección retrospectiva.
As Standish Ladwer commented, this piece's emphasis is on objectively analyzed movement rather than expressiveness
on the lines with clearly defined movements, controlled by a mechanical, almost metronomic tempo. Being the original
version silent, Raúl Santos [a.k.a. Supercinexcene] has composed the soundtrack especially for this retrospective screening.
Viking Eggeling [Lund·Sweden 1880 - Berlin·Germany 1925]
“Viking” Eggeling emigró a Alemania a la edad de 17, donde trabajó de librero y estudió historia del arte y pintura. De
1911 a 1915 vivió en París y luego se mudó a Zürich, donde se unió al movimiento dadaísta. Al terminar la Gran Guerra
regresó a Alemania con el realizador Hans Richter; juntos exploraron la representación del movimiento, primero en rollos
de dibujos y luego sobre película. En 1922 Eggeling compró una cámara de 35mm. y esta vez sin Richter, buscó crear
un nuevo tipo de cine. Así nació en 1923 su clásico Sinfonía Diagonal.
Viking Eggeling emigrated to Germany at the age of 17, where he became a bookkeeper and studied art history as well
as painting. From 1911 to 1915 he lived in Paris an then moved to Zurich, where he became associated with the Dada
movement. By the end of the Great War he moved to Germany with Hans Richter; together they explored the depiction
of movement, first in scroll drawings and then on film. In 1922 Eggeling bought a motion picture camera and, working
without Richter, sought to create a new kind of cinema. That is how he came up with his classic Symphonie Diagonale in 1923.
Studie nº 9 |
Estudio nº 9
3’ · b&w · drawing · 1931 · Germany
Oskar Fischinger
En el hospital tras romperse el tobillo durante el rodaje de “Mujer en la Luna” de Fritz Lang, Fischinger diseñó una
técnica nueva: dibujó con carboncillo sobre papel blanco y luego lo fotografió utilizando el positivo como negativo. Gracias
a su talento de ingeniero sincronizó los dibujos con discos fonográficos de Electrola, marcando los discos con una “X” y
calculando los clicks resultantes con una regla graduada deslizante. Así nacieron sus increíbles Estudios. Hacia 1930
el sonido óptico reemplazó al fonógrafo y Fischinger comenzó a utilizar esta técnica en su Estudio nº 6. Construyó su Estudio
nº 9 al ritmo de la sexta Danza Húngara de Brahms.
While in hospital after breaking his ankle during the shooting of Fritz Lang's “Woman in the Moon”, Fischinger designed
a new technique: he drew with charcoal on white paper, then filmed it and used the positive as negative. Thanks to his
engineering skills he synchronised the drawings to phonograph records released by Electrola, scratching an “X” on the
disc and calculating the resulting clicks with a slide-rule. That's how his incredible Studies were born. By 1930 optical
sound-on-film process took over and he shifted to this technique while working on his Study nº 6. His Study nº 9 is based
on Brahm's sixth Hungarian Dance.
Kreise | Círculos | Circles
2’ · colour · 1933 · Germany
Oskar Fischinger
Debido a que los films publicitarios no eran tan rigurosamente analizados por el partido Nazi, Fischinger preparó su
Círculos usando el nuevo proceso Gasparcolor en tres colores. Gracias al mensaje que añadió al final, “La publicidad
llega a todos los círculos de la sociedad”, el film fue considerado “apropiado” por enseñar el flujo dinámico de círculos de colores.
As advertising films were not closely scrutinized by the Nazi party for style, Fischinger prepared his Circles using the
new 3-color process Gasparcolor, in which the message “Advertising reaches all circles of society” was accepted as a
suitable excuse for a dynamic flow of colourful circles.
Oskar Fischinger
[Geinhausen·Germany 1900 - Los Angeles·USA 1967]
Inspirado por la obra del pionero Walter Ruttman, Fischinger comenzó experimentando con líquidos coloreados y modelos
tridimensionales en cera y arcilla. En 1924 fue contratado por Louis Seel para producir animaciones satíricas dirigidas
al público adulto. Paralelamente realizaba sus films y pruebas personales de carácter abstracto, probando técnicas
novedosas que incluían el uso de proyectores múltiples. Tras el golpe de estado Nazi en 1933 el arte abstracto fue
declarado “degenerado”, así que Fischinger tuvo que idear algunos trucos para continuar trabajando en su obra
no·figurativa. Realizó varios films en secreto [como su Composición en Azul] y fue encarcelado en diversas ocasiones.
En 1936 se trasladó a Hollywood con su esposa e hijo; allí, a pesar de sufrir serios problemas financieros y de integración,
continuó creando films abstractos y comerciales así como pinturas al óleo. En 1940 realizó el bloque basado en la Fuga
de Bach para Fantasia de Walt Disney y hacia comienzos de 1950, comenzó a experimentar también con película 3·d en
estéreo. Según el autor William Moritz, estaba fascinado por la relación entre la cosmología espiritual antigua y los
nuevos descubrimientos científicos sobre los átomos y fenómenos cosmológicos. Fischinger expresaba esta dualidad
de alguna forma en prácticamente toda su obra.
Inspired by Walter Ruttmann's work, Fischinger began experimenting with coluored liquids and three·dimensional
modeling materials such as wax and clay. In 1924 he was hired by Louis Seel to produce satirical cartoons that tended
toward mature audiences. He also made abstract films and tests of his own, trying new and different techniques including
the use of multiple projectors. After the Nazi coup d'etat in 1933 abstract art was declared “degenerate”, so Fischinger
had to find himself some tricks to keep on working on his non·figurative works. He made several films secretly [as his
Composition in blue] and have been imprisoned on several occasions. He moved to Hollywood in 1936 with his wife and
son where, despite suffering integration and financial problems, he continued to create abstract and comercial films as
well as several oil paintings. In 1940 he designed the film based on Bach's Fugue for Walt Disney's Fantasia, and by the
early 1950's he started experimenting also with 3-D stereo film. According to William Moritz, he held a dual fascination
with ancient spiritual cosmology and new scientific discoveries of atoms and cosmic space phenomena. This duality was
somehow always present in his imagery.
Opus 1
4’ · b&w · scratch · 1964 · Canada
Pierre Hébert
Esta deliciosa pieza es su primera obra de producción independiente, realizada un año antes de unirse al National Film
Board de Canadá. La banda sonora es una improvisación creada junto a unos amigos, ligeramente reorganizada utilizando
el material original para la edición en 3 DVD's que la NFB lanzará pronto con lo mejor de la obra de Hébert.
This delicious film was realised independently one year before he joined the NFB. The soundtrack features an improvisation
with friends, slightly reorganized using the same source material when the film was remastered for the 3·DVD set that
NFB will soon release with the best of Hébert's work.
Pierre Hébert [Montreal·Canada 1944]
Pierre Hébert estudiaba antropología cuando comenzó a dibujar películas caseras directamente sobre el celuloide. Se
unió al NFB en 1965 donde realizó Op Hop - Hop Op y Opus 3 entre otras. El segundo período en su carrera, de carácter
más político, fue inspirado por años de activismo y por el estudio de las obras de Marx y Brecht . Su tercer período se
caracteriza por una aproximación multidisiplinaria, colaborando con músicos de improvisación quienes le animaron a
intentar rayar película en directo. En 1999 dejó el NFB y continuó su carrera explorando las nuevas posibilidades que
le brinda la informática.www.pierrehebert.com
Pierre Hébert was studying anthropology when he began to draw and scratch home·made films directly on to celluloid.
He joined NFB in 1965, where he made Op Hop - Hop Op and Opus 3 among others. The second, more political period
of his career was inspired by years of activism and close study of the works of Marx and Brecht . His third period is
characterized by a multidisciplinary approach, collaborating with improvisational musicians which encouraged him to
attempt scratching film live. In 1999 he left the NFB and continued to pursue his career exploring the new possibilities
offered by computerization. www.pierrehebert.com
Free Radicals | Radicales libres
5' · b&w · scratch · 1979 · UK
Len Lye
Lye deja de lado su interés por el color para concentrarse en el blanco y negro rayando película negra con utensilios
dentales y otras herramientas punzantes. Las líneas se mecen en permutaciones varias como una línea eléctrica
elemental que evoca la creación en su forma más básica; un festín de luz penetrando en lo desconocido. En esta
“celebración de energía”, Lye lleva a una línea de paseo. Versión revisada de la pieza creada en 1958.
Lye put aside his interest in colour and concentrated on a stark, black and white use of the 'direct' method by scratching
on black leader with dental implements and other sharp tools. The scratched lines weave their way through various
permutations as an elemental electrical line evoking creation in its most basic form; a slither of light reaching into and
penetrating the unknown. In this celebration of energy, Lye takes a line for a walk. Revised version of his 1958 original piece.
Len Lye [Christchurch·New Zealand 1901 - Rhode Island·USA 1980]
Lye comenzó su increíble carrera como animador experimental en Londres en 1926, con obras como Tusalava y films
comisionados por el Servicio Postal Británico. Experimentaba continuamente con las posibilidades de las técnicas de
animación sin cámara y en varias obras llegó a utilizar tinturas, aerógrafos, lápices blandos, tampones, peines e
instrumentos quirúrgicos para crear imágenes y texturas sobre el celuloide.
Lye began making his incredible experimental films like Tusalava in London in 1926, as well as commissioned works for
the British General Post Office. He continuously experimented with the possibilities of the direct·on·film technique and
in various works he used a range of dyes, stencils, air-brushes, felt tip pens, stamps, combs and surgical instruments
to create images and textures on celluloid.
Solo
4’31’’ · colour · cgi · 2002
Lukasz Lysakowski
Jugando con líneas rectas verticales y horizontales generadas netamente por su propio software, Lukasz crea una ruidosa
pieza cromática que nos transporta fácilmente por diferentes estados anímicos: desde la verticalidad y el apretujamiento
a suaves paisajes abiertos en el horizonte. Una pieza espectacular de perfecta sincronización entre imagen y sonido.
Playing with straight vertical and horizontal lines generated by his own computer software, Lukasz creates a noisy
chromatic work that transports us with ease through different psychic states: from stiff and tight verticality to soft open
landscapes on the horizon. A terrific piece with perfect synchronization between image and sound.
Lukasz Lysakowski [Gdansk·Poland 1974]
Como artista y diseñador, Lukasz explora la relación cibernética entre el ser humano y la máquina a través de la pantalla
mediática. Utilizando su propio software a medida [creado junto a su socio Lael Gerhart], Lukasz desarrolla performances
audiovisuales en tiempo real de carácter altamente improvisado. En el 2000 funda 242.pilots junto a HC Gilje y Kurt
Ralske, con quienes realizó la performance “Live in Bruxelles” en el 2002. Es en este contexto que desarrolló su pieza “Solo”.
As an artist and a designer, Lukasz explores the cybernetic relationship of the human and the machine through the
shared interface of the mediated screen. Utilizing his own custom software that draws upon imagery created by himself
and his partner Lael Gerhart, Lukasz developed real-time improvisational and generative audio visual performances.
In 2000 he started the video-impro-trio 242.pilots together with Kurt Ralske and HC Gilje, which realised the performance
“Live in Bruxelles” in 2002. In this context Lukasz created his piece “Solo”.
Mosaic | Mosaico
5’ · colour · op·art · 1965 · Canada
Norman McLaren
Realizado en colaboración con Evelyn Lambart y basado en sonidos que él mismo pintó sobre la banda sonora, el film
forma parte de una trilogía punto·raya que comenzó en 1962 con Líneas Horizontales y Líneas Verticales. Tras depositar
personalmente una pequeña bola en el centro del cuadro, McLaren provoca espectaculares fuegos de artificio donde
puntos estallan y se multiplican para generar líneas.
Based on the sounds generated by painting on the soundtrack, this films belongs to a dot·line trilogy started in 1962 with
Lines Horizontal and Lines Vertical. After personally placing a small ball in the centre of the frame, McLaren produces
spectacular fireworks of dots multiplying to create lines.
[Distribution Cinédoc-Paris Films Coop]
Synchromy | Sincronía
7’30’’ · colour · op·art · 1971 · Canada
Norman McLaren
Este juego de palabras define la más perfecta sincronía entre imagen y sonido. McLaren empleó novedosas técnicas
ópticas para componer los ritmos en la banda de sonido. Luego la desplazó hacia el centro del cuadro en colores diversos
para obtener esta pieza de exquisito ingenio.
This word play describes the most perfect synchronicity between image and sound. McLaren employed novel optical
techniques to compose the piano rhythms of the sound track. These he then moved, in multicolour, onto the picture area
of the screen to create this piece of exquisite genious.
[Distribution Cinédoc-Paris Films Coop]
Norman McLaren [Stirling·Scotland 1914 - Montreal·Canada 1987]
Tras terminar sus estudios de arte en la Universidad de Glasgow en 1932, McLaren se incorporó a la Glasgow Film
Society, donde descubrió el cine a través de las obras de Einsenstein, Pudovkin y Fischinger. Rápidamente comenzó a
innovar en el medio con sus animaciones sin·cámara, pintando directamente sobre negativos o raspando la emulsión
de la película. Conoció los avatares de la guerra al trabajar como cámara en 1936 durante la guerra civil española, por
lo que ante la inminente Segunda Guerra Mundial decidió emigrar a Canadá, donde en 1941 se incorporó al National
Film Board. McLaren nunca cesó de explorar técnicas nuevas para experimentar con el espacio y el tiempo, el sonido y
la imagen, la luz y el color. Y demostró que cualquier cosa es susceptible de animación, incluyendo sillas o vallas de
madera. La música jugó siempre un papel importante en sus obras y de hecho, creó muchas de sus propias bandas
sonoras raspando o pintando sobre película de sonido óptico. Junto a Grant Munro produjo una serie de cinco películas llamada
Animated Motion que constituye un verdadero curso de cine de animación debido a su análisis de los conceptos de espacio y
tiempo. En 1952 ganó el Oscar junto a Munro por Neighbours y Blinkity Blank recibió la Palme d´Or en Cannes en 1955.
After finishing his art studies at Glasgow University in 1932, McLaren joind the Glasgow Film Society, where he discovered
cinema through the works of Eisenstein, Pudovkin and Fischinger. He started quickly to innovate the medium through
his direct·on·film animations, painting or scratching the cellulloid. In 1936 he worked as a cameraman during the Spanish
civil war, a terrible experience for him. II World War being imminent, he decided to emigrate to Canada, where in 1941
he joined the National Film Board. McLaren never ceased exploring new techniques to experiment with space and time,
sound and image, light and colour. And he demonstrated that absolutely anything is susceptible of animation, including
chairs or wooden fences. Music always played an important roll in his work and in fact, he created many of his own
soundtracks by scratching or painting on optic·sound film. Next to Grant Munro he produced a series of five films called
Animated Motion, which constitutes a true lecture on animation due to its deep analysis of Space and Time in film. In
1952 he was awarded the Oscar for Neighbours and Blinkity Blank was awarded the Palme d'Or at Cannes in 1955.
Mondlicht | Luz de Luna | Moonlight
4’ · colour · scratch · 1997 · Switzerland
Bärbel Neubauer
Esta pieza increíble nos transporta por un paisaje nocturno donde la figuración se sugiere a través de la juguetona
iluminación lunar y sus reflejos en el agua. Rayada sobre emulsión negra de forma tal que persistan pequeños bordes
verdes y dorados, uno de los milagros de Luz de Luna [como en todos los films abstractos de la autora] es que el material
no está editado. Cada efecto, cada capa y cada movimiento preciso es generado directamente sobre la misma tira fílmica
cuadro a cuadro, sin posibilidad de error.
This amazing piece transports us through a nocturnal landscape where figuration is suggested by the playfull moonlight
and its reflections in a pool of water. Scratched into black emulsion so that little edges of green and gold remain, one
of the miracles of Moonlight [as in all Neubauer's abstract films] is that she does not use any editing. All of the effects,
the layerings and the precision movements, are rendered directly onto the same filmstrip frame by frame, with no chance
for mistakes.
Bärbel Neubauer [Klagenfurt·Austria 1959]
Esta realizadora y compositora musical establecida en Munich, ha creado más de 35 films experimentales desde 1980.
Heredera de la música visual de Oskar Fischinger y del rítmico scratch de Len Lye, sus trabajos de los años ‘90 en
formatos variados [35mm, 70mm Imax, quicktime para internet y performance en vivo] la convirtieron en una de las
figuras centrales de la animación abstracta. Desde el año 2000 trabaja con herramientas digitales para realizar
episódicamente Flockenspiel, un proyecto complejo a partir de diversos cortometrajes inspirados en las estructuras fractales.
This abstract animator and musical composer based in Munich, has created over 35 experimental films since 1980.
Heiress of Oskar Fischinger's visual music and Len Lye's rhythmical scratch, her works during the 90's in various formats
[35mm, 70mm IMAX film, quicktime movies for the internet and live performances] have rendered her one of the main
figures in abstract animation. Since 2000 she's been working with digital tools to create episodically Flockenspiel, a
complex project based on several short·films inspired on fractal structures.
August 16th | 16 de Agosto
2’52’’ · b&w · cgi · 2001 · USA
Amit Pitaru & James Paterson
a.k.a. InsertSilence
Al ritmo de “Just playing scared” de Big Lazy, una figura en constante transformación se revela por partes a través de
líneas pixeladas en rotación. Una deslumbrante pieza audiovisual construida por punto·rayas negros sobre fondo blanco en flah 5.
To the rhythm of “Just playing scared” by Big Lazy, a figure in constant transformation reveals parts of itself through
rotating pixelated lines. An amazing visual concert build up by black dot·lines on a white background using flah 5.
Amit Pitaru [Jerusalem·Israel 1974] & James Paterson [London·UK 1980] a.k.a. InsertSilence
Fundada en 2001, InsertSilence es el sello bajo el que Paterson y Pitaru editan sus trabajos en común. Paterson es un
artista visual que trabaja también como ilustrador y diseñador gráfico y mediático. Pitaru es batería de jazz que se ha
reconvertido en programador de software para facilitar su trabajo en los campos del arte audiovisual, música, gráfica y
diseño interactivo. Han realizado trabajos para Björk, Playstation2, Nike, Diesel and Mick Jagger. [Insertsilence.com].
Founded in 2001, InsertSilence is a common identity/brand that Pitaru and Paterson share when working together.
Paterson is a visual artist who also works as an illustrator, broadcast & web designer. Pitaru is a jazz drummer who
started writing software to facilitate his work and research in the fields of audiovisual art, music, print and interactive
design. They have done commissioned work for the likes of Björk, Playstation2, Nike, Diesel and Mick Jagger.
[InsertSilence.com]
Monocodes
3’13’’ · colour · cgi · 2000 · UK
Alexander Rutterford
Rutterford estructura esta apasionante pieza en seis fragmentos para experimentar sonora y visualmente con líneas
verticales que se desplazan lateralmente sobre una rejilla variando en intensidad y color.
Rutterford builds up this amazing work in six fragments to experiment with vertical lines shifting laterally on a backround
grid as they vary in intensity and colour. He's also designed the soundtrack.
Alexander Rutterford [UK]
Graduado en diseño gráfico en la Escuela de Arte de Croydon en 1991, comenzó trabajando para la industria cinematográfica
diseñando escenografías y vestuario para pelis como Judge Dredd y Lost in Space. Fue miembro de la productora Black
Dog [división promo de RSA ] y trabaja ahora de forma independiente como director, creando vídeos musicales y cortos.
Sus trabajos incluyen vídeos para Radiohead, Autechre y Amon Tobin, y films experimentales como 3space sound engine.
Graduated from graphic design at Croydon School of Art in 1991, he first broke into the film industry designing graphics
on sets for movies such as Judge Dredd and then moved on to become a cgi artist at production outfit Lost in Space.
He was a member of the video production company Black Dog, the promo division of RSA and works now independently
as a director, creating music videos and short films. His work includes music videos for Radiohead, Autechre and Amon
Tobin, and the experimental film 3space sound engine.
1/3 [One over three] | Uno sobre tres
7’ · b&w · cgi · 2006 · USA
Chiaki Watanabe a.k.a. c.h.i.a.k.i
Esta obra forma parte de su colección muX, que deriva su nombre del proceso digital “multiplexing”: la fusión de datos
de audio y sonido en uno. 1/3 es una composición audiovisual de estética minimalista y de baja resolución. Basada en
la tecnología de 1-bit, Chiaki crea esta impactante pieza punto·raya con diseño sonoro de Tristan Perich y Silvia Mincewicz.
This work is included in her collection muX, this title derived from the digital processing term “multiplexing”: fusing audio
and visual data into one. 1/3 is an audiovisual ensemble with lo-fi and minimalist aesthetics. Based on one-bit technology,
Chiaki creates an overwhelming dot·line piece to the rhythm of a soundtrack designed by Tristan Perich and Silvia
Mincewicz.
Chiaki Watanabe
Conocida también como c.h.i.a.k.i., esta talentosa artista residente en Nueva York experimenta con estética abstracta y
minimalista en diversos formatos como el vídeo, la animación gráfica, la instalación y la performance en vivo. Sus
principales fuentes de inspiración creativa son el sonido, la forma, el color y el movimiento. Basándose en conceptos
de la neuro·ciencia y la psicología, integra los medios audiovisuales con experiencias de percepción múltiple para explorar
los límites del formato mediático.
Also known as c.h.i.a.k.i., this New York-based talented media artist with minimalist and abstract aesthetics, explores
multiple formats including video, motion graphics, installation and live video performance. Her primary sources of creative
inspiration are sound, form, colour and movement. She draws on ideas of neuroscience and psychology to integrate
audiovisual media and cross sensory experiences and explore media boundaries.
Lapis
10’ · colour · 1963-66 · USA
James Whitney
“Constituido por cientos de puntos de luz moviéndose constantemente, Lapis produce transformaciones maravillosas
de espacio positivo y negativo, color proyectado e inducido por persistencia, similitud y diferencia; el espectador no puede
evitar contemplar las relaciones entre la unidad y el todo, entre la conciencia individual y el cosmos, entre el espacio y
el tiempo. No propone una meditación seca y forzada, sino un puro diálogo visual extremadamente sensual. “Lapis”, “piedra” en
latín, sugiere la piedra filosofal del alquimista, pero no es necesario ningún conocimiento de la doctrina hermética para apreciar
este maravilloso despliegue; la transmutación ocurre directamente en la mente del espectador”. – William Moritz.
“Consisting entirely of hundreds of constantly moving points of light, Lapis performs such marvelous transformations
of positive and negative space, projected color and after-image, similarity and difference, that the viewer cannot help
but contemplate the relationships of the unit to the whole, the individual consciousness to the cosmos, of space to time.
It's not a dry, forced meditation, but a supremely sensual, purely visual dialogue. “Lapis”, the Latin for "stone," suggests
the alchemical philosopher's stone, but no knowledge of hermetic doctrine is necessary to appreciate the wondrous
display; the transmutation occurs directly in the viewer's mind”. – William Moritz.
James Whitney [California·USA 1921 - Los Angeles·USA 1982]
A los 18 años James comenzó a colaborar con su hermano mayor John en films no·figurativos en 8mm. Estudiando
filosofías orientales comprendió que ciertos principios cósmicos no se rinden fácilmente a explicaciones verbales, pero
pueden ser vistos y “expuestos” a través de formas abstractas en sus películas. Después de su famoso Film Excercises,
James intentó durante seis años codificar un vocabulario ideográfico o alfabeto para esta expresión de ideas visuales.
Únicamente quedó estética y espiritualmente satisfecho con la reducción de todos los componentes constituyentes a su
forma más simple: el punto.
At 18 James began collaborating with his older brother John on non-objective films in 8mm. As he studied Eastern
philosophies, he realized that certain cosmic principles did not yield easily to verbal explanations, but could be seen and
"discussed" through the abstract shapes in his films. For six years after the famous Film Exercises, James tried to codify
an ideographic vocabulary or alphabet for the expression of visual ideas. Finally, he was aesthetically and spiritually
satisfied only by the reduction of all building components to their simplest form: the dot or point.
conferencias
conferences
domingo 2 septiembre | sunday 2nd of september
17:00 - 18:00 hs. · auditorio | auditorium
José Antonio Millán [Madrid · Spain 1954]
Lingüista interesado en los signos y en la etimología [entre muchas otras cosas que puedes encontrar
en su web jamillan.com], ha escrito sobre la puntuación el exitoso “Perdón imposible. Guía para una
puntuación más rica y consciente” (RBA) y una introducción para niños: “Me como esa coma. ¡Glups!...” (Serres).
A linguist interested in signs and etymology [among so many other things you can find about at his web
jamillan.com ] he wrote regarding punctuation Perdón imposible. “Guía para una puntuación más rica
y consciente” [RBA] and the introduction for children: “Me como esa coma. ¡Glups!...” (Serres).
La representación gráfica del lenguaje en Occidente
Comienza como un chorro continuo de letras que intenta reproducir la continuidad de la emisión sonora.
A lo largo de los siglos empiezan a aparecer signos - puntos y rayas - que tratan de marcar las inflexiones
y pausas de la voz. Lo que todavía hoy se llama "la puntuación” es el relato apasionante de los intentos
de transcripción del aliento humano.
The graphic representation of language in the Western World
It begins as a continuous stream of characters trying to reproduce the continuity of sound emission. The
signs - dots and lines - begin to emerge through the centuries to indicate pauses and voice inflections.
What we still call today “punctuation” narrates the passionate tale of the attempts to write out the human breath.
sábado 1 septiembre | saturday 1st of september
19:00 - 20:00 hs. · auditorio | auditorium
Agustín García Calvo [Zamora · Spain 1926]
Es catedrático emérito de Filología Clásica de la Universidad Complutense de Madrid. Pensador, lingüista,
escritor, dramaturgo, traductor, poeta.... Autor de numerosas obras de variados géneros, destaca su
empeño en continuar la práctica socrática de viva voz en su “Tertulia Política” del Ateneo de Madrid.
He is an emeritus cathedratic in Classical Philology at the Universidad Complutense in Madrid. Thinker,
linguist, writer, translator, poet... Author of numerous works of diverse genres. It's worth to mention
his endeavour to continue practising the Socratic method by talking directly with his audience in his
“Tertulia Política” at the Ateneo de Madrid.
O raya o punto
Se trata de enfrentar la definición de recta por dos puntos con la creación de punto por dos rectas y de
asomarse por ahí al problema de las relaciones entre ideales y realidad.
Either line or dot
His conference will confront the definition of a straight line by two dots with the creation of a dot by two
straight lines, and fathom thereof the problems in the relations between ideas and reality.
talleres
workshops
1 y 2 septiembre | 1rst & 2nd of september
11:00 - 15:00 hs.
aula taller | classroom
Muchos metros de película
De participación libre y gratuita y destinado al público familiar , estos talleres proponen la
realización de una o varias micro·películas colectivas emulando la técnica de animación sin cámara
popularizada a mediados de los años 50' por artistas como Norman Mclaren, Len Lye o Stan Brakhage.
A cargo de Laboratorium, los talleres se llevarán a cabo en dos sesiones:
· En la primera se manipulará directamente película S8mm rayando y/o pintando su superficie. El
resultado se proyectará inmediatamente después.
· En la segunda se realizará una animación colectiva dibujando muchos metros de película en papel de
caja registradora de 80 mm. de ancho. Esta extensión permitirá dotar de concepto a las transformaciones
que se vayan realizando sobre las tiras de papel.
Many metres of film
Addressed mainly to families, this open workshop proposes the realisation of one or various collective
micro·films emulating the technique ”direct·on·film animation” that was popularised in the mid·fifties
by artists like Norman Mclaren, Len Lye or Stan Brakhage. Given by Laboratorium, the workshop will
be held in two sessions:
· In the first, we'll work directly on a super8mm film·strip, scraping or painting its surface. The result
will be screened immediately after.
· In the second, we'll make a collective animation drawing on many metres of film and on 80mm·wide
register machine's paper. This wider format will allow us to work on a concept as the transformations
take place on the paper·strips.
sesiones DVj
DVj sessions
sábado 1 septiembre | saturday 1st of september
22:00 - 23:00 hs. · patio
Raúl Santos [a.k.a. Supercinexcene]
Talentoso productor y compositor que tras empezar su faceta como Dj en la sala Maravillas de Madrid, fue batería de
Los Planetas y teclista de Mercromina. Con su proyecto en solitario como Supercinexcene ha sacado varias referencias
para el sello Yo Gano, Tú Pierdes con colaboraciones de Najwa, Mastreta y varios más. Recientemente galardonado con
el Premio de la Música a la “Mejor Canción de Música Electrónica” junto a Najwa Nimri, prepara ahora su segundo disco en solitario.
[www.myspace.com/rsantos]
Gifted producer and composer who after beginning his career as a DJ at the mythical Maravillas in Madrid, played drums
for Los Planetas and keyboards for Mercromina. He launches his solo projects as Supercinexcene , publishing several
singles for the record company Yo Gano, Tú Pierdes featuring artists like Najwa and Mastreta . Recently awarded the
Premio de la Música to the best electronic music song with Najwa Nimri, he's currently working on his second solo album.
[www.myspace.com/rsantos]
Mia Makela [a.k.a. Solu]
Esta renombrada artista de la experimentación audiovisual, investigadora independiente y activista cultural de origen
finlandés, comenzó su carrera en 2001 realizando visuales en directo junto a la banda de improvisación DADATA. Bajo
el nombre Solu ha actuado en numerosos eventos por todo el mundo, colaborando con artistas como Heidi Mortenson
y Dj Rupture. El estilo de sus videoclips experimentales varía desde abstracciones minimalistas y piezas altamente
procesadas a paisajes ambientales de exquisita complejidad. [www.solu.org]
This renown media+live cinema artist, teacher, investigator and cultural activist from Finland, began her career in 2001
performing visuals as part of the audiovisual improvisational band DADATA. As Solu she has performed in several festivals
around the globe, collaborating with experimental musicians like Heidi Mortenson and Dj Rupture. The style of her
experimental music videos ranges from minimal abstractions and strongly processed material to multi-layered ambient landscapes.
[www.solu.org]
sábado 1 septiembre | saturday 1st of september
23:00 - 00:00 hs. · patio
Foton [Hans de Man a.k.a. Antz & Antonin de Bemels]
Colectivo basado en Bruselas que experimenta con la música electrónica, performances, instalaciones, arte mediático
y fiestas fuera de límite. A través de una aproximación física a fenómenos como el sonido y la luz, Foton crea mundos
paralelos donde el espectador deja de ser pasivo para convertirse en participante. Antonin De Bemels es un artista de
vídeo y audio que explora el movimiento, el cuerpo humano y la dinámica relación entre sonido e imagen. Hans De Man
a .k.a Antz es promotor de conciertos y fiestas, curador multimedia, artista de instalaciones y dj. Disfruta empujando
los límites y la transmisión de energía positiva y como DJ, Antz se centra en intensos sonidos físicos que varían del
minimalismo al maximalismo. Juntos crearán para Punto y Raya una experiencia audiovisual intensa donde música e
imágenes no están concebidas sólo para el ojo, sino para todo el cuerpo. [ www.foton.be ]
Brussels-based leftfield collective experimenting with electronic music, performances, installations, new media and offlimits partying. Through a physical approach to phenomena like sound and light Foton creates parallel worlds where
people in the audience become submerged participants rather than passive subjects. Antonin De Bemels is a video and
audio artist whose main subjects are movement, the human body, and the dynamic relationship between sounds and
images. Hans De Man a.k.a Antz is a concert & party promotor, multimedia curator, installation artist and dj. His recurring
themes are a taste for pushing borders and the transmission of positive energy and as dj, he focuses on intense and
physical sounds and rhythms that go from minimal to maximal. Together they'll create for Punto y Raya an intense
audiovisual experience where music and images are not conceived for the ears and eyes only, but for the whole body.
[www.foton.be]
jurado
jury
EUGENI BONET
Toca diversas teclas en cine, vídeo y medios digitales como escritor, curador y artista. Entre sus
realizaciones se cuentan “Duchamp (retard en vídeo)” (1986-87), “U-Session” (2002) y un largo en
35mm, “Tira tu reloj al agua” (2004). Actualmente tiene en fase de montaje el mediometraje
“eGolem”, embrión de un posible largometraje. Como curador, sus actividades incluyen el programa
itinerante “El cine calculado” (1999 y 2001) y el ciclo cinematográfico “Próximamente en esta
pantalla: El cine letrista, entre la discrepancia y la sublevación” (2005).
Eugeni Bonet is active in the areas of film, video and digital media as a writer, curator and artist.
His selected videofilmography include “Duchamp” (retard en vídeo) (1986-87), “U-Session” (2002)
and Throw Your Watch to the Water (2004, 35mm feature film). Presently in phase of editing, he
is working in a medium-length video, “eGolem”, as the germ of a possible feature film. As a curator,
his activities include the circulating programme “Calculated Cinema” (1999 and 2001) and the film
series “Coming Soon: Lettrist Cinema, in between of discrepancy and uprising” (2005).
LARRY CUBA
Larry Cuba es mundialmente reconocido como un pionero en el arte de la animación por ordendor.
Sus cuatro films exploran la percepción visual del movimiento y la estructura musical, y ya son
grandes clásicos de la animación abstracta. En 1994 fundó el iotaCenter, una organización artística
sin fines de lucro dedicada a la animación abstracta y a la música visual ().
Su continuo proyecto de desarrollo de software le permite investigar la conexión entre patrones
algorítmicos y coreográficos.
Larry Cuba is widely recognised as a pioneer in the use of computers in animation art. His four
films explore the visual perception of motion and musical structure, and are already classics. In
1994, he founded the iotaCenter, a non-profit arts organization dedicated to abstract animation
and visual music. ()
His ongoing software development project continues his research into the connection between
algorithmic and choreographic patterns.
LABORATORIUM
Pere Ginard estudió Bellas Artes en la Universidad de Barcelona y Laura Ginès, Arte y Diseño en
l’Escola Massana (vinculada a la UB). En 2001 fundan su microempresa de producción Laboratorium.
Desde entonces han combinado la realización de films experimentales con la ilustración y la obra gráfica.
Pere Ginard studied Fine Arts at the University of Barcelona and Laura Ginès, Art and Design at
l’Escola Massana (linked to the UB). In 2001 they establish their production micro-company
Laboratorium. Since then they have combined the realisation of experimental films with various
illustration and graphic design works.
LUKASZ LYSAKOWSKI
Como artista y diseñador, explora la relación entre lo humano y lo computarizado a través de esa
interfaz compartida que es la pantalla mediática. En el 2000 comienza su trío de vídeo-improvisación
242.pilots junto a Kurt Ralske y HC Gilje. Usando software personalizado basado en la imaginería
creada junto a su socio Lael Gerhart, ha desarrollado un extensivo corpus de obras audiovisuales
de improvisación y generativas en tiempo real. Actualmente es diseñador interactivo.
As an artist and designer, his work explores the relationship of the human and the computer
through the shared interface of the mediated screen. In 2000 he started the video-impro-trio
242.pilots together with and . Utilising custom software that draws upon imagery created by
himself and his partner Lael Gerhart, Lukasz developed an extensive body of real-time improvisational
and generative audio-visual. He currently works as an interactive media designer.
BÄRBEL NEUBAUER
Estudió cine y diseño de escenografía en la Academia de Artes en Viena. En 1987 se mudó a
Münich·Alemania, donde reside actualmente. Bärbel ha realizado más de 40 films experimentales
y de animación desde 1980, y ha compuesto música y bandas sonoras para cine desde 1991. Actúa
como jurado en diversos festivales internacionales de animación y de cine, imparte talleres y cursos
en Europa y EEUU, y actualmente trabaja en dos films nuevos - “Airwaves” y “Morphs of Pegasus”.
She studied film and stage design at the Academy of Arts in Vienna. In 1987 she moved to Munich·Germany
where she currently lives and works. Bärbel has been making about 40 animation films and experimental
films since 1980 and composing music and film-music since 1991. She serves as a member of juries for
international animation, feature and short-films festivals, teaches workshops and courses in Europe and
US, and is currently working in her two new films: “Airwaves” y “Morphs of Pegasus”.
sección competición oficial
official competition section
El 15 de julio cerró nuestra convocatoria internacional y hemos recibido 94 obras punto·raya provenientes de
más de 20 países. Los siguientes son los 52 cortometrajes seleccionados que competirán por premios del
jurado y del público.
Our international call for entries closed on July 15th and we have received 94 dot·line pieces from over 20
countries. The following are the selected 52 short·films competing for the jury and audience awards.
Evolution | Evolución
2’30’’ · cgi · colour · 2007 · Canada
John Osborne [1]
Osborne utiliza un software basado en reglas que determinan la imagen siguiente en función de la imagen previa. Cada
regla es asociada a un color y el autor puede cambiar las reglas a medida que el patrón evoluciona, pero no puede
controlar cómo el patrón será generado en cada instancia. Se eligió una matriz simple de pequeños puntos circulares
aplicando colores primarios y secundarios para ilustrar los patrones en evolución. La banda sonora, del mismo autor,
utiliza loops sonoros de dominio público.
Osborne uses a rule based computer program which determines the next image based on the previous image. Each rule
is associated with a colour and the author can change the rules as the pattern evolves, but he cannot control how the
pattern is generated at each step. He chose a simple matrix of small circular dots using primary and secondary colours
to illustrate the evolving patterns. The soundtrack, created by the author, features open source sound loops.
Fleshtones | Tonos de Piel
2’53’’ · colour · pixelization · 2006 · London·UK
Philip Sanderson [2]
La búsqueda del siglo XIX por la sinestesia de color y música forma el punto de partida conceptual de Fleshtones, una
pieza de pornografía pixelada y acompañamiento auto-generado. Material obtenido con webcams y otros sitios on·line
es desintegrado hasta formar un simple tableau de bandas de color.
The 19th century quest for synaesthetic colour music forms the conceptual starting point for Fleshtones, a piece for
pixelated pornography and auto generated accompaniment. Footage from webcams and other online sites is broken
down into a simple tableau of colour bands.
tinto 1.0
1’40’’ · “spotting” · b&w · 2007
Barcelona·Spain
Daniel Schulze [3]
Trabajo experimental con manchas de tinta sobre papel higiénico. La banda sonora es de Death Cab for Cutie: “A Movie
Script Ending”.
Experimental work produced with ink spots on toilet paper. The soundtrack features Death Cab for Cutie’s “A Movie Script
Ending”.
glia
3’29’’ · colour · scratch
2007 · Barcelona·Spain
Nashla Abdelnour [4]
Serie de recursos visuales y sonoros que crean un ambiente sugestivo, no narrativo, en donde se pueden producir
asociaciones con símbolos arquetípicos permitiendo al espectador crear su propia historia. Película 16 mm rascada y
pintada, con banda sonora de Chino Cob y Giancarlo Tassara.
Visual and sound footage create a suggestive non-narrative atmosphere, that allows the spectator made his/her own
story through association with certain archetypical symbols. Scratched and painted 16 mm film; soundtrack designed
by Chino Cob and Giancarlo Tassara.
mar de los humores | sea of humours
1’00’’ · colour · op·art · 2000 · Madrid·Spain
juan alcon alegre aka ANJú [5]
Uno de los 14 capítulos de “los mares de la luna”, un proyecto de cartografía de estados de ánimo en los que se utilizan
los nombre de los mares de la luna (reales o ficticios) como base para crear diferentes espacios-situaciones de percepción
anímica. La cámara de vídeo registra imagen real [partículas de fuego] con una exposición de baja velocidad.
This work is one of the 14 chapters of “The moon’s seas”, a project of emotional cartography, where the author uses the
names of the moon’s seas (either real or fictitious) to create different spaces·situations of perception. The videocamera
records live-action footage [particles of fire] with a low speed obturation.
21_Elastic_Pings
5’49’’ · colour · op·art · 2005 · Bergen·Norway
Mattias Arvastsson [6]
Experimento hecho con luz y filtros analógicos caseros. La banda sonora fue producida de forma independiente utilizando
grabaciones de campo fuertemente editadas.
Experiment with light and homemade analog filters. The soundtrack was produced separately from the video using heavily
edited field recordings.
Viento | Wind
0’55’’ · b&w · scratch · 2007 · Barcelona·Spain
Bruno Bresani [7]
Las tensiones son fragmentadas por el viento constante. La técnica es rayado sobre película 16 mm, con banda sonora
diseñada por el mismo autor.
Tensions are fragmented by the constant wind. Scratch technique on 16mm film, soundtrack designed by the author himself.
Study For TestTone And Retinal Burn
Estudio para prueba de tonos y quemadura de retina
4’34’’ · colour · cgi · 2007 · Oklahoma·USA
Thomas Bey William Bailey [8]
Muchos de los elementos visuales de esta pieza están construidos usando un software que interpreta una señal sonora
y la convierte en un juego estroboscópico visual. Bailey se ha restringido a un esquema cromático asociado con la
subcultura “punk rock” y se pregunta qué es más importante, si la identificación con una tribu cultural o la inmersión
individual en lo puramente visual y sonoro.
Many of the visuals from this piece are built using software which ‘interprets’ an audio signal and then converts it to a
stroboscopic set of visuals. Bailey has restricted himself to a colour scheme almost exclusively associated with ‘punk
rock’ subculture and asks which is more important: identification with a cultural tribe, or personal, individual immersion
in pure sight and sound.
Mercurius
6’10’’ · colour · cgi · 2005 · UK
Bret Battey [9]
Mercurius expande técnicas de animación algorítmicas diseñadas por el autor; los componentes visuales y sonoros no
tienen cortes ni están editados. Lo que escuchamos es la continua transformación de un proceso de síntesis, así como
lo que vemos es la animación continua de cerca de 12.000 puntos individuales. Tradicionalmente el espiral (o la forma
del mandala) ha sido utilizado para evocar la unidad del estado de meditación, pero el espiral también se asocia
simbólicamente con las fuerzas destructivas.
Mercurius expands algorithmic animation techniques developed by the author himself; both the audio and visual
components have no cuts or edits. What we hear is a continual transformation of one synthesis process, just as what
we see is the continuous animation of nearly 12.000 individual points. Traditionally the spiral or mandala form has been
used to evoke the unity of a meditative state, but the spiral has also symbolic associations with destructive forces.
r.g.b.
7’20’’ · colour · cgi · 2006 · NY·USA
shhhhhhhh op#1 & op#2
2’54’’ · colour · cgi · 2007 · NY·USA
Chiaki Watanabe a.k.a. c.h.i.a.k.i [10]
Un conjunto audiovisual en vivo asociado a colores, siluetas y formas. El conjunto está formado por tres sesiones de
visuales en vivo asociados a tres estados de colores primarios. Fue estrenada en Nueva York.
A live audiovisual set associated with colours, shapes and forms. The set consists of three abstract live visuals associated
with three primary colour states. Premiered in NY.
Uno de sus trabajos más recientes, la serie shhhhhhhh presenta líneas verticales y horizontales jugando sobre el plano
al ritmo de la voz de Maja Ratkje editada en cuatro pistas.
One of her most recent works, the series shhhhhhhh features vertical and horizontal lines playing along the screen to
the rhythm of Maja Ratkje’s voice edited in four tracks.
Punto y línea sobre el plano
Dot and line on the plane
1’31’’ · drawing · b&w · 2007
Barcelona·Spain
Dina Caball Olivet [11]
Muestra la espontaneidad que pueden tener un punto y una línea y la variedad de sensaciones e imágenes ofrecidas por
estos elementos tan simples. Rotulador negro sobre papel al ritmo de efectos sonoros diseñados por la autora.
This work explores the spontaneity of a dot and a line, as well as the variety of images and feelings that can be suggested
by such simple elements. Black marker on paper to the rhythm of sound effects also designed by the author.
Esmolades | Afiladas | Sharp
4’40’’ · colour · 2007 · Barcelona·Spain
Albert Callejo Amat [12]
Una melodía algo caótica que desafía el ritmo y presenta frecuentes cambios tímbricos. La técnica utilizada es la síntesis
digital-analógica de sonido, visualización del sonido en directo en un osciloscopio y luego, la secuenciación de notas e
improvisación sobre parámetros de síntesis.
A somewhat chaotic melody with frequent timbrical changes that defy rhythm. The author uses the digital-analogic
synthesis of sound, the live visualization of sound in an oscilloscope and then, the sequentiation of notes and improvisation
of synthesis parameters.
Rayas Blancas y Rojas | White and Red Lines
5’ · colour · cgi · 2007 · Valencia·Spain
RayasCurvasNew_MATKA
CurvedLinesNew_MATKA
3’34’’ · colour · cgi · 2007 · Valencia·Spain
Eduardo Pelegrín a.k.a. Calpurnio [13]
Video experimental de abstracción total. Líneas de colores cruzan la pantalla a toda velocidad. Realizado netamente
dentro de un ordenador y editado en FinalCut. La música es “I Want It” de Dave Clarke.
Experimental video of total abstraction. Colour lines surf the screen at high speed. Entirely realized with a computer and
edited in FinalCut. The soundtrack features Dave Clarke’s “I want it”.
Video experimental realizado a partir de software para representación de figuras geométricas, pero utilizando parámetros
erróneos. La música es “Walking on Air” de MATKA.
Experimental video created using a geometrical figure representation software, but entering wrong parameters. The
soundtrack is “Walking on Air” by MATKA.
Videolightwork one
3’34’’ · colour · op·art · 2007 · Zaragoza·Spain
Clemente Calvo [14]
Mediante una técnica experimental desarrollada por el autor, se recogen de forma aleatoria imágenes de haces y puntos
luminosos de diversa intensidad, grosor y color. El resultado sugiere una danza entre las dos fuerzas que determinan
la existencia del Universo: lo asimétrico, desordenado, amorfo e imprevisible junto a lo ordenado, simétrico y estructurado.
Using an experimental technique developed by the author himself, light-beams of different intensities, length and colour
are recorded randomly. The result suggests a dance between the two forces that govern the existence of our universe:
all which is asymmetrical, disordered, shapeless and unpredictable together with what is ordered, symmetrical and structured.
Paciencia Uno: Karim | Patience One: Karim
3’20’’ · colour · video composition · 2007
Barcelona·Spain
Javier Calvo Fernández [15]
La paciencia como parte fundacional de cualquier proceso. Relato quasi-literario (negro sobre blanco) que toma como
trama narrativa el mero paso del tiempo y como tensión dramática la misma espera. Retrato, además, de Karim en su
ausencia y de su necesidad de ser absolutamente moderno. Música de Micah P. Hinson, “Patience”.
Patience as the foundation stone of any process. Semi-literary narration (black over white) using the mere pass of time
as a plot and the wait as the creator of dramatic tension. It is also a portrait of Karim in his absence, and of his necessity
of being absolutely modern. The song “Patience” by Micah P. Hinson.
Puddle Jumper
2’10’’ · colour · cgi · 2007 · Los Angeles·USA
Chris Casady [16]
Una divertidísima y sugestiva animación hecha en Flash. Banda sonora de John Bungle y Chris Casady.
A very funny and suggestive animation made in Flash. Soundtrack by John Bungle and Chris Casady.
Syclops
1’12’’ · b&w · op·art · 2007 · Barcelona·Spain
Iván Bayo Vigo [17]
Animación de diferentes fuentes de luz artificiales al ritmo de una canción original de Syclops remezclada por Four Tet:
"Mom, the video broke".
An animation of several artificial light-sources to the rhythm of a Syclops’ song remixed by Four Tet: “Mom, the video broke”.
Bagatelle 1
2’01’’ · colour · cgi · 2004 · Massachusetts·USA
Lou Cohen [18]
Animación abstracta en respuesta a una composición musical preexistente. La banda sonora está compuesta por sonidos
granulares sintetizados y activados via MIDI.
Abstract animation in response to an existing musical composition. The soundtrack features granular synthesized sound
activated by MIDI.
infra_
1’12’’ · colour · digital video · 2006 · Germany
Judith Nothnagel [19]
La obra infra_ reduce el sonido y el espacio a una sinestesia abstracta. Demuestra experimentalmente que el mismo
recipiente compone complejos espacios de narrativa. La banda sonora también fue diseñada por la autora.
The work infra_ reduces sound and space to an abstract synaesthesia. Experimentally it shows that the recipient himself
composes complex narrative spaces. Soundtrack design also by Judith Nothnagel.
Guerrilla Flies | Moscas Guerrilleras
4’08’’ · b&w · cgi · 2007 · Palermo·Italy
Michele Castelli [20]
Puntos y rayas se mueven sobre dos planos paralelos y crean un efecto de percepción estroboscópica a través de las
contraposiciones cromáticas (blanco·negro), espaciales (alto·bajo, izquierda·derecha) y de movimiento (fluído·líquido).
El ritmo de la base musical (“Morte della mosca” de Gabriele Mercadante) evoca el zumbido de una mosca y contribuye
a crear la atmósfera obsesiva del vídeo.
Dots and lines move along two parallel planes generating a stroboscopic effect through various chromatic (white·black),
spatial (high·low, left·right) and motion (flow·solid) contrapositions. The rhythm of Gabriele Mercadante’s “Morte della
mosca” suggests the buzz of a fly and helps create the obsessive atmosphere of the video.
(SoundToFrame 2.1) National Anthem
Himno Nacional
5’06’’ · colour · cgi · 1999 · Berlin·Germany
Matthias Fitz [21]
SoundtoFrame explora la relación directa entre imagen y sonido. A cada nota en los vídeos de esta serie se le asigna una combinación
de código de barra particular. (FTF 2.1) National Anthem visualiza el himno nacional alemán como un código vertical.
SoundToFrame deals with the direct relationship between image and sound. Each individual note in these videos is allocated to a
particular bar code combination. (FTF 2.1) National Anthem visualises the German National Anthem as a vertical code.
Tribute | Tributo
2’06’’ · colour · cgi · 2007 · California·USA
Angela Anastasia Diamos [22]
Tribute utiliza como primeros y últimos cuadros interpretaciones de obras de arte usando un contexto conceptual basado en una paleta,
composición y fuerza psicológica. Comenzando con “Black Cross, New Mexico” de Georgia O’Keefe la pieza se transforma sutilmente
en “Oblivion” de la serie Quartzsite Arizona de Diamos. El sonido fue generado con el Muse-O-Matic, un juguete musical interactivo.
Tribute takes as its first and last frames interpretations of works of art using a conceptual framework based on palette, composition
and psychological force. Starting with Georgia O’Keefe’s “Black Cross, New Mexico” the piece subtlety transitions to Diamos’ “Oblivion”
from the Quartzsite Arizona series. The sound was generated with Muse-O-Matic, an interactive music toy.
Symmetry
2’00’’ · colour · cgi · 2007 · Vancouver·Canada
Aleksandra Dulic · Kenneth Newby [23]
Symmetry está compuesto de representaciones visuales de sonidos que reflejan la estructura musical a través de la
forma, el movimiento y el color. La estructura central está provista de reglas que generan una gama completa de
permutaciones sobre un juego de 6 tonos de carácter visual único. La música fue compuesta e interpretada por Kenneth Newby.
Symmetry is composed of visual representations of individual sounds that reflect the structure of the music through
shape, movement and colour. The core structure is provided by the rules that generate the complete set of permutations
on a set of 6 tones with its own unique visual character. The music was composed and performed by Kenneth Newby.
Velocity | Velocidad
6’20’’ · colour · cgi · 2002 · Barcelona·Spain
raindrops
3’00’’ · colour · cgi · 2007 · Barcelona·Spain
watch
4’58’’ · b&w · cgi · 2007 · Barcelona·Spain
Iconish & Foraudiofans [24]
El mismo paisaje enigmático en varios tiempos genera un ecualizador visual. La técnica aplicada utiliza el error de
mapeado de texturas y la composición digital decalando tiempo. La banda sonora es “Velocity” de Foraudiofans: Javier
Navinés y Andreas Frey.
The same enigmatic landscape in different moments generates a visual equalizer. The author uses the errors in the
texture mapping and the digital composition shifting in time. The soundtrack features “Velocity” by Foraudiofans: Javier
Navinés and Andreas Frey.
El color, la forma y el sonido en una sola unidad. La técnica es pura animación vectorial al ritmo de “raindrops” de
Foraudiofans: Javier Navinés y Andreas Frey.
Colour, shape and sound in unison. The technique is pure vector animation to the rhythm of “raindrops” by Foraudiofans:
Javier Navinés and Andreas Frey.
Una trama argumental existente, una película condensada, vectorizada y fragmentada, se convierte en la base de una
matriz aparentemente aleatoria. La banda sonora es “watch” de Foraudiofans: Javier Navinés y Andreas Frey.
An existing narrative plot, a condensed film, vectorised and fragmented, becomes the basis for an apparently random
matrix. The soundtrack features “watch” by Foraudiofans: Javier Navinés and Andreas Frey.
Circle | Círculo
3’14’’ · b&w · cgi · 2006 · Bristol·UK
Laurie Gibbs [25]
Una exploración visual de la construcción de un círculo y sus posibilidades. El autor diseñó también un paisaje sonoro
original con sonidos táctiles registrados y editados para contextualizar la banda visual.
A visual exploration of the construction and potential of a circle. The soundtrack features an originally recorded and
crafted soundscape of tactile sounds to root the visuals.
Phollymorph
3’04’’ · colour · cgi · 2006 · California·USA
Mecanismo
4’56’’ · b&w · cgi · 2007 · California·USA
Joaquin [Kino] Gil [26]
Phollymorph es un experimento en la creación por capas que avanzan y retroceden entre el sonido y la imagen, cada
capa previa pasando información a la siguiente. Imagen y sonido están formados por loops, pero la interacción durante
la composición/animación produce resultados únicos para cada sección. El nombre hace referencia a “tontería” [folly]
y la pieza fue presentada el día de los Inocentes en Abril.
Phollymorph is an experiment in layered creation that goes back and forth between the sound and the image, each
previous “layer” informing the next one. Both imagery and sound consist of “loops”, but the interaction during the composition/animation
produces unique results per section. The name puns on “folly”, and the piece was presented on “April Fool’s” day.
Experimento extremo en el uso de sonido e imágenes en loop muy simples para producir complejas combinaciones que
juegan con los esfuerzos del cerebro por reconocer patrones. Es tanto una exploración de imágenes abstractas y sonidos
como un seguimiento de las asociaciones, planeadas o no, que el proceso de composición/animación evoca en el creador,
por lo que es a la vez método y resultado, una pieza artística y un comentario social.
Extreme experiment in the use of very simple looping images and sounds to produce complex combinations that play
with the pattern-recognition efforts of the brain. It is at the same time an exploration on abstract images and sounds
and also on the following of those associations, planned or not, that the composition/animation process evokes in the
creator, so it is method and result and art piece and social comment.
Detritus
2’35’’ · b&w · drawing · 1991 · Puerto Rico
Rubén Rivera [27]
Animación experimental abstracta dibujada a lápiz que busca explorar las resonancias mentales y las sugerencias
gráficas que ciertos ruidos y sonidos urbanos le sugieren al artista. La banda sonora fue diseñada por Germán Sánchez.
Experimental abstract animation, pencil-drawn, that searches to explore the mental resonance and graphic suggestions
that certain urban noises and sounds suggest to the artist. The soundtrack was designed by Germán Sánchez.
Freedom of Perception
Libertad de Percepción
6’31’’ · b&w · cgi · 2005 · Karlsruhe·Germany
Piero Glina [28]
Esta obra trata del lavado de cerebro producido por los medios masivos y se basa en una cita de Paul Virilio: “Cuando hablas
de libertad de opinión, también debes hablar de libertad de percepción.” El elemento visual es la estilización de la pantalla de
TV, compuesta de pequeños puntos. Los puntos construyen letras que forman un mensaje oculto deliberadamente falso y que,
en sí mismo, se convierte en una suerte de lavado de cerebro. La música es “Helicopter” de Plastikman.
This video deals with the brainwashing element of mass-media and is based on a quote by Paul Virilio: “When you are
talking about freedom of speech, you also have to talk about freedom of perception”. The visual element is a stylisation
of the TV screen itself, composed of small dots. The dots display single letters creating a hidden and deliberately false
message, which becomes in itself some sort of a brainwash. The song is Plastikman’s Helicopter.
TaMura / MuraTa
8’00’’ · colour · cgi · 2005-07 · Tokyo·Japan
Katsuyuki Hattori & Yusuke Shinmura
a.k.a. Goldenshit [29]
SIGNO: En la creación de imágenes en movimiento, uno no debe escribir en secuencia signos/palabras, sino colorear
una pared con una secuencia de luces. EN VIVO: El vídeo genera imágenes en vivo a través de señales electrónicas. Sin
embargo, casi todas las imágenes en movimiento son la progenie del medio cinematográfico.
SEÑAL: El vídeo es señal convertida en luz. La señal puede ser usada para los diálogos, al igual que se puede reflejar
luz en un espejo. Feedback. El diálogo de vídeo crea ritmos compuestos en secuencias de luces.
RUIDO: Por supuesto, un ruido es también considerado como señal.
SIGN: In the creation of moving images, one’s job is not to write signs/words in a sequence, but to colour a wall with a
sequence of lights. LIVE: Video generates live images by means of electronic signals. However, almost all moving images
are the offspring of film medium. SIGNAL: Video is a signal translated into light that can be used for a dialogue, as you
can reflect light on a mirror. The video dialogue creates rhythms of lights composed into scenes.
NOISE: Of course, a noise is considered as a signal as well.
desequilibrio 1 equilibrio 0
disequilibrium 1 equilibrium 0
3’10’’ · col. · video dropping · 1999 · Bcn·Spain
guix-0
6’50’’ · b&w · video dropping · 1999 · Bcn·Spain
sin contenido | without a content
1’00’’ · col. · video dropping · 1999 · Bcn·Spain
Xavier Guix Bonás [30]
“Imagina una pizarra llena de palabras escritas con tiza. La pizarra representa el vacío interior y las palabras escritas
son tus pensamientos. Tenemos que mantener la pizarra libre de cualquier tipo de escritura y lograr así nuestro vacío
interior.”Ha creado esta serie de piezas a partir del ON/OFF de la toma de corriente grabando la señal luminosa en un
magnetoscopio S-VHS y luego reproduciendo la señal obtenida en un magnetoscopio VHS para conseguir distorsiones al AZAR.
“Imagine a blackboard full of words written in chalk. The blackboard represents the inner emptiness and the written
words are your thoughts. We have to keep the blackboard clear of any kind of structure, thus obtaining an inner emptiness”.
This series of works have been created through the ON/OFF switch of the DC adapter, taping the luma signal in a S·VHS
recorder and then reproducing the obtained signal in a VHS recorder to get RANDOM distortions.
loop 12/06
5’17’’ · colour · scratch · 2007
Braunschweig·Germany
Astrid Hagenguth
[31]
La banda sonora y las imágenes en movimiento desarrollan una relación bastante independiente, y a medida que el film
progresa se vuelven cada más sincrónicos. Inspirado en la obra de Steve Reich, la autora junto a Dennis Graef (creador
de la banda sonora), utilizó loops visuales y musicales de diferentes extensiones. Así, el espectador puede encontrar
conexiones diferentes.
Soundtrack and moving images are equal parts in this film. They develop a quite loose relation and, as the film progresses,
they get more synchronous. Inspired on Steve Reich’s work, Hagenguth and soundtrack designer Dennis Graef, used
visual and musical loops of different lengths. Thus, the viewer may find different connections
The Ghost of John | El fantasma de John
1’ 33’’· colour · cgi · 2007 · Pennsylvania·USA
Nancy Herman [32]
La traducción del sonido en color que se puede ejecutar como un instrumento. El fantasma de John forma parte de una
serie de cortometrajes basados en canciones de ronda tradicionales. La banda sonora fue programada por Luke Herrine.
A translation of sound into colour that could be played. The Ghost of John is part of a series of short-films based on
traditional round songs. The soundtrack was programmed by Luke Herrine.
sense from nonsense
sentido del sinsentido
2’15’’ · b&w · 2006 · Berlin·Germany
feeding the moon | alimentando la luna
6’55’’ · colour · cgi · 2006 · Berlin·Germany
Mateo Marin a.k.a. iamblichi [33]
Diferenciación del sentido puro del sinsentido por medio de líneas en el espacio utilizando el Max/msp – Jitter. La banda
sonora fue también diseñada por el autor.
The demarcation between pure sense and nonsense through lines moving in space, generated with the Max/msp – Jitter.
The soundtrack was also designed by the author.
Líneas que representan las fuerzas cósmicas a las que todo el planeta está sometido, alimentando los astros con nuestra
materia orgánica a la vez que influyen enormemente en nosotros. Banda sonora del mismo autor.
Lines representing the cosmic forces to which the whole planet is submitted, feeding the celestial bodies with our organic
matter and influencing greatly on all of us. Soundtrack by the author himself.
Terra Incognita
6’30’’ · colour · drawing · 2003 · USA
Danielle Ye [34]
Un homenaje a Len Lye. Terra Incognita es una abstracción animada dibujada a mano y hecha en tres partes. La banda
sonora fue diseñada por Jerry Summers.
A homage to Len Lye. Terra Incognita is a hand drawn animated abstraction in three parts. Soundtrack designed by Jerry
Summers.
Bolle (IV·V·VI) | Burbujas | Bubbles
8’48’’· colour · video compisition
2005 · Italy·Germany·Poland
Stefano Giannotti [35]
En la versión completa, un film de 2’45’’ con burbujas moviéndose en un charco se repite varias veces; este film representa
una especie de tema y permanece sin modificaciones. Las repeticiones son tratadas electrónicamente según diversos
temas y técnicas a modo de variaciones sobre un tema. La idea base es transformar un evento casual en una verdadera partitura,
un esquema visible regulando la delicada frontera entre lo estructurado y lo aleatorio. Banda sonora de Stefano Gianotti.
In the complete version, a 2’45’’ film showing the movements of some bubbles in a little pond is looped several times;
the film itself, representing a sort of theme, is totally untreated. The following repetitions are electronically treated
according to different techniques and topics, as variations on a theme. Every single section is synchronized to the detail
with a sound plot as in an animation movie. The basic idea is to transform a by-chance landscape event into a real score,
a visible scheme regulating the delicate borderline between randomness and structure. Soundtrack by Stefano Giannotti.
Asperity | Aspereza
1’58’’ · b&w · cgi · 2007 · Bristol·UK
Tom Jobbins [36]
El objetivo del autor era lograr una pieza sonora visualmente impactante utilizando únicamente el instrumento en sí
como imaginería. Banda sonora diseñada por Bruno Gabiro.
The author’s goal was to make a visually stunning sound piece using only the instrument as imagery. Soundtrack designed
by Bruno Gabiro.
Ritmo Propio
3’17’ · colour · cgi · 2007 · Berlin·Germany
Tryand [37]
Finalizada justo a tiempo para esta competición, esta pieza punto·raya se basa en la canción “Ritmo Propio” de Alta
Infidelidad.
Finnished right on time for this competition, this dot·line piece was based on “Ritmo Propio”, a song by Alta Infidelidad.
De Sindh a Bezoar
From Sindh to Bezoar
1’37’’ · colour · scratch · 2007
Barcelona·Spain
Iris Joval Granollers [38]
Las rayas se construyen a partir de la desaparición de la imagen original de la cinta. Las imágenes de base se transforman
así en un espacio abstracto, llevando al observador por un viaje a través de estos paisajes de rayas y puntos. Richardo
del Pozo diseño la banda sonora modificando la velocidad del sonido del proyector 16mm.
The lines are created as the original image on the film disappears or gets hidden. Thus, the original images transform
in an abstract space, guiding the audience along a voyage through these landscapes of dots and lines. The soundtrack
by Richardo del Pozo, was designed by modifying the speed of the sound produced by the 16mm projector.
vídeo nº 12
4’30’’ · colour · cgi · 2007 · Barcelona·Spain
Iván Hernández Montero a.k.a. Klee [39]
Las rayas se componen de puntos y a veces fluyen de un estado al otro. El autor utiliza líneas de 1 píxel “compuestas”
en Photoshop, a las que luego monta y “descompone” con Premiere. La banda sonora es de Sebastià Urrea Rafael.
Lines are made up of dots and sometimes they flow from one state to the other. The author uses 1·pixel lines “composed”
with Photoshop, which he later edits and “de-composes” with Premiere. Soundtrack by Sebastià Urrea Rafael.
4004
1’18’’ · colour · cgi · 2007 · France
Gustavo Daniel Kortsarz [40]
Abstracción realizada a partir de un vídeo del mismo autor donde utiliza la animación de fotos, la intromisión del azar
destruyendo la imagen durante la compresión y la selección de secuencias abstractas a las que finalmente modifica
y edita. La música es "Pizzicati" de Stéphane Bissières, ligera y alegremente modificada por Gustavo Kortsarz.
An abstraction obtained from a video of the same author, where he uses photo-animation, the intromission of chance
destroying the image during compression, the selection of abstract sequences and their following modification and
edition. The soundtrack features Stéphane Bissières “Pizzicati”, slightly and happily altered by Gustavo Kortsarz.
Cinético Mantra
5’ · colour · cgi · 2007
Barcelona–Alicante·Spain
Rafael Miralles Sánchez [41]
Vídeo experimental basado en secuencias de imagen y sonido repetitivas, creando una sensación hipnótica inspirada
en los mantras. La técnica es la ampliación y modificación de vídeos de imagen real usando software de edición. La
música ha sido creada por Rafael Miralles con ordenador empleando loops.
Experimental video based on looping image and sound sequences, creating a hypnotic milieu inspired on the mantras.
The technique is the blow-up and modification of video images using edition software. The music was composed by Rafal
Miralles in his computer using sound loops.
Drawn 0.0
1’02’’ · b&w · drawing · 2007
Barcelona·Spain
Solange Morello Z. [42]
La primera noción de una idea se plasma en un boceto, y es así cómo está plasmada la idea de punto y raya en un boceto
que adquiere vida con el movimiento, asemejándose a todo y a nada cuanto nos rodea. La banda sonora es del álbum
“Plans Drawn in Pencil” de ISAN.
The first notion of an idea is expressed on a draft, and this is how the idea of dots and lines is expressed on a draft that
acquires life and movement, very much like everything and nothing around us. The soundtrack is from ISAN’s album
“Plans drawn in Pencil".
Electriquity
1’21’’ · colour · drawing · 2007 · Nottingham·UK
Ian Nesbitt [43]
Parte del tríptico de vídeo-instalación “Trabajos de Gran Importancia Histórica en el Entendimiento Público de Conceptos
Científicos Abstractos” y diseñado para ser exhibido en loop, este film explora la interfase entre arte, ciencia y tecnología,
usando deliberadamente tecnología de baja calidad para resaltar el hecho de que no estamos tan avanzados
biotecnológicamente como nos gustaría creer.
Part of the triptych video-installation “Works of Great Historical Importance in Public Understanding of Abstract Scientific
Concepts” and designed to be shown looped on an individual monitor, this film is a tongue-in-cheek exploration of the
interface between art, science and technology; made using deliberately clunky, lo-fi technology to highlight the fact that
we are not actually as advanced biotechnologically as we might sometimes like to think.
Contrapunto
3’07’’ · colour · cgi · 2007 · France
Laura Nillni & Ricardo Nillni [44]
Génesis y transformación de un pentagrama por un juego de puntos en movimiento. La técnica es grafismo y animación
generados por ordenador (Photoshop y FinalCut). La banda sonora fue diseñada por Ricardo Nillni.
Genesis and transformation of a pentagram by playful moving dots. The technique is graphism and cgi animation (using
Photoshop and FinalCut). The soundtrack was designed by Ricardo Nillni.
biografías
biographies
[1] John Osborne [London·England 1944]
Formado en Ingeniería Química, ha desarrollado exploraciones personales en el arte y la animación desde 1968. Comenzó
trabajando en la animación por ordenador en Londres a principios de los ’70 en un híbrido ordenador analógico. Más
recientemente comenzó a explorar la generación de patrones usando algoritmos revolucionarios en el lenguaje Java
para crear imágenes por ordenador. Ha utilizado estos patrones para el arte 2·D y está actualmente trabajando en
utilizar técnicas de animación con los patrones generados.
His formal training is in Chemical Engineering; however, he’s also pursued personal explorations in art and animation
since 1968. He began working with computer animation in London in the early 1970's on a hybrid analogue computer.
Much more recently he began exploring pattern generation using evolutionary algorithms programming in the Java
language to create computer images. He has used these patterns for 2-D art and is now working on using animation
techniques with the generated patterns.
[2] Philip Sanderson [England 1960]
Trabajando con sonido, vídeo y software, Sanderson realiza piezas en las cuales lo audible se hace visible y lo visual
se sonifica. Su obra ha sido exhibida tanto en el Reino Unido como internacionalmente y ha editado varios Cd’s.
Actualmente imparte clases en el Birbeck College y ha sido previamente director de la Galería Camerawork, Director
del London Filmmakers CO-OP y colaborador en varias publicaciones.
Working with sound, video and software Sanderson makes pieces in which the audible is made visible and the visual is
sonified. He has screened and exhibited widely, both in the UK and internationally, and released a number of CD's. He
currently teaches at Birkbeck College and has previously been Director of Camerawork Gallery, Chair of the London
Filmmakers CO-OP and a contributor to various publications.
[3] Daniel Schulze [Berlin·Germany 1981]
Desde su juventud Schulze realiza animaciones y películas caseras antes de comenzar su carrera en diseño industrial
en la Universidad de Bellas Artes de Berlín en 2004. Actualmente estudia vídeo y animación en la Escola Massana de
Barcelona. Además, desde 1997 se dedica a la creación y venta de diseños originales de ropa y objetos bajo la marca
toast3d.
Since his youth Schulze directs his own animations and home-made films before beginning his career in Industrial Design
at the University of Fine Arts in Berlin in 2004. He currently studies video and animation at La Escola Massana in Barcelona.
Besides, since 1997 he creates and sells original clothes and objects designed under the trademark toast3d.
[4] Nashla Abdelnour [Costa Rica 1981]
Nació en Costa Rica en 1981. Realizó estudios de comunicación visual y diseño gráfico en la Academia Italiana de
Florencia durante dos años. Actualmente cursa Diseño en la Escuela Massana en Barcelona.
Nashla studied visual communication and graphic design at the Italian Academy of Florence. She’s currently studying
design at La Escuela Massana in Barcelona, Spain.
[5] Juan Alcon Alegre a.k.a. _ANJú_ [Madrid·Spain 1959]
Ha elaborado propuestas dirigidas a la interrelación de los lenguajes artísticos en diversos campos de las artes plásticas,
los medios audiovisuales y el diseño. En 1980 participa en diversos proyectos en la Facultad de Bellas Artes de Madrid,
que dan como resultado varias exposiciones, acciones y cortometrajes experimentales. Interesado por la integración
del arte crea en 1998 el proyecto Anjú.
He has developed several projects regarding the relation between artistic languages in various fields of fine arts, media
and design. In 1980 he takes part in various projects at the Facultad de Bellas Artes in Madrid, organising exhibitions,
performing and working on experimental short-films. His interest in the integration between art and technology leads
him to create the project ANJú in 1998.
[6] Mattias Arvastsson [Sweden 1975]
Experimentador activo en el mundo de las artes electrónicas en Malmö hasta que se mudó a Noruega. Actualmente
realiza la carrera de Bellas Artes en la Academia Nacional de las Artes de Bergen.
Active in the Electronic Arts scene in Malmö before he moved to Norway. He is currently studying Fine Arts at Bergen
National Academy of the Arts.
[7] Bruno Bresani [Pernambuco·Brasil 1973]
Nace de familia peruana y crece en México, donde se forma y realiza la maestría en artes visuales. Actualmente reside
en Barcelona. Entre sus participaciones recientes se encuentran el festival “BAC” (Barcelona, 2007), la Bienal “SIART”
(Bolivia, 2007), el festival “OPTIKA” (Puerto Rico, 2006) y el “Paraty em Foco 06” (Brasil, 2006).
Born from a Peruvian family. He grows up in Mexico where he studies visual arts. Currently he lives in Barcelona. Among
his many international participations, his work has been screened at the “BAC” festival (Barcelona, 2007), “SIART” (Bolivia,
2007), “OPTIKA” festival (Puerto Rico, 2006) and “Paraty em Foco 06” (Brasil, 2006).
[8] Thomas Bey William Bailey [Wisconsin·USA 1977]
Artista multidisciplinar especializado en el diseño sonoro sinestésico y en experiencias límite intensas. Realiza grabaciones
y performances bajo el nombre “The Domestic Front”, con un estilo de escultura sonora electrónica que, irónicamente,
utiliza tecnología de punta para acercar a la humanidad de regreso a los principios de la naturaleza e indagar sobre la
noción de progreso constante.
Multi-disciplinary artist specializing in synaesthetic sound design and intense / threshold experiences. He records and
performs under the name ‘The Domestic Front’, making a style of electronic sound sculpture which ironically uses cutting
edge technology to reacquaint humans with principles of nature, and to question notions of constant progress.
[9] Bret Battey [Seattle·USA 1967]
Brett Battey crea obras de concierto e instalaciones electrónicas, acústicas y multimedia, sintetizando su amplio bagaje
educacional y profesional en composición musical, computación, diseño gráfico y de web y electrónica. Completó sus
estudios superiores en el Conservatorio de Berlín y la Universidad de Washington, donde también trabajó como
investigador en el pionero Centro de Artes Digitales y Medios Experimentales. http://www.bathatmedia.com
Bret Battey creates electronic, acoustic and multimedia concert works and installations, synthesizing a diverse professional
and educational background in music composition, computer science, graphic and web design and electronics. He
completed his Bachelors at Oberlin Conservatory and his doctoral studies in Music Composition at University of Washington,
where he also served as a Research Associate for the pioneering Center for Digital Arts and Experimental Media.
[10] Chiaki Watanabe a.k.a. c.h.i.a.k.i
Esta artista multimedia residente en Nueva York experimenta con estética abstracta y minimalista en diversos formatos
como el vídeo, la animación gráfica, la instalación y la performance en vivo. Sus principales fuentes de inspiración
creativa son el sonido, la forma, el color y el movimiento. Basándose en conceptos de la neuro·ciencia y la psicología,
integra los medios audiovisuales con experiencias de percepción múltiple para explorar los límites del formato mediático.
Su obra “One over three” forma parte de la Sección Retrospectiva del festival.
This New York-based media artist with minimalist and abstract aesthetics, explores multiple formats including video,
motion graphics, installation and live video performance. Her primary sources of creative inspiration are sound, form,
colour and movement. She draws on ideas of neuroscience and psychology to integrate audiovisual media and cross
sensory experiences and explore media boundaries. Her work “One over three” has been selected for the festival’s
retrospective section.
[11] Dina Caball Olivet [Girona·Spain 1986]
A los 15 años decidió ir a Barcelona a estudiar bachillerato artístico en la Escola Massana. Motivada por la experiencia
estudió la diplomatura de artes y diseño. Su verdadera pasión dentro del campo del arte son la animación, el videoarte
y la fotografía.
At 15 Dina decided to move to Barcelona and study arts at la Escola Massana. Highly motivated by the experience she
studies Arts and Design. Her true passions within the art field are animation, video-art and photography.
[12] Albert Callejo Amat [Barcelona·Spain 1968]
Músico autodidacta, trabaja como VJ desde 1998. Actualmente se dedica al Audiovisual en directo.
Self-taught musician, he works as a VJ since 1998. Currently he focuses on live audiovisual performances.
[13] Eduardo Pelegrín a.k.a. Calpurnio [Zaragoza·Spain 1959]
Calpurnio es dibujante de comics, ilustrador, guionista y director de dibujos animados y VJ. http://www.calpurnio.com
Calpurnio is a cartoonist, illustrator, VJ, screenwriter and director of animated films. http://www.calpurnio.com
[14] Clemente Calvo [Zaragoza·Spain 1964]
Artista multidisciplinar y autodidacta que busca el sincretismo en sus creaciones audiovisuales. Farmacéutico de
profesión, trabaja en cine experimental desde 1984, habiendo fundado en 1986 su propia productora cinematográfica.
En la New York Film Academy realiza cuatro trabajos premiados en diversas ocasiones y actualmente trabaja en su
proyecto "Multiframe" y crea sus propias bandas sonoras.
Multidisciplinary and self-taught artist who experiments with the syncretism in his audiovisual creations. Pharmacist
by profession, he works in experimental cinema since 1984 and founded his own production company in 1986. In 1994
he directs four pieces at the New York Film Academy that have been awarded on many occasions. He is currently working
in his project “Multiframe” and creating his own soundtracks.
[15] Javier Calvo Fernández [Barcelona·Spain 1979]
Realizador visual de amplias miras y estrecho punto de partida que a lo largo de diez años ha realizado algunas piezas
tomando como base las posibilidades técnicas del stop-motion, una capacidad innata para perder el tiempo, la mentira
documental y la música ligera española e italiana. Resultado: animaciones varias así y de esta otra manera.
Visual director with broad expectations and narrow starting points who has directed some works dealing with the technical
possibilities of stop-motion; with an inane capacity for wasting his time and the liking of false documentaries and light
Spanish and Italian music. The result: diverse animations like this and that.
[16] Chris Casady [California·USA 1952]
Multifacético artista que se define a sí mismo como un “Retirado animador de efectos especiales en Hollywood”.
Versatile artist that defines himself as a “retired Hollywood FX animator”.
[17] Iván Bayo Vigo [Huelva·Spain 1981]
Licenciado en periodismo, actualmente trabaja como fotógrafo y diseñador gráfico.
After his BA in Journalism, he currently works as a photographer and graphic designer.
[18] Lou Cohen [New York·USA 1937]
Compositor desde 1948, compositor algorítmico desde 1960. Ingeniero de software desde 1959 y animador por ordenador desde 2004.
Composer since 1948. Algorithmic composer since 1960. Software engineering since 1959. Computer animator since 2004.
[19] Judith Nothnagel [Düsseldorf·Germany 1960]
Trabaja en los temas de la identidad, el tiempo y el espacio. Sus pinturas, fotografías digitales y videoarte han sido
presentados en numerosos museos internacionales, galerías y festivals de arte. En 2006 fundó la plataforma de arte
mediático globalscreen.org junto a Hubert Baumann y Tobias Nothnagel, dedicadaa a la investigación sobre medios
contemporáneos de expresión artística y sobre formas colectivas de percepción y diálogo.
Nothnagel’s main themes are identity, time and space. Her paintings, digital photografies and video art have been
presented at numerous international museums, galleries and art festivals. In 2006 she founded the media art platform
globalscreen.org together with Hubert Baumann and Tobias Nothnagel, which is engaged in research on contemporary
means of artistic expression and on collective forms of perception and dialogue.
[20] Michele Castelli [Palermo·Italy 1980]
Fotógrafo, diseñador gráfico y VJ nace en Palermo en 1980, donde vive y trabaja. En el 2003 gana el primer premio en
la categoría “videoambiente” en la VII conferencia Nacional de las Agencias Ambientales (Génova). En el 2005 recibe
una mención especial en un concurso fotográfico y en el 2007 forma parte de la exposición colectiva “La noche de los
artistas vivientes” organizada en el mercado de la Vucciria, en Palermo.
Photographer, graphic designer and VJ, Castelli was born in Palermo in 1980, where he lives and works. In 2003 he
receives the first prize in the category “Video-environment” at the VII National Conference of Environmental Agencies
(Genova). In 2005 he receives a special mention at a photographic contest and in 2007 he participates in the collective
exhibition “Night of the living artists” at the Vucciria market in Palermo.
[21] Matthias Fitz [Oberfranken·Germany 1967]
Ingeniero electrónico de comunicaciones, graduado también en Comunicación Visual y Creación de Medios Experimentales,
Fitz trabaja como artista free-lance desde 2003. Sus obras han sido exhibidas en varios países de Europa.
An electronic engineer for communication, graduated also in Visual Communication and Experimental Media Creation.
Fitz works as a freelance media artist since 2003. His productions have been widely exhibited around Europe.
[22] Angela Anastasia Diamos [Arizona·USA]
Artista visual que explora la imagen en movimiento. Realizó sus estudios superiores en el Instituto de Artes y en la
Universidad Estatal Northridge de California. Es directora asistente de Animación en la Woodbury University Burbank
California.
Visual artist using the moving image. BFA studio art California Institute of the Arts, MFA video /digital art California State
University Northridge, Assistant Chair of Animation, Woodbury University Burbank California.
[23] Aleksandra Dulic · Kenneth Newby
Aleksandra Dulic es una artista audiovisual, teórica y animadora experimental que trabaja en la intersección entre la
multimedia y la performance en vivo, investigando en la poética computacional, la animación y la performance audiovisual
intercultural. Kenneth Newby es un artista audiovisual, compositor, intérprete, educador, diseñador de software y
productor sonoro. Su trabajo es ampliamente interpretado en conciertos, festivales y emisiones radiales.
Aleksandra Dulic is a media artist, theorist and experimental animator working at the intersections of multimedia and
live performance with research foci in computational poetics, animation and cross-cultural media performance. Kenneth
Newby is a media artist, composer-performer, educator, software designer, and audio producer. His work is widely
presented in concerts, festivals, and radio broadcasts.
[24] Nico Juárez a.k.a. Iconish [Spain 1971]
Arquitecto y diseñador audiovisual. Ha desarrollado proyectos tanto on-line como off-line, para clientes del sector
público y privado, creando y produciendo web-sites, pantallas interactivas, cd-rom’s, videos, caretas y créditos para TV.
Actualmente trabaja como director creativo y es profesor del Master de Motion Graphics en la escuela BAU en Barcelona.
Architect and audiovisual designer. He has developed several online and offline projects for public and private clients,
creating and producing websites, interactive screens, CD-rom’s, videos, trailers and credits for television. He currently
works as a creative director and is a professor of the master in Motion Graphics at the Escuela BAU in Barcelona.
[25] Laurie Gibbs [Kingscoat·England 1985]
Estudia medios audiovisuales y animación desde 2001. Le fascina la animación ya que le brinda la posibilidad de realizar
cualquier cosa que se pueda concebir. Únicamente realizando sus propios trabajos Gibbs logra aprender miles de asuntos
prácticos que deben ser considerados y superados para convertir ideas conceptuales en producciones concretas.
He’s been studying media and animation since 2001. Animation has always amazed him because it provides the possibility
for anything that can be imagined to be created. It is only through the experience of making his own work that he learns
thousands of practical issues that must be considered and overcome to turn conceptual ideas into completed productions.
[26] Joaquin [Kino] Gil [Costa Rica 1952]
Con estudios de formación en biología, artes, música, arquitectura, física y antropología se perfeccionó en el Instituto
de las Artes de California, donde se graduó en el programa de Animación Experimental a la par que realizaba estudios
en composición musical y en el programa de imagen real de la Escuela de Cine. Tras una breve serie de trabajos de
animación free-lance en Hollywood, trabajó para la pionera Wavefront Tech y creó obras por encargo para Silicon Graphics
y la Sony Pictures Imageworks. Actualmente trabaja en su propia agencia de California donde está terminando su nuevo
e-film “The Outsider”.
With formal studies in biology, fine arts, music, architecture, physics and anthropology he continued his studies at
California Institute of the Arts, where he graduated from the Experimental Animation program while also pursuing studies
in music composition and the Live Action program of the Film School. After a short run of free-lance animation jobs
around Hollywood he worked for animation pioneers Wavefront Tech, and created custom work for Silicon Graphics and
Sony Pictures Imageworks’ L.A. facility. He currently works in his own production company in California, where he is
finishing his new feature “e-Film” THE OUTSIDER.
[27] Rubén Rivera [Bayamón·Puerto Rico 1961]
Rubén Rivera comenzó a aprender dibujo, pintura y grabado a una edad temprana bajo la tutela de su padre, Rubén
Rivera Aponte, conocido pintor y grabador. Su interés como artista abarca el retrato, la figura humana y el paisaje tanto
como el dibujo y la pintura abstracta, y durante los años 80’ experimenta también con el vídeoarte. En 1990 funda "Fuga
Cinética", un estudio de animación con equipo tradicional donde hace varios cortos como animador independiente.
Actualmente comienza a concentrarse simultáneamente en el diseño de webs y en las posibilidades de los medios
digitales.
From an early age Rubén Rivera began studying drawing, painting and engraving with his father, Rubén Rivera Aponte,
a renown painter and engraver. His interest as an artist includes portraits, the human figure and landscapes as much
as abstract drawing and painting, and during the 80’s he also experiments with video-art. In 1990 he establishes “Fuga
Cinética”, an animation studio with traditional equipment where he realizes several short films as an independent
animator. Rubén currently starts to focus on web design and digital media’s possibilities.
[28] Piero Glina [Karlsruhe·Germany 1978]
Estudiante de Diseño de la Comunicación desde 2002 y fundador del espacio artístico independiente “Telekolleg”, un
lugar destinado al arte, la música y la buena compañía.
Student of Communication Design since 2002, Founder of the independent Art-space “Telekolleg”, a place for art, music
and company.
[29] Katsuyuki Hattori & Yusuke Shinmura a.k.a. Goldenshit [Tokyo·Japan 1973]
Comenzó a utilizar el vídeo como medio artístico cuando estudiaba en el Instituto de Ingeniería Nipón. Tras su graduación
continuó sus estudios en vídeo arte en el Instituto de Arte de San Francisco bajo la tutela de Doug Hall. Desde 2002 la
banda Goldenshit ha estado experimentando con diversos aspectos y posibilidades del vídeo como medio, tanto en
grabaciones como en performances en vivo.
He began using video as an art medium when he was studying at the Nippon Engineering College. After graduation, he
further studied video-art at San Francisco Art Institute with Doug Hall. Since 2002, the band Goldenshit has been
experimenting with the various aspects and possibilities the video as a medium can offer, both recording and live
performing.
[30] Xavier Guix Bonás [Barcelona·Spain 1952]
Tras estudiar Informática realiza diversos estudios en Psicología Humanista y Pedagogía Musical y Rítmica Dalcroze;
grabación sonora; realización cinematográfica y realización de Imágenes de Síntesis. Desde 1987 es el realizador
audiovisual del Grupo SOLVAY. En el terreno artístico es autor y realizador de performances de teatro-danza, instalaciones
multimedia y cortometrajes, colaborando la Compañía Ooff y Enric Casasas entre otros artistas.
After studying Computer Science he undertakes various studies ranging from Psychology and Musical Pedagogy and
Dalcroze Rhythmic, sound recording, cinema direction and Image Synthesis. Since 1987 he’s an audiovisual director at
multinational SOLVAY. In the artistic domain he’s author and director of different theatre-dance performances, multimedia
installations and short·films. He’s collaborated with the Ooff Company and Enric Casasas among others artists.
[31] Astrid Hagenguth [1978·Germany]
Desde su graduación en la Escuela de Arte de Kassel en 2005, Hagenguth ha trabajado en varias producciones fílmicas,
incluyendo su participación como consultora de guión del largometraje “La casa está en llamas”. Actualmente está
terminando su colaboración en un cortometraje de animación.
Since her graduation at Kassel School of Art in 2005, Hagenguth has worked on various film-productions, like participating
as a story consultant on the feature film “The House Is Burning”. She is currently finishing her work on a animated shortfilm.
[32] Nancy Herman [USA 1939]
Artista interesada en crear un instrumento que ejecute colores en el tiempo.
Artist interested in creating an instrument that plays colours in time.
[33] Mateo Marin a.k.a. iamblichi [Berlin·Germany 1977]
Artista multidisciplinar que trabaja desde su primera juventud realizando proyectos de diseño gráfico e instalación de vídeo y
audio. Está inmerso en diferentes proyectos musicales así como en la producción, realización y dirección de videoarte.
Multidisciplinary artist working since his tender youth in project development regarding graphic design and visual and
sound installations. He takes part in several music projects and in the production and direction of video-art pieces.
[34] Danielle Ye [Beijing·China]
Se graduó en el Instituto de Artes de California como directora de cine y su obra audiovisual ha sido exhibida
internacionalmente en diversos contextos, como en el Museo de Arte Morderno de New York y el Centro Pompidou en
París. Actualmente es la directora del programa de Film y Vídeo Experimental de la Academia Central de Bellas Artes
de Beijing. Vive y trabaja en Beijing y Los Angeles.
Graduated from California Institute of the Arts (CALARTS) School of Film/Video with a master degree in filmmaking. As
an Artist/Filmmaker her work has been shown internationally at places such as The Museum of Modern Art, New York
(MOMA) or Centre Pompidou in Paris. Currently she is the managing director in the graduate program of experimental
film/video in Central Academy of Fine Arts (CAFA), in Beijing. She lives and works in both Beijing and Los Angeles.
[35] Stefano Giannotti [Lucca·Italy 1963]
Compositor, autor, director e intérprete. Estudió composición con Pietro Rigacci y entre 1983 y 1990 actuó en diversos
países europeos con el trío de música de cámara “Chitarristico Lucchese”. Su repertorio varía desde la performance,
el radio-arte, la danza y el teatro a la música de cámara, partituras orquestales y canciones. Paisajes, memorias, ciclos
de vida, voces y lenguajes son algunos de los temas principales desarrollados en su obra, interpretada en numerosos
festivales de todo el mundo.
Composer, author, director and performer. He studied composition with Pietro Rigacci and between 1983 and 1990 he
performed in several European countries with the chamber music group “Trio Chitarristico Lucchese”. His repertoire
ranges from performance, radio-art, dance theatre to chamber music, orchestral scores and songs. Landscape, memory,
life cycles, voices, languages; these are some of the main themes developed in Giannotti’s work, performed widely around
the globe.
[36] Tom Jobbins [UK 1980]
Acaba de obtener su diploma en cine/animación.
He has just finished his film/animation degree.
[37] Tryand [Germany 1974]
Tryand vive en Alemania, donde trabaja como diseñador gráfico.
Tryand lives in Germany, where he works as a graphic designer.
.
[38] Iris Joval Granollers [Barcelona·Spain 1981]
Actualmente estudiante de Arte y Diseño en la Escola Massana de Barcelona. Licenciada en Biología por la Universidad
Pompeu Fabra de Barcelona. Especializada en Investigación biomédica.
After obtaining her degree in Biology at Universidad Pompeu Fabra in Barcelona (with a specialisation in biomedical
investigation) Iris is currently a student of Art and Desing at La Escola Massana.
[39] Iván Hernández Montero [Madrid·Spain 1977]
Formado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, desde hace 4 años desarrolla diferentes disciplinas artísticas
en Barcelona, tales como la instalación o el videarte, participando en diversos eventos culturales: BAC!06, Stripart,
Barcelona Visual Sound, Función Vídeo, MauMau, Memora... Desde diciembre de 2006 trabaja junto a Sebastià Urrea
Rafael, creador sonoro, bajo la formación audiovisual experimental KLEE.
Graduated in Bellas Artes at the University of Salamanca, for 4 years he’s been pursuing different artistic disciplines in
Barcelona, such as installation and video-art, participating regularly in several cultural events: BAC!06, Stripart, Barcelona
Visual Sound, Función Vídeo, MauMau, Memora... Since December 2006 he works with sound designer Sebastià Urrea
Rafael in the experimental audiovisual formation KLEE.
[40] Gustavo Daniel Kortsarz [Buenos Aires·Argentina 1955]
Abandona la carrera de medicina en el 1976 para ingresar a la Escuela de Bellas Artes, de donde egresa diplomado
en pintura, grabado y escenografía. En 1988 viaja a París gracias a una beca de la Embajada de Francia para perfeccionarse
en escenografía, estudio que continúa con sendas formaciones en cine y animación. Desde su primer film en 1991
alterna su actividad artística entre la imagen fija y la imagen en movimiento.
He drops the career of Medicine in 1976 to study at Escuela de Bellas Artes, where he obtains his diplomas in Painting,
Engraving and Set Design. Thanks to a scholarship of the French Embassy in 1998, he travels to Paris to pursue his
career in set-design; his also takes several formation courses in cinema and animation. Since his first film in 1991 he
alternates his artistic explorations between the still and the moving image.
[41] Rafael Miralles Sánchez [Alicante·Spain 1964]
Formado principalmente como pintor, empieza a exponer en 1985. Desde el año 2000 reside en Barcelona, donde
experimenta con nuevas tecnologías, incluyendo la videocreación como parte fundamental de su trabajo. Ha realizado
numerosas exposiciones y participado en festivales y muestras de videocreación de toda España.
Mainly formed as a painter, he starts exhibiting his work in 1985. Since the year 2000 he lives in Barcelona, where he
experiments with new technologies including video-creation as a fundamental part of his work. His work has been
exhibited on numerous occasions and taken part in video festivals and screenings all over Spain.
[42] Solange Morello Z. [Chile 1982]
Realizó su primera etapa de introducción en el mundo del dibujo y el color en el instituto Santo Tomás de Santiago de
Chile, con orientación al diseño publicitario. Luego buscó ampliar los conocimientos, satisfacer las curiosidades por
los materiales y trabajar en distintas disciplinas relacionadas con el espacio y el diseño industrial y gráfico en la
Universidad Mayor de Santiago. Actualmente está finalizando un ciclo de graduado superior en Diseño en la Escola
Massana de Barcelona, España.
She started her introductory courses in the world of drawing and colour at the Instituto Santo Tomás in Santiago de Chile,
with orientation towards publicity design. Afterwards, she started a stage where she searched ways to broaden her
knowledge, satisfy her curiosity about materials and work in different disciplines related to space and industrial and
graphic design at the Universidad Mayor de Santiago. She is currently finishing her BA in Design at La Escola Massana
in Barcelona, Spain.
[43] Ian Nesbitt [Seria·Brunei 1976]
Estudió Bellas Artes en la Universidad Nottingham Trent, graduado con honores en el 2004. Fundó Stand Assembly,
un estudio de 20 artistas de Nottingham que también alberga Moot. Organizó Sideshow para el British Art Show 6, 2006.
Su obra personal ha sido exhibida mundialmente incluyendo la Liverpool Biennial, la Galería London Nunnery, Glasgow
CCA y el Centro de Arte Contemporáneo de Moscú.
Studied Fine Art at Nottingham Trent University, graduated 2004 – 1st class hons. Set up Stand Assembly, a 20 artist
studio collective in Nottingham, also home to Moot. Organised Sideshow in response to British Art Show 6, 2006. His
personal work has been shown worldwide including at Liverpool Biennial, London Nunnery Gallery, Glasgow CCA and
Moscow Centre for Contemporary Art.
[44] Laura Nillni · Ricardo Nillni [Buenos Aires·Argentina 1961 · idem 1960]
Artista plástica y Compositor. Trabajan juntos en la creación audiovisual desde 1996. Obras difundidas en Canadá,
Bélgica, Argentina, Israel, Alemania, Francia y España. Viven y trabajan en Francia desde 1987.
Laura is a fine artist and Ricardo, a composer. They work together creating audiovisual pieces since 1996. Their work
has been exhibited in Canada, Belgium, Argentina, Israel, Germany, France and Spain. Since 1987 they live and work in France.

Documentos relacionados