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» TIEMPO DE DANZA
marzo/mayo_09 // año 5 // nº 16
Tiempo de Danza es una publicación que tendrá,
para esta edición, una tirada de 1.000 ejemplares
» Edita y produce
Asociación Amigos de la Danza en colaboración con el
Vicerrectorado de Extensión Universitaria de la
Universidad de Murcia
Marinero Juan Vizcaíno, 7
2º A / 30007 / Murcia
Tel. 655 18 15 48
[email protected]
D.L.: MU-0044-2005
ISSN: 1699-2474
» Directora
Margarita Muñoz Zielinski
» Coordinadora
Georgina Cayuela Vera
» Redacción
Carlos Grávalos Muñoz, Sonia Cayuela Vera,
Margarita Muñoz Zielinski y Georgina Cayuela Vera
» Colaboradores
Iratxe de Arantzibia, Margarita Amante, Carolina de Pedro Pascual,
Carmen Giménez Morte y Miguel Ángel Serrano
» Departamento de Publicidad
Carlos Grávalos
Tel. 617 973 614
[email protected]
» Diseño y maquetación
www.ikonovisual.com
» Foto portada
Mudanzas: Cía Otra Danza. Tierra. Fotografía: Germán Antón
Las colaboraciones son gratuitas
y responsabilidad de sus autores
EDITORIAL
Recientemente y por cuestión de trabajo he tenido ocasión de
revisar las escasas publicaciones en danza que en los años setenta
del pasado siglo fueron una novedad en el panorama español. Por
ejemplo La Danza, Por la Danza, Monsalvat Danza o Dansa 79
revistas muy sencillas pero que reflejaban la actualidad de los
bailarines del momento. Como con todo, el paso de los años ha
contribuido a que el contenido de sus páginas, entrevistas,
documentación gráfica, artículos, se haya convertido en testimonio
de una época y una fuente valiosísima de investigación. Han tenido
que pasar más de treinta años para que lo que ahora releemos
forme parte de la memoria histórica de la danza en España.
La escasez de recursos en cuanto a archivos, documentos o
programas que se perdieron porque en los teatros no todo se
guardaba, por ejemplo, hace que la lectura en hemeroteca suponga
casi la única vía de viaje en el tiempo que nos permita revivir ese
pasado. Aquellas actuaciones de danza, festivales que se convocaban, el debut de los entonces principiantes, jóvenes promesas
que luego se convirtieron en los primeros y más grandes bailarines,
unos hoy en día maestros o coreógrafos, y otros de los que no se
volvió a hablar pero que por entonces eran las “estrellas”, nos
lleva a reflexionar acerca de lo que realmente estamos haciendo
desde Tiempo de Danza.
En papel, digitalizada, colgada en la red internáutica, etc., su
difusión aporta no solamente información del día a día de la danza
actual sino que dentro de cincuenta o cien años será de utilidad
¿porqué no? para alguien que se interese por lo que en nuestros
comienzos del siglo XXI se hacía por aquí.
Simplemente por eso, por “hacer” historia de la danza, ya vale la
pena el esfuerzo vocacional que supone sacar adelante esta
publicación. A todos los que lo hacen posible, redactores, colaboradores, coordinadora, publicidad, maquetación, imprenta, lectores,
gracias por hacer de nuestro presente un legado para el futuro.
MARGARITA MUÑOZ-ZIELINSKI // MURCIA
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// BREVES Y RESEÑAS
BREVES Y RESEÑAS
TALLER DE DANZA
CONTEMPORÁNEA CON
RAMÓN OLLER EN EL
CONSERVATORIO DE DANZA
LA PROGRAMACIÓN
DEL PÁRRAGA
El Centro Párraga es un espacio de obligada cita semanal
para quienes se atreven con los trabajos más alternativos.
La propuesta de esta sala no hace sino recoger los trabajos
que se exhiben en el resto de salas alternativas españolas
y extranjeras, además de exhibir estrenos de compañías coproducidas o en residencia. Es interesante estar al día con
las aportaciones novedosas que circulan cada temporada por
la escena actual, otra cosa es que cubra las expectativas
que uno lleve, en cualquier caso hay que ir y ver.
Para ilustrar parte de lo que se cuece en estos momentos
en el Párraga hemos escogido dos discursos, con la danza
como telón de fondo, que han sido llamativos por diferentes
causas: Experiencias con un desconocido, de la performer
catalana Sonia Gómez, y La Kitchen de la compañía suiza
Linga.
Entre los objetivos del Conservatorio Profesional de Danza
de la Región de Murcia encaminados a proporcionar nuevas
alternativas de orden formativo a los alumnos de cursos
avanzados, se encuentran los talleres de Danza. Esta vez le
ha tocado el turno a la asignatura de Danza Contemporánea,
y como se acostumbra a hacer en esta casa, se ha pensado
en un taller con un nombre de sumo interés. Ramón Oller,
icono de la escena contemporánea española, hizo un alto en
su apretada agenda para compartir un poquito de su saber
junto a unos jóvenes alumnos ávidos de nuevos lenguajes y
de nuevas experiencias. Oller se encuentra esta temporada
de gira por el territorio español con su último espectáculo
“Bernarda Alba Bendita”. Su paso por el Conservatorio
Profesional de Danza de la Región de Murcia, ha sido muy
provechoso tanto para estudiantes como para profesores. La
inyección de sabiduría que ha trasmitido este veterano creador
ha sido todo un lujo. Nos gustaría ver pronto por estas tierras
el espectáculo “Bendita”.
TdD
Experiencias con un desconocido, Show, es definitivamente
un espectáculo muy recomendable, incluso terapéutico.
Singularmente audaz, atrevido y con un gran despliegue de
ingenioso humor. Sonia Gómez la intrépida performer, explora
con gran desparpajo el universo masculino, lejos del componente libidinoso como parece anunciar el cartel, para llevar
a sus clientes a experimentar nuevas sensaciones junto a
ella. Sonia prostituye en este divertido show, su ánimo, su
tiempo y sus acciones tejiendo una maraña de situaciones
absurdas. Fue un buen show.
La Kitchen de la compañía Suiza Linga, sin embargo, ordenó
su propuesta en torno a una gestualidad más cercana al
género de danza-teatro, muy agresiva y otras veces resultó
con toques de sutil poesía. La especial combinación de un
lenguaje excéntrico, con tema brutal de fondo resultó un
cocktail explosivo no muy al gusto de todos. El tema se
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BREVES Y RESEÑAS \\
desarrolló en una cocina cualquiera, feudo tradicional del
ama de casa, y la violencia y los malos tratos fueron el asunto
de esta, por desgracia, frecuente historia. Los conflictos
personales se percibieron desde la misma entrada de los
personajes a la escena. La carga dramática fue bastante
densa. El relato se vio equilibrado por la inclusión de breves
escenas de carácter más amable, para romper con la dureza
del tema, permitiendo jugar con otros elementos de la cocina,
espaguetis, platos, botes de tomate, armarios, nevera. etc.
El trabajo fue correcto en todos los sentidos y se disfrutó.
La Kitchen. Cia. Linga
GCV
DANZA AÑO SOS4.8
La Consejería de Cultura y Turismo saca a la calle la segunda
edición del Festival Estrella Levante SOS 4.8 para los días 1
y 2 de mayo. Bajo el lema de la SOStenibilidad, este Festival
Internacional de Acción Artística consiste en 48h non-stop
de Música, Arte contemporáneo y Reflexión. En otro orden
de cosas se programan otras actividades que tienen como
finalidad la de crear un vínculo entre los artistas locales y
el Festival: Año SOS4.8 es un evento compuesto por 4
acciones culturales que están teniendo lugar en distintos
lugares de la ciudad de Murcia, el último fin de semana de
los meses de enero a abril de 2009. Las acciones están
multiplicando su duración: 3h de danza, 6h de música, 12h
de cine, 24h de literatura que culminarán en las 48 horas
del Festival Estrella Levante SOS4.8 en mayo.
Año SOS4.8 comenzó el pasado 31 de enero, con una acción
de danza que se desarrolló durante 3 horas en la Plaza del
Cardenal Belluga. “Pillados por sorpresa” fue la propuesta
de la conocida Compañía Ruedapies Danza tutelada por Marisa
Brugarolas:
”Pillados por sorpresa te atrapa en medio de la calle, te
arrebata tu tiempo para devolvértelo multiplicado con historias
e imágenes inesperadas. Si tú quieres también puedes bailar
con nosotros, te invitamos a disfrutar de la sorpresa” La
siguiente actividad fue Danza en la calle para niños, un
espectáculo infantil multimedia y participativo dónde los
niños bailaron con Chusa Alcaraz, Maite Garbín, Miriam
Torres y Maite Mora. Algo más tarde de las 17:00 h. comenzó
la Mesa Redonda. ¿Por qué danza en la calle? Las inclemencias
del tiempo hicieron variar la ubicación de la tertulia por lo
que se decidió seguir en el interior de la cafetería. El debate
lo inició Jota Castro, artista plástico de origen franco-peruano,
afincado en Bruselas, Doctor en Derecho y Ciencias Políticas,
diplomático, coordinador de eventos culturales y comisario
artístico del Festival SOS 4.8. Para Castro la calle es el
espejo donde se mira una sociedad, donde todo trascurre:
los cambios, la crisis y en general todos los acontecimientos
de la vida. “… La danza no es ajena a la calle porque nació
fuera del hogar, y cuando el arte sale a la calle el público
se apodera de él y viceversa”. La tertulia derivó en asuntos
de diversa índole provocando un animado debate entre los
participantes. La tarde finalizó con un nuevo Espectáculo
de danza Multimedia firmado por los vídeo artistas Dennis
Conolly y Anne Cleary.
Mediante proyectores, ordenadores, y pantallas LED los
artistas proyectarán sus coreografías sobre la fachada del
edificio Moneo. De la mano de bailarines profesionales el
público participó en la instalación convirtiéndose ellos mismos
en artistas creando formas y colores con sus movimientos.
www.sos48.com
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// BREVES Y RESEÑAS
ESTRENO
DE LA COMPAÑÍA
MURCIANA DE DANZA
La Compañía Murciana de Danza presentó en el Auditorio
Regional, un viejo proyecto con un significado muy especial
para sus directoras Olivia Bella y la desparecida Puri López.
La acariciada idea que acariciaban giraba entorno a la
reposición de Sinfonía Española, un difícil ballet creado por
el Maestro Granero para el también extinto Ballet de la
Región de Murcia dirigido por Merche Esmeralda a partir de
1989 donde unos jóvenes Olivia, Puri y José Luis Navarro,
abrían sus caminos entonces como bailarines profesionales.
Sinfónia entraña riesgos, la Escuela Bolera es una de los
estilos españoles más difíciles de ejecutar, y las variaciones
de estilización también presentaron sus momentos de gran
dificultad aunque la Compañía Murciana logró pasar la prueba
con éxito. José Luis estuvo pletórico y Margarita Sánchez
estuvo espléndida, coqueta, sensual e inteligente, en el
cuarto movimiento. Sus filigranas, pausadas mudanzas y
palillo impecable, nos hizo retrotraernos, aunque con estilos
distintos, a aquella otra notable interpretación de hace casi
veinte años, cuando Olivia Bella nos conquistaba con ese
mismo traje y esas mismas figuras.
LA CENICIENTA
PLAN B
El clásico cuento de los hermanos Grimm, La Cenicienta, en
versión dancística llenó de críos, y no tan críos, el Teatro
Circo de Cartagena con la compañía catalana, Plan B, que
dirige Arantxa Sagardoy. El trabajo fue un esplendido estudio
acerca de los gustos y la manera de ver el cuento por niños
de siete años. El vestuario fue diseñado por ellos y los diseños
de Renata Scarkampsa para la escenografía audiovisual se
amoldaron al estilo de una manera muy natural. Y es que
para abordar un buen trabajo sólo hace falta ingenio y querer
hacer bien las cosas. Los ingredientes eran poquitos pero
de buena calidad: cinco bailarines preparados, un divertido
vestuario, una escenografía original, un collage musical bien
pensado, pantomima correcta, gesto cercano y expresivo, un
conjunto en definitiva ágil y fresco.
Con su reciente colaboración como asistente coreográfica
de José Carlos Martínez para el estreno en la Ópera de París
de “Les Enfants du Paradis”, además de muchas otras
colaboraciones para proyectos nacionales e internacionales,
ésta joven creadora catalana, tiene todavía mucho que decir.
La segunda parte Esencia fue un remake de pequeñas piezas
firmadas unas Puri López en su día, otras por Oliva Bella
siendo la manera de homenajear a esta querida bailarina y
coreógrafa murciana. Ausencia, Seguiriya, Alegrías… En
Taranto, Loles Costa y Miguel Ángel Serrano desplegaron todas
sus virtudes técnicas e interpretativas. La novedad fue la
Farruca creada por Maribel Ramos, la Zambra, una soberbia
pieza bailada solo por hombres, que erizó el vello.
COMPAÑÍA GEORGE MOMBOYE
Y BAYAKODAH
Fundada en 1992 por Georges Momboye, la compañía de
danza Georges Momboye está formada por aproximadamente
20 artistas, bailarines, músicos y cantantes, en su mayoría
provenientes de los grandes ballets nacionales de África,
Costa de Marfil, Camerún, Guinea o Senegal.
Gracias a la creación en 1988 del primer Centro de danzas
pluri-africanas y de las culturas del mundo (París), los
bailarines de la Compañía Georges Momboye disponen de una
verdadera herramienta de trabajo. La gestualidad de la
compañía es contemporánea, un lenguaje con personalidad
propia que coloca a África en el centro de la vanguardia
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BREVES Y RESEÑAS \\
George Momboye. Steve. Appel
MUCHO MÁS MAYO ´09
actual. Georges Momboye es un bailarín y coreógrafo formado
desde su infancia en la danza africana en Costa de Marfil,
después continuó su formación en otros estilos como el jazz,
danza clásica y contemporánea con grandes coreógrafos
como: Alvin Ailey, Brigitte Matenzi, Rick Odums y Gisèle
Houri.
La ciudad de Cartagena se está preparando para animar sus
calles y plazas con propuestas artísticas de jóvenes creadores.
Mucho más Mayo entrará en su cuarta edición ofreciendo
de nuevo la oportunidad de exhibir nuevos trabajos que de
otra manera no sería posible. La Concejalía de Juventud del
Excmo. Ayuntamiento de Cartagena es la artífice de este nuevo
Festival que se celebrará del 4 al 24 de mayo. La web del
festival es muy recomendable, aunque algunas pestañas no
están operativas. Paseándote por las diferentes secciones
encontrarás noticias y eventos interesantes.
www.muchomasmayo.com
BOYAKODAH,
HOMENAJE A LA FELICIDAD
La pieza es un homenaje al genio creador del ser humano
por tener la facultad de poder optar por la felicidad. Esta
facultad se expresa mediante un sentimiento de libertad que
permite a todas las personas la posibilidad de sobrepasar
nuestros propios límites pudiendo llegar hasta lo más profundo
de cada ser humano. Esta búsqueda lleva a que cada cual
salga al encuentro del otro, al encuentro de lo que se tiene
al lado para poder llegar así a encontrarse a sí mismo,
llegando al final al conocimiento de cada cual. El próximo
26 de marzo, a las 20:30 h. podremos ver este espectáculo
en el Auditorio Víctor Villegas.
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Víctor Ullate celebró en el
Teatro Real el XX aniversario
de su ballet con un repaso por
su trayectoria coreográfica
que él mismo cierra en el
escenario con su hijo Josué.
2 you Maestro, son 17 fragmentos de las coreografías
que Víctor Ullate realizara
para su compañía BalletComunidad de Madrid, que
fundó en 1988.
Eduardo Lao, director artístico de la compañía, escogió para
esta ocasión fragmentos de sus obras más queridas, desde
Arraigo (1988), Tras el espejo (1995), ITU… ¿Bailas? (1999),
Arrayán D´Araxa (1992), Jaleos (1996), hasta Samsara (2006).
Toda una sorpresa fue encontrarse con el nombre de Antonio
Márquez como artista invitado interpretando un solo del Amor
Brujo. Aunque el elemento más emotivo de la velada fue el
dueto bailado entre padre e hijo, donde Josué, de quince
años, recibe de la mano de su padre y maestro, todo su amor
y un envidiable legado para su futura vida profesional. El
público madrileño llenó el aforo del Real y ovacionó merecidamente al maestro y a su compañía.
Josué Ullate
George Momboye. Boyakodah. Steve Appel
HOMENAJE
A VÍCTOR ULLATE
RODOLFO Y
CERVANTES
FUNDADA EN 1959
Todo en Artículos para la Danza,
Comparsas, Carnaval, Disfraces,
Festivales Fin de Curso, Rítmica,
Español, Trajes de Sevillanas y
Complementos.
Disponemos de las
primeras marcas para Danza
Reppetto
Sansha
Danskin
Ball Pilmar
Castañuelas del Sur
Intermezzo
María Muñoz Sabater. Fotografía: Manuel Bernal
p_33 // marzo 2007
Platería, 1 // 30820 // MURCIA
T. 968 21 68 38 // F. 968 21 93 77
[email protected]
AGENDA \\
AGENDA
// AUDITORIO REGIONAL //
COMPAÑÍA "GEORGES MOMBOYE"
Director artístico, Georges Momboye
Boyakodah
Música tradicional africana
Coreografía: Georges Momboye
26 de marzo a las 20:30 horas
HOUSTON BALLET
Stanton Welch, director artístico
DIVERGENCE
Música: Georges Bizet
Coreografía: Stanton Welch
NOSOTROS
Música: Sergei Rachmaninov
Coreografía: Stanton Welch
28 de abril alas 20:30
BALLET ESPAÑOL DE MURCIA
Carmen y Matilde Rubio, dirección artística
POKER FLAMENCO
Música: Carlos Piñana
Coreografía: José Antonio / Carlos Rodríguez
6 de mayo a las 20:30 horas
www.auditoriomurcia.org
/////////// CARTAGENA ///////////
FESTIVAL MUDANZAS´09
Del 14 al 28 de marzo
www.festivalmudanzas.com
IV EDICIÓN DEL FESTIVAL MUCHO MÁS MAYO
Del 4 al 24 de mayo
http://muchomasmayo.tresorg.net/2009/
/////////// BARCELONA ///////////
// GRAN TEATRE DEL LICEU
NEDERLANDS DANS THEATER I
SILENT SCREEN
Música: Philip Glass
Coreografía: Paul Lightfoot y Sol León
TAR AND FEATHERS
Música: Wolfgang Amadeus Mozart
Coreografía: Jirí Kylián
Del 19 al 22 de marzo
BALLET ÁNGEL CORELLA CASTILLA-LEÓN
LA BAYADERE
Dirección Artística: Ángel Corella
Del 9 al 11 de julio
www.liceubarcelona.com/teatre_liceu.asp
// MERCAT DE LES FLORS
COMPAGNIE MICHÈLE NOIRET
CHAMBRE BLANCHE
del 2 al 5 de abril de 2009
TPO (TEATRO DE PIAZZA O D'OCCASIONE)
IL GIARDINO DIPINTO
4 y 5 de abril de 2009
MAL PELO
CARTA BLANCA A MAL PELO:
DONDE NADAN LOS CABALLOS SWIMMING HORSES
Del 15 al 26 de abril de 2009
MAL PELO
Del 17 al 23 de abril
ÚLTIMA VEZ / WIM VANDEKEYBUS
CREACIÓN 2009
9, 10, 14, 15, 16 y 17 de mayo de 2009
www.mercatflors.org
////////////// BILBAO //////////////
// TEATRO ARRIAGA
BALÉ DA CIDADE DE SÃO PAULO
Canela Fina, Dualidade e A Linha Curva
20 al 21 de marzo
COMPAÑÍA DAMIÁN MUÑÓZ Y VIRGINA
GARCÍA/La Inesperada
Pobres bestias
Del 07 al 09 de mayo
www.teatroarriaga.com
///////////// VALENCIA ////////////
// TEATRO RIALTE
MIRA CÓMO BAILAN!
(Programa Pedagógico de Danza)
Del 25 de febrero al 8 de marzo
Deseo suscribirme a la revista de actualidad “Tiempo de Danza”
Nombre:
Apellidos:
Domicilio:
L'ALTRE ESPAI
Alicia Herrero Dance Company
El tiempo tiene forma de pera
Del 27 al 29 de marzo
www.teatres.gva.es
///////////// MADRID //////////////
// TEATRO DE LA ZARZUELA
FUENSANTA LA MONETA BALLET FLAMENCO
De entre la Luna y los Hombres
Del 11 al 15 de marzo
COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA
Creación de Gentian Doda (2008)
Director: Nacho Duato
Del 20 al 29 de marzo
www.teatrodelazarzuela.mcu.es
// TEATRO REAL
BALLET DE STUTGART
Romeo y Julieta
Coreografía: John Cranko
del 13 al 16 de mayo
www.teatro-real.es
/////////// GRANADA ////////////
// TEATRO ALHAMBRA DE GRANADA
PERROS EN DANZA
Coreografía: Manuel Cañadas
Dirección: Belén Larío de Blas
Del 20 al 21 de Marzo
LES BALLETS C. DE LA B.
Ashes
Coreografía: Koen Augustijnen
Del 21 al 22 de Mayo
TERESA NIETO EN COMPAÑÍA
De cabeza
Creación colectiva
Dirección: Teresa Nieto
Del 4 al 6 de Junio
http://www.juntadeandalucia.es/cultura/teatro
alhambra/
Suscripción:
Cuatro números: 8 ¤
Ocho números: 16 ¤
Incluye gastos de envío.
Localidad:
C.P.:
Provincia:
Telf.
E-mail:
C.I.F. / N.I.F.:
Ingreso en Cta. (Caixa): 2100-6065-31-0200018969
Firma:
<< p_09 // 2009 >>
Remita este cupón o una fotocopia a:
Asociación Amigos de la Danza
C/ Marinero Juan Vizcaíno, 7- 2º A
30007 // Murcia
[email protected]
BOLETÍN DE SUSCRIPCIÓN
//////////// MURCIA //////////////
SUMARIO \\
SUMARIO
EDITORIAL ........................................................................... 3
BREVES Y RESEÑAS ................................................. 4, 5, 6 y 7
AGENDA .............................................................................. 9
SUMARIO............................................................................11
ENTREVISTA
>> FESTIVAL MUDANZAS
MARGARITA AMANTE.......................................... 12, 13 y 14
HABLAMOS CON
>> HOUSTON BALLET
IRATXE DE ARANTZIBIA .......................... 16, 17, 18, 19 y 20
ARTÍCULO
>> BALLET DE CORELLA
CAROLINA DE PEDRO PASCUAL ................................ 21 y 22
ARTÍCULO
>> CARMEN WERNER
TdD .......................................................................... 24 y 25
CLASE MAGISTRAL
>> EL ANÁLISIS DE REPERTORIO COMO HERRAMIENTA DE APRENDIZAJE
PARA LA COMPOSICIÓN COREOGRÁFICA
CARMEN GIMÉNEZ MORTE ................................. 27, 28 y 29
COMPAÑÍAS
>> ANA YEPES
MARGARITA MUÑOZ ZIELINSKI........................... 30, 31 y 32
ENTREVISTA
>> MÁSTER DE DANZA
GEORGINA CAYUELA VERA.................................. 33, 34 y 35
ENTREVISTA
>> JAVIER LATORRE
MIGUEL ÁNGEL SERRANO .................................. 36, 37 y 38
<< p_11 // 2009 >>
FESTIVAL
Cía. Otra Danza. Tierra. Fotografía: Germán Antón.
// ENTREVISTA
<< p_12 // 2009 >>
ENTREVISTA \\
Ambicioso objetivo el que nos llevó a empezar el festival.
Personalmente quise ofrecer un presente, como un goloso
ofrece su caja de bombones y quiere añadir un disfrute más
a los que le rodean. ¡Con distintos sabores, dulces, picantes,
originales, innovadores, alguno encontrarás que haga las
delicias de tu paladar! De la misma manera se ha elaborado
este festival, como un surtido variado que juntos hacen una
unidad, una caja roja que quiere llegar a los diferentes
públicos.
Cía. Titoyaya. Baking
La danza ha hecho de la calle un escenario más en los
últimos años y un escenario vivo que enriquece las propuestas
presentadas, dando esa pincelada de realidad, de imprevisible,
en definitiva de "único momento especial para ti".
Los espacios de nuestra ciudad, Cartagena, a la vez son vistos
con otro encuadre, otras luces, y las vivencias humanas, los
sentimientos de los intérpretes y la música, llenan de calidez
las piedras de los edificios y de los adoquines creando juntos
otro arte, “¿arquidanza?”, “¿urbadanza?”, lo de menos es el
nombre... en estos puntos poner lo que os guste.
Los muros de la Muralla del Mar sirven de suelo a los
intérpretes de Deambulants y las imágenes proyectadas sobre
ella nos hacen fantasear, ¿quién no ha soñado con volar?
Delante del palacio Consistorial circulará la energía y viveza,
el lenguaje de la danza urbana de Wanted Posse (París) y
Brodas (Barcelona), en diferentes días.
Cía. Wanted. Posse. Transe
Resonará el cante flamenco de Juan José Amador haciendo
vibrar los tacones y emociones de Marco & Chloe en nuestro
nuevo flamenco.
Las estatuas solitarias de Carmen Conde, soldado y marinero,
recibirán el calor y la simpática compañía del grupo Retales
que entablarán un diálogo desde su sentido y el recuerdo.
Yendo hacia el puerto y bajo la copa de un ficus inmenso
Erre que erre buscará las lugares no comunes de la idea del
amor. Y un trío de la mano de Gustavo Ramírez, tienen un
encuentro imprevisto, en el que la confianza, imprescindible
en el contact, provocara nuevas situaciones.00000
Miramos por una puerta entrabierta y robamos un momento
íntimo, en el que una pareja, en la puerta de la Catedral
Vieja acunada por la música en directo de dos violonchelos,
se descubre y se reconoce con ese lenguaje sobrio y mínimo
que tiene Auments & Almastring.
DEAMBULANTS. ALT David Estany
Acampará en la Muralla, una caravana como símbolo del
nomadismo urbano, de la libertad y el tránsito, con el idioma
de Senza Tempo de danza, teatro y vídeo arte combinados.
Para los que quieran sumergirse en al magia de la caja
negra ,que se acerquen al Nuevo Teatro Circo en el que Mar
Gómez nos trasladará a la vida norteamerica de los años
cuarenta con su característico estilo narrativo y su sentido
del humor. Mar nos contagiará sus ganas de moverse.
El disfrute de ver a diez bailarines con un lenguaje físico
y técnico, pero muy poético y apasionado, al que nos tiene
acostumbrada Asun Noales de Otra Danza llegará con “Tierra”,
un espectáculo que nos trae el olor del mar y la calidez de
la arena de nuestra costa mediterránea.
<< p_13 // 2009 >>
// ENTREVISTA
El grupo vocacional Así somos, nos demuestra que no hay
discapacidad para bailar, pero tienen, diversas y múltiples
capacidades para crear, expresarse y comunicar.
Un caleidoscopio de sensaciones, una inmersión en los
mundos mas profundos del sentimiento es a donde nos
dirige Toula Limnaios en “Reading Tosca”, un bombón de
fuerte sabor. Esta coreógrafa que bebió de las fuentes de
Pina Bauch, nos hace leer entre líneas una dura crítica a
la sociedad actual.
El bombón más dulce y sugerente es para los niños, aunque
en realidad es para todos los que tengan imaginación, Angels
Margarit se inventa una palabra “Flexelf”, historias con
pliegues, arrugadas, que se despliegan en un tiempo elástico;
entre los interpretes descubriremos dos bailarinas de estos
lares Isabel López y Dory Sánchez.
Cía. Otra Danza. Tierra. Fotografía: Germán Antón
Como de un surtido se trataba, también el lenguaje corporal
urbano entra en nuestra caja, Wanted Posse nos muestra
las estrategias para escapar a un mundo paralelo con Transe.
Cía. Otra Danza. Tierra. Fotografía: Germán Antón
Cía. Senzatempo. a+, cosas que nunca te conté
Cía. Mudances. Flexelf
MARGARITA AMANTE // Directora artística
<< p_14 // 2009 >>
// HABLAMOS CON
Stanton Welch
DIRIGE EL
Houston Ballet
LA CUARTA COMPAÑÍA DE
DANZA DE EE.UU., DESDE
2003
Houston Ballet. Divergence (Damien Welch, Mireille Hassenboehler and Artists of Houston Ballet) (Jim Caldwell)
<< p_16 // 2009 >>
HABLAMOS CON \\
Houston Ballet. Divergence. P. Donovan
No podía ser de otra manera. Hijo de los famosos
bailarines australianos Garth Welch y Marilyn Jones,
Stanton Welch (Melbourne, 1969) tenía en los genes
la danza, aunque comenzó su formación a la tardía
edad de diecisiete años. Terminó sus estudios de
danza en la escuela del San Francisco Ballet, gracias
a una beca, y debutó como profesional en The
Australian Ballet en 1989, compañía en la que alcanzó
la categoría de Bailarín Principal. También muy joven
se interesó por la coreografía, realizando su ópera
prima en 1990 para la formación australiana de la
que formaba parte. Para el The Australian Ballet creó
“The three of Us” (1990), por la cual fue nombrado
'Mejor Coreógrafo del año 1992' por los lectores de
la revista británica, “Dance & Dancers” y “Divergence”
(1994), presentada en el Kennedy Center de Washington y en el New York City Center, pieza seleccionada para el tour español. Poco después, fue nombrado coreógrafo titular (1995) de la compañía
australiana, mientras continuó creando obras como
“Madame Butterfly” (1995), “Cenicienta” (1997) o “La
Bella Durmiente” (2005), entre otras. Hace seis años,
fue nombrado director artístico del Houston Ballet,
compañía estadounidense para la que, previamente,
ya había creado un par de obras, donde continúa
coreografiando un gran número de ballets como
“Nosotros” (2005) -también presente en la gira española-. Además, Stanton Welch ha realizado piezas
para algunas de las compañías de mayor prestigio
internacional como el San Francisco Ballet, American
Ballet Theatre, The Australian Ballet, Metropolitan
Ballet, Atlanta Ballet, Royal Danish Ballet, Birmingham
Royal Ballet, Moscow Dance Theatre.
UN ECLÉCTICO COREÓGRAFO
AUSTRALIANO QUE TRIUNFA
EN HOUSTON.
<< p_17 // 2009 >>
// HABLAMOS CON
EL ÚLTIMO TOUR DEL HOUSTON BALLET POR ESPAÑA FUE HACE
27 AÑOS. ¿PUEDE PRESENTAR EL PROGRAMA?
LA CRÍTICA SE DESHIZO EN ELOGIOS CON “DIVERGENCE”. “¿HA
SIDO AMOR A PRIMERA VISTA, O ES LO MEJOR QUE EL HOUSTON
BALLET HA HECHO JAMÁS? SI ESTO ES EL BALLET DEL SIGLO
XXI, QUE SIGA ASÍ”, ASEGURÓ MOLLY GLENTZER, DEL HOUSTON
CHRONICLE.
Creo que la dinámica y la singularidad de este ballet son
los factores que lo han convertido en un éxito. También es
emocionante apreciar la extrema dificultad de la danza.
Siempre resulta emocionante ver el desempeño de los
bailarines al borde de sus posibilidades y limitaciones.
“DIVERGENCE” REÚNE A VEINTE BAILARINES EN ESCENA, ¿RES U LT A C O M P L I C A D O C R E A R C U A D R O S C O R A L E S ?
Siempre es un reto trabajar en un conjunto, pero, al mismo
tiempo, es emocionante obtener buenos resultados. Nuestra
compañía funciona muy bien como un sólido conjunto.
“Divergence” se compone de pas de deux, pas de trois,
escenas de grupo, y muchas otras configuraciones.
LOS BAILARINES LLEVAN PROVOCATIVOS TRAJES DE VANESA
LEVONHIELM.
Vi unos diseños que había realizado Vanessa para una línea
de alta costura y, al instante, me enamoré de su estilo. Tenía
muy claro el concepto de cada vestido y ella hizo un estupendo
trabajo.
HA EMPLEADO “L'ARLÉSIENNE” DE GEORGES BIZET. ¿QUÉ IMPORTANCIA TIENE LA ELECCIÓN DE LA MÚSICA EN SUS
COREOGRAFÍAS?
Me encanta la música de Bizet y nada más conocerla, supe
que quería coreografiar con esa partitura. Cada pieza tiene
un estilo y eso me dio una gran paleta de colores con los
que crear mi pintura, es decir, mi coreografía.
LA SEGUNDA OBRA QUE PRESENTAN ES “NOSOTROS”.
Esta coreografía fue presentada por el Houston Ballet, el
24 de Febrero de 2005, en el Wortham Theater Center en
Houston Ballet. Divergence. P. Donovan
La última gira por España del Houston Ballet fue en 1982.
En esta ocasión, presentamos un doble programa compuesto
por “Divergence” y “Nosotros”. Creada en 1994, la abstracta
y vibrante “Divergence” se ha convertido en un sello característico de The Australian Ballet, del cual fui nombrado
coreógrafo residente en 1995. Compuesta por “L'Arlésienne”,
Suites nº 1 y 2 de Bizet y con una veintena de bailarines
que lucen los provocativos modelos de Vanesa Levonhielm,
“Divergence" es un ballet clásico de gran fuerza. La obra
fue interpretada por primera vez por el Houston Ballet en
2004 en el Brown Theater del Wortham Theater Center de
Houston, donde obtuvo un gran éxito y recibimiento tanto
por parte de la crítica como del público. Quise tomar el
ballet clásico y divergir de ello. La primera imagen con el
trabajo es lo que uno consideraría el ballet clásico muy
tradicional. De aquí en adelante, seguí bifurcándome por
caminos diferentes. Quise mostrar que las mujeres pueden
trabajar con tanta fuerza como los hombres. Quise mostrar
el interior de ballet clásico, hacerlo parecer difícil y atlético.
Quise mostrar el dolor y la fuerza y la dificultad detrás lo
que los bailarines hacían, más que ocultarlo.
Houston. Con música de Rachmaninoff y Paganini, “Nosotros”
es una obra abstracta interpretada por doce parejas en una
brillante muestra de técnica clásica. Es una obra de conjunto
que muestra el presente y el futuro de las estrellas del
Houston Ballet. Cada uno de los solistas desarrolla un pas
de deux. Durante el proceso de creación mi objetivo era
crear una obra que fuese la tarjeta de presentación de
nuestros bailarines. Conozco lo que les asusta, sus desafíos
y sus preferencias, así que lo he incorporado todo a la
coreografía. Quiero captar su esencia en la danza“.
DOCE PAREJAS EN EL ESCENARIO, BAILANDO PAS DE DEUX.
El ballet está construido principalmente de pas de deux.
Quería crear una obra que capturara el espíritu de nuestra
compañía en su estado actual y, a la vez, dar una oportunidad
de brillar a cada uno de nuestros mejores bailarines.
“COMO EL AMOR MODERNO, “NOSOTROS” ESTÁ IMPREGNADA
DE PASOS SENSUALES Y EN ALGUNAS OCASIONES FRANCAMENTE
SEXYS. DESDE LOS DELICADOS PASOS DE UNA BAILARINA,
SEMEJANTES A ALETEOS DE MARIPOSA, A LOS INFINITOS DÉVELOPPÉS DE SUS LARGAS PIERNAS, WELCH HA CREADO UNA OBRA
QUE EXPRESA LO MEJOR DE 'NOSOTROS'”, ESCRIBIÓ EL CRÍTICO
DEL HOUSTON PRESS MARENE GUSTIN.
No tengo la costumbre de leer las críticas sobre mis trabajos.
Uno sabe el resultado en función de la reacción del público
y de las sensaciones de los bailarines.
EN ESTA OCASIÓN, MÚSICA DE RACHMANINOFF.
Es una pieza con la que estoy muy familiarizado. También
es una obra tan dramática y bailable, a la vez, permitiéndome
crear pasos específicos para cada pareja y todos diferentes
entre sí.
<< p_18 // 2009 >>
Houston Ballet. Divergence. P. Donovan
HABLAMOS CON \\
EL DISEÑO ESCENOGRÁFICO OFRECE LO ÚLTIMO Y MÁS NOVEDOSO
EN EFECTOS ESPECIALES, RODEANDO A LOS BAILARINES CON
UNA MÁGICA ATMÓSFERA GALÁCTICA.
Para dar la ilusión de una galaxia, como flotando en el
espacio.
GLAMOUR ES EL CONCEPTO CLAVE EN EL VESTUARIO, CON TRAJES
INSPIRADOS EN DISEÑADORES DE ALTA COSTURA COMO DIOR.
He querido vestir nuestra compañía de una forma que le
hiciera sentirse y lucir bella, como si fuera a los Oscar.
EL HOUSTON BALLET ES, EN LA ACTUALIDAD, LA CUARTA
COMPAÑÍA DE DANZA DE EE.UU.
Tenemos la suerte de tener una compañía fuerte y hay
muchas personas responsables de hacer de nosotros lo que
somos. El Houston Ballet cuenta con 56 bailarines residentes
con seis filas de bailarines: aprendiz, cuerpo de baile, demisolista, solista, primer solista y director, el nivel superior en
la compañía. El Houston Ballet tiene un amplio repertorio,
con muchas obras que abarcan diferentes estilos de baile:
obras clásicas (“El Lago de los Cisnes” mío y “La Bella
Durmiente” y “El Cascanueces”, montajes de Ben Stevenson),
obras de estilo neoclásico (como “Manon” de Kenneth
MacMillan, “Onegin” de John Cranko y “The Leaves are
Fading” de Antony Tudor), obras de algunos de los mayores
coreógrafos de danza moderna de la actualidad (10 obras
de Christopher Bruce, que ha sido coreógrafo asociado del
Houston Ballet desde 1989, incluyendo “Ghost Dances”,
“Swansong”, y cuatro piezas que el Sr. Bruce ha creado
especialmente para el Houston Ballet, y obra de Paul Taylor
<< p_19 // 2009 >>
como “In the Beginning”(2003) y la “Company B” (1991),
que el Ballet de Houston le encargó).
HACE SEIS AÑOS ASUMIÓ LAS RIENDAS DEL HOUSTON BALLET,
AUNQUE EMPEZÓ A COREOGRAFIAR EN 1990. ¿CÓMO DEFINIRÍA
SU ESTILO?
Siempre quise crear con la misma pasión con la que bailaba
al ritmo de una coreografía. Dicen que soy un creador de la
danza muy versátil porque he creado numerosas obras en
diferentes estilos coreográficos. Quizás se me conoce más
por las obras de estilo neoclásico, tales como “Diference”,
“Madame Butterfly” en dos actos, y “Clear”, creado para el
American Ballet Theatre con la música de Johann Sebastian
Bach, en 2001. También he creado obras como “Punctilious”
en un puro estilo clásico, con música de Antonín Dvo_ák
para el Houston Ballet en 2007, y obras de danza moderna
como “Blindness”, creado para el Houston Ballet en 2004
a la música de Johann Sebastian Bach, que no que contiene
ningún trabajo de puntas.
EN UNA OCASIÓN ASEGURÓ QUE: “DURANTE AÑOS HE ESTADO
OYENDO QUE EL BALLET CLÁSICO ESTABA MURIENDO, QUE SE
ARRASTRABA COMO ALGUNAS CRIATURAS PREHISTÓRICAS
SOPORTANDO SU CADUCO Y LIMITADO REPERTORIO. NUNCA LO
HE CREÍDO. ME CRIÉ CON LA BELLEZA DEL BALLET CLÁSICO Y
NUNCA HE VISTO SUS LIMITACIONES- LO HE MAMADO DESDE
PEQUEÑO”.
Creo que el ballet es un arte vivo y muy interesante, con
muchos coreógrafos que trabajan con un concepto "clásico".
// HABLAMOS CON
UD. HA CREADO PARA ÁNGEL CORELLA E INCLUSO HA CEDIDO
“CLEAR” A SU COMPAÑÍA. ¿QUÉ OPINA DE CORELLA Y QUÉ
CONOCE DE OTROS BAILARINES Y/O COREÓGRAFOS ESPAÑOLES?
Houston Ballett. Divergence (Simon Ball, Damien Welch) (Jim Caldwell)
Houston Ballet. Nosotros (M. Hassenboehler)
Ángel es un magnífico bailarín y mejor persona. He creado
una pieza para él en la ciudad de Nueva York y me hace
muy feliz trabajar con él en su nueva y emocionante compañía.
Sólo sé de los maravillosos bailarines españoles que están
trabajando en el American Ballet Theatre, el San Francisco
Ballet, etc.
ESTE AÑO EL HOUSTON BALLET CELEBRA SU 40º ANIVERSARIO.
¿CUÁLES SON SUS PRÓXIMOS PLANES?
En los últimos veinte años, el Houston Ballet se ha distinguido
como una compañía de ballet dispuesta a dedicar el tiempo
y los recursos necesarios para desarrollar nuevos y originales
ballets de larga duración. Por ejemplo, en febrero de 2009,
presento mi último trabajo, “Marie”, obra en tres actos,
inspirada en la vida de María Antonieta y con música de
Dmitri Shostakovich. El Houston Ballet celebra su cuadragésimo aniversario en 2009-10, con una temporada que
incluye seis nuevas obras que reflejan claramente mi visión
de la compañía: un variado repertorio internacional que se
basa en los mejores coreógrafos de los siglos XX y siglo XXI,
mientras que permanece fiel a la base de clásico y su gran
patrimonio de obras del siglo XIX, como “La Bella Durmiente”,
“El Cascanueces” y “El Lago de los Cisnes”. El cuadragésimo
aniversario temporada incluirá estrenos de los mejores
coreógrafos del mundo (Ji_í Kylián con “Falling Angels”,
“In the Upper Room” de Twyla Tharp) y clásicos del siglo
XX de George Balanchine (“Ballo della Regina” y “Apolo”)
y de Jerome Robbins (“Fancy Free”). Y el compromiso de
la compañía de mantener su vertiente clásica será confirmado
con una nueva versión mía de “La Bayadera”, que se estrenará
en febrero de 2010. El Houston Ballet se ha comprometido
a mantener un vigoroso programa de giras nacionales y
compromisos internacionales. En la última década, la compañía ha viajado a Londres, Nueva York, Moscú, Montreal,
The Kennedy Center, Toronto y Hong Kong.
IRATXE DE ARANTZIBIA // GIPUZKOA
:::: ROYAL ACADEMY OF DANCE ::::
Nuestra Señora de los Buenos Libros // Edificio San Cosme, 1 - Bajo Derecha // 30008 - MURCIA
Teléfono: 968 23 01 62 // Móvil: 609 821 246 // www.balletbuitrago.com
<< p_20 // 2009 >>
ARTÍCULO \\
Ángel Corella ha logrado un verdadero milagro en un país
donde la danza clásica es sinónimo de frustración y está
considerada, con bastante displicencia, como un estorbo
menor. El ballet en España no solo está destinado a desaparecer, sino, y quizás peor todavía, a desprestigiarse. Por
este motivo el trabajo de Corella tiene doble mérito, el
artístico y el ético. En esta oportunidad nos ha presentado
ESTRENO DEL
entusiasmo un espectáculo de ballet íntegro, en donde el
cuerpo de baile no defrauda por lo general en ningún
momento. Corella bailó We Got it Good, de Stanton Welch
con música de Duke Ellington. Un solo de jazz creado
especialmente para él, con motivo de la gira Kimg of the
Dance en 2006. El bailarín domina la escena con una sólida
y depurada destreza y mantiene en todo momento una
relación de correspondencia y encanto con
el público. Estos ingredientes sumados a su
brillante técnica, lo transforman en un artista
seguro y extraordinario. Ángel es un bailarín
maduro, posee un encanto personal innato
y compra hasta con la mirada. Goza de una
presencia escénica triunfante, unas habilidades naturales hacia el ballet que lo llevaron
a lograr una exitosa carrera. Natalia Tapia, es
una artista con buena presencia en los escenarios. Ha estado correcta en la ejecución
del Tchaikovsky Pas de Deux, de George Balanchine como partenaire de Corella, aunque
quizás, y pese a los nervios del acontecimiento,
no lo suficientemente suelta ni chispeante
como la ocasión requería.
CORELLA BALLET
Ángel Corella, acto de presentación del Corella Ballet Castilla-León. Fotografía: Jesús Vallinas
Impactante y hermosa se destaca entre el
conjunto de bailarinas, María José Sales con
una bella línea y hermosos brazos. Graduada
profesionalmente por Alicia Makova en el
English National Ballet School de Londres, Sales
se movía con una elegancia maravillosa y una
exquisita naturalidad -como es de esperarse
de una bailarina de ballet - por el escenario,
al ritmo del Concierto Nº1 de Max Bruch con
coreografía de Clark Tippet.
“Clear” creada para el American Ballet Theatre
por Stanton Welch, fue lo mejor y más pulcro
de la velada. La transparente música de Bach
y el vestuario de Michael Kors, considerado
como uno de los diseñadores más importantes
de Estados Unidos, demostraron que es posible
unir belleza y modernidad. La correcta ejecución y claridad de movimiento de los 8
bailarines que componen este trabajo de 20
minutos de duración, ha dejado en evidencia
la precisa ejecución de sus intérpretes. La
única mujer presente a lo largo de toda la
pieza es la bailarina japonesa Kazuko Omori
quien nos entrega una potente actuación con
una nítida intervención, potentes puntas y mucha desenvoltura dentro del grupo.
EN BARCELONA
en Barcelona una compañía de danza clásica integrada por
muy buenos bailarines con una buena técnica pero, en
conjunto, sin una escuela académica que la sustente. Hay
mucha danza, excelente música, escasos matices y ganas
de ir a por más.
Los que asistimos al estreno de su ballet, el Corella Ballet
Castilla y León, en el Teatro Tívoli, vivimos con enorme
<< p_21 // 2009 >>
El broche de oro, antes de finalizar la velada, lo aportó la
creación de la coreógrafa contemporánea Twyla Tharp, In
the upper room. La obra, demasiado larga y potencialmente
marcada por una coreografía veloz, fue creada para el total
lucimiento de los bailarines en la que no faltaron los grandes
BRUCH VIOLIN CONCIERTO Nº 1. Corella Ballet
Castilla y León. Fotografía: Yoana Miguel Danzaballet
// ARTÍCULO
Ficha Artística:
CORELLA BALLET CASTILLA Y LEÓN
del 21 al 25 de enero de 2009,
Teatre Tivoli de Barcelona.
Programa
saltos, los pirouettes y una excesiva dinámica grupal que
aportó brillo y una total energía, poniéndose de manifiesto,
junto a la reiterativa y aguda música de Philip Glass, los
dotes atléticos y físicos de todo la agrupación.
En general, la compañía carece de un estilo académico
definido, falta "la escuela", que es la que definitivamente
concede el sello de calidad en la danza clásica. Muchas
piernas que llegan y sobrepasan la cabeza, muchos giros y
excesivas sonrisas producen que haya una exacerbada y
constante exhibición carente de distinción y elegancia.
Una felicitación aparte merece el trabajo de la maestra de
ballet, Prof. Karemia Moreno que sin dudas, conociendo su
manera profesional, seria y tremendamente responsable de
trabajar, se encuentra ante una interesante y ardua tarea
por delante. Sé, que finalmente logrará sacar a relucir lo
mejor de cada artista. Tiene el material y la experiencia
necesaria para que la compañía de Corella llegue a ser lo
que él tanto anhela. La gala finalizó con largos y jubilosos
aplausos. Ángel Corella ha realizado una maravillosa resurrección del ballet en España. Ojalá no sea pura y exclusivamente por un corto período de tiempo.
“BRUCH VIOLIN CONCIERTO Nº 1”
Coreografía: Clark Tippet
Música: Max Bruch
(Concerto nº 1 en sol menor para Violín, Op 26 )
Diseño Original de Vestuario: Dain Marcus
Confección del Vestuario: Cornejo
Diseño Original de Iluminación: Jennifer Tipton
Reposición de la Coreografía a cargo de: David Richardson
Duración: 24'
"TCHAIKOVSKY PAS DE DEUX"
Coreografía: George Balanchine
Angel Corella y Natalia Tapia
Musica: Peter Ilyitch Tchaikovsky
(music original del pas de deux del Act III of Swan Lake)
World Premiere: New York City Ballet, City Center 55 Street
Theater, New York, 3/29/60
“CLEAR”
Coreografía: Stanton Welch
Música: Johann Sebastián Bach (1685-1750).
Concierto para Violín y Oboe en do menor, y primer y
segundo movimiento del Concierto para violín en sol menor.
Vestuario: Michael Kors for Celine
Iluminación: Lisa Pinkham
Reposición de la Coreografía a cargo de: Steven Woodgate
Duración: 20'
CAROLINA DE PEDRO (DANZA BALLET) // BARCELONA
Ángel Corella en "Tchaikovsky Pas de Deux".
Fotografía: Yoana Miguel Danzaballet
“WE GOT IT GOOD”
Intérprete: Ángel Corella
Coreografía: Stanton Welch
Música: Duke Ellington y Billy Strayhorn
Duración: 5'
“IN THE UPPER ROOM”
Coreografía: Twyla Tharp
Música: Philip Glass
Música producida por: Kurt Munkacsi
Diseño original de Vestuario: Norma Kamali
Diseño Original de Iluminación: Jennifer Tipton
Reposición de la Coreografía a cargo de: Keith Roberts
Con agradecimiento al Birmingham Royal Ballet por el uso de su
escenografía y vestuario.
Duración: 40'
<< p_22 // 2009 >>
ARTÍCULO \\
Provisonal Danza, "El privilegio de morir".
Carmen Werner
Carmen Werner es una inquieta y prolífica
coreógrafa madrileña que ha conseguido
mantenerse en escena desde que fundara
en 1987 su compañía Provisional Danza. Su
tesón y, sobre todo, su necesidad de expresarse con el gesto han dado como resultado
numerosas obras de gran interés lo que ha
merecido numerosos galardones como el
Premio Nacional de Danza 2007 en la modalidad de creación, entre muchos otros.
Hasta hace poco ha estado en Japón preparando un encargo sobre la Divina Comedia
para 22 bailarines. Su compañía inauguró
la 2ª Edición del Máster de Danza en Murcia
con la pieza “El privilegio de morir”.
Para este trabajo se ha inspirado en la
estética de Edward Hopper, pintor costumbrista norteamericano (1882-1967) reconocible por sus solitarias figuras y sus poéticos
juegos de luces y sombras.
<< p_24 // 2009 >>
// ARTÍCULO
¿POR QUÉ PIENSAS QUE ESTOS PERSONAJES ESPERAN EL
PRIVILEGIO DE MORIR?
Cuando plantee a los bailarines la idea, les puse delante
un montón de fotos de cuadros delante y les pregunté cómo
vivirían, desarrollarían su vida y morirían esos personajes.
La historia fue saliendo y me quedé con esa idea, el privilegio
de morir. Me gustó mucho, se llegó a esa conclusión.
Plantearon varias formas de suicidio y me gustó la de uno
de ellos; que todo le fallaba. Me pareció super cómico
SITÚAS LA PIEZA EN ESCENAS URBANAS Y COTIDIANAS, EN EL
AMBIENTE QUE RECREÓ HOPPER, ¿CÓMO HAS CONCILIADO TU
GESTUALIDAD CON LA DEL PINTOR?
Me resulto muy fácil, muy cercano.
¿ERES CONSCIENTE DE QUE EL REITERADO INTENTO DE SUICIDIO
DE UNO DE LOS PERSONAJES RESULTA INQUIETANTE HASTA
ANGUSTIOSO? ¿TAN DURO ES VIVIR?
No. Como te digo me parece cómico a mí no me angustia.
Y sí, vivir no es nada fácil, pero tiene infinitos encantos.
EN LA OBRA PASAS BRUSCAMENTE DE UNA FUGAZ ALEGRÍA
DE VIVIR, A MOMENTOS DE AISLAMIENTO.
Así me parece la vida.
¿QUÉ SIGNIFICADO TIENE PARA TI EL DESNUDO EN ESCENA,
PUES ES UN RECURSO QUE UTILIZAS A MENUDO?
Bueno, el desnudo me encanta, pero justo en esta ocasión
el pintor tiene muchos cuadros de desnudos.
TAMBIÉN TE SIRVES DE LA LARGA MELENA DE TUS BAILARINAS,
Y DE LA TUYA MISMA, PARA JUGAR Y BAILAR CON ELLA, ¿TIENE
ESTO ALGO DE FREUDIANO?
No me lo había planteado, pero es posible, también me
gusta mucho.
¿QUÉ HACE SONREÍR A CARMEN WERNER?
¡Uf!, muchas cosas...
¿TIENES ALGUNA NUEVA IDEA RONDÁNDOTE PARA UN PRÓXIMO
TRABAJO?
Si, el estreno de mi último trabajo en el festival de MADRID
EN DANZA, se llama “Sin Dios”, aquí barajamos el asesinato.
TdD // MURCIA
<< p_25 // 2009 >>
/// Iª CONVOCATORIA \\\
PREMIO TIEMPO DE DANZA
ESPECIALIDADES QUE CONCURSAN
///////////// DANZA CLÁSICA //////////
DANZA ESPAÑOLA O B. FLAMENCO
///// DANZA CONTEMPORÁNEA //////
MODALIDAD
Individual para las tres especialidades
BASES
Dirigido a estudiantes de danza nacidos en la Región de Murcia y cuyas edades
se encuentren comprendidas entre los 14 y los 21 años cumplidos durante el año 2009.
DESARROLLO
1º FASE // Preselección de finalistas mediante el envío de grabación en formato DVD
sin cortes ni efectos especiales de dos variaciones distintas de repertorio o libre,
máximo de cinco minutos de duración cada una.
2º FASE // Gala finalistas en el Teatro Bernal, el Palmar, Murcia,
Fecha: 30 de mayo de 2009. Hora: 20:30 h.
Entrada por invitación.
PREMIOS POR ESPECIALIDAD
Cada especialidad contará con tres becas: total 9 becas
1er. Premio: Beca de 1.200 euros
2º Premio: Beca de 600 euros
3er Premio: Beca de 300 euros
Asociación Amigos de la Danza Murcia
C/ Marinero Juan Vizcaíno, 7. 2º A // 30007 // Murcia // T. 655 18 15 48 // 617 97 36 14
[email protected]
Subvencionado por:
Colabora:
Organiza:
Sonia Cayuela. "El árbol del olvido"
CLASE MAGISTRAL \\
Con el nacimiento de la danza moderna americana y la
danza expresionista o danza moderna alemana, el interés
por la didáctica de la composición coreográfica se refleja
en los escritos de mujeres coreógrafas y pedagogas que se
convierten en las primeras en aspirar a la creación de un
corpus teórico de la creación coreográfica. La firme creencia
en que se puede enseñar a crear y la necesidad de establecer
un método del proceso creativo son los pilares en los que
se basan los escritos de Mary Wigman, ”El lenguaje de la
danza”, 1963 y Doris Humphrey ”El arte de crear danzas”,
1958. Es decir, tratan de codificar lo que se había realizado
de manera intuitiva y que se explicaba gracias al llamado
“talento natural” de algunos bailarines y bailarinas.
En las primeras décadas del siglo XX estaban cambiando
radicalmente tanto las técnicas de danza como el estilo y
los temas coreográficos. Mientras tanto, la danza se está
intelectualizando al cobrar mayor importancia las palabras,
el discurso, para crear las herramientas que permitan fabricar
material coreográfico y gestual. Tal vez por ello, se considera
necesario teorizar sobre la composición, sobre la obra
creativa que se constituye en repertorio con el paso del
tiempo. El concepto de autoría de la coreografía permanece
invariable, es decir, el creador enseña a los bailarines los
pasos, movimientos o gestos que tienen que realizar, y
enseña frases coreográficas que van construyendo la pieza
creativa.
<< p_27 // 2009 >>
Para Humphrey, los elementos coreográficos son: el diseño,
el espacio escénico, el movimiento, la motivación y el gesto,
sin olvidar los demás elementos de la puesta en escena:
vestuario, iluminación, escenografía... es decir, cuando
habla de coreografía se refiere a todos los elementos de la
puesta en escena. Su teoría del movimiento, de la técnica,
es dualista: caída / recuperación, equilibrio / desequilibrio,
horizontal / vertical... pero en sus ideas sobre la composición,
suele basarse en una tríada de conceptos, por ejemplo,
establece que los elementos fundamentales para la creación
coreográfica son: forma, estructura e intención. Rechaza lo
espectacular, la estructura musical y los movimientos
accesorios. Su objetivo es la creación de movimientos nuevos
que no sean pasos aprendidos y que van construyendo
“palabras”, que van creciendo e hilvanándose hasta estructurarse en “frases” a las que se irá añadiendo su propia
gramática y sintaxis. Dicho en otras palabras, la creación
de formas en el tiempo y el espacio. Recomienda que el
alumno comience realizando ejercicios estáticos individuales
y en pareja para, posteriormente, organizar las frases
coreográficas copiando las estructuras de coreógrafos
consagrados. Para ello se hace esencial un método que nos
sirva para analizar el repertorio. Para Humphrey, los materiales
que constituyen el movimiento son la dinámica, el ritmo,
el diseño o forma y la motivación. Posteriormente, le confía
al futuro coreógrafo la creación de solos, dúos, y más
tarde, grupos, pues cree que su fuerza colectiva les
// CLASE MAGISTRAL
otorga todo el peso de la obra. A su vez, la obra debe contar
con una estructura formal coherente. Esta actitud democrática
de la danza moderna modifica a su vez la labor de los
bailarines, cambia el concepto de autoria, y transforma la
estructura de la forma coreográfica.
Al otro lado del Atlántico, Mary Wigman aconseja al profesor
de composición redescubrir toda la técnica aprendida y
ayudar a los alumnos a encontrar el camino hacia ellos
mismos no permitiéndoles ser imitadores, sino creadores
de su propio lenguaje corporal. Para ella, la danza es el arte
del momento consciente, de la estructura del movimiento
y de su orden interno. Como alumna de Dalcroze destaca
la importancia del tiempo y del ritmo tanto para la danza
como para la música. En danza, este ritmo lo determina la
respiración que modula la expresión, y por otro lado, la
suspensión, es decir, las transiciones entre un movimiento
y otro. Como alumna de Laban considera que componer
significa construir en el espacio diferentes cualidades de
movimiento a través de energías (que vienen determinadas
por el peso) y, por tanto, separa siempre las creaciones de
los solos de las piezas corales coreografiadas para grupos.
Sus danzas son más de introspección que de acción, pues
desea provocar experiencias intelectuales y emocionales en
el público.
Wigman defiende la relación entre la danza y la música, los
objetos, el número de bailarines y el tema elegido. El juego
estratégico de la composición parte de la creatividad y la
expresividad, para cuya primera fase de investigación se
estudian los materiales de movimiento y su repetición
creados por los bailarines a partir de improvisaciones. En
una segunda fase se trata de eliminar lo superfluo, sólo
queda el movimiento, el espacio, el tiempo y el sonido, que
se han ido depurado durante el proceso creativo.
Mientras Hanya Holm, alumna de Wigman, lleva a Norteamérica sus metodologías de creación y composición, Merce
Cunnigham, de la mano de John Cage, trabaja con el azar
como proceso natural de creación para determinar los tipos
de movimiento, su tempo y su orden en la estructura
coreográfica. Las enseñanzas de ambos maestros formarán
a un grupo de jóvenes bailarines que se unirán en la famosa
Judson Church, creando la llamada danza posmoderna que
Sonia Cayuela. "El árbol del olvido"
Por otro lado, en su teoría de la composición, destaca la
elección del tema y la necesidad de reconocer las influencias
musicales, visuales y mentales de la época, pues van a
influir tanto en la creación coreográfica como en la creación
de un vocabulario de movimiento. Este movimiento creado
será rico y expresivo si utiliza todas las partes del cuerpo,
todas las combinaciones, direcciónes, niveles, ritmos y
dinámicas en un espacio determinado que se convierte en
un espacio de comunicación vacío y abierto, proporcionando
el clima emocional de la obra, y con ello, se destaca su
intención. El significado de la coreografía dependerá asimismo de las relaciones que se establezcan entre la música
y el movimiento, de la focalización del bailarín, y de otros
elementos escénicos como la iluminación, accesorios,
escenografía y vestuario.
cambiará radicalmente los conceptos de repertorio, de
composición y de improvisación.
En las décadas de los sesenta y setenta, nuevas ideas
estéticas cobran fuerza gracias a la docencia de Anna Halprin
quien elabora estructuras basadas en la improvisación
invitando al público a participar en ellas. En este proceso
creativo, la conciencia del peso, los impulsos y desplazamientos naturales del cuerpo y la interacción entre varios
bailarines, provocan que se exploren todas las posibilidades
del movimiento. De este modo, se cristaliza la improvisación
en el momento y lugar de la presentación pública de la
pieza, no simplemente como herramienta para construir
movimientos nuevos en el estudio de danza que posteriormente se fijan y pasan a formar parte de la coreografía,
como era habitual hasta ese momento.
Por su parte, Erick Hawkins se interesa por el aprendizaje
y la creación de movimientos a partir de las sensaciones,
mientras que Steve Paxton se plantea un conocimiento y
dominio del cuerpo a través de la estructura ósea, la
proyección de energía y los impulsos. Después de las
<< p_28 // 2009 >>
CLASE MAGISTRAL \\
llamadas jam-sesion colectivas donde se trabaja la improvisación como creación, con un lúcido compromiso con los
temas políticos y sociales y con la experimentación de la
repetición, el trabajo de cognición que supone verbalizar
en público las experiencias vividas con la acción de la danza
implica un doble trabajo de observación y acción. Este
doble papel de bailarín y observador provoca interrelaciones,
coincidiendo el pensamiento motriz con el pensamiento
abstracto de las palabras. Esta idea de trabajo de taller, de
colectivo, que se convierte en una nueva metodología,
propiciará la difusión del contact-improvisación como una
nueva técnica de composición coreográfica que desjerarquiza
los elementos del espectáculo.
En la década de los ochenta, Karine Saporta se convierte
en una de las creadoras francesas que conceptualiza la
creación coreográfica al utilizar las palabras como herramienta
para crear material coreográfico. Una vez elegido el tema,
en la primera etapa de la composición, el objetivo es buscar
información, explorar códigos y expresiones nuevas ante
una propuesta verbal, para trabajar tanto el lenguaje como
el movimiento. En una segunda fase se construye la emoción,
la sensación, el personaje, mientras se está improvisando
procurando definir sus componentes sociales y psicológicos.
Posteriormente se depura la materia prima y se exploran
diferentes morfologías de organización, diversas estructuras,
puesto que considera imprescindible conocer las formas
que ya existen y cómo se organizan en la naturaleza para
crear lenguajes y estructuras nuevas.
Para Jacqueline Smith-Autard, autora del libro “La composición coreográfica” (1976), el aprendizaje de la creación
de danza debe basarse en los elementos y los métodos de
construcción coreográfica. Considera fundamental tanto el
conocimiento del análisis del movimiento de Laban como
el dominio de varias técnicas de danza, tanto experimentales
como de improvisación. El alumno debe conocer el repertorio
y las estructuras coreográficas de los grandes creadores de
la danza, estudiar y analizar la obra terminada, para,
posteriormente, crear sus propias herramientas y reglas de
creación. También le resulta interesante reconocer el valor
de las nuevas tecnologías aplicadas a la danza y potenciar
el conocimiento de las nuevas tendencias en los últimos
años de aprendizaje.
Para ella, las pautas de la construcción parten del conocimiento del material o elementos de la danza, de las
estructuras coreográficas o métodos de construcción, y de
una profunda comprensión de la técnica y el estilo con el
que se trabaja. El éxito dependerá del talante artístico del
alumno, de su creatividad y de su honestidad en el trabajo
compositivo.
Sonia Cayuela. "El árbol del olvido"
CARMEN GIMÉNEZ MORTE // VALENCIA
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Cía Donaires. Foto: Ludovic Becker
// ENTREVISTA
“Me siento muy honrada de
haber tenido como padre a
Narciso Yepes”
Es una Yepes. Como los buenos vinos, denominación de origen.
Aunque no viene mucho a Murcia, ciudad que encuentra muy
acogedora y humana, sí a Lorca donde tiene más familia y a
la casa de la playa en Torrevieja. Ha volado desde París, su
lugar de residencia, y se ha quedado unos días con nosotros,
impartiendo un curso de “Danza Barroca Española con
castañuelas”, que la Asociación Amigos de la Danza organizó
en el Centro Camargo el pasado mes de Enero.
La influencia familiar y artística de su padre, el gran Narciso
Yepes, nuestro murciano más universal, su hermano Ignacio,
director de Orquesta, la personalidad de su madre reflejada
en su libro “Amaneció de Noche”, reflexiones mientras acompañaba los últimos días de la vida de su marido en un Hospital
de Murcia. Una forma de entender la vida. Ana, bailarina y
maestra especialista en danza histórica se siente muy honrada
de haber tenido a Narciso Yepes como padre. Aprendió de él
las notas antes que las letras, jugando a hacer ritmos, andando
en negras y corcheas y luego a cómo estudiar. Y cuando Ana
empieza con la danza histórica a los 22 años, descubre que
también su padre ya se había interesado por la misma.
Trío Yepes, al Estilo Antiguo. Alcalá de Henares 2004. Fotos: Jesús Vallinas
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ENTREVISTA \\
Foto 1
Foto 2
Foto 1: Ana Yepes en Folias, Cía Donaires, Nantes 2004, foto de Ludovic Becker. // Foto 2: Cía. Donaires.Les Danses du Roi. Foto: Ludobic Becker
“Yo era músico antes que bailarina. Comencé con la danza
a los 22 años, cuando estaba estudiando en la Haya en un
Conservatorio especializado en música antigua y me empecé
a plantear cómo se bailaba lo que estaba tocando. Fue a
la salida de una clase de Historia de la Música que un
profesor nos mencionó el libro de Thoinot Arbeau, La
Orquestografía, del Renacimiento francés. Fui a la biblioteca,
lo empecé a mirar y a descifrar cómo se bailaba. Luego
descubrí que en casa mi padre ya tenía tratados. Trabajamos
junto en el “Trío Yepes” en el que se mezclaba música y
danza histórica en un escenario.
Y POR SUPUESTO APRENDISTE LA EXIGENCIA DE SU PADRE.
Cuando se le preguntaba cómo alcanzar la excelencia que
él tenía, aconsejaba: “buscar los cien céntimos de la peseta”.
Es decir, técnica, expresión y suerte. Un todo. Buscar la
perfección, que no es humana, pero si lo es querer llegar
a ella.
Ana Yepes se dedicó a la danza barroca francesa desde los
años 80, y a la danza barroca española desde los 90. Con
una subvención del Ministerio de Cultura, junto a Carles
Más y María José Ruiz pudo hacer una investigación. Una
época en la que Ana Yepes tenía más dudas que otra cosa,
siendo rigurosa en sus conclusiones.
entre el Renacimiento y el Barroco. La danza popular que
se bailaba en España llega con los gitanos que han pasado
por África desde la India y es la danza popular que cohabita
con la más noble de corte, como la Españoleta Y esa danza
de corte renacentista tiene mucho que ver con la italiana
en esa época que se extiende con los tratados, como el de
Cesare Negri, que se traduce al español para el Rey Felipe
IV. Pero lo que caracteriza a la “danza a la española” es el
braceo que tiene su raíz gitana. La danza popular y la danza
noble, que son casi lo contrario, se unen por la danza
religiosa. ¿Qué es lo que hacen los Seises bailando en la
Iglesia con castañuelas? Es lo que se llama danza de ritual.
Luego en los divertimentos para teatro siempre había baile,
una danza de imitación noble y popular y sobre todo es una
mezcla que viajó a Francia en 1660 para hacer el auto
sacramental de La Paz Universal para la boda de Luis XIV
y María Teresa de Austria, de Calderón de la Barca. Bailarines,
músicos, cantantes, permanecieron en París seis meses y
ahí si que hubo una influencia.
¿DESPIERTA INTERÉS LA DANZA BARROCA ESPAÑOLA?
Si. Muchísimo. Y desde hace unos años la enseño en todas
partes del mundo. El primer sitio fue en Japón, que está
siempre a la punta de lo que se hace en Occidente. Luego
he dado cursos en Francia, en España, donde para mí es
fundamental porque es el origen de la escuela bolera y de
muchas cosas que tienen que ver con la danza popular de
ahora. A los extranjeros les encanta, por la vitalidad y el
ritmo. Últimamente he dado clases en Suecia, Alemania,
Italia, Canadá, Estados Unidos. Todo el mundo quiere
aprender.
¿Y QUÉ DIFERENCIA HAY CON LA FRANCESA?
Es muy diferente de la española porque no viene del mismo
sitio. Viene del Renacimiento italiano pero tiene la influencia
de la española en cuanto al braceo barroco con todos los
círculos de codo y de muñeca que vienen no del italiano
en el que ni siquiera había brazos, sino de España. En el
XVII evolucionó la danza en España más que en Italia,
influida por la danza popular y su mezcla como danza teatral
luego viajó a Francia. La danza barroca del XVII y principios
del XVIII es como una tercera fase mucho más técnica.
Porque la danza barroca española, las llamadas “danzas de
escuela” que es un cuarto estilo, lo bailaban en España
sólo los hombres. Las mujeres se sentaban a mirar. Esquivel
Navarro en su libro lo describe muy bien. La danza era una
actividad física y se usaba para bailar en los salones. Las
damas no sé como aprendían.
¿QUÉ ES LA DANZA BARROCA ESPAÑOLA?
La danza barroca española es la que se bailaba en España
en el siglo XVII pero ya se bailaba parte en el siglo XVI,
¿QUÉ TIPO DE FUENTES UTILIZAS?
El Tratado de Esquivel de Navarro que describe los pasos,
pero bastante incompleto, sin ninguna indicación rítmica,
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Trío Yepes Al estilo Antiguo, Alcalá de Henares 2004, Foto de Jesús Valllinas.
// ENTREVISTA
ni casi ninguna espacial; el libro de Juan Antonio Jaque
que describe seis bailes. En el XVIII el tratado de Pablo
Minguet describe el tratado de danzar a la española aunque
él se dedica más a la forma de danzar a la francesa porque
ya en el siglo XVIII el bisnieto de Luis XIV se convierte en
Rey de España e importa esta danza barroca francesa a
España. En 1770 con el sistema de notación BeauchampFeuillet en Europa se bailaban los mismos bailes. Los
españoles veían este estilo francés algo afeminado, pero
tuvieron que aceptarlo.
Minguet describe muchas danzas, minuetos y dedica un
capitulito pequeño a las danzas españolas. La mayor parte
copia de otros tratados con alguna pequeña explicación.
Actualmente se ha encontrado en un libro en Barcelona un
manuscrito que se le ha llamado de Potau, que son sólo
unas hojas sueltas de un cuaderno de bailar de un señor
que tomaba apuntes, describe unas diez danzas, y hay que
ponerse a trabajar en esto para llegar a nuevas conclusiones.
EN LOS CONSERVATORIOS DE DANZA SE ESTUDIA HISTORIA DE
LA MÚSICA, PERO EN LOS DE MÚSICA NO SE ESTUDIA HISTORIA
DE LA DANZA.
Precisamente yo doy clase una vez por semana en un
Conservatorio de Normandía, a una hora de París, de danza
histórica para bailarines pero también otra clase para hacer
bailar a los músicos. Mi metodología es esa: poner a bailar
a los músicos y a tocar a los bailarines. En París tengo una
clase los martes por la mañana para músicos y bailarines
profesionales en la que se intercambian los papeles.
¿EL MÉTODO QUE ENSEÑAS DE CASTAÑUELAS PARA DANZAS
BARROCAS ES TUYO?
Sí. Yo estudié castañuelas con Lucero Tena, pero a la hora
de colocar los dedos yo también tengo mi método.
MARGARITA MUÑOZ-ZIELINSKI // MURCIA
EN LA UNIVERSIDAD ESPAÑOLA LA DANZA NO ESTÁ PRESENTE,
SÓLO COMO ASIGNATURA DE LIBRE CONFIGURACIÓN EN ALGÚN
CURSO DE DOCTORADO. SIN EMBARGO ESTAMOS LOGRANDO
PRESENTAR TESIS DOCTORALES EN DANZA.
Hay países en los que sí está presente. Yo creo que hay que
luchar, porque toda novedad no viene sola. Viene porque
los hombres la han querido.
Curso de Danza Barroca Española
con Ana Yepes. Fotografía: TdD
EN EL TERRENO DE LA INVESTIGACIÓN ¿SE APRECIA LA IMPORTANCIA DE LA DANZA EN RELACIÓN CON LA PINTURA O LA
MÚSICA?
Creo que todo investigador tiene que estar abierto. Pero
hasta los investigadores en música antigua, bien pocos se
plantean la manera de bailar. No les interesa nada de éste
tema. La música antigua es todo baile, excepto dos o tres
obras religiosas y que encima también tienen forma de
baile, todo son bailes. Para mí todo músico tiene que
interesarse por ello.
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ENTREVISTA \\
Tras el éxito obtenido en la pasada edición
del Máster oficial de Danza y Artes del movimiento en Murcia, la segunda edición no se
ha hecho esperar. El pistoletazo de salida se
dio el pasado 9 de enero en el Centro Párraga,
con la actuación de Provisionaldanza, Compañía dirigida por Carmen Werner, con su
último espectáculo “El privilegio de morir”.
El sábado día 10 de enero el grupo de contemporáneo del Departamento de Danza de la
Universidad Técnica de Lisboa actuó con “Flor
de Bella Alma”. En esta edición la UCAM ha
contado con la colaboración de la Dirección
General de Promoción Cultural, además del
siempre fiel aliado Centro Párraga, y la participación de ZOCOMUR.
Esta vez nos hemos interesado por la opinión
de Mariló Molina, Licenciada en Ciencias de
la Actividad Física y el Deporte, bailarina,
directora y coreógrafa de su compañía AcontecePolar. Mano derecha de Sebastián G.
Lozano (UCAM), coordinador y máximo responsable de este proyecto. “… Ella mejor que
nadie…”, nos dice Sebastián, “… para que
os cuente los entresijos de esta segunda
edición. Hemos trabajado codo con codo y
ella tiene mucho que ver en la realización de
este proyecto”.
Mariló Molina
Cía. Acontece polar
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Cía Acontece Polar. Mariló Molina
// ENTREVISTA
MARILÓ, RECUERDO QUE PARA LA PRIMERA EDICIÓN TUVISTEIS
QUE SOLUCIONAR MUCHOS INCONVENIENTES Y CONTASTEIS
CON ESCASO APOYO INSTITUCIONAL ¿CÓMO HA SIDO LA RESPUESTA CUANDO PLANTASTEIS LA SEGUNDA EDICIÓN?
también el lujo de contar con Marta Carrasco y Fuensanta
Morales. Próximamente vendrá Malpelo, y un bailarín de la
compañía ULTIMA VEZ de Wim Vandekeybus, Rasmus Ölme,
tendremos a Rosa Muñoz, etc…
Ha sido complicada de nuevo y muy laboriosa pero ahora
estamos contentos, sobre todo por el entusiasmo de los
alumnos que agradecen la calidad de los profesores que
van viniendo, así que merece la pena el esfuerzo.
¿SE ACERCAN AHORA LOS BAILARINES, Y ME REFIERO A BAILARINES DE TODOS LOS ESTILOS, A ESTE MÁSTER?00000000
¿CUÁL ES LA PROPUESTA IDEOLÓGICA DE ESTA EDICIÓN?
El máster versa sobre las artes del movimiento, hemos
reflexionado sobre el origen primero del hombre y su
necesidad de expresarse con el cuerpo antes que con la
palabra, todavía está por definir, pero una de las ideas es
que los trabajos que presenten los alumnos al final del
máster partan de un mito griego para encontrar su equivalente
en la sociedad actual. Siempre con el cuerpo, nada de
palabras.
¿QUÉ NOVEDADES TENÉIS RESPECTO A LA PASADA EDICIÓN?
COMÉNTANOS BREVEMENTE LA PROPUESTA PEDAGÓGICA Y EL
CUADRO DE PROFESORES INVITADOS.
Este año ha venido Kostas Philippoglou, que es un actor de
la prestigiosa compañía LE COMPLICITÉ que trabaja sobre
los siete niveles de tensión del cuerpo. Hemos tenido
Sí, hay bailarines de Flamenco y Contemporáneo, más que
el año pasado. Es más difícil encontrar un bailarín que esté
Licenciado en Danza, normalmente están licenciados en
alguna otra cosa. Un actor sí puede conseguir la titulación
en Arte Dramático pero un bailarín lo tiene más complicado.
También hay cada vez más gente de Educación Física y de
Bellas Artes.
¿PORQUÉ ES INTERESANTE UN MÁSTER DE DANZA?
Creo que el lenguaje del cuerpo es esencial y bello en todas
sus disciplinas. Es interesante conocer cómo lo entienden
diferentes profesionales porque normalmente es difícil
acceder a toda esta información. Con un máster te puedes
hacer una idea de las metodologías de cada maestro y te
permite encaminarte después hacia aquella danza o técnica
de la que tenías poca información. Es sobretodo interesante
porque abre puertas de conocimiento, después ya es el
alumno el que decide entrar y profundizar.
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Cía Acontece Polar. Mariló Molina
ENTREVISTA \\
A NIVEL DE CONTENIDOS ¿CÓMO ELABORÁIS LOS OBJETIVOS
DEL MÁSTER? ¿LE DAIS MÁS IMPORTANCIA A LO PRÁCTICO, O
A LO TEÓRICO, O INTENTÁIS EQUILIBRAR LA BALANZA?
Hay una parte dedicada al Teatro Físico y otra parte más
dedicada a la Danza Contemporánea, está equilibrado en
ese aspecto, la parte práctica es probablemente un 80%,
incluimos los contenidos teóricos para complementar todo
el aprendizaje práctico, pero desde luego el objetivo es que
los alumnos puedan llegar a crear una pieza escénica donde
se articulen todos los contenidos, para ello también es
necesario elaborarles un esquema de creación.
¿CONSIDERAS QUE SE EJERCITA LO SUFICIENTE LA PRÁCTICA
DE UN ANÁLISIS CRÍTICO TANTO DENTRO DE LAS ASIGNATURAS
TEÓRICAS COMO PRÁCTICAS?
En todas las sesiones es necesario elaborar una memoria
que recoja lo aprendido, no sólo debe ser una enumeración
de los ejercicios realizados sino un análisis personal acerca
de lo que se ha encontrado al hacer el ejercicio y cómo ha
afectado la experiencia a tus habilidades. En cuanto a lo
teórico simplemente se analiza si los esquemas de creación
o los principios enseñados se pueden aplicar a lo práctico.
Si es que sí, habrán sido de gran ayuda para ordenar la
creatividad.
AUNQUE ESTA SEGUNDA EDICIÓN DEL MÁSTER HA COMENZADO
HACE POCO ¿CÓMO VEIS LA RESPUESTA DE LOS ALUMNOS?
Bastante positiva. Están muy entusiasmados con el profesorado que está viniendo. Creo que muchos están encontrando
caminos que antes desconocían, pero desde luego todos
los profesores que han venido hasta ahora han coincidido
en lo mismo, son un grupo fantástico.
¿PENSANDO EN UNA TERCERA EDICIÓN…?
Pensando sí, pero primero queremos acabar esta edición
con éxito y satisfacción y si es así, ya nos pondremos a
pensar en la tercera.
GEORGINA A. CAYUELA // MURCIA
// ENTREVISTA
Un bailarín que ha trabajado con maestros de la talla de Antonio Gades, "Antonio", José
Granero, Mariemma, Pilar López, Alberto Lorca, Betty, Mª Magdalena, Juana Taft, Paco
Fernández, José Antonio, Juan Quintero, Mª de Ávila, Pedro Azorín, Felipe Sánchez, …
Damos por hecho que debe tener unas vivencias inolvidables, pero esto no quiere decir
que deba ser un intérprete excelente y cuanto menos coreógrafo. Para eso hay que
nacer, ser más que inteligente y saber enriquecerse de fuentes muy bien escogidas.
javierlatorre
24quilates
Ese es Javier Latorre. Un artista que nos está dando mucha más danza de la que vemos.
Con un buen sentido y sabiduría sobre lo que hace. Javier es Oro de 24 quilates.
Javier Latorre. Foto: Inma Puchal
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ENTREVISTA \\
CREAS ESCUELA PROPIA EN CÓRDOBA. ¿QUIENES PUEDEN
DISFRUTARLA?
Este es el segundo año funcionando solamente para profesionales y becados (nueve entre los dos cursos), de los que
la mayoría se han incorporado a diferentes montajes dirigidos
por mí o en producciones para las que me han sido requeridos.
SU COMPAÑÍA.
Tenemos previsto estrenar obra con música de Vicente
Amigo para octubre aproximadamente. Aún estamos en
proceso de elaboración. También estamos trabajando, junto
con el Gran Teatro de Córdoba, en la creación de un festival
de danza anual que irá tomando forma en breve.
¿CÓMO SURGE TRABAJAR CON EL BALLET ESPAÑOL DE MURCIA?
CONOZCAMOS A LATORRE EN SUS DIFERENTES FACETAS;
INTÉRPRETE, COREÓGRAFO Y DOCENTE.
Te puedo decir que me retiré de la escena con 40 años, por
voluntad propia, después de 35 años en ella, en los que
empecé bailando en fiestas de pueblos, salas de fiestas,
bodas, bautizos, etc. Terminé bailando en los mejores teatros
del mundo, con lo que no tengo asignaturas pendientes en
ese aspecto. Por otra parte, siempre tuve pánico a arrastrarme
por el escenario sin estar en condiciones físicas y mentales,
por necesidad o por ego. La única forma de mantener una
relación plena y satisfactoria con la danza hasta el final de
mis días era formarme como coreógrafo y como docente y
a esto he dedicado los últimos 20 años de mi vida, con la
grandísima suerte de haber trabajado con todos los grandes
referentes del pasado siglo, tanto maestros como coreógrafos.
Tras todas estas experiencias puedo decir a día de hoy, que
me he sentido igual de feliz y realizado como intérprete que
como coreógrafo al ver una obra mía puesta en pié, y como
docente al ver cómo un alumno se supera cada día y al ver
a día de hoy cómo muchos de ellos están en la primera
línea del panorama actual. Tampoco descarto la posibilidad
de, si surge la ocasión, interpretar algún rol puntual que se
ajuste a mi edad y a mi físico, sin que eso implique un
regreso permanente a la escena, lo cual descarto de plano.
Rinconete y Cortadillo. Cía Javier Latorre
Comienza a raíz de un curso que impartí en el Conservatorio
de Danza de Murcia, donde conozco a Carmen y Matilde
Rubio. La conexión con ellas se establece rápidamente y
al poco tiempo me llaman para montar "Penélope". La
experiencia resulta muy gratificante para ambas partes y
ello desemboca en el montaje de “El Celoso” con la maravillosa escenografía de Cristóbal Gabarrón y la magnífica
música de Carlos Piñana, creador también de la música de
“Penélope” y con el que me entiendo a la perfección. Lo
de remontar “Hijas del Alba” es hasta ahora, nuestra última
colaboración y para mí el mejor regalo que podían hacerme
en mi 40 aniversario con la danza y mi 20 aniversario como
coreógrafo. “Hijas del Alba” es mi primera obra y a la que
tengo, por tanto, un gran cariño. Esta oportunidad me ha
permitido, respetando el 90% de la estructura y el guión
original, actualizar el lenguaje dancístico y estético, y corregir
las cosas que, con el paso inflexible del tiempo, hubieran
podido quedar anacrónicas. Me ha permitido revivir sensaciones y evocar recuerdos de una parte imborrable de mi
vida. Por otra parte, y como siempre, la entrega y la
implicación de todos y cada uno de los componentes del
BEN ha dado como resultado una magnífica pieza tanto
técnica como interpretativa. Tengo que reconocer que la
noche del estreno fue una catarata de sensaciones para mí,
todas ellas positivas.
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// ENTREVISTA
Es complicado destacar alguna coreografía tras casi 40
obras montadas para unas 15 ó 20 compañías y productoras,
entre ballets, zarzuelas, óperas, musicales para teatro y
cine, video-clips, etc. Pero si tengo que destacar alguna,
sería “Rinconete y Cortadillo”, por el reto que supuso llevar
el humor al flamenco, por el resultado final y su reconocimiento por parte de crítica y público, y sobre todo por el
equipo inigualable del que dispuse. Por cómo me hicieron
disfrutar durante el montaje y por cómo los vi disfrutar a
todos ellos.
¿HACIA DONDE MIRA HOY JAVIER LATORRE?
Sobre mis próximos proyectos te puedo decir que voy a
colaborar a nivel de dirección escénica en el nuevo montaje
de Mercedes Ruiz a estrenar en el Festival de Jerez, después
coreografiaré parte del primer montaje de Daniel Navarro,
para continuar con uno de los proyectos más retadores y
atractivos a los que me he enfrentado en mi carrera: "Fedra",
con dirección escénica y guión de Miguel Narros, música
de Enrique Morente y con Lola Greco en el papel principal
junto a Carmelilla Montoya, Alejandro Granados y Amador
Rojas. Esta obra abrirá el Festival de Mérida y posteriormente
se pondrá en gira tanto en España como fuera del país.
Para mí, después de haber formado parte integrante de la
inolvidable “Medea”, la oportunidad de montar “Fedra” me
transporta a momentos cruciales de mi carrera y me evoca
sensaciones que presiento voy a volver a tener, ésta vez
como coreógrafo. Posteriormente, para octubre aproximadamente, estrenaremos nuevo montaje para mi compañía,
como dije antes, y para noviembre viajaré a Tokio para
montar una obra a la compañía de Shoji Kojima con música
de Chicuelo sobre la obra de Pablo Neruda, Pablo Picasso
y Pau Casals, desaparecidos en 1973 los tres.
SIN INTENTAR INFLUIR EN OPINIONES NI GUSTOS AJENOS A MI
PERSONA, QUIERO SEÑALAR QUE NO EXISTE OTRO COREÓGRAFO
TAN ACTUAL Y VIVO COMO PUEDA SERLO JAVIER LATORRE. EN
CADA UNA DE SUS COREOGRAFÍAS QUEDA REFLEJADA UNA
VERDAD MUY CLARA Y PURA. CREO FIRMEMENTE QUE ES DE
LOS POCOS QUE NO SE PIERDEN EN FALSAS FANTASÍAS CUANDO
HABLA DE ACTUALIZAR SU PROPIA DANZA.
ALGUNOS PUNTOS BÁSICOS QUE DEBEMOS CONOCER DE LATORRE.
Comienza su carrera a los cinco años bailando en teatros
ambulantesy salas de fiesta, entre otros escenarios. Entró
a formar parte del Ballet Nacional de España con Antonio
Gades como director en 1979. A las órdenes de “Antonio
El Bailarín”, director entonces del BNE, sube a la categoría
de bailarín solista en 1981. En 1984 Javier ya es bailarín
principal bajo la dirección de María de Ávila. En 1988 se
traslada a Córdoba donde funda Ziryab Danza con Nuria y
Eva Leiva. Abre su primera escuela. Entre sus trabajos como
coreógrafo destacaremos aquellos tan conocidos como “Hijas
del Alba”, su primer trabajo en Ziryab. Poeta, para el Ballet
Nacional. El Loco, también para el Ballet Nacional. Un
fragmento de 5 Mujeres 5, para “Eva la Yerbabuena”.
“Penélope” y “El Celoso”, para nuestro Ballet Español de
Murcia, y muchas más. Entre una lluvia de premios destacaremos reconocimientos tan grandes como Bienal de
Sevilla, Juana La Macarrona, Antonio, Festival de Jerez,
entre otros.
Y si esta entrevista deja enganchado a alguno de nuestros
lectores no dude pues entrar en www.latorredanza.org y
seguir investigando por su cuenta. Le aseguro que no le
decepcionará.
MIGUEL ÁNGEL SERRANO // MURCIA
Rinconete y Cortadillo. Cía Javier Latorre
¿CUAL DE TUS CREACIONES TE HACE SENTIR MÁS ORGULLOSO?
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