Fichas 2011 - Centro Cultural Recoleta

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Fichas 2011 - Centro Cultural Recoleta
Fichas 2011
123. Centro de Investigaciones Artisticas
124. Oumar Mbengue Atakosso. Lost & Found
125. Liliana Fleurquin, Alberto Mendez, Elena Nives, Jorge Sarsale. Abstraccion contaminada.
126. Matilde Marín. Migraciones (suite)
127. Napo. París/Buenos Aires/2011
128. Imágenes e Historia. Argentina 1848-2010. Fotografía documental y Artes visuales
129. Leopoldo Estol. Más dibujos
130. Cho Yong Hwa. ¡Argentina vuela!
131. Marcolina Dipierro. Marcolina Dipierro...En ángulo
132. Daniela Aphalo. Daniela Aphalo + 1 (Instalaciones compartidas)
133. Robert Doisneau. Simplemente Doisneau. Fotografías
134. Lorenzo Amengual. Cábala Criolla
135. Córdoba en el centro. Muestra colectiva. Pintura, fotografía, arte digital
136. Oscar Grillo. Gente de londres - Ilustraciones
137. Ana Soler. Sublimado
138. Angel Yegros,Joaquín Sanchez,Matilde Marín,Luna Paiva. Paraguay Rapé. Camino paraguayo
139. Agustina Nuñez. En blanco
140. Daniel Mordzinski. Las tres orillas
141. Gianni Mestichelli. Mimos. Cuerpos sin censura. Fotografía
142. María Luz Gil. Arte, vida y geometría
143. Ernesto Berra. Diálogos
144. Mariana Ferrari/Santiago Quesnel
145. Jairo. Jairo pintor
146. Graciela Taquini.Grata con otros. La vida como obra de arte
147. Eduardo Stupia. Recortes de inventario. Collage, pliegues y troquelados
148. Juan Doffo. El tiempo es otro río
149. XIII Bienal Internacional de Arquitectura de Buenos Aires
150. Fotografía Contemporánea Argentina. Luz y poética del espacio.
151. Elisa Strada. Borombombón
152. Pla, 40 años en el arte
153. Duilio Pierri. Ulmen. El imperio de las pampas
OBRAS
Sala 4
1-M. Bedoian, s/título, 2010.2
2-J. Iriart, Como polvo de ladrillo, 2010. 3-J. L. Landet, rototipo Bandera.
6-V. G. Florido,
Serie III, 2010. 4-G. Pérsico, Notas al pie: 23 comienzos,2010. 5-V. G. Florido, s/título, 2010.6
s/título, 2010. 7- TWAIN/ S.Taccetti & N. Ibáñez Lario, Ken Burns @ CIA, 2010. 8-E. Gómez, Donde el
amor, 2010. 9-E. Aybar, La Bastarda, 2010. 10- Cooperativa Guatemalteca,La toma resistente,2010. 11O. Yanov, s/título, 2010. 12-O. Yanov, Opus de siete colores, 2010. 13-A. Gallardo, El otelo,
2010. 14-Conchetinas, Rap Nº 5, 2010. 15-M. Scafati, Casa. 1 6 -E. Alcón Quintanilha,
17- S. Pereira, Feliz primavera, 2010. 18- A. Minoliti. Activa,
Colección de piernas, 2009-10.1
2010. 19- N. Bacal, La gravedad de mi órbita alrededor tuyo, 2009. 20-V. G. Florido, s/título, 2010.
21-S. Villanueva, s/título, 2009-10. 22-S. Villanueva, s/título, 2010. 23-TWAIN/ S. Taccetti & N. Ibáñez
Lario, Hoja de Sala (Amarillo), 2010.
Sala 5
1-TWAIN/S.Taccetti y N. Ibáñez Lario, Hoja de Sala (Rosa), 2010, acr. y fotocopias. 2-L.
Códega, Companía Industria Americana, 2010, banana, lienzo, madera, y hoja de palmera. 3-F. Lanzi, s/título, 2010, acr. s/ plástico. 4-P. Massarutti, To here, 2010, Telgopor,
resina poliester y pintura sintética. 5-J. Ortiz de Latierro, Ex ferretería Hirsch, 2009, gif
animado, color, sin audio: 20 sec. 6-M. López, s/título, 2010, acr. s/ tela. 7-M. López,
s/título, 2010, acr. y látex s/ tela. 8-A. López, Limítrofe, 2010, collage de papel y cuentas, acrílico, esmalte sintético, fluorescente, y fosforescente sobre metal, con luz negra. 9A. López, Che vendido, 2010, collage de papel, acrílico, esmalte sintético, fluorescente, y
fosforescente sobre afiche publicitario con luz negra. 10-A. López, Dueño alquila, 2010,
collage de papel, acr., esm. sintético fluorescente, y fosforescente s/ metal con luz negra
11-R. Lozupone, Desigualación, 2010, Videoperformance, B/W, s/ audio: 3:50 min. 12S/epígrafe. 13-S/epígrafe. 14-E. Alcón Quintanilha, El medio es el mensaje, 2010, fotografía 35mm en impr. inkjet, cartón y soga. 15-E. Alcón Quintanilha, Retrato chicas villa
31, 2010, fot. 35mm en impr. inkjet, cartón y soga. 16-J. L. Landet, Prototipo Bandera
Serie II, 2010, óleo, laca, cera, papel, y tela sobre MDF. 17-M. Giaconi, s/título, 2010,
grafito sobre papel. 18-M. Sinclair, s/título, 2010, lona vinílica, dimensiones variable.
UBICACIÓN EN LA SALA
Sala 4
Coordinación General: Ana Aldaburu
Diseño: María Ximena
Magariños/Federico Palacios
Edición: Andrea Santapaola
Fotografía: Valeria Bortoletto
Sala 5
Disponible en:
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
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FICHAS.#123
CENTRO DE
INVESTIGACIONES
ARTISTICAS
Salas 4 y 5
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
4 de diciembre de 2010 al 23 de enero de 2011
Curador: Dean Daderko
Centro de Investigaciones Artísticas
La muestra consistirá en trabajos individuales y otros especialmente creados por
los artistas becarios del Centro en los años 2009 y 2010. El curador norteamericano Dean Daderko, a cargo de la exhibición, ha sido invitado por el Centro para
aportar su mirada fresca y altamente calificada.
Estos trabajos realizados en diversos medios – incluyendo pintura, performance,
poesía, escultura – y diferentes prácticas, ahondan en los campos visuales, lingüísticos, sociales y políticos. Sin embargo, existe un significativo lazo común: el
de compartir un programa pedagógico experimental formando una comunidad
artística donde interactúan en forma rica y permanente.
De tal modo, la exhibición dará visibilidad al ámbito de debate e intercambio propuesto por el Centro de Investigaciones Artísticas durante los últimos dos años a
través de un amplio programa, local e internacional, de cursos, talleres, seminarios, presentaciones y conferencias a cargo de artistas y académicos alrededor de
cuestiones teóricas, históricas y poéticas.
Los artistas que participaron del programa del CIA 2009 y 2010 son:
Eduardo Alcon, Mateo Amaral, Nicolás Bacal, María Bedoian, Maximiliano
Bellmann, Laura Códega, Tomás Espina, Leopoldo Estol, Guillermo Faivovich,
Victor Gabriel Florido, Ana Gallardo, Mauro Giaconi, Mariano Giraud, Estela
Gómez, Natalia Ibáñez Lario, Juliana Iriart, Barbara Kaplan, José Luis Landet,
Federico Lanzi, Alejandro López, Mariana Lopez, María Paula Massarutti, Adriana
Minoliti, Julieta Ortíz de Latierro, Renata Lozupone, Sandro Pereira, Gastón Pérsico,
Martín Piroyansky, Marisa Rubio, Mariela Scafati, Florencia Sgandurra, Hernán
Soriano, Santiago Taccetti, Leandro Tartaglia, Santiago Villanueva, Osias Yanov,
Dean Daderko es un curador que vive y trabaja en NY. Dentro de sus exhibiciones más
recientes se encuentran: 100 Artists Photograph The Future en Higher Pictures
(www.higherpictures.com) y Pièce de Résistance en Larissa Goldston Gallery
(www.larissagoldstongallery.com). Ha curado la exhibición SIDE X SIDE para Visual
AIDS, la muestra presento el trabajo y trayectoria de 5 artistas que comenzaron sus
prácticas en el momento en que la epidemia del Sida devasto la ciudad de New York
en los '80. También ha curado exhibiciones para Art in General, Artist's Space, The
Kitchen en New York y The Contemporary Art center en Vilnius, Lithuania. Sus escritos han sido de parte de publicaciones tales como: The Studio Museum in Harlem, P.
S. 1 Contemporary Art Center, El Museo del Barrio y The Australian Centre for
Contemporary Art. Como curador, defiende una práctica dedicada a establecer espacios de diálogo tanto crítico como productivo entre artistas y audiencia.
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19.Sala 4
3.Sala 4.Detalle
15. Sala 4
Instalación
UBICACIÓN EN LA SALA
2 rollos de tela de frazada de 50 x 2 m cada uno
30 triángulos baliza
1 maleta
2 cuadrados de madera uno blanco y uno negro
Distintos objetos forrados en tela de frazada
3 vestidos hechos en tela de frazada
Cintas plásticas de precaución
Sala 11
Coordinación General: Ana Aldaburu
Diseño:Maria Ximena Magariños
Edición: Andrea Santapaola
Fotografía: Andrea Santapaola
Disponible en:
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
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FICHAS.#124
OUMAR MBENGUE
ATAKOSSO
LOST & FOUND - INSTALACIÓN
Sala 11
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
16 de diciembre de 2010 al 30 de enero de 2011
Curadora: Cecilia Garavaglia
POST MODERN INMIGRANT LOST & FOUND, OUMAR
MBENGUE ATAKOSSO.
Cecilia Garavaglia. Curadora.
Oumar Mbengue Atakosso artista plástico de origen senegalés, exhibió su instalación Post Modern Inmigrant, Lost & Found, en la sala 11 del Centro Cultural Recoleta,
durante el mes de diciembre del 2010 y enero 2011.
Oumar, centra su trabajo en una investigación antropológica, sobre la inmigración
africana hacia el continente europeo.
Su mirada se centra en la pulsión que mueve a los inmigrantes a buscar un futuro mas
digno. El dejar atrás su tierra, su familia, sus creencias y cultura para adaptarse a una
situación totalmente nueva y diferente, con la esperanza de un mejor futuro.
El Deseo, como punto de partida en este viaje, que no siempre tiene un resultado feliz.
En su instalación, utiliza como soporte de su obra, la tela gris de frazada económica, que es la misma que utiliza la cruz roja para ofrecerles a los inmigrantes cuando llegan al puerto después de horas en el agua, casi como un gesto de recibimiento calido. Los
envuelve, les da calor y a la vez los protege de la situación de desamparo en la que se
encuentran. Así como Oumar cubrió la sala del Centro Cultural Recoleta, transformándola,
dándole otro sentido, creando un nuevo espacio.
Muchos elementos aparecen en su instalación, que son objetos claves en su discurso.
Una fila de triángulos balizas, este símbolo de atención, de cuidado, al cual el
inmigrante se deberá adaptar en esta nueva sociedad occidental a la cual ingresa.
Sus Gris, Gris, los amuletos de protección, que lleva cada uno en su viaje, hechos especialmente y en forma personal, que los acompañara a lo largo de su vida, casi como un
cordón umbilical que los une a su tierra madre.
Oumar nos invita a ver, a través de su obra, una realidad que no siempre queremos ver, como el occidente se enfrenta y trata a los inmigrantes y como los inmigrantes
deben adaptarse a nuevas culturas, sin que quien los recibe se adapten a ellos.
No hace falta que recordemos que muchos países africanos han sido colonias
europeas, por lo tanto no debería ser ilógico que ahora ellos busquen ser bien recibidos por
aquellos que han habitado en sus tierras, o acaso siempre tomamos y no damos? Que pasa
con el concepto de igualdad en los países del primer mundo? Con las situaciones de poder
con que someten a los más desamparados o necesitados? Con los limites?
Tantas preguntas nos plantea este trabajo, tantos interrogantes como inmigrantes intentan acceder a una calidad de vida mejor, ya que cada uno deberá ingeniárselas
para poder alcanzar su sueño, aprender un nuevo idioma, adaptarse a una nueva cultura,
hasta quizás crear una familia y comenzar a ser parte de esta cultura occidental, sin jamás
dejar de lado su corazón africano.
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Obras
1. Liliana Fleurquin, Alberto
Méndez, Elena Nieves, Jorge
Sarsale, 2007-2010, técnica mixta
sobre medidas diversas.
2. Elena Nieves, s/título 2010, acrílico s/tela, medidas variadas.
3. Liliana Fleurquin, B&N 53,
2010, técnica mixta sobre tela
4. Alberto Méndez, s/título, 2009,
tinta s/papel
5. Liliana Fleurquin, B&N 58,
2010, técnica mixta sobre tela
6. Liliana Fleurquin, B&N 57,
2010, técnica mixta sobre tela
7. Liliana Fleurquin, B&N 56,
2010, técnica mixta sobre tela
8. Jorge Sarsale, s/título, 20072010, técnica mixta sobre tela
9. Alberto Méndez, s/título, 2009,
tinta s/papel
10. Alberto Méndez, s/título, 2009,
tinta s/papel
11.Elena Nieves, s/título 2010, acrílico s/tela
12.Elena Nieves, s/título 2010, acrílico s/tela
13.Elena Nieves, s/título 2010, acrílico s/tela
14 Alberto Méndez, s/título, 2010,
tinta s/papel
15 Jorge Sarsale, serie Área de
Resonancia s-t, técnica mixta
16 Jorge Sarsale, s/título Serie No
Todos, 2009, técnica mixta sobre
tela
17 Jorge Sarsale, (detalle) Serie No
Todos, 2009, técnica mixta sobre
tela
18 Jorge Sarsale, serie Área de
Resonancia s-t, 2007, técnica
mixta, 80x80 cm de madera uno
blanco y uno negro
UBICACIÓN EN LA SALA
1
17
18
5
3
2
6
4
16
7
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11
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13
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Sala C
Coordinación General: Ana Aldaburu
Diseño:Maria Ximena Magariños
Edición: Andrea Santapaola
Fotografía: Florencia Madrigal
Disponible en:
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
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FICHAS.#125
ABSTRACCIÓN CONTAMINADA. UN ENSAYO
GRUPAL.
L I LI A N A FL EU R Q U I N, A LB E R TO M É N DE Z , E LE N A
NIE VE S, JOR GE SA RSA LE
3
14
Sala C
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
17 de diciembre de 2010 al 20 de febrero de 2011
Curador: Eduardo Stupía
2
16
ABSTRACCIÓN CONTAMINADA. UN ENSAYO GRUPAL
Eduardo Stupía. Artista visual y curador.
Al inicio de la operación alquímica se producía la negritud (nigredo), la muerte iniciática. Conseguir la transmutación a partir de formas gastadas por el tiempo no era posible.
Primero había que disiparlas para lograr luego – mediante abluciones – la blancura que
sellaba el éxito de la primera parte del opus magnum.
Andrzej Szczeklik, Catarsis, Ed. Acantilado, Barcelona, 2010
Los artistas que integran esta coincidencia provisoria, lejos de constituirse como grupo de manifiesto, han aceptado encuadrarse al amparo del carácter
impuro de la propuesta, entendiéndose “impuro” más como un programa que
como una cualidad. ¿En qué residiría esta impureza? Podría pensarse que en esta
instancia los cuatro enrarecen deliberadamente los componentes más o menos
determinantes de sus poéticas y estilos, para embarcarse en una experiencia de
transmutación que quiere encontrar en el negro y en el blanco excluyente algo de
las etapas de negritud y blancura que atravesaban los alquimistas en pos de la
materia perfecta. Recrean y replican las ¨maneras de ser¨ de la abstracción, esa
categoría muchas veces omnipresente incluso allí donde se la presume ausente,
buscando en la heterogeneidad de los recursos, y afirmados en una especie de
iconoclasta incomodidad frente a la inevitable influencia de la tradición geométrica, lo que quizás sea una nueva esencia, otra clase de iluminación –bifronte,
entre el abandono hedonista y el recato puritano en un campo de acción superpoblado.
Inventan –hay quien preferiría decir ¨descubren¨– y despliegan arbitrarios
ingresos de otras resonancias, en las que se cuelan el paisajismo, la ornamentación y la gráfica, por citar sólo algunos ejemplos, y tensan elegantemente la cuerda del equilibrio, la distorsión, el contrapunto y la ruptura, con límites y consignas sumamente estrictos, y a la vez muy productivamente laxos. Su método de
trabajo se ve rigurosamente marcado por un movimiento de constante desenfoque
y de vuelta a enfocar de los elementos semánticos, para que el campo visual sea
más bien un teatro de escamoteo y esquive antes que de revelación, no tanto una
escena eficaz sino una suma de síntomas. Desde este peculiar punto de inflexión
de sus propias trayectorias, y frente a la particular coyuntura actual de festiva
híper visualidad, ofrecen una obra renuente, endógena, que es más bien hipótesis de diversas formas de contagio, vademécum de códigos incógnitos en íntima
contaminación, donde toda fijación o perfección última se halla puesta en duda,
suspendida en una sanguínea hibrides de laboratorio, con cada pieza nutrida y
criada de manera tal de que sólo pueda respirar con aire viciado.
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5
10
11
17
Obras
1. José, ayuda a su madre, Barrio
Nelson Mandela, Colombia – Cartagena,
Colombia
2. Inabis, empleada en casa de comidas, Santiago de Cuba – Cuenca,
Ecuador
3. Marta, empleada doméstica,
Marmato, Colombia – Medellín,
Colombia
4. Teresa, escultora, Santa Marta,
Colombia – Bogotá, Colombia
5. María Cristina, estudiantes y vendedora de dulces, Bolivar, Colombia –
Cartagena, Colombia
6. Kevin, curador y crítico de arte,
Londres, Inglaterra – Santander, España
7. Lucas, analista de sistemas, Buenos
Aires, Argentina – Bogotá, Colombia
8. Rosa, empleada doméstica, Juliaca,
Perú – Ciudad de Panamá
9. Delia, acompañantes de ancianos,
Trujillo, Perú – Buenos Aires, Argentina
UBICACIÓN EN LA SALA
10. Julia, artista preformativa, Paraná,
Entre Ríos – Buenos Aires, Argentina
11. Elvira, vendedora de espumas heladas, Guayaquil, Ecuador – Cuenca,
Ecuador
12. María del Carmen, gestora cultural,
Quito, Ecuador – San Francisco, USA13.
Nacho, cineasta, Coronel Vidal,
Argentina – Buenos Aires, Argentina
14. Julieta, fotógrafa, Cipolletti, Río
Negro – Buenos Aires, Argentina
15. Patricia, asistente en casa particular, Yarumal, Colombia – Medellín,
Colombia
16. Dong, Mian, Hao, Ying y Xue, estudiantes y empleadas en Shopping,
Center
Shanxi y Spandong, China – Sidney,
Australia
Sala Prometeus
Coordinación General: Ana Aldaburu
Diseño:Maria Ximena Magariños/Federico
Palacios
Edición: Andrea Santapaola
Fotografía: Andrea Santapaola
Disponible en:
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
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FICHAS.#126
MATILDE MARIN
MIGRACIONES (SUITE)
Sala Prometeus
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
17 de diciembre al 27 de febrero de 2011
5
MIGRACIONES (suite)
Matilde Marín
Algunas historias de los personajes:
Esta obra ha sido construida durante mis viajes y aunque están presentes diversos países, pertenece fundamentalmente a Latinoamérica.
El fenómeno migratorio es hoy una realidad globalizada.
Por qué sonríen mis personajes?
Porque tienen esperanza en el país donde eligieron estar.
Porque aunque su migración sea desde un barrio a otro de la ciudad o de un país o continente. El Migrante espera siempre encontrar ese “lugar” donde rearmar su vida.
La historia de la migración es tan antigua como la humanidad, hay migraciones forzadas (las más terribles), migraciones buscadas y migraciones por necesidad económica o política.
Estos personajes y muchos otros los he ido encontrando en viajes de trabajo, a todos
los he conocido y con algunos tengo amistad a otros sólo los he visto fugazmente y
al retratarlos les he contado que era para una serie de fotografías sobre la
Migración. Todos han posado como se sentían en ese momento con sus penas y sus
alegrías.
01. José (Ayuda a su madre. Barrio Nelson Mandela, Colombia - Cartagena,
Colombia) Tiene 12 años, ayuda a su madre cocinando comiditas que luego vende
en la ciudad, vive en una población de las más conflictivas de Colombia y para él
trasladarse todos los días a un barrio adinerado es como migrar, como sentirse en
otro país. Es un extraño entre gente blanca.
02. Inabis (Empleada en un negocio de comida. Santiago, Cuba - Cuenca, Ecuador)
La encontré cuando fui a Ecuador por un viaje de trabajo. Entré a un bar y escuche
música my alegre y detrás del mostrador estaba el rostro increíble de Inabis, feliz de
cocinar todos los días comida de su tierra que la hacía sentirse más cerca de su
lugar de nacimiento. Me dijo que sólo quería eso, cocinar la comida de su tierra y
así era feliz.
03. Teresa (Escultora. Santa Marta, Colombia - Bogota, Colombia)
Una gran artista, nacida en la costa donde el calor es intenso, por su profesión y
buscando oportunidades tuvo que migrar a una ciudad montañosa fría. Su escultura
siempre de madera de la región recuerda el movimiento del agua y el gran río que
siempre miraba cuando pequeña.
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2
3
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4
UBICACIÓN EN LA SALA
OBRAS
66 dibujos acuarelados.
Sala Pasillo PB
Sala Historieta
Sala Microespacio
Coordinación General: Ana Aldaburu
Edición y corrección: Andrea Santapaola
Diseño: Federico Palacios
Fotografía: Andrea Santapaola y Carolina Santos
Disponible en:
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
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FICHAS.#127
NAPO
PARIS/BUENOS AIRES/2011
Sala Espacio Central PB 1, Microespacio y Espacio Historieta
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
17 de fébrero al 13 de marzo de 2011
NAPO, DE PARÍS A BUENOS AIRES
Hugo Caligaris. Periodista
Quien observe atentamente el cuadro que ilustra esta nota descubrirá a
Napo al centro y a la derecha, en la mitad inferior de la imagen. Es el gaucho de
bigotes y extraño sombrero que enarbola un pincel gigante. Lo rodean todos sus
personajes, y en el autorretrato se ve la bandera francesa. Antonio Mongiello, alias
Napoleón, seudónimo que acortó inmediatamente después del exilio hasta dejarlo en Napo, para no herir susceptibilidades, se fue a París hace ya 35 años, con
un bloc y una caja de acuarelas. Ya era muy conocido aquí, porque había publicado sus dibujos en todas las revistas de humor de los años 60 y 70, desde Tía
Vicenta hasta Satiricón. En Europa, en cambio, tuvo que labrarse un camino
nuevo.
Lo logró: al poco tiempo era ya parte de la elite de ese universo tan especial en el que brillaban grandes contemporáneos que fueron pronto amigos: JeanJacques Sempé, Jean-Maurice Bosc, André François, Claude Serre y el argentino
Guillermo Mordillo. Los dibujos de Napo fueron tapas de revistas y diarios europeos tan importantes como L´Express , Lui , Linus , Le Monde y La Vanguardia.
Fue miembro fundador del grupo Les Humoristes Associés, y publicó muchos
libros temáticos (El vino, La mesa , El mar, El golf , Los siete pecados capitales)
en editoriales de primer nivel, como Hachette y Nathan.
Napo está a mitad de camino entre el artista plástico y el dibujante de
humor. Cuando habla de su técnica, se ve que lo obsesiona el uso de las texturas
y el color. “No puedo imaginar mis dibujos en blanco y negro”, dice. Y ese estallido cromático es lo primero que salta a la vista de quien ve sus trabajos reunidos en una muestra.
Una vez por año, este rosarino que adora Buenos Aires, y que por eso
mismo suele sufrirla, viene de viaje a la Capital con su mujer, la también pintora
Marta Gaspar. Como no es muy afecto a los reencuentros nostálgicos, trata de
pasar inadvertido: pasea, ve a algunos íntimos y va a jugar al campo municipal de
golf, su otra pasión. Esta vez, sin embargo, ha tenido que presentarse en público. Vino invitado por el Centro Cultural Recoleta para una exposición de sus trabajos, que incluye varias series distintas: los autorretratos, el homenaje a quienes
considera sus grandes maestros (Saúl Steinberg, Oski, Molina Campos), el descubrimiento y conquista de América, los tangos ilustrados.
Precisamente hoy, a las 19, esos tangos dibujados serán presentados en
formato libro, con el título Napotango, en el auditorio del Centro. Habrá ilustraciones musicales en vivo, a cargo de otro gran amigo del dibujante, el notable
bandoneonista Juan José Mosalini.
La exposición estará abierta hasta el domingo 13 del mes próximo. Hay
muchas delicias por descubrir. Por ejemplo, en uno de los cuadros de la serie
Puro jugo de cerebro se ve a un explorador vestido como para una excursión africana, pero en el living de su casa y acariciando a un gatito. “Con un gato y un
poco de imaginación, usted puede acariciar un tigre”, dice la leyenda.
En Atravesar la crisis hay una mirada irónica sobre las dificultades financieras del año 2008: un hombre pasea sobre la cuerda floja, pero la cuerda está
cortada en el medio. El hombre trata de unir los dos extremos para seguir caminando, con lo cual se está sosteniendo mágicamente a sí mismo en el aire. Allí
se sintetiza bien el mundo de Napo: magia, humor absurdo, surrealismo, ironía,
algo de crítica social, mucha plasticidad y un fondo de permanente ternura.
Nota publicada el 25 de febrero de 2011 en LA NACION Revista
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UBICACIÓN EN LA SALA
OBRAS
Sala Cronopios
1/18 Foto gelatina de plata 1852-1928. 19.Pidal,
Vista aérea de la ciudad de Rosario y río Paraná,
2003, fot. dig. 20/21.F. de Subiría, Ciudad de la
Reserva Ecológica, 1997, Estación Retiro, 1999,
gelatina de plata. 2 2.Zimmerman, Sudestada,
Costanera Norte, Buenos Aires, 1994, gelatina de
plata. 23.Dany Yaco, Carbón, Río Turbio, Sta. Cruz,
1989, foto gelatina de plata. 2 4.Anne Marie
Heinrich, Veraneando en la Ciudad, 1958, foto gelatina de plata. 25.J. P. Minelli, Buenos Aires desde el
Barolo mirando hacia Villa Lugano, 2009, Lambda
print. 26.J. Macchi, Streamline, 2006, video, duración 2,20 minutos, música E. Rudnitzky. 27/34.Foto
albúmina y gelatina de plata, 1852-1913.
35 /50.Foto albúmina y gelatina de plata, 18801993. 51 / 7 2.gelatina de plata, 1905-1970.
73 /90.gelatina de plata, 1905-1969. 91/97.gelatina
de plata,Fotos de personalidades de la cultura.
98.Carlos Trilnick, La Pieta, 2009, – video – 7´52´.
99 /10 9.Foto digital copia tipo C, varios, gelatina de
plata. 1 1 0 /1 11.Gabriela Golder, Re ocupación,
2006-2011, video instalación. 112.Mariano Molina,
All over the wall, 2010-11 mural 1 1 3 /1 1 4.J.
Travnik,Lloys Bank,2003,Bank Boston. 1 1 5.M.
López, Esquina Roja, 2003, copia tipo C. 116.M.
Schapiro,El mar que lo trae, construcción en madera.
11 7.H. Zout, Escrache, 2000, gelatina de plata.
1 1 8 /1 3 5.Foto albúmina y gelatina de plata,
1864/1935. 136. M. J. Heras Velasco, Signo Rojo,
1986. 137/138. M. Marin, Itinerario hacia la nube,
Itinerario hacia el viento, 2006. 139. J. Aguirre. 140.
G. Sacco, Serie M2, T4, 2008 video inst. p/ Hall de
acceso a las tres salas
Sala J Imágenes e historia.
Historia política, disenso estético.
1/23 Foto albúmina y gelatina de plata, 18681911. 24. J. Del Prete, Collage, 1933, collage.
25. E. Pettoruti, Calle de Milán, 1919. 26. Yente,
Composición curvilínea 3ª, 1937. 27. J. Batlle
Planas, Radiografía paranoica, 1936. 28/42. Foto
gelatina de plata, 1919-1943. 43. R. Loza, obra
nº 205, 1947. 44. Lidy Prati, Concret A4, 1948,
óleo. 4 5. E. Iommi,Continuidad interrumpida,1949, acero y mármol . 46/61. Foto gelatina
de plata, 1913/1956. 62 M. Blaszko, Proyecto
para el Monumento al Prisionero Político
Desconocido, 1952, Aluminio. 63. E. Lisa,
Composición, temple sobre cartón. 64/65 Xul
Solar, Drago, 1927, acuarela s/papel y Tu y yo,
1919. 66/67. res. El Cacique Linares y su descendencia. 68 H. Coppola, Así nació el obelisco,
1936. 69 G. Kosice, Semiesfera, 1960
S a la C Imá g e ne s e h ist o ri a. Hi sto ri a p o lí ti ca,disenso estéticoII
1. M. Botto, Deplacement optique c, 1968, caja
lumínica, metal y acrílico. 2. L. F. Noé, Nuestro
Señor de cada día, 1964, acr. s/frag. de canvas y
madera. 3. Herrera, Marchesi, Tucumán arde,
video documental. 4. Foto gelatina de plata,
1965. 5. E. Deira, s/título, 1967, acr. 6. J. de la
Vega, Psicosomatización ’67, 1967, acr. s/tela.
7/23. Foto gelatina de plata, 1972/1982. 24. M.
Espinoza, Aaverxz, 1973, acr. s/tela. 25. C.Testa,
s/título, 1961, óleo s/tela. 26. A. Greco, s/título,
1964, collage. 27. K. Kemble, Paisaje suburbano, 1960, chapa y pigm. s/madera
28/37. Foto gelatina de plata, 1958/1973.
38. J. Le Parc, s/título, 1962-2003, panel de
madera y piezas de acrílico. 39/41. Foto gelatina de plata, 1982. 42. L. Ferrari, Espiral,
heliografía, 1982. 43/54. Foto gelatina de
55. M.
plata y copia tipo C, 1983/1999.5
Paksa, De la inestabilidad II de la serie De la
inestabilidad, 1995 esc.(metal-cuero). 56. T.
Espina, Sp & St, 2001, fot. 57/58. M.
Burton, De funcionarios y argentovirus ,
2001, dibujo. 59/67 Foto digital y copia C,
2001/2010. 68. A. Bustos, Objets in mirror
are closer than they appear, 2005, fot. 69. O.
Bony, Utopía, 1993,téc. mixta
Coordinación General: Ana Aldaburu
Diseño: Maria Ximena Magariños/Federico
Palacios
Edición: Andrea Santapaola
Fotografía: Florencia Madrigal
Sala Cronopios, J y C
Disponible en:
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
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IMÁGENES E
HISTORIAS
FICHAS.#128
ARGENTINA 1848-2010.
FOTOGRAFÍA DOCUMENTAL Y ARTES VISUALES
Salas Cronopios, J y C
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
Jueves 3 de marzo al domingo 24 de abril de 2011
Curadora: Diana B. Wechsler
IMÁGENES E HISTORIA
Diana B. Wechsler. Curadora
El desafío, el de pensar con imágenes, es el que asume esta exposición
en donde se encuentran materiales heterogéneos: fotos de procedencias y destinos diversos con producciones de artes visuales contemporáneas.
La selección de fotos fue hecha inicialmente desde el concepto de
“fotografía documental” y estuvo a cargo de un equipo coordinado por Felicitas
Luna…
… Ese mismo corpus de más de 250 piezas, aparece en esta exposición
releído y reorganizado según in principio de montaje por núcleos temáticos y a
su vez puestas en diálogo con algunas obras de arte contemporáneas, con el
presupuesto de que esta convivencia de imágenes de variados orígenes ofrezca
la oportunidad para construir otras configuraciones de nuestro presente en
donde convergen numerosos pasados que la re-significan.
Se trata de un corpus variado, que puede aparecer por su vastedad con
cierta aspiración totalizadora. Sin embargo, no es más que el vestigio de una
operación de selección y reselección realizada con el tiempo, por los hombres,
desde distintas posiciones y con diferentes propósitos, y por quienes a partir de
ciertas premisas procedentes del relato histórico sobre la historia argentina, rescataron estas “fotografías documentales” de entre la mar de fotos almacenadas
en archivos, colecciones, bibliotecas… Con ellas, la restringida selección de
obras procedentes del mundo de las artes visuales, entre las que figuran desde
instalaciones, intervenciones –site specifics– hasta lo que se define como “fotografía contemporánea”.
… Así, Imágenes e historias es entonces, una apuesta curatorial inscripta entre esos dos términos, asumiendo la complejidad de ambos, que procede no
solamente del extenso campo semántico que las implica, sino y más aún, por lo
que representa su convergencia teniendo en cuenta que a simple vista, unas y
otras podrían remitir inicialmente a lo real, y sin embargo –lo sabemos– , ni unas
ni otras garantizan verdaderamente el acceso.
La narración histórica organiza y a la vez busca interpretar el pasado, en
tanto la operación curatorial del montaje al yuxtaponer imágenes y tiempos, ensaya otros modos de relato, discontinuo, quebrado, en donde la posición relativa de
cada pieza supone a su vez su re-significación. Una y otro –la narración histórica
y el montaje de imágenes– comparten el hecho de conocer el punto de arribo de
la historia dado que participan de un tiempo presente desde donde se observa
–analiza-seleccionan aspectos del pasado, … pero una puesta que deja espacios,
intersticios entre unas y otras imágenes que son las que invitan al espectador a
completar desde su perspectiva, con su mirada –una mirada cultural, poblada de
saberes que son los que la constituyen– un relato posible, en donde se expanden
los sentidos, más allá de una narración conclusa.
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UBICACIÓN EN LA SALA
OBRAS
Dibujos, líneas, manchas, atmósferas, agujeros, intenciones y huellas.
Sala1 y 2
Coordinación General: Ana Aldaburu
Diseño: María Ximena Magariños
Edición: Andrea Santapaola
Fotografía: Myriam Suetta y Carolina Santos
Disponible
en: www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
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FICHAS.#129
LEOPOLDO ESTOL
MÁS DIBUJOS
Salas 1 y 2
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
2 de marzo al 27 de marzo de 2011
Dibujando en verano
Por Leopoldo Estol
Uno de los primeros lugares en donde sentí que podía mirar arte sin
miedo a hacerlo mal fue el Centro Cultural Recoleta. Estaba terminando la secundaria cuando en la cercanía de los muchos libros que había en la casa de mi primera novia me di cuenta que a mí me pasaba algo especial cuando me acercaba
al arte. Alguna fuerza me irradiaba cierta confianza o todo lo contrario, la sensación de que uno se asomaba a un abismo muy profundo en donde caer sin miedo.
Y recuerdo las puertas del Centro Cultural como un espacio de mucha circulación
y excitación. Pronto, fue la época en la que aparecía la revista Ramona arriba de
un mostrador y se escuchaban voces ampliadas sobre lo que pasaba en las muestras.
“Ir
al
Recoleta”
significaba
para
mí
estar
al
día.
Cuando fui invitado a exponer en sus salas, las recorrí muy bien y privilegié, ante todo, la luz. Quería unas salas con ventanas muy grandes y vegetación.
Lo alucinante fue que el Centro me las proveyó sin ningún inconveniente. Viaje a
Mar del Plata, a una casa de veraneo, y se mezclaron los ratos de tinta china con
los paseos y las zambullidas en el mar. Como dos polos magnéticos que quieren
unirse, andaba trayendo y llevando mis propios sentimientos del mar al papel y al
revés. Recuerdo que al volver a Buenos Aires, seguí con algunas sesiones de dibujos en el jardín que habita la casa de mis padres en Flores. Siento que fueron
muchas obras caprichosas las que finalmente colgamos en las salas 1 y 2 pero
me alegra al día de hoy que varios de estos papeles han seguido su camino, leímos poesía en la inauguración y hasta ¡sonó una gaita! De repente, eran las nueve
y cinco y ya estábamos todos saludándonos en la calle.
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INSTALACIÓN
UBICACIÓN EN LA SALA
1/5 Argentinos sean unidos,
5 obras en técnica mixta
6 Barrilete tradicional coreano,
instalación
SALA 10
Disponible en:
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
Coordinación General: Ana Aldaburu
Diseño:Maria Ximena Magariños/Federico Palacios
Edición: Andrea Santapaola
Fotografía: Carolina Santos y Myriam Suetta
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FICHAS.#130
CHO YONG HWA
¡ARGENTINA VUELA!
Sala 10
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
7 al 30 de abril de 2011
¡ A RG E NT I NA VU E L A !
Laura Feinsilber. Crítica de arte
La mañana en la que visité el nuevo taller de Cho Yong Hwa era gris, tan
gris como mis pensamientos, mi sentir, acerca de esta Argentina, mi
país, que no o b s t a n t e su privilegiada situación en el mundo, n o
se permite volar, soñar, despegarse de sus atávicos conceptos ligados
al pasado, incapaz de construir un presente.
Conversamos. Llegó a los 14 años de Corea, un país dividido en dos
y uno de los primeros libros que leyó fue el Martín Fierro, “….que los
hermanos sean unidos” caló hondo en su pensamiento.
Cho sabe lo que significa no volver a ver a los seres queridos, sentir la
diferencia, la discriminación y el odio impuesto entre seres que hablan
una misma lengua.
En la Argentina que admira, formó una familia, desarrolla su labor
creativa, recompensada con importantes premios.
Y Cho lanza un grito, que jamás será destemplado en un oriental de
su calibre. En realidad, nos llama a la reflexión a través del barrilete,
elemento que eligió para su actual exposición y que en Corea, nos
explica, hay una fecha en la que los elevan “para que se vaya el mal”.
Quiso ser fiel a esta simbología y utilizando un medio que domina, el
de diversas y antagónicas tendencias.
Con una técnica especial, sobre ellos pintó el sol de nuestra bandera,
hay algunos títulos legibles, no así los textos, pero sí destaca los
nombres con su tipografía característica.
La tradición ancestral, sus vivencias en el país del que decidió ser hijo
adoptivo lo han llevado a realizar esta muestra sin eufemismos, cuyo
concepto es que la Argentina se decida a volar, a soñar, que las
ideologías no nos separen.
Una charla que, al salir de su estudio, me invita a ver el sol.
Marzo 2011
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INSTALACIÓN
UBICACIÓN EN LA SALA
La muestra consta de piezas a ser emplazadas en ángulos cóncavos
y convexos junto a otras obras e intervenciones in situ y da cuenta
de las últimas investigaciones de la artista sobre las posibilidades
ilimitadas que ofrece el espacio como soporte de la obra y como
herramienta constructora. Estas obras se conforman con elementos
geométricos elementales: planos y líneas elaborados en materiales
simples, para continuar con la idea del espacio como materia protagónica más allá de la materialidad de las mismas. Para ello utiliza
formas lineales y cuerpos en madera, chapa, y barras de hierro, así
como también líneas en vinilo para la realización de un mural.
Sala 8
Coordinación General: Ana Aldaburu
Diseño: Maria Ximena Magariños
Edición: Andrea Santapaola
Fotografía: Andrea Santapaola
Disponible en:
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
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FICHAS.#131
MARCOLINA DIPIERRO
MARCOLINA DIPIERRO …EN ÁNGULO
Sala 8
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
5 de abril al 30 de abril de 2011
MARCOLINA DIPIERRO EN ÁNGULO
Marcolina Dipierro. Artista
En estos últimos años mi trabajo se desarrolla en tres disciplinas y/ o soportes
(acuarelas-témperas y animaciones e Intervenciones) y se centra en la exploración
de las características y las distintas calidades de la luz-color con sus respectivos
matices cromáticos y sombras sobre determinadas superficies, espacios y/ o
arquitecturas.
Para el caso de las Intervenciones, desde el año 2006 he desarrollado mi
proyecto Ventanas en diferentes sitios y ciudades del país. Ventanas es el inicio
de mis reflexiones sobre la intervención artística en el espacio urbano y su proyección en la vida diaria. También desde el mismo año realizo intervenciones
lumínicas en espacios específicos sobre una superficie existente, generando
situaciones de ambigua apariencia de volúmenes: reales, concretos, virtuales y/ o
ilusorios.
Ambas obras se encuadran en el terreno de la luz-color-forma, que aprovecha los cambios de punto de vista del espectador para transformarlo en un elemento de interacción en sí mismo, ya que el tiempo de observación fluctúa entre
la animación digital, los desplazamientos y recorridos de quien observa.
Dentro de esta exploración, en el desarrollo actual de mi trabajo he visto
necesaria la incorporación de elementos físicos y objetuales concretos para que
dialoguen directamente con muros y pisos en ángulos de determinados espacios
persiguiendo una idea más arquitectónica, más acoplada y articulada al espacio
expositivo.
Se trataría de “piezas objetuales” cuyas formas estructurales, intentan
emular las construcciones espaciales que ya aparecen sugeridas en mis témperas y animaciones aproximándome a una pintura que se realice y opere más allá
del cuadro. Se trata de un pasaje de la bidimensión del papel y pantalla a la
realidad tridimensional de estas piezas ajustándose a ángulos arquitectónicos
preexistentes subjetivizando las superficies y fronteras físicas del espacio, ilimitándolo formal, visual y perceptivamente.
Estas obras se conforman con elementos geométricos elementales: planos y líneas elaborados en materiales simples, para continuar con la idea del
espacio como materia protagónica más allá de la materialidad de las mismas.
Para ello utilizaré formas lineales y cuerpos en madera, chapa, y barras de hierro, así como también líneas en vinilo para la realización de un mural en uno de
los extremos de la sala.
Esta propuesta de muestra con piezas a ser emplazadas en ángulos cóncavos y convexos de estas salas del Centro Cultural Recoleta junto a otras obras
e intervenciones in situ, da cuenta de mis últimas investigaciones en las posibilidades ilimitadas que ofrece el espacio como soporte de la obra, como herramienta constructora.
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INSTALACIÓN Y PERFORMANCE
UBICACIÓN EN LA SALA
Objetos del taller de la artista: valijas, videos, música, objetos,
fotos, dibujos, cosas recuperadas o encontradas, mesa, silla,
hamaca, cama, mesa de trabajo ubicados y reubicados en sala.
Sala J
Coordinación General: Ana Aldaburu
Edición y corrección: Andrea Santapaola
Diseño: Maria Ximena Magariños/Federico Palacios
Fotografía: Andrea Santapaola y Carolina Santos
Disponible:
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
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FICHAS.#132
DANIELA APHALO
DANIELA APHALO +1
(INSTALACIONES COMPARTIDAS)
Sala 11
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
7 de abril al 30 de abril de 2011
INSTALACIONES COMPARTIDAS
Daniela Aphalo. Artista
(*)Este texto se va escuchando en off mientras entro en la sala 11 del CCR. La sala
esta oscura y yo llevo una lámpara con una luz azulada y camino lentamente hacia la
obra de la jaula con la pecera con las 4 sillas enfrentadas. Cuelgo la lámpara que se
introduce en el agua e ilumino la escena. Las luces de la sala se encienden.
Esta es la performance de iniciación de la muestra.
Es la primera participación. Daniela Aphalo + Ricardo Holcer ( amigo y director teatral)
Daniela Aphalo + 1 consiste en invitar a amigos, mi hermana, mi tia, artistas, y al
público que visita la muestra a intervenir lo que esta instalado, moviéndolo y transformándolo. También invito a que traigan algo propio para incorporar al espacio.
Hay dos instalaciones. Una corresponde a un proyecto que quedó interrumpido al
momento de mi partida en 1993. Esta instalación es un recinto con fotos y bocetos
en blanco y negro. Sillas, camas, objetos del mundo de casa. Los materiales: vidrios,
cinta adhesiva y estructuras de hierro oxidado. Pedazos y restos. La memoria histórica biográfica y la memoria de un proyecto artístico interrumpido.La otra instalación es
En este universo están las obras que hice en Nueva York cuando me dedicaba a la
escenografía y luego a la música, trabajos hechos desde que volví, fotos familiares,
partituras, dibujos, libros, cosas atesoradas que siempre irán conmigo.
Todo esta instalado sobre estructuras, cajas, mesas que encontré, cosas que me dieron o saqué de lugares abandonados o recogí de la calle. El espectador tiene que
“encontrar” las obras en un recorrido que lo obliga a entrar en mi intimidad y mi aparente desorden
El hecho de que yo estoy presente hace que el permiso se libere. Mi invitación a participar es abierta y los dejo entrar.
Hay charlas, espontaneidad y sorpresas permanentes
La gente participa y la experiencia es maravillosa
Me interesa el contacto en vivo y el arte vivo y en la vida cotidiana
Vinculo-Afectividad-Movimiento permanente del espacio y la obra
Hay música, performance, acciones, poesía, charlas, proyección de fotos y encuentros. Muchas fotos.
mi taller/dormitorio. Mi “desorden” es mi espacio afectivo y donde los invitados entran
e intervienen.
Las participaciones y modificaciones que se fueron realizando se
pueden ver en el blog: www.danielaaphalo.blogspot.com
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Obras
UBICACIÓN EN LA SALA
137 fotografías originales destacan la mirada humanista de Robert Doisneau
sobre los suburbios y su gente, los chicos, la guerra, el París de la posguerra y
también… los besos.
Listado de obras: disponible en CeDIP
Coordinación General: Ana Aldaburu
Diseño:Maria Ximena Magariños
Edición: Andrea Santapaola
Fotografía: Florencia Madrigal y Myriam
Suetta
Disponible en:
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]oleta.org
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FICHAS.#133
ROBERT DOISNEAU
SIMPLEMENTE DOISNEAU
Fotografías
Sala Cronopios
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
13 de mayo al 26 de junio de 2011
Curadora: Agnés de Gouvion Saint CyR
Confieso que he mirado: Una muestra que exhibe lo
mejor de la fotografía de Robert Doisneau y su agudo
registro del siglo XX
Publicado en La Nación Revista el 29 de mayo de 2011
Ternura y complicidad en la expresión; iluminación suave, y proximidad a los sujetos
fotografiados en la técnica: así describe la curadora Agnès de Gouvion Saint-Cyr las
bases de la fotografía de Robert Doisneau, muchas de cuyas obras pueden verse en estos
días en el Centro Cultural Recoleta.
“A su manera humana y perspicaz, fue el testigo privilegiado de una época que
asistió al avance de París sobre los mismos suburbios, devorando la campiña y transformando al campesino, a pesar suyo, en ciudadano”, escribe de Agnès de Gouvion SaintCyr en el catálogo de la exposición. Contemporáneo tanto de los fotógrafos que de la
mano de agencias como Magnum llevaron a su máxima expresión el fotorreportaje como
de quienes, influidos por el surrealismo, discutían la capacidad de la fotografía para traducir la realidad, Doisneau se destacó por su trabajo con el detalle y una tenaz empatía
con el universo humano que elegía retratar. Testimonios de un mundo ya desaparecido,
en sus imágenes la fragilidad es belleza. Y la belleza, una sutil forma de la piedad.
Europa en Blanco y Negro
El artista supo interpretar el impacto de la modernización, su carga de esperanza y tragedia. Desde la alusión al desamparo a través de un caballo exhausto, hasta la
pequeñez y vida cotidiana de los niños de los suburbios frente al avance de la industrialización
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UBICACIÓN EN LA SALA
OBRAS
96 obras en técnica Grattagge: tinta china s/cartulina enyesada
raspada
41
69
68
96
15/27
39
29/38
28
14
2/14
1
Espacio Historietata
Coordinación General: Ana Aldaburu
Edición y corrección: Andrea Santapaola
Diseño:Maria Ximena Magariños/Federico Palacios
Fotografía: Andrea Santapaola y Carolina Santos
Disponible en:
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
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LORENZO
AMENGUAL
CÁBALA CRIOLLA
Espacio Historieta
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
13 de mayo al 5 de junio de 2011
FICHAS.#134
CABALA CRIOLLA
Lorenzo Amengual. Artista
..."Conservo una pequeña tarjeta que me regalaron en una agencia de lotería en
Buenos Aires. En ella, impreso con letra apretada se puede leer un singular listado donde figura el nombre clave de cada uno de los cien números que forman el
universo de la quiniela. La tenía conmigo en 1991, año que vivi en Alemania. Alli
comencé a dibujar estas ?guras, me interesó registrar lo que creía una expresión
de nuestra cultura popular, esa "cultura subalterna" que para poder permanecer
tiene que esconderse.
Escribí entonces: "en Buenos Aires hay cien nombres que, al igual que un cuchillo, pueden perder o salvar a un hombre para siempre. Los necesita el juego para
existir, nacido clandestino cada nombre esconde un número. Bautizados en el
conventillo inmigrante e incorporados a la jerga del hampa, figura y número fueron susurrados en voz muy baja por el turco, soñados por el napolitano o rezados
por el gallego y el judío, que apostaban su moneda para ganarle a la miseria.
Algunos de estos nombres son metáforas, otros descripción canalla. Sin poesía,
estos mensajes secretos no se deben descifrar como en la antigüedad, leyendo el
higado de los toros sacrificados en la hecatombe, sino percibiendo con fineza e
interpretando las señales mínimas que emiten las cosas vistas o soñadas. Así,
cada número develado desata la fantasía de poder vivir la gran vida tras un golpe
de fortuna y la contrasta con la verdad fatal pero esperanzadora del proverbio que
afirma: "pocos pobres lo consiguen".
Veinte de estos dibujos fueron hechos en Berlín en 1991. Allí me encontré con
la cartulina enyesada, un material gráfico en desuso inventado el siglo pasado
para facilitar la ilustración publicitaria. Tal soporte permite realizar xilografias falsas, "truchas", una posibilidad provocadora e irresistible para todo argentino;no
pude evitar utilizarla.
Retomé y concluí estos dibujos en 2008. En estas imágenes he citado algunos
de los dibujantes que admiro, mis maestros e interlocutores. En ellos me apoyé
para intentar definir esa "materia oscura" que es el dibujo, son: Topor; Ungerer;
Steimberg; Sirio; Páez; Stupia; Divito; Palacios; Calé; Noé; Sergi; Hedelman;
Scafati; Sabat; Eguía; Gramajo Gutierrez; Oski;Alonso; Quino y muchisimos
otros.
Mi orgullosa ignorancia me hizo equivocar, le di identidad porteña a estos nombres, pero a poco de investigar, descubrí que su clave está en la smorfia, representación simbólica de la adivinatoria napolitana y joya de su cultura popular, a
la cual había echado mano sin pedir permiso. Smorfia deriva de Morfeo, el
nombre del dios griego que, en tiempos míticos, cuando los sueños eran portadores de mensajes reveladores, protegía al durmiente.
Este legado simbólico ancestral fue transmitido oralmente por sucesivas generaciones de sabios analfabetos. Emigró a América en la memoria de los transplantados y al igual que ellos tuvo que adaptarse para sobrevivir. Con la ayuda de
gallegos, polacos y algunos indios ranqueles se le agregaron diez nuevos significados, tantos como los números que necesitó sumar el lotto europeo para renacer aquí transformado en quiniela.
A esta smorfia desesperada, adulterada, nuestra, bauticé "Cábala criolla". Deseo
que estos dibujos, que también hablan de nosotros, puedan agregarle gusto al
guiso del que formamos parte, ese locro reseco que se mantiene tibio en la
cacerola salvajemente maltratada pero firme de nuestra patria sojera, condenada al éxito sin piedad alguna.
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OBRAS
S AL A J
1 C. Camilioni, Atardecer, 1916, óleo s/tela. 2 A. Pedone, Los Burritos, 1931, óleo s/tela.
3 A. Bustos, Nudo vial, 2004, fot. color - T/D. 4 E. Berra, Sobre las Altas Cumbres, 1987,
técn.mixta s/papel. 5 M. Ocampo, S/t, 1990, acr.s/tela. 6 C.Alons, El Manzano, 1987,
acr.. 7 R. Menas, Amarillo, 2010, acr. s/tela. 8 M. Coutaret, Las Caleras, Dumesnil,
1938, óleo s/tela. 9 M.Bonevardi, Astrologer's table, 1964, pint. s/madera y tela. 1 0 M.
Acosta, Espejismo, 2009, óleo y acr.s/tela. 1 1 H.Aveta, MNBA, 2006, fot. 1 2 J.Malanca,
La primavera, 1949-1954, óleo s/tela. 1 3 A. Asseff, S/t, 2010, fotog. dcta. 1 4 A.
Bonome, Paisaje de Córdoba, 1947, óleo s/tela. 1 5 D. Cuquejo, Por Sobre la Cañada,
1988, téc.mixta s/tela. 16 J. de Monte, S/t, 1969, óleo s/tela. 1 7 E. Farina, Terrazas y
Cúpulas, s/f, óleo s/ hardboard. 1 8 R. Viola, S/t, Ca. 1945, óleo s/tela. 1 9 O. Pinto, El
aguaribay, 1917, óleo s/tela. 2 0 J. Romano, De la serie Paisajes construidos: Verde,
2010, collage digital impreso s/blackout. 2 1 / 2 2 R. Ferreyra de Roca, Paisaje de
Calamuchita, s/f., acuarela. 23 J. Utrera, Paisaje, s/f, acuarela s/papel. 2 4 J. Carrega Núñez, Paisaje,
s/f, temple s/papel. 2 5 O.Payen, El abrojal, 1945, oleo s/cartón. 26 Lino E. Spilimbergo S/t,
s/f, acuarela 27 J. Benito, S/t, técn. mixta. 2 8 A.Asseff, Ávávxn,fot. directa
S AL A C
1 H. Mossi, Córdoba en 1895, 1895, óleo s/tela. 2 M. Pascual, San Martín al 300, 2007,
fot. impresión Lambda. 3 M. Pascual, San Martín al 400, 2007, fot. impres.Lambda. 4 Fray
G.Butle, Claustro de Santo Domingo, 1924, óleo s/tela. 5 G. Pérez, Escenas de Costumbres,
1888, óleo s/tela. 6 E. Caraffa, S/t, 1891, óleo s/tela. 7 E. Caraffa, Vista de la Ciudad de
Córdoba, 1891, óleo s/cartón. 8 E.Caraffi, Paisaje,1891,óleo s/cartón. 9 R.Díaz, Amontonados,
2011, resinas -pigmentos. 1 0 / 1 3 Res (R. Stolkiner), Yo cacto, 1995, 4 fotog. 1 4
R.Fierro, Globo Rojo, 2008, fotog. dcta. 1 5 H. Mossi, Vista del Lago San Roque, 1901,
óleo s/tela. 1 6 M. Á. Budín, Paisaje de Las Sierras Grandes, 1944, óleo s/tela. 1 7 M. Á.
Budini, Lago San Roque, 1942, óleo s/tela. 1 8 F. Allievi, Presagio, 2008, grafito y lápiz
color s/papel. 1 9 F.Allievi, El Primer Indicio, 2008, grafito y lápiz color s/papel. 2 0 G.
Oberto, S/t, 2010, acr. s/tela. 2 1 J. Aguilera, La Curtiembre, Ca. 1945, óleo s/cartón.
2 2 A. Segui, El nubarrón (¿Vamos al Pan de Azúcar?), 1966, óleo y collage s/madera. 2 3
O. Suárez, Cancha Rayada, 2005, acr. s/tela. 2 4 Arguello Pitt, S/t, 2004, téc. mixta
s/madera. 2 5 R. Onofre Fratichelli, Paisaje, 1984, acr. s/tela. 2 6 J. Horacio Córdoba,
Mujeres en el Río, 1960, óleo s/tela. 2 7 F. Fader, Regando la Huerta, Ca. 1920, óleo
s/tela. 2 8 N. Mangiante, Caraffa, 2011, Grafito s/fotografía edición 1/5. 2 9 O. Palamara,
S/ t, s/f., óleo s/tela. 3 0 A. Bustos, Objects in mirror are closer than they apear, 2005,
fot.. 3 1 W. de Navazio, Paisaje, S/f, óleo s/tela. 3 2 P. Scheibengraf, S/t, 2003, óleo
s/tela. 3 3 M. Torreta. 3 4 H. Álvarez, La Tormenta, 1948, óleo s/tela. 3 5 G.Wendel, El
Hijo Prodigo, 2003, acrílico s/tela
UBICACIÓN EN LA SALA
SALA J
Coordinación General: Ana Aldaburu
Diseño: Maria Ximena Magariños
Edición: Andrea Santapaola
Fotografía: Florencia Madrigal y Carolina Santos
SALA C
Disponible en:
www.centroculturalrecoleta.org
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FICHAS.#135
CORDOBA EN EL
CENTRO
MUESTRA COLECTIVA - PINTURA,
FOTOGRAFÍA, ARTE DIGITAL
Sala J y C
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
13 de mayo al 12 de junio 2011
Curadores: Alicia de Arteaga y Tomás Ezequiel Bondone
8. Sala J
ELOGIO DEL PAISAJE
Alicia de Arteaga. Periodista y curadora
A finales de la primavera, el paisaje tiene tonos dorados de diversos tintes,
verde-oro; amarillo-oro; rosa-oro; y, de la misma manera, bronce, cobre.
Y esto combinado con el azul, desde el profundo cobalto brillante
del agua, al cobalto del nomeolvides.
Carta de Vincent van Gogh a su hermano Theo, Arlés 1989.
Córdoba en el Centro nació de una conversación informal con Claudio Massetti, director del Centro
Cultural Recoleta, en oportunidad de la celebración del Bicentenario. El calendario corrió más rápido que la
realización del proyecto, y acá estamos, en mayo de 2011, dispuestos a celebrar el arte de Córdoba a travésde aquellos artistas que hicieron del paisaje materia primera y tema de sus obras. No se trata de un racconto histórico, ni pretende ser un panorama exhaustivo,aunque la idea de panorama prevalece y, también,
la puesta en valor de artistas mayúsculos, pintores de fuste, tildados caprichosamente de anacrónicos, por
ser fieles a su condición de artistas mediterráneos, sensibles a la naturaleza que se imponía con argumentos propios.
Córdoba en el Centro es uno de los registros posibles, la suma de miradas singulares en el cruce
de medio centenar de pinturas, fotografías y dibujos, procedentes de colecciones públicas y privadas. El conjunto cubre dos siglos y distintas maneras de mirar el paisaje, esta es la trama que hilvana con recursos y
técnicas diversos, una geografía cargada de sentidos y colores, como el Arlés de Vincent van Gogh.
Para los artistas cordobeses, desde Genaro Pérez y Caraffa, hasta Marcos Acosta y Ananké Assef,
lo que sucede alrededor importa y define. Hay diálogos previsibles y otros inesperados. Subrayar este contrapunto diacrónico de estéticas, a partir de un territorio compartido, ofrece asociaciones sorprendentes,
como el registrado en la tapa y contratapa de este catálogo, entre la magistral pincelada de Antonio Pedone
y el desparpajo del registro urbano con memoria pictórica de Adriana Bustos.
Córdoba en el centro es, también, un homenaje que rindo como cordobesa a nuestros pintores;
respetuosos de los cánones; afianzados en lo suyo, «al ritmo quieto del terruño», y cito a Guillermo
Whithelow. A partir del núcleo formal heredero del impresionismo, con las figuras señeras de Caraffa y
Malanca, el recorrido hace escala en el realismo onírico de Coutaret, rico en sonoridades mágicas cercanas
al mundo de la mexicana Remedios Varo; en la pincelada suelta de Elogio del paisaje Olympia Payer, primera artista mujer reconocida en el ruedo provinciano, y en la visión mansa y renovada del gran acuarelista que
fue Cárrega Nuñez.
Reunir y seleccionar los cuadros para esta muestra, con la colaboración de Tomás Ezequiel
Bondone, hoy director del Museo Evita - Palacio Ferreyra, ha sido la oportunidad de volver a mirar el Unquillo
de Spilimbergo y Alonso; la naturaleza achaparrada bajo los soles impiadosos de Ischilín, según Fader; el
Pan de Azúcar por Antonio Seguí, casi un preludio impensado del universo abigarrado de Mateo Arguello Pitt;
los suburbios metafísicos de «Beppi» de Monte y la imagen congelada del río serrano en las fotografías de
Rodrigo Fierro.
Ernesto Farina trae de Europa en los tempranos cuarenta una imagen de modernidad a la que
adhieren Cuquejo, Bonevardi, Seguí, el melancólico Palamara -para quien Jorge Baron Biza, lúcido como
pocos, reclamaba un justo reconocimiento-y, más cercano en el tiempo, el paisaje de la ciudad en el preciso trazo del ilusionista del dibujo, Fernando Allievi.
El paisaje en Córdoba cobra protagonismo por su cambiante topografía, por la cercanía de las sierras, la secuencia cromática de las estaciones, el caprichoso recorrido de los arroyos cristalinos. El horizonte no es la línea infinita de la pampa, de la que sacó tanto partido Eduardo Sívori, instalado en la atalaya de
la ciudad-puerto, faro que se empina entre dos pampas, la llanura y el inmenso río color león.
El puerto acerca a Buenos Aires otras visiones e inquietudes, mientras la ciudad
crece desmesuradamente por impulso de la inmigración, a tal punto que, en 1910, casa dos minutos se
anota un inmigrante en la Gran Aldea.
Córdoba, recostada en su larga siesta, mantiene la tradición iniciada por los maestros en cuya
huella abrevan los Oberto, Aveta y Mangiante, entre tantos otros, atentos al ejercicio inapelable de mirar con
otros ojos las mismas cosas.
Las estaciones que guían los pinceles de Malanca; las cortadera briosas en la pincelada de
Ocampo y Ferreyra de Roca, propias de una vegetación poblada de mistoles, molles, piquillines, chañares,
algarrobos hasta la pusa azul del majestuoso y protagónico sauce de Octavio Pinto, prodigioso pintor, diplomático y poeta.
Córdoba en el centro rinde homenaje a los maestros, que hicieron escuela dentro
y fuera de las filas del arte. Muchos de ellos fueron profesores del prestigioso Colegio Montserrat y del Normal
Alejandro Carbó; otros ilustraron las páginas de matutinos Los Principios y La Voz del Interior.
Mientras dure esta visita de Córdoba al Centro Cultural Recoleta habrá oportunidad de recordar
los salones de Pipino y Márquez, y de Gutiérrez y Aguad,
las bienales de IKA, la Fundación Roggio y el aporte de Fiat Concord cuando le encargó a de Monte, el
Hopper cordobés, que pintara los vagones de los ferrocarriles.
Otro tiempo y una tradición que este puente entre dos siglos quiere recuperar,
para proyectar al futuro el arte de Córdoba desde las salas J y C, del más visitado
de los centros culturales de nuestro país.
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22. Sala C
25. Sala J
Obras
GENTE DE LONDRES
Una colección de fotos a la sanfasón por Oscar Grillo (Londres 2011)
Sala 4
Técnica: tinta china, crayones y pasteles sobre papel rantifuso
1. A Londoner in summer, 2010. 2. Zebra crossing, 2010. 3. Bouncers, 2011. 4. School kids browsing adult magazines at WH Smith’s, 2010. 5. Eros, Piccadilly Circus, 2010. 6. The beggar at D’Arblay street, 2010. 7. Barmaid
at the Coach and Horses, 2010. 8. The “Howmany”, 2006. 9. Handling the tomato, 2006. 10. The Stalls in a
Multiplex Cinema, 2010. 11. Man eating a sandwich larger than his head at the bus stop, 2010. 12. Restaurant in
the City, 2011. 13. Cops (One is a Sikh), 2010. 14. The one legged man shopping for trousers at Marks and
Spencer, 2010. 15. Urban fox in South Kensington 2010. 16. Youngster walking a dangerous dog, 2010. 1 7. Two
foxes fighting for a bag of rubbish under my bedroom Windows, 2010. 18. Busker in Tottenham Court Road, 2010.
19 . Homeless man and a dog, 2010. 2 0. The kid listening to rap at full volume in the train, 2010. 21. In the pub,
2010. 22. Couple in a Classy Joint, 2011. 23. Man in the Central Line, 2010. 24. Homeless in Soho, 2010. 25.
Woman and child terrorised by a escalator, 2010. 26. Two platform sweepers shouting, 2010. 27. Gay Club, Soho,
2011. 28. Homeless man asleep, 2010. 29. Old man in the pub, 2010. 30. Gay Club 2, 2011. 31 . Trained Falcon
Catching a Pigeon in Trafalgar Square, 2011. 32. Man singing in the train, 2010. 33 . Fook Hing Chinese Restaurant
– Food to take away, 2010. 34. Snow in Gordon Road, W5, 2010. 35. Cricketers in Kew Green, 2010. 36. The
Turner Prize, 2010. 37. Domino players in Goldborne Road, 2010. 38. Russian tourists in Mayfair, 2010. 39.
Tourist crossing Abbey Road’s zebra crossing, 2010. 40. The man with a hairy back in Walpole Park, 2010. 41.
Street smokers in the City, 2011. 42. Me walking in the high street, 2010. 43. Traffic warden with a balaclava in
Marylebone Road, 2011. 44. Woman with a child in a McDonald’s, 2010. 45. Bikers’ Café in N.W.10, 2011. 46.
Saturday night tarts, 2006. 47. A full English breakfast at Mario’s, Soho, 2010. 48. The idiots who feed pigeons in
51.
Haven Green, 2010. 49. The kebab eater of West Ealing, 2006. 50. Polish people in Ealing Broadway, 2010.5
Publicidad de los marcos de toda la muestra “Taller de la rivera”
Sala 5
1. The well mannered beggar in Queensway, 2010. 2. Chinese visitors taking photographs on Marx’s grave – Highgate
Cemetery, 2010. 3. The chips eater, 2010. 4. Jazz at Pizza Express in Soho, 2010. 5. Edgware Road, 2010. 6.
Inner City kids, 2010. 7. Mario Cavalli, artista invitado, Formas y tamaños en Stockwell, 2004, apunte a lápiz. 8.
Dave Mckean, artista invitado, Tango Tinta y Grafito, 2011. 9. Matt Cruickshank, artista invitado, Sábado en el
Parque de Richmond, 2011, Adobe Illustrator.. 10. Summer in London, 1995. 11. Long shadow (Portrait), 1995.
12. Soho Square in summer. Great diversity of colours of exposed flesh in the sunny days. Soho Square, 1995.
13. Wimbledon, 1995. 14. Dawn choros, 1995. 15. Languages, 1995. 16. Sunbathers, 1995.. 1 7. Trouping the
colour, 1995. 18. London Scene, 2011, video de Pablo Grillo. Sonidos de Londres, 2011 Collage sonoro y musical
por Miguel Rosas Cobian. 1 9. Sandals (Portrait), 1995. 20. The sandwich eater of the Bakerloo Line, década del
90. 21. The farting tramp, década del 90. 2 2. Card playing Sikhs, 1989.
23. Two people trying to solve the same crossword puzzle – Central Line, 1993. 24. The bully and the lady, década del 90. 25. Mice, década del 90. 26. The race to the empty seat, década del 90. 27. The hungry beggar and the
fish, 1991. 28. Outpatients’ waiting room at the Charing Cross Hospital, 2010. 29. Summer in London – Sunday in
the park, 2010. 30. A London’s suburban garden party, 2010.
Sala 4
Sala 5
Disponible en:
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
Coordinación General: Ana Aldaburu
Diseño:Maria Ximena Magariños
Edición y corrección: Andrea Santapaola
Fotografía: Valeria Bortoletto
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FICHAS.#136
OSCAR GRILLO
GENTE DE LONDRES - ILUSTRACIONES
Sala 4 y 5
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
19 de mayo al 12 de junio de 2011
Sala 4 - 5
GENTE DE LONDRES
Chips Hardy, Creative Director at JWT
Londres encierra todo tipo de ironías y contradicciones. En realidad es
una ciudad de paradojas, con una lógica interior sin tiempo y, en apariencia, sin
sentido. Es posible que haya sido precisamente eso lo que atrajo a Oscar. Sin
duda es algo que identifico en estos íntimos estudios, cada uno de los cuales es
el resultado de una fina y humana observación, hábilmente situada dentro del
vasto torrente de la vida en una ciudad capital.
Londres es una ciudad que se alimenta de su diversidad y a través de la
cual fluyen tanto un gran río como sus multitudes. Cuenta con suficiente extensión y experiencia como para dar espacio a los que buscan el éxito o un santuario, el anonimato o el olvido, sean quienes fueren. Sobre la fachada del No 23 de
Brook Street, en Mayfair, una placa anuncia que Handel vivió allí; al lado, en el
No. 25, otra placa dice que esa fue la residencia de Jimi Hendrix; fueron vecinos
a través de los siglos, y esa conmemoración, inexpresada pero rica en ramificaciones, es típica de Londres.
Marx, Freud, San Martín, Ghandi, Pavlova, Bolivar, Van Gogh, Ho Chi
Minh y Lily Langtry, todos ellos encontraron su nicho particular, tal como lo hicieran ingentes millones de habitantes menos renombrados. Es así como Londres elimina las diferencias sociales. Se puede tener una provenencia pero encontrarse
con otra muy diferente en una ciudad que tanto recibe con aceptación como con
indiferencia y a menudo las dos cosas al mismo tiempo, pero Londres, si le das
tiempo, te envuelve.
Siempre se ha dividido en aldeas. Quien haya pasado algún tiempo allí
sabrá de la ferocidad tribal de esas poblaciones. Una vez, un doctor que vive en
Primrose Hill, North London, me dijo que el consideraba Francia a cualquier lugar
al sur de Hyde Park. Yo nací en Ealing, en el oeste de Londres, pero he pasado
más tiempo en una rápida visita a Gazza que en el este de Bermondsey, de donde
vienen mis padres. De alguna manera la distancia resultó demasiado grande.
Londres, por lo tanto, puede considerarse como una madre simbólica de
millones o como una confederación de pequeños feudos, coloridos y auto definidos. No debería funcionar pero hace siglos que funciona. Es la posteridad construída sobre una gran variedad de paradojas.
Y Oscar ha ofrecido aún más. Para mí sus dibujos personifican un afecto humano a menudo ultrajado, una mezcla de exasperación y compasión;
representan situaciones cotidianas absurdas y cálidas evocaciones de seres
humanos simplemente haciendo sus cosas. Esta evocación del absurdo humano y del esfuerzo humano se encuentra en el centro de la vida londinense y
Oscar, como siempre, la ha capturado a la perfección.
He conocido a Londres por un poquito más de lo que he conocido a
Oscar (nos encontramos por primera vez hace apenas treinta años), pero creo
que se llevan extremadamente bien. Oigo a Oscar explotar de la risa o de la
indignación al leer eso. Londres, por supuesto, esperará a ver qué pasa
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Sala 4 - 39
Sala 4 - 42
Sala 4 - 35
UB IC AC IÓ N EN L A SA L A
OBRAS
5
Acuarelas sobre papel y calados de madera pintados con esmalte
sintético.
6
7
8
9
10
4
3
2
11
12
13
1
Disponible en:
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
Coordinación General: Ana Aldaburu
Edición y corrección: Andrea Santapaola
Diseño: Maria Ximena Magariños/ Federico Palacios
Fotografía: Andrea Santapaola y Carolina Santos
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ANA SOLER
SUBLIMADO
Sala 1 y 2
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
17 de junio al 10 de julio de 2011
F ICHA S# 1 37
SO L VE E T C O AGUL A
Guadalupe Wernicke. Poeta y Lic. en Sociología
Ana es un nombre común. Ana es la madre de una virgen. Pero antes leyeron el
título de la muestra: Sublimado. Oliverio G., en el epígrafe de su primer libro,
escribió: "Ningún prejuicio más ridículo que el prejuicio de lo sublime". Pero algo
que ya está sublimado probablemente ya no tenga que ver con lo sublime. Los
juegos tontos de palabras llegan rápido y también rápido los olvidamos esperando leer otra cosa.
Recorremos la sala. Los recortes.
El pasillo A y el pasillo BLos que no la conocen a Ana no entienden bien si se trata de la misma cosa. Pero
sí y tampoco resulta tan hermética la evidencia. Como dicta una máxima alquímica del s.VIII a.C.: "Ardua tarea es penetrar en las cualidades reales de cada
cosa". No voy a escribir un texto sobre alquimia, me voy a concentrar en una de
sus fases: la sublimación. Como me dijeron, esta fase (que en verdad puede variar
de nombre, como podríamos haber variado nosotros si nuestros padres hubieran
amanecido ese día con un humor de Clara a secas, sin Ana, de Fernanda, en vez
de Guadalupe, ya saben, etc.) requiere de un proceso de purificación y clarificación (por eso Ana, tal vez, tuvo que ser Clara, necesariamente, para el día de esta
muestra) por el cual el espíritu volátil es extraído de la materia impura o cuerpo.
"Destilación" es uno de sus sinónimos simpáticos y suele contraponerse a la "fijación" o "coagulación".
Miramos la pared, lo que se superpone a la pared, una obra recortada: disuelta
de su supuesta pertenencia a algo que no está ahí como unidad pero sí
como ilusión de algo inacabado, siempre en camino a reunirse con otra
cosa, algo que crece y busca sus fronteras dentro de sí.
La mirada entrecortada, frenada. Como pasos estancos de algo que no se detiene, pero uno a veces cree en la posibilidad de esa detención, se ilusiona con eso.
Y recorta lo real, como si eso fuera posible sin abstraer, sin romper algo que es
único y completo. En ese rompimiento aparece algo nuevo, en la idea de algo
separado, aparecen formas, colores, seres, que al entrar en movimiento, en la
dinámica sin pausa del tiempo, no se ven, no se dejan percibir. Por eso, el recortar, el calar con la mirada, deja nacer la obra: estridente y casi monstruosa por
momentos, o evanescente y casi invisible en otros. Todo esto construye un universo, un paisaje de flotación y de caídas. Algo se recorta entre lo demás, y confiamos en la gravedad flotante de otros planetas o cae por su peso. Entonces, nos
concentramos en el contraste del agua que cae, interrumpida, y las formas geométricas o misteriosas que flotan en esa agua o en un aire blanco.
La alquimia es el arte de la transformación: los opuestos son uno. Lo que es duro
se vuelve blando, sin cuerpo. Hay que separar, disolver. Recortar. Para después
coagular: fijar. Solve et coagula. La muerte hace que el espíritu se separe del
cuerpo, y una vez "purificado" este vuelve y se aloja otra vez, uniéndose para siempre.
Ana disuelve, separa, está en el laboratorio. Contrapone las formas sin
romper la continuidad de lo que busca sostenerse planeando en el
vacío.
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U BIC A CIÓ N E N LA S A LA
OBRAS
Conjunto de obras que funden la historia del Paraguay y la historia personal de
los artistas: dos argentinas con ascendencia paraguaya, Matilde Marín y Luna
Paiva, y dos paraguayos, Joaquín Sánchez y Ángel Yegros.
Sala 6
Disponible en:
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
Coordinación General: Ana Aldaburu
Edición y corrección: Andrea Santapaola
Diseño: Maria Ximena Magariños
Fotografía: Valeria Bortoletto
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F ICHA S# 1 38
PARAGUAY RAPÉ
CAMINO PARAGUAYO
Ángel Yegros, Joaquín Sánchez, Matilde Marín y Luna Paiva
Sala 6
Del 17 de mayo al 12 de junio de 2011
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
16 al 20 de junio de 2011
Curadora: Victoria Verlichak
“Paraguay rapé” (Camino paraguayo) *
Victoria Verlichak
En el marco del Bicentenario del Paraguay, la muestra Paraguay rapé subraya estrechos
lazos afectivos, incluso filosóficos y lingüísticos, entre muchos paraguayos y argentinos.
Presenta fotografías, videos, documentos y objetos que funden la historia del Paraguay y
la historia personal de artistas: dos argentinas con ascendencia paraguaya, Matilde Marín
y Luna Paiva, y dos paraguayos, Joaquín Sánchez y Ángel Yegros.
Paraguay rapé juega con la idea de “ir” hacia el origen de los artistas y de
“venir” a Buenos Aires a exhibir sus obras, como vinieron los conquistadores río abajo
siguiendo el curso del Paraguay y del Paraná, para fundar la ciudad porteña. En ese ir y
venir por el río acontecieron históricamente los intercambios políticos, económicos y culturales entre los dos países.
En ese fluir, en el de la sangre, transcurren las historias personales de estos
artistas que, en sus conmovedores y penetrantes obras, reactivan imágenes del pasado y
las rearticulan en el presente.
Presentada en Museo del Barro, Asunción, Paraguay (octubre, 2011); CAF Banco de
Desarrollo de América Latina, La Paz, Bolivia (mayo, 2012).
Paraguay Rapé (Camino paraguayo). Matilde Marín Luna Paiva, Joaquín Sánchez y Ángel
Yegros. Video y Fotografía. Curadora: Victoria Verlichak. Sala 6. 17 de mayo al 12 de
junio de 2011
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INSTALACIÓN
U B ICA C IÓN E N L A SA LA
Se expusieron dibujos, técnicas mixtas, pinturas y soportes de
diferentes tamaños
Sala 6
Disponible en:
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
Coordinación General: Ana Aldaburu
Edición y corrección: Andrea Santapaola
Diseño: Maria Ximena Magariños
Fotografía: Myriam Suetta y Carolina Santos
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F ICHA S# 1 39
AGUSTINA NUÑEZ
EN BLANCO
Sala 12
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
17 de junio al 10 de julio de 2011
Curadora: Eva Grinstein
EN BLANCO
Agustina Nuñez. Artista
Hace varios años que en mi trabajo artístico hago uso del proyector, como
medio y como herramienta para la realización de mis murales pintados sobre
pared. Para el proyecto a realizar en la sala 12 del CCR, decidí optimizar mi sistema de trabajo aplicando la imagen proyectada sobre diferentes formatos de
marcos de madera, pintados íntegramente de blanco. Los marcos contienen dibujos sobre papel pertenecientes a distintos períodos anteriores de mi trabajo, que
en esta instancia serían “sacrificados” para crear una nueva imagen. La instalación estaría constituida por una serie de marcos blancos, incluidos sus correspondientes vidrios también blanqueados con pintura y simulando ser casi parte de la
pared, como si se desprendieran de la misma por relieve. Me interesa la sensación de “error” que pudiera emanar de estas obras blanqueadas.
Entonces, la instalación tapada es el mural y es, a su vez, lo que permite o da lugar a la presentación de la obra mural en el espacio. Es decir, el mural
es resignificado como mural sin la necesidad de la intervención sobre pared.
El proyecto consiste, entonces, en la anulación de mis propios dibujos
realizados sobre papel, dejando una clara huella de ello, para dar lugar a un nuevo
mural que opera doblemente, siguiendo la forma impuesta por los marcos y dialogando con el desarrollo arquitectónico del espacio. El eje del dibujo “visible” se
sostiene en la fidelidad a la línea, elemento fundamental en mi obra.
Junio 2011
EN BLANCO
En esta instalación, Agustina Nuñez decide inmolar 23 obras de diferentes etapas de su producción (lápiz, acuarelas, serigrafías), tapándolas una a una con
pintura para pared y convirtiéndolas en soporte para dibujar. Un gesto de negación y resignificación que nos propone reflexionar sobre ciertos procedimientos
de producción, reproducción y difusión del arte contemporáneo.
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OBRAS
21 fotografías de Ernesto Sabato de 40 x 50 cm y 257 fotografías de medidas variadas de distintas personalidades
del ámbito de la cultura a nivel internacional entre las que se encuentran : Abelardo Castillo, Alberto Laiseca, Alberto
Manguel, Alicia Steimberg, Ana María Shua, Andrés Rivera, Aníbal Jarkowski, Anna Kazumi Stahl, Antonio JiménezMorato y Federico Falco, Arturo Carrera, Beatriz Sarlo, Carlos Balmaceda, Carlos Gamerro, Carlos María Domínguez,
Carolina Aguirre, Cecilia Szperling, Charlie Feiling, Cristian Alarcón, Damián Tabarovsky, Daniel Guebel, Diana
Bellesi, Edgardo Cozarinsky, Eduardo Belgrano Rawson, Eduardo Fracchia, Eduardo Pavlovsky, Eduardo Sacheri,
Elsa Ducaroff, Enrique Medina, Esther Cross, Esther Feldman, Eugenia Almeida, Fabián Casas, Federico Jeanmaire,
Felipe Pigna, Félix Bruzzone, Fernando Birri, Gabriela Cabezón Cámara, Gonzalo Garcés, Graciela Aráoz, Griselda
Gambaro, Guillermo Martínez, Guillermo Piro, Guillermo Saccomanno, Gustavo Nielsen, Héctor Bianciotti, Héctor
Tizón, Hernán Ronsino, Horacio Vásquez-Rial, Hugo Padeletti, Isidoro Blanstein, Jorge Aulicino, Jorge Fonderbride,
Jorge Lanata, José Pablo Feinnman, Josefina Delgado, Juan Becerra, Juan José Sebreli, Juan Sasturain, Juan
Terranova, Leila Guerriero, Leo Oyola y Ernesto Mallo, Leopoldo Brizuela y Oliverio Coelho, Lucía Puenzo, Luis
Guzmán, Luis Mey, Luis Pescetti, Luisa Futoransky, Luisa Valenzuela, Marcelo Birmajer, Marcelo Cohen, Marcos
Aguinis, María Elena Walsh, María Fasce, Mario Goloboff y Vicente Battista, Martín Caparrós, Matilde Sánchez,
Maximiliano Tomas, Mercedes Álvarez, Miguel Rep, Naty Menstrual, Olga Orozco, Pablo De Santis, Pablo Ramos,
Patricio Pron, Pedro Orgambide, Perla Suez, Pola Oloixarac, Quino, Rafael Cippolini, Raquel Robles, Rodolfo Fogwill,
Roemmers, Rolo Díez, Sabat, Samanta Schweblin, Sara Rosenberg, Sergio Bizzio, Sergio Chejfec, Sergio Olguín,
Silvia Hopenhayn, Silvia Iparraguirre, Vivi Tellas, Vlady Kociancich, Washington Cucurto, Mauricio Rosencof, Martín
Solares, Elmer Mendoza y Francisco Goldman, Carlos Monsiváis, Pablo Casacuberta, Valeria Luiselli, Margarita
García Robayo, Andrea Maturana, Carlos Liscano, Abad Iñaki, Abad Hector, Abbate Florencia, Alberti Rafael, Alcoba
Laura, Andresco Víctor, Aparicio & Merino, Aridjis Homero, Arrabal & Houellebecq, Ayala Francisco, Baron
Supervielle Silvia, Barrera Alberto, Beigbeder Frederic, Bellatin Mario, Belli Gioconda, Benedetti Mario, Berti
Eduardo, Bioy Casares, Bolaño Roberto, Bonnefoy Yves, Borges Jorge Luis, Bourdieu Pierre, Bryce-Echenique
Alfredo, Cabrera Infante Guillermo, Calveyra Arnaldo, Casavella Francis, Cayre Hannelore, Cela José Camilo, Cercas
Javier, Chaillou Michel, Cifuentes Paula, Colinas Antonio, Coloane Francisco Cortazar Julio, Cruz Juan, Dalembert
Louis Philippe, Dantec Maurice, Darras Jacques, Darrieussecq Marie, De Heriz & Vasquez Juan Gabriel, De Heriz
Enrique, Delgado Aparain Mario, Delibes Miguel, De Prada Juan Manuel, Deville Patrick, Diaz Junot, Donoso José,
Dovert Stephane, Echenoz Jean, Enard Mathias, Fajardo José Manuel, Fernandez-Cubas, Fonte Ramiro, Fresan
Rodrigo, Fuentes Carlos, Gamboa Santiago, Gamoneda Antonio, Garcia De La Concha, Garcia Marquez Gabriel,
Garcia Ortega Adolfo, Garcin Christian, Gaudé Laurent, Gavalda Anna, Gelman Juan, Giardinelli Mempo, Glissant
Edouard, Gonzalez Angel, Gorz André, Grandes & Garcia-Montero, Guelfenbein Carla, Guerra Wendy, Guez Olivier,
Halfon Eduardo, Iwasaki Fernando, Izzo Jean Claude, Juarroz Roberto, Kohan Martín, Lamborghini, Le Clezio J.M.G.,
Le-Men Yvon, Levinas Emmanuel, Levi-Strauss Claude, Llamazares Julio, Maalouf Amin, Mabanckou Alain, Magnus
Ariel, Manotti Dominique, Marias Javier, Marse Juan, Mateo-Sagasta, Matute Ana María, Mendinuetta Lauren,
Mendoza Eduardo, Michon Pierre, Millas Juan José, Modiano Patrick, Molina Cesar Antonio, Monod Théodore,
Montalban Manuel Vazquez, Montero Mayra, Montero-Llamazares-Fajardo, Muñoz Molina Antonio, Mutis Alvaro,
Nettel Guadalupe, Neuman Andrés, NOTHOMB Amélie, Orsenna Eric, Osorio Elsa, Padilla Ignacio, Padura Leonardo,
Paz Octavio, Paz Soldan Edmundo, Pennac Daniel, Piglia Ricardo, Piñeiro Claudia, Pinilla Ramiro, Quignard Pascal,
Rahimi Atiq, Ramirez Sergio, Ramonet Ignacio, Rios Julián, Robbe Grillet Alain, Rolin Jean, Roncagliolo Santiago,
Ruy-Sanchez Alberto, Sabato Ernesto, Saer Juan José, Saez-de-Ibarra, Salem Carlos, Sampedro José Luis, Samper
& Velasco, Santiago_Bolaño, Santos Febres Mayra, Sarabia Antonio, Sarraute Nathalie, Semprún Jorge, Sepulveda
Luis, Soriano Osvaldo, Suarez Karla, Thays Iván, Todd Emmanuel, Toledo Natalia, Torres-Blandina Alberto, Turbau
Imma, Valdes Zoe,Vallejo Fernando, Vargas Fred, Vargas Llosa Mario, Vila Matas Enrique, Villoro Juan, Xingjian Gao,
Yanez Carmen.
PLANO DE SALA
Coordinación General: Ana Aldaburu
Edición y corrección: Andrea Santapaola
Diseño: Federico Palacios/María Ximena Magariños
Fotografía: Andrea Santapaola y Carolina Santos
Disponible en:
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,
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FICHAS.#140
DANIEL
MORDZINSKI
LAS TRES ORILLAS
Sala Cronopios
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
15 de julio al 14 de agosto de 2011
Curador: Renato Rita
CONTRA EL RÍO DEL TIEMPO
Mario Vargas Llosa. Premio Nobel de Literatura
Daniel Mordzinski ha leído con pasión los libros que se han escrito en América
Latina y ha fotografiado a sus autores, a veces en sus países, y más a menudo en
esa capital de la literatura iberoamericana que es París, como escribió Octavio
Paz en un ensayo célebre.
Ahora bien, deducir de ello que Daniel Mordzinski ha "fotografiado a los autores"
es insuficiente. Porque las imágenes de ellos que la cámara de Mordzinski ha
arrebatado al río del tiempo y fijado en esas cartulinas que todos los editores,
autores y lectores conocen, son en verdad una interpretación profunda y respetuosa de su personalidad tal como aparece reflejada en sus rasgos, semblante y
expresiones. Y, aunque parezca mentira, esas imágenes enriquecen nuestra comprensión de los libros que ellos escriben, pues despiertan en nosotros, los lectores, una actitud de simpatía hacia esos autores. Daniel Mordzinski no se sirve de
quienes posas para él a fin de exhibir su talento y gratificarse a sí mismo con desplantes llamativos como hacen tantos fotógrafos de moda. Él sirve a quienes retrata esforzándose en aprisionar su verdad profunda y tratando de desaparecer él
mismo detrás de su cámara. Por eso los retratos de Daniel Mordzinski tienen una
autenticidad que es un ingrediente central de su belleza artística..
Madrid, junio de 2011
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OBRAS
UBICACIÓN EN LA SALA
2 y 14- 2 Fotografías ploteadas, negativo analógico 35 mm, 1983, digitalizados
y copiado ink-jet, fine arts, 100x180 cm (2. chica con brazos tipo cascada)
(19. depósito con cuerpos adentro)
27 Fotografías negativo analógico 35 mm, 1983, digitalizados y copiado ink-jet,
fine arts, 40x60 cm
Sala 10
Coordinación General: Ana Aldaburu
Diseño:María Ximena Magariños
Edición y corrección: Andrea Santapaola
Fotografía: Andrea Santapaola
Disponible en:
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
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FICHAS.#141
GIANNI MESTICHELLI
MIMOS. CUERPOS SIN CENSURA FOTOGRAFÍAS
Sala 10
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
24 de junio al 10 de julio de 2011
Curador: Renato Rita
UN DISPARO EN LA SOMBRA
Renato Rita. Curador de Centro Cultural Recoleta
En la consciente sorpresa que la inocencia activa, se desplaza Gianni
hacia la escena franca.
Los terrores de la persecución se detienen ante este juego de las estatuas, donde el villano desprotegido se toma un mate mirando las figuras como
puntos suspensivos después de un asesinato. La época era fecunda en osadía que es el virus de la reacción - y su antídoto el arte: esa instantánea conmovedora que el corazón de un ojo nos facilita.
MIMOS. CUERPOS SIN CENSURA
Mimos. Cuerpos sin cesura esperó 30 años para ser exhibida en libertad. Este trabajo del fotógrafo Gianni Mestichelli se realizó a principios de los
años 80. Las fotos fueron exhibidas en una muestra colectiva en la Galería
Pacifico, y censuradas por la denuncia de un particular. Corrían los años del
comienzo de la democracia pero todavía los mecanismos que amordazaban la
libertad de expresión gozaban de buena salud.
Este trabajo, que ahora se vera completo, es el fruto de la colaboración
de Mestichelli con la “Compañía Argentina de Mimo”, dirigida por Ángel
Elizondo. En esa época ellos eran los protagonistas de una revolucionaria manera de expresión corporal que deslumbraba con espectáculos como Los Diarios,
Ka Kuy, Apocalipsis Según Otros, Pi 3,14, Boxxx, El Intranauta
En esos años este grupo se destaco porque desafiando la censura con
grandes limitaciones de producción, compensadas con creatividad, utilizaba el
cuerpo como la gran herramienta que les permitía expresarse en una Buenos
Aires maniatada por la censura.
En ese tiempo de ebullición creativa, algunos integrantes de la compañía aceptaron la invitación de Gianni Mestichelli para un trabajo de improvisación corporal sin ningún límite.
El resultado de esta asociación fue esta muestra donde el desnudo
pierde toda connotación erótica y sirve de puerta para abrirse al humor, el delirio, la realidad de los años de plomo, el horror pero también la diversión y la
gracia.
La idea de exhibir estas fotografías después de tantos años, es señalar
su vigencia pero también una manera de rendirle tributo a este grupo y a su
director.
Fotografías que no permiten la indiferencia, que nos ayudan a recordar,
que nos invitan a agudizar los sentidos, que nos obligan a perder los prejuicios
sobre el cuerpo desnudo. Un ejercicio en definitiva de libertad también para el
espectador.
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OBRAS
UBICACIÓN EN LA SALA
1A, 2A, 3A, 4A, 5A, 8A, 9A, fotografía digital, medidas varias.
1B, 2B, 3B, 4B, 5B ,8B, 9B, acrílico s/tela, medidas varias.
6. Videoinstalación, 2 proyectores.
7 22 obras, acrílicos s/tela, medidas varias.
1, 2 y 3 video proyecciones.
Sala J
Coordinación General: Ana Aldaburu
Diseño: María Ximena Magariños/Federico Palacios
Edición: Andrea Santapaola
Fotografía: Florencia Madrigal y Carolina Santos
Disponible en:
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
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FICHAS.#142
MARIA LUZ GIL
ARTE, VIDA Y GEOMETRÍA
5A
5B
Sala J
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
29 de julio al 21 de agosto de 2011
Curadora: Valeria Gonzalez
8A
4A
8B
4B
M A RI A LU Z GI L . A R TE , V I D A Y G E O M E T R ÍA
Marcela Costa Peuser. Directora revista Arte al Día.
Ordenar, es una de las premisas básicas de esta artista, sensible, y vital
de sólida formación académica, nacida en La Plata. Y, para ordenar, nada
mejor que la geometría.
La exposición, curada por Valeria González, consta de una selección de
fotos y enormes pinturas sobre tela. Las fotos, tomadas en la ciudad de
Nueva York, muestran un universo anónimo de ventanas y rincones que
podrían encontrarse en cualquier ciudad. María Luz Gil las inmortaliza con
su cámara y se apropia de su esencia en un camino que va mas allá de lo
alcanzado por la intuición. Para ello utiliza un método riguroso y sin errores; la geometría, una de las ciencias más antiguas y, a partir del punto,
la recta y el plano, reconstruye las imágenes, identifica el color que los
representa, toma el pixel y lo aplica a la obra pictórica. Estos íntimos paisajes urbanos (fotografías) se convierten en sorprendentes paisajes (pinturas) que se abren a nuevas realidades. El resultado es un enriquecedor
diálogo entre una imagen y otra; entre la figuración y la abstracción.
“Me interesa considerar a mi obra como teniendo raíces abstractas, más
bien que como siendo abstracta per se. Sugiero que mi obra sea entendida como una abstracción expandida compleja en parte porque la abstracción tradicional no profundizó lo suficiente en las posibilidades de
una nueva noción de abstracción’’, sostiene la artista a propósito de su
propuesta creativa.
Cuatro videos acompañan la muestra, medio expresivo con el que la artista trabaja, cómodamente, desde 1994. En una performance autorreferencial, María Luz ordena una y otra vez elementos, sin conformarse con ninguna disposición lograda. Tal vez por esto es que elige la geometría como
método ya que está ciencia es—según la escritora, ocultista y teósofa
Madame Blavatsky-, “la quinta llave que permite interpretar la vida”.
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Vista general Sala J
3B
1A
Proy. 3
39
40
42
43
33
34
26 27 28 29 30 31 32
SALA C
Disponible en la página del CeDIP en
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
46 47
3
4
Coordinación General: Ana Aldaburu
Diseño: Federico Palacios / Maria Ximena
Magariños
Edición: Andrea Santapaola
Fotografía: Florencia Madrigal y Carolina
25 24 23 22 21 2019181716 1514131210
5
9
38
36
7
46 La Casa Pobre Celeste, 2007, madera aluminio
patinado
47 El Despojo, 2007, madera
48 Estructura Interna Naranja, 2000, mixta
49 Estructura Interna Gris, 2000, mixta,
50 Construcción en Ocres, 2008, mixta s/ tabla
2
23 Reflejos I, 2010, mixta s/papel
24 Atardecer en el Lago, 2010, mixta s/papel
25 El Lago en la Montaña, 2010, mixta
s/papel
26 Erase un atardecer, 2009, mixta s/tabla
27 Erase un Berra del 76, 2009, mixta
s/tabla
28 Erase Cielo y Tierra del 76, 2009, mixta
s/tabla
28 Erase un Berra del 78, 2009, mixta
s/tabla
29 Erase del 78, 2009, mixta s/tabla
30 Erase un berra del 74, 2009, mixta s/tabla
31 Èrase del 85, 2009, mixta s/tabla
32 Erase un Apunte de Viaje, 2008, mixta s/tabla
33 Erase un Paisaje, 2008, mixta s/ tabla
34 Erase del 78, 2009, mixta s/ tabla
35 De la casa Pobre, 2005, ventana intervenida
36 Historia de Mar, 2009, mixta sobre tela
37 Ventana Azul, 2005, ventana intervenida
38 Muro a la Rosé, 2008, mixta s/tabla
39 La Casa Pobre Ocre, 2008, mixta s/tabla
40 Reparando el Daño, 2008, mixta s/tabla
41 La Casa Grande, 2009, madera
42 Reparando el Daño 1, 2008, mixta s/tabla
43 La Casa Vacía, 2008, mixta s/tabla
44 El pueblito, 13 objetos, medidas variables
45 Gran Vista Aérea, 2008, mixta s/tabla
1
1 Construcción Rosa Rojo , 2007, madera
ensamblada pintada
2 La Casa Pobre I, 2005, madera
3 La Casa Pobre III, 2005, madera
4 La Casa Pobre II, 2005, madera
5 Historia de Agua, 2006, mixta s/papel
6 Historia de Hojas, 2006, mixta s/ papel
7 Construcción Multicolor, 2008, mixta
s/tabla
8 Construcción Amarilla, 2010, mixta s/tabla
9 Construcción Azul, 2010, mixta s/tabla
10 Reflejo Ocre, 2010, mixta sobre papel
11 Aguas Tornasoladas, 2010, mixta sobre
papel
12 Reflejos de Colores, 2010, mixta sobre
papel
13 Destello Rojo, 2010, mixta sobre papel
14 Armando el Agua, 2010, mixta s/obre
papel
15 Uniendo Reflejos, 2010,mixta s/papel
16 Viento Amarillo, 2010, mixta s/papel
17 Basurales a Cielos Abiertos, 2010, mixta
sobre papel
18 Remolino, 2010, mixta sobre papel
19 Reflejos 4, 2010, mixta sobre papel
20 Horizonte Marino, 2010, mixta s/papel
21 Reflejos II, 2010, mixta s/papel
22 Reflejos III, 2010, mixta s/papel
UBICACIÓN EN LA SALA
49 48
OBRAS
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FICHAS.#143
ERNESTO BERRA
DIÁLOGOS
Sala C
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
29 de julio al 21 de agosto de 2011
Curador:Tomás Ezequiel Bondone
44 y 45
B E R RA . L A S I M I L I TU D D E L O D I S I M I L
Raúl Santana. Crítico de arte.
No es fácil formalizar una reflexión unívoca sobre la obra de Ernesto Berra.
Cada período de su camino se abre y se cierra sobre si mismo entregando
alguna de las múltiples facetas de su poética. El artista no se ha privado de
apelar a figuraciones que se juegan en abstracciones o a la inversa. A la utilización de materiales tradicionales de la pintura ha sumado maderas, materiales
de deshecho, alambres, rugosidades y arpilleras. Recorrer sus magníficas imágenes podría hacer pensar en una obra discontinua, lo cual podría ser cierto, si
pensamos que la coherencia pasa por la conquista y repetición de una imagen
siempre reconocible. Pero en el imaginario de Berra, los argumentos van y vienen a
lo largo de los años como ciclos que se interrumpen pero, de una manera u
otra, siempre reaparecen, produciendo al fin, aquello que el gran teórico del
formalismo ruso Víctor Sklovski definió como la “similitud de lo disímil”,
concepto que arroja una nueva luz sobre muchas producciones contemporáneas.
Partiendo del dialéctico juego entre lo constructivo y lo expresivo, el artista ha
sido coherente con sus propias intuiciones; y es fácil advertir que, si en sus
obras se impone uno de estos dos polos, el otro sigue rondando o gravitando.
Si no hay referencias representativas al mundo,este aparece en la utilización de
materiales que inequívocamente remiten al contexto. En este sentido, sus obras
se comportan como verdaderos receptáculos -de su permanente aventura con
las materias utilizadas- adonde el artista traslada s e n s i b l e s g e o m e t r í a s,
ideas,visiones, recuerdos o sueños, entre los contingentes impulsos gestuales,
cuya elocuencia aparece como otro dato del presente o la memoria.
Las obras sobre papel que hoy presenta Berra, en su mayoría despobladas, desafían por su evanescencia los límites de lo visible; tal vez sean los efectos del
anhelo expresado por el artista a Verónica Molas en el largo reportaje publicado
en su libro: (…) “siento ganas inmensas de hacer obras claras, casi blancas,
muy minimalistas, con mucho espacio y pocos elementos…” Sin bocetos
previos o preconceptos, la soberanía del gesto contenido (siempre intimista)
impulsa la tinta sobre el papel haciendo evidente que el único argumento
es su propio acontecer,.y concentrado diálogo entre la mano, la mirada,
la tinta y el plano. Con mínimas intervenciones, la “atención flotante” del artista, en repentinos y cambiantes gestos ordena las densidades de la materia azarosa y fresca, que a veces jugando con los accidentes del papel (rugosidades y
marcas) va haciendo surgir diversos campos de interés que aparecen como iluminaciones en los mas impensados lugares del plano. Apenas comenzamos a
recorrer estas obras percibimos que también las capas superpuestas de tintas,
por su transparencia, comienzan a hacer visibles huellas, rastros, raspones y
fantasmáticas apariciones, que desde adentro hacia afuera cantan en sordina,
haciendo emerger un profundo territorio de acentos y ritmos; desde el
ahora enigmático fondo, que impone un imaginario cargado de signos sensibles:
un mundo de levedad y gracia, que muestra cuantos mundos hay entre una luz
y otra o entre una sombra y otra, en estas despobladas obras, tan próximas al
silencio.
Agosto 2010
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36
42
8
9
46
OBRAS
UBICACIÓN EN LA SALA
Pinturas al óleo sobre tela y sobre chapadur
Coordinación General: Ana Aldaburu
Edición y corrección: Andrea Santapaola
Diseño: Federico Palacios/Maria Ximena Magariños
Fotografía: Andrea Santapaola
Disponible en:
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
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FICHAS.#144
MARIANA FERRARI /
SANTIAGO QUESNEL
Sala 8
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
22 de julio al 7 de agosto de 2011
Pintura
Por Santiago Quesnel y Mariana Ferrari. Artistas.
Me inquieta la sensación de estar en un territorio desconocido, pedir
prestado, aludir a las convenciones y desviarlas.
Me interesan las superposiciones, el cruce de iconografía que proviene de
fuentes muy distintas, tanto de la historia de los géneros artísticos como de la gráfica publicitaria, o cualquier otra, usada caprichosamente, más allá del estilo o
los formatos
Considero estos trabajos como una especie de registro impuro, atravesado por múltiples influencias, un terreno de montaje mental donde podría cruzar
estéticas como el pop y el rococó, la pintura popular y doméstica, un tráfico iconográfico que desvía toda misión y en su deriva reemplaza el lugar de lo valioso.
El tacto y el color son los vehículos preferidos de mi trabajo, como también la materialidad más inmediata, los soportes crudos, las técnicas directas.
Pinturas hechas durante este año de gran formato como de 2x3 mts y
pequeño formato también que pueden ser vistos como estudios. Pinturas al óleo
con sobre tela y sobre chapadur.
Las imagenes son espacios, tanto interiores como paisajes donde se destaca la ausencia del hombre.
En la muestra seguramente cuelgue 5 obras, 2 grandes y 3 medianas.
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UB I C A CI Ó N E N LA S AL A
OBRAS
Sección “La música pintada”
1 Video proyección 10´ de recitales “Jairo canta a Borges” y “Atahualpa x Jairo”,
2
3
4
5
6
7
Atahualpa Yupanqui, “Atahualpa x Jairo”, 2008, acrílico s/tabla, 184x166 cm
Jean Guidonni, disco Jean Guidonni, 1989, aerógrafo s/cartón, 47x42 cm
El zorzal criollo, Revolver, 1991, óleo s/lienzo, 69x79 cm
Santa Argentina, Revolver, 1990, óleo s/lienzo, 70x81 cm
Club de fans, Revolver, 1990, óleo s/lienzo, 95x79 cm
Mademoiselle Ivonne, Revolver, 1990, óleo s/lienzo, 79x67 cm
Sección “Paisajes y Figuras familiares”
8 Francisco, 2008, carboncillo s/cartulina, 80x59 cm
9 Mujer dormida, 2010, óleo s/lienzo, 90x60 cm
10 Juana, 2002, lápiz s/cartulina, 70x57 cm
11 Monet en Santa Ana, 2011, óleo s/lienzo, 60x90 cm
12 Francisco y Teresa en el Jardín, 2008, óleo s/cartón, 45x62 cm
13 Teresa, 2011, óleo s/lienzo, 50x40 cm
14 Juana con muñeca, 2005, óleo s/lienzo, 56x76 cm
15 La fiesta, 2008, óleo s/lienzo, 44x52 cm
16 Paseo a caballos, c.1999, óleo s/lienzo, 46x60 cm
17 Viejo y niño en la playa, 2003, óleo s/lienzo, 58x76 cm
18 Lucía en la playa, 1992, óleo s/lienzo, 62x72 cm
19 Teresa, Agustina y Juana en Santa Ana, 2009, óleo s/lienzo, 46x66 cm
20 Bote de pescadores, 1975, óleo s/lienzo, 58x74 cm
21 Beaulieu sur Dordogne, c. 1985, óleo s/lienzo, 55x47 cm
Sala 7
Coordinación General: Ana Aldaburu
Edición y corrección: Andrea Santapaola
Diseño: Maria Ximena Magariños
Fotografía:Florencia Madrigal
Disponible en:
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
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JAIRO
JAIRO PINTOR
Sala 7
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
10 de agosto al 25 de septiembre de 2011
Curadora: Lucia González Sainz de los Terreros
18
F ICHA S# 1 45
JAIRO PINTOR
Lucía González Sainz de los Terreros. Curadora
Con motivo del cuarenta aniversario en el mundo de la música,
Jairo se atreve, por primera vez, a exhibir una faceta hasta ahora desconocida pero igual de talentosa, la de pintor. La exposición Jairo Pintor -que
ha sido invitada a ser itinerante- es una retrospectiva del artista en la que
se exhiben un conjunto de obras realizadas entre el año 1975 hasta la
actualidad.
El recorrido de la muestra es temático y se divide en dos secciones principales: “Paisajes y figuras familiares” y “La música pintada”. De
la primera cabe destacar la presentación de tres géneros diferentes, en primer lugar nos encontramos con las marinas pintadas al óleo, de las que
destacan obras como “Bote de pescadores” (1975). En segundo lugar se
exhiben obras, tanto en óleo como en pastel, que podríamos clasificar
como pintura de género en las que se representan momentos cotidianos y
contemporáneos al artista como “La fiesta” (2008) o “Francisco y Teresa
en el jardín” (2009). Finalmente los retratos reflejan la afición del artista
por plasmar las expresiones de sus familiares del modo más espontáneo
usando también el lápiz como en “Lucía” (1989) o carboncillo como en
“Francisco” (2008).
La segunda sección revindica la relación existente entre algunos
proyectos de su carrera como cantante y su creatividad como pintor, en
este caso la división queda marcada por cada espectáculo o trabajo discográfico. Destacan los dibujos realizados con motivo de la grabación del
disco Jairo canta a Borges (1975) y las pinturas hechas con motivo del
espectáculo Revolver (1990).
En estos casos las obras se acompañan por la propia música para
comprender la relación existente entre la creación musical y la pictórica.
También de gran relevancia es el afiche realizado para Jean Guidoni en
1989 en el que destaca la utilización de un nuevo material, el aerógrafo.
La muestra llega a su fin con la exhibición de la obra de mayor dimensión,
“Atahualpa Yupanqui” que fue realizada al principio del espectáculo
Atahualpa x Jairo con motivo del centenario del músico en el Cerro
Colorado en el año 2008. Junto a esta pintura se proyectará de forma
inédita la filmación del principio de este show. Se aúnan de este modo sus
facetas artísticas de músico, pintor, ilustrador y escenográfo.
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20
12
OBRAS
1- Dolores Esteve, Graciela, 2010, fotografía color. 2- El mundo de…, 2008, video monocanal, color, 1
minuto, performer: Claudia León Cámara y edición: Daniela Muttis. 3- Juan Sorrentino, 1 minuto, 35 segundos, 2011, témpera s/yeso, parlante, sonido. 4- Vaivén, 2011, Gabriela Larrañaga, Teresa Puppo, Anabel
Vanoni, Graciela Taquini. edición: Daniela Muttis, diseño sonoro: Fabián Kesler, video monocanal, color, 2
min. 5- Roberto Rey, Grata (de la serie Migrantes), 2009, acrílico y tinta s/tela. 6- Granada, 2005, performer: Andrea Fasani, Cámara y edición: Ricardo Pons, video monocanal, color, 6 min. 7- Lugar común, 20102011, Graciela Taquini, Ricardo Pons, Diseño multimedia: Marcela Merayo, Video interactivo, color. 8- Rota,
2010, Graciela Taquini, Natalia Rizzo, Instalación sonora, diseño de sonido: Fernando Lendoiro. 9- Eugenia
Calvo, El método tradicional (La fuente de San Martín), 2011, fotografía color, díptico. 10- Border Line,
2007, diseño audiovisual: Gabriel Rud, diseño sonoro: Gonzalo Biffarella, video instalación, 2 min. 11- Qué
hay entre los unos y los ceros, 2009, intervención in-situ. 12- Fabián Nonino y Proyecto Untitled, Nosotros
y los otros, 2011, collage, dimensiones variables. 13- Santiago Tavella, Nikita Taquini, 2006-2011, gráfica
digital. 14- Lo sublime/banal, 2004, cámara: Vanesa Saimovici, edición y musicalización: Fanfarria, producción: Televisión Abierta, video monocanal, color, 11 min. 15- Psycho x Borges, 1997, edición: Jorge López,
video monocanal, color, 1 min. 16- Estar con Doffo en Mechita, 2010, con la compañía de Daniela Muttis,
Roberto Rey, Omar Panosetti y Andrés Labaké, cámara: Daniela Muttis, Milos Deretich, asistencia: Luciana
Zoth, edición: Ailén Iglesias video monocanal, color, 6 min. 17- Sara Fried, Testigos ocasionales, 2011, fotografía, políptico, dimensiones variables. 18- Javier Bilatz, Graciela está (retrato laberíntico de Graciela
Taquini), 2011, gráfica digital. 19- Sergio Lamanna, La Taquini, 2010, dibujo articulado. 20- Arturo Aguiar,
Vanitas, 2007, fotografía color, toma directa de acción. 21- Augusto Zanela, Grata en apunte 2, 2005, fotografía analógica color, toma directa dimensiones variables. 22- Augusto Zanela, Grata en apunte 1, 2005,
fotografía analógica color, toma directa,dimensiones variables. 23- Mariela Yeregui, Rizomática, 2010,
video, dimensiones variables. 24- Sísifa, 2007, performer: Anabel Vanoni, cámara: Gastón Duprat, dirección
de fotografía: Axel Chaulet, video monocanal, color, 1:20 min. 25- Quebrada, 2008-2009, performer:
Marianela Fasce, cámaras: Ana Perera, Marta Ares, Susana Barbará, Daniela Muttis, edición: Felipe Gálvez,
diseño sonoro: Luciano Azzigotti, video monocanal, color, 6 min. 26 Roles, 1988, video monocanal, color,
2:50 min. 27- Cadáveres, 2007, producción: Valeria Pedelhez, edición: Daniela López Castan, musicalización: Juan Lucas, video monocanal, color, 2 min. 28- Secretos, 2007, Gabriela Larrañaga, Teresa Puppo,
Graciela Taquini, cámara y edición: Ricardo Pons, Video monocanal, color, 4 min. 29- Gustavo Maggi, Grata
lights, 2011, fotografía color. 30- Pedro Roth, Retrato de Graciela Taquini, 2011, fotografía color, dimensiones variables
U BIC A CIÓ N E N LA S AL A
Sala Cronopios
Coordinación General: Ana Aldaburu
Edición y corrección: Andrea
Santapaola
Diseño: Maria Ximena Magariños
Fotografía:Florencia Madrigal
Disponible en:
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
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F ICHA S# 1 46
GRACIELA TAQUINI
GRATA CON OTROS.
LA VIDA COMO OBRA DE ARTE.
Sala Cronopios
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
19 de agosto al 18 de septiembre de 2011
Curador: Rodrigo Alonso
22
GRATA CON OTROS O LA FORMA DE UNA VIDA
Jorge Zuzulich. Lic.en Gestión del Arte y la Cultura y Curador
¿Cómo darle forma a una exhibición como para que esta coincida con el
de una vida? Quizás en la respuesta a este interrogante resida el desafío curatorial al que se vio sometido Rodrigo Alonso cuando se dispuso trabajar sobre las
producciones que conformarían Grata con otros, la muestra antológica de Graciela
Taquini.
Quizás la idea de constelación, aquella que desveló a Adorno y a
Benjamin, puede dar cuenta de la manera en que se han ido desplegando las afinidades electivas de Taquini a través del tiempo.
Un modo de hacer que no sabe de soledades sino más bien de la provocación de puntos de encuentros para nuclearse en torno a un concepto de arte
determinado por lo contemporáneo.
Y en esta yuxtaposición de elementos cambiantes de manera permanente, constructores de relacionalidad, se encuentra la forma-Taquini. Como ella
misma se ha definido en un artículo a propósito de la palabra japonesa taki, cascada, la cual vincula con su apellido dando por sentado que, asumiendo el sentido nipón, ella misma es devenir.
Y la muestra, Grata con otros, entonces, genera esa posibilidad de apertura y de movimiento entre su persona y los otros. Por una parte, a través del retrato que muchos de los artistas han realizado ubicando a su persona como centro
de la representación, pero también como excusa temática para provocar el hecho
artístico. Pero, asimismo, a partir de sus trabajos en colaboración con
otros artistas-amigos. Están allí los consagrados, también los que ha visto crecer
y a los que ha dado envión para su ingreso al campo del arte.
Y como centro de ese despliegue: su obra, la cual ha madurado en paralelo a su labor como curadora.
Por otro lado, alimentando el despliegue de la constelación, una multiplicidad de dispositivos, de lenguajes, de modalidades expresivas que se ponen en
relación en el espacio de la sala Cronopios: video, instalaciones, fotografías,
libros.
Pero Taquini y su producción también provocan la palabra, lo que aparece confirmado por el catálogo de la exhibición en donde críticos, historiadores del
arte y artistas reafirman su real dimensión estética y su importancia para el arte
argentino de los últimos treinta años.
Rara vez se experimenta tamaña coincidencia: la de una vida que se
mimetiza, plenamente, con la forma del arte.
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11
13
OBRAS
Series:
Sala J
1
2
3
4
5
6
7
8
9
U BIC A CIÓ N E N LA S AL A
Sala J
Sala C
Jeroglíficos
Poligrafías Gabriela Di Giuseppe
Serie “Enmascaramiento Paisajes, Troquelados“ en damero irregular
Fotomontajes Rosana Schoijett
El eclipse fatal. Relato
Misterios del serrallo. Relato
El eclipse fatal. Relato
El museo universal
El museo universal
Sala C
1
2
3
4
5
6
7
Jeroglíficos
Collage de los libros de poemas de Guillermo Saavedra “Del Tomate”
Enmascaramientos
La tierra y el hombre
Series “Geografía universal, Anónimos, Rebus” en damero irregular
Timones
Jeroglíficos
Coordinación General: Ana Aldaburu
Edición y corrección: Andrea Santapaola
Diseño: Maria Ximena Magariños
Fotografía:Florencia Madrigal
Disponible en:
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
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F ICHA S# 1 47
EDUARDO STUPIA
RECORTES DE INVENTARIO.
COLLAGE, PLIEGUES Y TROQUELADOS.
Sala J y C
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
26 de agosto al 25 de septiembre de 2011
APUNTES DE UN NEÓFITO
Mario Tobelem. Creativo
En una feria callejera de La Habana, un joven artesano intenta venderme una creación de su autoría. “Esto no se conoce” –se entusiasma– “en el mundo entero”.
Con maravillosa ingenuidad, cree haber inventado el collage.
Reconozco ahora haber sido tan ingenuo como él. Siempre supuse que el collage
era una técnica muy antigua, por lo menos desde la existencia del papel impreso. Y recién vengo a enterarme de que, sea una idea de Picasso y/o de Braque,
cumple apenas un siglo. Stupía festeja el centenario del collage.
Busco una definición. Consulto la Wikipedia, no otra cosa que un fabuloso collage colectivo. Dictamina: “una técnica artística que consiste en ensamblar elementos diversos en un todo unificado”.
¿Cuál sería, entonces, el collage perfecto? Aquel que con una infinita cantidad de
fragmentos disímiles lograra el mayor efecto de amalgama, de unidad. Tanto que
el espectador no advertiría que se trata de un collage. Me divierte considerar la
posibilidad de que alguna de las grandes obras de la pintura universal sea, secretamente, un collage.
En el otro extremo del collage perfecto estaría el collage mínimo. Una obra pictórica clásica a la que sólo se le añade –digamos– un triangulito de papel de diario. Como un intruso. Como un colado. De hecho, collage se ha traducido más o
menos literalmente como colada, por el pegamento que se emplea para adherir
los fragmentos.
Entre ambos extremos, inagotables variantes. Desde que se popularizó la técnica,
los artistas no han cesado de incorporarle consignas suplementarias.
Trabajar sólo con desechos. Recortar a mano, sin tijeras. Disimular, o no, las junturas. Usar sólo dos elementos. O catorce. Pintar debajo. Pintar arriba. Etcétera.
No es, sin duda, el caso de Stupía, que pasea alegremente por diferentes consignas o ámbitos sin descartar otros posibles, sin intentar dar un paso adelante en
la historia del collage. Tampoco, por supuesto, un paso atrás. Sí, por momentos,
un paso al costado.
Por su facilidad, por su inmediatez, por la escasa destreza que parece reclamar,
el collage es típicamente un ejercicio de párvulos. El niño Eduardo Stupía lo
alcanza en la madurez.
En otro sentido, se trata de una técnica muy sofisticada. Artificial, se ha dicho.
Como si fuera más natural llenar una superficie rectangular con pintura al óleo y
ninguna otra cosa.
En su visible superposición, esta técnica pone en evidencia ese carácter tridimensional que el dibujo o la pintura tienden a ocultar. ¿Cuánto mide el espesor de
una capa de acrílico? Nada. Pero mide.
Otra sensación: el collage como homenaje a la cultura impresa. El encanto de
acumular materiales elegidos por sus colores, sus texturas, sus imágenes. Esa foto
me encanta, la guardo, algún día la usaré. La materia prima, toda hecha de antemano. Collage: un ready-made en pedazos.
Por último, no me parece que el gesto de Stupía de hacer y presentar collages sea
particularmente “experimental”. Toda su obra lo ha sido y lo es, en un sentido
profundo y sin proclamarlo jamás..
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Ingreso Sala C. detalle
3. Sala C. detalle
5. Sala C. detalle
23 24
25
31 32 33
34 35
36 A 41
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28 29 30
UBICACIÓN EN LA SALA
42
17
15 16
2 a 11
sala cronopios
Coordinación General: Ana Aldaburu
Edición y corrección: Andrea Santapaola
Diseño: Maria Ximena Magariños
Fotografía:Florencia Madrigal
1
13
14
12
19
18
1.El regreso, 2008, fotografía, toma directa, copia analógica
sin intervención digital.
2.El tiempo es otro río, 2006, fotografía, toma directa, copia
analógica sin intervención digital.
3.El tiempo es otro río, 2009, acrílico sobre tela.
4.Arquitectura del infinito, 2001, fotografía, toma directa,
copia analógica sin intervención digital.
5.Abismos hechos de tiempo (madre), 1998, fotografía, toma
directa, copia analógica sin intervención digital.
6.Abismos hechos de tiempo (padre), 1999, fotografía, toma
directa, copia analógica, sin intervención digital.
7.¿Adonde va la luz?, 2008.
8.Antigua conexión de crepúsculos,2011,acrílico sobre tela.
9.El silencioso libro,2008,tinta y acrílico sobre papel
10.En aquel tiempo fuera del tiempo, 2010.
11.Eterno diálogo, 2008, fotografía, toma directa, copia analógica sin
intervención digital.
12.Galería de ecos I, 2001, fotografía, toma directa, copia
analógica sin intervención digital.
13.Gran cielo, pequeño cielo, 1998, tinta sobre papel.
14.Materiales para las Instalaciónes “La Búsqueda” y “La
mesa”.
15.Invasión de alas en la noche, 2004, fotografía, toma directa, copia analógica sin intervención digital
16.La inmortal distancia, 2011, acrílico sobre tela.
17.La vigilia es otra forma de sueño, 2007, tinta y acrílico
sobre papel.
18.Los cuatro cielos del hombre, 2005, acrílico sobre tela.
19.Misteriosa forma del tiempo, 2005, fotografía, toma directa, copia analógica sin intervención digital.
20.Movimiento continuo, 2001, fotografía, toma directa, copia
analógica sin intervención digital.
21.Niebla de lo real I, 2000, fotografía, toma directa, copia
analógica sin intervención digital.
22.Orion y el laberinto de la pasión, 2009-2010, acrílico sobre
tela.
23.Quizás habrá otra puerta, 2007, tinta sobre papel.
24.Raíces celestes, 2010, acrílico sobre tela.
25.Realidad frente a realidad, 2000, fotografía, toma directa,
copia analógica sin intervención digital
26.Río de fuego, 2009, fotografía, toma directa, copia analógica sin intervención digital.
27.Río infinito, 2007, acrílico sobre tela.
28.Río infinito, 2007, tinta sobre papel.
29.Somos gotas en el río de Heráclito, 2010, tinta sobre papel.
30.El borde del vacío, 2002, fotografía, toma directa, copia
analógica.
31.Somos gotas en el río de Heráclito, 2011, acrílico sobre
tela.
32.Substancia de tiempos, 2006, acrílico sobre tela.
33.Sueños que teje y desteje el tiempo, 2010, acrilico sobre
tela.
34.Sueños que teje y desteje el tiempo, 2008, tinta y acrílico
sobre papel.
35.Superficie del sentido, 2002, fotografía, toma dirceta, copia
analógica sin intervención digital.
36.Teoría del equilibrio, 2003, tinta sobre papel.
37.Un cierto sesgo de luz I, 2010, fotografía, toma directa,
impresión sobre duratrans.
38.Un cierto sesgo de luz II, 2010, fotografía, toma directa,
impresión sobre duratrans.
39.Vértigo horizontal,1999, fotografía, toma directa, copia analógica sin intervención digital.
40.Astillas de la noche, 2004, fotografía, toma directa, copia
color.
41.Vestigios de una antigua llama, 2009, acrílico sobre tela.
42.Vivencias casi invisibles, 2010, acrílico sobre tela.
20
OBRAS
Disponible en:
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
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JUAN DOFFO
EL TIEMPO ES OTRO RÍO
Sala Cronopios
Centro Cultural Recoleta
30 de septiembre al 30 de octubre de 2011
Curador: Elio Kapszuk
10
FICHAS.#148
LO REAL COMO CONSTRUCCIÓN CREATIVA
Elio Kapszuk
Suele decirse que hay varias formas de aproximarse a los textos bíblicos. En el principio se trata del texto en forma literal, el cuento tal cual como está escrito. Después aparece la metáfora, que es aquello a lo que se refiere el texto y que no está expresado en forma
explícita. En este estadio, interpretativo, son muy sugerentes las discusiones acerca del verdadero significado del texto. El tercer y último grado podría resumirse en intentar descifrar y
descubrir aquello que el texto protege.
La obra de Juan Doffo podría ser pensada desde esa matriz. Deberíamos referirnos, en primera instancia, a un artista que toma como eje el pueblo en que nació. Mechita está omnipresente en todos sus trabajos. Lo literal nos remite a los paisajes llanos, a la geografía, arquitectura y urbanización de su pueblo. El fuego, como elemento personal, que lo fascinó desde su
infancia e incluso fuefocode sus travesuras de niño.
Claro que quedarnos en la anécdota, en lo costumbrista, en aquello de pintar la propia aldea
para pintar el mundo entero, nos haría dejar de lado el profundo amor de Doffo por la filosofía, por la historia de las religiones comparadas y por las distintas corrientes del pensamiento que han querido dar respuesta sobre el origen del universo y de la existencia humana. Juan
pinta como piensa y es ahí donde ha construido un conjunto de símbolos, signos y metáforas
para convocar a la reflexión, y sobre todo sin límite, simbólico y es una proyección y una
extensión psíquica de su cuerpo develado sólo en aquello en lo que sus obras intentan proteger.
como respuesta a una búsqueda mística, intelectual y personal, donde sus distintas creaciones, pinturas, fotografías, dibujos, instalaciones, se convierten en su obra filosófica.Es en ese
momento sin tiempo en el que el fuego deja de ser el elemento de juego de un chico incendiario capaz de quemar 6 km de líneas férreas de su pueblo y se convierte en otra cosa.El
fuego como revelación, la zarza ardiendo, el fuego (encendido) que no consumía el arbusto.
El fuego como iluminación y señalética efímera, como límite entre creación y destrucción,
como iconografía de la pasión, símbolo de la recordación y metáfora de la vida.
Desde las fogatas de San Juan, ese ritual español que conmemoran todos los 31 de julio en
Mechita, o esas hogueras en el campo donde se quemaban los rezagos de las cosechas, es
donde surgió quizás, el encantamiento por el fuego desde donde se terminó transformando
en un verdadero signo del alfabeto Doffo. Un tamiz por donde modificar la mirada, una acción
que intenta subrayar aquello que de otra forma se diluiría. Límite. Frontera.
Es en este segundo estadio interpretativo en el que todas las obras de Doffo podrían ser visualizadas como metáforas de algo más significativo y profundo que la anécdota. Mechita se desdibuja como un territorio geográfico y se transforma en un espacio del pensamiento cruzado
por la ilusión y la realidad que con dedicación alquimista va dejando rastros en sus obras. El
universo como materia de estudio y como estudio de la materia, lo hace utilizar el cielo y las
estrellas como dos caras de la misma moneda, como Dios y el Diablo hermanados por la
voluntad de la trascendencia.
La presentación de la ilusión como artificio de la realidad se presenta como la búsqueda de
una verdad incuestionable, pero al mismo tiempo, falsa. Doffo dice que la “realidad” es más
una construcción de la mente que un hecho natural. En ese sentido, sus obras son construcciones mentales que, aunque sea obvio, presentan realidades falaces pero con una contundencia creativa que ahonda en la reflexión de la búsqueda. Son descripciones de espacios
que contienen, a su vez, otros espacios que se multiplican casi infinitamente teniendo reminiscencias de la literatura de Kafka y de Borges.
De hecho, la creación literaria tiene presencias desde el título de esta muestra, pero también
en su contexto. Cuando Doffo habla de su trabajo emblemático titulado Ad marginem –que
nos muestra un gran ojo de luz en el centro rodeado de Doffo una estructura circular de ladrillos y, en los bordes, la vida humana representada por las casas de su pueblo– dice que las
respuestas de los grandes interrogantes de la existencia se encuentra en los márgenes. Como
los Cronopios, que pensó Cortázar, que justifican su existencia desde el borde. La pampa de
Doffo vive en él, es un espacio
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8
24il,
20
12
21
U BIC A CIÓ N E N LA S AL A
Expositores
Espacio Central PB.
Arquitectos argentinos
Gob. Santa Fe
Bodegas Giol
Roberto Busnelli
Arquitectos internacionales
Venezuela
H. Guayasamil
Espacio Central PA
Arquitectos argentinos
Salas 1
Botey
Steven. Ehrlich
Iñaqui Avalos
Salas 2
Rinio Bruttomesso
Paul André
Sou Fujimoto
Espacio Historieta
IVAM/ José María Lozano
Sala Prometeus
SCA/proyecciones y Libro de concursos
Salas 3
MCBA / planeamiento
Sala 4
Triptyque
Laureano Forero
Fabio Magalhaes
Vicente Wisenbach
Caruso e Torricella Architetti
Clarín /Fadea (autoportantes)
Sala 5
Joan Sabaté
Urban Think Thank
Geof Shearcroft
Philipe Rahm
Uriel Fogué
Fake Industries
Wolf Prix
J. Botey (personales)
Paneles centrales de Knauf
Pedrosa Rodriguez
Paul Preissner
Sala 6
West 8
Vazquez Consuegra
Jóven Arquitectura Catalana
Clarín /Fadea (autoportantes)
Espacio Living
Croquiseros
Salas 7
Casa Curutchet
Obeliscos
Sala 8
Cesar Pelli
Julio Torcello
Mario Corea
Dahl Rocha
Claudio Sat
Julian Bonder
Salas 9
CPAU
Sala 1 0
Berardo Dujovne
Martín Fourcade
Miguel Baudizzone
Horacio Torcello
Mc Cormack/Wofcy
Carlos Dibar
ACZ
Estudio Cordeyro
BMA
Sala 1 1
BuSarchitektur
Espacio P royecto
CEDU
Sala 1 2
Gerardo Caballero
Alejandro Borrachia
Claudio Ferrari
Jaime Grinberg
Emilio Rivoira
Ruben Cherny
Sala J
International Architects Award
Sala C
European Prize
American Architects Award
40-40
Coordinación General: Ana Aldaburu
Edición y corrección: Andrea Santapaola
Diseño: Maria Ximena Magariños
Fotografía:CeDIP / Fotografía CCR
Disponible en:
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
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F ICHA S# 1 49
XIII BIENAL INTERNACIONAL DE
ARQUITECTURA DE BUENOS AIRES
CONFERENCIAS, EXHIBICION DE OBRAS, CONCURSOS, PREMIOS.
Sala 1 a 13, J y C, Espacio Central, Pasillo Planta Alta y Baja
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
8 al 30 de octubre de 2011
Organizador: Comité de Dirección de la Bienal de Arquitectura
BIENAL 2011
Carlos Salaberry y Enrique Cordeyro
En su edición 2011, la Bienal Internacional de Arquitectura de Buenos Aires - BA11, logró una convocatoria internacional a más de 50 conferencistas de primer nivel quienes desde el 11 al 14 de octubre expresaron sus opiniones, y una muestra en la totalidad del CCR (a excepción de la sala Cronopios)
donde se vieron obras de todas las latitudes.
Con la impronta, ya habitual, de generar un debate de enorme diversidad para barrer lo más posible
el escenario arquitectónico vigente, fueron invitados arquitectos de todas partes del mundo que trabajan en escalas diferentes y no tienen siquiera un discurso común. De las notas periodísticas, los
programas de TV y los diferentes comentarios recogidos a lo largo de estos meses podemos afirmar
que todos y cada uno de los arquitectos invitados, desde su lugar, cautivaron al público.
Como en ediciones anteriores contamos, entre los disertantes, con la presencia de profesionales argentinos que trabajan en nuestro país, representados en esta ocasión por Gerardo Caballero, Silvana
Codina, Claudio Ferrari, Roberto Converti y quienes lo hacen en el exterior como Ignacio Dahl Rocha,
Mario Corea Aiello, Julián Bonder, Cladio Sat, Laura Espinadel y el siempre presente César Pelli.
Todos fueron escuchados por un público atento, grupos en su mayoría de jóvenes estudiantes de arquitectura, que pasadas las horas se movilizaban a bares o veredas para prolongar con sus arquitectos
referentes las charlas informales.
La presencia de Handel Guayasamín, director y responsable de la próxima Bienal de arquitectura de
Quito-Ecuador, marca el inicio de lo que nos gustaría fuera una red de comunicación permanente y
nutritiva entre las varias bienales que se realizan en Latinoamérica para, a través de esta, interactuar
y coordinar acciones conjuntas.
Esta fue la primera edición en la que nos propusimos mantener abierta la muestra por 3 semanas, esa
ampliación en tiempo nos daría la oportunidad para que podamos traer muestras más completas y
sofisticadas. Un claro ejemplo de esto fue el excepcional montaje de sala realizado por el estudio
Colectivo Busarchitectur –liderado por la arquitecta Laura Espinadel desde Austria– para su obra
Campus WU, en Viena.
El Comité Internacional de Críticos de Arquitectura, CICA, dirigido en esta ocasión por la mano de
Manuel Cuadra realizó sus reuniones y debates dentro del marco de la BA11.
Con la inmejorable ubicación que el CCR tiene respecto de la cuidad, nuestro objetivo es atraer hasta
sus salas al ciudadano común, a quienes no son arquitectos, para que miren curiosamente y vean que
detrás de cada edificio hay un grupo de arquitectos tratando de mejorar la manera en que vivimos. La
arquitectura es inevitable y se expresa de muchas maneras, con ejemplos tan contrapuestos como el
Hi-tech europeo o las construcciones culturales con bambú del oriente rural. Para nuestra tranquilidad y sabiendo que asistieron más de 60mil personas en 20 días, podemos decir que el trabajo se
está logrando, que la gente se acerca y mira cuidadosamente una exposición en la cual el relato es lo
construido, todo lo que se ve existe y la gente reconoce, mientras la recorre, lugares donde ha estado, elige otros que le gustaría ver y se familiariza con una materialidad que no le es ajena, muy por
el contrario, con la que convive todas sus horas.
Todas las reuniones de este tipo tienen, si no varias, por lo menos una conclusión, reflexión o enseñanza y en este edición 2011 luego de lo visto y lo oído es remarcable lo que se acortó el camino
entre la gente y la obra de arquitectura.
En concordancia con esta tendencia hacia lo humano no sería exagerado decir que el Centro Cultural
Recoleta es como nuestra casa, los que hacemos la Bienal Internacional de Arquitectura de Buenos
Aires, así lo sentimos, gracias a la entrega de su personal y en particular a Claudio Massetti, su director, es que podemos acomodarnos a nuestras necesidades, plantear nuevos espacios para exponer y
disfrutar 3 semanas de las salas repletas de gente. Tan agradable ambiente se transmite directamente a nuestros visitantes e invitados quienes nos repiten, que más allá de los logros académicos o expositivos es el ambiente informal lo que atrae y uno se lleva consigo, esas charlas de café, los almuerzos y los breaks donde se atan lazos de amistad.
Para terminar esta nota incluyo unas palabras de la arquitecto española Ana Lozano, quien supo definir claramente esta vivencia. “En esta era de la información universal e ilimitada, de comunicación
instantánea, del conocimiento devaluado, son precisamente reuniones como éstas las que consolidan
los saberes. Y el ambiente de la Bienal es especialmente propicio para el diálogo pausado, pues sus
organizadores son anfitriones de excepción que hacen de la cálida acogida de cada uno de sus participantes una reunión entrañable. Quizás les suene a ustedes tremendamente rancia esta percepción,
pero es precisamente de ese clima familiar el que la distingue de otras citas igual de ambiciosas”.
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OBRAS
1 Rosana Schoijett, S/T serie entrevista,
2006/2007, fotografía
2/11 Otilio Moralejo, 10 fotografías analógicas blanco y negro, impresión giclée
s/papel de algodón.
2 Casa de Ulrico, 2002
3 Paremancia, 1996
4 Campana, 2002
5 La demora, 2001
6 Costanera Norte, 2001
7 Espuma, 1999
8 Huellas Urbanas, 2001
9 El pan de cada día, 2001
10 Puerto Madero, 1998
11 Amanece, 1998
12 Martín Bonadeo, El cielo en la tierra
(serie), 2010, toma directa s/papel.
13 Esteban Pastorino, Orión, 2011, fotografía serie de 5.
14 Esteban Pastorino, Obelisco #2, 2003,
backligh serie de 5.
15 Gustavo Di Mario, S/T, 2006/2007.
16 Esteban pastorino, S/T, 2004, backligh
serie de 5.
17 Ignacio Lasparra, S/T, 2001, copia
color.
18 Ignacio Lasparra, S/T, 1999, copia
color
19 Jorge Miño, S/T serie Grandes
Decisiones, 2006
20 Pablo Ziccarello, serie Lumen,
2002/2011, fotografía analógica copia C
21/23 Res
21 Baño de Andrés y Josefa, 11-02-2010,
fotografía analógica copia C
22 Casa de Andrés y Josefa, lado oeste,
Rosario, 03-03-2010, fotografía analógica
copia C
23 Casa de Andrés y Josefa, lado oeste,
Rosario, 04-03-2010, fotografía analógica
copia C
24 Santiago Porter, Edificio Militar, 2007
25 Ignacio Lasparra, S/T, 2000,copia color
26 Juan Doffo, Aura II, 2005, toma directa, copia sin intervención digital
27 Juan Doffo, Tres máscaras del fuego,
2007, toma directa, copia sin intervención
digital
28 Esteban Pastorino, Usuahia, 2003,
serie de 5.
29 Esteban Pastorino, Silos,2004 c-print
serie de 5
30 Dino Bruzzone, Abstracto 65, 2011,
Inkyet print
31 Dino Bruzzone, Astronauta 2, 2011,
Inkyet print
32 Dino Bruzzone, Especialismo, 2011
UBICACIÓN EN LA SALA
Sala C
Coordinación General: Ana Aldaburu
Edición y corrección: Andrea Santapaola
Diseño: Maria Ximena Magariños
Fotografía: Florencia Madrigal
Disponible en:
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
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FICHAS.#150
FOTOGRAFIA
CONTEMPORANEA
ARGENTINA
LUZ Y POETICA DEL ESPACIO. PAISAJES
AURÁTICOS E IMAGINARIOS URBANOS
Sala C
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
4 de noviembre al 4 de diciembre de 2011
Curadoras: Fabiana Barreda y Marcela Heiss
LUZ Y POETICA DEL ESPACIO.
Paisajes auráticos e imaginarios urbanos
Fabiana Barreda. Crítica de arte y artista visual
Acerca de la luz como materia
Acerca de la luz como sistema de representación.
Un dorado rayo de sol descansaba en su habitación.
Hay cierto sesgo de luz en las tardes del invierno que oprime como la profundidad de las
catedrales.
Emiliy Dickinson, poema 254, 1861.
En aquel Imperio, el Arte de la Cartografía logró tal Perfección que el Mapa
de una sola Provincia ocupaba toda una Ciudad, y el Mapa del Imperio,
toda una provincia. Con el tiempo, estos Mapas Desmesurados no satisficieron y los Colegios de Cartógrafos levantaron un Mapa del Imperio, que
tenía un Tamaño del Imperio y coincidía puntualmente con él…
“Del rigor en la ciencia” Lérida 1658, Jorge Luis Borges.
Borges (1899-1986) y Vermeer (1632 – 1675), son la cifra para observar la tradición de
visibilidades que dibuja la historia de la fotografía en Buenos Aires.
Al sur, la tradición atmosférica y ficcional del paisaje creada por los holandeses se materializa en la captura fotográfica.
En cada imagen el acto fotográfico se transforma en psicomagia.
La creación inmaterial de un horizonte simbólico, onírico y romántico, que entrecruza las
huellas de Friederich, Hockney y Hopper, ubica a estos maestros como los custodios pictóricos de una forma de contemplación, un estado sagrado del sujeto.
Fotógrafo y espectador se fusionan formando parte de un instante de comunión psíquica
frente a la inmensidad, en este acontecimiento una luz metafísica crea el paisaje y la ciudad.
Esa luz particular se manifiesta en los microespacios de intimidad de los interiores y en
los macro espacios de las grandes metrópolis.
Desde Las palabras y las cosas de Michel Foucault hasta La poética del espacio de Gastón
Bachelar, la filosofía, la fenomenología, el psicoanálisis, la literatura y el cine fueron creando formas de visibilidades donde la fotografía –entramada en esos enunciados- se construye como una cartografía psicológica del sujeto, el espectador y su cultura.
Esta muestra a través de las obras invita a contemplar la poderosa influencia de la fotografía contemporánea argentina en la creación de imaginarios visuales locales, gestando
una nueva forma de percepción de lo real.
La luz como materia encarnada en el espacio posee una trama histórica nacional e internacional.
Este gran movimiento del “campo fotográfico” en Argentina posee una profunda expansión
cualitativa en los últimos años.
En esta tradición espacial de la imagen se remontan autores como: Coppola, Pintor,
Travnik, Liliana Porter, Goldenstein, López, Bueno, Flores, Zanela, Assef, Da Rin, Sankay,
Lestido, Zimmerman, Chaskielberg, Grosman, Valanci, Trombetta, Villar Rojas, Balbuena,
Aguiar, Kiblisky, Miles, Urresti, Lightowler, entre muchos otros.
Estos autores locales interlocucionan con la obra de los fotógrafos internacionales como:
Sugimoto, Wall, Lorca Di Corcia, Basílico, Gurski, Ruff, Struth, Frank, Hido, Mann,
Crewdson, Sawa, Goldin, Araki, Matta Clark, Mori, Egleston, Demand, Tykka, Vallhonrat,
Yasumura, Shore, Sudek, Michals, Tillmans, Talbot, Casbere, Tarkovsky, Hom, Van
Meeme, Sala, González Torres, Eliasson, Bart, Majuri, Olaf, Gersht, entre otros grandes
autores.
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UBICACIÓN EN LA SALA
OBRAS
1. Sin título, 2011, pintura sobre
chapa
2. Serie Borombombon, 2011, vinilo
sobre muro
3. Serie Borombombon, 2011, vinilo sobre muro
4. Serie Multi, 2011, impresión y
pintura sobre papel
5. Serie Mapas, 2011, impresión
sobre papel
6. Serie Multi, 2011, impresión
sobre papel
7. Plaza, 2011, impresión sobre
papel
8. Sin título, 2011, pintura sobre
chapa
9. Serie Como un lugar, 2011, pintura sobre chapa
10. Serie Como un lugar, 2011, pintura sobre chapa
11. Serie Como un lugar, 2011, pintura sobre chapa
12. Bandera, 2011, globos de colores formando un diseño sobre muro
Sala J
Coordinación General: Ana Aldaburu
Edición y corrección: Andrea Santapaola
Diseño: Maria Ximena Magariños / Federico Palacios
Fotografía: Florencia Madrigal
Disponible en:
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
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FICHAS.#151
ELISA STRADA
BOROMBOMBÓN
Sala J
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
17 de noviembre al 11 de diciembre de 2011
12
BO R O MB OMB Ó N
Elisa Strada. Artista Visual.
Borombombón es una piel o un estado de esa capa gráfica urbana en la que convivimos.
Soporte de imágenes que se materializan en multiplicidad de gráficas. Piel de un
estado de expresión donde juega lo que percibimos dentro del mareo urbano.
Un juego permanente de geometrías, globos, camisetas o casatas que hablan de
nuestros gustos e intereses dentro del recorrido de la muestra o en las mismas
calles de la ciudad.
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3
11
OBRAS
1 Vibración esférica
2 Alicia en el País de las Maravillas 3, 1974
3 Fotogramas elaborados digitalmente 2
4 Fotogramas elaborados digitalmente 1
5 Las mil caras de Jesús,1999, mosaico digital
6 Las mil caras de María,1999, mosaico digital
7 y 8 Serie Alchimia 2 y 1, 1990, jacquard de
seda
9 y 10 Serie Alessi 1 y 2,1993,arte digital 3D
11 y 12 Serie Alchimia 3 y 4, 1990, jacquard de
seda
13 a 18 Serie Faistaff 1 a 6, 1991, arte digital
19 Proyección
20/24 Proyectos y Entrevistas
25 MATEntosh, 2010, silla madera, casa FOA
26 Reflejos y transparencia, 2007, escultura en
cristal
27 Perspectiva corpórea, 2003,cono entelado
28 Anillos Concéntricos, móvil
29 Objeto
30 a 33 Interactiva 1 a 4, 2008,esc.lumínicas
acrílico
34Tridimensional,2008,esc.lumínicas acrílico
35 Bandera Bicentenario, colección Nespresso,
2010, obra realizada, c/cápsula de café
36 Cortázar Bicentenario, colección Nespresso,
2010, obra realizada c/cápsula de café
37 Las mil caras de Evita, 1999, mosaico digital
UBICACIÓN EN LA SALA
38 Las mil caras de Gardel, 2001,mosaico
dig.
39 La otra cara de la Luna, inst., parees, piso
y techos espejados y una esfera iluminada
40 Fragmentación planetaria, 2008, acr.s/tela
41 Calado s/fondo naranja, 2008, acr.s/tela
42 Fragmentación esférica, 2008, acr.s/tela
43 Electric Circus, 2011, Obra realizada en
neones
44 Círculos fluorescentes, 2010, acr.s/tela
45 Esfera Terrarum, 2008, acr.s/tela,
46 Colmena Lupar, 2009, acr.s/tela
47 Magnitud circular, 2010, acr.s/tela
48 Máscara, 2008, acr.s/tela
49Anillos estelares, 2008, acr.s/tela
50 Mellizas magenta, 2008, acr.s/tela
51 Proyección concéntrica, 2008, acr.s/tela
52 DOT amarillo, 2008, acr.s/tela
53 Calado multicromático, 2010, acr.s/tela
54 Avalón, 2007, acr.s/tela
55 Encastrados, 2010, acr.s/tela
56 Protagonistas, instalación esfera iluminada
57 Neónica, 2010, acr.s/tela
58 Afiches enmarcados
Coordinación General: Ana Aldaburu
Edición y corrección: Andrea Santapaola
Diseño: María Ximena Magariños/Federico Palacios
Fotografía: Florencia Madrigal
Disponible en:
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
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PLA,
FICHAS.#152
40 AÑOS EN EL
ARTE
Sala Cronopios
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
10 de noviembre al 4 de diciembre de 2011
Curador: Julio Sánchez
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PLA, 40 AÑOS EN EL ARTE
Elio Kapszuk. Director Operativo de Programación y Curaduría del CCR
Asumiendo que el arte es la materialización de una idea original, y teniendo en
cuenta el requerimiento a los artistas para que sean testigos de su tiempo, podría
conjeturarse que el testimonio de época debe incluir las formas de expresión
naturales del momento. La clasificación a través de la adjetivación de la palabra
arte, induce a crear subcategorías para que ellas sean analizadas solamente desde
esa perspectiva. Esta tipificación, a veces, no habla de la particularidad de una
forma sino de un subgénero en términos cualitativos, y por lo tanto, en un imaginario en el cual hay arte más significativo que otro. En términos académicos, la
clasificación permitiría el estudio específico, pero en ningún caso debería significar la valoración y la supremacía de uno sobre otro.
En este sentido, el campo de las artes visuales debería ser entendido como un
abanico plural donde las herramientas que se utilicen no sean excluyentes entre
Eduardo Pla hace 40 años que se expresa artísticamente con las herramientas
que más conoce, trazando el derrotero conceptual sobre el arte contemporáneo en
los tiempos de la globalización tecnológica. Da cuenta del vínculo fértil y expansivo entre el arte y la tecnología, convirtiéndolo en dos caras de la misma moneda desde una perspectiva compleja y lúdica.
Esta retrospectiva en la sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta, marca con
contundencia la posibilidad que lo virtual y lo real sean sinónimos a la hora de
pensar las obras de arte pero también el mundo que nos toca vivir. El recorrido
que plantea el artista por sus distintas etapas, permite un acercamiento pedagógico, no solamente a su trayectoria pionera sino también al conjunto de ideas y
pensamientos que durante las últimas cuatro décadas fueron eje de la discusión,
creación e investigación artística. Continuará…
si y que permitan una convivencia enriquecedora en pos de la expresión artística.
A 100 años del nacimiento de Marshall McLuhan, y más allá de cierta visión crítica sobre sus predicciones, podríamos reconocerle la naturalización de la tecnología en la vida cotidiana y la utilización de la misma dentro de los procesos creativos en el campo del arte.
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UBICACIÓN EN LA SALA
20 Calfucurá muestra la piedra azul en las
tolderías de Salinas Grandes, 2011.
Acrílico s/ tabla.
21 Proyecto para monumento ecuestre del
cacique Gral. de las pampas Cipriano Catriel,
2011. Acrílico s/ tela..
22 Pampa I, 2011. Acrílico s/ tela.
23 Pampa II, 2011. Acrílico s/ tela.
24 Acampe en el Indoamericano (2011)
Técnica mixta s/ tela.
25 Malón de protesta, 2011. Acrílico s/ tela.
26 Batalla de Sierra Chica, 2011.
Acrílico s/ tabla.
27 El Museo, 2011, a Acrílico s/ tela.
28 Amanecer antes de la batalla de San
Carlos de Bolivar (2011) Acrílico s/ tela.
29 Después de la Batalla de San Carlos,
2010. Acrílico s/ tela.
30 Soy la piedra azul, 2011. Acrílico s/ tela.
31 El lanceamiento de Cipriano Catriel y
Santiago Avedaño, 2011 Acrílico s/ tabla.
32 Las águilas miran al norte, 2011. Acrílico
s/ tabla.
33 La piedra Azul, 2010. Acrílico s/ tabla.
34 Regues en Salinas Grandes, 2011.
Acrílico s/ tabla.
35 Moscardón enardecido (2011) Resina
poliéster y acrílico.
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1 Que las riquezas de la pampa sean para
todos, 2009, acrílico s/tela
2 Retrato ecuestre del restaurador II, 1987,
óleo s/tela.
3 Civilización, 2011, acrílico s/ tela.
4 Barbarie, 2011, acrílico s/ tela
5 Soy la flecha que anhela la herida, 1992,
óleo y acrílico s/ tela
6 Ulmen, El imperio de las Pampas, 2011,
proyección: realización: Tamara Florin / Guido
Tomio, música: Hernán Ian
7 Cacería, 2011, acrílico s/ tela
8 Las águilas miran al norte, 2011, acrílico s/
tela
9 Pampa III, 2011, acrílico s/ tela
10 La línea I, 2011, acrílico s/ tela
11 La línea II, 2011, acrílico s/ tela
12 La línea III, 2011, acrílico s/ tela
13 El Museo, 2011, acrílico s/ tela
14 Lehman-Nietzsche en el Museo de la
Plata, 2011, acrílico s/ tabla.
15 Trofeos, 2011, acrílico s/ tabla
16 El curador, 2011, acrílico s/ tabla
17 Regues en Salinas Grandes, 2011, acrílico s/ tela
18 Proyecto para monumento ecuestre del
cacique Gral. de Salinas Grandes Juan
Calfucurá, 2011.Acrílico s/ tela.
19 Proyecto para monumento ecuestre del
Cacique Painé, 2011. Acrílico s/ tela.
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OBRAS
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Coordinación General: Ana Aldaburu
Edición y corrección: Andrea Santapaola
Diseño:María Ximena Magariños
Fotografía: Florencia Madrigal /Prensa
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Disponible en:
www.centroculturalrecoleta.org
[email protected]
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FICHAS.#153
DUILIO PIERRI
ULMEN. EL IMPERIO DE LAS PAMPAS
Sala Cronopios
Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
15 de diciembre de 2011 al 29 de enero de 2012
Curador: Elio Kapszuk y Guillermo David
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El imperio de las pampas en una muestra de pintura
Viviana Ponieman
El artista Duilio Pierri presenta “Ulmen, el imperio de las pampas”, donde a través de un conjunto de
50 obras recientes revisa la historia argentina y las políticas de masacres de la “Conquista del desierto” en el Centro Cultural Recoleta.
“En la Argentina hay muertos que viven. Muchos. Miles”. Con estas palabras inicia Guillermo David
su extenso prólogo a manera de tesis para esta muestra, que recuerda las ideas de Rodolfo Walsh para
su “Operación Masacre”: “Hay un fusilado que vive”.
En este caso los trabajos de Pierri operan como voz de las víctimas, intentan un revisionismo para
entregarnos otro relato, reivindicar a nuestros “paisanos los indios” como los llamaba San Martín, e
interpelar esa parte de nuestra historia que es un presente continuo en cuanto genocidio.
Como afirma David, ni siquiera tenemos en nuestra lengua una manera de nombrarlos correctamente:
de salvajes a indígenas, de indios a aborígenes, o lo actualmente “correcto” pueblos originarios, ninguna de éstas hace justicia con quienes resistieron a los españoles desde su arribo a estas costas y
fundaron la nación mapuche como primer territorio libre de América con el nombre de “Araucaria”.
Cualquiera de los sustitutos que surjan está teñido del desprecio de una lengua que denota su alteridad radical en relación a aquello que nombra, sostiene el historiador, y desde el centro de ese dilema se inscribe la investigación que alumbra esta parte oscura de nuestras tradiciones.
Porque el arte dialoga con los muertos, y convoca sus ánimas que en este caso son presencia en las
manos de Pierri, quien las pintas con un dibujo deshecho, hombres en cueros de a caballo, indígenas
sin rostro, pieles rojas con lanzas, desarmados como inacabados bocetos gigantes, apuntes de lo que
fue trunco y que aún no tiene forma ni en nuestro imaginario ni en la lengua.
Remolinos de manchas que se pelean, revueltos que describen batallas, como en las escenas infantiles donde en el papel se hacen presentes conflictos pesadillas sueños y deseos.
De este modo con la materialidad de lo pictórico se dirimen los discursos simbólicos, como en un
enorme “story- board”, una historieta gigante que devuelve el relato de esas almas, a través de los
colores del artista que se tomó el trabajo en serio y acudió a Guillermo David -curador del Museo del
Grabado-, investigó libros y lugares, historias y museos como el de Ciencias Naturales de La Plata,
donde todavía se exhibe la cabeza del cacique Cafulcurá.
Allí también se pueden consultar las cartas donde Francisco (Perito) Moreno le cuenta a su padre que
pronto conseguirá “los huesos de toda la familia Catriel (sic)”.
De este modo el artista revela los usos y costumbres de esos tiempos no tan lejanos cuando en lugar
de antropología o etnografía se hacía entomología y arqueología instantánea, es decir, se mataban y
limpiaban de carne los esqueletos para colgarlos en los escaparates.
El artista retoma tradiciones pictóricas propias y ajenas, las figuras de los aborígenes tienen las proporciones grecolatinas, que Pierri rescató de trabajos anteriores, y los enemigos son encarnados por
batallones de insectos, hombres mosquitos, que durante su estadía neoyorquina en los años 80 retrató como perpetradores de la violencia latinoamericana y de la dictadura argentina.
En los furiosos contrastes expresionistas que habitan estas grandes telas se yerguen varios retratos
ecuestres, el primero realizado hacia 1987 para la serie de “El Matadero”, y la réplica de las formaciones en línea que se ven en los cuadros de Ángel Della Valle y Juan Manuel Blanes a la manera de
Pierri.
Dos acrílicos de 180 x 242cm marcan la cancha, determinan la mirada del artista sobre la dicotomía
sarmientina y nos abre el campo del pensamiento.
En “Barbarie” Duilio nos presenta un paisaje bucólico con fuertes citas a “La danza” de Matisse
realizado en 1909 y a “Le Déjeuner surl`Herbe” de Manet, que en 1863 indignó a los círculos parisinos: cuerpos desnudos que descansan, se bañan en el arroyo, juegan y bailan sobre la verde vegetación y hacia el horizonte sus chozas precarias, todo en un armonía de cuentos y en convivencia
pacífica con animales, mariposas y abejas.
Mientras que en “Civilización”, los cuerpos descuartizados yacen sobre pinceladas rojas, otros cuel-
gan estaqueados, al fondo un pelotón de fusilamiento contra un paisaje incendiado, y lo
único vivo son esos insectos antropomórficos vestidos de uniforme.
Este tópico irredento de la historia mal contada que arrastra sus huellas hasta nuestros
días es señalado con la hermosa pintura, una de las más grandes, casi abstracta, y
donde la paleta se vuelve densa de materia y toma los tonos de la tierra.
Hubo un tiempo de convivencia y de intercambio antes de la masacre, afirma este artista
de larga trayectoria que con esta muestra invoca al sentido de justicia del pasado para operar de
un modo liberador hacia el futuro.
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