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Transcripción

Sabrina Amrani presenta "No one dies alone", la 2ª exposición individual
en la galería del artista coreano-americano Timothy Hyunsoo Lee.
Serenity, 2015. Neón. 62x29 cm.
“No one dies alone", reúne diversas pinturas e intervenciones, reubicando por completo la práctica del artista desde una introspección solipsística de la memoria y la conciencia traumática, hacia una recién descubierta faceta extrovertida; un proceso cognitivo dirigido hacia el exterior
-un proceso de reconocer lo existente del mundo exterior. Previamente
basado en la experiencia de la alteridad radical, el artista exploró de
manera impecable las condiciones de la inmigración y el desorden
psicológico a través de la repetición como reconstrucción -del trauma,
de la historia, de la tradición, extendiéndose casi a la abstracción, y
trazando un mapa de su mundo interior. En este nuevo corpus de trabajo, Hyunsoo Lee externaliza su búsqueda para encarnar e integrar objetos con una conciencia más alla del yo narrado, dirigiéndose al espectador desde una infinita distancia temporal.
"No one dies alone" surge de la curiosidad acerca de la concreción de la
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A Study of Serenity, and of Death, 2015. Watercolor on Arches Aquarelle paper. 113x113 cm.
existencia más allá del espacio de la conciencia, repleta como es de
incertidumbres impredecibles y riesgos, y esencialmente definida por el
horizonte temporal de finalidad, que es la mortalidad. Esta unidireccionalidad del tiempo, interrumpiendo misteriosamente el tiempo vivido y
dirigiendose a un inequívoco y certero fin, ya ausente de los procesos
internos de la conciencia pura, es rica en paradojas materiales. Estimula la búsqueda de Hyunsoo Lee para investigar la naturaleza de las imágenes como una presencia efímera del recuerdo, articulando un espacio intermedio entre la vida y la muerte.
Por medio de esta presencia, frecuentemente fantasmal y espectral, el
artista no sólo interviene en el tiempo para demorar o sortear la muerte,
sino que se pregunta si la experiencia de la mortalidad, a la que él se
torna por primera vez, es íntima o pública, una muerte en soledad, o un
movimiento dentro de una comunidad. ¿Qué papel juega la extinción
personal en la comunidad de la memoria? En su propio retrato de
muerte -una tradición en Corea, “Lotto Lotto (Farewell)” (2015), el artista
reviste su propio retrato de pan de oro que luego raya para revelar la
imagen, como si viniese de otro mundo de manera latente, o fuera a ser
descubierto en un futuro lejano, o desde una ruptura definitiva en la
simetría entre el pasado y el futuro. Con un ludismo siniestro, Hyunsoo
Lee relaciona el billete de lotería con el significado que adquiere para
los inmigrantes coreanos en los Estados Unidos de América, y la
promesa de bienestar inmediato.El sueño americano se revela como
una secuencia ambivalente de deseos colectivos, pero nunca satisfechos.
As my Breath Passes Over Me (명복) II y III, 2015. Acuarela sobre papel Arches Aquarelle. 113x113 cm. cada.
De manera similar, la cuestión acerca del sueño americano se explora
a través de la obra de neón "Serenity" (2015), en la que el artista traslada el factor humano a una inscripción comercial. Las luces de neón se
asocian, en las culturas de consumo, a las formas más dramáticas de
publicidad - su brillo hipnotizante llama a una audiencia a interactuar
con su mensaje. Para Hyunsoo Lee, desgarrado por dos culturas e
identidades, las luces de neón representan un reclamo y una serie de
recuerdos desencadenados de su primera interacción con Nueva York,
en Times Square. La palabra parpadea en un azul pálido, amenazando
con extinguirse en cualquier momento - un guiño a la fugacidad de
nuestra existencia.
También el pan de oro comienza a ocupar un lugar simbólico en la obra
del artista, con sus referencias tanto a la mortalidad como a la realeza:
uno de los ejemplos más tempranos del uso de pan de oro en el arte
está en la máscara mortuoria egipcia del Rey Tutankamon. Al igual que
en los iconos cristianos del medioevo, vemos como aquí se aplica el
pan de oro como una capa externa de memoria: todo lo que merece la
pena ser recordado, debe ser bañado en oro.
Forever Lost, Always Dreaming, 2015. Rama, textil y papel. 42x58 cm.
Asimismo, en “82 moments in gold", interviene en el artista el ámbito de
lo físico, y clava en la pared 82 clavos con sus cabezas bañadas en
oro. El número 82 representa la edad de la abuela de la artista -alguien
que ejerció una profunda influencia en Hyunsoo cuando era niño. Pero,
¿qué es un número? Depositamos valores emocionales en los cómputos -nos permiten rastrear, dominar, medir, y convertir el desorden en
orden. Pero los números están exentos de significado sin un contexto
adecuado -su significado se da únicamente cuando el cómputo finaliza. 82 sólo tiene significado para el artista porque no se trata de 83.
Bañar en oro y revelar, son metáforas en Hyunsoo Lee que reflejan el
peso objetivo de la memoria pública y cultural en términos generales,
confrontado a los sujetos y agentes de lo contingente y los recuerdos
personales. El oro representa un premio que ha de ser ganado, un
recuerdo que existe, pero que no se posee y ni siquiera es recordado.
Es un contenido objetivo puro sin un ser sensible que lo detente. En
lugar de presentarnos su interior, el artista invita al público a un viaje
entre la vida y la muerte, entre la historia y la memoria, entre los sueños
y las pesadillas, construyendo delicadas líneas en el filo de lo que
experimentamos en la vida como locura narrada. En “Forever Lost,
Always Dreaming” (2015), comenzamos este viaje mirando tanto a una
ventana como a un campo colorido, hecho a partir de un tejido nupcial
coreano, datado en 1951: algo crece y muere, renace, pasa del ser al
no-ser. ¿La posibilidad de la muerte importa? Parece haber un espacio
frágil y fino para lo sublime.
I’m so sorry (The Crusades), 2015. Acuarela sobre papel Arches Aquarelle. 113x168 cm.
El azul, sin embargo, es el énfasis pictórico central de esta exposición
-abordando sueños, aguas, cielos, y por el momento el principal lugar
de la práctica de Hyunsoo Lee, aminorando y reduciendo el campo
visual a un canal único, en el que con la posesión de conocimiento
visual por sí mismo no es suficiente para la expresión. Es necesario ir
un paso más allá. La acuarela “A Study of Serenity and Death” (2015)
ilumina la ansiedad existencial del artista a través de olas ondeantes y
Soom ySoom IV, 2015. Acuarela y barniz gloss sobre papel. 53x71 cm. y 91x96 cm.
movimientos, expandiendo el tiempo vivido a un vortex incompleto de
fuerzas giratorias. Las dos acuarelas de la serie “As my Breath Passes
Over Me” (2015) son una representación onírica del alma alcanzando
el cielo, exalando su último aliento y desapareciendo en lo desconocido de un cielo azul oscuro. Raro en el arte clásico debido a la escasez
de la azurita y el lapislázuli, pero omnipresente en la naturaleza, el color
azul ha representado simultáneamente arquetipos masculinos y femeninos, la distancia, lo divino y lo sobrenatural.
Por consiguiente, la pieza central de la exposición es la pintura de gran
escala “No One Dies Alone” (2015) inspirada en un sueño del artista en
el que observaba un paisaje idéntico desde lo alto de una colina, perdido en algún lugar intemporal. El montículo de enterramiento de los
reyes, usual en Corea y tradicionalmente asociado con la muerte en el
Mundo Antiguo, es para la obra de Hyunsoo Lee una puerta a otro
mundo, facilitado por las posibilidades de este. La obra se ubica en
una cámara oscura con hierba colocada en el suelo -una representación de entrada a las tumbas Reales, pero también una referencia a la
serenidad nostálgica que Hyunsoo encuentra en yacer en un campo de
hierba por la noche, mirando el cosmos. La tensión en azul aumenta
con “I’m So Sorry (The Crusade)” (2015), donde las formas confluyen
unas con otras sin llegar a romperse; y finalmente el clímax se alcanza
en las obras de la serie “Soom” (2015), que funcionan como campos
de color suaves, puntuados tan sólo por las formas características de
la obra del artista. ¿Qué pueden ser estas? mónadas, células, compartimentos, líneas divisorias: todas las respuestas son viables.
La presión por detener el tiempo se pone de manifiesto al volverse
invisible, arrasando todas las imágenes, todas las representaciones
posibles.
La exposición “No One Dies Alone” es un punto de origen con una referencia final irrevocable, hablando de forma meditativa acerca de círculos y ciclos, reduciendo el movimiento de las fuerzas vivas a las relaciones y formas básicas: puntos, líneas, círculos, -el legado de Kandinsky,
e invitándonos de manera casi imperceptible a habitar simultáneamente en los diferentes caminos que el universo puede ofrecer a través del
tiempo. “The Origin of the World” (2015) es una pieza de madera
encontrada, cubierta con pan de oro, semejante a un torso femenino
parecido a la obra epónima de Courbet, que señala un punto de partida singular, el universo femenino integrado en un objeto de conciencia
no de una época, sino de todas las épocas, y simultáneamente la posibilidad de la muerte en sí misma. Tan sólo se perciben líneas limpias,
traslúcidas, que casi acarrean el peso de la humanidad, ilustrada en
metáforas tomadas de la cultura coreana, pero rompiendo con todas
las culturas, al margen de todos los sistemas formales de significado,
acercándonos más y más al abismo.
¿Qué sucede cuando morimos? Simon Critchley en su obra aptamente
titulada “Very Little… Almost Nothing” ofrece una respuesta especulativa pero cautamente secular: "Somos mortales, tú y yo. Sólo existe mi
"yo" muriendo, y tu "yo" muriendo, y nada más allá. Morirás y no hay
nada más allá. Desapareceré lentamente hasta que mi corazón pare
de latir dentro de mi pecho. Hasta entonces, la urgencia de comunicar
continúa incesantemente. Hasta entonces, seguimos hablando. Después de eso no hay nada." El terror puro de la nada a la que Critchley
se refiere, atrapa la obra de Timothy Hyunsoo Lee y le cautiva, y se
contrasta con su deseo casi obsesivo por continuar hablando, por
parar la flecha del tiempo para continuar hablando en círculos y líneas,
en formas y monocromáticos.
El tiempo nos sitúa pacientemente en el abismo. Desde esta escena
primigenia de vacío, rodeada por el caos del mundo, es allí cuando
comenzamos a reconocer la consistencia del mundo, cuando lo dejamos atras.
‘No one dies alone’ Inauguración
13 Enero 2016. 19.00-22.00 horas
Contaremos con la presencia del artista.
Brunch Distrito 28004
30 Enero 2016. 11.30-14-30 horas
Visita privada para invitados ARCOdinner Sabrina Amrani
23 Febrero 2016. 19.00-22.00 horas
ARCOgallery Brunch
27 Febrero 2016. 11.30-14-30 horas
Brunch de clausura ‘No one dies alone’
28 Febrero 2016. 11.30-14-30 horas
SOBRE EL ARTISTA
Timothy Hyunsoo Lee es un artista coreano-estadounidense, que trabaja y
vive en Nueva York, EE.UU.. Nació en Corea del Sur, 1990. Su amor por el
dibujo comenzó cuando era niño, pero su decisión de dedicarse al arte
profesionalmente ocurrió durante su último año de master en Biología,
Dibujo, y Neurociencia en la Wesleyan University (E.E.U.U.). Atraído por el
estudio y el proceso creativo de hacer arte, Timothy apartó sus aspiraciones
de asistir a la escuela de medicina y alquiló un estudio en Williamsburg
después de su graduación, en el que trabaja actualmente.
La obras de Hyunsoo Lee se inspiran en temas de estigma social, identidad,
trastornos psicológicos y, más recientemente, en la espiritualidad y la
religión. El artista explora estos temas a través de un nuevo vector: pinturas
y esculturas que consisten en gran parte en marcas similares a células que
varían en tamaño, color y saturación. Sus obras son vistas como etéreas y
delicadas, pero las composiciones y el trabajo extremadamente intensivo,
marcados intensamente por repeticiones obsesivas, traicionan rápidamente
a la percepción inicial. Explorando su propia historia de trastornos de ansiedad a través de su arte, Timothy confronta y manipula sus tics y compulsiones y los canaliza en sus obras. En respuesta a su ansiedad con el arte, ha
desarrollado un novedoso sistema de mapas mentales - " una cartografía de
su psicopatología " - para estudiar una parte de sí mismo que fue lo que en
un principio le atrajo a estudiar la biología y neurología en la universidad.
El artista trabaja casi exclusivamente en acuarela y gouache, y prefiere este
medio sobre otras pinturas y sistemas debido a la naturaleza inestable de la
acuarela. El dominio de la acuarela implica principalmente la comprensión
de la interacción del pigmento con agua y la interacción de la solución con
su superficie, cada aplicación de pintura dará lugar a una marca diferente.
Por lo tanto, la acuarela impide al artista el "fusionar" detalles triviales en sus
obras.

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