Catálogo Oficial IFF Panamá 2016

Transcripción

ÍNDICE | INDEX
4
EDITORIALES | EDITORIALS
15
EQUIPO | STAFF
19
FUNDACIÓN IFF PANAMÁ | IFF PANAMA FOUNDATION
26
P R E M I OS DE L P ÚBL ICO | AUDIE NCE AWAR D S
29
P O RTA L IBE ROAME RICANO | IBE RO-AMERICA N SHOWC ASE
81
P R E S E NTACIONE S E SP E CIAL E S | S P E CIAL PRESEN TATION S
95
HISTORIAS DE AMÉRICA CENTRAL Y EL CARIBE |
STORIES FROM CENTRAL AMERICA AND THE CARIBBEAN
113
P O RTA L INT E RNACIONAL | INT E RNAT ION AL SHOWC ASE
147
H O M E NAJ E A L UCÍA BOSÉ | T RIBUT E TO LUCÍA BOSÉ
157
DOCUMENTALES | DOCUMENTARIES
179
PARA TODA LA FAMILIA | FAMILY SCREENINGS
189
DICINE PANAMÁ | DICINE PANAMA
198
ÍNDICE | INDEX
202
AGRADECIMIENTOS | ACKNOWLEDGMENTS
4
JUAN CARLOS VARELA R.
presidente de la república de Panamá
President of the Republic of Panama
Por quinto año consecutivo Panamá vuelve
a ser epicentro del séptimo arte con la
celebración del V Festival Internacional de
Cine de Panamá, que en esta ocasión exhibirá
más de 70 producciones de distintas partes
del planeta, generando en nuestro país
una experiencia cultural que vale la pena
aprovechar.
El Festival Internacional de Cine de Panamá se
ha convertido en una ventana para apreciar y
disfrutar del cine de otras latitudes, así como
de nuestra creciente industria nacional. Esta
For the fifth consecutive year Panama is again
the epicenter of cinema with the celebration
of the V International Film Festival, which this
time will feature more than 70 productions
from around the planet, creating in our
country a cultural experience worth taking.
The opportunity to appreciate and enjoy
movies from other regions, as well as our
growing domestic industry, allows us to enjoy
experiencia nos permite a los espectadores
conocer historias, idiosincrasias y acercarnos
a reflexiones sobre lo que somos y las
sociedades que estamos construyendo.
Felicito a cada una de las personas
involucradas desde hace cinco años en esta
iniciativa, que cada vez gana mayor arraigo
y seguidores. Desde el Gobierno de la
República de Panamá reafirmamos nuestro
compromiso de seguir contribuyendo a
su organización, junto al desarrollo de la
industria cinematográfica en nuestro país.
stories, idiosyncrasies and understand who
we are and the societies we are building.
I congratulate everyone involved during
the last five years with this initiative that is
gaining more followers and a broader public.
Our Government reaffirms its commitment
to continue contributing to its organization
and also with the development of the film
industry in our country.
5
Augusto Arosemena
Ministro de Comercio e IndustriaS
Minister of Commerce and Industry
Promover el desarrollo de la industria es la
tarea primordial de nuestro Ministerio. Y, en
esa labor, estamos conscientes de que las
industrias culturales son un factor vital para
el desarrollo integral de los panameños.
A través de nuestro respaldo y organización
de cursos, seminarios, talleres, festivales
y la promoción internacional de nuestros
cineastas y de sus obras, estamos
fomentando el crecimiento de una industria
que se ha ido solidificando aceleradamente.
El cine, con su mágica capacidad de convertir
lo cotidiano en memorable, nos enseña a
percibir, a entender y a sentir la vida desde
otras perspectivas.
Nos sentimos realmente orgullosos de apoyar
nuevamente al Festival Internacional de Cine de
Panamá, IFF Panamá, felicitamos a sus directivos
y les auguramos el mayor de los éxitos.
Promoting the development of the film
industry is our Ministry’s primary task. In this
work, we are aware that cultural industries
are a vital factor in the overall development
of Panamanians.
Through our support and organization
of courses, seminars, workshops, and
festivals plus international promotion of
local filmmakers and their works, we are
encouraging the growth of an industry that
has been rapidly solidifying.
Cinema, with its magical ability to turn the
ordinary into the memorable, teaches us
to perceive, understand, and feel life from
other perspectives.
We are truly proud to once again support the
International Film Festival of Panama (IFF
Panama); we applaud its team and wish them
the best of success.
6
GUSTAVO HIM CASANOVA
Ministro de turismo, autoridad de turismo de panamá
Minister of Tourism, Panama Tourism Authority
Hoy, a cinco años de la primera edición del
Festival Internacional de Cine de Panamá,
éste se ha posicionado como el escenario más
adecuado para que Panamá sirva de canal de
exposición de decenas de películas de todas
partes del mundo a cientos de representantes
de la industria cinematográfica internacional
y a miles de espectadores entusiastas que
disfrutan de nuevas producciones.
Pocas manifestaciones artísticas son tan
completas y logran la complicidad del público
de una manera tan profunda, es por esto que
la Autoridad de Turismo de Panamá, apoya el
turismo cinematográfico, ya que el cine es una
invitación al viaje, a una vida nueva, a lugares
y monumentos, que se revela con una luz
fascinante y cautivadora, que invita y atrae a
turistas de muchas regiones.
Durante siete días Panamá se vestirá de
cine, y nos convertiremos en una plataforma
efectiva para los nuevos talentos, educándolos
con talleres y charlas de profesionales de la
industria a nivel mundial.
Aprovecho para dar la bienvenida a todos
los cineastas, a nuestros hermanos de
Latinoamérica y a todos los que por primera
vez nos visitan, buscando con su presencia
tender mejores puentes para el intercambio y
el entendimiento.
La industria audiovisual y el cine en particular
están adquiriendo cada vez más protagonismo
en el sector turismo. Las salas de cine tomarán
vida cuando directores y actores visiten
Panamá y en el ambiente se respire cultura y
amor por el buen cine.
Today, five years in, the International Film
Festival of Panama has established itself as
the best-fitting stage for Panama to serve
as a channel for the showcasing of dozens
of films from around the world and hundreds
of representatives of the international
film industry to thousands of enthusiastic
spectators who enjoy new productions.
For seven days Panama will become the
embodiment of cinema; becoming an
effective platform for new talent and
educating audiences through workshops
and lectures from worldwide industry
professionals.
The audio-visual and film industries in
particular play an increasingly prominent role
in the tourism sector. Cinemas come to life
when directors and actors visit Panama; the
environment lives and breathes culture and
love for good cinema.
Así pues, disfruten de esta extraordinaria
fiesta de buen cine. ¡Sean todos bienvenidos al
Festival Internacional de Cine de Panamá!
Few art forms so completely achieve
profound audience involvement. This is why
the Autoridad de Turismo de Panamá (Tourism
Authority of Panama) strongly supports film
tourism – cinema is an incitement to travel;
to new life; to experience new locales and
monuments, painting them in a fascinating
and captivating light that invites and attracts
tourists from many regions.
I’d like to take this opportunity to welcome all
filmmakers, our Latin American brothers, and
everyone visiting us for the first time who
seek, with their presence, to build stronger
avenues for exchange and understanding.
So… enjoy this extraordinary feast of quality,
satisfying films. Welcome, everyone, to the
International Film Festival of Panama!
7
JOSÉ I. BLANDÓN
ALCALDE DE PANAMÁ
M AYO R O F PAN AM A
Desde el inicio de nuestra gestión, hemos
puesto un gran cuidado en que la Alcaldía
sea un vehículo de acceso a la cultura. El
costo de un boleto de entrada no debería
ser impedimento para una oferta artística
rica y abundante. En este sentido, con la
creación de los Puntos de Cultura en los
corregimientos de este distrito, se ha dado
un primer paso para desconcentrar la oferta
cultural a lo largo de nuestros corregimientos,
atendiendo a gran cantidad de jóvenes y
niños de esta ciudad, pero también a adultos
mayores, amantes del bolero y otros géneros
del patrimonio cultural latinoamericano.
Desde esta lógica, hemos reforzado el apoyo
a eventos tanto en los barrios, como aquellos
que son hito de la vida cultural de nuestra
Since the beginning of our administration,
we have taken great care to make municipal
government a vehicle for access to culture.
The cost of a ticket should not be an
impediment to rich, artistic activities. In this
sense, the creation of the Puntos de Cultura
(Culture Points) in the district’s communities
has been a strong first step toward
decentralizing cultural activities throughout
our neighborhoods, serving a large number
of youth, children, and adults in this city;
enthusiasts of bolero, for example, and other
genres of Latin American cultural heritage.
Using this logic, we have strengthened
support for events in our communities
including important milestones in the
ciudad tales como el Festival de Jazz, la
Feria Internacional del Libro y en este caso
al Festival Internacional de Cine de Panamá
ya que todos ellos están generando espacios
para que las personas de esta ciudad disfruten
de eventos de excelencia que contribuyen
a elevar la calidad de vida de aquellos que
asisten a ellos. Muchos se desarrollan en
espacios públicos, con el arte como excusa
para una ciudad que conecta a las personas de
todas las edades y estratos sociales.
Una ciudad cultural, con ciudadanos
disfrutando sus espacios públicos gracias
a una amplia oferta artística que tanto
potencie nuestro talento local, como
muestre la gran cultura universal, es nuestra
aspiración como Alcaldía.
cultural life of our city such as the Jazz
Festival, the International Book Fair, and, in
this case, the International Film Festival of
Panama. All of these create opportunities
for the people of this city to enjoy excellent
events that contribute to a better quality of
life for those who attend them. Many such
events take place in public spaces, using art
as a pretext to connect people of all ages and
social strata across the city.
A cultural city, whose citizens enjoy public
spaces offering a wide variety of artistic
activities that both empower local talent and
demonstrate great universal culture, is our
administration’s aspiration.
8
Janelle B. Davidson
Directora General, Instituto Nacional de Cultura
General Director , National Institute of Culture
Una vez más el país se viste de lujo con el
Festival Internacional de Cine (IFF Panamá),
oportunidad que es acogida y celebrada
por el Instituto Nacional de Cultura por
ser este evento uno de los ejes culturales
de más importancia en Panamá. Ya en su
quinta edición, nuestro festival de cine sigue
demostrando un crecimiento sostenido desde
su creación en el año 2012. A los espectadores
nacionales y también a los que nos visitan
desde otros rincones del mundo, ¡bienvenidos!
Es necesario resaltar la altísima convocatoria
que ha tenido esta versión del IFF Panamá, para
la cual fueron presentadas a consideración
más de 294 obras cinematográficas. Más de 70
de estas películas se presentarán en teatros,
cines, centros comerciales y parques. Estas
vitrinas, a su vez, servirán como puntos de
encuentro para el público cinéfilo, estrechando
Once again, the country dons its luxurious
veneer for the International Film Festival of
Panama (IFF Panama), an opportunity both
welcomed and celebrated by the Instituto
Nacional de Cultura (National Institute of
Culture) as one of Panama’s most important
cultural axes. Now in its fifth edition, our film
festival has seen sustained growth since its
inception in 2012. To our national audience
and those visiting us from abroad… welcome!
It is necessary to emphasize the remarkable
response this version of IFF Panama has
experienced; over 294 were submitted for
consideration. More than 70 of these films will
be presented in theaters, cinemas, shopping
centers, and parks. These showcase venues, in
turn, serve as meeting points for cinephiles;
strengthening ties between members of a
living, breathing culture through discussions
lazos entre miembros de una cultura viva, a
través de conversatorios y conferencias. Como
todos los años, el IFF Panamá entretendrá a los
espectadores, provocará reacciones y generará
intercambios de opiniones, demostrando así
su vigencia e importancia como un proyecto de
desarrollo cultural y educativo.
Felicitamos
y
agradecemos
a
los
organizadores del IFF Panamá por su
tenaz compromiso de seguir impulsando el
desarrollo del séptimo arte para enriquecer la
oferta cultural en nuestro país. Agradecemos
también al público y patrocinadores, pues sus
esfuerzos hacen posible darle continuidad
a tan loable proyecto año tras año. Dada
la diversa cartelera que ofrece el festival,
sabemos que todos los gustos encontrarán
obras a su satisfacción. ¡Que disfruten la
función!
and conferences. As always, this year IFF
Panama will entertain viewers, provoke
reactions, and generate open exchanges of
views; thus demonstrating its validity and
importance as an ongoing project for cultural
and educational development .
Congratulations and thanks to IFF Panama’s
organizers for their steadfast commitment
to further advancing the development
of the seventh art to enrich our country’s
cultural offering. We also thank the public
and sponsors for their efforts: they make
it possible to continue this worthy project
year after year. With the Festival’s diverse
program, we know everyone can once again
discover satisfying, enjoyable films.
Enjoy the show!
9
STEPHAN K. PROAÑO
DirectoR General de Cine, Ministerio de Comercio e Industrias
PANAMA FILM COMMISSIONER, Ministry of Commerce and Industry
Panamá está siendo registrado todos los
días por el lente y el arte de los cineastas
panameños. Con su sensibilidad y una
inagotable búsqueda de nuestras raíces y
de nuestra historia, están aportando a la
creación de una identidad nacional a través
de las pantallas nacionales y extranjeras.
Desde diversos ángulos, los protagonistas
de la industria cinematográfica local han ido
depurando su capacidad profesional y, en
consecuencia, la calidad de sus productos.
Así lo demuestra la importante cantidad
de premios y distinciones recibidas en el
exterior por películas panameñas.
Panama is being recorded every day through
the lenses and artistic talent of Panamanian
filmmakers. With their cultural sensibility
and endless exploration of our roots and our
history, they are contributing to the creation
of a national identity through domestic and
international screens.
From various angles, local film industry
protagonists have been refining their
professional capacity and, consequently,
the quality of their products. This is
evidenced by the large number of important
awards and distinctions Panamanian films
receive abroad.
Nuestra tarea de fomento y apoyo a eventos
y proyectos locales dedicados a la formación
de una cultura cinematográfica en el país, es
cada vez más intensa. Estamos orgullosos
por el aporte que hemos brindado, desde sus
inicios, al Festival Internacional de Cine de
Panamá, IFF Panamá. Con solamente cuatro
ediciones previas ya se ha consolidado como
el más importante de la región y ha establecido
sólidas alianzas con los principales festivales
del mundo. ¡Felicitaciones!
Our task, promoting and supporting local
events and projects dedicated to the
development of the country’s film culture,
is becoming more and more intense. We
are proud of the contributions we have
provided to the International Film Festival
of Panama (IFF Panama) since its beginning.
With only four previous editions, IFF Panama
has already established itself as the most
important film festival in the region and
has forged strong partnerships with major
festivals worldwide. Congratulations!
10
PITUKA ORTEGA HEILBRON
DIRECTORA EJECUTIVA, IFF Panamá
EXECUTIVE DIRECTOR, IFF PanamA
Casi 90 mil asistentes, 480 invitados
especiales, 345 películas, 20,000 personas
que han aprovechado cine, talleres, charlas y
conversatorios gratuitos, entre ellos, niños
y adolescentes; exposición contundente en
medios locales e internacionales, un aporte
de más de B/11,000,000.00 a la economía
local y una alianza con el Festival de Cannes
son algunas de las cifras e hitos que definen a
IFF Panamá cuando llegamos a nuestro quinto
aniversario. Hemos además fortalecido con
estos logros nuestra misión de servir a una
industria local y regional que busca espacios
para hacerse ver y sentir.
Cada año intentamos presentar un mejor
festival, gestión que sólo es posible con el
determinante respaldo de los entes del estado
panameño, de la generosa empresa privada,
de solidarios particulares, de la prensa
nacional y de nuestros queridos voluntarios.
Deseamos que el alcance del festival entre el
público nacional e internacional y la industria
Nearly 90 thousand participants. 480 special
guests. 345 movies. Over twenty thousand
people have taken advantage of free film
screenings, workshops and lectures, including
children and youth. Strong exposure in local
and international media, a contribution of
over $11,000,000.00 to the local economy, a
partnership with Cannes Film Festival, these
are just some of the figures and milestones
that define IFF Panama as we mark our fifth
anniversary. With these achievements, we’ve
proven our initial mission successful: to
provide our local and regional filmmakers a
space to be seen and heard.
Each year we strive to present an even better
festival, and we do, because of the strong
support from Panamanian government
entities, generous private companies and
individuals, the national press, audience
solidarity, and our wonderful volunteers. We
cinematográfica nacional y regional sea parte
de nuestra agradecida retribución.
En este proceso de desarrollo del festival,
hemos vivido el poder transformador del cine
cuando una y otra vez el público expresa el
impacto que una película hizo en él, porque
descubrió algo que no sabía, porque lo hizo
cuestionarse o porque lo hizo sencillamente
disfrutar. Esto es un hecho que estremece,
y no es algo menor. Es por el contrario algo
importante tanto en el contexto cultural como
educativo, sociológico y antropológico, y para el
equipo de IFF Panamá, se convierte en la razón
de existir y seguir luchando por este festival.
Hacemos una pausa para revivir estos
momentos y recapitular, y es claro que aún
hay mucho por hacer. Pero hoy celebremos
el cine, celebremos este festival y todo lo que
ha traído consigo y demos gracias a todos
quienes nos han acompañado y apoyado.
¡Bienvenidos a esta quinta edición de tu IFF
Panamá y qué viva el cine!
only hope they see the fruit of their support
with the results of IFF Panama as of today.
Throughout the last four years, we have
lived the transformational power of cinema
through our audiences as they express how
film touches them.
When they discover
something they didn’t know, are moved
to question themselves, or just enjoy the
experience, it is awe-inspiring to us.
The
cultural, sociological and anthropological
impact of cinema is the reason why we exist
and continue our unwavering duty to this
festival.
Even as we pause to savor these moments,
there is still much to be done. For today, let’s
celebrate Cinema; this festival and the joy of
films. We celebrate all who have accompanied
and supported us. Welcome to your fifth
edition of IFF Panama… long live cinema!
11
DIANA SáNCHEZ
Directora Artística, IFF Panamá
ArtIstic Director, IFF PanamA
Bienvenidos a la quinta edición de IFF Panamá,
nuestra edición más emocionante hasta
la fecha. En apenas cinco años nos hemos
convertido en un punto de referencia del cine
para Panamá y para el resto de Centroamérica,
y hemos ayudado a ubicar a Panamá en el mapa
del cine mundial. Hemos traído realizadores,
actores, productores y otros profesionales de
la industria de todo el mundo y hemos creado
un punto de encuentro para nuestros invitados
internacionales con la audiencia y la industria
local. Este año esperamos llevarle cine a un
número mayor de espectadores y de esta
manera cumplir nuestro mandato de hacer del
cine algo que todos pueden disfrutar así como
ofrecer más acceso y más programación para
más comunidades.
Una de los aspectos más emocionantes
de nuestro programa es el homenaje a la
reconocida actriz italiana Lucía Bosé, quien
trabajó con algunos de los más importantes
Welcome to the fifth edition of IFF Panama,
our most exciting festival yet. In five short
editions we’ve become a reference point
for cinema from Panama and the rest of
Central America, and have assisted in placing
Panama on the world’s cinematic stage. We’ve
brought filmmakers, actors, producers and
other industry professionals from around
the world and created a meeting point for
our international guests with local audiences
and the local industry. This year, we hope to
bring cinema to larger audiences and to fulfill
our mandate that cinema is something that
everyone can enjoy by providing better access
and more programming to more communities.
One of the most exciting facets of our program
is our homage to internationally renowned
Italian actress, Lucía Bosé, who worked with
some of the most important names in cinema
directores en la historia del cine, incluyendo
a Michelangelo Antonioni y a Luis Buñuel. Hoy
en día residente en Panamá, Bosé presentará
algunas de las películas que la convirtieron en
una figura reconocible, y recibirá a invitados
especiales quienes nos acompañarán a
celebrar su carrera.
Desde sus comienzos, IFF Panamá ha
estado dedicado a aumentar la visibilidad
de las películas y los realizadores locales y
de la región. Nuestra sección Historias de
Centroamérica y del Caribe incluye películas
de ocho países, y tenemos filmes panameños
en tres de nuestros programas. Así mismo,
nuestro Panorama Iberoamericano presenta
lo mejor y más destacado de toda la región,
al tiempo que seguimos presentando
documentales y largometrajes del mundo
entero. Este es un año emocionante para
el cine y estamos encantadas de poderlo
compartir con todos ustedes.
history, including Michelangelo Antonioni and
Luis Buñuel. Now residing in Panama, Bosé
will present some of the films that made her
a household name as well as welcome some
special guests to Panama to share in our
celebration of her career.
From its nascence, IFF has been dedicated
to increasing visibility of local films and
filmmakers as well as the broader region.
Our Stories from Central America and the
Caribbean includes films from 8 countries,
and films from Panama are shown across
3 programs. As well, our Iberoamerican
programming showcases the best and
brightest from the region at large, while
we continue to showcase documentaries
and features from around the world. It’s an
exciting year for film and we are thrilled to be
sharing it with you.
12
YASSER WILLIAMS AROSEMENA
Presidente, Fundación IFF Panamá
President, IFF Panama Foundation
Sin duda, éxito sólo viene antes de trabajo en
el diccionario.
a conocer nuestro maravilloso país, sino a
compartir su conocimiento y experiencia.
Es motivo de gran felicidad ver cómo hemos
alcanzado, con el arduo esfuerzo de un
equipo impecable, el apoyo invaluable de
las instituciones gubernamentales y de la
empresa privada, así como de benefactores y
voluntarios, para así desarrollar con éxito un
festival de cine que está dando de qué hablar
internacionalmente.
Sin embargo, tenemos grandes retos por
delante. Deseamos aumentar nuestro
alcance; llenar todos los asientos durante las
proyecciones; que los talleres educativos que
realizamos sean aprovechados al cien por
ciento y, sobretodo, continuar demostrando
la importancia que tienen los eventos
y espacios culturales para potenciar el
desarrollo de la cinematografía regional y de
la sociedad panameña.
Año tras año, el Festival Internacional de Cine
de Panamá se ha fortalecido: con el aumento
de la cantidad de personas que en él participan;
con la creación de programas como Primera
Mirada, que influyen de manera directa en la
cinematografía regional al brindar apoyo a los
realizadores de Centroamérica y el Caribe;
al traer a personalidades de la industria
cinematográfica que no solamente vienen
En retrospectiva, de una idea que sonó en
ocasiones descabellada y casi imposible de
realizar, hoy el sueño se ha vuelto realidad:
nuestro país se encuentra celebrando la
quinta edición del Festival Internacional
de Cine de Panamá, algo de lo que todos
debemos sentirnos orgullosos.
Without a doubt, the only place ‘success’
comes before ‘work’ is the dictionary.
share their knowledge and experience while
they’re here.
It brings me great happiness to see how
we have attained, with hard work and our
impeccable team, invaluable support from
government institutions, private enterprises,
and many other benefactors and volunteers
to successfully develop a film festival with
strong international buzz.
However, great challenges still lie ahead. We
want to increase our reach; to fill every seat
during screenings; to see our educational
workshops’ attendance and performance
reach one hundred percent capacity and,
above all, to continue demonstrating the
importance of cultural events and spaces in
furthering the development of both regional
cinema and Panamanian society.
The International Film Festival of Panama has
intensified year after year: with increased
numbers of participants; with the creation
of programs such as Primera Mirada which
directly influence regional cinematography
by supporting Caribbean and Central
American filmmakers; by enticing filmindustry personalities not just to visit and
get to know our wonderful country but to
In retrospect, an idea; a dream that sounded,
at times, wild and nearly impossible to
accomplish, has become reality: today, our
country is celebrating the fifth edition of
International Film Festival of Panama; an
achievement that makes us feel proud.
E QUIPO COMPLETO | FESTIVAL STA FF
Junta Directiva de la Fundación IFF Panamá | IFF Panama Foundation Board:
Presidente | Chairman
Yasser Williams Arosemena
Vice-Presidente | Vice-Chairman
Olga Sinclair
Tesorero | Treasurer
Carlos Alberto Motta
Secretaria | Secretary
Carmen Alemán
Vocales | Board Members
Maribel Heilbron
Marcela Álvarez Calderón de Pardini
Lourdes Castro de Arias
Miembros Honorarios |
Honorary Members
Asesores | Advisors
Abner Benaim
Sergio Cambefort
KC Harding
Luis Pacheco
Rafaella Di Laurentiis
Angus McFayden
Daphne Rubin-Vega
Edgar Ramírez
Dirección General | General Direction
Pituka Ortega Heilbron
Dirección Artística | Artistic Direction
Diana Sánchez
Dirección de Comunicaciones y Mercadeo |
Media and Marketing Direction
Begoña Carabaño B
Dirección de Programación | Programming Direction
Diana Cadavid
Dirección Técnica | Technical Direction
Claudio Hijerra
Gerencia Administrativa | Administrative Management
Gerencia de Producción y Eventos | Production and Events Management
Gerencia de Boletería y Acreditaciones |
Ticketing and Accreditations Management
Coordinación de Patrocinios | Sponsorship Coordination
Coordinación de Mercadeo y Publicidad |
Marketing and Advertising Coordination
Coordinación de Programación | Programming Coordination
Coordinación Oficina de Invitados | Guest Office Coordination
Coordinación de Diseño Gráfico e Imagen |
Graphic Design and Image Coordination
Servicio de Relaciones Públicas Internacionales |
International Public Relations Service
Ileana Rodríguez
Julia Vicente
Nadyezhda Adames
Gina Franceschi
Lourdes Sandoval
Fanny Huc
Cat Caballero
Antawara Ibarra
Blanca Granados
Coordinación de Producción | Production Coordination
Liz Michelle Martínez
Coordinación de Producción | Production Coordination
Juan Carlos Arias
Coordinación y Asistencia a la Dirección General |
Coordination and General Direction Assistance
Coordinación de Voluntarios | Volunteers Coordination
Karen Zamora
Nancy Calvo
Coordinación de Industria y Programa Educativo |
Industry and Educational Program Coordination
Karla Quintero
Coordinación de Boletería | Ticketing Coordination
Elisa Gilli
Asistencia de Mercadeo y Patrocinio |
Marketing and Sponsorship Assistance
Asistencia de Industria y Programa Educativo |
Industry and Educational Program Assistance
Asistencia de Programación | Programming Assistance
Male García
Ileana Forero
Alejandra García Peña
Asistencia Administrativa | Administrative Assistance
Mariela Estévez
Asistencia de Oficina de Invitados | Guest Office Assistance
Alba De Obaldía
Asistencia de Acreditaciones | Accreditations Assistance
Prensa y Edición Audiovisual | Press and Audiovisual Edition
Verónica Caballero
Maia De Zan
15
16
EQ UI P O C O M P L E TO | F E ST IVAL STAF F
Edición Audiovisual | Audovisual Edition
Juan Luis Correa
Edición Audiovisual | Audovisual Edition
Juan Roberto Albarrán
Contenidos Sitio Web | Webmaster
Roberto Chockee
Paquetes de Viaje | Travel Packages
Ana Patricia Nieto
Coordinación de Benefactores | Patrons Coordination
Asistencia de Eventos | Events Assistance
Asistencia de Producción para Logística | Logistics Production Assistance
Coordinación de Fotografía | Photography Coordination
Marlene Zarak
José Luis Campos
Marc Wynter
Joey Loreto
Asistencia de Diseño Gráfico | Graphic Design Assistance
Rodrigo Díaz
Coordinación de Transporte | Transportation Coordination
Mario Hall
Administración de Sala - Teatro Balboa | Teatro Balboa Venue Administration
Javier Roberts
Administración de Salas – Cinépolis | Cinepolis Venue Administration
Aniela Herrera
Administración de Salas – Cinépolis | Cinepolis Venue Administration
Eva Huertas
Coordinación de Sala - Teatro Anita Villalaz |
Teatro Anita Villalaz Venue Coordination
Coordinación de Sala - Anfiteatro de la Presidencia |
Anfiteatro de la Presidencia Venue Coordination
Coordinación de Cine al Aire Libre | Outdoor Movies Coordination
Coordinación Técnica Sala - Teatro Anita Villalaz |
Technical Coordination Teatro Anita Villalaz Venue
Edgar Miró
Anabel González
Karina Juárez
Demián Colman
Coordinación Técnica Salas - Cinépolis | Technical Coordination Cinepolis Venue
Diego Pitti
Coordinación Técnica Salas - Cinépolis | Technical Coordination Cinepolis Venue
Bryan Rojas
Coordinación de Salas – Cinépolis | Cinepolis Theater coordination
Lester Cedeño
Coordinación de Salas – Cinépolis | Cinepolis Theater coordination
Janet Castillo
Coordinación de Sala - Teatro Balboa | Balboa Theater coordination
Pasante Programación | Programing Intern
Pasante Mercadeo y Oficina de Invitados | Marketing and Guest Office Intern
Eduardo Barrios
Johana Piña
Gustavo González
Servicios de Limpieza | Cleaning Services
Lina Fajardo
Agencia de Publicidad | Advertising Agency
Ají by Canya
Director Creativo | Creative Director
Pepe Canya
Sitio Web | Website
Redes Sociales | Social Media
Servicios Contables | Accounting Services
Director Teatro Balboa | Teatro Balboa Director
Servicios Técnicos | Technical Services
Subtitulaje Electrónico | Electronic Subtitling
Enlace Salas - Cinépolis | Cinepolis Venue Link
Escritor de Reseñas del Catálogo | Catalogue Reviews Writer
Traducción Reseñas del Catálogo | Catalogue Translations Reviews
Traducción Notas de Prensa | Press Releases translation
Edición de Textos Catálogo | Text Edit
Coordinación de Catálogo | Catalogue Coordination
Diagramación del Catálogo | Catalogue Layout
María Gabriela Fong, Maga Systems
Proyecto Cardigans
Saajid Jasat Banah, Villarreal & Asoc.
Luis Gotti
Bob Deutsch, Outdoor Movies
Azucena Benavides, Say the Same Subtitles
José Rafael Fernández
José Teodoro
Álvaro Girón
Chad W. Darroch
Begoña Carabaño B.
Jannett Novarro, Lourdes Sandoval
Marco Del Cid, José Angel Montero, Hyperstudio
F UNDACIÓN IF F PANA MÁ | IFF PAN A MA FOU N DATION
19
Fundación IFF Panamá
La Fundación Festival Internacional de Cine de Panamá (Fundación IFF Panamá) es una
organización sin fines de lucro que fue creada con el propósito de apoyar la realización
del Festival Internacional de Cine de Panamá e impulsar las actividades educativas y
formativas que son realizadas como parte integral de cada edición.
Los objetivos principales de la Fundación IFF Panamá son:
• Promover los beneficios directos de realizar un festival internacional de cine
en Panamá, en los planos cultural, turístico, formativo, de apoyo a la industria
cinematográfica y económico
• Promover las actividades profesionales relacionadas a la industria cinematográfica en
Panamá y en la región de Centroamérica y el Caribe
• Estimular el crecimiento y fortalecimiento del cine nacional a través de la plataforma
internacional que ofrece el Festival Internacional de Cine de Panamá
• Ayudar a crear un mercado de cine donde productores y distribuidores converjan en
Panamá con el fin de adquirir producciones, promover el financiamiento de películas
y conseguir su distribución en forma global, así como facilitar el espacio para el logro
de acuerdos de co-producción
• Sensibilizar a la audiencia del Festival Internacional de Cine de Panamá en relación
al fortalecimiento de la identidad nacional que acompaña el desarrollo de una
cinematografía propia
• Atraer y ayudar a exhibir el cine latinoamericano e internacional.
• Promover la educación y el desarrollo cultural del país.
20
FU N DAC I Ó N I F F PA NAMÁ | IF F PANAMA F OUNDAT ION
IFF Panama Foundation
The International Film Festival of Panama Foundation (IFF Panama Foundation) is a
nonprofit organization created to support the International Film Festival of Panama while
promoting the many educational initiatives that are organized during each festival edition.
IFF Panama Foundation’s primary objectives are:
• Promote and establish an international film festival in Panama that directly benefits
cultural, tourism, economic, and film-related industries
• Promote film-related activities in Panama, Central America and the Caribbean
• Strengthen and stimulate growth for national cinema via an international platform
• Help develop a market for cinema wherein producers and distributors converge
in Panama to procure production agreements, promote film financing, and secure
global distribution partners
• Impact audiences’s understanding of the benefits of developing our own film industry
and the strengthened national identity and culture that comes with it
• Attract and assist the exhibition of Latin American and international cinema
• Promote education and cultural development in Panama.
PATROCINADORES INSTITUCIONALES
PATROCINADOR PREMIUM
PATROCINADORES PRINCIPALES
MEDIOS PRINCIPALES
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MEDIOS OFICIALES
PATROCINADORES ASOCIADOS
MEDIOS ASOCIADOS
PATROCINADORES
COLABORADORES
ALIADOS
HOSPITALIDAD
B ENEFACTORES | PATRON S
CÍRCULO DEL DIRECTOR | DIRECTOR´S CIRCLE
María Martin Stanley
Lili Maduro
Stanley y Linky Motta
BENEFACTORES | PATRONS
Alberto Jr. Motta y Lorraine de Motta
Luis Carlos Motta y Ana María de Motta
Álvaro Heilbron
María Gabriela Fong
Analida Galindo y Johann Wolfschoon
Mario Galindo y Gladys de Galindo
Annie Canavaggio
Meli Arosemena
Aurora Eleta
Mercedes Arias
Camilo Cardoze y María Antonia de Cardoze
Olga Sinclair
Carlos Alberto Motta y Analida de Motta
Pedro Heilbron y Miguel Heilbron
Carlos García de Paredes y Candice de García de Paredes
Rafael Arias y María de Lourdes Castro de Arias
Christiaan de Haseth
Rafael Arrillaga y Maribel Heilbron
Edgar Orillac y Giselle de Orillac
Ramón Rowley y Anamari de Rowley
Eduardo Navarro y Madeleine de Navarro
Raúl Arias y Denise de Arias
Eduardo Orillac y Patricia de Orillac
Raúl Orillac y Lilian de Orillac
Fernando Galatas y Peggy Greene
Robert James Boyd
Gina Granozio
Roberto Roy y Nikki de Roy
Horacio Icaza e Isabel de Obaldía
SFC Investment
Jaime A. Tupper B.
Tabo Toral y Carmen Alemán
Juan Raúl Humbert y Mari Loli Humbert
Yasser Williams y Nasira de Williams
Lastenia Cardoze de Arosemena
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PR E M I O S D E L P Ú B LICO | AUDIE NCE AWARDS
PREMIOS DEL PÚBLICO | PEOPLE’S CHOICE AWARDS
El Festival Internacional de Cine de Panamá concede al público asistente a nuestras
proyecciones el placer, y al mismo tiempo la noble responsabilidad, de esoger con sus
votos las películas que consideren merecedoras de recibir las siguientes distinciones:
• Premio del Público Copa Airlines a la Mejor Película Iberoamericana de Ficción
• Premio del Público MasterCard a la Mejor Película de América Central y el Caribe
• Premio del Público Revista K al Mejor Documental
Las cintas resaltadas por decisión popular reciben la distinción en la gala de clausura del festival.
The International Film Festival of Panama grants audiences the pleasure and honorable responsibility
of choosing, by vote, which films they deem worthy of receiving the following awards:
• The Copa Airlines Audience Award for Best Ibero-American Fiction Film
• The MasterCard Audience Award for Best Central American/Caribbean Film
• The Revista K Audience Award for Best Documentary
Winning films, chosen by popular vote, will receive special accolades during the festival’s closing gala.
PORTAL IBEROAMERICANO | IBERO-AMERICAN SHOWCASE
Portal iberoamericanO
IBERO-AMERICAN SHOWCASE
Amena, creativa e inteligente, nuestra selección de
películas iberoamericanas incluye algunas de las
piezas más celebradas en la escena internacional, una
selección precedida por el aplauso de críticas y del
público de otras latitudes.
Smart, inventive and entertaining, our selection of IberoAmerican films includes some of the most exciting new
works from established and emerging filmmakers alike.
Estas películas participan por el Premio del Público Copa Airlines
a la Mejor Película Iberoamericana de Ficción.
These films participate for the Copa Airlines Audience Award
for Best Ibero-American Fiction Film.
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3 BELLEZAS
3 BEAUTIES
Perla, madre soltera de tres pequeños se empecina en transformar a una de sus hijas
en una reina de belleza. Con severas restricciones alimenticias, lecciones prácticas de
bulimia y una buena dosis de competitividad ciega entre las dos pre-adolescentesmientras desatiende por completo a su hijo Salvador- Perla ejerce una presión más allá del
límite, lo cual obliga a su hija favorita, Carolina, a tomar medidas drásticas. La familia se
recupera de una casi tragedia, y las chicas se convierten en mujeres jóvenes, mientras que
Perla enfoca su fervor en una sospechosa comunidad cristiana brasileña. Sin embargo, la
cultura venezolana en torno a los reinados de belleza es fuerte y omnipresente, y no tarda
en absorber de nuevo a Perla y a sus hijas hacia la contienda.
Bañado en suaves tonos pastel y salpicado de un humor astuto, el largometraje debut de
Carlos Caridad-Montero es inteligente, seductor y sutil en su crítica social, en apariencia
caprichoso pero incisivo en sus detalles. (La cinta es una excelente compañera de ficción
para el documental Reinas de la panameña Ana Endara Mislov, quien obtuvo el Premio
Discovery de Grolsch en IFF Panamá 2013).
3 Bellezas disecciona nuestra obsesión colectiva hacia unas convenciones obsoletas sobre
el valor de lo femenino, y nos hace reconsiderar lo que significa en realidad ser bellos.
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Single mother Perla (Diana Peñalver) is single-mindedly determined to transform one of
her children into a beauty queen. Enforcing severe food restrictions, offering lessons in
bulimia and encouraging bitter competition between her prepubescent daughters—while
flagrantly ignoring her son, Salvador—Perla pushes too hard too fast, eventually forcing
favoured contender Carolina to take drastic action. The family recovers from near-tragedy
and the girls grow into young women, while Perla simply transfers her fervor for princesstraining to involvement with a shady Brazilian Christian organization. Yet Venezuela’s
culture of beauty pageantry remains so rampant and ubiquitous that it is only a matter of
time before Perla and her daughters are lured back into the fray.
Bathed in softly lit pastels and riddled with sly humour, Carlos Caridad-Montero’s
feature debut is a smart, seductive and subtle work of social critique, whimsical on the
surface yet incisive in its details. (The film makes a striking fictional companion piece to
the documentary Reinas, directed by Panama’s own Ana Endara Mislov and winner of
the Grolsch Discovery Award at IFF Panama in 2013.) 3 Beauties dissects our collective
obsession with outdated conventions of feminine poise, provoking us to reconsider what
it really means to be beautiful.
Director:
Carlos Caridad-Montero.
País, año / Country, year:
Venezuela, 2014.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
97 min.
Productora / Production Company:
Producciones Nomenclatura Films.
Productor / Producers:
Carlos Caridad Montero, Eliana Navarro
Buschbeck.
Carlos Caridad-Montero nació en
Maracaibo, Venezuela. Estudió cine
en la Escuela Internacional de Cine
y Televisión de San Antonio de los
Baños, Cuba. Ha dirigido numerosos
cortometrajes antes de hacer su
largometraje debut, 3 Bellezas (2014).
Carlos Caridad-Montero was born in
Maracaibo, Venezuela. He studied
filmmaking at the International School
of Cinema & Television in San Antonio
de los Baños, Cuba. He has directed
numerous short films prior to making his
feature film debut with 3 Beauties (2014).
Guión / Screenplay:
Carlos Caridad.
Editor:
Carlos Caridad.
Fotografía / Cinematography:
Alexandra Henao.
Música / Music:
Alvara Paiva Bimbo.
Contacto / Contact:
Palmera International
Reparto / Cast:
Diana Peñalver, Fabiola Arace, Josette Vidal.
Email:
[email protected]
Carlos
Caridad-Montero
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600 Millas
Los efectos transnacionales de las laxas leyes de los Estados Unidos sobre las armas
es un tema que recibe mucha menos atención que el tráfico de drogas. Pero la facilidad
con que las armas van a dar al sur de la frontera con México alimenta las infernales
guerras de carteles que azotan a esa nación. Gabriel Ripstein explora este duro tema con
sorprendente austeridad en su debut como director, 600 millas.
El agente de la ATF Hank Harris (el ganador del Oscar Tim Roth) está a punto de hacer
un arresto supuestamente sencillo de dos inexpertos traficantes de armas. Pero los
delincuentes sorprenden a Harris y lo noquean, y es entonces cuando el joven Arnulfo
toma la impulsiva decisión de llevarse a Harris de vuelta a México. Cuando Harris vuelve
en sí y convence a Arnulfo de que esa jugada puede costarles la vida a ambos, deciden
formar un tenue lazo que parte de la básica necesidad de confiar el uno en el otro para
poder sobrevivir.
Sosteniendo un considerable nivel de tensión a lo largo de la trama, Ripstein -hijo
del maestro mexicano Arturo Ripstein, cuya Calle de la amargura también hace parte
de nuestro programa- crea una narrativa sin desperdicios, con un balance perfecto de
sensación e integridad. 600 millas es un drama de fronteras complejo y original, que nos
recuerda que el problema va en doble sentido, y desencadena en un final arriesgado e
inesperado.
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The transnational effects of America’s lax gun laws receive far less attention than the
trafficking of drugs. Yet the ease with which guns slip southward across the US border
help fuel the infernal drug wars that have been plaguing Mexico recently. Gabriel Ripstein
explores this fraught subject with arresting austerity in his directorial debut, 600 Miles.
American ATF agent Hank Harris (Oscar winner Tim Roth) is about to make what should be
the easy arrest of two inexperienced arms smugglers. But the miscreants surprise Harris
and beat him unconscious, and young Arnulfo makes an impulsive decision to take Harris
back to Mexico with him. When Harris regains consciousness and convinces Arnulfo that
his decision could prove life-threatening for both of them, the men form a tenuous bond
as they realize each must trust the other in order to survive.
Sustaining a heady level of tension throughout, Ripstein—son of Mexican maestro Arturo
Ripstein, whose Bleak Street is also screening at this year’s Festival—handles this taut
narrative with a perfect balance of sensation and integrity. 600 Miles is a complex and
original border drama, one that reminds us how trouble runs both ways, and builds
toward a bold, unexpected finale.
Director:
Gabriel Ripstein.
México, Estados Unidos, 2015 / Mexico, USA, 2015.
Idioma / Language:
Español, inglés / Spanish, English.
Duración / Length:
85 min.
Lucía Films.
Michel Franco, Gabriel Ripstein, Moisés Zonana
Kwon.
Gabriel Ripstein, Issa López.
Editor:
Gabriel Ripstein, Santiago Pérez Rocha.
Gabriel Ripstein nació en la
Ciudad de México. Es licenciado
en economía y medios de
comunicación y entretenimiento de
la Columbia Business School. Sus
créditos como productor incluyen
Desde Allá (2015), que también se
proyectará en el Festival. 600 Millas
(2015), galardonada como mejor
ópera prima en la Berlinale, es su
debut como director.
Gabriel Ripstein was born in Mexico
City. He holds degrees in economics
and media and entertainment from
Columbia Business School. His
producing credits include Desde Allá
(2015), which is also screening at the
Festival. 600 Miles (2015), which was
awarded Best First Feature at the
Berlinale, is his directorial debut.
Alain Marcoen, SBC.
Sonido / Sound:
Alejandro de Icaza.
Reparto / Cast:
Tim Roth, Kristyan Ferrer, Harrison Thomas,
Noé Hernández, Mónica del Carmen,
Armando Hernández.
Contacto / Contact:
Email:
[email protected]
Gabriel Ripstein
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Alias María
El prolongado conflicto armado colombiano ha cobrado la vida de miles de ciudadanos,
y ha tenido un impacto horroroso sobre incontables niños que crecen en medio de la
violencia, antes de conocer cualquier otra opción de vida. Casi todos los soldados que
aparecen en el inquietante segundo largometraje de José Luis Rugeles son niños. Su
panorama está lleno de peligro y privaciones, y sus proyectos de vida difícilmente van
más allá de ese día a día. Lo más grave es que la niña que protagoniza la historia está a
punto de traer otro pequeño a ese mundo en caos.
María (Karen Torres), de 13 años es miembro de una cuadrilla guerrillera encargada de
asegurar el paso del bebé recién nacido de uno de sus jefes. María misma tiene cuatro
meses de embarazo, pero necesita mantenerlo en secreto a como de lugar, para que
no sea obligada a abortar como todas las jóvenes de su rango. Mientras su cuadrilla se
mueve por territorio peligroso, María debe enfrentar otro conflicto entre lo que lo que su
corazón quiere y lo que le indica la doctrina.
Con poco diálogo y la cámara de Sergio Iván Castro siguiendo de cerca los movimientos
de María, que logra atisbar la perturbadora inocencia de su rostro, Alias María es tan
arriesgada como sutil. Rugeles no nos señala lo que debemos pensar sobre la situación
de su heroína, pero tampoco se cohíbe de exponer las duras condiciones en que vive.
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Colombia’s ongoing-armed conflict has taken a toll on many of that country’s citizens, but
it has made an especially horrendous impact on the children whose lives are tangled up
in the violence before they know anything else. Nearly all the soldiers depicted in José
Luis Rugeles’ unnerving second feature are children. Their lives are rife with danger and
deprivation, their prospects tenuous at best. What’s more, the child at the center of Alias
María is on the cusp of ushering another child into this chaos.
13-year-old María (Karen Torres) is a member of a guerilla unit charged with providing
safe passage for the newborn baby of one of her superiors. María herself is four months
pregnant, though she is desperate to keep it secret, lest it be deemed subject to the
obligatory abortion in keeping with her rank. As her unit moves through perilous territory,
María is forced to confront another conflict—the one between the dictates of one’s heart
and those of the cause.
With its spare dialogue and Sergio Iván Castaño’s camera staying close to María, allowing
glimpses of her disarmingly innocent face, Alias María is at once bold and suggestive.
Rugeles is not going to tell us what to think about his heroine’s predicament, but neither
is he afraid to expose the conditions of her life in all its direness.
Director:
José Luis Rugeles.
Colombia, Argentina, Francia, 2015 / Colombia,
Argentina, France, 2015.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
91 min.
Rhayuela Cine.
Federico Durán.
Diego Vivanco.
Editor:
Delfina Castagnino.
Sergio Iván Castaño.
Sonido / Sound:
Martín Grignaschi, Federico Billordo.
Música / Music:
Camilo Sanabria.
Reparto / Cast:
Karen Torres, Erik Ruiz, Anderson Gómez,
Carlos Clavijo, Lola Lagos.
José Luis Rugeles nació en
Colombia. Comenzó su carrera en el
cine con el cortometraje El Dragón
de Komodo (2007) al que siguió
su primer largometraje, García
(2010). Trabajó después en la serie
de televisión El Laberinto. El filme
Alias María (2015) es su segundo
largometraje, fue seleccionado para
la sección Un Certain Regard del
Festival de Cine de Cannes.
José Luis Rugeles was born in
Colombia. He began his career in
cinema with the short film, The
Komodo Dragon (2007), and followed
up with his feature debut,García
(2010). He has also worked in
television, including the series, The
Labyrinth. Alias María (2015), his
second feature, was selected for Un
Certain Regard, a part of the official
selection of the Cannes Film Festival.
Contacto / Contact:
Email:
[email protected]
José Luis Rugeles
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Anacleto: Agente secreto
Spy Time
Adolfo (Quim Gutiérrez) es un guarda de seguridad treintañero con serios problemas
de motivación: todo lo que hace es trabajar, dormir y ver televisión. Su novia, Katia
(Alexandra Jiménez), lo va a dejar para empezar una nueva etapa como doctora en la
India. Ella lo quiere, pero si tan sólo él fuera un poco más ambicioso y emocionante,
un poco más parecido a su propio padre, Anacleto (Imanol Arias). Aunque sus allegados
piensan que Anacleto es un simple carnicero, en realidad él es un letal y sexy agente
secreto que ha llevado una doble vida llena de aventuras.
Cuando un peligroso criminal que Anacleto capturó hace tres décadas escapa de prisión
para cobrar venganza, la pulida fachada que separaba la vida personal y profesional
rápidamente desaparece. Pronto, padre e hijo se unen para lidiar con asesinos armados,
Adolfo descubre capacidades que ignoraba para crear el caos y Katia vive más emociones
de las que hubiera podido imaginar, o incluso desear.
La nueva película del director español Javier Ruiz Caldera es una mezcla picaresca de
acción y comedia. Así como en Promoción fantasma el director usó la inconformidad
adolescente al estilo de John Hughes junto a elementos de narrativa sobrenatural,
en Anacleto mezcla la tensión de las secuencias de acción tipo 007 con momentos de
genuina conexión generacional. Ruiz Caldera logra una cinta de espionaje que sabe
exactamente qué tan en serio tomarse a sí misma -es decir, no tanto- y lo compensa con
generosas carcajadas.
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Adolfo (Quim Gutiérrez) is a thirty something security guard with serious motivational
problems: all he does is work, sleep and watch TV. Adolfo’s girlfriend Katia (Alexandra
Jiménez) is leaving him so she can pursue a new life as a doctor in India. Katia loves
Adolfo, but if only he were more ambitious, more exciting, more… Well, more like his
dad, Anacleto (Imanol Arias). Though his loved ones have always believed him to be a
humble cold meat vendor, Anacleto is in fact a deadly, sexy secret agent living a life of
high adventure.
When a vengeful criminal whom Anacleto apprehended 30 years ago escapes from
prison, the façade that’s tidily divided Anacleto’s dangerous professional life from his
staid personal life rapidly disintegrates. Soon father and son are joining forces to fend off
well-armed killers, Adolfo is discovering latent talents for mayhem, and Katia finds more
excitement that she’d ever imagined—or desired.
The latest from Spanish director Javier Ruiz Caldera is a giddily entertaining mix of action
and comedy. Just as Ruiz Caldera’s Ghost Graduation fused John Hughes teen angst
with the supernatural, Spy Time fuses high-tension 007 tropes with tender moments of
intergenerational bonding. An espionage caper that knows exactly how seriously to take
itself—which is to say, not very—Spy Time will have you exploding with laughter.
Director:
Javier Ruiz Caldera.
España, 2015 / Spain, 2015.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
93 min.
Zeta Cinema.
Javier Ruiz Caldera nació en
Barcelona. Sus películas incluyen
Película española (2009),
Promoción fantasma (2012), Tres
bodas de más (2013) y Anacleto:
Agente secreto (2015).
Javier Ruiz Caldera was born in
Barcelona. His films include Spanish
Movie (2009), Ghost Graduation
(2012), Three Many Weddings (2013)
and Spy Time (2015).
Francisco Ramos, Antonio Arsenio.
Fernando Navarro, Pablo Alén, Breixo Corral.
Javier Ruiz Caldera
Editor:
Alberto de Toro.
Arnau Valls Colomer.
Música / Music:
Javier Rodero.
Reparto / Cast:
Quim Gutiérrez, Imanol Arias, Alexandra Jiménez,
Carlos Areces, Berto Romero, Rossy de Palma,
Emilio Gutiérrez Caba, Eduardo Gómez, Sílvia Abril.
Contacto / Contact:
Email:
[email protected]
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Aquí no ha pasado nada
Much Ado About Nothing
Inspirado en un caso real en el que la justicia pierde frente a la riqueza, el nuevo drama
de Alejandro Fernández Almendras elabora con meticulosidad una condena a cierto tipo
de clasismo criminal que permea a Chile, pero que no le es exclusivo. Aquí no ha pasado
nada nos invita al poco complicado lujo que disfruta la clase alta del país austral, para ir
revelando gradualmente las formas en que dicho privilegio aísla a los personajes hasta
el punto de imposibilitarles ser responsables de sus acciones, y, aún peor, tener simpatía
alguna por los demás seres humanos.
El apuesto y amigable estudiante de universidad Vicente (Agustín Silva) traba amistad con
unas chicas en la playa. Lo invitan a una fiesta en una casa lujosa donde consumen piscola
en cantidades alarmantes. En algún punto Vicente se sube a un carro con otros cuantos,
se presenta un accidente pero él está tan ido que ni se entera. No obstante, Vicente pronto
será acusado de huir de la escena de un atropello vehicular. Alguien tiene que pagar por el
desastre, y es obvio que no puede ser quien iba manejando, el hijo de un político importante.
Con un trabajo de cámara que logra un balance de energía nerviosa y control narrativo,
Aquí no ha pasado nada emplea los personajes y el ambiente que crea para revelar
corrupción e indiferencia institucionalizadas. Es dicente que los chicos parezcan más
interesados en sus celulares que en afrontar las consecuencias de sus actos; pero en vez
de recargar su película de polémica, Fernández Almendras demuestra una inteligencia
afinada al darnos todo lo que necesitamos para sacar nuestras propias conclusiones.
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Inspired by a real-life case of affluence trumping justice, this latest drama from Alejandro
Fernández Almendras is a meticulously constructed condemnation of a criminal level
of classism that afflicts—but is hardly exclusive to—Chilean society. Much Ado About
Nothing lures us into the laid-back luxury enjoyed by Chile’s upper crust, before gradually
revealing how privilege insulates these characters from feeling responsibility for their
actions—much less sympathy for their fellow human beings.
Handsome, amiable college student Vicente (Agustín Silva) befriends some young women
at the beach. They invite him to a party at a swanky home where piscola is consumed in
prodigious quantities. At some point Vicente gets into a car with several others; there is an
accident, though he’s so wasted he barely notices. Nevertheless, Vicente soon discovers
he’s been charged with committing a hit-and-run. Someone has to take the fall, and it
certainly can’t be the driver, who happens to be the son of an important politician.
With camerawork that balances nervous energy and narrative control, Much Ado About
Nothing uses character and atmosphere to reveal institutionalized corruption and
indifference: Vicente and his friends seem more concerned with flirting and texting than
with facing the consequences for their actions. Rather than hoist his film with overt
polemic, Fernández Almendras employs cool intelligence to provide us with everything we
need to draw our own conclusions.
Director:
Alejandro Fernández Almendras.
Chile, 2015.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
95 min.
Jirafa, Brisa Films, Motivo Films, Arizona Productions.
Augusto Matte, Pedro Fontaine.
Alejandro Fernández Almendras, Jerónimo Rodríguez.
Editor:
Soledad Salfate, Alejandro Fernández Almendras.
Alejandro Fernández Almendras
nació en Chile. Estudió periodismo y
ha trabajado como crítico, fotógrafo
y periodista. Sus largometrajes
incluyen Huacho (2009), Sentados
frente al fuego (2011) y Matar a un
hombre (2014), que se proyectó en
el Festival. Aquí no ha pasado nada
(2016) es su última película.
Alejandro Fernández Almendras
was born in Chile. He studied
journalism and has worked as a
critic, photographer and journalist.
His features include Huacho (2009),
By the Fire (2011) and To Kill a Man
(2014), which screened at the Festival.
Much Ado About Nothing (2016) is his
latest film.
Inti Briones.
Sonido / Sound:
Diego Pérez.
Música / Music:
Sokio.
Reparto / Cast:
Agustín Silva, Paulina García, Alejandro Goic,
Luis Gnecco, Augusto Schuster, Daniel Muñoz.
Contacto / Contact:
Email:
[email protected]
Alejandro Fernández
Almendras
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Camino a la Paz
Road to La Paz
Esta película de carretera de Francisco Varone recorre más de 3,000 kilómetros de Sur
América, al tiempo que crea un puente entre personajes con más de 40 años de diferencia
de edad y aún más distantes en cuanto a sus creencias y estilos de vida. Camino a La Paz
explora esas extrañas intersecciones de la vida que nos dan la oportunidad de convertirnos
en una mejor persona cuando logramos comprender a otro ser.
Sebastián (Rodrigo de la Serna) es un porteño treintañero, desaliñado y desempleado. Tiene
una banda, un viejo auto Peugeot que era de su padre y a su esposa Jazmín (Elisa Carricajo).
En general parece bastante desubicado. Todo cambia cuando Jalil (Ernesto Suárez) contrata
a Sebastián para que lo lleve desde Buenos Aires hasta La Paz. Una vez en la capital
boliviana, el viejo y enfermo Jalil planea continuar su peregrinación hasta La Meca. Pero
son los desvíos imprevistos, y sobre todo la forma en que el viaje propicia que se conozcan
y se abran el uno al otro, lo que crea algo muy similar a una renovación espiritual.
Con una banda sonora llena de blues a cargo de los veteranos argentinos Vox Dei, y con
la peculiar química de pareja-dispareja entre de la Serna y Suárez –reconocido actor de
teatro que hace su primera aparición en la pantalla grande a los 75 años- Camino a La
Paz derrocha encanto y sabiduría. Se trata apenas del debut de Varone, pero su gracia y
aplomo sugieren que tenemos en él compañía para un viaje muy largo.
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Francisco Varone’s road movie covers some 2,000 miles of South America while also
building a bridge between characters 40 years apart in age and worlds apart with respect
to creed and lifestyle. Road to La Paz is about those rare intersections in life when one
is given the opportunity to become a better version of oneself by better understanding
someone else.
Sebastián (Rodrigo de la Serna) is a shaggy, unemployed, 35-year-old porteño. He has his
band, his father’s old Peugeot and his wife Jazmín (Elisa Carricajo), but otherwise seems
aimless. Things assume a new direction when Jalil (Ernesto Suárez) hires Sebastián to
drive him all the way from Buenos Aires to La Paz. After reaching the Bolivian capital, Jalil,
elderly, ailing and a devout Muslim, plans to continue on to Mecca. But it’s the unexpected
detours and, above all, the way they come to know each other during their journey that
bring these men closer to something like spiritual renewal.
With its blues soundtrack from Argentine veterans Vox Dei and the winsome odd-couple
chemistry between de la Serna and Suárez—a renowned Argentine stage actor making
his screen debut at 75—Road to La Paz exudes charm and wisdom. This is only Varone’s
first feature, but its confidence and grace suggests that this guy is in it for the long haul.
Director:
Francisco Varone.
Argentina, 2015.
Idioma / Language:
Español, árabe / Spanish, Arabic.
Duración / Length:
92 min.
No Problem Cine, Concreto Films, Habbekrats,
Hanfgarn & Ufer Filmproduktion.
Francisco Varone nació en Buenos
Aires y se graduó de la Universidad
del Cine. Camino a La Paz (2015) es
su primer largometraje.
Francisco Varone was born in Buenos
Aires and graduated from the
Universidad del Cine. Road to La Paz
(2015) is his first feature film.
Gema Juárez Allen, Omar Jadur, Dolores Llosas,
Juan Taratuto, Sebastián Perillo.
Francisco Varone.
Francisco Varone
Editor:
Alberto Ponce, Federico Peretti.
Christian Cottet.
Sonido / Sound:
Manuel de Andrés, Guido Berenblum.
Música / Music:
Vox Dei.
Reparto / Cast:
Rodrigo De la Serna, Ernesto Suárez, Elisa
Carricajo, María Canale, Alicia Palmes, Juan
Alari, Mercedes Lía Hernández, Abdul Rajman
Colombo, Ernesto Ocampo, Gustavo Sanabria.
Contacto / Contact:
Figa Films
Email:
[email protected]
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Desde allá
From Afar
El fabricante de dentaduras Armando (Alfredo Castro), proviene de la clase alta pero
reside en un barrio de clase media-baja de Caracas, a donde suele llevar muchachos con
la promesa de remunerar los servicios que le prestan en su apartamento. A Armando
le gusta mirar más que tocar, pero la distancia que guarda de los jóvenes no deja de
contener cierta violencia.
Armando lleva consigo las marcas de una infancia difícil y cuando se entera de que su
padre está de regreso en la ciudad, resurgen en él ansiedades que creía sepultadas. Al
mismo tiempo, están sucediendo cambios inesperados en su relación con uno de los
chicos, Elder (Luis Silva). Al pasar más tiempo juntos, surge una intimidad para la que
ninguno de los dos está preparado.
Desde allá, el impactante largometraje debut del escritor y director Lorenzo Vigas,
ganadora del León de Oro del Festival de Venecia 2015, presenta la realidad actual de
Venezuela a través de una historia que cruza las diferentes clases sociales de la capital,
desde las urbanizaciones residenciales cerradas de los más ricos hasta las comunidades
pobres que se apilan en enormes edificios vetustos. Vigas logra un retrato perdurable de
una sociedad estratificada, que constituye el vívido trasfondo de una historia entrañable
sobre una amistad imposible entre dos hombres.
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Denture-maker Armando (Alfredo Castro) belongs to the upper crust but resides in a
lower-middle-class Caracas neighborhood where he’s able to entice young men to his
home with the promise of remuneration for their services. Armando wants to look, not
touch, yet the distance he maintains with these men contains its own particular violence.
Armando carries the scars of a troubled childhood, and when he learns that his father has
returned to Caracas, long-suppressed anxieties resurface. At the same time, unexpected
changes are occurring in his relationship with one of his paid companions, seventeenyear-old Elder (Luis Silva). As the two spend more time together, an unexpected intimacy
emerges that neither man is prepared for.
The remarkable feature debut of writer-director Lorenzo Vigas, which won the Golden Lion
at the 72nd Venice International Film Festival, Desde allá speaks to Venezuela’s present
reality with a narrative that traverses the disparate social classes that comprise the
country’s capital, from the gated communities of the very rich to the poor communities
crammed into monotonous apartment blocks. Vigas paints an indelible portrait of a multitiered society, providing vivid context to his unforgettable story about an impossible
friendship between two men.
Director:
Lorenzo Vigas.
Venezuela, México, 2015 / Venezuela, Mexico, 2015.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
93 min.
Factor RH Productions, Malandro Films, Lucía
Films.
Rodolfo Cova, Guillermo Arriaga, Michel Franco,
Lorenzo Vigas, Gabriel Ripstein, Edgar Ramirez.
Lorenzo Vigas nació en Mérida,
Venezuela. Dirigió episodios de
la serie documental Expedición
(1998), producida por Radio Caracas
Televisión, y el cortometraje Los
elefantes no olvidan (2004). Desde
allá es su primer largometraje.
Lorenzo Vigas was born in Mérida,
Venezuela. He directed episodes of
the Venezuelan documentary series
Expedición (1998), produced by Radio
Caracas Television, and the short film
Elephants Never Forget (2004). Desde
Allá (2015) is his first feature.
Lorenzo Vigas
Lorenzo Vigas.
Editor:
Isabela Monteiro de Castro.
Sergio Armstrong.
Sonido / Sound:
Waldir Xavier.
Contacto / Contact:
Reparto / Cast:
Alfredo Castro, Luis Silva.
Email:
[email protected]
44
Desierto
Quienes cruzan clandestinamente la frontera entre México y los Estados Unidos saben que
enfrentarán peligros: de ser capturados, deportados, de exponerse a la inclemencia de los
elementos naturales. Lo que nadie espera es volverse la presa de una cacería despiadada;
nadie espera encontrarse a Sam (Jeffrey Dean Morgan), un vigilante psicópata y fervoroso
racista, fuertemente armado y decidido a liquidar a cada inmigrante ilegal que encuentre
en Desierto, el nuevo thriller de Jonás Cuarón. Este director, quien coescribió Gravedad,
nos ata ahora a nuestras sillas con una cinta que acelera el pulso a la vez que cuestiona
una dura realidad.
La superestrella mexicana Gael García Bernal interpreta a Moisés, un trabajador migratorio
que se convierte en el líder de facto de un grupo en rápida disminución, obligados a huir
de un francotirador letal que ni siquiera logran ver. Con su camioneta, su rifle de largo
alcance y su pastor alemán entrenado para acabar con su presa, Sam no piensa detenerse
ante nada para eliminar los extranjeros que buscan invadir su adorada patria. Mientras
más sangre derrama en la tierra árida, más fuerte parece sentirse; pero Moisés resulta ser
un blanco más escurridizo que cualquiera y, además, cuenta con la moral y la motivación
para mantenerse con vida.
Cuarón emplea los impenetrables parajes desérticos para acentuar la sensación de
encierro y terror en que se mueve el grupo. El joven director demuestra una aptitud
natural para la narrativa clásica, al emplear los mejores motivos del género y centrarse
en lo esencial de las acciones, para mostrarnos las decisiones que pueden tomar sus
desesperados personajes en situaciones de vida o muerte.
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Those who clandestinely cross the border into the US know there are dangers: of capture,
deportation, or exposure to the elements. No one expects to be hunted down like an
animal—no one expects Sam (Jeffrey Dean Morgan), a psychotic vigilante and virulent
racist, heavily armed and determined to liquidate each and every illegal immigrant who
enters his crosshairs over the course of Desierto, Gravity co-writer Jonás Cuarón’s pulsepounding, propulsive and politically pointed new thriller.
Mexican superstar Gael García Bernal plays Moisés, a migrant worker who unexpectedly
becomes the de facto leader of a rapidly diminishing group forced to take cover from a
deadly sniper most of them can’t even see. With his truck, high-power rifle and German
shepherd trained to terminate all prey, Sam will stop at nothing to keep these foreigners
from entering his beloved homeland. The more blood he spills on the desert floor the
stronger Sam seems to get, but in Moisés he’s found a target more elusive than most, one
with moral sense on his side—and good reasons to stay alive.
Cuarón uses the harsh desert landscapes to intensify the air of agoraphobic terror. This
young director has a refreshing aptitude for old-fashioned storytelling, turning the genre
screws and stripping away all excess baggage so as to plunge us into action as efficiently
as possible—and show what his desperate characters can do when faced with situations
that mean life or death.
Director:
Jonás Cuarón.
México, Francia, 2015 / Mexico, France, 2015.
Idioma / Language:
Duración / Length:
94 min.
Esperanto Kino, Ítaca Films, CG Cinema,
Orange Studio.
Alfonso Cuarón, Carlos Cuarón, Álex García,
Charles Gillibert, Gael García Bernal, Nicolas Celis.
Jonás Cuarón, Mateo García.
Jonás Cuarón nació en la Ciudad de
México. Estudió cine en el Vassar
College. Co-escribió la película
ganadora del Oscar Gravedad,
(2013). Ha dirigido los cortometrajes
La doctrina del shock (2007) y
Aningaaq (2013) y los largometrajes
Año uña (2007) y Desierto (2015).
Jonás Cuarón was born in Mexico City.
He studied film at Vassar College. He
co-wrote the Oscar-winning Gravity
(2013). He has directed the short
films The Shock Doctrine (2007) and
Aningaaq (2013) and the features Year
of the Nail (2007) and Desierto (2015).
Jonás Cuarón
Editor:
Jonás Cuarón.
Damián García.
Sonido / Sound:
Raúl Locatelli.
Música / Music:
Woodkid.
Reparto / Cast:
Gael García Bernal, Jeffrey Dean Morgan, Alondra
Hidalgo, Diego Castaño.
Contacto / Contact:
Latam Pictures
Email:
[email protected]
46
Días extraños
Strange Days
El impresionante debut de Juan Sebastián Quebrada captura las experiencias de una
pareja que vive precariamente a la deriva en una ciudad ajena sin nada que hacer
aparte de vagar, ir de fiesta, pelear, fornicar y tratar de pagar sus cuentas. Tras llegar de
Colombia a Buenos Aires, la pareja es todavía lo suficientemente joven para entretenerse
con cualquier novedad o acto de transgresión, pero el andar sin propósito tiene a la
larga la capacidad de envenenar cualquier relación. Él trabaja en un garaje, ella en una
pequeña librería. La pareja tiene pocas posesiones materiales, las cuales se reducen aún
más cuando ella destruye el computador en un arranque de ira, y les retienen la ropa en
una lavandería hasta que encuentren el tiquete para reclamarla. El sexo y el desenfreno
etílico son sus principales fuentes de entretenimiento, pero los celos, el aburrimiento y
un encuentro tenso con una desprevenida amante uruguaya amenazan con acabar los
extraños días que les quedan.
Quebrada es un observador agudo del comportamiento humano, y logra que mucha de
nuestra comprensión de sus personajes surja a través de acciones y actitudes. Lo que
empieza como una errática narrativa por capítulos se desarrolla con certeza y alcanza
el nivel de drama genuino, con los jóvenes amantes enfrentando eventos cada vez más
perturbadores que pueden separarlos. Rodada en un exquisito blanco y negro, Días
extraños destila el pasajero encanto y la creciente amenaza de la juventud desperdiciada,
así como la promesa de su redención.
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Juan Sebastián Quebrada’s striking debut captures the experiences of a couple precariously
adrift in a strange city with nothing to do except wander, party, fight, fornicate and make
ends meet. Having moved from Colombia to Buenos Aires, the couple is young enough to
amuse themselves with the slightest novelty or act of transgression, but aimlessness has
a way of poisoning a relationship. He works in a garage, she in a small bookstore. They
possess little to speak of, and still less after she destroys his computer on a whim and their
laundry is withheld due to a lost claim ticket. Sex and alcohol-fuelled oblivion are their
primary sources of distraction, but jealousy, boredom and a fraught encounter with an
unsuspecting Uruguayan lover ensure that their strange days are numbered.
Quebrada is a sly observer of behavior and allows much of our understanding of his
characters to emerge purely through action and attitude. What begins as a seemingly
random or episodic narrative slowly develops into escalating drama, with increasingly
disturbing events threatening to tear these lovers apart. Photographed in an exquisitely
graded black and white, Strange Days captures the fleeting allure and quietly burgeoning
menace of misspent youth—as well as the promise of its redemption.
Director:
Juan Sebastián Quebrada.
Argentina, Colombia, 2015.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
71 min.
MovI cINE.
Juan Villegas, Rodrigo Moreno, Juan Sebastián
Quebrada.
Juan Sebastián Quebrada.
Juan Sebastián Quebrada nació en
Medellín, Colombia. Estudió cine en
la Universidad del Cine de Buenos
Aires y en la Escola Superior de
Cinema i Audiovisuals de Catalunya,
en Barcelona. Dirigió el cortometraje
Hogar (2010). Días Extraños (2015) es
su primer largometraje.
Juan Sebastián Quebrada was born
in Medellín, Colombia. He studied
filmmaking at Buenos Aires’s
Universidad del Cine and at Barcelona’s
Escola Superior de Cinema i
Audiovisuals de Catalunya. He directed
the short film Hogar (2010). Strange
Days (2015) is his feature debut.
Editor:
Mauro Caporossi, Juan Sebastián Quebrada.
Mauricio Reyes Serrano.
Sonido / Sound:
Lucas Larriera, Marcos Canosa, Carolina Sólimo.
Música / Music:
Carlos Quebrada.
Reparto / Cast:
Juan Lugo, Luna Acosta, Magdalena Nin Ott,
Cai Weixiang.
Contacto / Contact:
Juan Villegas
Email:
[email protected]
Juan Sebastián
Quebrada
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El abrazo de la serpiente
Embrace of the Serpent
1909. Una canoa lleva al convaleciente explorador alemán Theodor Koch-Grümber (Jan
Bijovet) a la orilla de un río amazónico, donde el joven chamán Karamakate (Nilbio Torres)
lo espera con cautela. Theodor busca una misteriosa flor que cree lo curará de su mortal
enfermedad. Karamakate accede a acompañarle con la condición de que Theodor lo
conduzca a encontrar otros miembros de su tribu, la cual se extingue con rapidez.
En paralelo, en otra historia que ocurre en la misma zona pero en el año de 1940, el
explorador estadounidense Richard Evans Schultes (Brionne Davis) busca la misma flor
con un Karamakate ya mayor (Antonio Bolívar), en medio de paisajes destruidos por la
fiebre del caucho.
En el estilo de piezas visionarias como Dead Man de Jim Jarmusch o Aguirre, la ira
de Dios de Werner Herzog, El abrazo de la serpiente del colombiano Ciro Guerra es
una narrativa épica que se da entre un mundo destrozado por el colonialismo y una
nefasta sed de recursos naturales. Con una impecable cinematografía en blanco y
negro pero llena de tonos plateados, esta aventura elegíaca explora formas de vida
que desaparecen y también el mundo natural que desdeñamos, aunque ello implique
nuestra propia extinción.
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It is 1909. A canoe carrying ailing German explorer Theodor Koch-Grünberg (Jan Bijvoet)
arrives at the edge of an Amazonian river where young shaman Karamakate (Nilbio Torres)
waits warily. Theodor seeks a rare flower that he believes could cure his fatal illness.
Karamakate agrees to help if Theodor promises to lead him to other surviving members
of his rapidly dwindling tribe.
Meanwhile, in a parallel narrative set in the same region in 1940, American explorer Richard
Evans Schultes (Brionne Davis) searches for that same elusive flower, accompanied by an
older Karamakate (Antonio Bolívar) in a landscape brutalized by the rubber trade.
Recalling such visionary films as Jim Jarmusch’s Dead Man and Werner Herzog’s Aguirre,
the Wrath of God, Ciro Guerra’s Embrace of the Serpent is an epic set in a world ravaged
by colonialism and a merciless lust for natural resources. Gorgeously photographed in
silvery black and white, this elegiac adventure surveys a vanishing way of life and the
natural world that we neglect at our peril.
Director:
Ciro Guerra.
Colombia, Venezuela, Argentina, 2015.
Idioma / Language:
Español, lenguas amazónicas / Spanish,
Amazonic Languages.
Duración / Length:
122 min.
Ciudad Lunar.
Cristina Gallego.
Ciro Guerra, Jacques Toulemonde.
Ciro Guerra nació en Río de Oro,
Colombia, y culminó la carrera de
Cine y Televisión en la Universidad
Nacional en Bogotá. Dirigió los
largometrajes La sombra del
caminante (2004), Los viajes del
viento (2009) y El abrazo de la
serpiente (2015).
Ciro Guerra was born in Rio de Oro,
Colombia, and studied cinema and
television at Universidad Nacional
de Colombia. He has directed the
feature films The Wandering Shadows
(2004), The Wind Journeys (2009) and
Embrace of the Serpent (2015).
Ciro Guerra
Editor:
Cristina Gallego, Etienne Boussac.
David Gallego.
Sonido / Sound:
Marco Salaverria, Carlos E. García.
Música / Music:
Nascuy Linares.
Reparto / Cast:
Jan Bijvoet, Brionne Davis, Nilbio Torres, Antonio
Bolivar, Yavenkü Migue.
Contacto / Contact:
Email:
[email protected]
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El apóstata
The Apostate
Gonzalo (Álvaro Ogalla), un madrileño de ojos soñadores, es de hecho todo un fantaseador.
Aunque ya entrado en los treintas, no tiene un trabajo estable, nada que lo motive a
terminar su carrera universitaria, ni una relación romántica concreta –si descontamos el
que siga persiguiendo a su prima como cuando eran niños-. Para completar, suele caer en
estados de ensueño en un abrir y cerrar de ojos. Pero Gonzo finalmente se ha puesto una
meta, algo bastante parecido a un propósito en la vida: Gonzo quiere ser un apóstata. No
es que se sienta particularmente distanciado o que deteste la fe católica en la que se crió,
simplemente no quiere su nombre en los registros de la iglesia. ¿Pero será que nuestro
vago héroe podrá vencer una burocracia increíblemente arcaica?
El apóstata, una carismática comedia de bajo perfil que se mueve sin problema entre la
cotidianidad de su protagonista y sus fecundas fantasías, es la nueva entrega del uruguayo
Federico Vieroj (La vida útil, Acné). Con el espíritu libre de Luis Buñuel y la precisión de
Manoel de Oliveira, Vieroj practica el antiguo arte de pasar de la mayor seriedad a la
inocencia pura como un maestro consumado. Más que un verdadero hereje, Gonzo,
es tan sólo un insolente que puede inspirar a todos aquellos que convierten teorías
paranoides en proyectos de vida. Así mismo, El Apóstata, con su increíble imaginación,
su extraña sensualidad y sus elegantes y enigmáticas imágenes, se convierte en la más
válida versión ibérica del clásico tema del hombre que se resiste a dejar de ser un niño.
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Sleepy eyed madrileño Gonzalo Tamayo (co-scenarist Álvaro Ogalla) is a dreamer. Though
well into his 30s, he has no career, no compulsion to complete his studies, no romantic
life to speak of—aside from pining perversely for his cousin—and slips into reverie at the
drop of a hat. But Gonzo has decided on one clear goal, one ambition to animate him with
a sense of purpose: Gonzo wants to apostatize from the Catholic Church. It’s not that he
feels especially alienated by or angry with the Catholic faith; he just doesn’t want to have
his name in their books. But will the Church’s archaic bureaucracy prove too labyrinthine
for our slacker hero to navigate?
A charismatic deadpan comedy that slips seamlessly between its protagonist’s daily
activities and fecund fantasies, The Apostate is the latest film from Uruguay’s Federico
Vieroj (A Useful Life, Acne). Imbued with the artful mischief of Luis Buñuel and Manoel
de Oliveira, Vieroj walks the line between silliness and seriousness like an old master. Not
so much heretical as impertinent, Gonzo is an inspiration for those who turn conspiracy
theories into personal projects. Wildly imaginative, oddly sexy, and composed of one
elegantly rendered image after another, The Apostate is a sophisticated, Iberian spin on
the man-child comedy.
Director:
Federico Veiroj.
España, Francia, Uruguay, 2015 / Spain, France,
Uruguay, 2015.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
80 min.
Ferdydurke Films, Cinekdoque, Local Films, La
Vie Est Belle Films Associés.
Guadalupe Balaguer Trelles, Fernando Franco,
Federico Veiroj, Maria Martin Stanley.
Federico Vieroj nació en Montevideo
y estudió comunicación social en la
Universidad Católica del Uruguay.
Ha dirigido los largometrajes
Acné (2008), La vida útil (2010) y El
Apóstata (2015).
Federico Vieroj was born in Montevideo
and studied social communications at
the Universidad Católica del Uruguay.
He has made the feature films Acné
(2008), A Useful Life (2010) and The
Apostate (2015).
Federico Veiroj, Álvaro Ogalla, Gonzalo Delgado,
Nicolás Saad.
Federico Vieroj
Editor:
Fernando Franco.
Arauco Hernández Holz.
Sonido / Sound:
Álvaro Silva, Daniel Yafalián.
Música / Music:
Lorca, Lisabö, Hanns Eisler, Nodo, Sergei
Prokofiev, Enrique Morente.
Reparto / Cast:
Álvaro Ogalla, Marta Larralde, Bárbara Lennie, Vicky
Peña, Juan Calot, Kaiet Rodríguez, Andrés Gertrudix.
Contacto / Contact:
Email:
[email protected]
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El Clan
The Clan
Basada en una de las más aterradoras páginas de los anales del crimen argentino, la
nueva entrega de Pablo Trapero (Elefante Blanco) es un cautivante y grotesco thriller sobre
una familia bonaerense cuyo negocio secreto es el secuestro y el asesinato. No fue casual
que El Clan marcara récord en la historia del cine argentino con la mejor taquilla en su
primer fin de semana de exhibición: su tema es tanto escabroso como fascinante, y su
realización es vigorosa y estilizada.
Los Puccio son residentes del glamuroso suburbio capitalino de San Isidro, aunque al
patriarca familiar, Arquímedes, no le ha ido muy bien desde que se retiró del servicio de
inteligencia militar estatal. Su solución para los problemas financieros es radical –aunque
seguro emplea aptitudes que desarrolló en los tiempos de la guerra sucia-. Arquímedes
elabora un plan de secuestros en el cual escoge sus víctimas de la misma élite social
que componen sus vecinos. Pero el éxito depende de que todo el clan trabaje unido,
especialmente el hijo mayor, Alejandro, (Peter Lanzani), jugador de la selección nacional
de rugby. ¿Se unirán Alejandro y los demás a la nueva empresa familiar, sobre todo
cuando las víctimas empiezan a ser ejecutadas, paguen o no su rescate?
Invocando el mejor estilo de las sagas criminales de Martin Scorsese, al tiempo que relata
una historia definitivamente argentina, El Clan es un docudrama hecho para ser vivido
en la pantalla grande. El espectador estará aferrado a su silla hasta el increíble –pero
verídico- gran final.
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Based on one of the most shocking stories in the annals of Argentine crime, the latest
from Pablo Trapero (White Elephant) is a grippingly grotesque thriller about a Buenos
Aires family whose secret business is kidnapping and murder. The Clan had the largest
opening weekend of any Argentine film in history for good reason: the subject is equal
parts chilling and fascinating—and the filmmaking is muscular and ferociously stylish.
The Puccios are denizens of Buenos Aires’ affluent San Isidro suburb, though family
patriarch Arquímedes (Argentine superstar Guillermo Francella) hasn’t fared well
professionally since retiring from the state intelligence service. Arquímedes’ solution to
financial decline is a radical one—though it surely draws upon skills he exercised during
the years of the Dirty War. Arquímedes embarks on a kidnapping scheme, drawing his
victims from the very social elite who comprises his neighbors. But success depends
on rallying the clan together, especially eldest son Alejandro (Peter Lanzani), a player
for Argentina’s National Rugby team. Will Alejandro and the others do their part in the
family’s new enterprise—especially when victims start getting executed whether or not
ransom is paid?
Invoking the panoramic crime sagas of Martin Scorsese while chronicling a uniquely
Argentine story, The Clan is docudrama designed for the big-screen experience. It’ll have
you riveted right until its unbelievable—yet true—finale.
Director:
Pablo Trapero.
Argentina, España, 2015 / Argentina, Spain, 2015.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
108 min.
Kramer & Sigman Films, Matanza Cine, El
Deseo, Telefonica Studios, TELEFE.
Matías Mosteirin, Hugo Sigman, Agustín
Almodóvar, Pedro Almodóvar, Ester García,
Pablo Trapero.
Pablo Trapero.
Editor:
Pablo Trapero, Alejandro Carrillo Penovi.
Pablo Trapero nació en San Justo,
Argentina. Estudió cine en la
Universidad del Cine de Buenos
Aires. Sus películas incluyen Mundo
Grúa (1999), El Bonaerense (2002),
Familia Rodante (2004), Nacido
y Criado (2006), Leonera (2008),
Carancho (2010), Elefante Blanco
(2012), y El Clan (2015).
Pablo Trapero was born in San Justo,
Argentina. He studied filmmaking at
the Universidad del Cine in Buenos
Aires. His films include Crane World
(1999), El Bonaerense (2002), Rolling
Family (2004), Born and Bred (2006),
Lion’s Den (2008), Carancho (2010),
White Elephant (2012), and The Clan
(2015).
Julián Apezteguia.
Sonido / Sound:
Vicente D’Elía, Leandro de Loredo.
Música / Music:
Sebastián Escofet.
Contacto / Contact:
Fox
Reparto / Cast:
Guillermo Francella, Peter Lanzani.
Email:
[email protected]
Pablo Trapero
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El club
The Club
La controversia en torno a los esfuerzos del Vaticano por proteger a clérigos culpables de
abuso sexual jamás había sido señalada tan arriesgada y creativamente como en El club.
La última película del chileno Pablo Larraín –nominado al Oscar con No, que fue la Gala de
Clausura de IFF Panamá 2013- es su obra más escalofriante, compleja y oportuna hasta ahora.
Un cuarteto de curas caídos en desgracia y la monja que los “cuida” conviven en una casa
frente al mar, que funge tanto de retiro como de monasterio. Con un poco de jardinería,
otro tanto de alcohol y su furtiva participación en las carreras de perros del pueblo, los
padres disfrutan una vida idílica, pero la llegada de un nuevo miembro del club antecede
el desastre: un hombre extraño que fue víctima de tal padre aparece como un fantasma en
la puerta de la casa, balbuceando obscenidades y acusaciones, empujando a su abusador
al suicidio. Llega entonces a investigar un severo cura joven, y no sólo les quita el licor
y las apuestas, si no que amenaza con cerrar el club de una buena vez. Pero cuando
emergen crímenes del pasado las cosas se complican más, hasta el punto en que nadie
puede creerse libre de pecado.
Liderado por los colaboradores habituales de Larraín, Alfredo Castro y Antonia Zegers,
el elenco conspira con la cinematografía brumosa de Sergio Armstrong y la sepulcral
música de cámara de Carlos Cabezas para crear una tensión asfixiante. El club es un
drama incendiario salpicado de un inspirado humor negro, que se convierte en una
cautivante condena de la corrupción non santa.
55
The controversy surrounding the Vatican’s attempts to protect clergy members guilty of
sex crimes has never been treated with such imaginative daring and incisive damnation
as it is in The Club. The latest from Chile’s Pablo Larraín—whose Oscar-nominated No was
IFF 2013’s Closing Night Gala—is his most chilling, twisty and timely film yet.
A quartet of disgraced priests and their Girl-Friday nun inhabit a seaside house, as much
retirement home as monastery. Gardening, drinking and participating by proxy in the local
dog races, the priests enjoy an idyllic existence, but when a new member joins their club
disaster strikes: a strange man who was once victim to the new priest appears outside the
house like a ghost, babbling profanities and accusations, driving his one-time tormentor
to suicide. An investigation is undertaken by a sternly pious young priest who won’t
tolerate gambling and boozing and threatens to shut down the operation altogether. As
past crimes are dredged up, however, things become complicated—until no one can claim
not to be culpable of cardinal sin.
Led by Larraín regulars Alfredo Castro and Antonia Zegers, the actors conspire with the
gloomy rapture of Sergio Armstrong’s cinematography and Carlos Cabezas’ sepulchral
chamber music to cast an irresistible spell. An incendiary drama peppered with inspired
black humour, The Club is a captivating indictment of unholy corruption.
Director:
Pablo Larraín.
Chile, 2015.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
98 min.
Fábula.
Juan de Dios Larraín.
Guillermo Calderón, Daniel Villalobos, Pablo
Larraín.
Editor:
Sebastián Sepúlveda.
Pablo Larraín nació en Santiago
de Chile. Estudió comunicación
audiovisual en la Universidad de
Artes, Ciencias y Comunicación de
Santiago. Sus películas incluyen la
“trilogía de Chile”: Tony Manero
(2008), Post Mortem (2010) y No
(2012), que fue nominada al Oscar. El
club (2015) es su última película.
Pablo Larraín was born in Santiago,
Chile. He studied audiovisual
communication at Santiago’s
Universidad de Artes, Ciencias y
Comunicación. His films include the
“Chile Trilogy” of Tony Manero (2008),
Post Mortem (2010) and No (2012),
which was nominated for an Oscar. The
Club (2015) is his latest film.
Sergio Armstrong.
Sonido / Sound:
Miguel Hormazábal.
Música / Music:
Carlos Cabezas.
Reparto / Cast:
Alfredo Castro, Roberto Farías, Antonia Zegers,
Jaime Vadell, Alejandro Goic, Alejandro Sieveking,
Marcelo Alonso, José Soza, Francisco Reyes.
Contacto / Contact:
Email:
[email protected]
Pablo Larraín
56
El desconocido
Retribution
El feroz largometraje debut de Dani de la Torre es un thriller de alto octanaje hecho a la
medida de la superestrella española Luis Tosar. En su narración de una familia que de
repente tiene que confrontar las exigencias imposibles de un extorsionista furibundo,
El desconocido logra mantenernos sujetos a nuestros asientos, aterrados de movernos.
Tras pasar el desayuno en el teléfono lidiando con un problema del trabajo, el banquero
de inversión Carlos (Tosar) mete a sus hijos en el carro para comenzar el día. Se supone
que debe dejarlos en el colegio, pero el itinerario cambia completamente cuando Carlos
recibe una llamada en un teléfono desconocido que aparece en el asiento del pasajero.
Quien llama le informa a Carlos que tanto él como sus niños están sentados sobre
bombas; si alguno de ellos se levanta el carro entero volará por los aires. El hombre
rehúsa identificarse pero dice estar decidido a tomar venganza: Carlos deberá transferir
todos los fondos de sus cuentas personales a la del extorsionista si quiere que su familia
sobreviva. La verdad es que Carlos ha hecho tantas negociaciones dudosas a lo largo de
los años, que este maníaco podría ser cualquiera de un sinnúmero de clientes estafados.
Usando elementos de predecesoras tan dinámicas como Speed o Locke, El desconocido
no sólo pasa por múltiples giros dramáticos a toda velocidad, si no que además nos
recuerda los negocios turbios que han llevado a tantas crisis económicas alrededor
del mundo.
57
Dani de la Torre’s ferocious feature debut is a high-octane thriller and a perfect vehicle for
Spanish superstar Luis Tosar. The story of a family forced to contend with the seemingly
impossible demands of a lunatic extortionist, Retribution will keep you on the edge of
your seat—and make you terrified to leave it.
After spending his breakfast on the phone dealing with a work-related crisis, Coruña
investment bank executive Carlos (Tosar) hustles his daughter and son into the family SUV.
He’s to drop the kids at school, but their itinerary changes radically when Carlos answers
a mysterious phone left on the passenger seat. The caller informs Carlos that he and his
children are sitting on bombs; if any of them rise off their seats the car will blow sky-high.
If he wants his family to survive Carlos must transfer all funds in his personal accounts to
the caller, who refuses to identify himself but claims to be motivated by revenge. Carlos
has unloaded so many dubious derivatives over the years that this maniac could be any
one of countless swindled clients.
Drawing elements from such dynamic precedents as Speed and Locke, Retribution not
only moves through multiple twists and turns at a breakneck pace, it also invokes the sort
of shady dealings that prompted financial crises all over the world.
Director:
Dani de la Torre.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
102 min.
Vaca Films, Atresmedia Cine.
Dani de la Torre nació en Monforte
de Lemos, España. Ha dirigido los
cortometrajes Minas (2004), Lobos
(2004) y Buenos días (2006). El
desconocido (2015) es su primer
largometraje.
Dani de la Torre was born in Monforte
de Lemos, Spain. He has directed the
short films Minas (2004), Lobos (2004)
and Bos dias (2006). Retribution (2015)
is his first feature film.
Emma Lustres Gómez, Mercedes Gamero
Hoyos.
Dani de la Torre
Alberto Marini.
Editor:
Jorge Coira.
Josu Incháustegui.
Sonido / Sound:
Manuel Riveiro.
Reparto / Cast:
Luis Tosar, Javier Gutiérrez, Elvira Mínguez, Goya
Toledo, Fernando Cayo, Paula del Río.
Contacto / Contact:
Email:
[email protected]
58
Heliópolis - tudo que aprendemos juntos
Heliópolis - El profesor de violín
The Violin Teacher
Tras el desastre de audición que sus nervios le hicieron presentar ante la prestigiosa
orquesta sinfónica, el violinista Laerte (Lázaro Ramos) recibe la misión de enseñar música
en una escuela pública de la infame favela de Heliópolis, en São Paulo. El trabajo es un
desafío a su medida. Laerte es afrobrasileño, y su actitud profesional pronto le confiere el
apodo de “Obama Junior” de parte de sus pupilos. Los jóvenes no saben leer partitura, y
la mayoría no tiene experiencia alguna tocando instrumentos, mucho menos dominando
su potencial. El crecer a los márgenes de la sociedad los hace reaccionar de formas
complicadas a la autoridad, y sentirse inseguros en territorios gobernados por peligrosas
pandillas. Puede que Laerte les enseñe a los chicos a creer en la fuerza de la música
clásica, ¿pero podrá enseñarles a creer en sí mismos?
Basado en un guión afinado con precisión que incluye entre sus autores a Marcelo
Gomes (director de la cinta proyectada en IFF Panamá 2013, Una vez fui yo, Verónica), el
director Sergio Machado orquestra los diversos motivos que hacen de Heliópolis un todo
armónico, una obra a la vez tensa y genuinamente inspiradora. No existe una salida fácil
de las mil trampas sociales que acechan en la trama, pero este poderoso drama –que
cuenta sin duda con la mejor música- nos recuerda que a veces el contar con una sola
persona que de verdad crea en nosotros puede despejar el camino hacia un mejor futuro.
59
Having blown an audition for the city’s prestigious symphony orchestra on account of
nerves, violinist Laerte (Lázaro Ramos) finds himself saddled with a gig teaching music at
a public school in the São Paolo shantytown of Heliópolis. Laerte has his work cut out for
him. He’s Afro-Brazilian, and his professional demeanor earned him the nickname “Obama
Junior” from his pupils. The students can’t read music, and most have little experience
handling instruments, much less mastering their potential. Growing up on the margins
of society has left them feeling uneasy with authority and unsafe in the streets, where
violent local gangs lord over everything. Laerte might be able to teach some of these kids
to believe in the power of classical music, but can he teach them to believe in themselves?
Drawing upon a finely tuned screenplay whose authors include Marcelo Gomes (director
of IFF ’13’s Once Upon a Time Was I, Verônica), director Sérgio Machado orchestrates The
Violin Teacher’s various motifs into a harmonious whole, a film at once tense and truly
inspiring. There is no easy way out of Heliopolis’ myriad social traps, but this stirring
drama—brimming with some of the finest music ever composed—reminds us that
sometimes having one person who really believes in you can clear the path toward a
brighter future.
Director:
Sérgio Machado.
Brasil, 2015 / Brazil, 2015.
Idioma / Language:
Portugués / Portuguese.
Duración / Length:
100 min.
Gullane.
Fabiano Gullane, Caio Gullane, Debora Ivanov,
Gabriel Lacerda.
Sérgio Machado nació en Salvador
de Bahía, Brasil. Sus créditos como
director incluyen el documental
Donde termina la tierra (2002) y los
largometrajes de ficción Lower City
(2005), Las dos muertes de Quincas
Wateryell (2010), y Heliópolis, el
profesor de violín (2015).
Sérgio Machado was born in Salvador,
Bahia, Brazil. His directorial credits
include the documentary Onde a terra
acaba (2002) and the fiction features
Lower City (2005), The Two Deaths of
Quincas Wateryell (2010) and The Violin
Teacher (2015).
Sérgio Machado
Sérgio Machado, Maria Adelaide Amaral,
Marcelo Gomes, Marta Nehring.
Editor:
Márcio Hashimoto.
Marcelo Durst.
Música / Music:
Alexandre Guerra, Felipe de Souza.
Reparto / Cast:
Elzio Vieira, Fernanda de Freitas, Lázaro Ramos,
Sandra Corveloni, Kaique Jesus.
Contacto / Contact:
Fox
Email:
[email protected]
60
La calle de la amargura
Bleak Street
Inspirada en la muerte accidental en 2009 de los mini-luchadores La Parkita y Espectrito
Jr. a manos de dos mujeres en un hotel de Cuauhtémoc, la nueva obra del maestro
mexicano Arturo Ripstein nos adentra en las calles más tenebrosas de ciudad de México,
sus hoteles de mala muerte y residencias de paso para contarnos una historia imborrable
de desespero y deseo.
Escrita para la pantalla grande por Paz Alicia Garcíadiego, La calle de la amargura
reinventa un crimen tórrido en clave de cine negro contemporáneo, que presta igual
atención a los personajes a cada lado de los hechos. La Pequeña Muerte (Juan Francisco
Longoria) y Pequeño AK (Guillermo López) son gemelos idénticos –aunque nadie lo note
ya que rehúsan quitarse las máscaras bajo ninguna circunstancia- y tan supersticiosos
que despiertan a su madre de la peor resaca imaginable para pedir su bendición antes de
cada combate.
Por su parte las trabajadoras sexuales Adela (Patricia Reyes Spíndola) y Dora (Nora
Velázquez) viven en la pobreza con los familiares que dependen de ellas. La llegada a la
edad madura afecta sin dudas su negocio, y saben que necesitan algo que las salve o les
de un respiro, ¿qué tal por ejemplo drogar y robar un par de clientes?
Con su mezcla brillante de comedia negra y compasión por personajes a los que nunca
juzga, La calle de la amargura nos trae al veterano director en completo dominio de su
juego. Puede pensarse que Dios se olvidó de estas almas, pero sus historias resuenan y
conmueven a través de la seducción espectral del cine.
61
Inspired by the 2009 accidental deaths of fraternal mini-luchadores La Parkita and
Espectrito Jr. at the hands of two women in a Cuauhtémoc hotel, this latest from Mexican
maestro Arturo Ripstein lures us into Mexico City’s gloomy backstreets, fleabag hotels and
cramped flats to relay a strange, engrossing tale of desperation and desire.
Scripted by Paz Alicia Garciadiego, Bleak Street reimagines tawdry true crime as modern
noir, granting equal attention to central players on both sides of the affair. Little Death
(Juan Francisco Longoria) and Little AK (Guillermo López) are identical twins—not that
you’d know it since, rather comically, they refuse to remove their masks under any
circumstances—and so superstitious that they rouse their hung-over mother from slumber
for a formal blessing on the day of a big match.
Sex workers Adela (Patricia Reyes Spíndola) and Dora (Nora Velázquez) meanwhile live in
squalor with their various dependents. With middle-age taking its toll on their business,
the women need some kind of break—perhaps drugging and robbing a couple of clients
will do the trick?
Brilliantly blending black comedy with understated compassion, Bleak Street is Ripstein
at his very best. These characters may feel their God has forsaken them, but through the
spectral allure of cinema, their stories become luminous and poignant.
Director:
Arturo Ripstein.
México, España, 2015 / Mexico, Spain, 2015.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
99 min.
Productora 35, Fondo para la Producción
Cinematográfica de Calidad (México), Wanda
Visión, Equipment & Film Design, Alebrije
Cine y Video, Cinema Máquina, Arturo Alan
Serna Coronado, Estudios Churubusco Azteca,
Ibermedia.
Arturo Ripstein nació en la Ciudad de
México. Su larga y célebre filmografía
incluye Tiempo de morir (1965), El
castillo de la pureza (1973), El Santo
Oficio (1974), El lugar Sin Límites
(1978), Profundo Carmesí (1996) y La
calle de la amargura (2015).
Arturo Ripstein was born in Mexico
City. His long and celebrated
filmography includes Tiempo de morir
(1965), The Castle of Purity (1973), The
Holy Office (1974), A Place Without
Limits (1978), Deep Crimson (1996) and
Bleak Street (2015).
Walter Navas, Arturo Ripstein.
Arturo Ripstein
Paz Alicia Garciadiego.
Editor:
Arturo Ripstein, Carlos Puente.
Alejandro Cantú.
Sonido / Sound:
Antonio Diego.
Reparto / Cast:
Patricia Reyes Spíndola, Nora Velázquez, Sylvia
Pasquel, Alejandro Suárez, Arcelia Ramírez,
Alberto Estrella.
Contacto / Contact:
Email:
[email protected]
62
La delgada línea amarilla
The Thin Yellow Line
Gala de Clausura | Closing Night Gala
Toño (Damián Alcázar, quien participa también en el festival con Magallanes) es despedido
de un depósito de chatarra en el que trabajó de vigilante durante once años. El hombre
ya está entrado en edad madura, pero no posee mucho más que su vieja camioneta,
que usa para dar vueltas por San Luís Potosí hasta que logra trabajo -con un mísero
sueldo- en una estación de gasolina. Pero es en esa estación que Toño se encuentra con
un colega de cuando trabajaba en las carreteras, y que lo recuerda como uno de los
mejores trabajadores que tuvo; así que Toño acepta sin dudar la invitación a supervisar
un pequeño equipo que va a pintar la línea divisoria de la autopista en un tramo de casi
200 Kilómetros en medio del desierto. La delgada línea amarilla acompaña a Toño y
a su cuadrilla –un ex tramoyista de circo, un camionero al que le falla la visión, un ex
presidiario, y un adolescente taciturno que planea su salida hacia los EE.UU.- durante dos
semanas mientras cumplen su misión a pesar de múltiples obstáculos, peleas internas y
terribles peligros.
Apoyado por un increíble equipo de producción que incluye a Guillermo del Toro, el
sentido debut del escritor y director mexicano Celso R. García nos ofrece una única mirada
a la vida de unos dedicados toderos que solo buscan sobrevivir, soportar las tragedias
cotidianas lo mejor que puedan y disfrutar sus pequeñas victorias. En última instancia,
estos hombre encuentran solaz en poder compartir la solidaridad y la satisfacción que da
un trabajo bien hecho.
63
Toño (Damián Alcázar, also at the Festival with Magallanes) is fired from the junkyard
where he served as night watchman for 11 years. He is well into middle age, with little
to show for it besides his old pickup, which he uses to drive around the state of San Luis
Potosí until he finds a job pumping petrol for a pittance. But it’s at the gas station that
he runs into a colleague from his old days in roadwork, one who remembers Toño as
the best foreman he ever had, and Toño leaps at his offer to supervise a small crew and
paint the centerline along 120 miles of desert highway. The Thin Yellow Line follows Toño
and his men—a former circus stagehand, a trucker with failing eyesight, an ex-con, and a
sullen teenager saving up to go to the US—for two weeks as they fulfill their duty despite
numerous obstacles, infighting and horrendous dangers.
Supported by a formidable producing team that includes Guillermo Del Toro, Mexican
writer-director Celso R. García’s heartfelt debut offers us a rare glimpse into the lives of
hardworking factotums, men who do what they need to just to get by, who withstand
ordinary tragedy as best they can, who take pride in fleeting triumphs, and who ultimately
find comfort in sharing, solidarity and the satisfaction of a job well-done.
Director:
Celso R. García.
México, 2015 / Mexico, 2015.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
95 min.
Mamut Cine, Foprocine, Ciné-Sud Promotion,
Estudios Churubusco, Azteca S.A., Springall Pictures.
Guillermo del Toro, Bertha Navarro, Alejandro
Springall.
Celso R. García.
Celso R. García nació en la ciudad
de México. Ha ganado numerosos
premios por sus cortometrajes,
que incluyen Pro Testosterona
(2003), Pata de gallo (2004) y La
leche y el Agua (2006). La delgada
línea amarilla (2015), su primer
largometraje, ganó importantes
premios en Festivales de Gijón,
Mannheim-Heidelberg y Montreal.
Celso R. García was born in Mexico
City. He has won numerous awards
for his short films, which include
Protestosterona (2003), Pata de gallo
(2004) and La leche y el agua (2006).
The Thin Yellow Line (2015), his feature
debut, won major prizes in Gijón,
Mannheim-Heidelberg and Montreal.
Editor:
Jorge García.
Emiliano Villanueva.
Música / Music:
Daniel Zlotnik.
Reparto / Cast:
Damián Alcázar, Joaquín Cosío, Gustavo Sánchez
Parra, Fernando Becerril, Silverio Palacios,
Américo Hollander.
Contacto / Contact:
Email:
[email protected]
Celso R. García
64
La tierra y la sombra
Land and Shade
Al regresar a casa tras muchos años de haber abandonado a su familia, Alfonso (Haimer
Leal) se entera de que su hijo Gerardo (Edison Raigosa), un cortero de caña tiene una
grave enfermedad respiratoria, y aún así su nuera (Marleyda Soto) y su distante esposa
Alicia (Hilda Ruíz) siguen trabajando en los cañaduzales, cortando y quemando cultivos,
una rutina muy tóxica que es parte esencial de la cosecha anual.
Mientras las mujeres se esfuerzan sin tener siquiera la certeza de ser remuneradas, Alfonso
se queda en casa para cuidar a Gerardo y ofrecerle algo de su sabiduría a su nieto de seis
años, Manuel (José Felipe Cárdenas). El chico al principio tiene problemas con la aparición
del abuelo que nunca había visto, sumada a la enfermedad de su padre y al deseo de su
madre de desarraigar a la familia, todo lo cual lo convierte calladamente en una suerte de
dique contra el que se estrella la tormenta emocional que enfrenta su familia.
Profundamente bella y conmovedora, la ópera prima de César Augusto Acevedo es una
de las mejor logradas en los últimos años. Con una gestación de diez años, La tierra y
la sombra alcanza la inquietante resonancia de la alegoría, pero a la vez cada secuencia
cuenta con detalles intrínsecos que tienen el peso de la experiencia directa. Todo el elenco
–en especial el pequeño Cárdenas- logra sentidas actuaciones naturalistas; y el uso de las
locaciones –desde el colosal árbol que custodia la casa familiar hasta las apocalípticas
imágenes de la quema de caña- le da a la historia el tono contundente del mito.
65
Returning home many years after having abandoned his family, Alfonso (Haimer Leal)
finds that his son, sugarcane worker Gerardo (Edison Raigosa), has fallen gravely ill with
respiratory disease, yet his daughter-in-law (Marleyda Soto) and estranged wife Alicia
(Hilda Ruiz) continue to work the local cane fields, slashing and burning crop, a routine—
yet highly toxic—part of the annual harvest.
As the women toil without even the assurance of remuneration, Alfonso stays home to
care for Gerardo and offer wisdom to Gerardo’s six-year-old boy Manuel (José Felipe
Cárdenas). As he struggles to absorb the sudden appearance of the grandfather he never
knew, the failing of his father’s health and his mother’s desire to uproot the family, little
Manuel becomes the sea wall against which all manner of emotional tempest and detritus
collide.
Astonishingly beautiful and overwhelmingly moving, César Augusto Acevedo’s Land and
Shade is one of the most accomplished directorial debuts in recent memory. Ten years
in the making, Land and Shade possesses the haunting resonance of allegory, yet its
every passage holds intricate details drawn from lived experience. The entire cast—young
Cárdenas most especially—give arresting naturalistic performances, while the use of
locations—from the colossal banyan tree, standing sentinel-like outside the family home,
to the apocalyptic burning fields—infuse the film with an air of myth.
Director:
César Augusto Acevedo.
Colombia, Francia, Chile, Brasil, Holanda, 2015 /
Colombia, France, Chile, Brazil, Netherlands, 2015.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
94 min.
Burning Blue.
Jorge Forero, Paola Pérez Nieto, Diana
Bustamante.
César Augusto Acevedo.
Editor:
Miguel Schverdfinger.
César Augusto Acevedo nació en
Cali, Colombia y se graduó de la
Universidad del Valle. Co-escribió
Los hongos (2014) junto a Óscar
Ruíz Navia, la cual hizo parte del
Festival el año pasado. La tierra y
la sombra (2015), su debut como
director, ha obtenido ya varios
premios internacionales, incluyendo
la Cámara de Oro en Cannes.
César Augusto Acevedo was born in
Cali, Colombia and graduated from
Cali’s Universidad del Valle. He cowrote Óscar Ruiz Navia’s Los hongos
(2014), which screened at the Festival
last year. Land and Shade (2015),
Acevedo’s directorial debut, has already
won numerous prizes, including the
Camera d’Or at Cannes.
Mateo Guzmán.
Sonido / Sound:
Juan Felipe Rayo.
Reparto / Cast:
Haimer Leal, Hilda Ruíz, Marleyda Soto, Edison
Raigosa, José Felipe Cárdenas.
Contacto / Contact:
Cineplex Colombia
Email:
[email protected]
César Augusto
Acevedo
66
Magallanes
Basado en la novela La pasajera, de Alonso Cueto, esta historia de atmósfera de suspenso
marca el prometedor debut como director del actor peruano Salvador del Solar. Magallanes
es el relato de un secreto terrible que retorna para asediar a todos los involucrados.
Magallanes (Damián Alcázar) parece un taxista común y corriente, de mediana edad. Pero
él tiene también otro trabajo un poco más curioso, el de llevar de paseo diariamente a
un hombre mayor (Federico Luppi). El viejo va entrando de lleno en la demencia y en
la enfermedad, y por ello parece de lo más inofensivo, pero en realidad fue un temible
coronel durante los años más crudos de la guerra contra la insurgencia de Sendero
Luminoso. Magallanes era uno de sus comandados.
La grotesca historia que comparten el taxista y el coronel comienza a permear el presente
el día que Celina (Magaly Solier) se sube al taxi de Magallanes. Celina fue una de las
jovencitas concubinas cautivas que tuvo el coronel años atrás, y Magallanes tiene una
foto que lo demuestra, y que pretende usar si decide extorsionar al hijo millonario del
coronel (Christian Meier).
De forma apropiada para una película dirigida por un actor de talento, en Magallanes se
destacan interpretaciones conmovedoras y muy detalladas, en especial la de Solier, quien
canaliza el trauma y la dignidad para representar la lucha de Celina por seguir adelante, y
la de Alcázar, uno de los mejores actores de México, quien conjura una mezcla de miedo,
ambición, culpa y anhelos en su papel de héroe malogrado pero fascinante.
67
Based on Alonso Cueto’s novel La pasajera, this atmospheric thriller marks the auspicious
directorial debut of Peruvian actor Salvador del Solar. Magallanes tells the story of a
terrible secret that comes back to haunt all those involved.
Magallanes (Damián Alcázar) seems like an ordinary middle-aged cabbie. But Magallanes
also works a curious side job, taking an old man (Federico Luppi) out on daily excursions.
Slipping gradually into dementia and infirmity, the old man couldn’t seem more harmless,
yet he was once a fearsome colonel during the worst years of the Sendero Luminoso
insurgency. And Magallanes was his subordinate.
The grotesque history shared by the cabbie and the colonel starts infringing on the present
the day Celina (Magaly Solier) enters Magallanes’ taxi. Celina was the colonel’s captive
pubescent concubine long ago, and Magallanes has a photograph to prove it—and to use
as leverage should he wish to blackmail the colonel’s rich son (Christian Meier).
Befitting a film helmed by a skilled thespian, Magallanes is highlighted by arresting,
highly nuanced performances, most especially Solier, who balances trauma with dignity
in depicting Celina and her struggle to move on, and Alcázar, one of Mexico’s finest actors,
who invokes an ever-shifting stew of fear, greed, guilt and longing as our flawed but
fascinating hero.
Director:
Salvador Del Solar.
Perú, Argentina, Colombia, España, 2015 / Peru,
Argentina, Colombia, Spain, 2015.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
109 min.
Péndulo Films, Tondero Films, CEPA Audiovisual,
Proyectil, Nephilim Producciones, Cinerama.
Amador del Solar, Salvador del Solar.
Salvador del Solar.
Salvador Del Solar nació en Lima.
Estudió Derecho en la Universidad
Católica del Perú. Ha actuado en
numerosas películas, incluyendo El
elefante desaparecido (2014), que se
proyectó en el IFF Panamá del año
pasado. Magallanes (2015) es su
primera película como director.
Salvador Del Solar was born in Lima. He
studied law at the Universidad Católica
del Perú. He has appeared as an actor in
numerous films, including The Vanished
Elephant (2014), which screened at last
year’s Festival. Magallanes (2015) is his
first film as director.
Salvador Del Solar
Editor:
Eric Williams.
Diego Jiménez.
Sonido / Sound:
Amador del Solar, Nicolás Paulpiquet, John
Figueroa, Martín Litmanovich, David Mantecón.
Música / Music:
Federico Jusid.
Reparto / Cast:
Damián Alcázar, Magaly Solier, Federico Luppi,
Christian Meier, Bruno Odar.
Contacto / Contact:
Email:
[email protected]
68
Mi gran noche
My Big Night
La más reciente obra del maestro español de la comedia, Álex de la Iglesia, presenta un
audaz trabajo coral que destila la mejor sátira de la industria del entretenimiento que
nos lleva al detrás de cámaras de la grabación de un especial de TV en el que todo sale
espectacularmente mal.
La elegante y excesivamente peculiar fiesta de Noche Vieja lleva ya una semana entera de
producción, pero los problemas no dejan de aparecer. Una de las grúas cae sobre un extra
y lo manda al hospital, mientras la pareja de presentadores del programa están a punto de
aniquilarse entre sí. Adán, símbolo sexual del momento, se entera que ha sido víctima de
una estratagema para aprovecharse de su semen, al tiempo que Alphonso, un legendario
divo de la canción (interpretado por el mítico Raphael) está siendo perseguido por un
compositor a punto de perder la cabeza (Jaime Ordóñez). Entre los extras, el tímido pero
amable José (Pepón Nieto) parece haber encontrado finalmente la chispa del amor con
la preciosa Paloma (Blanca Suárez), pero ella tiene un historial de hacer que sus novios
terminen en absurdas situaciones de peligro mortal. Por si fuera poco, afuera del estudio
se arma una batalla campal entre la policía antimotines y los trabajadores que piden la
cabeza del corrupto gerente de la cadena televisiva (Santiago Segura).
Mi gran noche es una farsa desbordada e ingeniosa, llena de momentos bizarros y
grotescos, así como de carismáticas excentricidades en la mejor vena de Fellini, Altman y
Almodóvar, que incrementa el pulso hasta llegar a un gran final que se disuelve en el caos.
69
An audacious ensemble comedy brimming with showbiz satire, the latest from Spain’s
madcap maestro Álex de la Iglesia (Witching & Bitching) offers an all-access backstage
pass to the taping of a TV variety show in which everything goes spectacularly wrong.
The network’s annual black-tie NewYear’s Eve extravaganza has already been in production
for a fraught week and a half and the setbacks keep coming. A falling crane takes out an
extra and the hosts are at each other’s throats. Oversexed pop sensation Adán (Mario
Casas) discovers he’s been duped by a semen thief, while legendary divo Alphonso (reallife singer Raphael) is stalked by a disgruntled songwriter (Jaime Ordóñez). Amongst the
extras, dumpy but endearing José (Pepón Nieto) is really hitting it off with the gorgeous
Paloma (Blanca Suárez), but she has a history of accidentally maiming every man she
dates. Meanwhile, just outside the studio, riot police move in as demonstrators demand
the arrest of the corrupt producer (Santiago Segura).
Rife with bon mots and wicked farce, bizarre grotesques and charismatic eccentrics, My
Big Night is a frenetic brew of Fellini, Altman and Almodóvar, building steadily toward a
finale that’s a grand collapse into utter chaos.
Director:
Álex de la Iglesia.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
100 min.
Enrique Cerezo Producciones Cinematográficas.
Enrique Cerezo, Carlos Bernases.
Álex de la Iglesia, Jorge Guerricaechevarría.
Editor:
Domingo González.
Ángel Martinez Amorós.
Álex de la Iglesia nació en Bilbao,
España, y es licenciado en Filosofía
de la Universidad de Deusto. Entre
sus diversas películas se incluyen El
día de la bestia (1995), Muertos de
risa (1999), Crímen ferpecto (2004),
Balada triste de trompeta (2010), Las
brujas de Zugarramurdi (2013) y Mi
gran noche (2015).
Álex de la Iglesia was born in Bilbao,
Spain and has a degree in philosophy
from the University of Deusto. His
many films include The Day of the
Beast (1995), Dance with the Devil
(1997), Common Wealth (2000), The
Last Circus (2010), Witching & Bitching
(2013) and My Big Night (2015).
Sonido / Sound:
Sergio Burman.
Música / Music:
Joan Valent.
Reparto / Cast:
Raphael, Mario Casas, Pepón Nieto, Blanca
Suárez, Santiago Segura, Carlos Areces, Jaime
Ordoñez, Terele Pávez, Carolina Bang, Enrique
Villén, Lus Callejo, Ana Polvorosa, Tomás Pozzi,
Luis Fernández, Antonio Velázquez, Carmen
Ruiz, Marta Castellote, Marta Guerras, Carmen
Machi, Hugo Silva.
Contacto / Contact:
Email:
[email protected]
Álex de la Iglesia
70
Semana Santa
Dali (Anajosé Aldrete) espera que sus vacaciones en una de las idílicas playas mexicanas le dé
un respiro de sus problemas, pero el resort al que llega con su hijo y su nuevo novio ha visto
tiempos mejores, y el estar todos en una sola habitación sólo los empuja a la introspección.
Pepe (Esteban Ávila), de ocho años, no logra sacudirse la nostalgia por su padre fallecido.
Chávez (Tenoch Huerta), el atractivo romance de Dali, está tenso porque el dinero con que
contaba para pagar este paseo se retrasa repetidamente. Dali está contenta de finalmente
poder pasar tiempo con Pepe –quien ha estado viviendo con su abuela desde la muerte
de su padre- pero nota que su propio luto le impide centrarse a cabalidad en el presente.
Cuando las relaciones entre los viajeros se enrarecen, cada uno inicia una aventura
independiente que resalta la naturaleza inconexa de esta nueva unidad familiar.
Llena de momentos de dolor y de pena, así como de humor y de ternura, el debut en
el largometraje de ficción de Alejandra Márquez Abella ilustra con sutileza uno de los
dilemas más punzantes de la vida: el rodearnos de belleza puede a veces exacerbar nuestra
melancolía. Semana Santa es una entrañable evocación de la añoranza, la esperanza y el
recuerdo, que nos adentra en los enigmas del corazón humano.
71
Dali (Anajosé Aldrete) hopes that holidaying at one of Mexico’s idyllic beaches will provide
a respite from her woes, but the resort where she is to stay with her son and new boyfriend
has seen better days—and being crammed into a small room together only helps to draw
everyone inward.
Eight-year-old Pepe (Esteban Ávila) cannot help but feel consumed with nostalgia for his
deceased father. Chávez (Tenoch Huerta), Dali’s handsome beau, is having trouble relaxing
since delivery of the funds he was depending on to pay for this getaway is repeatedly
delayed. Dali, though happy to finally be spending quality time with Pepe—who has been
living with his grandmother since his father’s death—finds that her own ongoing mourning
process makes it difficult for her to live fully in the present. As relations between the travelers
become strained, each sets off on a separate adventure that underlines the disjointed nature
of this new family unit.
Brimming with moments of sorrow and grief, as well as humor and tenderness, Alejandra
Márquez Abella’s fiction feature debut elegantly illustrates one of life’s most poignant
conundrums: to be surrounded by beauty can sometimes makes our melancholy that
much more pronounced. A memorable evocation of longing, hope and memory, Semana
Santa immerses us in the enigmas of the human heart.
Director:
Alejandra Márquez Abella.
México, 2015 / Mexico, 2015.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
85 min.
Pimienta Films, Lado B Film, Cinematográfica
CR, Ítaca Films, TV UNAM.
Nicolás Celis, Sebastián Celis.
Alejandra Márquez Abella.
Editor:
Yibrán Asuad, Miguel Musalem, Adrian Parisi.
Alejandra Márquez Abella nació en
San Luis Potosí, México. Estudió
cine en el Centro de Estudios
Cinematográficos de Cataluña.
Produce televisión y dirigió
previamente el documental Mal de
tierra (2011) y el corto Perra (2012).
Semana Santa (2015) es su primer
largometraje de ficción.
Alejandra Márquez Abella was born
in San Luis Potosí, Mexico. She
studied film at the Centre d’Estudis
Cinematogràfics de Catalunya. She
produces television and previously
directed the documentary feature Mal
de tierra (2011) and the short Perra
(2012). Semana Santa (2015) is her
fiction feature debut.
Santiago Sánchez.
Sonido / Sound:
Alejandro de Icaza.
Música / Music:
Zulu.
Reparto / Cast:
Tenoch Huerta, Anajosé Aldrete, Esteban Ávila,
Jimena Cuarón, Lakshmi Picazo, David Thorton,
Luna Vaupel.
Contacto / Contact:
IM Global
Email:
[email protected]
Alejandra
Márquez Abella
72
Sin filtro
No Filter
Pía (Paz Bascuñán) está al borde de un colapso nervioso. Su marido -quien se la pasa
pintando en casa- es incapaz de cumplir con las tareas más básicas del hogar; no sabe
escuchar, y ronca. Su hijastro adolescente se fuga del colegio para hacer pornografía
amateur en su habitación. Su jefe contrató una chica medio tonta, diez años más joven
que ella, para que la “asesore”. Pía busca el consejo de su mejor amiga pero lo único que
consigue son unos segundos de la atención absoluta que presta a su teléfono celular. Y
para rematar, tiene una enemiga en las calles que le cierra el paso cada vez que se topan
en medio del tránsito.
El día a día de Pía parece aplastarle el alma. La tensión se manifiesta en forma de intensos
dolores en el pecho. Pero una visita a un misterioso acupunturista chino cambiará su
panorama. El hombre usa sus agujas para quitarle a Pía su filtro personal y, de repente,
una vida entera de instintos represivos se desvanece. Le llegó la hora de ventilar sus
molestias, decir las cosas como son y expresar la rabia que acumula, lo cual podría
cambiar su vida por completo.
Esta alocada e inteligente comedia del director chileno Nicolás López le ofrece a la
audiencia una mirada a lo que sería la vida sin represión. Pía y todos aquellos que conoce
deberán ajustarse el cinturón. Las cosas pueden ponerse feas. Pero cuando retorne un
poco de calma nuestra heroína habrá renacido, y estará lista para lo que sea.
73
Pía (Paz Bascuñán) is a woman on the verge of a nervous breakdown. Her stay-at-home
husband is incapable of fulfilling basic domestic duties. He doesn’t listen. And he snores.
Her teenage stepson blows off class to make porn in his bedroom. Her boss has hired a
nitwit ten years her junior to be her advisor. Pía tries to confide in her best friend but can’t
get more than four consecutive seconds of undivided, smartphone-free attention. And
then there’s that witch of a driver who never lets Pía in when traffic is congested.
Everyday life is crushing Pía’s soul. The stress is manifesting in chest pains. But a visit to a
mysterious Chinese acupuncturist is about to change everything. He uses his tiny needles
to removes Pía’s filter, and suddenly a lifetime of repressive instincts vanish. It’s time
for Pía to air her grievances, tell it like it is, let loose her aggression—and quite possibly
change her life.
This laugh-out-loud high-concept comedy from Chilean director Nicolás López allows
audiences a glimpse at life without repression. Pía and everyone she knows are in for a
wild ride. Things could get ugly. But when the dust settles, our heroine will find herself
reborn—and ready for anything.
Director:
Nicolás López.
Chile, 2015.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
90 min.
Producciones Sobras S.A.
Miguel Asensio Llamas.
Nicolás López, Diego Ayala.
Editor:
Diego Macho.
Nicolás López nació en Santiago
de Chile. a los doce años ya era
columnista de un periódico; fundó
un sitio web sobre cultura pop
mientras estaba en la escuela, y
creó su propia serie de televisión.
Sus créditos como director incluyen
las películas Promedio Rojo (2004),
Qué pena tu vida (2010), Qué pena tu
boda (2011), Aftershock (2012) y Sin
filtro (2016).
Nicolás López was born in Santiago,
Chile. He became a newspaper
columnist at 12, founded a pop-culture
website while still in high school, and
created his own television series. His
directorial credits include the films
Promedio rojo (2004), Que pena tu
vida (2010), Que pena tu boda (2011),
Aftershock (2012) and No Filter (2016).
Antonio Quercia.
Sonido / Sound:
Manuel Riveiro.
Reparto / Cast:
Paz Bascuñán, Ariel Levy, Paulo Brunetti,
Carolina Paulsen, Alison Mandel.
Contacto / Contact:
Sobras International Pictures
Email:
[email protected]
Nicolás López
74
Truman
Truman
Tan conmovedora como divertida, la nueva apuesta del director español Cesc Gay (Una
pistola en cada mano) nos trae a Ricardo Darín y a Javier Cámara en los roles de dos
viejos amigos que se encuentran, seguramente, por última vez. Truman es un retrato
honesto y sentido de un hombre que encara la mortalidad y de la amistad que lo sostiene
en los momentos más difíciles.
El actor expatriado argentino residente en Madrid, Julián (Darín) se prepara para el papel
más difícil de su carrera. Tras ser diagnosticado con un cáncer terminal, ha decidido no
seguir con los tratamientos y enfocarse en organizar sus asuntos: distribuir sus posesiones,
hacer los preparativos funerarios y, lo más importante, encontrar un hogar apropiado para
su adorado perro Truman. En medio de todo esto recibe la visita inesperada de Tomás, un
amigo español que ahora vive en Montreal. Los dos amigos de vieja data tienen sólo
cuatro días para estar juntos, pero aún si fueran 40 o más, nunca serían suficientes.
Darín y Cámara resultan excelentes en la labor de lograr la profunda fusión que el filme
propone de humor y de nostalgia, de ligereza y de pérdida. Con singular sutileza, Gay
detecta los elementos aparentemente insignificantes de las interacciones humanas y
enfoca la grandeza del sentido que se puede encontrar en lo cotidiano. “Todo lo que
importa en la vida son las relaciones”, dice Julián, y Truman es una prueba elocuente de
lo que eso significa.
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Profoundly moving—and profoundly amusing—the latest from Spanish director Cesc Gay
(A Gun in Each Hand) stars Ricardo Darín and Javier Cámara as old pals meeting for what
will surely be the last time. Truman is a tender, honest portrayal of a man facing mortality,
and of the companionship that sustains him in this most trying of times.
An Argentine expat in Madrid, middle-aged actor Julián (Darín) is about to take on the
most challenging role of his life. Diagnosed with terminal cancer, he has decided to
forgo continued treatment and instead focus on putting his affairs in order: distributing
possessions, finalizing funeral arrangements, and, most importantly, finding a home for
his beloved dog, Truman. In the midst of this he receives an unexpected visit from Tomás
(Cámara), a Spaniard now living in Montreal. These lifelong friends have but four days
together, though even if it were 40, it would never seem like enough.
Darín and Cámara have never been better, embracing the film’s insistent fusion of humour
and nostalgia, lightness and loss. With characteristic understatement, Gay focuses on the
seemingly inconsequential elements of human interaction, invoking the immensity of
meaning that permeates the ordinary. “The only things that matter in life are relationships,”
Julián says. Truman is an eloquent testament to this declaration.
Director:
Cesc Gay.
España, Argentina, 2015 / Spain, Argentina, 2015.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
108 min.
Imposible Films/ TRUMANFILM AIE/ BD Cine.
Marta Esteban, Diego Dubcovsky.
Cesc Gay, Tomás Aragay.
Editor:
Pablo Barbieri.
Cesc Gay nació en Barcelona. Hizo
su debut como director con Hotel
Room (1998), codirigida con Daniel
Gimelberg. Sus otros largometrajes
incluyen Nico y Dani (2000), En la
ciudad (2003) y Ficción (2006). Una
pistola en cada mano (2012) fue
parte del Festival en 2013. Truman
(2015) es su última película.
Cesc Gay was born in Barcelona. He
made his directorial debut with Hotel
Room (1998), co-directed with Daniel
Gimelberg. His other features include
Nico and Dani (2000), In the City (2003)
and Fiction (2006). Gay’s A Gun in Each
Hand (2012) screened at the Festival in
2013. Truman (2015) is his latest film.
Andreu Rebés.
Sonido / Sound:
Albert Gay, Jesica Suárez.
Música / Music:
Nico Cota.
Reparto / Cast:
Ricardo Darín, Javier Cámara, Dolores Fonzi,
Eduard Fernández, Troilo, Àlex Brendemühl.
Contacto / Contact:
Wiesner Distribution
Email:
[email protected]
Cesc Gay
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Que horas ela volta?
Una segunda madre
The Second Mother
Tras años de cuidar de Fabinho (Michel Joelsas), la dedicada nana y empleada doméstica
Val (Regina Casé) se ha convertido en una especie de segunda madre para este chico
que ya casi se convierte en un hombre. Eso hace todavía más injusto el que Val siga
siendo tratada como una persona de menor valor por la rica, neurótica y distante familia
de Fabinho. Es una dinámica muy común en toda América Latina y hará falta una visita
de Jéssica (Camila Márdila), la hija rebelde de Val a la casa de Fabinho, para sacudir la
asfixiante normalidad de esta familia.
Esta comedia costumbrista de estilo seco y sin alardes, que analiza la cultura de la ayuda
doméstica, es la última obra de la escritora y directora brasileña Anna Muylaert, a través
de la cual acompaña a una mujer que se vuelve tan buena en cuidar la familia de sus
patrones que termina por desatender la suya. La segunda madre saca provecho del
don que tiene Muylaert para mostrar las excentricidades y contradicciones personales
con simpatía e imaginación; sus personajes están tan bien delineados que podemos
reírnos con ellos, criticarlos sin piedad, e incluso reconocernos en sus mejores y peores
momentos. Esta mirada inteligente y generosa a las sociedades clasistas nos adentra en
la búsqueda de nuestro lugar en el mundo.
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After so many years of looking after Fabinho (Michel Joelsas), devoted São Paulo
housekeeper and nanny Val (Regina Casé) has become a kind of second mother to this boy
now on the cusp of manhood. Which makes it that much more unfair is that Val continues
to be treated as a second-class citizen by Fabinho’s wealthy, chilly, neurotic parents. It’s a
dynamic common to many Latin American households—and it’s going to take a visit from
Val’s unruly estranged daughter Jéssica (Camila Márdila) to shake up this stale paradigm.
A wry comedy of manners that scrutinizes the culture of domestic help, the latest from
Brazilian writer-director Anna Muylaert follows a woman who becomes so good at
mothering her employers’ family that she winds up neglecting her own. The Second Mother
benefits from Muylaert’s gift for capturing individual eccentricities and contradictions with
empathy and imagination: the characters are so carefully drawn that we’re able to, by
turns, laugh at, criticize and recognize them at their best and worst moments alike. This is
a smart but also generous study of class difference, family and the search for one’s place
in the world.
Director:
Anna Muylaert.
Brasil, 2015. / Brazil, 2015.
Idioma / Language:
Duración / Length:
110 min.
Gullane Filmes, Africa Filmes, Globo Filmes.
Caio Gullane, Fabiano Gullane, Débora Ivanov,
Anna Muylaert.
Anna Muylaert.
Anna Muylaert nació en São
Paulo. Estudió cine en la Escuela
de Comunicación y Artes de la
Universidad de São Paulo. Entre sus
películas se cuentan Durval Records
(2002), Smoke Gets in Your Eyes
(2009), Llamada por Cobrar (2012) y
Que Horas Ela Volta? (2015).
Anna Muylaert was born in São Paulo.
She studied filmmaking at the School
of Communications and Arts at the
University of São Paulo. Her films
include Durval Records (2002), Smoke
Gets in Your Eyes (2009), Chamada a
cobrar (2012) and The Second Mother
(2015).
Editor:
Karen Harley.
Bárbara Alvarez.
Música / Music:
Vitor Araújo, Fábio Trummer.
Reparto / Cast:
Regina Casé, Michel Joelsas, Camila Márdila,
Karine Teles, Lourenço Mutarelli, Helena
Albergaria.
Contacto / Contact:
Email:
[email protected]
Anna Muylaert
PRESENTACIONES ESPECIALES
S P E C I A L P R E S E NTAT I O N S
Lo invitamos a adentrase en un mosaico de
historias, circunstancias y puntos de vista
que reflejan la admirable diversidad que nos
proponemos destacar. Cada una de estas obras
presenta visiones y tratamientos únicos que
responden a los tiempos que interpretan, todos
con invitados especiales.
Come and be dazzled by wide variety of stories and
points of view that reflect our commitment to diversity.
Each one of these films showcases strong cinematic
visions. Each one with the presence of special guests.
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PRESENTACIONES ESPECIALES | SPECIAL PRESENTATIONS
El cheque
The Check
Estreno Mundial | World Premiere
El divertidísimo debut del director panameño Arturo Montenegro es una astuta comedia
de clases que cuenta la historia de un hombre en busca de una empleada doméstica, y
el encantador e imparable ángel que promete resolverle todos sus problemas, pero a un
cierto precio.
Diego Vinda (Rogelio Bustamante) vivía en el caos. Su anterior empleada, Magdalena, era
increíblemente incompetente, y su apartamento en una torre de apartamentos de la ciudad
de Panamá, un desastre. Todo cambia cuando la madre de Diego, Rosa (Diana Young)
conoce un buen día en la iglesia a Dominga (Nilka Denny). Pobre, negra y astuta, cristiana
devota con un afinado sentido del humor, Dominga se convierte muy pronto en una amiga
multiuso para Rosa, en su confidente y, además, en una especie de obra o proyecto de
caridad. Dado que Dominga es una buena cocinera y sabe administrar una casa, parece
la solución perfecta para los problemas domésticos de Diego. Ella llega a manejar por
completo el hogar, pero empieza a revelar a la vez un lado misterioso. Sus enormes ojos
parecen captar hasta el más mínimo detalle, y ella está lista para atacar en el momento
oportuno. Dominga ha llegado a limpiar la casa, en todo el sentido de la palabra.
El cheque usa los estereotipos de raza y clase solo para darles vuelta con ingenio.
La perspicacia de Montenegro se aprecia en secuencias de ritmo pulsante y en
caracterizaciones coloridas, especialmente la de Denny que ejecuta un magnífico rol
central que la audiencia no olvidará así de fácil.
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The hilarious feature debut of Panamanian director Arturo Montenegro is a sly, classconscious comedy that tells the story of a man in need of a maid and the beguiling, largerthan-life angel who promises to fulfill all his needs—at a cost.
Diego Vinda (Rogelio Bustamante) was living in chaos. His maid Magdalena was
spectacularly incompetent, his Panama City high-rise apartment in shambles. Everything
changes after Diego’s mother, Rosa (Diana Young), meets Dominga (Nilka Denny) one day
in church. Poor, black and wise, a devout Christian with a lively sense of humour, Dominga
quickly becomes an all-in-one friend, confidant and charity project to Rosa. Since Dominga
is also a gifted housekeeper and cook, she also seems the perfect solution to Diego’s
domestic troubles. Dominga comes to completely dominate the management of Diego’s
home, but she also has a mysterious side. Those orb-like eyes seem to take in every tiny
detail, as though waiting for the perfect opportunity to strike. Dominga has come to clean
house—in more ways than one.
The Cheque employs stereotypes around race and class only to turn them on their
head. Montenegro’s abundant wit is dispensed in quickly paced sequences and colorful
characterizations, with Denny supplying a hugely entertaining central performance you
won’t soon forget.
Director:
Arturo Montenegro.
Panamá, 2016 / Panama, 2012.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
100 min.
Q Films.
Andry José Barrientos A.
Arturo Montenegro nació en
la ciudad de Panamá. Estudió
publicidad y ha disfrutado de una
larga y muy celebrada carrera como
director, productor, escritor, actor
y cantante. El Cheque (2016) es su
primer largometraje.
Arturo Montenegro was born in
Panama City. He studied publicity and
has enjoyed a long and much-lauded
career as a director, producer, writer,
actor and singer. The Cheque (2016) is
his feature film debut.
Virginia Fábrega, Arturo Montenegro.
Arturo Montenegro
Editor:
Omar Tinoco.
Aaron Bromley.
Diseño sonoro / Sound Design:
Pablo Borghi, Yair Hilal.
Reparto / Cast:
Nilka Denny , Rogelio Bustamante, Mónica
MiguelDiana Young Echeverría, Mercedes
Londoño, Mara Bethancourt, Leo Wiznitzer,
Ingrid Villarreal, Yamile Moral, Augusto Galíndez,
Juan Villareal.
Contacto / Contact:
Qfilms, Barrientos
Email:
[email protected]
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Bem Casados
Felizmente casados
Happily Married
Héctor (Alexandre Borges), quien alguna vez aspiró a ser un cineasta, ahora paga sus
cuentas como un videógrafo de matrimonios. Como solterón entrando con fuerza en la
mediana edad, sus días de fiesta hasta la madrugada han quedado atrás. Lo que Heitor
busca sobre todo es vivir tranquilo. Pero las cosas se empiezan a complicar cuando conoce
a la preciosa Penélope (Camila Morgado) quien aparece de improviso en uno de los
matrimonios que Héctor graba, con el único propósito de arruinarle la boda a su ex novio.
El realizador brasileño Aluizio Abranches explora nuevos territorios en Felizmente
casados. Conocido por dramas intensos como su memorable debut, Una copa de ira
(protagonizada también por Borges), Abranches entrega ahora una vibrante delicia de
comedia romántica. Mientras Heitor procura conservar su trabajo –y un buen cheque que
viene con éste- debe lidiar con las grandiosas entradas en escena de Penélope, de una ex
novia suya y sus amigas que buscan usarlo como donante de esperma, y una madre de la
novia decidida a dirigirlo tanto a él como a su cámara.
Pero el hecho de que sea ligera no quiere decir que Felizmente casados no tenga
profundidad. Abranches explora con destreza la cultura de las bodas en su natal Rio de
Janeiro, que conlleva el ferviente deseo de congelar para la posteridad una experiencia
perfecta, cuando la realidad es que la vida y el amor son complejos y llenos de sorpresas,
lo que por cierto los hace interesantes, y en este caso tremendamente divertidos.
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Once an aspiring filmmaker, Heitor (Alexandre Borges) now makes a living as a wedding
videographer. A bachelor sliding deeper into middle age, Heitor’s days of partying all night
are over. Above all, he aspires to keep his life simple. Things start getting complicated,
however, when Hector meets the beautiful Penélope (Camila Morgado), who, desperate
to ruin her lover’s wedding, crashes one of Heitor’s gigs.
Brazilian filmmaker Aluzio Abranches delves into new territory with Happily Married.
Known for intense dramatic features like his memorable debut, A Glass of Rage (which
also starred Borges), Abranches’ fully committed foray into romantic comedy is a frothy
delight. As Hector tries to keep his job—and substantial paycheque—he must hurdle
through Penelope’s break-ins, an ex-girlfriend and her pals eager to milk him as a sperm
donor, and a mother-of-the-bride determined to direct both him and his camera.
But just because Happily Married is light doesn’t meant it isn’t also smart. Abranches
deftly explores the culture of weddings in his native Rio de Janeiro, along with the deeply
ingrained desire to create a picture-perfect experience when the reality is that life and love
are messy and riddled with surprise—which is precisely what makes it interesting and, in
this case, a whole lot of fun.
Director:
Aluizio Abranches.
Idioma / Language:
Aluizio Abranches nació en Río de
Janeiro. Estudió cine en la Escuela
de Cine de Londres. Sus películas
incluyen Una copa de la Ira (1999),
Las tres Marías (2002), De principio
a fin (2009) y Felizmente casados
(2015).
Portugués.
Duración / Length:
90 min.
Aluizio Abranches, Ilda Santiago.
Aluizio Abranches was born in Rio
de Janeiro. He studied cinema at the
London Film School. His films include A
Glass of Rage (1999), The Three Marias
(2002), From Beginning to End (2009)
and Happily Married (2015).
Aluizio Abranches
Fernando São Tiago.
Editor:
Marcelo Moraes.
Junior Malta.
Miriam Biderman, Ricardo Reis.
Reparto / Cast:
Contacto / Contact:
Aluizio Abranches
Alexandre Borges, Camila Morgado, Bianca
Comparato.
Email:
[email protected]
86
Kenke
De regreso tras participar el año pasado en la sección Primera Mirada del Festival, la
nueva película del panameño Enrique Pérez Him es una divertida sátira que examina
dinámicas familiares, hipocresías cotidianas y delitos menores.
Kenny es el adolescente panameño contemporáneo por excelencia. Su corazón cuelga de
un hilo por una compañera del colegio. No termina de comprender ni a su coqueta madre
ni a su desocupado padre. Le encanta fumar de la verde, lo cual parece un hábito más
bien inofensivo hasta que lo agarran con las manos en la masa cuando se encuentra con
un proveedor.
Aparece entonces Josué, primo mayor de Kenny, a quien ven en la familia como un
respetable hombre de negocios porque administra un condominio. La madre de Kenny le
pide que ayude a su hijo a superar la bendita adicción a la hierba. Los chicos saben que
el supuesto programa de rehabilitación es un fraude, empezando porque Josué también
oculta el mismo vicio de su propia madre. De todas formas hay otras cosas de qué
preocuparse: Irma, la novia de Josué está embarazada. Él en realidad desea ser padre,
pero Irma no quiere seguir adelante con el embarazo. Y a propósito: ¿Qué clase de padre
sería Josué si ni siquiera es capaz de ser honesto con su madre?
Dinámica, ingeniosa y animada por un humor inteligente, Kenke, llamada igual que el
coloquialismo panameño para la marihuana, alcanza con soltura el balance entre sus
particularidades culturales y unos temas de resonancia universal.
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Back after having participated in last year’s “Primera Mirada” (work-in-progress section),
the latest from Panama’s own Enrique Pérez Him is a rollicking, satirically hued study of
family squabbles, everyday hypocrisies and petty crimes.
Kenny is a pretty typical middle-class Panama City teen. He pines for an unattainable high
school beauty. He’s weary of his over-medicated, philandering mom and his unemployed
couch-potato dad. He likes to smoke weed, which seems like a relatively harmless habit—
until Kenny gets busted while visiting a dealer in a rough neighborhood.
Enter Josué, Kenny’s older cousin, who’s dubiously regarded by some of the family as a
respectable businessman because he manages a condo. Kenny’s mother asks Josué to
help her son overcome his crippling marijuana addiction. Kenny and Josué both know
this homespun recovery program is a joke, especially given that Josué is hiding his potsmoking habit from his mother. Anyway Josué has bigger problems: his girlfriend Irma
is pregnant. Josué is eager to become a father, but Irma doesn’t want the baby. Besides,
what kind of a parent will Josué be if he can’t even be honest with his mother?
Energetic, resourceful and shot-through with smart humor, Kenke—named after a
Panamanian colloquialism for weed—hits a winning balance of cultural specificity and
universal themes.
Director:
Enrique Pérez Him.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
85 min.
Mente Pública INC, Best Picture System.
Isabella Gálvez.
Enrique Pérez Him.
Editor:
Domingo Lemus.
Arturo Juárez Aguilar.
Enrique Pérez Him estudió mercadeo
en la Universidad Latinoamericana
de Ciencia y Tecnología de
Costa Rica y cine en la Escuela
Internacional de Cine y Televisión
de San Antonio de los Baños, Cuba.
Sus películas incluyen Puro Mula
(2011), el documental Caos en la
ciudad (2013) y Kenke (2016), que se
proyectó como una obra en curso en
el Festival del año pasado.
Enrique Pérez Him studied marketing
at Costa Rica’s Universidad
Latinoamericana de Ciencia y
Tecnología and film at the International
School of Film and Television in San
Antonio de los Baños, Cuba. His
films include Puro mula (2011), the
documentary Chaos in the City (2013)
and Kenke (2015), which screened as a
work-in-progress at last year’s Festival.
Música / Music:
Kalayawa.
Reparto / Cast:
Milko Delgado, Eric de León, María Elena Mena,
Nyra Soberón Torchía, Miley Ruda, Natalie Medina,
Alejandra Araúz.
Contacto / Contact:
Mente Pública Inc.
Email:
[email protected]
Enrique Pérez Him
88
Tacones lejanos
High Heels
Con la presencia de Marisa Paredes y Miguel Bosé.
Esta divertida y delirante obra temprana del maestro español Pedro Almodóvar es un
melodrama frenético sobre una madre, una hija, un amante, un drag queen, y un asesinato.
Tras muchos años de separación, la locutora madrileña Rebeca (Victoria Abril) se reúne
con su madre, Becky (Marisa Paredes), una famosa baladista que abandonó a Rebeca
cuando estaba muy pequeña. Manuel (Féodor Atkine), esposo y jefe de Rebeca, fue alguna
vez amante de Becky. Juntos asisten a un show de la imitadora Letal (el inimitable Miguel
Bosé, nacido en Panamá e hijo de nuestra invitada de honor, Lucía Bosé), cuyo acto se
inspira en la figura de Becky. Rebeca termina en apasionado romance con Letal, mientras
que Manuel anhela dejarla para volver con Becky. Cuando un mes después Manuel
aparece asesinado, esta inesperada geometría del deseo se hace aún más complicada,
bizarra e intrigante.
Tacones lejanos es típica del autor con su derroche de estilo y cinefilia. Su enrevesado
y delectable argumento rinde homenaje a clásicos como Mildred Pierce, Stella Dallas,
Imitation of Life y Sonata de otoño de Ingmar Bergman, la cual Becky y Rebeca van a ver
juntas. Pero usted no necesita conocer dichos filmes para captar el embrujo de los colores
y el ritmo de Tacones lejanos, sus giros o la coreografía en plena prisión que parece salir
de la nada; por último, todo es una fórmula única para pasar de la comedia maniática a un
sentido tributo al lazo que existe entre madres e hijas.
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Presented by Marisa Paredes and Miguel Bosé.
This deliriously entertaining early work from Spanish master Pedro Almodóvar is a frenetic
melodrama about a mother, a daughter, a lover, a drag queen—and a murder.
Following many years of estrangement, Madrid broadcaster Rebeca (Victoria Abril) is
reunited with her mother, Becky (Marisa Paredes), a famous torch singer who abandoned
Rebeca as a child. Manuel (Féodor Atkine), Rebeca’s husband and employer, was once
Becky’s lover. Rebeca, Becky and Manuel attend a performance by female impersonator
Letal (Panama-born Miguel Bosé, son of this year’s guest of honor, Lucía Bosé), whose
act is based on Becky’s persona. Rebeca winds up making love with Letal, while Manuel
wants to leave Rebeca for Becky. When one month later Manuel is murdered this jumbled
geometry of desire becomes only more complicated, more bizarre, and more intriguing.
High Heels is characteristically flush with high style and giddy cinephilia. The deliciously
convoluted plot pays homage to such classics as Mildred Pierce, Stella Dallas, Imitation
of Life and Ingmar Bergman’s Autumn Sonata—which Becky and Rebeca go see together.
Not that you need to know these films to be seduced by High Heels’ color and rhythm,
its twists, turns and spontaneous prison yard dance sequence, or its uncanny method of
segueing from manic comedy to what is ultimately a tender, moving tribute to motherdaughter bonds.
Director:
Pedro Almodóvar.
España, Francia, 1991 / Spain, France, 1991.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
113 min.
El Deseo S.A., Ciby 2000, Studio Canal, TF1 Film
Production.
Agustín Almodóvar, Enrique Posner.
Pedro Almodóvar.
Editor:
José Salcedo.
Pedro Almodóvar nació en Calzada
de Calatrava, España. Sus películas
han ganado cuatro premios Goya a
la mejor película y mejor director.
Incluyen Mujeres al borde de un
ataque de nervios (1988), Tacones
lejanos (1991), Todo sobre mi madre
(1999), que ganó un Oscar, Hable con
ella (2002) y Volver (2006). Su último
film, Julieta, sale este año.
Pedro Almodóvar was born in Calzada
de Calatrava, Spain. His films have
won four Goyas for Best Film and
Best Director. They include Women
on the Verge of a Nervous Breakdown
(1988); High Heels (1991); All About My
Mother (1999), which won an Oscar;
Talk to Her (2002) and Volver (2006).
His latest, Julieta, comes out this year.
Alfredo Mayo.
Música / Music:
Ryuichi Sakamoto.
Reparto / Cast:
Victoria Abril, Marisa Paredes, Miguel Bosé,
Javier Bardem, Anna Lizaran, Cristina Marcos,
Féodor Atkine, Miriam Díaz Aroca.
Contacto / Contact:
United International Pictures
Email:
[email protected]
Pedro Almodóvar
90
Trois vies et une seule mort
Tres vidas y una sola muerte
Three Lives and Only One Death
Con la presencia de Jorge Arriagada.
Así sea considerada una de las películas más accesibles de Raúl Ruiz, Tres vidas y una sola
muerte, de 1996, es tan profundamente imaginativa y tan llena de ideas como cualquier
otra pieza de la extensa carrera del singular autor chileno. El filme es protagonizado por
Marcello Mastroianni en su penúltimo papel, y el carisma y el rango de la inolvidable
estrella italiana son aprovechados al máximo en una narrativa que hilvana cuatro historias
distintas, con ingredientes de pasión, crimen, deseo y juegos temporales, canalizados
todos a través del aura misteriosa de Mastroianni.
Una de las historias involucra un apartamento encantado, otra un millonario que decide
convertirse en mendigo. Hay también una historia de una pareja joven (la esposa
interpretada por Chiara Mastroianni, hija de Marcelo y Catherine Deneuve) que son
invitados a ocupar un castillo de lujo, y el relato de un empresario que se entera que va
a recibir visita de una familia que él pensaba era invención suya. Como si se tratara de
un episodio particularmente literario de La dimensión desconocida, Tres vidas y una sola
muerte nos trae ecos de las obras de Kafka, Hawthorne, Borges o Isak Dinesen. Pero lo
que le da su fascinante coherencia es una cualidad de ensueño que sólo le pertenece a
Ruíz, quien falleció en 2011. Aunque tenía solamente 70 años de edad, alcanzó a dirigir
más de 100 películas. Si el espectador no está familiarizado con los mundos mágicos que
definen su legado, ésta es una insuperable oportunidad para empezar a explorarlos.
91
Presented by Jorge Arriagada.
Though one of Raúl Ruiz’s most accessible films, 1996’s Three Lives and Only One Death is
nonetheless as wildly imaginative and brimming with ideas as anything in the late Chilean
auteur’s sprawling body of work. The film stars Marcello Mastroianni in his penultimate
role, and the great Italian actor’s charisma and dexterity is showcased in this elegant
grafting of four distinct narratives, each involving ardor, crime, desire and time—and all of
them linked by Mastroianni’s mysterious changeling.
One story involves an enchanted apartment, another a millionaire who willingly
transforms into a panhandler. There is the tale of a young husband and wife (played by
Chiara Mastroianni, Mastroianni’s daughter with Catherine Deneuve) who are invited to
occupy a luxury chateau, and the tale of the affluent industrialist who learns that he is
to receive a visit from a family he thought he invented. Like a deadpan journey into an
unusually literate Twilight Zone, Three Lives and Only One Death carries echoes of Kafka,
Hawthorne, Borges and Isak Dinesen. But what gives this film its wondrous coherence is a
dreamlike sensibility that is entirely unique to Ruiz, who died in 2011. He was only 70, yet
he’d made more than 100 films. If you’re unfamiliar with Ruiz’s magical worlds, this is an
excellent point of entry.
Director:
Raúl Ruiz.
Francia, 1996 / France, 1996.
Idioma / Language:
Francés / French.
Duración / Length:
123 min.
Centre National De La Cinématographie, Gemini
Films, La Sept Cinéma, Le Groupemente
National Des Cinémas de Recherche.
Paulo Branco.
Pascal Bonitzer, Raúl Ruiz.
Editor:
Rudolfo Wedeles.
Laurent Machuel.
Sonido / Sound:
Laurent Poirier.
Raúl Ruiz nació en Puerto Montt,
Chile. Su legendaria y prolífica
filmografía incluye Tres tristes
tigres (1968), Hipótesis del cuadro
robado (1979), Las tres coronas de
un marinero (1983), Ciudad de los
piratas (1983), Tres vidas y una sola
muerte (1996), El tiempo recobrado
(1999), Ese día (2003), y Misterios de
Lisboa (2010). Murió en París en 2011.
Raúl Ruiz was born in Puerto
Montt, Chile. His legendarily prolific
filmography includes Three Sad Tigers
(1968), Hypothesis of a Stolen Painting
(1979), Three Crowns of a Sailor (1983),
City of Pirates (1983), Three Lives
and Only One Death (1996), Time
Regained (1999), That Day (2003) and
Mysteries of Lisbon (2010). He died in
Paris in 2011.
Música / Music:
Jorge Arriagada.
Reparto / Cast:
Marcello Mastroianni, Anna Galiena, Marisa
Paredes, Melvil Poupaud, Chiara Mastroianni,
Féodor Atkine, Jean-Yves Gautier, Pierre
Bellemare, Jacques Pieiller, Arielle Dombasle,
Lou Castel, Roland Topor, Pascal Bonitzer, Smain,
Nanni Moretti .
Contacto / Contact:
Le Petit Bureau
Email:
[email protected]
Raúl Ruiz
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Retratos: seudónimo pirata seguida por Zachrisson
Portraits: Street Name: Pirate followed by Zachrisson
Retratos: Seudónimo Pirata & Zachrisson
Estos cautivantes mediometrajes documentales ofrecen retratos íntimos, afectuosos y
conmovedores de dos personajes radicalmente diferentes, unidos por la afinada mirada de
dos realizadores veteranos y cercanos al Festival. Estamos muy orgullosos de presentar las dos
películas en un mismo programa, con entrada libre para nuestra audiencia.
Seudónimo Pirata
Zachrisson
Sin hogar, pero ataviado siempre con abundante
estilo; hombre de mil nombres pero un mismo
personaje, El Pirata, o El Monarca, o Kevin,
es un habitante de la calle. O, como el propio
Pirata lo expresa, él reside en un ‘sandiminium’
o condominio de arena de Miami. Esta película
sentida y auténtica fluye junto a Pirata mientras
reflexiona sobre sus aventuras en distintas
esquinas de la urbe, en un estacionamiento o
mientras usa los equipos públicos de ejercicio
en South Beach. Seudónimo Pirata constata
la facilidad alarmante con que un individuo
puede irse por las grietas de una sociedad
en apariencia afluente. Pero, ante todo, es
un tributo a las formidables habilidades para
sobrevivir de un hombre que derrocha joie de
vivre, la simple alegría de vivir.
El artista panameño Julio Augusto Sigfrid
Norman Zachrisson Acevedo ha pasado los
últimos 50 años en Madrid. Ya está viejo y
ha perdido la vista, pero su deseo de vivir
permanece intacto. El realizador nacional
Abner Benaim captura a Zachrisson en
su hogar, bailando, escuchando música y
evocando recuerdos junto a su igualmente
carismática compañera Marisé. Una secuencia
particularmente memorable lo presenta
revisando sus pinturas, describiendo de
memoria obras que ya no puede ver. Habla
de sus viajes y la importancia del sentido de
oportunidad a la hora de decidir nuestro propio
destino, así como de la extraña naturaleza del
arte. “Es inútil, pero no podemos vivir sin él”
reflexiona Zachrisson.
93
Portraits: Street Name: Pirate & Zachrisson
These compelling mid-length documentaries offer intimate, affectionate and deeply moving
portraits of two very different figures united by the insightful visions of two veteran filmmakers
dear to the Festival. We are very proud to present both films in a single program, free of charge.
Street Name: Pirate
Zachrisson
Homeless yet always flamboyantly dressed, a
man of numerous monikers yet an absolutely
singular character, Pirate, a.k.a. Monarch, a.k.a.
Kevin, is homeless. Or, as Pirate himself puts it,
he is the resident of a Miami “sandiminium.”This
funky, poignant film finds Pirate discoursing
on his life’s adventures from various street
corners, in a parkade, or while using the public
exercise equipment on South Beach. Street
Name: Pirate speaks to the alarming ease with
which individuals fall through the cracks of
a supposedly affluent society. But it is also a
tribute to one man’s formidable survival skills
and insistent joie de vivre.
Panamanian artist Julio Augusto Sigfrid
Norman Zachrisson Acevedo has lived the last
50 years in Madrid. He is now aged and blind,
but his lust for life remains robust. Panamanian
filmmaker Abner Benaim captures Zachrisson
in his home, dancing, listening to music and
reminiscing with his equally charismatic
life partner Marisé. One particularly lovely
sequence finds Zachrisson going through his
paintings, describing from memory works that
he can no longer see. He speaks of travel and
the importance of timing in determining one’s
destiny, and he ponders the strange nature
of art. “It’s useless,” says Zachrisson, “yet we
can’t live without it.”
Seudónimo: Pirata
Street Name: Pirate
Director:
Patricio Castilla.
Estados Unidos, 2016 / USA, 2016.
Idioma / Language:
Inglés / English.
Duración / Length:
20 min.
Zachrisson
Director:
Abner Benaim.
España, Panamá, 2015 / Spain,
Panama, 2015.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
27 min.
Productora / Production Company: Mi casita producciones.
Quackduck Prod.
Lili Maduro.
Patricio Castilla.
Patricio Castilla.
Editor:
Patricio Castilla.
Patricio Castilla.
Abner Benaim.
Editor:
Andrés Tambornino.
Juan Barrero.
Álvaro Silva Wuth.
Música / Music:
Sergio Vitier, Claudio Holze.
Reparto / Cast:
Julio Zachrisson, María José Torrente.
Contacto / Contact:
Quackduck Prod.
Contacto / Contact:
Apertura Films.
Email:
[email protected]
Email:
[email protected]
Patricio Castilla
Abner Benaim
Patricio Castilla es un
realizador de origen chileno.
Sus créditos como director
de fotografía incluyen La
viuda de Montiel (1979), de
Miguel Littín. Sus créditos
como director incluyen el
documental Nombre de
Guerra: Miguel Henríquez
(1988) y el cortometraje Y
aquí no pasó nada (1991).
Abner Benaim nació en la
ciudad de Panamá. Estudió
Relaciones Internacionales en
la Universidad de Pensilvania
y cine en Cámara Oscura de
Tel Aviv. Sus películas incluyen
Chance (2009), Empleadas
y Patrones (2010) e Invasión
(2014). Fue uno de los codirectores de Historias del Canal
(2015), que se proyectó en el
Festival del año pasado.
Patricio Castilla is a Chileanborn filmmaker. His credits
as cinematographer include
Miguel Littín’s La viuda
de Montiel (1979). His
directorial credits include the
documentary Nombre de
Guerra: Miguel Henríquez
(1988) and the short film Y
aquí no pasó nada (1991).
Abner Benaim was born in
Panama City. He studied
international relations at the
University of Pennsylvania and
cinema at Tel Aviv’s Camera
Obscura. His films include Chance
(2009), Maids and Bosses (2010)
and Invasión (2014). He was one
of several co-directors of Canal
Stories (2015), which screened at
last year’s Festival.
HISTORIAS DE AMÉRICA CENTRAL y el caribe
stories from central america and the caribbean
El cine de este estrecho de tierra de países vecinos y de
islas hermanas está tomando fuerza y desarrollando su
propia voz. IFF Panamá se siente orgulloso de tener esta
selección exclusiva donde se destacan estas historias
tan personales para todos nosotros.
Films from this narrow isthmus and neighboring islands are
gaining ground and finding their own voice. IFF Panama is
proud of its exclusive forum for showcasing these stories
which resonate with us in such a personal way.
Estas películas participan por el Premio del Público MasterCard a la
Mejor Película de América Central y El Caribe.
These films participate for the MasterCard Audience Award for
Best Central American and Caribbean Film.
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H I STO R I AS D E A M É R I C A C E N T R A L Y E L C A R I B E |
Antes que cante el gallo
Before the Rooster Crows
Carmín (Miranda Purcell) vive en el pueblo de Barranquitas, en Puerto Rico, con su abuela
paterna. Cuando aparece su madre después de un largo tiempo, embarazada de seis
meses y con la noticia de que se va a vivir a la Florida, la ya de por sí formidable ira
adolescente de Carmín explota al saber que no está invitada a ese viaje.
Poco después de la partida de su madre, Rubén, el papá de Carmín regresa luego de
pasar varios años encarcelado. En un principio, Rubén, quien tiene una apariencia que
podría pasar por la de un hermano mayor, confronta la rebeldía de Carmín con una actitud
carismática y divertida. Pero su presencia logra confundir a la joven, ya que a veces
parece tratarla más como a una novia que como a una hija. Cuando Carmín empieza a
experimentar su creciente sexualidad –y su capacidad de ser posesiva- se encontrará de
repente ante un cruce de caminos: uno que le ofrece crecer como persona, y otro que la
llevará seguramente a la destrucción.
El segundo largometraje de Arí Maniel Cruz es arriesgado, no cae en el sentimentalismo y
al mismo tiempo logra conectar genuinamente con su personaje. La llegada de Carmín a la
madurez está llena de tensión física y de violencia emocional, así como de una necesidad
imperiosa de atacar la hipocresía y un anhelo de entender el caótico mundo que le ha
tocado en suerte. Anclado en actuaciones diestras, una creación de espacios vívida y un
manejo de cámara conciso y atento, Antes que cante el gallo es un retrato sentido y a la
final esperanzador de las tormentas de la juventud.
Esta película también participa por el Premio del Público Copa Airlines a la Mejor Película Iberoamericana de Ficción.
This film also participates for the Copa Airlines Audience Award for the Best Ibero-American Fiction Film.
97
Carmín (Miranda Purcell) lives in the Puerto Rican village of Barranquitas with her paternal
grandmother. When her long-absent mother turns up, six-moths pregnant and about to
move to Florida, Carmín’s already formidable adolescent rage is stoked by the news that
she is not invited to come along.
Soon after her mother’s departure, Carmín’s father Rubén returns after several years in
prison. Charismatic, fun, and nearly young enough to be mistaken for an older brother,
Rubén initially quells Carmín’s angst. But Rubén’s presence is also confusing—at times
he seems to treat Carmín more like a lover than a daughter. As Carmín begins to realize
her own budding sexuality—and her capacity for possessiveness—she will find herself at
a crossroads: one way leads toward personal growth, the other toward self-destruction.
Arí Maniel Cruz’s second feature is a daring, unsentimental, yet also immensely empathetic
character study. Carmín’s coming of age is fraught with physical and emotional violence,
as well as a restless urge to condemn hypocrisies and a longing to comprehend the
chaotic world surrounding her. Grounded in deft performances, a strong sense of place,
and clear, attentive camerawork, Antes que cante el gallo is a vivid, ultimately hopeful
portrait of youthful tumult.
Director:
Arí Maniel Cruz.
Puerto Rico, 2016.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
138 min.
Deluz,CRL, Filmes Zapatero.
Esteban Lima, Kisha Tikina Burgos, Andrei
Nemcik, Tristana Robles, Arí Maniel Cruz.
Kisha Tikina Burgos.
Editor:
Andrei Nemcik.
Arí Maniel Cruz nació en San
Juan de Puerto Rico. Obtuvo una
licenciatura en Comunicaciones
antes de ir a México a estudiar
guión. Trabajó por años en televisión
y en teatro antes de hacer su debut
como director con Bajo mis uñas
(2012). Antes que cante el gallo
(2016) es su segundo largometraje.
Arí Maniel Cruz was born in San
Juan, Puerto Rico. He earned a BA
in communications before going to
Mexico to study screenwriting. He
worked extensively in television and
theatre before making his feature
directorial debut with Under My Nails
(2012). Antes que cante el gallo (2016)
is his second feature.
Santiago Benet Mari.
Sonido / Sound:
Maite Rivera Carbonell.
Reparto / Cast:
Miranda Purcell, Cordelia González, Kisha Tikina
Burgos, José Eugenio Hernández, Yamil Collazo,
Isadora Lee Cintrón, Iliana García, Israel Lugo.
Contacto / Contact:
Esteban Lima
Email:
[email protected]
Arí Maniel Cruz
98
El acompañante
The Companion
Cuando la epidemia de SIDA de los años 1980 llegó a Cuba, el gobierno de Castro
implementó una cuarentena obligatoria para todos los ciudadanos diagnosticados con
VIH. Los afectados con el virus fueron enviados a Los Cocos, una institución a las afueras
de La Habana de donde se les permitía salir una vez a la semana bajo supervisión de un
acompañante designado. Entre los pacientes se encuentra Daniel (Armando Miguel, a quien
vimos en el Festival en Melaza), un ex soldado rebelde que contrajo el virus cuando estuvo
asignado en África. Horacio (el cantante ganador del Grammy Yotuel Romero), un campeón
de boxeo que enfrenta un escándalo de dopaje es el acompañante asignado de Daniel.
Ninguno de los dos está a gusto con la situación: Daniel planea huir de Los Cocos y de
la isla, mientras que Horacio quiere soportar la tormenta para ser incluido en el equipo
olímpico de boxeo de su país. En el transcurso de El acompañante, Daniel y Horacio se
dan cuenta de que su compañía forzosa no tiene que ser necesariamente un obstáculo
para sus objetivos, sino que incluso pueden ser el mejor aliado el uno del otro.
El último largometraje del director Pavel Giroud cuenta la historia de unos personajes que
luchan por enfrentar su problemático pasado, pero a la vez el filme mismo busca encarar
un episodio profundamente perturbador de la historia de Cuba. El acompañante es un
relato sentido, incluyente y esclarecedor sobre el amor y la determinación de cara a la
intolerancia y al miedo.
99
As the AIDS epidemic of the 1980s made its way into Cuba, the Castro government
implemented a mandatory quarantine for all citizens diagnosed with HIV.Those afflicted with
the virus were sent to Los Cocos, a sanatorium in Havana’s suburbs where patients were
allowed to leave only once a week under the supervision of an assigned companion. Among
these patients is Daniel (Armando Miguel, last seen at the Festival in Melaza), a rebellious
former soldier infected while stationed in Africa. Horacio (Grammy-winning singer Yotuel
Romero), a boxing champion shamed by a recent doping scandal, is Daniel’s companion.
Neither of these men is happy with their situation: Daniel is scheming to flee both the
sanatorium and the island, while Horacio is trying to keep his nose clean so as to gain
admittance to Cuba’s Olympic boxing team. Over the course of The Companion, Daniel
and Horacio realize that their forced companionship need not obstruct their respective
goals; rather, they might just turn out to be each other’s greatest ally.
Director Pavel Giroud’s latest feature tells the story of characters struggling to reckon
with their troubled pasts, while the film itself reckons with a deeply troubling chapter
in Cuban history. The Companion is heartfelt, inclusive, and a sobering tale of love and
determination in the face of intolerance and fear.
Director:
Pavel Giroud.
Cuba, Colombia, Francia, Panamá, Venezuela, 2015 /
Cuba, Colombia, France, Panama, Venezuela, 2015.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
104 min.
Areté Audiovisual, Tu Vas Voir, Igolai
Producciones, Nativa Pro Cinematográfica.
Lía Rodriguez, Antonio López, Edgar
Tenenbaum, Gustavo Pazmín, Delfina Catalá,
Alexandra Solórzano.
Pavel Giroud, Pierre Edelman, Alejandro Brugues.
Editor:
Jacques Comets.
Pavel Giroud nació en La Habana.
Se graduó del Instituto Superior
de Diseño de Cuba. Sus películas
incluyen el largometraje de ficción
La edad de la peseta (2006) y
Omerta (2008) y los documentales
Esther Borja: Rapsodia de Cuba
(2005) y Playing Lecuona (2015),
codirigida con Juan Manuel Villar
Betancort. El acompañante (2015) es
su última película.
Pavel Giroud was born in Havana. He
graduated from Cuba’s High Institute
of Design. His films include the fiction
features The Silly Age (2006) and
Omerta (2008) and the documentaries
Esther Borja: Rapsodia de Cuba (2005)
and Playing Lecuona (2015), co-directed
with Juan Manuel Villar Betancort. The
Companion (2015) is his latest film.
Ernesto Calzado.
Música / Music:
Ulises Hernádez, Sergio Valdés.
Reparto / Cast:
Yotuel Romero, Armando Miguel Gómez, Camila
Arteche, Yailene Sierra, Jazz Vilá, Jorge Molina.
Contacto / Contact:
Email:
[email protected]
Pavel Giroud
100
Entonces nosotros
Tamarindo
Diego (el escritor y director Hernán Jiménez) y Sofía (Noelia Castaño) llevan tres años
juntos. Aunque al comienzo disfrutaron de sincronía, hoy están en terapia de pareja, pero
ninguno de los dos revela lo que en realidad siente. Tras otra frustrante sesión de terapia,
Diego propone que se larguen, vayan a la playa y se concentren solamente el uno en el
otro. Y la primera noche es de hecho mágica, pero después aparece de repente Malena
(Marina Glezer), una vieja amiga de Sofía. Ella intenta, como puede, deshacerse de la
distracción, pero Diego está intrigado por esta coqueta aparición de sugerente bikini. Así
que la invita a tomarse un trago, que obviamente se vuelven dos, lo cual naturalmente
lleva a una sesión de karaoke, y entonces sin planearlo Malena se vuelve parte de lo que
terminará siendo un viaje muy revelador para todos los involucrados.
Como sucede en los mejores momentos de Woody Allen, Jiménez logra un balance
innegable de comedia alocada y momentos de profundidad emocional y sabiduría. El
paseo traerá a flote los aspectos más ridículos del lado neurótico de Diego, mientras que la
evasiva Sofía tendrá que vérselas con la proclividad de Malena a traer a colación un pasado
que preferiría dejar sepultado. Se suman a la trama las apariciones de las aguamalas y de
un toro mecánico, así como una desatada fiesta que resalta las aparentemente insalvables
distancias entre los amantes. Entonces nosotros es una cinta divertida e inteligente sobre
las tormentas que viven las relaciones comprometidas, y la calma que pueden dejar si se
logra sobrevivirlas.
101
Diego (writer-director Hernán Jimenez) and Sofía (Noelia Castaño) have been together
three years. They used to be in synchronicity; now they’re in couples’ therapy, though
neither says what they really feel. After another dead-end session, Diego suggests they
get away, go to the beach, and focus on nothing but each other. And everything goes
beautifully that first night—until Sofía’s old friend Malena (Marina Glezer) unexpectedly
appears. Sofía wants to brush Malena off, but Diego is beguiled by this flirtatious, bikiniclad woman. He invites Malena to join them for a drink, but one drink turns into two, two
drinks turn into karaoke, and before you know it Malena is tagging along for the entirety
of what will prove a transformative week for all involved.
As with the best of Woody Allen, Jimenez’s latest feature hits an irresistible balance of
laugh-out-loud comedy and moments of emotional resonance and wisdom. The holiday
brings out the most ridiculous extremes of Diego’s neurotic side, while Sofia’s characteristic
evasiveness is tested as Malena keeps dredging up a past Sofía would rather keep
hidden. Jellyfish and a mechanical bull make memorable appearances, while a wild party
emphasizes some seemingly unbridgeable gaps between the lovers. Entonces nosotros
is a fun, smart movie about weathering the tempests of long-term love, and discovering
the calm within.
Director:
Hernán Jiménez.
Costa Rica, EE.UU., 2016 / Costa Rica, USA, 2016.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
88 min.
Evoke.
Cris Cole, Laura Avila Tacsan.
Hernán Jiménez.
Editor:
Hernán Jiménez.
Hernán Jiménez nació en San José,
Costa Rica. Estudió en la Escuela
Nacional de Teatro de Canadá, el
Instituto de Arte de San Francisco y
en la Universidad de Columbia, en
Nueva York. Es actor y hace también
comedia standup. Sus créditos como
director incluyen A ojos cerrados
(2010), El regreso (2012) y Entonces
nosotros (2016).
Hernán Jimenez was born in San José,
Costa Rica. He studied at the National
Theatre School of Canada, the San
Francisco Art Institute and Columbia
University. He is an actor and standup
comedian. His directorial credits
include A ojos cerrados (2010), The
Return (2012) and Entonces nosotros
(2016).
Ben Hardwick.
Sonido / Sound:
Mark Orton.
Contacto / Contact:
Chris Cole
Reparto / Cast:
Hernán Jiménez, Noelia Castaño, Marina Glazer.
Email:
[email protected]
Hernán Jiménez
102
Es Hora de Enamorarse: Una Historia Entre Bambalinas
Time to Love: A Backstage Tale
La primera producción teatral centroamericana protagonizada por actores con síndrome de
Down se estreno aquí en Panamá en 2014. El realizador nacional Guido Bilbao se estrena
en el largometraje documental con una crónica del extraordinario evento, y nos presenta
a varios de sus carismáticos participantes. Tierna y esclarecedora, Es hora de enamorarse
registra toda la emoción y ansiedad que conlleva un montaje profesional de envergadura.
Además le ofrece al espectador una mejor comprensión del impresionante rango de
capacidades, talento y ambición que demuestran quienes nacen con síndrome de Down.
Al arrancar el conteo regresivo para la noche de estreno, Bilbao nos lleva al salón de
ensayo, donde los actores en esta adaptación de la querida historia tradicional La
cucarachita mandinga van aprendiendo a seguir sus marcas, proyectar sus voces y
darle a las escenas corazón y energía. Bilbao además entrevista a varios de los actores,
centrándose en dos en particular: Rocío y Augusto, quienes han estado de novios por tres
años con el apoyo de sus familiares. Su historia de amor es genuina y dulce, pero subraya
también el objetivo ulterior de Es hora de enamorarse: deshacer los prejuicios sobre este
desorden genético y recordarnos que sentimientos tan esenciales como el deseo, la dicha,
los nervios y el triunfo nos pertenecen a todos por igual.
Esta película también participa por el Premio del Público Revista K al Mejor Documental.
This film also participates for the Revista K Audience Award for Best Documentary.
103
Central America’s first-ever theatrical production featuring performers with Down
syndrome premiered right here in Panama in 2014. Local filmmaker Guido Bilbao’s feature
documentary debut chronicles the build-up to this extraordinary event and, along the way,
introduces us to several of its charismatic participants. Heart-warming and illuminating,
Es hora de enamorarse tracks all the excitement and anxieties involved in putting on a big
show. But it also provides viewers with a better understanding of the tremendous breadth
of ability, talent and ambition of those born with Down syndrome.
As the countdown to opening night begins, Bilbao takes us into the rehearsal room,
where the actors in this adaptation of the beloved folk tale La cucarachita mandinga are
learning to find their marks, own their voice and play scenes with heart and energy. Bilbao
interviews several of the actors, but he pays special attention to two in particular: Rocío
and Augusto, who have been dating for three years with the support of their loved ones.
Rocío and Augusto’s love story is touching and sweet, but it also gets at the heart of
Es Hora de Enamorarse most urgent objective: to shake off misconceptions about this
genetic disorder and remind us that feelings as basic as desire, joy, nervousness and
triumph belong to everyone equally.
Director:
Guido Bilbao.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
69 min.
Down Panamá.
Mirella Arias.
Guido Bilbao.
Guido Bilbao nació en Argentina
y actualmente reside en Panamá.
Ha trabajado como periodista en
España y América Latina. Creó, junto
a Abner Benaím, la serie documental
de televisión El Otro Lado (2005).
Es hora de enamorarse (2016) es su
primer largometraje documental.
Guido Bilbao was born in Argentina and
now lives in Panama. He has worked as
a journalist in Spain and Latin America.
He co-created, with Abner Benaim, the
television documentary series El otro
lado (2005). Es hora de enamorarse
(2016) is his feature documentary
debut.
Editor:
Lucrecia Caramagna.
Martin Proaño.
(fotografía adicional) Raphael Salazar.
Música / Music:
Matías Nuñez.
Reparto / Cast:
María José Paiz, Antonella Manzotti, Rocio
Manzotti.
Contacto / Contact:
Guido Bilbao
Email:
[email protected]
Guido Bilbao
104
La tierra de mi padre
My Father’s Land
Papa Jah salió desde Haití hacia Las Bahamas en 1974. Tenía 19 años y su país –tal
como hoy en día- bullía de cultura y entretenimiento, pero sufría una escasez aguda de
oportunidades de trabajo. Papa Jah jamás volvió a Haití, pero al enterarse de que su padre
-que ahora debe tener 103 o 105 años, según a quién se le pregunte- puede estar delicado
de salud, decide que es hora de hacer el eternamente pospuesto viaje de regreso a casa.
Codirigido por Miquel Galofré y K. Tyler Johnston, La tierra de mi padre narra la odisea de
Papa Jah. En el camino explora la dura realidad que viven los haitianos indocumentados
en Las Bahamas, que aprueba leyes de inmigración cada vez más xenofóbicas. Papa
Jah vive en una zona de las Islas Abaco conocido como The Mud (barro), donde muchas
familias trabajadoras inmigrantes se apoyan unas a otras conformando una comunidad
muy fuerte, pero a la vez deben correr y esconderse cada que llegan los oficiales de
inmigración. Aún las familias que tienen hijos nacidos en Las Bahamas están en constante
riesgo de ser deportadas.
La tierra de mi padre dedica su última parte al regocijo de la llegada de Papa Jah a su
hogar y su reunión con su padre, quien sorprende con su vitalidad y el brillo en sus ojos
cuando ve al hijo que partió hace tantos años buscando una mejor vida. Resulta un final
conmovedor para una historia compleja y oportuna sobre la migración humana, y sobre
los lazos que no logran romper ni siquiera cuatro décadas de separación.
105
Papa Jah moved to the Bahamas from Haiti in 1974. He was 19, and his home country, then
as now, teemed with culture and good times but suffered from a dearth of employment
opportunities. Papa Jah has never returned to Haiti, but after learning that his father, now
either 103 or 105-years-old—depending who you ask—may be in ill health, he decides the
time has come to make that long-belated journey home.
Co-directed by Miquel Galofré and K. Tyler Johnston, My Father’s Land tells the story of
Papa Jah’s odyssey. Along the way it explores the harsh realities of life for undocumented
Haitians living in the Bahamas, with its increasingly xenophobic immigration policies.
Papa Jah resides in the Abaco Islands shantytown known as The Mud, where many hardworking migrant families enjoy the benefits of a close-knit community, yet are forced to
run and hide whenever immigration officials come calling. Even those families whose
children are Bahamian-born are in danger of deportation.
My Father’s Land’s last third is devoted to Papa Jah’s celebratory homecoming and reunion
with his father, who remains astoundingly nimble and whose eyes shine with joy upon
seeing the son who left to start a new life so many years ago. It is an immensely moving
ending to a complex, timely story of migration—and of family ties that even four decades
of separation cannot break.
Director:
Miquel Galofré, Tyler Johnston.
Bahamas, Haití, Trinidad y Tobago, 2015 /
Bahamas, Haiti, Trinidad and Tobago, 2015.
Idioma / Language:
Inglés, creole haitiano, español / English, Haitian
Creole, Spanish.
Duración / Length:
62 min.
Tyler Johnston.
Miquel Galofré.
Editor:
Miquel Galofré.
Miquel Galofré.
Contacto / Contact:
Miquel Galofré
Email:
[email protected]
Miquel Galofré nació en Barcelona. Ha
trabajado en varias capacidades como
realizador, con múltiples créditos como
escritor, editor y director de fotografía.
Su currículum como director incluye
los documentales Hit Me With Music
(2011), Songs of Redemption (2013),
codirigida con Amanda Sans, y La tierra
de mi padre (2015), codirigida con K.
Tyler Johnston.
Miquel Galofré was born in Barcelona.
He has worked in several capacities as a
filmmaker, with multiple credits as writer,
editor and cinematographer. His directorial
credits include the documentaries Hit Me
With Music (2011), Songs of Redemption
(2013), co-directed with Amanda Sans, and
My Father’s Land (2015), co-directed with
K. Tyler Johnston.
Miquel Galofré
K. Tyler Johnston es el director del
cortometraje documental Cinco
huesos (2011) y el documental La
tierra de mi padre (2015), codirigida
con Miquel Galofré.
K. Tyler Johnston is the director of the
short documentary Five Bones (2011) and
the feature documentary My Father’s Land
(2015), co-directed with Miquel Galofré.
Tyler Johnston
106
Meurtre à Pacot
Muerte en Pacot
Murder in Pacot
Esta nueva pieza del realizador y activista Raoul Peck es un complemento dramático de su
documental de 2013 Fatal Assistance, en la que elabora un acucioso retrato de los miles
de haitianos que continúan luchando por sobrevivir tras el devastador terremoto de 2010,
el cual causó más de 250 mil muertes y dejó 1.2 millones de personas sin hogar.
Días después del sismo, un hombre (Alex Descas) y su esposa (Joy Olasunmibo
Ogunmakin) siguen removiendo escombros en busca de cualquier cosa que les pueda
ser útil. Lo que queda de lo que fuera su opulenta residencia es considerado inestable,
y un oficial les informa que será demolido si no inician reparaciones significativas. Para
conseguir los fondos necesarios la pareja le renta el cuarto que se encuentra en mejores
condiciones a Alex (Thibault Vinçon) un extranjero que trabaja en asistencia internacional.
Para sorpresa de la pareja, Alex ya tiene novia haitiana, la joven de 17 años Andrémise
(Lovely Kermonde Fifi), quien se muda a la casa junto a él y pronto demuestra un carácter
tremendamente oportunista, lo cual lleva a la pareja a temer aún más por su situación.
Liderado por un impecable Descas –a quien la audiencia recordará por su trabajo con la
gran directora Claire Denis- el elenco personifica con destreza la singular y envolvente
mezcla que Peck hace de realismo y simbolismo. Inspirada en el clásico de 1969 Teorema
de Pasolini, Asesinato en Pacot convulsiona de ira e intriga, y expone fisuras de corrupción
en la Haití después del desastre, al hacer preguntas difíciles sobre el significado de la
nacionalidad y la raza.
107
A dramatic companion piece to his 2013 documentary Fatal Assistance, filmmaker and
activist Raoul Peck’s latest is a searing portrait of Haitians still struggling to live in the
aftermath of 2010’s devastating earthquake, which claimed a quarter million lives and left
1.2 million homeless.
Days after the quake, a man (Alex Descas) and his wife (Joy Olasunmibo Ogunmakin)
continue to dig through rubble in search of whatever belongings remain useful. What
is left of their once opulent home is deemed unstable, and a surveyor informs them
that it will be demolished if they do not undertake extensive reparations. To earn the
necessary funds the couple rents out their sturdiest room to Alex (Thibault Vinçon), a
visiting foreign aid worker. To the couple’s surprise, Alex already has a Haitian girlfriend,
17-year-old Andrémise (Lovely Kermonde Fifi), who moves in with him—and whose brash
opportunism soon emerges, ushering further tremors into the lives of her destitute hosts.
Led by the magnificent Descas—who viewers may know from his collaboration with
Claire Denis—the cast deftly embody Peck’s distinctive and absorbing blend of realism
and symbolism. Inspired by Pasolini’s 1968 classic Teorema, Murder in Pacot writhes with
outrage and intrigue, exposing fissures of corruption in post-disaster Haiti and posing
thorny questions about race and nationality.
Director:
Raoul Peck.
Haití, Francia, Noruega, 2014 / Haiti, France,
Norway, 2014.
Idioma / Language:
Francés, creole haitiano / French, Haitian Creole.
Duración / Length:
130 min.
Velvet Film, Figuier Production, Ape&Bjørn.
Rémi Grellety, Raoul Peck.
Raoul Peck, Lyonel Trouillot, Pascal Bonitzer.
Editor:
Alexandra Strauss.
Eric Guichard.
Raoul Peck nació en Puerto Príncipe,
Haití. Estudió ingeniería industrial
y economía en la Universidad
Humboldt de Berlín y cine en la
Academia Alemana de Cine y
Televisión de Berlín. Se desempeñó
como Ministro de Cultura de Haití.
Sus películas incluyen Esquina
Haitiana (1988), El Hombre en la
orilla (1993), Lumumba (2000),
Sometimes in April (2005) y
Asesinato en Pacot (2014).
Raoul Peck was born in Port-au-Prince,
Haiti. He studied industrial engineering
and economics at Berlin’s Humboldt
University and cinema at the German
Film and Television Academy Berlin. He
is Haiti’s former Minister of Culture. His
films include Haitian Corner (1988), The
Man on the Shore (1993), Lumumba
(2000), Sometimes in April (2005) and
Murder in Pacot (2014).
Sonido / Sound:
Eric Boisteau, Benjamin Laurent.
Música / Music:
Alexei Aigui.
Reparto / Cast:
Alex Descas, Joy Olasunmibo Ogunmakin,
Thibault Vinçon, Lovely Kermonde Fifi.
Contacto / Contact:
Doc & Film
Email:
[email protected]
Raoul Peck
108
Te prometo anarquía
I Promise you Anarchy
Por momentos fascinante y sentida, pero ante todo muy relajada, la quinta película de Julio
Hernández Cordón entrelaza de manera efectiva un drama de delincuentes juveniles, una
trama de pesadilla narco y una singular historia de amor. Te prometo anarquía logra dejar su
marca en la audiencia al tiempo que transmite sus escenas más tensas con atinada levedad.
Miguel y Johnny recorren los laberintos de la ciudad de México en sus patinetas, disfrutan
las bendiciones de su indefinida sexualidad, y ganan suficiente en el mercado negro de
sangre. Al conseguir un buen negocio con unos narcos que necesitan sangre del mercado
negro, las cosas parecen sencillas, pero sólo cuando logran reunir un buen número de
donantes se dan cuenta del problema en el que se han metido.
El filme cuenta con planos secuenciales bien coreografiados y filmados a distancia con
lentes de largo alcance, los cuales se mezclan con elegancia con el tono impresionista
de las escenas en movimiento con las patinetas. Dicha mezcla de narrativa criminal y
patinetas nos recuerda Paranoid Park de Gus Van Sant, pero Hernández Cordón añade
elementos del bajo mundo que vienen más de los aterradores peligros del México
contemporáneo que de un simple ejercicio con géneros cinematográficos.
De hecho Te prometo anarquía se trata en esencia de la amistad y del amor. Los nuevos
actores Diego Calva y Eduardo Martínez Peña –a quienes el director encontró en Facebook sin
experiencia alguna en el cine- se destacan con interpretaciones muy honestas, y Hernández
Cordón honra su entrega confiriendo a su trabajo una atmósfera sensual, tierna y sincera.
109
By turns fascinating, touching and absolutely chilling, Julio Hernández Cordón’s fifth
feature is a spellbinding weave of juvenile delinquent drama, narco nightmare and offbeat
love story. I Promise You Anarchy leaves a deep impression while conveying its most
fraught scenes with a light touch.
Miguel and Johnny skateboard through Mexico City’s labyrinthine neighborhoods, revel
in their blissfully undefined sexuality, and earn cash in the illegal blood trade. When they
score a deal with drug-traffickers in need of black-market blood, it seems like an easy
coup—it’s only after they assemble a large group of donors that Miguel and Johnny start
to realize how terrifyingly in over their heads they are.
The film’s finely choreographed sequence shots, taken from a distance with a telephoto
lens, mesh elegantly with the impressionistic tone of the skateboarding passages. The
fusion of skateboarding with crime recalls Gus Van Sant’s Paranoid Park, but Hernández
Cordón’s incorporation of underworld elements owes more to horrifying real-life dangers
in contemporary Mexico than it does to any genre exercise.
Yet I Promise You Anarchy is fundamentally about friendship and love. Newcomers Diego
Calva and Eduardo Martínez Peña—non-actors the director found on Facebook—give
outstandingly honest performances, and Hernández Cordón honors their commitment by
framing their work with sensuality, tenderness and sincerity.
Director:
Julio Hernández Cordón.
México, Alemania, Guatemala, 2015 / Mexico,
Germany, Guatemala, 2015.
Idioma / Language:
Duración / Length:
88 min.
Interior 13 Cine, Rohfilm GMBH, Foprocine.
Maximiliano Cruz, Sandra Gómez.
Julio Hernández Cordón.
Julio Hernández Cordón se crió en
México, Guatemala y Costa Rica.
Dirigió los largometrajes de ficción
Gasolina (2008) y Polvo (2012), así
como el documental Las Marimbas
del Infierno (2010). Te prometo
Anarquía (2015) es su última película.
Julio Hernández Cordón was raised in
Mexico, Guatemala and Costa Rica. He
directed the fiction features Gasolina
(2008) and Polvo (2012) as well as
the documentary Las Marimbas del
Infierno (2010). I Promise You Anarchy
(2015) is his latest film.
Julio
Hernández Cordón
Editor:
Mauricio Lenz Claure.
María Secco.
Sonido/ Sound:
Axel Muñoz.
Música / Music:
Jazz Bandana, Baby Nelson, Baxter Dury,
Alberto Torres.
Reparto / Cast:
Diego Calva, Eduardo Eliseo Martínez, Shvasti
Calderón, Milkman, Martha Claudia Moreno,
Gabriel Casanova, Sarah Minter.
Contacto / Contact:
Email:
[email protected]
110
Viaje
Los veinteañeros costarricenses Luciana y Pedro (Kattia González y Fernando Bolaños)
se conocen al final de una fiesta de disfraces. Arrancan con pie derecho y salen juntos de
la fiesta, todo parece augurar un placentero romance casual de última hora. Nada muy
comprometedor. Pero en la seductora segunda película de la directora Paz Fábrega, un
encuentro que al comienzo parece no tener trascendencia se convierte en algo que puede
perfectamente cambiar la vida de los jóvenes.
Después de pasar la noche comentando el compartido desinterés por los compromisos
habituales, durmiendo poco y riendo mucho, Pedro despierta a Luciana el domingo para
contarle que debe salir ese mismo día a una remota estación de investigación biológica.
Su salida de campo durará tres semanas. Luciana debe trabajar el lunes y también se
prepara para un viaje largo, ¿pero por qué no acompañarlo aunque sea por un día? Este
es un romance de esos que crecen con cada pequeña decisión o gran revelación.
Afín en espíritu a la memorable Antes del amanecer, en Viaje los constantes recordatorios
de que las horas de Luciana y Pedro juntos están contadas sirven sólo para convertir cada
momento muy ligero y a la vez precioso. Con su carismática pareja de actores principales
y el luminoso blanco y negro de su cinematografía, Fábrega no necesita forzar nada en
su historia, y logra capturar algo sutil y poco común: el vértigo de conocer a alguien
diferente, sabiendo que el encuentro es pasajero baja las expectativas, pero también deja
abierta la posibilidad de que quizás, solo quizás pueda haber algo más.
111
Costa Rican twentysomethings Luciana and Pedro (Kattia Gonzalez and Fernando
Bolaños) meet during the last dregs of a costume party. They hit it off well enough and
leave together, all set for a pleasant wee-hour hook-up. Nothing could seem more casual.
But in Paz Fábrega’s seductive sophomore feature, an encounter that might initially seem
casual has a slippery way of blossoming into something that might just change your life.
After a night of bonding over a mutual disinterest in commitments, laughter and little
sleep, Pedro wakes Luciana on Sunday morning to let her know that he’s to leave this
very day for a three-week assignment at a remote biological research station deep in the
rainforest. Luciana works on Monday and is preparing for a big trip herself—but maybe
she could join him, just for one day? This is a romance that develops one small decision—
or big disclosure—at a time.
Somewhat reminiscent of Before Sunrise, Viaje’s ongoing reminders that Luciana and
Pedro’s time together is limited only serve to make their every moment at once light-hearted
and precious. With her charismatic leads and shimmering black and white photography,
Fábrega forces nothing on her story while apprehending something rare and lovely: the
thrill of meeting someone special, knowing the encounter is fleeting and the expectations
low, yet suspended in the possibility that, just maybe, there could be more.
Director:
Paz Fábrega.
Costa Rica, 2015.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
71 min.
Figa Films.
Paz Fábrega, Kattia González, Sandro Fiorin,
Miguel Gomez, Marcos Blanco, Dennis Gomez.
Paz Fábrega.
Editor:
Paz Fábrega, Sebastián Sepúlveda.
Paz Fábrega nació en San
José, Costa Rica. Estudió en la
Universidad de Costa Rica, el
Colegio Universitario de Alajuela y
la Escuela de Cine de Londres. Su
filmografía incluye los cortometrajes
Temporal (2006) y Cuilos (2008) y
los largometrajes Agua fría del Mar
(2010) y Viaje (2015).
Paz Fábrega was born in San José,
Costa Rica. She studied at the
University of Costa Rica, the Colegio
Universitario de Alajuela, and the
London Film School. Her filmography
includes the shorts Temporal (2006)
and Cuilos (2008) and the features
Cold Water of the Sea (2010) and Viaje
(2015).
Paz Fábrega, Esteban Chinchilla.
Sonido / Sound:
Alexandra Latishev, Nancy Zavala, Roberto
Espinoza.
Reparto / Cast:
Kattia Gonzalez, Fernando Bolaños,
Hernán Jimenez.
Contacto / Contact:
Figa Films
Email:
[email protected]
Paz Fábrega
Portal INTERNACIONAL
INTERNATIONAL SHOWCASE
Desde películas nominadas y ganadoras de los
mayores reconocimientos del cine mundial, hasta
algunas de las visiones más provocadoras y
ambiciosas, esta muestra reúne obras de los talentos
más destacados que nuestro público merece ver.
From internationally renowned award-winning films to
some of the most ambitious and provocative cinematic
visions, this showcase brings together must-see new
films form the world’s most celebrated talents.
114
PORTAL INTERNACIONAL | INTERNATIONAL SHOWCASE
Viva
Gala de Apertura | Opening Night Gala
A pesar del historial de hostilidad de Cuba frente a su comunidad homosexual, desde
hace muchos años existe una subcultura de artistas travestidos o drag que se mantiene
fuerte. De esa escena clandestina el realizador irlandés Paddy Breathnach (Blow Dry) saca
inspiración para crear esta vivaz historia de crecimiento personal.
El joven Jesús (Héctor Medina) tiene dificultades para definir un futuro viable. Su madre
murió hace tiempo, y su padre se esfumó igualmente hace mucho. Jesús aplica sus dotes
como estilista para ayudar con el show drag de una discoteca, pero básicamente apenas
vive el día a día y teme tener que prostituirse en las calles de La Habana para sobrevivir.
Eso a no ser que encuentre en sí mismo fuerzas para salir de detrás de escena y convertirse
en una de las estrellas del show.
Pero las cosas se complican aún más cuando reaparece su padre Ángel (Jorge Perugorría,
recordado por Fresa y Chocolate). Recién salido de prisión, Ángel decide instalarse en casa
de Jesús. Como cualquier macho consumado, Ángel siente repulsión por la sexualidad
de Jesús y lo desanima de aspirar a ser un artista drag. Pero al pasar más tiempo juntos
–y cuando Jesús comprende los motivos detrás de la necesidad urgente de Ángel de
reconectarse con él- padre e hijo tendrán que aprender a aceptarse el uno al otro tal y
como son.
Basado en un guión tierno y sentido de Mark O’Halloran, Breathnach transforma Viva
en una profunda historia familiar de reconciliación, todo en medio de un ambiente de
deliciosa exuberancia.
115
Despite Cuba’s history of hostility toward its gay community, an underground subculture of
drag performers has long flourished in Havana. It was from this subculture that Irish filmmaker
Paddy Breathnach (Blow Dry) drew inspiration for this vivacious coming-of-age story.
Young Jesús (Héctor Medina) is having a hard time determining a viable future for himself.
His mother is long dead, his father long absent. He uses his gifts as a hairdresser to help
out at a nightclub drag showcase, but basically Jesús lives hand to mouth and fears his
prospects may dwindle to selling his body on Havana’s streets—unless Jesús could find
it in himself to emerge from backstage and become a drag performer in his own right.
Things take a radical turn when Jesús’ father Ángel (Jorge Perugorría, Strawberry and
Chocolate) suddenly reappears. Newly released from prison, Ángel decides to take up
residence in Jesús’ apartment. An inveterate macho, Ángel is repulsed by Jesús’ sexuality
and discourages his aspirations to perform in drag. But as father and son come to spend
more time together—and Jesús learns the secret reason for Ángel’s urgent desire to
reconnect—both men will have to learn to accept the other as they are.
Working from Mark O’Halloran’s tender script, Breathnach shapes Viva into an emotionally
resonant tale of familial reconciliation in a deliciously flamboyant milieu.
Director:
Paddy Breathnach.
Irlanda, Cuba, 2015 / Ireland, Cuba, 2015.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
100 min.
Treasure Films.
Paddy Breathnach nació en Dublín.
Sus créditos como director incluyen
I Went Down (1997), Blow Dry (2001),
Shrooms (2006), Freakdog (2008) y
Viva (2015).
Paddy Breathnach was born in Dublin.
His films as director include I Went
Down (1997), Blow Dry (2001),
Shrooms (2006), Freakdog (2008) and
Viva (2015).
Benicio del Toro, Rebecca O’Flanagan, Robert
Walpole, Cathleen Dore, Nelson Navarro.
Paddy Breathnach
Mark O’Halloran.
Editor:
Stephen O’Connel.
Cathal Watters.
Sonido / Sound:
Stephen Rennicks.
Reparto / Cast:
Héctor Medina, Jorge Perugorría, Luis Alberto
García, Renata Maikel Machín Blanco, Luis
Manuel Álvarez.
Contacto / Contact:
Pascale Ramonda
Email:
[email protected]
116
À peine j’ouvre les yeux
Al abrir mis ojos
As I Open My Eyes
Marcado por una banda sonora fascinante, el valeroso debut de la directora tunecina
Leyla Bouzid nos presenta a una vivaz joven a punto de alcanzar la madurez y a un país
a punto de experimentar una transformación profunda.
Todo está a punto de cambiar para Farah (Baya Medhaffer). Acaba de ser aceptada en
la facultad de medicina, lo cual tiene feliz a su madre, Hayet (Ghalia Benali). Pero Farah
es también una talentosa vocalista y su banda está lista para dar el gran paso si todos
se responsabilizan a ensayar con tenacidad, y si se comprometen a llenar su música de
mensajes políticos subversivos y arriesgados.
Similar en espíritu a la película autobiográfica Algo en el aire de Olivier Assayas, Al abrir
mis ojos es una de esas pocas películas que capturan la autorrealización de un joven en
sus dimensiones personales, creativas y políticas. La tensión crece entre Farah y Hayet,
entre Farah y sus compañeros de banda –uno de los cuales es su amante secreto- y entre
la banda y su entorno. La sensible dirección de Bouzid destila la ansiedad que vive Túnez
justo antes de la Revolución de los Jazmines, al tiempo que la intensa fusión de rock y de
sonidos tradicionales que hace la banda le da a la narrativa una energía irrefrenable que
impulsa a sus personajes, aún cuando enfrentan momentos aterradores.
117
Fueled by mesmerizing music, this bold feature debut from Tunisia’s Leyla Bouzid
introduces us to a vivacious young woman on the cusp of adulthood—and a country on
the cusp of radical transformation.
Everything is about to change for Farah (Baya Medhaffer). She’s been accepted into
medical school, a development that delights her mother, Hayet (Ghalia Benali). But Farah
is also a gifted vocalist and her band seems poised for a breakthrough, so long as everyone
is willing to go the extra mile with regards to rehearsing—and so long as they commit
themselves to infusing their music with dangerously subversive political messages.
Spiritually akin to Olivier Assayas’ autobiographical Something in the Air, As I Open
My Eyes is one of those rare films that capture a young person’s self-actualization as an
experience that is simultaneously personal, creative and political. Tensions accrue between
Farah and Hayet, between Farah and her fellow band-members—one of whom is her secret
lover—and between the band and their country. Bouzid’s evocative direction seizes the
anxieties and excitement of Tunisia on the eve of the Jasmine Revolution, while the band’s
intoxicating fusion of rock and traditional sounds provide this story with a fierce energy
that will embolden the characters—even when faced with some terrifying confrontations.
Director:
Leyla Bouzid.
Túnez, Francia, Bélgica, Emiratos Árabes
Unidos, 2015 / Tunisia, France, Belgium, United
Arab Emirates, 2015.
Idioma / Language:
Árabe / Arabic.
Duración / Length:
102 min.
Blue Monday Productions, Propaganda
Production, Hélicotronc.
Sandra da Fonseca, Imed Marzouk, Anthony
Rey, Nathalie Mesuret, Bertrand Gore.
Leyla Bouzid nació en Túnez. Estudió
literatura francesa en la Sorbona y
dirección de cine en La Fémis. Sus
créditos incluyen los cortometrajes
Soubresauts (2012) y Zakaria (2013).
Al abrir mis ojos (2015) es su primer
largometraje.
Leyla Bouzid was born in Tunisia.
She studied French literature at the
Sorbonne and film directing at La
Fémis. Her credits include the shorts
Soubresauts (2012) and Zakaria (2013).
As I Open My Eyes (2015) is her first
feature.
Leyla Bouzid
Leyla Bouzid, Marie-Sophie Chambon.
Editor:
Lilian Corbeille.
Sébastien Goepfert.
Sonido / Sound:
Ludovic Van Pachterbeke, Rémi Gérard .
Música / Music:
Khyam Allami.
Reparto / Cast:
Baya Medhaffer, Ghalia Benali, Montassar Ayari,
Lassaad Jamoussi, Aymen Omrani.
Contacto / Contact:
Doc & Film International
Email:
[email protected]
118
Baba Joon
Moti (Asher Avrahami) tiene sólo trece años, pero ya muestra un talento precoz para
desarmar y reconstruir carros antiguos. Su padre Yitzhak (Navid Negahban), un criador
de pavos orgulloso de su trabajo, espera que Moti algún día aprenda y se encargue de
la granja, la cual comenzó con su propio padre cuando la familia vino de Irán a Israel
hace muchos años. Moti es terco, confiado y rebelde por naturaleza, y criar pavos es lo
último que puede interesarle en la vida. El chico tiene total claridad respecto a lo que
quiere lograr, y no comparte en absoluto el sentido de incuestionable lealtad a la tradición
que mueve a Yitzhak. Esa distancia radical con el legado de la familia es algo que su
igualmente terco padre no puede concebir o tolerar.
Baba Joon es la primera película de ficción del veterano documentalistaYuval Delshad, y es
la primera producción en lengua persa hecha en Israel. La historia, que retoma elementos
de las experiencias personales de Delshad en el seno de una familia inmigrante, está llena
de sentidos trazos de cotidianidad doméstica, lo cual aumenta su capacidad de transmitir
una particular sabiduría. Con su genuina mezcla de ternura y aguda comprensión de
cómo se siente una ruptura familiar, Delshad relata no sólo la inevitable colisión de padre
e hijo, sino también la forma en que una generación puede aceptar las ambiciones y
prioridades de otra.
119
Moti (Asher Avrahami) is only 13 years old, yet he already exhibits a precocious talent
for dissembling and reconstructing old cars. Moti’s father, Yitzhak (Navid Negahban), is
a proud, hard-working turkey farmer who expects Moti to learn and eventually take over
the business, which was inaugurated by Moti’s grandfather when the family moved from
Iran to Israel years ago. Moti is headstrong, self-assured and an inveterate rebel—and he
couldn’t care less about turkeys. He possesses a formidable sense of what he wants out of
life, and doesn’t share Yitzhak’s blind sense of loyalty to tradition. Such a bold aberration
from the family legacy is something the equally hardheaded Yitzhak cannot tolerate.
Baba Joon is the first fiction feature from documentary veteran Yuval Delshad, and the
first Persian-language film to be made in Israel. Drawn in part from Delshad’s personal
reminiscences of growing up in an immigrant family, the film is lovingly imbued with
everyday domestic activity, minutia that speaks to a feeling of lived experience and earned
wisdom. Employing a winning blend of tenderness and an understanding of how searing
familial strife can sometimes feel, Delshad chronicles the inevitable clash between father
and son, and explores the ways in which one generation must come to terms with the
priorities and ambitions of another.
Director:
Yuval Delshad.
Israel, 2015.
Idioma / Language:
Farsi, hebreo, 2013 / Farsi, Hebrew, 2013.
Duración / Length:
91 min.
Metro Communications Ltd.
David Silber, Moshe Edery, Leon Edery.
Yuval Delshad nació en Israel. Sus
créditos como director incluyen los
documentales The Lock Up Family
(2007), La batalla por el alma (2009),
y Saludos de la guerra (2013).
Baba Joon (2015) es su primer
largometraje de ficción.
Yuval Delshad was born in Israel.
His directorial credits include the
documentaries The Lock Up Family
(2007), The Battle Over the Soul (2009),
and Regards from the War (2013). Baba
Joon (2015) is his fiction feature debut.
Yuval Delshad.
Yuval Delshad
Editor:
Yoni Tzruya.
Ofer Inov.
Sonido / Sound:
Gil Toren, Mati Hefetz.
Música / Music:
Eyal Saeed Mani.
Reparto / Cast:
Navid Neghaban, Asher Avrahami, Viss Elliot
Safavi, Fariborz David Diaan, Raphael Faraj Eliasi.
Contacto / Contact:
Israeli Films
Email:
[email protected]
120
Hrutar
Carneros
Rams
Ganadora del premio Un Certain Regard del Festival de Cine de Cannes del año pasado, la
historia de Grímur Hákonarson de dos hermanos pastores y su amarga relación se siente
inspirada en un mito y a la vez llena de asombro ante lo cotidiano. Divertida, conmovedora
y fascinante con sus imágenes de la Islandia rural, Carneros es un relato íntimo que se
despliega sobre un lienzo fabuloso.
Los huraños hermanos y vecinos Gummi (Sigurður Sigurjónsson) y Kiddi (Theodór
Júlíusson), no se han hablado en cuarenta años. Ellos compiten en el festival anual de
ovejas de la región. Dolido tras perder ante su hermano, Gummi riega un oscuro rumor
que termina siendo cierto: la oveja ganadora de Kiddi tiene prurigo lumbar –o tembladerauna enfermedad degenerativa mortal y muy contagiosa. Para prevenir una epidemia, las
autoridades de salud ordenan que se sacrifique la totalidad de las ovejas del valle, un
golpe devastador para Gummi y Kiddi, pero que puede ser lo que finalmente termine su
larga disputa.
Hákonarson estructura su elocuente guión de forma que buena parte de la historia de
Carneros transcurra sin tanto diálogo, lo cual abre espacio a momentos de comedia
visual. Los veteranos actores Sigurjónsson y Júlíusson ofrecen por su parte actuaciones
completamente vívidas como los dos hermanos listos a enganchar sus cuernos, y transmiten
con maestría una larga y compleja relación sin necesidad de explicarnos demasiado.
121
Winner of the Un Certain Regard prize at last year’s Cannes Film Festival, Grímur
Hákonarson’s tale of two acrimonious sheepherding siblings feels at once drawn from myth
and grounded in the genuine quirkiness of real life. Funny, moving, and filled with striking
images of rural Iceland, Rams is an intimate story unfolding on a spectacular canvas.
Though brothers and neighbors, Gummi (Sigurður Sigurjónsson) and Kiddi (Theodór
Júlíusson) have not spoken in some 40 years. What’s more, they are competitors in
their community’s annual sheep show. Crestfallen after having lost to Kiddi, Gummi
starts a nasty rumor that turns out to be true: Kiddi’s winning sheep has scrapie, a fatal,
degenerative, highly contagious disease. Fearing an epidemic, the local authorities
demand that every last sheep in the valley is slaughtered, a devastating blow to both
Gummi and Kiddi—though it may also be the event that finally brings their longstanding
feud to an end.
Hákonarson’s elegantly structured script allows much of Rams’ story to unfold with
a bare minimum of dialogue—leaving ample room for numerous flights of inspired,
visually oriented comedy. Veteran actors Sigurjónsson and Júlíusson, meanwhile, deliver
masterfully lived-in performances as the aging brothers set to lock horns, deftly conveying
a long shared history without the need of exposition.
Director:
Grímur Hákonarson.
Islandia, 2015 / Iceland, 2015.
Idioma / Language:
Islandés / Icelandic.
Duración / Length:
93 min.
Netop Films EHF.
Grímar Jónsson, Ditte Milsted, Jakob Jarek.
Grímur Hákonarson.
Editor:
Kristján Loðmfjörð.
Grímur Hákonarson nació en
Islandia. Se graduó de la Escuela
de Cine y Televisión de la Academia
de Artes de Praga. Hizo su debut
cinematográfico con Summerland
(2010) para luego realizar el
documental Puro de corazón (2012).
Carneros (2015), que ganó el premio
Un Certain Regard del Festival de
Cannes, es su última película.
Grímur Hákonarson was born in Iceland.
He graduated from the Film and
Television School of the Academy of
Performing Arts in Prague. He made his
feature debut with Summerland (2010)
and followed it with the documentary A
Pure Heart (2012). Rams (2015), which
won the Cannes’ Un Certain Regard
prize, is his latest film.
Sturla Brandth Grøvlen.
Sonido / Sound:
Bjorn Viktorsson, Huldar Freyr Arnarson.
Música / Music:
Atli Örvarsson.
Reparto / Cast:
Sigurõur Sigurjónsson, Theodór Júlíusson,
Charlotte Bøving.
Contacto / Contact:
Pacifica Grey
Email:
[email protected]
Grímur Hákonarson
122
Dheepan
Ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes del año anterior, la nueva
entrega del aclamado director Jacques Audiard (Un profeta, De óxido y hueso) ofrece una
evaluación contundente de uno de los temas más complejos en el mundo hoy: las luchas
de los migrantes que huyen de zonas en conflicto buscando oportunidades en lugares
más estables.
Dheepan acompaña a Sivadhasan (Antonythasan Jesuthasan), un excombatiente tamil
que termina en un campo de refugiados cuando la Guerra Civil de Sri Lanka llega a
su fin después de 26 años. Decidido a comenzar de nuevo en París, toma la identidad
de un hombre fallecido, Dheepan, y crea una familia falsa junto a sus compañeras de
refugio Yalini y la pequeña de 9 años Illayaal. Cuando llegan a París, Sivadhasan consigue
trabajo en una funeraria y se mueve junto a Yalini e Illayaal a una urbanización de interés
social plagada de crimen en el suburbio Le Pré-Saint-Gervais. Tras el largo camino que
recorrieron para olvidar la violencia y conmoción de su vida pasada, Sivadhasan y su
nueva familia enfrentarán todo un nuevo universo de conflictos.
Inspirada parcialmente por las Cartas Persas de Montesquieu, Dheepan está llena de
drama y de dilemas éticos, y encara las complejidades de la experiencia migratoria
moderna como un todo, al tiempo que se enfoca en las vidas de unos cuantos individuos
quienes, como haría cualquiera en su desesperada situación, sólo buscan un refugio en
algún lugar del mundo.
123
Winner of the Palme d’Or at last year’s Cannes Film Festival, the latest from acclaimed
director Jacques Audiard (A Prophet, Rust and Bone) is a powerful examination of one of
the most important and ever-burgeoning issues in today’s world: the plight of migrants
fleeing conflict zones to seek new lives in more stable cities.
Dheepan follows Sivadhasan (Antonythasan Jesuthasan), a former Tamil soldier forced
into a refugee camp after the 26-year Sri Lankan Civil War finally ends. Determined to
start anew in Paris, he assumes the identity of a dead man, Dheepan, and concocts a false
family with fellow refugees Yalini and a nine-year-old Illayaal. Once these three make it
to Paris, Sivadhasan finds work as a caretaker and he and Yalini and Illayaal move into a
crime-ridden housing project in the suburb of Le Pré-Saint-Gervais. Having come all this
way to forget the violence and tumult of the past, Sivadhasan and his new family are faced
with a whole other kind of conflict.
Inspired in part by Montesquieu’s Persian Letters, Dheepan brims with drama and ethical
dilemmas, forgoing none of the complexities of the modern migrant experience as a
whole while focusing on the destinies of just a few individuals who, like anyone in their
desperate situation, struggle to find refuge somewhere in the world.
Director:
Jacques Audiard.
Francia, 2015 / France, 2015.
Idioma / Language:
Tamil, francés, inglés / Tamil, French, English.
Duración / Length:
114 min.
Why Not Productions.
Pascal Caucheteux.
Jacques Audiard, Thomas Bidegain, Noé Debré.
Editor:
Juliette Welfling.
Jacques Audiard nació en París.
Sus películas incluyen Mira a los
hombres caer (1994), que ganó el
César a mejor ópera prima, De latir,
mi corazón se ha parado (2005) y Un
profeta (2009), las cuales ganaron
tres premios César, incluyendo a
Mejor Película y Dheepan (2015), que
ganó la Palma de Oro en Cannes.
Jacques Audiard was born in Paris.
His films include See How They Fall
(1994), which won the César for Best
First Feature, The Beat That My Heart
Skipped (2005) and A Prophet (2009),
both of which won three Césars,
including Best Film, and Dheepan (2015),
which won the Palme d’Or at Cannes.
Éponine Momenceau.
Sonido / Sound:
Daniel Sorbino.
Música / Music:
Nicolas Jaar.
Reparto / Cast:
Antonythasan Jesuthasan, Kalieaswari
Srinivasan, Claudine Vinasithamby, Vincent
Rottiers, Marc Zinga.
Contacto / Contact:
Email:
[email protected]
Jacques Audiard
124
Le Tout Nouveau Testament
El nuevo nuevo testamento
The Brand New Testament
“Dios existe, es un desgraciado, vive en Bruselas”. Con esta provocadora frase dicha por
Ea (Pili Groyne), una niña de diez años quien además es la hija de Dios, nos lanzamos de
cabeza en el hilarante, bizarro e increíblemente entretenido mundo de El Nuevo Nuevo
Testamento. La última película que brota de la imaginación febril del director belga Jaco
Van Dormael es una fantástica comedia negra sobre la intervención divina, las diferencias
irreconciliables y el significado de la existencia.
Dios (Benoît Poelvoorde), un sádico cualquiera que rara vez se cambia de ropa, pierde la
paciencia al enterarse de que Ea no sólo se ha metido en su oficina, sino que ha descubierto
las fechas predeterminadas de fallecimiento de cada ser humano, y ha enviado dicha
información a sus destinatarios por mensaje de texto, creando un vértigo existencial sin
precedente en el planeta. Tras huir de la casa paterna, Ea sigue los pasos de su hermano
Jesús y busca sus propios apóstoles, entre los que se cuentan un vagabundo, un hombre
obsesionado con el sexo, y un chico travesti con una enfermedad terminal. Dios también
aterriza en nuestro mundo para detener a su hija, pero se topa con que este mundo lo que
quiere es darle a probar una cucharada de su propia medicina.
Espectacularmente expresionista y descaradamente juguetón, el estilo del Nuevo Nuevo
Testamento nos recuerda las películas de Jean-Pierre Jeunet (Amelie), y Terri Gillian
(Brasil), pero su impío concepto central es verdaderamente único.
125
“God exists. He lives in Brussels. He’s a bastard.” These provocative statements, made by
ten-year-old Ea (Pili Groyne), who just happens to be God’s daughter, launch us headlong
into the hilarious, bizarre and wildly entertaining world of The Brand New Testament. The
latest film to spring from the fevered imagination of Belgian director Jaco Van Dormael
is a blackly comic fantasy about divine intervention, irreconcilable differences, and the
meaning of existence.
A petty sadist who rarely changes out of his bathrobe, God (Benoît Poelvoorde) goes
bananas when He discovers that Ea has snuck into His office, discovered the predestined
death dates of everyone on Earth and delivered them to their respective targets via text
message, hurtling the recipients into existential vertigo. Having fled her family’s apartment,
Ea follows in the footsteps of her brother, Jesus, and assembles her own apostles, among
them a homeless man, a nymphomaniac and a dying child transvestite. God tries to track
His errant daughter down, but finds that the world is waiting to give Him a taste of His
own medicine.
Spectacularly expressionistic and endlessly mischievous, the style of The Brand New
Testament recalls the films of Jean-Pierre Jeunet (Amélie) and Terry Gilliam (Brazil), while
its unholy concept is truly one of a kind.
Director:
Jaco Van Dormael.
Bélgica, Francia, Luxemburgo, 2015 / Belgium,
France, Luxemburg, 2015.
Idioma / Language:
Francés, alemán / French, German.
Duración / Length:
113 min.
Terra Incognita Films, Climax Films, Caviar
Films, Après le Déluge, Juliette Films.
Jaco Van Dormael, David Grumbach, Olivier Rausin.
Jaco Van Dormael, Thomas Gunzig.
Editor:
Hervé de Luze.
Christophe Beaucarne.
Jaco Van Dormael nació en
Ixelles, Bélgica. Fue productor de
entretenimiento para niños antes de
estudiar cine en el Instituto Superior
de Artes del Espectáculo de Bruselas
y en la Academia Louis Lumière
de París. Sus películas incluyen
Toto el héroe (1991), premiada con
la Cámara de Oro en Cannes, Mr.
Nobody (1909) y El Nuevo Nuevo
Testamento (2015).
Jaco Van Dormael was born in
Ixelles, Belgium. He was a clown
and theatre producer before studying
film at Brussels’ Institut National
Supérieur des Arts du Spectacle
et des Techniques de Diffusion and
Paris’ Louis Lumière College. His
films include Toto the Hero (1991),
awarded the Camera d’Or at Cannes,
Mr. Nobody (2009) and The Brand New
Testament (2015).
Sonido / Sound:
Dominique Warnier, François Dumont.
Reparto / Cast:
Pili Groyne, Benoît Poelvoorde, Catherine
Deneuve, François Damiens, Yolande Moreau,
Laura Verlinden, Serge Larivière, Didier De Neck,
Marco Lorenzini, Romain Gelin.
Contacto / Contact:
Pacifica Grey
Email:
[email protected]
Jaco Van Dormael
126
Bajrangi Bhaijaan
Hermano Bhaijaan
Brother Bhaijaan
La superestrella india Salman Khan protagoniza esta historia épica sobre la amistad, el
coraje y la aventura. Siendo la segunda película más taquillera en toda la historia del cine
indio, Bajrangi Bhaijaan trasciende fronteras de credo o cultura y narra un relato universal
que ya ha conquistado los corazones de millones de espectadores en todo el mundo.
Khan interpreta a Bajranji, un ex luchador convertido en un devoto Brahmán dedicado
a la deidad hindú Hanuman. Un día Bajranji se topa con una niña de seis años en las
calles de Kurukshetra. Shahida (Harshaali Malhotra) está sola y parece ser muda. Incapaz
de encontrar a la familia de Shahida, Bajranji la deja al cuidado de su futuro suegro,
hasta el día en que nota que la niña celebra el triunfo de Pakistán sobre la India en un
juego de criquet. Bajranji deduce que Shahida debe ser una musulmana pakistaní, y se
compromete a emprender el largo viaje de llevarla de vuelta a su hogar, ignorando por
completo cuán peligroso, arduo y complicado resultará dicho viaje.
Con el esplendor de las montañas de Cachemira –y un creciente conflicto político- como
telón de fondo, Bajrangi Bhaijaan es una experiencia cinematográfica arrobadora, que
involucra aspectos de identidad nacional y tensiones religiosas en un mundo que cambia
vertiginosamente, así como giros inesperados y momentos de inspirado aire cómico.
127
Indian superstar Salman Khan stars in this epic of friendship, courage and adventure. The
second-highest grossing Indian film of all time, Bajrangi Bhaijaan transcends the bounds
of creed and culture to tell a universal story that has already touched the hearts of millions
the world over.
Khan plays Bajranji, a former wrestler turned devout Brahmin and devotee of the Hindu
deity Hanuman. One day Bajranji meets a six-year-old girl on the streets of Kurukshetra.
Shahida (Harshaali Malhotra) is alone and seems to be mute. Unable to find Shahida’s
family, Bajranji places her in the care of his future father-in-law—until that fateful day
when Bajranji notices Shahida celebrating Pakistan’s victory over India in a cricket
match. Bajranji deduces that Shahida must be a Pakistani Muslim and commits himself
to undertaking the long journey to shepherd the girl back home, unaware of just how
dangerous, arduous and complicated that journey will become.
With the splendor of Kashmir’s mountains—and a seething political conflict—serving as
backdrop, Bajranji Bhaijaan is a sweeping cinematic experience, incorporating themes of
national identity and religious tensions in a rapidly changing world, and laden with many
twists and turns and inspired flights of comedy.
Director:
Kabir Khan.
India, 2015.
Idioma / Language:
Hindi, urdu, panyabí / Hindi, Urdu, Punjabi.
Duración / Length:
159 min.
Kabir Khan nació en Hyderabad,
India. Comenzó su carrera como
director de fotografía para Discovery
Channel en Más allá del Himalaya
(1996) antes de hacer su debut
como director con el documental
El ejército olvidado (1999). Sus
largometrajes de ficción incluyen
Kabul Express (2006), Nueva York
(2009), Ek Tha Tiger (2012), Bajrangi
Bhaijaan (2015) y Phantom (2015).
Salman Khan Films, Kabir Khan Films.
Salman Khan, Rockline Venkatesh, Amar Butala.
K. V. Vijayendra Prasad, Kabir Khan, Parveez Shaikh.
Editor:
Rameshwar S. Bhagat.
Kabir Khan was born in Hyderabad,
India. He began his career as a
cinematographer for Discovery
Channel’s Beyond the Himalayas (1996)
before making his directorial debut with
the documentary The Forgotten Army
(1999). His fiction features include
Kabul Express (2006), New York (2009),
Ek Tha Tiger (2012), Bajrangi Bhaijaan
(2015) and Phantom (2015).
Aseem Mishra.
Música / Music:
Pritam Chakraborti, Julius Packiam.
Reparto / Cast:
Contacto / Contact:
Eros International
Harshaali Malhotra, Salman Khan, Nawazuddin
Siddiqui, Kareena Kapoor.
Email:
[email protected]
Kabir Khan
128
Saul Fia
Hijo de Saúl
Son of Saul
Ganadora del Grand Prix de Cannes de 2016 y del premio a Mejor Película en Lengua
Extranjera en los Oscar, la opera prima de Lászlo Nemes es una contribución profunda e
inteligente a la reflexión continua del cine sobre el Holocausto.
Saul Ausländer (Géza Röhrig) es un judío húngaro preso en Auschwitz-Birkenau. Ha sido
reclutado como parte del Sonderkommando, la unidad encargada de llevar a los otros
presos a las cámaras de gas y de disponer después de sus cuerpos. Cuando presencia
el momento en que un niño deja de vivir, Saúl se convence de que ese niño merece la
dignidad de un entierro, la cual le es negada a incontables otros que él ve convertirse en
desecho día a día. Asegurando que el niño es su hijo, Saúl busca desesperadamente un
rabí que oficie el Kaddish, al tiempo que participa en un plan de escape.
Con el uso de un inusual dispositivo de tercera persona cercana a los hechos, que tiene
sentido dada la experiencia de Nemes como asistente de dirección del maestro del plano
secuencia, Béla Tarr, así como su afinidad con las películas de los hermanos Dardenne,
Hijo de Saúl asombra con un trabajo de cámara que brinda incomparable intimidad e
inmediatez a la narrativa del Holocausto, al tiempo que Röhrig logra una combinación
perfecta de compasión y circunspección en su inolvidable personaje principal.
129
Recipient of the Grand Prix at Cannes and the 2016 Academy Award winner for Best Foreign
Language Film, László Nemes’ feature debut is a haunting and ingenious contribution to
the cinema’s ongoing reckoning with the Holocaust.
Saul Ausländer (Géza Röhrig) is a Hungarian Jew imprisoned at Auschwitz-Birkenau. He
has been recruited as a member of the Sonderkommando, the unit charged with corralling
fellow prisoners into the gas chambers and the subsequent disposal of their bodies. When
he happens to bear witness to a child’s moment of expiration, Saul becomes convinced
that this child must be granted the dignity in death withheld from the countless others he
sees reduced to waste every day. Claiming the child is his son, Saul desperately searches
for a rabbi to perform the Kaddish while simultaneously participating in the planning of
an escape.
Employing an unusual close-third-person approach that speaks to Nemes’ tenure as
assistant director to Hungarian long-take maestro Béla Tarr—not to mention a careful
reading of the films of the Dardenne Brothers—Son of Saul’s astonishing camerawork
brings an unprecedented immediacy and intimacy to the Holocaust narrative, while
Röhrig brings a perfect combination of compassion and inscrutability to his unforgettable
lead performance.
Director:
László Nemes.
Hungría, 2015 / Hungary, 2015.
Idioma / Language:
Húngaro, alemán, yídish, ruso, polaco, francés,
griego, eslovaco / Hungarian, German, Yiddish,
Russian, Polish, French, Greek, Slovak.
Duración / Length:
107 min.
Laokoon Filmgroup.
Gabor Sipos, Gabor Rajna.
László Nemes, Clara Royer.
Editor:
Matthieu Taponier.
László Nemes nació en Budapest.
Después de un período como
asistente de dirección de cineastas
como Béla Tarr, dirigió los
cortometrajes Türelem (2007), La
contraparte (2008) y El caballero
se despide (2010). Su primer
largometraje, Hijo de Saúl (2015),
recibió el Gran Prix en Cannes y el
Oscar a Mejor Película en Lengua
Extranjera.
László Nemes was born in Budapest.
Following a tenure as assistant director
for such filmmakers as Béla Tarr, he
directed the shorts Türelem (2007), The
Counterpart (2008) and The Gentleman
Takes His Leave (2010). His feature
debut, Son of Saul (2015), received
the Gran Prix at Cannes and the 2016
Oscar for Best Foreign Language Film.
Mátyás Erdely.
Sonido / Sound:
Tamás Zanyi.
Música / Music:
László Melis.
Reparto / Cast:
Géza Röhrig, Levente Molnar, Urs Rechn, Todd
Charmont, Sándor Zsoter, Marcin Czarnik.
Contacto / Contact:
Fox
Email:
[email protected]
László Nemes
130
Mia Madre
Mi madre
My Mother
Pasando sutilmente de la melancolía a la ingeniosa impronta del director, la nueva obra
del maestro italiano Nanni Moretti (La habitación del hijo) explora con franqueza las
dificultades de balancear las múltiples responsabilidades que llegan con la edad madura.
Todo parece estar saliendo mal para la directora Margherita (Margherita Buy). La producción
de su última película está plagada de disputas internas, problemas de comunicación y
relaciones conflictivas. Aparte de terminar una relación con uno de sus actores, no logra
que su estrella italo-estadounidense (John Turturro) diga sus líneas con propiedad. Por
otra parte su madre (Giulia Lazzarini) está hospitalizada con una enfermedad grave, y su
hermano Giovanni (Moretti) deja de trabajar para empezar una vigilia. El agotamiento
creativo, los problemas de su carrera, los desencuentros románticos y la culpa familiar se
mezclan para formar una tormenta en la psique de la pobre Margherita.
Buy y Moretti comparten una química particular con actuaciones que aluden a una
historia compleja, mientras que Turturro sorprende con la sensibilidad de un actor que
envejece y lucha por aceptar que su carrera nunca cumplió sus promesas. Mi madre es
en realidad una mirada a sus diferentes relaciones: los intercambios entre hermanos,
entre colegas, entre padres e hijos, hombres y mujeres –los cuales, por cierto, sobrepasan
injustificadamente a aquellas en los equipos de producción-. Ninguna de estas relaciones
es fácil o sencilla, pero todas nos ofrecen conocimiento, e incluso sabiduría si conservamos
nuestra capacidad de ser receptivos y al menos un poco de nuestro sentido del humor.
131
Moving seamlessly between melancholy and the director’s characteristic quirky wit, the
latest from Italian Maestro Nanni Moretti (The Son’s Room) poignantly examines the
difficulty of balancing the burgeoning responsibilities that come with middle age.
Nothing seems to be going right for director Margherita (Margherita Buy). Production on
her latest film is beset with squabbles, communication problems and souring relationships.
She breaks off a dalliance with one of her actors and cannot get her Italian-American star
(John Turturro) to convincingly deliver his lines. Her mother (Giulia Lazzarini), meanwhile,
is in hospital with a life-threatening illness and her brother Giovanni (Moretti) has taken
time off work to hold vigil. Creative exhaustion, professional woes, romantic failures and
familial guilt merge to form a tempest in Margherita’s troubled psyche.
Buy and Moretti share a marvelous chemistry, their performances subtly alluding to a
complex history, while Turturro is surprisingly affecting as an aging actor struggling to
come to terms with a career that’s never fulfilled its promise. Relationships are what
My Mother is all about: the exchanges between siblings, between colleagues, between
parents and children, between men and women—the former notably outnumbering the
latter when it comes to film crews. None of these relationships are simple or easy, but all
of them promise us learning, even wisdom, if we retain our sense of receptivity—and our
sense of humour.
Director:
Nanni Moretti.
Italia, Francia, 2015 / Italy, France, 2015.
Idioma / Language:
Italiano, inglés / Italian, English.
Duración / Length:
106 min.
Sacher Film.
Nanni Moretti, Domenico Procacci.
Nanni Moretti, Francesco Piccolo, Valia Santella.
Nanni Moretti nació en Brunico,
Italia. Sus películas incluyen Caro
Diario (1993), que ganó Mejor
Director en Cannes; Abril (1998),
La habitación del hijo (2001), que
ganó tanto la Palma de Oro como
el FIPRESCI en Cannes, Il Caimano
(2006), y Habemus Papam (2011). Mi
madre (2015) es su última película.
Nanni Moretti was born in Brunico,
Italy. His films include Caro Diario
(1993), which won Best Director at
Cannes, April (1998), The Son’s Room
(2001), which won both the Palme
d’Or and FIPRESCI awards at Cannes,
Il Caimano (2006), and Habemus
Papam (2011). My Mother (2015) is his
latest film.
Editor:
Clelio Benevento.
Arnaldo Catinari.
Sonido / Sound:
Alessandro Zanon.
Reparto / Cast:
Nanni Moretti, Margherita Buy, John Turturro,
Giulia Lazzarini.
Contacto / Contact:
Email:
[email protected]
Nanni Moretti
132
Mustang
Mustang: Belleza salvaje
Mustang
Este agudo estudio de la feminidad en la Turquía rural es por momentos excitante y, en
otros devastador y también profundamente conmovedor. El primer largometraje de
Deniz Gamze Ergüven ha sido apropiadamente comparado con Las vírgenes suicidas,
pero Mustang es mucho más que una extrapolación cultural del recordado debut de Sofia
Coppola: es una exploración llena de corazón y sin pretensiones didácticas de lo que
significa ser una mujer joven en el enclaustrado y conservador mundo musulmán.
Las cinco hermanas huérfanas que protagonizan Mustang celebran el final del año escolar
con una salida a jugar en la playa junto a sus compañeras, lo que supone un riesgo
inaceptable para su dignidad femenina a los ojos de su abuela, sus tías y tíos. Como
castigo, los adultos les prohíben salir de casa, la cual se convierte para Lale –nuestra
narradora- en una “fábrica de esposas”, en donde cualquier artículo que pueda “pervertir”
las jóvenes mentalidades será confiscado, y donde los días se van en actividades
diseñadas para preparar a las hermanas para sus futuros matrimonios pactados. Mientras
la vida se vuelve cada día más sofocante, las hermanas están cada vez más decididas a
desafiar sus predeterminados destinos, lo cual traerá resultados que van desde el triunfo
hasta la tragedia.
Escrita en colaboración con Alice Winocour (Augustine), Mustang funciona como una
película de prisión que trata sobre la autorrealización femenina, la solidaridad fraternal y
la necesidad de rebelión, aún en el interior de la familia.
133
This sapient study of girlhood in rural Turkey is by turns exhilarating, devastating and
deeply moving. Deniz Gamze Ergüven’s first feature has rightly been compared to The
Virgin Suicides, but Mustang is much more than a transcultural spin on Sofia Coppola’s
beloved debut: it is a heart-driven, non-didactic exploration of what it means to be young
and female in a conservative, cloistered Muslim world.
The five orphan sisters at the center of Mustang celebrate the end of the school year by
romping with their coeds at the beach—an unacceptable compromising of their feminine
dignity according to the girls’ grandmother, aunts and uncles. The elders retaliate by
forbidding the girls from leaving the house, which, in the words of Lale, our narrator,
becomes a “wife factory” in which any items deemed likely to “pervert” tender minds
are confiscated and every day is filled with activities designed to prepare the sisters for
arranged marriage. As life becomes increasingly stifling the sisters become only more
determined to defy their pre-determined destiny, with results running the gambit between
triumphant and tragic.
Co-written with Alice Winocour (Augustine), Mustang is a sort of prison movie about
female self-realization, sibling solidarity and the necessity of revolt—even within one’s
own family.
Director:
Deniz Gamze Ergüven.
Turquía, Francia, Alemania, Catar, 2015 / Turkey,
France, Germany, Qatar, 2015.
Idioma / Language:
Turco / Turkish.
Duración / Length:
97 min.
CG Cinéma, Vistamar Filmproduktion.
Charles Gillibert.
Deniz Gamze Ergüven, Alice Winocour.
Deniz Gamze Ergüven nació en
Ankara, Turquía. Estudió Literatura e
Historia de África en Johannesburgo,
y dirección cinematográfica en
La Fémis de París. Ha dirigido los
cortometrajes Mon trajet préféré
(2006) y Bir Damla Su (2006).
Mustang (2015) es su primer
largometraje.
Deniz Gamze Ergüven was born in
Ankara, Turkey. She studied literature
and African history in Johannesburg
and directing at Paris’ La Fémis. She
has directed the shorts Mon trajet
préféré (2006) and Bir Damla Su (2006).
Mustang (2015) is her feature debut.
Editor:
Mathilde Van de Moortel.
David Chizallet, Ersin Gok.
Sonido / Sound:
Ibrahim Gök.
Música / Music:
Warren Ellis.
Reparto / Cast:
Gunes Sensoy, Dogba Doguslu, Tugba Sunguroglu,
Elit Iscan, Ilayda Akdogan.
Contacto / Contact:
Cineplex Colombia
Email:
[email protected]
Deniz Gamze
Ergüven
134
po
Muchos somos susceptibles al llamado a internarnos en nuestro mundo propio cuando
hemos sufrido una pérdida demasiado dolorosa, pero el joven Patrick Wilson (Julian Feder)
ha creado una fantasía tan vívida que ésta puede llegar a envolverlo y sacarlo de la realidad
por completo. Patrick, quien prefiere que lo llamen Po, tiene autismo y su condición parece
empeorar tras el fallecimiento de su madre a causa del cáncer. Su comportamiento se ha
vuelto más excéntrico y turbulento, y los chicos que abusan de él en el colegio se tornan
más agresivos. David (Christopher Gorham) el papá de Po, está que no da más: tiene
dificultades para cubrir las cuentas médicas, preparar el lanzamiento de un ambicioso
proyecto en su trabajo, y mantener a su hijo bajo control. Al involucrarse las autoridades
del servicio social en el caso de Po, padre e hijo deben darse espacio, pero la creciente
distancia del chico de todo lo que conoce convierte su imaginaria Tierra del Color en algo
mucho más atractivo y peligroso.
Basada en una historia real, la nueva película del director John Asher narra la dolorosa y
esperanzadora historia de un padre y su hijo, quienes se ven separados por la tragedia y
sus problemas individuales. El lazo que los une es muy fuerte, pero sus formas de lidiar
con la pena debilitan la precaria estabilidad de su hogar. Su drama nos muestra cómo la
vida a veces nos distancia de quienes más amamos, y cómo ese mismo amor nos puede
reunir justo cuando todo parece perdido.
135
Many of us are susceptible to the lure of our own private worlds when recovering from
devastating loss, but young Patrick Wilson (Julian Feder) has conjured a magical fantasy
land so vivid it could steal him away from real life altogether. Patrick—who prefers to be
called Po—has autism, and his condition appears to have worsened since his mother’s
death from cancer. His behavior is more unruly and eccentric, and the bullies at school
are becoming more vicious. Po’s father, David (Christopher Gorham), is at the end of his
rope, struggling to pay medical bills, to launch an ambitious new project at work, and to
keep Po under control. When social services get involved in Po’s case, father and son are
forced to take some space, but Po’s increasing isolation from everything he knows makes
his imaginary Land of Color that much more attractive. And dangerous.
Based on a true story, this latest feature from director John Asher tells the heart-wrenching
yet ultimately hopeful story of a father and son divided by tragedy and disparate personal
challenges. The bond between David and Po is fierce, but their methods of dealing with
grief thwart domestic stability. This moving drama is about how life can sometimes drive
us apart from those we cherish most—and how love’s invincibility can bring us back
together just when it seems all is lost.
Director:
John Asher.
EE.UU., 2016 / USA, 2016.
Idioma / Language:
Inglés / English.
Duración / Length:
95 min.
LOFC Productions, LLC.
Rod Hamilton, John Asher.
Colin Goldman.
Editor:
John Asher.
Steven Douglas Smith.
John Asher nació en Los Ángeles.
Tiene una amplia experiencia
como actor y director de cine y de
televisión. Sus créditos como director
incluyen Chick Flick (Peli para chicas)
(1998), Diamantes (1999), Gracias
al cielo (2001), Dirty Love (2005),
Wreckage (2010), Somebody Marry
Me (2013) y Tooken (2015). Po (2016)
es su última película.
John Asher was born in Los Angeles.
He has extensive experience as an
actor and director in both film and
television. His directorial credits
include the films Chick Flick (1998),
Diamonds (1999), Thank Heaven
(2001), Dirty Love (2005), Wreckage
(2010), Somebody Marry Me (2013)
and Tooken (2015). Po (2016) is his
latest film.
Sonido / Sound:
Burt Bacharach.
Reparto / Cast:
Christopher Gorham, Julian Feder, Kaitlin
Doubleday, Andrew Bowen, Sean Gunn,
Bryan Batt, Caitlin Carmichael, Fay Masterson,
Brian George.
Contacto / Contact:
Rachel Feder
Email:
[email protected]
John Asher
136
Saat po long 2
SPL2: La hora de las consecuencias
SPL2 - A Time for Consequences
Soi Cheang (Accidente) dirige la feroz y entretenida continuación de la loca película de
acción que se convirtió en todo un culto en 2005: SPL (conocida también como Sha Po Lung
o Kill Zone). Más precisamente una ampliación de la historia que una secuela tradicional,
SPL 2- La hora de las consecuencias es una pieza de cine negro y artes marciales con un
cautivador y complejo argumento, así como las más ingeniosas secuencias de acción.
Al perder la falsa identidad con la que pretendía infiltrar una peligrosa red de tráfico de
órganos, el agente secreto de la policía de Hong Kong Kit (Wu Jing) termina encerrado
en una prisión tailandesa regida por un carcelero tan corrupto como elegante. Kit parece
rodeado de rufianes, pero hay un guarda nuevo, Catchai (Tony Jaa) que en realidad es un
buen hombre en una muy mala situación. Catchai necesita desesperadamente encontrar
un posible donante de médula para salvar la vida de su hija enferma, y Kit resulta ser
totalmente compatible.
Tanto Kit como Catchai están acorralados por las circunstancias, así que tendrán que
confiar el uno al otro si desean alcanzar sus objetivos y sobrevivir el caos que los rodea,
el cual no escasea en SPL 2 y estalla en forma de violentos motines, tiroteos e intensas
peleas mano a mano de las que ningún hueso queda exento, coreografiadas con estilo
por Cheang y por el reconocido director de acción Li Chung Chi. Llena de suspenso y giros
imprevistos en su narrativa de prisión, SPL 2 nos lleva por la vía más emocionante hacia
la libertad.
137
Soi Cheang (Accident) helms this ferociously entertaining follow-up to Wilson Yip’s 2005
cult fighting frenzy SPL (also known as Sha Po Lung and Kill Zone). More companion film
than traditional sequel, SPL 2 – A Time For Consequences is a martial arts noir with an
engrossingly complicated plot and wildly inventive action sequences.
After his cover is blown while attempting to infiltrate an organ-trafficking ring, undercover
Hong Kong cop Kit (Wu Jing) finds himself thrown into a Thai prison lorded over by a
corrupt—though dapper—warden. Kit seems surrounded by scumbags, but new guard
Chatchai (Tony Jaa) is a good man driven to desperate measures. Chatchai’s trying to
locate a bone-marrow donor to save the life of his ailing daughter—and it turns out Kit is
a perfect match.
Both Kit and Chatchai are trapped by circumstance, forced to rely on each other if they are
to reach their respective goals and prevail above the mayhem that surrounds them—and
that mayhem comes in abundance in SPL 2, in the form of violent prison riots, shootouts and extensive bone-crushing melees of hand-to-hand combat, all brilliantly staged
by Cheang and action director Li Chung Chi. A suspenseful, twist-laden prison movie, SPL
2 takes us on an unruly route to liberation.
Director:
Soi Cheang.
Hong Kong, 2015.
Idioma / Language:
Cantonés, tailandés, inglés, mandarín /
Cantonese, Thai, English, Mandarin.
Duración / Length:
120 min.
Sun Entertainment Culture Limited.
Yip Wai Shun, Paco Wong.
Jill Lai Yin Leung, Wong Ying.
Editor:
David Richardson.
Soi Cheang nació en Macao. Se
desempeñó como director asistente
de Johnnie To, antes de emprender
su propia carrera como director,
que incluye Horror Hotline… Big
Head Monster (2001), New Blood
(2002), The Death Curse (2003), Love
Battlefield (2004 ), Accidente (2009),
Motorway (2012) y SPL 2 – La hora
de las consecuencias (2015).
Soi Cheang was born in Macau.
He served as assistant director for
Johnnie To before embarking on his
own directorial career, which has
included the films Horror Hotline...
Big Head Monster (2001), New Blood
(2002), The Death Curse (2003), Love
Battlefield (2004), Accident (2009),
Motorway (2012) and SPL 2 — A Time
for Consequences (2015).
Tse Chung To.
Música / Music:
Kwong Wing Chan, Ken Chan.
Contacto / Contact:
Bravos Pictures Limited
Reparto / Cast:
Wu Jing, Simon Yam, Zhang Jin, Louis Koo.
Email:
[email protected]
Soi Cheang
138
Taxi
Jafar Panahi’s Taxi
Ya ha pasado más de media década desde que el realizador iraní Jafar Panahi fuera
sentenciado a arresto domiciliario y se le prohibiera hacer películas por veinte años.
Aún así, con recursividad y uno que otro subterfugio, Panahi ha seguido haciendo y
distribuyendo filmes vitales y brillantes, de entre los cuales Taxi es el más reciente y
además el más divertido. Filmado por completo desde el tablero de un supuesto taxi
que el director maneja, Taxi, ganador del Oso de Oro en la Berlinale del año pasado,
es un ingenioso ejercicio de subversión, que confunde los límites entre la ficción y el
documental y funciona como un retrato complejo e incluyente de la Teherán actual.
El taxi, un espacio familiar que a la vez confina y libera, es el vehículo perfecto para
caracterizar la tensa situación legal de Panahi y para explorar la vibrante capital iraní.
Entre los pasajeros del director se encuentra un hombre desesperado por llegar a un
hospital, un aspirante a director de cine, un par de mujeres supersticiosas que quieren
llevar a sus peces mascotas a una fuente sagrada, así como la propia sobrina de Panahi,
Hana. Ella es una niña un poco precoz con una tarea escolar de hacer un cortometraje,
para la cual dirige a su tío de acuerdo a las reglas oficiales del colegio que determinan
cómo hacer cine, reglas, por cierto, muy similares a la estricta censura del gobierno. Taxi
es, en sí misma, evidencia de la determinación de Panahí a no acatar dicha censura, y sólo
podemos esperar que su valentía resuene con las futuras generaciones.
139
It has now been more than half a decade since Iranian filmmaker Jafar Panahi was placed
under house arrest and banned from filmmaking for 20 years. Nevertheless, through
invention and subterfuge, Panahi has continued making and distributing brilliant and
vital films, of which Taxi is the most recent—and the most playful. Shot entirely from the
dashboard of an ostensible cab, piloted by Panahi himself, Taxi, winner of the Golden
Bear at last year’s Berlinale, is an ingenious work of subversion, blurring documentary
and fiction, and functioning as a complex and inclusive portrait of contemporary Tehran.
A space at once confining, liberating and familiar, the taxi proves an ideal vehicle for
characterizing Panahi’s fraught legal situation and for surveying Iran’s busy capitol.
Panahi’s passengers include a man desperately in need of transport to hospital, a young
aspiring filmmaker, a pair of superstitious women looking to deposit their pet fishes
to a sacred spring, and Panahi’s own niece Hana. A precocious girl assigned to make a
short film for her class, Hana instructs her uncle in her teacher’s official guidelines for
filmmaking—guidelines that closely resemble those of Iran’s censorious government.
Taxi is itself evidence of Panahi’s lack of compliance with these guidelines. Let’s hope his
defiance is passed on to the next generation.
Director:
Jafar Panahi.
Irán, 2015 / Iran, 2015.
Idioma / Language:
Inglés, farsi / English, Farsi.
Duración / Length:
82 min.
Jafar Panahi Film Productions, Celluloid Dreams.
Jafar Panahi nació en Mianeh, Irán
y estudió en la Escuela Superior
de Cine y TV de Teherán. Su primer
largometraje, El globo blanco (1995)
ganó la Cámara de Oro en Cannes.
El Espejo (1997) y El círculo (2000)
ganaron el Leopardo de Oro de
Locarno. A pesar de que le fue
prohibido salir de Irán y hacer cine
durante 20 años, ha dirigido tres
películas, incluyendo Taxi (2015), que
ganó el Oso de Oro de la Berlinale.
Jafar Panahi.
Jafar Panahi was born in Mianeh,
Iran and studied at Tehran’s College
of Cinema and TV. His feature debut
The White Balloon (1995) won the
Camera d’Or at Cannes. The Mirror
(1997) and The Circle (2000) both
won Locarno’s Golden Leopard. Since
being forbidden from leaving Iran and
banned from filmmaking for 20 years,
he has nonetheless made three films,
including Taxi (2015), which won the
Berlinale’s Golden Bear.
Sonido / Sound:
Jafar Panahi.
Contacto / Contact:
Pascale Ramonda
Reparto / Cast:
Jafar Panahi.
Email::
[email protected]
Jafar Panahi.
Jafar Panahi.
Editor:
Jafar Panahi.
Jafar Panahi
140
Theeb - Sendero de valor
Theeb
Naji Abu Nowar obtuvo el premio a mejor director en la sección Horizontes en Venecia con
este cautivante relato de la Primera Guerra Mundial sobre un chico que lucha por sobrevivir
solo en territorio hostil. Theeb es a la vez tradicional en su narrativa y revisionista al elegir
contar la historia desde el punto de vista de quienes solamente sirven de telón de fondo
en la mayoría de las películas del género.
1916. Los hermanos huérfanos Hussein y Theeb vienen de una familia de guías beduinos.
Cuando un soldado británico y su ayudante árabe solicitan ayuda para atravesar el
inclemente desierto de la provincia de Hejaz para llegar a un pozo cerca del ferrocarril
otomano, Hussein accede a guiarlos. Sediento de aventura, Theeb desoye la orden de su
hermano de quedarse y esperar y decide seguirlos en secreto. Pero el pequeño encontrará
mucho más que aventura cuando el grupo se ve asaltado en un cañón, se derrama sangre
y Theeb debe unirse a un mercenario para poder sobrevivir.
Filmado en asombrosas locaciones reales de Wadi Rum and Wadi Araba, Theeb emplea
con ingenio varios leitmotiv de las cintas clásicas del oeste, entre ellos el tributo a
una forma de vida que desaparece rápidamente con la llegada de la locomotora. Los
tumultuosos eventos de la Gran Guerra y la incipiente Rebelión Árabe están muy distantes
de las preocupaciones inmediatas de nuestro joven héroe, pero el filme de todas formas
nos ofrece un innegable aire de irrevocable transformación.
141
Naji Abu Nowar won the best director prize in Venice’s Horizons section for this transporting
WWI-era tale of a boy struggling to survive alone in hostile territory. Theeb is at once
old-fashioned in its storytelling and revisionist in its decision to tell its story from the
perspective of a people generally seen only in the periphery of similar films.
It is 1916. Orphan brothers Hussein and Theeb hail from a family of Bedouin guides.
When a British soldier and his Arab escort solicit guidance through the harsh deserts of
Hejaz Province to a well near the Ottoman railroad, Hussein, the elder brother, agrees
to take them. Hungry for adventure, Theeb disobeys Hussein’s order to stay behind and
clandestinely follows. But the boy gets far more adventure that he anticipated once
their group is ambushed in a canyon, blood is spilled, and Theeb must join forces with a
mercenary if he wants to survive.
Shot on location in the stunning landscapes of Wadi Rum and Wadi Araba, Theeb smartly
appropriates several tropes of the classical western, among them the elegy for a way of
life rapidly vanishing with the arrival of the railroad. The upheavals of the Great War and
incipient Great Arab Revolt are distant from our young hero’s immediate concerns, but
this gripping film is nevertheless infused with an air of sweeping change.
Director:
Naji Abu Nowar.
Jordania, Catar, Emiratos Árabes Unidos,
Reino Unido, 2014 / Jordan, Qatar, United Arab
Emirates, United Kingdom, 2014.
Idioma / Language:
Árabe / Arabic.
Duración / Length:
100 min.
Immortal Entertainment, Bayt Al Shawareb,
Noor Pictures.
Naji Abu Nowar nació en Inglaterra
y vive en Amman, Jordania. Escribió
y dirigió el corto Muerte de un
boxeador (2009). Theeb (2014) es su
primer largometraje.
Naji Abu Nowar was born in England
and lives in Amman, Jordan. He wrote
and directed the short film Death of
a Boxer (2009). Theeb (2014) is his
feature debut.
Bassel Ghandour, Rupert Lloyd.
Naji Abu Nowar
Naji Abu Nowar, Bassel Ghandour.
Editor:
Rupert Lloyd.
Wolfgang Thaler.
Sonido / Sound:
Dario Swade.
Música / Music:
Jerry Lane.
Reparto / Cast:
Jacir Eid, Hassan Mutlag, Hussein Salameh, Marji
Audeh, Jack Fox.
Contacto / Contact:
Cineplex Colombia
Email:
[email protected]
142
Timbuktu
Esta última película del director Abderrahmane Sissako, una conmovedora fábula que
surge de una callada indignación, fue nominada al Oscar y obtuvo numerosos premios
César en Francia. Con una historia ambientada en la ciudad de Mali que, ocupada por
islamistas, le da su título, Timbuktu relata una serie de casualidades tanto trágicas como
absurdas que llevan a un llamado implícito a la razón y la decencia para primar sobre la
intolerancia religiosa.
La vaca de un pastor rompe la atarraya de un pescador, el pescador mata la vaca, el pastor
confronta al pescador y lo asesina por accidente. Los islamistas arrestan al pastor, quien
no puede pagar la compensación que exige la ley sharia y es entonces sentenciado a
muerte, lo cual desata la ira de su mujer. Las cosas se siguen saliendo de control. Por otra
parte una mujer es condenada a 40 latigazos por cantar, una pareja es enterrada hasta el
cuello y apedreada por adulterio, y los hombres juegan futbol con un balón imaginario
porque los deportes están prohibidos.
La maestría de Sissako es evidente en la forma que logra presentar escena tras escena de
indignación moral pero con un toque muy ligero. Las anécdotas y tangentes de Timbuktu
crean una sensación muy clara de tiempo y lugar, y refieren temas que sobra decir
resultan urgentes hoy en día. Pero al mismo tiempo la sutileza y la claridad que emanan
de la historia la convierten en algo atemporal y universal. Esa clase de sabiduría artística
es singular y eterna.
143
A powerful fable wrought from quiet indignation, this latest from director Abderrahmane
Sissako was nominated for an Oscar and swept France’s César Awards. Set in the
Islamist-occupied Malian city of the title, Timbuktu chronicles a chain of causalities
both tragic and absurd, leading to an implicit call for reason and decency to trump the
dictates of religious zealotry.
A cattle herder’s cow damages a fisherman’s net; the fisherman kills the cow; the cattle
herder confronts the fisherman and accidentally shoots him dead. Islamists arrest the
cattle herder; when the cattle herder cannot fulfill the compensation demanded by sharia
law, he is sentenced to death—arousing the ire of his wife. Events continue to spiral out of
control. Meanwhile a woman is sentenced to 40 lashes for singing, a couple is buried to
the neck and stoned for adultery, and men play with an imaginary football because sports
are forbidden.
Sissako’s mastery is most evident in the way he presents scene after scene of moral
outrage with the lightest touch. The anecdotes and digressions of Timbuktu create an
engagingly specific sense of time and place—and concern issues that, need it be said,
could not be more timely. Yet the subtlety and clarity Sissako brings to his story ultimately
render it timeless and placeless. Such artful wisdom is eternal.
Director:
Abderrahmane Sissako.
Francia, Mauritania, Mali, 2014 / France,
Mauritania, Mali, 2014.
Idioma / Language:
Árabe, francés, tamasheq, bambara / Arabic,
French, Tamaquesh, Bambara.
Duración / Length:
97 min.
ARTE France Cinéma, Les Films du Worso,
Canal+, Ciné+, Le Pacte, TV5 Monde, CNC.
Sylvie Pialat, Rémi Burah, Etienne Comar,
Olivier Père.
Abderrahmane Sissako, Kessen Tall.
Editor:
Nadia Ben Rachid.
Sofiane El Fani.
Abderrahmane Sissako nació en
Kiffa, Mauritania, fue criado en
Mali, estudió cine en el Instituto
Federal Estatal de Cine de Moscú y
ahora vive en Francia. Sus películas
incluyen La vida en la Tierra (1998),
Heremakono (Esperando la felicidad)
(2002), Bamako (2006) y Timbuktu
(2014), que obtuvo siete premios
César y fue nominada a un Oscar.
Abderrahmane Sissako was born in
Kiffa, Mauritania, raised in Mali, studied
cinema at Moscow’s Federal State
Film Institute and now lives in France.
His films include Life on Earth (1998),
Waiting For Happiness (2002), Bamako
(2006) and Timbuktu (2014), which won
seven Césars and was nominated for
an Oscar.
Sonido / Sound:
Philippe Welsh, Oman Dymny, Thierry Delor,
Bakary Sangaré.
Música / Music:
Amine Bouhafa.
Reparto / Cast:
Ibrahim Ahmed aka Pino, Toulou Kiki, Abel Jafri,
Fatoumata Diawara, Hichem Yacoubi, Kettly Noël,
Mehdi AG Mohamed, Layla Walet Mohamed, Adel
Mahmoud Cherif, Salem Dendou.
Contacto / Contact:
Le Pacte
Email:
[email protected]
Abderrahmane
Sissako
144
Un Etaj Mai Jos
Un piso abajo
One Floor Below
Sandu Patrascu (Teodor Corban) vive en un apartamento de Bucarest junto a su hijo, su
esposa –con quien maneja una pequeña empresa de matrículas vehiculares- y su perro
labrador, Jerry. Sandu se ha dejado crecer la panza un poco más de lo necesario, así que
trota e intenta cuidar su dieta. Cada tanto se reúne con sus amigos a ver partidos. Mejor
dicho, se trata de un tipo muy normal, de clase media y de mediana edad. Pero un día, al
subir las gradas de su edificio, Sandu escucha un alegato en el apartamento justo debajo
del suyo. La inquilina, Laura, trata de empacar para salir de viaje, pero Vali, su vecino de al
lado –quien está casado- quiere que tengan sexo. Vali sale del apartamento de Laura justo
en el momento en que Sandu va pasando frente a la puerta. Los hombres no intercambian
una palabra.
Ese mismo día Sandu se entera de que Laura ha muerto, probablemente asesinada. Cuando
viene el policía a cargo de la investigación, Sandu asevera que no vio ni escuchó nada
sospechoso. El oficial se retira. La vida continúa. Vali contrata los servicios profesionales
de Sandu y se hace amigo de su familia. Pero ¿por cuánto tiempo podrá Sandu guardar
para sí lo que presenció?
La nueva película de Radu Muntean cautiva sin prisa al envolver lo cotidiano en un aura
de misterio. ¿Qué piensa Sandu? ¿Qué busca o espera Vali? ¿Qué sucedió con Laura? La
cámara de Muntean sigue muy de cerca a Sandu, haciendo que sopesemos posibilidades
sin saber todo lo que pasa, o lo que puede pasar muy pronto. Puede que Sandu solo
quiera seguir adelante con su vida, pero tendrá que pagar el precio de no involucrarse.
145
Sandu Patrascu (Teodor Corban) shares a Bucharest apartment with his son, his wife, with
whom he co-owns a small auto registration business, and his golden Lab Jerry. Sandu’s
paunchy, so he runs and tries to diet. He watches sports with his buddies. He is an ordinary
middle-aged, middle-class guy. But one day, while climbing the stairs in his building,
Sandu overhears an argument in the apartment below his. The tenant, Laura, is trying
to pack for a trip, while Vali, her married neighbor, is demanding sex. Vali exits Laura’s
apartment just as Sandu passes. The men do not speak to each other.
That same day Sandu learns that Laura is dead, possibly murdered. When an officer comes
round to question him, Sandu claims he neither saw nor heard anything suspicious. The
police depart. Life goes on. Vali solicits Sandu’s professional services and ingratiates his
way into Sandu’s family. How much longer can Sandu keep what he witnessed to himself?
Radu Muntean’s latest is a mesmerizing slow burn that drapes the everyday in mystery.
What is Sandu thinking? What does Vali expect? What happened to Laura? Muntean’s
camera stays very close to Sandu, keeping us guessing without quite knowing what’s
going on—or what’s going to happen. Perhaps Sandu just wants to mind his own business,
but there’s a price to be paid for not getting involved.
Director:
Radu Muntean.
Rumania, Francia, Alemania, Suecia, 2015 /
Romania, France, Germany, Sweden, 2015.
Idioma / Language:
Rumano / Romanian.
Duración / Length:
93 min.
Multi Media Est, Les Films de l’Après-Midi,
Neue Mediopolis Filmproduktion, Bleck Film
& TV AB.
Dragos Vilcu.
Radu Muntean, Alexandru Baciu, Razvan
Radulescu.
Radu Muntean nació en Bucarest,
donde se graduó de la Academia de
Teatro y Cine. Sus créditos como
director incluyen Rabia (2003),
El papel será azul (2006), Boogie
(2008), Martes, después de Navidad
(2010), y el documental Vorbitor
(2011), codirigido junto a Alexandru
Baciu. Un piso abajo (2015) es su
última película.
Radu Muntean was born in Bucharest,
where he graduated from the Academy
of Theatre and Film. His directorial
credits include The Rage (2003), The
Paper Will Be Blue (2006), Boogie
(2008), Tuesday, After Christmas (2010),
and the documentary Vorbitor (2011),
co-directed with Alexandru Baciu. One
Floor Below (2015) is his latest film.
Editor:
Alexandru Radu.
Tudor Lucaciu.
Sonido / Sound:
Andre Rigaut.
Contacto / Contact:
Films Boutique
Reparto / Cast:
Teodor Corban, Iulian Postelnicu, Oxana Moravec.
Email:
[email protected]
Radu Muntean
HOMENAJE A LUCÍA BOSÉ
TRIBUTE TO LUCÍA BOSÉ
La enigmática y talentosa Lucia Bosé es homenajeada
por el Festival Internacional de Cine de Panamá.
Bosé, una de las grandes damas del cine mundial,
ha trabajado con los nombres más destacados del
séptimo arte y nunca ha dejado de buscar obras
cinematográficas que manejen temáticas profundas
y controversiales. Es por su ejemplar carrera y por
su vida que IFF Panamá celebra la trayectoria de esta
extraordinaria artista.
The enigmatic and talented Lucía Bosé is honored by the
International Film Festival of Panama. Bosé is one of the
grand dames of world cinema and has worked with some
of the most important figures in film. Lucía has never shied
away from profound and controversial matters expressed
in the cinema in which she participates. It is because
of her life and exemplary career that we celebrate this
extraordinary artist.
148
HOMENAJE A LUCÍA BOSÉ | TRIBUTE TO LUCÍA BOSÉ
Lucía Bosé
Poseedora de una presencia distintiva en
la pantalla, a veces furtiva pero siempre
seductora, Lucía Bosé ha mantenido su
carrera en la actuación por más de seis
décadas. Comenzó como una figura
central del neorrealismo, interpretando a
la mujer fatal en melodramas de trasfondo
social de Michelangelo Antonioni y de
Juan Antonio Bardem. (Las películas,
Crónica de un amor y Muerte de un ciclista
de estos directores, se proyectarán como
parte de nuestro homenaje). El deseo por
la joven Bosé surgía en parte de la certeza
de que ningún hombre podría poseerla
o dominarla. Ese aire inalcanzable puede
tener que ver con que la propia Bosé no
tenía en principio deseo alguno de actuar.
Más bien el cine la encontró y la cámara
la adoró desde el primer momento. Y, en
la cima de su fama, Lucía dejo el cine por
muchos años para concentrarse en lo
que sería el papel de su vida: el de madre
de sus hijos, uno de los cuales, Miguel,
nacería aquí en Panamá y se convertiría
en un famoso cantante y un formidable
actor por derecho propio. (Él es una de
las estrellas de la recordada Tacones
lejanos de Pedro Almodóvar, que también
tendrá una proyección especial en nuestro
Festival de este año).
Bosé fue criada en una granja de la región
Via Ripamonti en Italia. Tuvo una infancia
humilde y feliz. Siendo adolescente
trabajó como estenógrafa en una oficina
de abogados, y después en una pastelería.
El director Luchino Visconti entró una
vez en la pastelería y le dijo a Lucía que
tenía un rostro para el cine. Cuando se
convirtió en Señorita Italia 1947, Luchino
comentó con cariño: ‘te lo dije’. Aunque
tristemente los dos nunca llegaron a
trabajar juntos, Visconti se convirtió en
una suerte de padrino y fue él quien se
la recomendó a Antonioni y a Giuseppe
De Santis, quienes le dieron a Bosé su
primer papel en No hay paz bajo el olivo
(que también se proyectará como parte de
nuestro homenaje). Bosé terminó dejando
Italia para ir a España, y casarse con el
torero español Luis Miguel Dominguín
(quien dejó a Ava Gardner por ella). El
matrimonio duró 13 años y dio como fruto
tres hijos.
Cuando Bosé regresó al cine su presencia
se volvió más compleja, trasluciendo
experiencia y más dominio de su arte.
Sus primeras actuaciones son destacables
sin duda, pero su trabajo en esa siguiente
etapa es en muchos sentidos más
impresionante. La buscaban varios de los
directores más importantes del mundo.
Aparte de De Santis, Antonioni y Bardem,
las luminarias con quienes Lucía colaboró
incluyen a Luís Buñuel (Así es la aurora),
Jean Cocteau (Testamento de Orfeo),
Marguerite Duras (Nathalie Granger),
Daniel Schmid (Bajo el signo de escorpión),
y la mítica actriz francesa Jeanne Moreau,
quien la tuvo como protagonista de su
debut como directora, Lumière.
Estamos muy orgullosos de celebrar la
obra de Lucía Bosé, tan formidable, y aún
activa. Tan solo en 2013 ella ofreció una
carismática actuación principal en Una vez
más de David Sordella y Pablo Benedetti.
La historia del cine nos ha dado pocos
actores con una carrera tan larga, diversa
y fascinante.
149
Lucía Bosé
Possessing a distinctive screen presence,
at times furtive, always alluring, Lucía
Bosé has sustained an acting career that
spans over six decades. She began as a key
figure in neorealism, playing the femme
fatale in class-conscious melodramas for
Michelangelo Antonioni and Juan Antonio
Bardem. (Both films, Chronicle of a Love
Affair and Death of a Cyclist, are screening
as part of our homage.) The young Bosé’s
desirability was drawn in part from the
sense that no man could own her. Her
persona’s air of unattainability seems
tied to the fact that the real Bosé had no
burning ambition to act in the first place.
Rather, the cinema found her and the
camera loved her. And, at the zenith of her
fame, she left the cinema for several years
to concentrate on what would be the role
of her life, that of mother to her children.
One of whom, Miguel, was born here in
Panama and grew up to be a singer and
a formidable actor in his own right. (He
is one of the stars of Almodóvar’s High
Heels, which is also receiving a special
screening at this year’s Festival.)
Bosé was raised in a farmhouse in
Italy’s Via Ripamonti region. She had a
happy, humble childhood. While still an
adolescent she worked as a stenographer
for a law firm, and then in a pastry shop.
Director Luchino Visconti came in to the
shop one day and told Bosé she had a
face for cinema. When Bosé later became
Miss Italia 1947, Visconti posted her an
affectionate “I told you so.” Alas, these two
would never work together, but Visconti
became Miguel’s godfather, and it was he
who recommended her to Antonioni and
De Giuseppe De Santis, who gave Bosé
her first role in No Peace Under the Olive
Tree (which also screens as part of our
homage). Bosé wound up leaving Italy for
Spain, and marrying Spanish bullfighter
Luis Miguel Dominguín—who left Ava
Gardner for her. The marriage lasted 13
years and yielded three children.
When Bosé returned to cinema her
persona became more complex, imbued
with experience and a deepening craft. Her
early work is so remarkable, but her work
in the later films is in many regards more
impressive. She was sought by several
of the world’s finest filmmakers. Besides
De Santis, Antonioni and Bardem, the
luminaries with whom Bosé collaborated
include Luis Buñuel (Cela s’appelle
l’aurore), Jean Cocteau (Testament of
Orpheus), Fellini (Satyricon), Taviani
Brothers (Under the Sign of Scorpio),
Marguerite Duras (Nathalie Granger),
Daniel Schmid (Violanta) and legendary
French actress Jeanne Moreau, who casted
Bosé in her directorial debut, Lumière.
We are very proud to celebrate Bosé’s body
of work, so magnificent—and ongoing. As
recently as 2013 she gave a charismatic lead
performance in Pablo Benedetti and David
Sordella’s One More Time. Cinema history
has given us precious few actors with such
a long, diverse and fascinating career.
150
Cronaca di un amore
Crónica de un amor
Story of a Love Affair
Este impactante debut del maestro italiano Michelangelo Antonioni usó convenciones del
neorrealismo y del cine negro para crear algo completamente nuevo. Para narrar una
tórrida historia de sospechas, deseo y una violenta envidia de clase, Crónica de un amor
presenta a Lucía Bosé como una mujer con un pasado que quiere esconder, y un futuro
que está decidida a forzar a su voluntad.
Paola (Bosé) ascendió de clase al casarse con el adinerado empresario Enrico Fontana
hace siete años. Cuando Enrico encuentra unas fotos viejas de Paola, contrata a un
detective para que investigue su vida antes de casada. Paola se entera de la investigación
justo cuando se ha reconectado con Guido (Massimo Girotti), un viejo amor que ahora
pasa dificultades como vendedor de autos. Una vez se reaviva la llama entre Guido y
Paola, ella empieza a temer que la van a extorsionar, y pronto ambos se verán avocados
a idear un plan malévolo para sacar a Enrico del panorama.
Aún en esta temprana etapa de la carrera de Antonioni podemos fascinarnos con
su capacidad de usar el paisaje y la arquitectura para evocar la vida interior de sus
personajes, y la profunda vacuidad de sus ambiciones. Bosé cautiva con el uso que hace
de su fisonomía para marcar gestos que aluden a una profunda desesperación, y logra
que deseemos un buen desenlace para Paola, aunque racionalmente sepamos que no
deberíamos. Crónica de un amor anunció la llegada de una potente nueva voz al cine
mundial, y afianzó el carácter peligroso y seductor que definió las caracterizaciones
iniciales de la inconfundible Bosé.
151
This startling feature debut from Italian maestro Michelangelo Antonioni fused conventions
of neorealism and noir to create something entirely new. A sordid tale of suspicion, desire
and homicidal class envy, Story of a Love Affair stars Lucia Bosé as a woman with a past
she wants to hide—and a future she is determined to bend to her will.
Paola (Bosé) ascended in class when she married wealthy industrialist Enrico Fontana
seven years ago. Enrico’s discovery of some old photos prompt him to hire a detective
to investigate Paola’s life before they met. Paola learns of the investigation just as she
becomes reacquainted with Guido (Massimo Girotti), an old flame who is now a struggling
car salesman. That flame is rekindled, Paola fears she’s being blackmailed, and soon a
nefarious plan is hatched to get Enrico out of the picture.
Even at this early stage in his career we can marvel at Antonioni’s gift for using landscape
and architecture to evoke his characters’ inner lives and the fundamental hollowness
of their ambitions. Bosé’s beguiling physiognomy and furtive gestures allude to a deep
desperation, while somehow compelling us to root for Paola against our better judgment.
Story of a Love Affair announced a major voice in world cinema—and cemented the
dangerously seductive persona that would define Bosé’s key early roles.
Director:
Michelangelo Antonioni.
Italia, 1950 / Italy, 1950.
Idioma / Language:
Italiano / Italian.
Duración / Length:
98 min.
Villani Film.
Stefano Caretta, Franco Villani.
Michelangelo Antonioni, Daniele D’Anza, Silvio
Giovannetti, Francesco Maselli, Piero Tellini.
Editor:
Eraldo Da Roma.
Michelangelo Antonioni nació en
Ferrara, Italia. Estudió economía
en la Universidad de Bolonia. Sus
numerosas películas incluyen
Crónica de un amor (1950), La
aventura (1960), La notte (1961),
L’Eclisse (1962), El desierto rojo
(1964), Blow Up (1966) y El pasajero
(1975). Obtuvo importantes
reconocimientos en Cannes, Berlín y
Venecia. Falleció en 2007.
Michelangelo Antonioni was born in
Ferrara, Italy. He studied economics
at the University of Bologna. His
many films include Story of a Love
Affair (1950), L’avventura (1960), La
notte (1961), L’eclisse (1962), Red
Desert (1964), Blowup (1966) and
The Passenger (1975). He won major
awards at Cannes, Berlin and Venice.
He died in 2007.
Enzo Serafin.
Música / Music:
Giovanni Fusco.
Contacto / Contact:
Cinecitta Luce
Reparto / Cast:
Lucia Bosè, Massimo Girotti.
Email:
[email protected]
Michelangelo
Antonioni
152
Muerte de un ciclista
Death of a Cyclist
Este incendiario clásico de 1955 de Juan Antonio Bardem, obra tanto de realismo social
como de cine negro, es un descenso lleno de suspenso al terreno de la paranoia, del
engaño y del escalofriante egoísmo de la alta burguesía española.
Lucía Bosé interpreta a la mujer fatal en su versión más plena. Su personaje, María José,
va al volante cuando su carro atropella a un ciclista en una solitaria carretera campestre.
A su lado viaja Juan (Alberto Closas), su amante secreto. Tras el accidente Juan corre
a ayudar al ciclista pero María José, quien está casada con un importante hombre de
negocios –que por cierto es benefactor de Juan- insiste en que deben huir para no ser
atrapados juntos. Asumen que el ciclista pierde la vida. Pero en los días siguientes los
dos empiezan a convencerse de que alguien fue testigo de lo ocurrido. ¿Serán entonces
extorsionados, arrestados, o víctimas de un miedo tan intenso que podrá llevarlos al
desespero?
Provista de un montaje desorientador que hace uso de cortes inesperados y planos
cerrados cargados de intriga, Muerte de un ciclista exhibe la influencia de Hitchcock
al tiempo que adelanta los complejos thrillers psicológicos de Polanski. Pero su logro
más radical es la condena implícita que hace de cierto clasismo y frialdad de alma que
prosperó bajo el régimen de Franco. Bardem se pronunció con creciente claridad sobre
la debilitada integridad moral de su país y la complacencia de su cine. Dicha actitud le
causó problemas durante toda su carrera, pero sus asombrosas películas continúan
haciéndonos pensar mucho después de que sus opresores han desaparecido.
153
Part social realism, part film noir, Juan Antonio Bardem’s incendiary 1955 classic is a
suspenseful descent into paranoia, deceit and the chilling selfishness of Spain’s haute
bourgeoisie.
Lucia Bosé plays the femme fatale—literally. Her character, María José, is behind the
wheel when her car collides with a cyclist on a desolate country road. Seated next to her
is Juan (Alberto Closas), her secret lover. Immediately following the collision Juan rushes
to help the cyclist, but María José, who is married to a rich man—who also happens to be
Juan’s benefactor—insists they flee so as not to be caught together. The cyclist is left for
dead. But in the days that follow María José and Juan become convinced that someone
witnessed their crime. Will they be arrested, blackmailed, or will their own anxieties drive
them to some desperate act?
Riddled with disorienting shock-cuts and pensive close-ups, Death of a Cyclist bears the
influence of Hitchcock while anticipating the intricate psychological thrillers of Polanski.
Yet its most radical statement was its implicit condemnation of a certain classism and
soullessness that thrived under Franco. Bardem became increasingly outspoken regarding
his country’s eroding moral integrity and the complacency of its cinema. His statements
would cause him troubles throughout his career, but his startling films continue to speak
to us long after his oppressors have vanished.
Director:
Juan Antonio Bardem.
España, Italia, 1955 / Spain, Italy, 1955.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
88 min.
Guión Films, Trionfalcine.
Manuel J. Goyanes.
Juan Antonio Bardem, Luis Fernando de Igoa.
Editor:
Margarita de Ochoa.
Juan Antonio Bardem nació en
Madrid. Estudió agricultura y
cine. Trabajó para el Ministerio de
Agricultura y como crítico antes
de lanzar su carrera en el cine. Sus
créditos como director incluyen
Muerte de un ciclista (1955), Calle
Mayor (1956), Los Inocentes (1963),
Los pianos Mecánicos (1965) y Siete
días de enero (1979).
Juan Antonio Bardem was born
in Madrid. He studied agriculture
and cinema. He worked for the
Ministry of Agriculture and as a critic
before launching his film career. His
directorial credits include Death of
a Cyclist (1955), Calle Mayor (1956),
Los inocentes (1963), Los pianos
mecánicos (1965) and Seven Days in
January (1979).
Alfredo Fraile.
Música / Music:
Isidro B. Maiztegui.
Reparto / Cast:
Lucía Bosé, Alberto Closas, Bruna Corrá, Carlos
Casaravilla, Otello Toso.
Contacto / Contact:
Egeda
Email:
[email protected]
Juan Antonio
Bardem
154
Non c’è pace tra gli ulivi
No hay paz entre los olivos
No Peace Under the Olive Tree
Al igual que muchas otras de las primeras películas del gran director Giuseppe de Santis,
No hay paz bajo el olivo, de 1950, puede clasificarse entre los logros del movimiento
neorrealista italiano. Pero este cautivador relato de crimen, avaricia y venganza también
está plagado de elementos del cine negro.
Francesco Dominici (Raf Vallone) es un pastor y soldado. Al regresar a casa tras la guerra
descubre todo su rebaño de ovejas se la ha adueñado Agostino Bonfiglio (Folco Lulli),
un terrateniente local de peligrosa reputación. Cuando Francesco se propone recuperar
lo que le pertenece, Agostino soborna a los vecinos de Francesco para que aporten
testimonios falsos y el hombre termina preso como ladrón. Pero la peor injusticia de
Agostino emerge cuando ya Francesco está en la cárcel: Agostino también se apodera de
la amada de Francesco, Lucia (Lucía Bosé). Con nada más qué perder, Francesco comienza
a planear su escape y la forma en que se encargará de ajustar las cuentas.
Empleando intensas actuaciones de Vallone, Lulli y Bosé, así como un acucioso trabajo de
locaciones, De Santis maneja su relato con formidable precisión, llevando a Francesco –y
a la audiencia- a lo profundo de un lodazal que resulta imposible tolerar.
155
Like many of the great director Giuseppe De Santis’ early films, 1950’s No Peace Under the
Olive Tree can be firmly placed within the echelon of the Italian neorealist movement. Yet
this seductive tale of crime, avarice and revenge is also seeded with elements of film noir.
Francesco Dominici (Raf Vallone) is a shepherd and a soldier. Returning home from the
war, he discovers that his entire flock of sheep has been appropriated by Agostino Bonfiglio
(Folco Lulli), a thuggish local landowner. When Francesco endeavors to take back what
belongs to him, Agostino bribes their neighbors to provide false testimony and Francesco
is convicted as a thief. But the gravest injustice wrought by Agostino transpires only after
Francesco is imprisoned: Agostino steals Francesco’s beloved, Lucia (Lucia Bosé). With
nothing left to lose, Francesco plans to escape and take justice into his own hands.
Utilizing captivating performances from Vallone, Lulli and Bosé, as well as striking location
work, De Santis spins his tale with deft precision, guiding Francesco, and the audience,
deep into a murky mire that no man could tolerate.
Director:
Giuseppe De Santis.
Italia, 1951 / Italy, 1951.
Idioma / Language:
Italiano / Italian.
Duración / Length:
107 min.
Lux Film.
Domenico Forges-Davanzati.
Giuseppe De Santis, Gianni Puccini, Libero De
Libero, Carlo Lizanni.
Editor:
Gabriele Varriale.
Giuseppe De Santis nació en
Fondi, Italia. Estudió filosofía y
literatura antes de entrar al Centro
Experimental de Cinematografía de
Roma a estudiar cine. Sus créditos
como director incluyen Tragic Hunt
(1947), Arroz amargo (1949), No hay
paz bajo el olivo (1950), Hombres
y lobos (1957) y Ataque y retirada
(1964). Murió en 1997.
Giuseppe De Santis was born in
Fondi, Italy. He studied philosophy
and literature before entering Rome’s
Centro Sperimentale di Cinematografia
to study film. His directorial credits
include Tragic Hunt (1947), Bitter Rice
(1949), No Peace Under the Olive Tree
(1950), Men and Wolves (1957) and
Attack and Retreat (1964). He died
in 1997.
Piero Portalupi.
Música / Music:
Goffredo Petrassi.
Reparto / Cast:
Lucia Bosè, Raf Vallone, Folco Lulli, Maria Grazia
Francia, Dante Maggio, Michele Riccardini,
Vincenzo Talarico, Pietro Tordi.
Contacto / Contact:
Cineteca Bologna
Email:
[email protected]
Giuseppe De Santis
D O C U M E N TA L E S
DOCUMENTARIES
En esta muestra de documentales, variada y selectiva, se
presenta un amplio abanico de temáticas y se expone el
sello de cada director. Este tipo de obra cinematográfica
está motivada por quimeras, conflictos, o una extrema
necesidad de expresar algo esencial para el realizador.
This varied and selective sample of documentaries
encompasses a broad spectrum of themes and bears
the stamp of each director. These films are motivated by
filmmaker’s fantasies, conflicts or their intense need to
express something of essential importance.
Estas películas participan por el Premio del Público Revista K al Mejor Documental.
These films participate for Revista K Audience Award for the Best Documentary Film.
158
Al Purdy estuvo aquí
Al Purdy Was Here
Con su imponente presencia y su vozarrón “de sirena de niebla”, y con su propensión
a mezclarle historias de borracheras y peleas a su poesía, el autor canadiense Al Purdy
(1918-2000) fue siempre un personaje difícil de encasillar. Muy pocos lograron acercarse
lo suficientemente a él para lograr distinguir entre el personaje que exhibía y el verdadero
Purdy, pero este ambicioso retrato realizado por Brian D. Johnson, el crítico de cine
convertido en realizador, logra una convincente reconciliación entre el hombre y el mito.
“Un poema es una especie de accidente”, dijo Purdy alguna vez, pero esa actitud arriesgada
esconde lo que en realidad fue una carrera de absoluta dedicación. Tras abandonar la
escuela secundaria, Purdy vagó en trenes, trabajó en fábricas y sacó adelante una
familia décadas antes de componer y publicar los poemas –a veces indecentes, a veces
existenciales- que lo convertirían en un ícono literario. No apto ni dispuesto a llevar la
carrera académica de la que dependen gran cantidad de poetas para sobrevivir, Purdy
lo dio todo en su práctica como escritor. A manera de seguro contra la ruina, Purdy
construyó su famosa casa de madera en una zona rural de Ontario, que sirvió de refugio
para incontables compañeros de oficio, y hoy en día funciona como residencia de artistas.
Desde sus dificultades iniciales hasta su imborrable legado, Al Purdy estuvo aquí narra la
aventura completa del poeta. De quienes asisten a celebrar la figura de Purdy se cuentan
lecturas y actuaciones musicales de artistas de la talla de Margaret Atwood, Michael
Ondaatje, Bruce Cockburn y Leonard Cohen.
159
With his towering frame and “foghorn voice,” and his propensity for working tales of
boozing and brawling into his verse, Canadian poet Al Purdy (1918 - 2000) was always
a larger-than-life character. Few were ever close enough to distinguish between the
swaggering persona and the real Purdy, but this wide-ranging portrait of Purdy from criticturned-filmmaker Brian D. Johnson does a persuasive job of reconciling man and myth.
“A poem is a sort of accident,” Purdy once claimed, but such bravura mystifies what
was in fact a career of uncommon dedication. Having dropped out of high school, Purdy
rode the rails, worked in factories and raised a family for decades before composing and
publishing the sometimes bawdy, sometimes existential poems that would make him a
literary icon. Unwilling—and unqualified—to hold the sort of academic posts most poets
depend on for financial security, Purdy put everything he had into his writing practice. As
a safeguard against ruin he built his famous A-frame house in rural Ontario, which was a
refuge for numerous fellow writers over the years and has recently been transformed into
an artist residency.
From the early struggles to the lasting legacy, Al Purdy Was Here tells the whole rollicking
story. Along the way it features readings and musical performances from the likes of
Margaret Atwood, Michael Ondaatje, Bruce Cockburn and Leonard Cohen.
Director:
Brian D. Johnson.
Canadá, 2015 / Canada, 2015.
Idioma / Language:
Inglés / English.
Duración / Length:
92 min.
Purdy Pictures.
Brian D. Johnson, Jake Yanowski, Ron Mann.
Marni Jackson, Brian D. Johnson.
Editor:
Nick Taylor.
Brian D. Johnson es el ex crítico
de cine de la revista semanal de
noticias canadiense Maclean y es el
actual presidente de la Asociación
de Críticos de Cine de Toronto. Ha
trabajado por años como periodista
y músico. Al Purdy estuvo aquí
(2015) es su primer largometraje
documental.
Brian D. Johnson is the former film
critic for the Canadian weekly news
magazine Maclean’s and the current
president of the Toronto Film Critics
Association. He has worked over the
years as a journalist and musician.
Al Purdy Was Here (2015) is his first
feature documentary.
Nicholas de Pencier.
Jane Tattesall, Kathy Choi.
Reparto / Cast:
Margaret Atwood, Joseph Boyden, Leonard
Cohen, Bruce Cockburn, Sarah Harmer,
Katherine Leyton, Michael Ondaatje, Eurithe
Purdy, Tanya Tagaq.
Contacto / Contact:
Purdy Pictures
Email:
[email protected]
Brian D. Johnson
160
Boca Juniors 3d: la película
Boca Juniors 3d: the movie
Un indudable logro en el género de películas de deportes y un festín sensorial sin límites,
Boca Juniors 3D: la película lleva a los aficionados al balompié muchísimo más allá de las
graderías. Dirigida por el premiado realizador Rodrigo H. Vila (cuya Mercedes Sosa: voz
de Latinoamérica se estreno en el Festival de 2013), este documental único de preciosa
fotografía, montaje pulsante, y acceso absoluto a su tema, refleja la pasión, concentración
y el sudoroso éxtasis del legendario equipo argentino en toda su gloria.
Vila compila el mejor material de archivo existente, y lo mezcla con dinámicas imágenes y
entrevistas nuevas. Boca Juniors 3D permite revivir triunfos pasados y dolorosas derrotas
junto a algunos de los jugadores más admirados del plantel, como Juan Román Riquelme,
Martín Palermo, Carlos Tévez y Diego Maradona, y figuras claves de su historia como su
ex presidente Mauricio Macri, todos los cuales contribuyen con su sentida devoción al
deporte más popular del planeta. Tanto en momentos de reflexión como en escenas en
las que el equipo se adueña de la cancha empujados por el rugido de la fiel fanaticada,
Boca Juniors 3D es un espectáculo que debe ser vivido en la gran pantalla para poder
ser entendido.
161
A milestone in sports movies and an all-round thrilling sensorial extravaganza, Boca
Juniors 3D: The Movie takes soccer fans far beyond the bleachers. Helmed by awardwinning veteran filmmaker Rodrigo H. Vila (whose Mercedes Sosa: The Voice of Latin
America premiered at IFF Panama in 2013), this gorgeously photographed, kinetically
edited, full-access, one-of-a-kind documentary reflects the passion, focus and sweaty
ecstasy of the legendary Argentine fútbol club in all its glory.
Vila assembles the best archival materials available, seamlessly blending them with bold
new images and interviews. Boca Juniors 3D lets us relive past victories and agonizing
defeats along with some of the club’s most admired players, such as Juan Román
Riquelme, Martín Palermo, Carlos Tévez and Diego Maradona, as well as key figures
like former club president Mauricio Macri, all of them articulating their sense of dogged
devotion to the game. Whether in moments of reflection or in scenes of the team tearing
up the field, egged on by the roar of their ardent fans, Boca Juniors 3D is a spectacle that
simply has to be experienced on the big screen.
Director:
Rodrigo H. Vila.
Argentina, 2015.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
108 min.
Cinema 7 Films.
Dalila Zaritzky, Guillermo Rossi.
Rodrigo H. Vila.
Editor:
Luciano Origlio.
Matías Mesa, Sebastián Zayas.
Rodrigo H. Vila Rodrigo H. Vila ha
dirigido numerosos documentales,
incluyendo Projekt Huemul: El cuarto
Reich en Argentina (2009), El héroe
del Monte dos Hermanas (2011), El
mismo amor, los mismos derechos
(2013) y Mercedes Sosa: la voz de
América Latina (2013). Boca Juniors
3D: La película (2015) es su último
trabajo.
Rodrigo H. Vila has directed numerous
documentaries, including Projekt
Huemul: El cuarto Reich en Argentina
(2009), El héroe del Monte dos
Hermanas (2011), The Same Love, the
Same Rights (2013) and Mercedes
Sosa: The Voice of Latin America (2013).
Boca Juniors 3D: The Movie (2015) is
his latest film.
Sonido / Sound:
Hernán Converti.
Reparto / Cast:
Carlos Tévez, Juan Román Riquelme, Martín
Palermo, Diego Armando Maradona, Guillermo
Barros Schelotto, Rodolfo Arruabarrena,
Rodolfo Arruabarrena, Miguel Brindisi, Ángel
Clemente Rojas.
Contacto / Contact:
Cinema 7
Email:
[email protected]
rodrigo h. vila
162
El botón de nácar
The Pearl Button
En su anterior ensayo cinematográfico, Nostalgia de la luz, Patricio Guzmán entrelazó
con ingenio la búsqueda de los restos de los desaparecidos de la nefasta dictadura
ultraderechista de Augusto Pinochet con una meditación sobre los misterios inefables
del universo. Con sus insuperables observatorios en medio del Desierto de Atacama, no
sorprende que Chile sea reconocida internacionalmente como una meca de la astronomía.
Con El botón de nácar, obra que complementa Nostalgia de la luz, Guzmán encuentra
una nueva fuente de metáforas en otro vasto universo, aunque éste se halla mucho más
cerca a casa. Al comienzo de la historia Guzmán apunta que, pese a tener cerca de 4,000
kilómetros de costa, los chilenos tienen más bien poca relación con el Océano Pacífico.
Pero hace mucho tiempo los Kaweskar, una tribu nómada, recorrían la inmensa franja
costera chilena, y vivían en armonía con el mar que sostenía su forma de vida. Basado
en entrevistas con algunos de los últimos sobrevivientes Kaweskar, Guzmán reflexiona
sobre la terrible devastación que trajo consigo el colonialismo.
Con una mezcla de especulación metafísica y una narración intimista en primera persona,
El botón de nácar es a la vez poética y polémica, y reafirma la importancia de recordar en
un mundo que se afana por olvidar.
163
In his previous essay film Nostalgia for the Light, Patricio Guzmán ingeniously braided the
ongoing search for the remains of those disappeared under Augusto Pinchet’s murderous
regime with a meditation on the unfathomable mysteries of the cosmos, astronomy being
one of the disciplines for which Chile, with its world-class observatories nestled in the
cloudless Atacama Desert, is internationally famous.
With The Pearl Button, a companion work to Nostalgia for the Light, Guzmán locates a
fresh field of metaphor in another vast universe—albeit one considerably closer to home.
Early in the film Guzmán notes that, despite Chile’s nearly 4,000 kilometers of coastline,
Chileans have very little relationship with the Pacific Ocean. Yet, at one time, the nomadic
Kaweskar paddled the length of the immense Chilean coast, living in harmony with the
waters that provided their livelihood. These days few survivors remain to tell the story of
this once-thriving people. Through interviews with some of the last remaining Kaweskar,
Guzmán chronicles the terrible devastation wrought by colonialism.
At once poetic and polemical, combining metaphysical speculation with an intimate firstperson narration, The Pearl Button asserts the importance of memory in a world always
hastening to forget.
Director:
Patricio Guzmán.
Francia, Chile, España, 2015 / France, Chile,
Spain, 2015.
Idioma / Language:
Español, Spanish.
Duración / Length:
82min.
Atacama Productions, Valdivia Films, Mediapro
Barcelona, France 3 Cinéma Paris.
Renate Sachse.
Patricio Guzmán.
Editor:
Patricio Guzmán, Emmanuelle Joly.
Patricio Guzmán nació en Santiago
de Chile. Asistió a la Escuela Oficial
de Cinematografía de Madrid. Ha
dirigido numerosos documentales
galardonados, incluyendo La batalla
de Chile (1973-79), Chile: La memoria
obstinada (1997), El caso Pinochet
(2001), Salvador Allende (2004), y
Nostalgia de la luz (2010). El botón
de nácar (2015) es su última película.
Patricio Guzmán was born in Santiago,
Chile. He attended film school in
Madrid. He has directed numerous
award-winning documentaries,
including The Battle of Chile (1973-79),
Chile: Obstinate Memory (1997), The
Pinochet Case (2001), Salvador Allende
(2004), and Nostalgia for the Light
(2010). The Pearl Button (2015) is his
latest film.
Katell Djian.
Jean – Jaques Quinet.
Reparto / Cast:
Gabriela Paterito, Cristina Calderon, Martin G.
Calderon, Gabriel Salazar, Raul Zurita.
Contacto / Contact:
Palmera Internacional
Email:
[email protected]
Patricio Guzmán
164
Él me llamó Malala
He Named Me Malala
Llamada premonitoriamente igual que la mártir de la guerra anglo-afgana, la activista
pakistaní Malala Yousafzai hubiera sido una persona excepcional aún sin haberse
expresado en pro del derecho de las mujeres a la educación, o sin haber sido la persona
más joven en la historia en recibir el Premio Nobel de Paz. Yousafzai, quien sobrevivió
milagrosamente un intento de asesinato por parte de los Talibanes, emana confianza y
sabiduría mucho más allá de su corta edad. Pero lo que logra el realizador ganador del
Oscar Davis Guggenheim con su íntimo y cautivador documental es acercarnos tanto a la
figura valiente e inspiradora, como a la adolescente brillante y curiosa.
Impulsada por la animada banda sonora del nominado al Oscar Thomas Newman, Él me
llamó Malala nos lleva en un tour guiado por la vida de Yousafzai, desde el pasado hasta
el presente. Visitaremos el hogar del Valle de Swat que ella y su familia se vieron forzados
a abandonar y la casa de Birmingham, Reino Unido donde ahora residen. Presenciaremos
sus encuentros con la Reina Elizabeth, el Presidente Obama y el presentador John Stewart,
y la acompañaremos en sus viajes a varios países en los que impulsa a las niñas a hacerse
fuertes con base en el conocimiento. La película además utiliza la animación de manera
creativa para relatar escenas que ninguna cámara podría capturar.
Yousafzai tiene ahora 18 años, y toda una vida por delante. Lo que puede lograr en el
futuro todavía está por verse, pero Él me llamó Malala nos ofrece una crónica vital de lo
que ya ha alcanzado.
165
Presciently named after a martyr of the Anglo-Afghan War, Pakistani activist Malala
Yousafzai would have been an exceptional person even if she hadn’t spoken out on a
woman’s right to an education or become the youngest person ever to receive the Nobel
Peace Prize. Yousafzai, who miraculously survived an assassination attempt by the Taliban,
radiates confidence and wisdom far beyond her years. But Oscar-winning filmmaker Davis
Guggenheim’s intimate and engrossing new documentary brings us closer to both the
courageous, inspirational figure and the bright, curious teenage girl.
Buoyed by Oscar-nominee Thomas Newman’s ebullient score, He Named Me Malala gives
us a guided tour of Yousafzai’s life, then and now. We visit the Swat Valley home she and
her family were forced to leave behind and the Birmingham, UK house they now inhabit.
We track her meetings with Queen Elizabeth, President Obama and John Stewart, and
follow her as she travels to various countries to encourage girls to empower themselves
with knowledge. The film also makes creative use of animation to depict scenes no
cameras could capture.
Yousafzai is now 18. Her whole life is ahead of her. What she may accomplish in the future
remains to be seen, but He Named Me Malala has provided us with a vital chronicle of all
that she has already achieved.
Director:
Davis Guggenheim.
EE.UU., 2015 / USA, 2015.
Idioma / Language:
Inglés / English.
Duración / Length:
87 min.
Parkes-MacDonald, Little Room.
Walter Parkes, Laurie MacDonald, Davis
Guggenheim.
Davis Guggenheim.
Davis Guggenheim nació en St.
Louis, Missouri. Se graduó de la
Universidad de Brown. Sus créditos
como director incluyen la ganadora
del Oscar Una verdad incómoda
(2006), It Might Get Loud (2008),
Esperando a Superman (2010) y Él
me llamó Malala (2015).
Davis Guggenheim was born in St.
Louis, Missouri. He is a graduate
of Brown University. His directorial
credits include the Oscar-winning An
Inconvenient Truth (2006), It Might Get
Loud (2008), From the Sky Down (2011)
and He Named Me Malala (2015).
Davis Guggenheim
Editor:
Greg Finton, Brian D. Johnson, Brad Fuller.
Erich Roland.
Sonido / Sound:
Skip Lievsay.
Música / Music:
Thomas Newman.
Reparto / Cast:
Malala Yousafzai, Ziauddin Yousafzai, Toor Pekai
Yousafzai, Khushal Yousafzai, Atal Yousafzai.
Contacto / Contact:
Fox
Email:
[email protected]
166
Heart of a Dog
Derrochando inteligencia y ganas de jugar en igual medida, este fascinante ensayo fílmico
de la artista y músico Laurie Anderson es una meditación de inagotable curiosidad sobre
la mortalidad. Al variar con rigor sus asociaciones dentro de muchos tópicos, desde la
acumulación de información por parte de la Agencia Nacional de Seguridad (NSA) hasta el
tradicional Libro Tibetano de la Muerte, Corazón de perro mantiene un espíritu explorador.
El centro del filme es Lolabelle, la última terrier de Anderson, cuyos talentos incluían
la pintura y el piano. Ya entrada en sus sesentas, Anderson ha soportado la pérdida de
mucha gente querida, incluyendo la de su esposo, el influyente ícono del rock Lou Reed
quien falleció en 2013. Pero al enfocarse en la pena por la pérdida de la adorable Lolabelle,
la artista logra mantener Corazón de perro a flote, incluso ligero, con tonos sombríos pero
también divertidos.
Los materiales empleados para crear el filme son casi tan variados como sus temas: dibujos
y animación, cintas caseras con un tratamiento que las convierte en sueños; cámaras de
vigilancia, juegos con texto en pantalla, y por supuesto la voz misma de Anderson, con
esas cadencias diáfanas, tranquilas e inquietas que le ganaron un lugar en el corazón de
muchos seguidores a través de los años. Y de hecho es el amor lo que yace dentro de
su mirada al morir y a la muerte. “El propósito de la muerte es la liberación del amor”,
propone Anderson. Pese a que investiga las profundidades de una de las experiencias
más difíciles que conocemos, Corazón de perro es una obra que nos inspira y asombra.
167
Exuding intelligence and playfulness in equal measure, this beguiling essay film from
musician and performer Laurie Anderson is an endlessly curious meditation on mortality.
Shifting with associational rigor through a vast array of subjects—from the NSA’s
accumulation of data to the Tibetan Book of the Dead—Heart of a Dog possesses an
exploratory spirit.
At the film’s center is Lolabelle, Anderson’s late terrier, whose talents included painting
and piano. Now in her 60s, Anderson has endured the loss of many loved ones—among
them her husband, rock icon Lou Reed, who died in 2013—but by focusing on her grief
over loveable Lolabelle, she is able to keep Heart of a Dog buoyant, often whimsical, as
rife with laughter as somberness.
The materials from which Heart of a Dog was constructed are nearly as varied as its
subjects: drawings and animation; old home movies altered to resemble dreams;
surveillance footage; on-screen text; and, of course, Anderson’s voice, those crisp, calm,
always querying cadences that anyone familiar with her music has come to love. And it is
love that lies at the heart of this investigation into death and dying. “The purpose of death
is the release of love,” Anderson suggests. Though it plumbs the depths of some of life’s
most difficult struggles, Heart of a Dog is a work of wonder and inspiration.
Director:
Laurie Anderson.
EE.UU., 2015 / USA, 2015.
Idioma / Language:
Inglés / English.
Duración / Length:
75 min.
Canal Street Communications / Field Office Films.
Dan Janvey, Laurie Anderson.
Laurie Anderson.
Editor:
Melody London, Katherine Nolfi.
Laurie Anderson nació en Glen Ellyn,
Illinois. Como artista ha sido pionera
en los campos de la música y el
performance durante más de 40 años.
Sus álbumes incluyen Big Science
(1982) y Mister Heartbreak (1984). Sus
películas incluyen Home of the Brave
(1986), Hidden Inside Mountains
(2005) y Corazón de perro (2015).
Laurie Anderson was born in Glen
Ellyn, Illinois. She has been a
pioneering artist in the fields of music
and performance for over 40 years. Her
albums include Big Science (1982) and
Mister Heartbreak (1984). Her films
include Home of the Brave (1986),
Hidden Inside Mountains (2005) and
Heart of a Dog (2015).
Laurie Anderson, Toshiaki Ozawa, Joshua
Zucker-Pluda.
Música / Music:
Laurie Anderson.
Reparto / Cast:
Archie, Jason Berg, Heung – Heung Chin, Bob
Currie, Paul Davidson, Dustin Defa, Etta, Evelyn
Fleder, Willy Friedman, Gatto, Sasha Grossman,
Kurt Gutenbrunner, Charlie Hafitz.
Contacto / Contact:
Pascale Ramonda
Email:
[email protected]
Laurie Anderson
168
Hija de la laguna
Daughter of the Lake
La carrera mundial por apropiarse de los recursos naturales de América Latina está
más feroz que nunca y no muestra signos de desaceleración. Este incisivo documental
examina de cerca un ejemplo particularmente fuerte de los intentos de unos de quedarse
con los recursos de una comunidad rural, y la decisión de dicha comunidad de hacer algo
al respecto.
Nélida Ayay Chilón es una campesina y activista del medioambiente que vive en
Cajamarca, Perú. Ella cree que puede comunicarse con los espíritus naturales y que es hija
de los lagos que surten de agua a su comunidad. Pero bajo esos lagos yace la mina de oro
más grande de toda Latinoamérica. Con total apoyo del gobierno peruano, una compañía
ha empezado ya a extraer el metal, pero eso implica también desecar todos los lagos.
Hija de la laguna profundiza en la complejidad de la crisis de Cajamarca, le da voz a los
campesinos desesperados por proteger sus fuentes de agua, así como a miembros de la
comunidad que ven la minería como la solución a los graves problemas de desempleo
de la región. Y en el centro de la historia tenemos a Nélida, una persona serena pero
increíblemente articulada, que puede ver el problema en toda su dimensión y comprende
lo que está en juego. Llegó la hora de que todos entendamos que en el mundo hay cosas
más importantes que el dinero.
169
The global rush to appropriate Latin American natural resources is as accelerated as it has
ever been and shows no signs of abating. This incisive documentary closely examines one
especially fraught example of an attempt to seize resources from a rural community—and
that community’s determination to do something about it.
Nélida Ayay Chilón is a farmer and environmental activist living in Cajamarca, Peru. She
believes that she is able to communicate with nature’s spirits, and that she is the daughter
of the lakes from which her village gets its water. But under those lakes is Latin America’s
biggest gold mine. With full support from the Peruvian government, a mining company
has begun extracting that gold—a process that also means drying out the lakes.
Daughter of the Lake portrays the crisis in Cajamarca in all its complexity, giving voice to
the farmers desperate to protect their water supply, but also to the community members
who welcome the mine as a source of desperately needed jobs. At the center of this story
is Nelida, a serene yet formidable spokesperson for those able to see the big picture and
comprehend what is at stake. The time has come for people everywhere to recognize that
there are things in this world more important than profits.
Director:
Ernesto Cabellos Damián.
Perú, Bolivia, Holanda, 2015 / Peru, Bolivia,
Netherlands, 2015.
Idioma / Language:
Duración / Length:
88 min.
Guarango Cine y Video.
Núria Frigola Torrent, Ernesto Cabellos Damián.
Ernesto Cabellos Damián nació en
Lima. Sus créditos como director
incluyen Choropampa, El Precio del
Oro (2002), codirigida con Stephanie
Boyd, De ollas y sueños (2009) e Hija
de la laguna (2015).
Ernesto Cabellos Damián was born
in Lima. His directorial credits include
Choropampa, el precio del oro (2002),
co-directed with Stephanie Boyd,
Cooking Up Dreams (2009) and
Daughter of the Lake (2015).
Ernesto Cabellos Damián.
Ernesto
Cabellos Damián
Editor:
Antolín Prieto.
Carlos Sánchez Giraldo, Jessica Steiner, Miguel
Hilari Sölle.
Sonido / Sound:
José Balado Díaz.
Música / Music:
Martín Choy-Yin.
Reparto / Cast:
Nélida Ayay Chilón, Máxima Acuña de Chaupe,
Bibi Van der Velden.
Contacto / Contact:
Quechua Films
Email:
[email protected]
170
Futuro Junho
Junio futuro
Future June
Este cautivante y perspicaz nuevo filme de la veterana documentalista Maria Ramos
(Justicia, Juicio) ofrece una amplia mirada a la desigualdad económica brasileña
y al atolladero de la infraestructura del país al enfocarse en cuatro residentes de São
Paulo, de diferentes puntos del espectro socioeconómico. Andre Perfeito es un exitoso
analista financiero. Anderson Dos Anjos trabaja en una planta automotriz, mientras que
Alex Cientista es un mensajero motorizado. Ambos pasan dificultades para sostener a
sus familias. El trabajador del subterráneo Alex Fernandes se torna políticamente activo
cuando su sindicato entra en huelga semanas antes de que empiece la Copa del Mundo
Brasil 2014.
Tras su celebrado trío de películas que encaran varios aspectos del sistema judicial
brasileño, Ramos se destaca ahora como comentarista sociopolítica con Junio futuro.
Sin recurrir a demasiada polémica, el film analiza con agudeza las mil formas en que las
instituciones financieras, de transporte y judiciales de São Paulo y Brasil contribuyen al
creciente caos social y a la injusticia. La inminente Copa Mundo aumenta la tensión de
Junio futuro; los cuatro personajes, todos complejos y desarrollados de forma pareja,
anclan el filme en la experiencia humana; y las elegantes imágenes encuadradas con
pericia por los directores de fotografía Camila Freitas y Lucas Barbi aportan al interés
que sostiene la película de comienzo a fin. Se trata así de un cine urgente, cautivador e
inteligente que todos debemos ver.
171
This absorbing, perspicacious new film from veteran documentarian Maria Ramos (Justice,
Behave) offers a sweeping survey of Brazil’s economic disparity and infrastructural
quagmire by focusing on four São Paulo residents from varied points along the financial
spectrum. Andre Perfeito is an affluent financial analyst. Anderson Dos Anjos works at
an automotive plant, while Alex Cientista is a motorcycle courier. Both men struggle to
support their families. Subway worker Alex Fernandes finds himself becoming politically
active when his union goes on strike just weeks in advance of São Paulo’s 2014 World Cup.
Following her celebrated trio of films confronting sundry aspects of Brazil’s justice
system, Ramos outdoes herself as a sociopolitical chronicler with Future June. Without
resorting to overt polemicizing, the film boldly dissects myriad ways in which Brazil’s
and São Paulo’s financial, transportation and law enforcement institutions contribute
to burgeoning societal chaos and injustice. The looming World Cup imbues Future June
with rising tension; her four subjects, all of them complex and evenly developed, anchor
the film in human experience; and the coolly handsome, expertly framed images from
cinematographers Camila Freitas and Lucas Barbi keep the film visually captivating
throughout. This is urgent, elegant, intelligent filmmaking that needs to be seen.
Director:
Maria Augusta Ramos.
Brasil, Holanda, 2015 / Brazil, Netherlands, 2015.
Idioma / Language:
Portugues / Portuguese.
Duración / Length:
90 min.
Nofoco Films, Selfmade Films, VPRO.
Maria Augusta Ramos, Niek Koppen, Jan de Ruiter.
Editor:
Karen Akerman.
Maria Augusta Ramos nació en
Brasilia. Estudió música en la
Universidad de Brasilia, en el
Groupe de Recherche Musicale de
París y la City University de Londres.
Estudió cine en la Netherlands
Film & Television Academy de
Amsterdam. Sus documentales
incluyen Desi (2000), Justicia (2004),
Juicio (2007), Colina de los placeres
(2013) y Junio futuro (2015).
Maria Augusta Ramos was born in
Brasília. She studied music at the
University of Brasília, Paris’ Groupe de
Rechereche Musicale and London’s
City University. She studied film at
the Netherlands Film and Television
Academy in Amsterdam. Her
documentaries include Desi (2000),
Justice (2004), Behave (2007), Hill of
Pleasures (2013) and Future June (2015).
Camila Freitas, Lucas Barbi.
Reparto / Cast:
André Perfeito, Anderson dos Anjos,
Alex Cientista, Alex Fernandes.
Contacto / Contact:
Nofoco Films
Email:
[email protected]
Maria
Augusta Ramos
172
La once
Tea Time
Alicia, Gema, Angélica, Ximena y María Teresa, adultas mayores chilenas, se han reunido
a tomar el té mensualmente por casi 60 años. Es un ritual que ha visto pasar cambios
históricos de gran magnitud. El mundo puede ponerse patas arriba, pero estas cinco
señoras perfectamente arregladas, graduadas todas de la misma secundaria católica,
nunca se pierden su cita de las 5:00 p.m. para el deleite y la conversación, que lo abarca
todo desde temas culturales hasta el chisme, o desde el matrimonio hasta la mortalidad.
Este cautivador documental de interiores de Maite Alberdi nos consigue asiento en la
mesa de las venerables damas para envolvernos con su misterio.
Grabado a lo largo de cinco años, La once es a la vez íntimo y de gran alcance: La cámara
de Alberdi nunca sale del salón donde se reúnen las señoras, pero los intercambios
entre ellas abarcan más historia que la épica más ambiciosa. Algunas de ellas tuvieron
esposos militares, mientras que hubo una que jamás se casó. Los cambios de los roles
y expectativas sociales son considerados, así como la homosexualidad –María Teresa
resulta ser admiradora de La vida de Adele-. En dichas reuniones se cantarán canciones,
se leerán cartas de amor, y se recordará a los que han partido. Con su afecto por los
gestos, las actitudes, rostros y voces de sus personajes, La once es un testamento del
valor de la observación de las vidas vividas, así como de las amistades duraderas. ¡Eso
sin mencionar las colaciones que se aprecian por doquier!
173
Chilean seniors Alicia, Gema, Angélica, Ximena and María Teresa have been meeting for
high tea every month for the past 60 years. It is a ritual that has been sustained over several
sweeping historical changes. The world can turn upside-down, but these five immaculately
groomed women, all of them graduates of the same Catholic high school, never miss that
monthly five-o’clock call for libations and conversation, which ranges in topic from culture
to gossip, marriage to mortality. This utterly absorbing chamber documentary from Maite
Alberdi grants us a seat at these venerable ladies’ table for a spell.
Filmed over five years, Tea Time is at once intimate and expansive: Alberdi’s camera never
strays from the room where the meeting takes place, yet the exchanges between these
women cover more history than a sprawling epic. Some of the ladies had husbands in the
military, while one never married at all. Shifts in societal expectations and gender roles
are reconsidered, as is homosexuality—María Teresa turns out to be an admirer of Blue
Is the Warmest Color. Songs are sung, love letters are read, lost loved ones are mourned.
With its affectionate attention toward the women’s faces, voices, attitudes and gestures,
Tea Time is a testament to the value of examined lives and enduring friendships. And the
pastries look scrumptious!
Director:
Maite Alberdi.
Chile, EE.UU., 2014 / Chile, USA, 2014.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
70 min.
Malaparte Producciones, Micromundo
Producciones.
Clara Taricco.
Maite Alberdi.
Maite Alberdi nació en Chile.
Estudió cine estética en la
Pontificia Universidad Católica de
Chile. Ha dirigido el cortometraje
Las peluqueras (2008) y los
documentales El salvavidas (2011)
y La once (2014), que ha ganado
numerosos premios en festivales de
todo el mundo.
Maite Alberdi was born in Chile. She
studied film and aesthetics at Pontificia
Universidad Católica de Chile. She has
directed the short film Las peluqueras
(2008) and the documentary features
The Lifeguard (2011) and La once
(2014), which has won numerous prizes
at festivals around the world.
Editor:
Juan Eduardo Murillo, Sebastian Brahm.
Pablo Valdés.
Sonido / Sound:
Boris Herrera.
Reparto / Cast:
María Teresa Muñoz, Ximena Calderón, Alicia
Pérez, Angélica Sharpentier, Nina Chicarelli.
Contacto / Contact:
Cat and Docs
Email:
[email protected]
Maite Alberdi
174
Mów mi Marianna
Llámame Marianna
Call Me Marianna
A sus cuarenta años, Marianna está finalmente a punto de hacerse la operación de cambio
de sexo que ha esperado durante casi toda su vida. A pesar de verse forzada a demandar
a sus desatentos padres para poder ejercer autonomía sobre su propio cuerpo, Marianna
desborda emoción por su logro, y también por haber encontrado recientemente un
novio ejemplar. Tras la cirugía, la felicidad de Marianna se ve cruelmente menoscabada
por inesperados problemas de salud; pero una de las cosas que hace tan conmovedora
a Llámame Marianna, de hecho una obra inspiradora, es su determinación de seguir
adelante, sin importar lo devastadores que resulten los obstáculos.
Este primer largometraje documental de la realizadora polaca Karolina Bielawska, que
cuenta con la hermosa música de Anthony and the Johnsons, es un impresionante retrato
del valor y la fe durante un arduo periodo de transición. En su proceso de recuperación
Marianna comienza a escribir una pieza de teatro autobiográfica, con el objetivo de hacer
las paces con su propia historia. El sencillo y brillante dispositivo narrativo de Llámame
Marianna alterna entre la crónica documental que hace Bielawska de la odisea de
Marianna, y la mirada teatral que la propia Marianna le da a su viaje. De esa forma se
nos recuerda por todo lo que ha pasado Marianna a través de los años, al tiempo que
presenciamos sus luchas actuales. La mayoría de nosotros solo podríamos aspirar a ser
tan fuertes como ella.
175
At age 40, Marianna is finally on the cusp of undergoing the sex reassignment surgery
she has longed for much of her life. Despite being forced to sue her relentlessly
unsupportive parents in order to gain autonomy over her body, Marianna is galvanized
with anticipation—and with the joy of having recently found a stalwart boyfriend. After the
surgery Marianna’s happiness is brutally undermined by unexpected health problems—
yet one of the things that makes Call Me Marianna profoundly moving, even inspiring, is
Marianna’s resolve to keep going even in the face of devastating obstacles.
Polish filmmaker Karolina Bielawska’s feature documentary debut, graced with a beautiful
music by Antony and the Johnsons, is an astonishing portrait of courage and faith during
a period of arduous transition. In the fraught aftermath of her surgery Marianna began
to write an autobiographical theatre work, telling her own story as a means of coming to
terms with it. Call Me Marianna’s brilliantly simple structural device alternates between
Bielawska’s nonfiction chronicle of Marianna’s journey and Marianna’s dramatic rendering
of that same journey. We are thus always reminded of what Marianna has been through in
the past as we assess what she’s struggling with in the present. Most of us can only hope
to be as strong as Marianna.
Director:
Karolina Bielawska.
Polonia, 2015 / Poland, 2015.
Idioma / Language:
Polaco / Polish.
Duración / Length:
75 min.
Kalejdoskop Film Studio.
Zbigniew Domagalski.
Karolina Bielawska.
Editor:
Daniel Gçsiorowski.
Kacper Czubak.
Música / Music:
Natalia Fiedorczuk.
Reparto / Cast:
Marianna Klapczynska, Katarzyna Klapczynska,
Jowita Budnik, Mariusz Bonaszewski.
Karolina Bielawska estudió
dirección en el Departamento de
Cine Krzysztof Kieslowski de la
Universidad de Silesia en Katowice,
y bajo la supervisión de Andrzej
Wajda y Wojciech Marczewski, en
el Laboratorio de Desarrollo de
Largometrajes de la Escuela Wajda
en Varsovia. Dirigió el mediometraje
documental Varsovia Disponible
(2009). Llámame Marianna (2015) es
su primer largometraje documental.
Karolina Bielawska studied directing
at Silesian University’s Krzysztof
Kieslowski Film Department in
Katowice and, under the supervision
of Andrzej Wajda and Wojciech
Marczewski, at the Development Lab
Feature Programme at Warsaw’s Wajda
School. She directed the mid-length
documentary Warsaw Available (2009).
Call Me Marianna (2015) is her feature
documentary debut.
Contacto / Contact:
Film Republic
Email:
[email protected]
Karolina Bielawska
176
Paco de Lucía: La búsqueda
Paco de Lucía: A Journey
Fue la viva encarnación del flamenco para toda una generación, un explorador incansable
que escalaba con su guitarra las cumbres y así mismo se arrojaba a las profundidades
de una música que lo hechizó en su infancia y jamás lo abandonó. Su deceso en 2014
significó una pérdida dolorosa para sus miles de seguidores de todo el mundo. Pero este
retrato documental, dirigido por su hijo Francisco “Curro” Sánchez Varela celebra la vida
y obra del artista con el mismo generoso espíritu que se le conoció a de Lucía.
Un viaje nos lleva de regreso a los humildes comienzos de Paco en Algeciras. Era un chico
tímido, con un poco de sobrepeso, pero a sus siete años tocó una guitarra por primera
vez y de inmediato pareció contar con una facilidad instintiva para interpretarla. Comenzó
a salir de gira con el fenomenal bailarín El Greco en la década de los 60, y tuvo su gran
oportunidad cuando el guitarrista principal del grupo se enfermó y él debió remplazarlo ante
la audiencia del Greek Theatre de Los Ángeles, a la cual asombró con su versión en solitario
de La malagueña. Fue su primer paso en un largo recorrido de reconocimiento internacional.
Sánchez Varela emplea a fondo el material de archivo y las cándidas entrevistas para
avanzar en la creación de una trama que va de la biografía de su padre al registro del
resultaría ser último tour. Pero al final no hay nada más cautivante en Un viaje que las
elaboradas secuencias de la estrella en vivo. Verlo y escucharlo tocar seguirá siendo por
generaciones una experiencia fascinante.
177
He was the living embodiment of flamenco for a generation, a tireless explorer, ever scaling
the fret-board to plumb the depths of that music which captured his childhood imagination
and never let go. The death of Paco de Lucía in 2014 was a devastating loss to admirers the
world over. But this documentary portrait, directed by de Lucía’s son, Francisco “Curro”
Sánchez Varela, celebrates de Lucía’s life and work with a generous spirit.
The Search takes us back to de Lucía’s humble Algeciras origins. He was a chubby, shy
boy, but at seven he picked up the guitar for the first time and instantly seemed possessed
by some instinctive facility. He started touring with dancing sensation El Greco in the ’60s,
and got his break when the first guitarist fell ill and he stepped in to stun the audience
at Los Angeles’ Greek Theatre with a solo performance of ‘La malagueña.’ It was the first
step on a journey to international stardom.
Sánchez Varela draws from a trove of archival images and candid interviews while
progressing through the twin narratives of his father’s biography and what would prove his
final tour. But there is finally nothing more seductive than The Search’s extended sequences
of de Lucía in performance. To hear and see him play remains endlessly transfixing.
Director:
Francisco Sánchez Varela.
Idioma / Language:
Duración / Length:
95 min.
Ziggurat Films, SGAE, Montreaux Jazz Festíval.
Anxo Rodríguez.
Francisco “Curro” Sánchez Varela se
graduó de comunicación audiovisual
en San Pablo CEU. Estudió dirección
de cine en la Academia de Cine de
Nueva York. Paco de Lucía: un viaje
(2014) es su primer largometraje
documental.
Francisco “Curro” Sánchez
Varela graduated in audiovisual
communication from San Pablo CEU.
He studied film directing at the New
York Film Academy. Paco de Lucía: The
Search (2014) is his first documentary
feature.
Francisco Sánchez Varela, Casilda Sánchez Varela.
Francisco
Sánchez Varela
Editor:
José Manuel García Moyano.
Alejandro García Flores.
Música / Music:
Raúl Valdés.
Reparto / Cast:
Paco de Lucía, Pepe de Lucía, Alejandro Sanz,
Rubén Blades, Chick Corea, Carlos Santana,
John McLaughlin, Jorge Pardo, Carles Benavent,
Estrella Morente.
Contacto / Contact:
Doc & Films International
Email:
[email protected]
PARA TODA LA FAMILIA
FA M I LY S C R E E N I N G S
Un espacio particular para que las familias se reúnan en
torno a la magia del cine, con un programa que además
dejar entrever, divertidamente, las formas de vida de
otras familias en distantes partes del mundo.
A special space for the entire family to come together and
enjoy the magic of cinema, this program highlights the best
of today’s most colorful family-friendly films and provides a
glimpse of family life elsewhere.
Estas películas participan por el Premio del Público Copa Airlines
a la Mejor Película Iberoamericana de Ficción.
These films participate for the Copa Airlines Audience Award
for Best Ibero-American Fiction Film.
180
Meigallos
Brujerías
Witchcrafts
Todo el mundo busca a la abuela de Caroline para conseguir alguno de sus infalibles
remedios caseros. Pero, para Caroline, el ser una aprendiz de bruja y saber, por ejemplo,
qué crema cura qué alergia, puede volverse algo aburrido. La verdad es que ella es una
niña un poco inquieta. Preferiría volar por los aires en vez de tener que mezclar hierbas,
pero, de repente, logra hacerlo cuando descubre una pócima secreta de su abuelita.
No pudo ser mejor momento para adquirir y dominar su nuevo poder: una peligrosa
compañía de cosméticos ha secuestrado a su abue con la intención de robarle sus recetas.
Con su paraguas convertido en escoba voladora y ayudada por su intrépido gato, Caroline
está lista para intentar un emocionante rescate.
Divertida, inteligente y llena de sorpresas, Brujerías es una aventura animada que sucede
en un mundo cambiante, en donde la magia de la tecnología a veces puede opacar sin
razón la magia tradicional. El diseño visual de la película fascina con los tonos saturados
de sus árboles, colinas y humildes hogares en contraste con los visos cristalinos, retrofuturistas de la compañía que retiene a la abuelita. Los poderes místicos se enfrentan con
aparatos de alta tecnología, pero al final es la combinación de astucia, valor y amor lo que
le da a nuestra heroína la oportunidad de vencer a los malhechores.
181
Everyone in the neighborhood turns to Caroline’s grandmother for sure-fire home
remedies. But for Caroline, being a healer’s apprentice, learning about what cream to
apply to what allergy, can get dull. Caroline is a restless girl. She would rather fly through
the air than fiddle with herbs—and she gets her chance to do just that when she discovers
a magic potion amongst her granny’s cache of cures. As it happens, Caroline starts to
master her new power just in time: a nefarious cosmetic company has kidnapped Granny
with the hope of stealing her recipes. With her umbrella-turned-flying broomstick and
mischievous pet cat in tow, Caroline is determined to come to the rescue.
Fun, witty and bursting with surprises, Caroline and the Magic Potion is an animated
adventure set in a rapidly changing world, where sometimes the magic of modern
technology can unjustly overshadow the magic of age-old wisdom. The film’s visuals will
delight, with the punchy colors of trees, hills and humble homes contrasting the glassy,
retro-futuristic décors of Granny’s captors’ headquarters. Witchy powers and high-tech
gizmos come into conflict, but in the end it’s a combination of smarts, courage and love
that provide our heroine with her best chance at defeating her foes.
Director:
Virginia Curiá.
España, Brasil, 2014 / Spain, Brazil, 2014.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
78 min.
Arrayás, Continental Producciones, Otto
Desenhos Animados.
Virginia Curiá nació en Galicia,
España. Ha dirigido los
cortometrajes Os difuntos falaban
Castelao (2000), A escolar das areas
(2002) y Alistan (2004). Brujerías
(2015) es su primer largometraje.
Virginia Curiá was born in Galicia,
Spain. She has directed the short films
Os difuntos falaban castelao (2000), A
escolar das areas (2002) and Alistán
(2004). Caroline and the Magic Potion
(2015) is her feature debut.
virginia curiÁ
Pancho Casal, Chelo Loureilo.
Ánxela Loureiro.
Editor:
Virginia Curiá.
Virginia Curiá.
Sonido / Sound:
Virginia Curiá.
Contacto / Contact:
Latido Films
Email:
[email protected]
182
O Menino e o Mundo
El niño y el mundo
Boy & the World
Con su cara de botón, sus extremidades como palitos y sus mechones de pelo movidos por
el viento, el niño sin nombre que protagoniza esta maravilla de película nominada al Oscar
puede parecer tan frágil como un diente de león, pero en realidad su espíritu de aventura
está bien despierto, y nos llevará en un increíble viaje hacia el peligro y la fascinación.
Abrumado por la ausencia de su padre quien parte en un viaje, el niño escapa de su hogar en
el campo, se sube a un tren y finalmente se une a un grupo de trabajadores migratorios que
van camino a la ciudad, un lugar temible de altas torres, fábricas ensordecedoras, basura
por todas partes y una aterradora policía militar. Sin embargo la ciudad también ofrece
coloridos desfiles y hasta un artista callejero de buen corazón que decide cuidar del niño.
El director brasileño Alê Abreu logra darle vida a su aguda picaresca política sin recurrir
a los diálogos, y usa en su lugar un diseño audiovisual profundamente imaginativo que
mezcla, con delicadeza, elementos básicos como trazos de crayola con imágenes de
sofisticación caleidoscópica. Sin duda El niño y el mundo no es una historia edulcorada
para consumir y olvidar; es una advertencia sobre la corrupción y contaminación que
amenazan particularmente a las personas de los estratos económicos más desfavorecidos.
Pero a la vez conserva una terca fe en la bondad fundamental lo cual puede hacer revivir
nuestras esperanzas, aún cuando nos sentimos perdidos en el inmenso mundo.
183
With his button-face, spindly limbs and windblown wisps of hair, the nameless boy at
the center of this Oscar-nominated marvel may resemble a fragile little dandelion, but his
sense of adventure is robust, leading us on a spectacular journey that is equal parts dread
and wonder.
Overwhelmed with loss after his father leaves on a trip, the boy runs way from his yurtlike country home, hops a train and eventually joins a swarm of migrant workers making
their way to the city, a fearsome place of looming towers, cacophonous factories, teeming
trash and brutal military police. Yet the city also holds colorful, joyous street parades—not
to mention a kind-hearted busker who takes the boy in.
Brazilian writer-director Alê Abreu manages to convey his politically pointed picaresque
without dialogue, relying instead on an endlessly imaginative audiovisual design that
fuses endearingly primitive, crayon-like elements with highly sophisticated, at times
kaleidoscopic imagery. To be sure, Boy and the World is no easy-going, feel-good movie.
It warns against the corruption and contaminating elements that threaten people on the
lower end of the class spectrum especially. Yet it also retains a stubborn belief in some
fundamental goodness that can keep our sense of hope alive, even when we feel most
lost in the world.
Director:
Alê Abreu.
Idioma / Language:
Duración / Length:
80 min.
Filme de Papel.
Tita Tessler, Fernanda Carvalho.
Alê Abreu.
Alê Abreu nació en São Paulo.
Sus películas han ganado
importantes premios en festivales
de todo el mundo. Ha dirigido
los cortometrajes Sírius (1993), El
espantapájaros (1998) y Nacimiento
(2007), y los largometrajes Garoto
Cósmico (2007) y El niño y el mundo
(2013), que fue nominada a un Oscar.
Alê Abreu was born in São Paulo. His
films have won major prizes at festivals
all over the world. He has directed
the short films Sírius (1993), The
Scarecrow (1998) and Birth (2007), and
the features Garoto Cósmico (2007)
and Boy and the World (2013), which
was nominated for an Oscar.
Editor:
Pablo Blanco.
Alê Abreu.
Sonido / Sound:
Ruben Feffer, Gustavo Kurlat.
Reparto / Cast:
Vinicius Garcia, Marco Aurélio Campos, Lu Horta.
Contacto / Contact:
Elo Company
Email:
[email protected]
Alê Abreu
184
Un caballo llamado Elefante
Elephant, the Horse
Todo lo que desea Lalo es llegar a ser un valiente aventurero tal como su abuelo. Ahora
que Abue yace en cama a punto de fallecer –por tercera vez- parece que Lalo por fin tendrá
la oportunidad. En un inusual ataque de cordura, el abue le encarga a Lalo y a su hermano
Roberto que cuiden de su amado caballo, Elefante. La tarea no parece particularmente
difícil, hasta que un circo itinerante secuestra al caballo. Lalo y Roberto se proponen
rescatar a Elefante, pero terminan enredados en la excéntrica y emocionante vida del
circo, y así emprenden la aventura más grande que hubieran podido imaginar.
Con su mezcla de acción real y una fascinante técnica de animación que parece un libro de
comics que toma vida, Un caballo llamado Elefante es divertida, llena de suspenso y mantiene
un tono ligero aún cuando toca temas más profundos en su trama. El director chilenoestadounidense Andrés Waissbluth nos deleita con su tercer largometraje, que entrelaza
fantasía con los recuerdos de Lalo y Roberto Parra, hermanos de la legendaria cantante
Violeta Parra. Dichos elementos convergen sutilmente en un conmovedor relato sobre la
responsabilidad y el valor, el cual promete cautivar a las familias que se aventuren a verlo.
185
Lalo wants nothing more than to grow up to be a valiant adventurer, just like his grandfather
was. Now that Grandpa is on his deathbed—for the third time—it seems Lalo may finally
get the chance. In a rare moment of lucidity Grandpa charges Lalo and his brother Roberto
with a task of great importance: the boys must promise to look after Grandpa’s beloved
horse Elephant. Minding an old horse doesn’t seem too strenuous—until Elephant is
abducted by a traveling circus. Lalo and Roberto set out to rescue Elephant, but wind up
getting entangled in the circus’ eccentric and exciting life, and becoming involved in an
even bigger quest than either could have imagined.
Blending live-action with an alluring animation style that resembles a comic book come
to life, A Horse Named Elephant is fun, suspenseful, and light-hearted even when dealing
with more serious plot developments. Chilean-American director Andrés Waissbluth’s
delightful third feature fuses fantasy with stories taken from the childhoods of Lalo and
Roberto Parra, the brothers of Chile’s legendary singer Violeta Parra. These elements
seamlessly converge into a rousing tale of responsibility and courage that promises a
great time for the whole family.
Director:
Andrés Waissbluth.
Chile, México, Colombia, 2015 / Chile, Mexico,
Colombia, 2015.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
80 min.
Invercine, Traziende, Rhayuela, Retaguardia Films.
Macarena Cardone, Macarena Concha, Matías
Cardone, Leonardo Zimbrón, Federico Durán,
Andrés Waissbluth.
Andrés Waissbluth, Miguel Angel Labarca,
Daniel Laguna.
Andrés Waissbluth nació en
los Estados Unidos de padres
chilenos. Se graduó de la Escuela
Internacional de Cine y Televisión de
San Antonio de los Baños, Cuba. Sus
créditos como director incluyen Los
debutantes (2003), 199 Recetas para
ser Feliz (2008) y Un caballo llamado
elefante (2016).
Andrés Waissbluth was born in the
United States to Chilean parents. He
graduated from the International School
of Film and Television in San Antonio de
los Baños, Cuba. His directorial credits
include Los debutantes (2003), 199
Tips to be Happy (2008) and A Horse
Named Elephant (2016).
Editor:
Soledad Salfate, Adriana Martínez.
Enrique Stindt.
Sonido / Sound:
Camilo Sanabria.
Reparto / Cast:
Tomás Arriagada, Salvatore Basile, Ana Sofía
Durand, Miguel Rodarte, Patricia Ercole, Joaquín
Saldaña, Ramón Llao.
Contacto / Contact:
Macarena Cardone
Email:
[email protected]
Andrés Waissbluth
DICINE PANAMÁ
dicine panama
Dentro de este segmento se encuentran tres películas
auspiciadas, en gran parte, por la Dirección Nacional de
Cine (DICINE), entidad que forma parte del Ministerio
de Comercio e Industria de Panamá. Los tres títulos son
premieres mundiales y a través de ellos, la audiencia
de IFF Panamá tendrá la oportunidad de ver en estas
nuevas obras los pasos en el desarrollo de la joven y
decidida industria cinematográfica panameña.
The three Panamanian films in this segment were made
possible thanks in part to funding by DICINE, which is part of
the Minsitry of Commerce and Industry of Panama. The three
films are world premieres. Through these new Panamanian
films IFF Panama´s audience will have the opportunity to
discover a nascent and persevering local film industry.
190
D I C I N E PA N A M Á | DICINE PANAMA
A la deriva
Drifting Away
Confiamos en el sistema de salud para atender nuestros cuerpos cuando nos enfermamos.
Esperamos que los responsables de dicho sistema conozcan de lo que necesitamos para
recuperarnos de enfermedades leves o serias. Pero el sistema es una burocracia como
cualquier otra y, como todas, puede cometer errores. A veces errores muy graves. El
alarmante y aleccionador documental de Miguel González registra una de esas fallas que
ocurrió aquí en Panamá en 2006, cuando se repartieron unas 200 dosis de un supuesto
remedio contra la gripe. Dicho remedio contenía Etilenglicol, una sustancia tóxica que se
usa en la industria automotriz, que puede causar enfermedades crónicas y en muchos
casos la muerte.
A la deriva encara este problema nacional y se concentra en tres casos particulares,
los de Iriada, Milagros y Briseida, mujeres cuyas vidas todavía sufren los efectos de la
exposición al compuesto químico. Al ofrecer tiempo y empatía para con sus batallas
diarias en sus hogares, con sus familias y en sus interacciones con la industria médica,
González transmite con sensibilidad el sufrimiento y la perseverancia de estas tres
mujeres que sólo quieren lo que todos consideramos que merecemos como ciudadanos:
ser tan saludables como lo permitan nuestros cuerpos, y ser tratados con dignidad por los
poderes que nos gobiernan.
Esta película participa por el Premio del Público MasterCard a la Mejor Película de América Central y El Caribe.
This film participates for the MasterCard Audience Award for Best Central American and Caribbean Film.
191
We depend on the healthcare system to tend to our bodies when we are ailing. We trust the
system to know better than us what our bodies require to recover from illnesses great and
small. But that system is a bureaucracy, like any other, and it makes mistakes. Sometimes,
terrible ones. Miguel González’s alarming, eye-opening documentary chronicles one such
mistake made here in Panama in 2006, when over 200 jars of an ostensible flu remedy
were distributed. This remedy contained Dietilenglycol, a poisonous substance used in
the automotive industry, which caused long-term illness and death in numerous patients.
Drifting Away addresses this larger national problem by focusing on three cases in
particular, those of Iriada, Milagros and Briseida, women whose lives continue to be
affected by their exposure to Dietilenglycol. By investing time and empathy in their dayto-day struggles, in their homes, families and interactions with the medical industry,
González sensitively conveys the suffering and endurance of these women who want only
what so many of us feel that we as citizens deserve: to be as healthy as our bodies will
allow, and to be treated with dignity by the powers that govern us.
Director:
Miguel I. González.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
70 min.
Contraplano Films.
Manuel Cárcamo, Enmanuel Chávez,
Miguel González es un realizador
panameño. Estudió marketing y
publicidad en la Universidad Latina
de Panamá y cine en la Escuela
Internacional de Cine y Televisión
de San Antonio de los Baños, Cuba.
A la deriva (2016) es su primer
largometraje documental.
Miguel González is a Panamanian
filmmaker. He studied marketing and
advertising at the Universidad Latina de
Panamá and cinema at the International
School of Film and Television in San
Antonio de los Baños, Cuba. Drifting
Away (2016) is his feature documentary
debut.
Editor:
Rocío Gattinoni.
Tomás Cortés Rosselot.
José David Hernández, René Carrera.
Contacto / Contact:
Contraplano Films
Reparto / Cast:
Iris Barrera, Briseida Moreno, Milagros Rey.
Email:
[email protected]
Miguel I. González
192
La ruta
The Route
“Mi ciudad se levanta temprano”, dice una voz anónima al comienzo de La ruta. Y que
comienzo: un desfile ilusionista de figuras bellas, vehículos y edificios que representan
la cultura panameña, mientras esa voz describe, de la forma más cómica, las bases
zoológicas del lenguaje local.
Pero esta sinfonía de ciudad de la realizadora Pituka Ortega-Heilbron se trata de la Panamá
verdadera. El prólogo da paso primero a imágenes aéreas de los altos rascacielos y las
casas apretadas contra frondosos paisajes a manera de mosaicos. Una vez en tierra,
acompañamos a varios panameños diferentes mientras se preparan para ir a trabajar. Se
trata de la gente que hace que la ciudad funcione. Es cierto que se levantan temprano,
antes del amanecer ya que cuentan con el transporte público para llegar a donde van. Y es
ahí cuando las cosas se complican.
Ricardo Martinelli comenzó su mandato con promesas de modernizar el sistema de transporte
público de Panamá, pero tras una presidencia plagada de escándalos de corrupción los
buses públicos, ya sea los viejos y ultra-decorados ‘diablos rojos’, o los modelos nuevos
más estilizados, siguen siendo insuficientes y dados a devastadores accidentes. Se estima
que algunos panameños pasan diez años de su vida viajando en este sistema. Merecen
algo mejor. Un sistema con el que se sientan seguros. La ruta declara con contundencia
esa necesidad colectiva, pero con sus transiciones nostálgicas y ensoñadoras, junto a su
música sublime, también rinde un cariñoso homenaje al ajetreo diario de la gran ciudad.
193
“My city gets up early,” intones an anonymous voice at the start of La ruta. And what a start
it is: a trompe l’oeil parade of pretty figures, vehicles and buildings representing Panama
City’s culture, while that voice describes, most amusingly, the zoological foundations of
our slang.
But this city symphony from filmmaker Pituka Ortega Heilbron is very much about the
real Panama. That prologue gives way first to aerial images of looming skyscrapers and
houses pressed into lush landscapes like mosaics. Once grounded, we follow several
ordinary Panamanians as they set out for work. These are the people that make this city
run. They indeed get up early, before dawn, and depend on public transportation to get
them where they’re going. This is where things get complicated.
Ricardo Martinelli began his presidency with promises to modernize Panama’s public
transit system, but after a term fraught with corruption the city’s buses, whether the
flamboyantly decorated “red devils” of old or the sleek newer models, continue to be
insufficient and prone to devastating accidents. It is estimated that some Panamanians
spend ten years of their lives commuting via this system. We deserve better. We deserve
to be safer. La ruta boldly states this urgent collective need, but, with its dreamy nostalgic
transitions and sublime music, it also pays loving tribute to the hustle and bustle of our
great city.
Director:
Pituka Ortega Heilbron.
Panamá, México, 2016 / Panama, Mexico, 2016.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
62 min.
Hypatia Films, Al Fondo del Callejón.
Sus créditos como directora incluyen
El corazón de las mujeres de piedra
(1998), Los puños de una nación
(2005) y fue uno de los directores
de la película de antología Historias
del canal (2014). La ruta (2016) es su
última película.
Her directorial credits include El
corazón de las mujeres de piedra
(1998), Los puños de una nación (2005)
and she was one of the directors of
the anthology film Historias del canal
(2014). La ruta (2016) is her latest film.
Pituka Ortega
Heilbron
Nadyezhda Adames, Ileana Novas, Pablo
Schverdfinger.
Pituka Ortega Heilbron.
Carlos Arango.
Contacto / Contact:
Hypatia Films
Email:
[email protected]
Samuel Larson Guerra.
194
Salsipuedes
Andrés era solo un niño cuando lo mandaron de su casa en ciudad de Panamá a vivir en el
estado de Washington, Estados Unidos. Su padre fue condenado a prisión por homicidio, y
su familia quiso alejar a Andrés de ese nefasto legado. Al comienzo de Salsipuedes, Andrés,
ya adulto, regresa a Panamá por primera vez con motivo del deceso de su adorado abuelo.
Su papá asiste al funeral escoltado por la policía, pero aún así logra escapar, y desencadena
entonces una serie de eventos que llenarán de peligro y drama el regreso de Andrés a casa.
Pero la situación también será una oportunidad para descubrir quién es él en realidad.
Salsipuedes, el debut del panameño Ricardo Aguilar Navarro y del cubano Manolito
Rodríguez, es un drama armado meticulosamente que exuda los códigos mortales del
bajo mundo, corrupción policial y secretos familiares. Tras pasar toda una vida en relativa
calma en los EE.UU., Andrés no está preparado para los problemas que le esperan al
mezclarse en la historia de su padre, problemas que se acumulan hasta que el propio
Andrés acaba con sangre en las manos.
Con el uso de vívidos flashbacks que nos adentran en la infancia del protagonista,
Salsipuedes se mueve con fluidez entre el pasado y el presente, el romance y la violencia,
opciones contrarias que reflejan la posición en la que Andrés termina sin darse cuenta, un
cruce de caminos existencial del que nadie puede regresar intacto.
Esta película participa por el Premio del Público MasterCard a la Mejor Película de América Central y El Caribe.
This film participates for the MasterCard Audience Award for Best Central American and Caribbean Film.
195
Andrés was just a boy when he was sent from his Panama City home to live in Washington
State. His father had been sentenced for murder, and his family sought to get Andrés
far away from this fraught legacy. When Salsipuedes begins, Andrés, now an adult,
returns to Panama for the first time on the occasion of his beloved grandfather’s death.
Andrés’ father is escorted to the funeral by police, yet he nevertheless manages to escape,
setting off a series of events that will make Andrés’ homecoming one rife with drama and
danger—but also self-discovery.
The feature directorial debut of Panama’s Ricardo Aguilar Navarro and Cuba’s Manolito
Rodríguez, Salsipuedes is a well-crafted drama seething with deadly underworld politics,
police corruption and family secrets. Having lived a relatively orderly life in the United
States, Andrés is unprepared for the troubles that await him as he becomes ensnared in
his father’s story—troubles that accumulate until Andrés himself comes to have blood on
his hands.
Employing vivid flashbacks that transport us to Andrés’ childhood, Salsipuedes slides
between past and present, violence and romance, binaries that reflect the position Andrés
unexpectedly finds himself in, an existential crossroads offering two very different life
paths from which no one returns.
Director:
Ricardo Aguilar N., Manolito Rodríguez.
Idioma / Language:
Español / Spanish.
Duración / Length:
95 min.
Viceversa Producciones.
Ricardo Aguilar Navarro, Sixta Díaz C.
Manolito Rodríguez.
Carlos Arango De Montis.
Alvaro Arce.
Reparto / Cast:
Elmis Castillo, Maritza Vernaza, Lucho Gotti, Jaime
Newball, Alina Rodriguez, Daniel Gomez Nate S.
Contacto / Contact:
Viceversa Producciones
Email:
[email protected]
Ricardo Aguilar Navarro es un
realizador panameño. Estudió
mercadeo y producción de cine.
Salsipuedes (2016) es su debut
como director.
Ricardo Aguilar Navarro is a
Panamanian filmmaker. He studied
marketing and film production.
Salsipuedes (2016) is his feature
directorial debut.
Manolito Rodríguez es un realizador
cubano. Estudió teatro en el Instituto
Superior de Arte de La Habana y
cine en la Escuela Internacional de
Cine y Televisión de San Antonio de
los Baños. Salsipuedes (2016) es su
debut como director.
Manolito Rodríguez is a Cuban
filmmaker. He studied theatre at
Instituto Superior de Arte de la Habana
and film at the International School of
Film and Television in San Antonio de
los Baños. Salsipuedes (2016) is his
feature directorial debut.
Ricardo Aguilar N.
Manolito Rodríguez
198
ÍNDICE | INDEX
ÍNDICE POR PELÍCULA | INDEX OF FILMS
3 Beauties, 30
3 Bellezas, 30
600 Millas, 32
A
A la Deriva, 190
À Peine J’ouvre les Yeux, 116
Al abrir mis Ojos, 116
Al Purdy estuvo aquí, 158
Al Purdy Was Here, 158
Alias María, 34
Anacleto: Agente Secreto, 36
Antes que cante el Gallo, 96
Aquí no ha pasado Nada, 38
As I Open My Eyes, 116
B
Baba Joon, 118
Bajrangi Bhaijaan, 126
Before the Rooster Crows, 96
Bem Casados, 84
Bleak Street, 60
Boca Juniors 3D, 160
Boy & the World, 182
Brother Bhaijaan, 126
Brujerías, 180
C
Call Me Marianna, 174
Camino a La Paz, 40
Carneros, 120
Cronaca di un Amore, 150
Crónica de un Amor, 150
D
Daughter of the Lake, 168
Death of a Cyclist, 152
Desde allá, 42
Desierto, 44
Dheepan, 122
Días Extraños, 46
Drifting Away, 190
E
El Abrazo de la Serpiente, 48
El Acompañante, 98
El Apóstata, 50
El Botón de Nácar, 162
El Cheque, 82
El Clan, 52
El Club, 54
El Desconocido, 56
Él me llamó Malala, 164
El Niño y el Mundo, 182
El Nuevo Nuevo Testamento, 124
Elephant, the Horse, 184
Entonces Nosotros, 100
Es Hora de Enamorarse: Una Historia Entre Bambalinas, 102
F
Felizmente Casados, 84
From Afar, 42
Future June, 170
Futuro Junho, 170
H
Happily Married, 84
He Named Me Malala, 164
Heart of a Dog, 166
Heliópolis - Bairro Educador, 58
Heliópolis - El Profesor de Violín, 58
Hermano Bhaijaan, 126
High Heels, 88
Hija de la Laguna, 168
Hijo de Saúl, 128
Hrutar, 120
I
I Promise you Anarchy, 108
J Jafar Panahi’s Taxi, 138
Junio futuro, 170
K Kenke, 86
L
La Calle de la Amargura, 60
La Delgada Línea Amarilla, 62
La Once, 172
La Ruta, 192
La Tierra de mi Padre, 104
La Tierra y la Sombra, 64
Land and Shade, 64
Le Tout Nouveau Testament, 124
Llámame Marianna, 174
M
Magallanes, 66
Meigallos, 180
Meurtre à Pacot, 106
Mi Gran Noche, 68
Mi Madre, 130
Mia Madre, 130
Mów mi Marianna, 174
Much ado About Nothing, 38
Muerte de un Ciclista, 152
Muerte en Pacot, 106
Murder in Pacot, 106
Mustang, 132
Mustang: Belleza salvaje, 132
My Big Night, 68
My Father’s Land, 104
My Mother, 130
N
No Filter, 72
No hay Paz entre los Olivos, 154
No Peace Under the Olive Tree, 154
Non c’è Pace Tra Gli Ulivi, 154
O O Menino e o Mundo, 182
One Floor Below, 144
R Rams, 120
Retribution, 56
Road to La Paz, 40
S
Saat Po Long 2, 136
Salsipuedes , 194
Saul Fia, 128
Semana Santa, 70
Seudónimo: Pirata, 92
Sin Filtro, 72
Son of Saul, 128
SPL2: A Time for Consequences, 136
SPL2: La hora de las consecuencias, 136
Spy Time, 36
Story of a Love Affair, 150
Strange Days, 46
Street Name: Pirate, 92
T
Tacones Lejanos, 88
Tamarindo, 100
Taxi, 138
Te Prometo Anarquía, 108
Tea Time, 172
The Apostate, 50
The Brand New Testament, 124
The Check, 82
The Clan, 52
The Club, 54
The Companion, 98
The Embrace of the Serpent, 48
The Pearl Button, 162
The Route, 192
The Second Mother, 76
The Thin Yellow Line, 62
The Violin Teacher, 58
Theeb, 140
Theeb - Sendero de valor, 140
Three Lives and Only One Death, 90
Timbuktu, 142
Time to Love: A Backstage Tale, 102
Tres Vidas y una Sola Muerte, 90
Trois vies et une seule mort, 90
Truman, 74
U
Un Caballo llamado Elefante, 184
Un Etaj Mai Jos, 144
Un Piso Abajo, 144
Una Segunda Madre, 76
V Viaje, 110
Viva, 114
W Witchcrafts, 180
P Paco de Lucía: A Journey, 176
Paco de Lucía: La Búsqueda, 176
Po, 134
Q Que Horas Ela Volta?, 76
Z Zachrisson, 92
ÍND IC E | IN D EX
199
ÍNDICE POR DIRECTOR | INDEX OF DIRECTORS
A
Abranches, Aluizio 84
Abreu, Alê 182
Abu Nowar, Naji 140
Acevedo, César Augusto 64
Aguilar N., Ricardo 194
Alberdi, Maite 172
Almodóvar, Pedro 88
Anderson, Laurie 166
Antonioni, Michelangelo 150
Asher, John 134
Audiard, Jacques 122
B
Bardem, Juan Antonio 152
Benaim, Abner 92
Bielawska, Karolina 174
Bilbao, Guido 102
Bouzid, Leyla 116
Breathnach, Paddy 114
C
Cabellos Damián, Ernesto 168
Caridad-Montero, Carlos 30
Castilla, Patricio 92
Cheang, Soi 136
Cruz, Arí Maniel 96
Cuarón, Jonás 44
Curiá, Virginia 180
D
De la Iglesia, Álex 68
De la Torre, Dani 56
De Santis, Giuseppe 154
Del Solar, Salvador 66
Delshad, Yuval 118
F
Fábrega, Paz 110
Fernández Almendras, Alejandro 38
G
Galofré, Miquel 104
Gamze Ergüven, Deniz 132
García, Celso R. 62
Gay, Cesc 74
Giroud, Pavel 98
González, Miguel I. 190
Guerra, Ciro 48
Guggenheim, Davis 164
Guzmán, Patricio 162
H
Hákonarson, Grímur 120
Hernández Cordón, Julio 108
J
Jiménez, Hernán 100
Johnson, Brian 158
Johnston, Tyler 104
K
Khan, Kabir 126
L
Larraín, Pablo 54
López, Nicolás 72
M
Machado, Sergio 58
Márquez, Abella Alejandra 70
Miquel, Galofré 104
Montenegro, Arturo 82
Moretti, Nanni 130
Muntean, Radu 144
Muylaert, Anna 76
N
Nemes, László 128
O
Ortega Heilbron, Pituka 192
P
Panahi, Jafar 138
Peck, Raoul 106
Pérez Him, Enrique 86
Q
Quebrada, Juan Sebastián 46
R
Ramos, María Augusta 170
Ripstein, Arturo 60
Ripstein, Gabriel 32
Rodríguez, Manolito 194
Rugeles, José Luis 34
Ruiz, Raoul 90
Ruiz Caldera, Javier 36
S
Sánchez Varela, Francisco 176
Sissako, Abderrahmane 142
T
Trapero, Pablo 52
V
Van Dormael, Jaco 124
Varone, Francisco 40
Veiroj, Federico 50
Vigas, Lorenzo 42
Vila, Rodrigo H. 160
W Waissbluth, Andrés 184
ÍNDICE POR PAÍS | INDEX OF COUNTRIES
Alemania / Germany
Mustang, 132
Mustang: Belleza Salvaje, 132
Un Piso Abajo, 144
Argentina / Argentina
Alias María, 34
Boca Juniors 3D, 160
Camino a La Paz, 40
Días Extraños, 46
El Clan, 52
Magallanes, 66
Road to La Paz, 40
Strange Days, 46
The Clan, 52
Truman, 74
Bahamas
Bélgica / Belgium
À peine j’ouvre les yeux, 116
Bolivia / Bolivia
Brasil / Brazil
Bem Casados, 84
Boy & the World, 182
Brujerías, 180
El Niño y el Mundo, 182
Felizmente Casados, 84
Future June, 170
Futuro Junho, 170
Happily Married, 84
Heliópolis - Bairro Educador, 58
Heliópolis - El Profesor de Violín, 58
Junio Futuro, 170
Land and Shade, 64
Meigallos, 180
O Menino e o Mundo, 182
Que Horas Ela Volta?, 76
The Second Mother, 76
The Violin Teacher, 58
Witchcrafts, 180
Canadá / Canada
Al Purdy estuvo aquí, 158
Al Purdy Was Here, 158
Catar / Qatar
Mustang, 132
Theeb, 140
Theeb - Sendero de Valor, 140
Chile / Chile
Aquí No ha pasado Nada, 38
El Club, 54
Elephant the Horse, 184
La Once, 172
Land and Shade, 64
Much ado About Nothing, 38
No Filter, 72
Sin filtro, 72
Tea Time, 172
The Club, 54
Colombia / Colombia
Alias María, 34
Días Extraños, 46
El Acompañante, 98
Land and Shade, 64
Magallanes, 66
Strange Days, 46
The Companion, 98
Costa Rica / Costa Rica
Tamarindo, 100
Viaje, 110
Cuba / Cuba
El Acompañante, 98
The Companion, 98
Viva, 114
Emiratos Árabes Unidos / United Arab Emirates
Theeb, 140
200
ÍNDICE | INDEX
ÍNDICE POR PAÍS | INDEX OF COUNTRIES
España / Spain
Anacleto: Agente Secreto, 36
Bleak Street, 60
Brujerías, 180
El Apóstata, 50
El Clan, 52
El Desconocido, 56
High Heels, 88
Magallanes, 66
Meigallos, 180
Mi Gran Noche, 68
My Big Night, 68
Paco de Lucía: A Journey, 176
Paco de Lucía: La búsqueda, 176
Retribution, 56
Spy Time, 36
Tacones Lejanos, 88
The Apostate, 50
The Clan, 52
Truman, 74
Witchcrafts, 180
Zachrisson, 92
Estados Unidos / United States
600 Millas, 32
Él me llamó Malala, 164
He Named Me Malala, 164
Heart of a Dog, 166
La Once, 172
Po, 134
Seudónimo: Pirata, 92
Street Name: Pirate, 92
Tamarindo, 100
Tea Time, 172
Francia / France
À peine j’ouvre les yeux, 116
Alias María, 34
Dheepan, 122
El Acompañante, 98
El Apóstata, 50
High Heels, 88
Land and Shade, 64
Mi Madre, 130
Mia Madre, 130
Mustang, 132
My Mother, 130
Tacones Lejanos, 88
The Apostate, 50
The Companion, 98
Three Lives and Only One Death, 90
Timbuktu, 142
Tres vidas y una sola muerte, 90
Trois vies et une seule mort, 90
Un piso abajo, 144
Guatemala / Guatemala I Promise you Anarchy, 108
Te prometo anarquía, 108
Haití / Haiti
Holanda / Netherlands
Future June, 170
Futuro Junho, 170
Junio Futuro, 170
Land and Shade, 64
Hong Kong / Hong Kong
Saat Po Long 2, 136
SPL2: A Time for Consequences, 136
SPL2: La hora de las Consecuencias, 136
Hungría / Hungary
Hijo de Saúl, 128
Saul Fia, 128
Son of Saul, 128
India / India
Bajrangi Bhaijaan, 126
Brother Bhaijaan, 126
Hermano Bhaijaan, 126
Irán / Iran
Jafar Panahi’s Taxi, 138
Taxi, 138
Irlanda / Ireland
Viva, 114
Islandia / Iceland
Carneros, 120
Hrutar, 120
Rams, 120
Israel / Israel
Baba Joon, 118
Italia / Italy
Cronaca di un Amore, 150
Crónica de un Amor, 150
Mi Madre, 130
Mia Madre, 130
My Mother, 130
No hay Paz entre los Olivos, 154
No Peace Under the Olive Tree, 154
Non c’è pace tra gli ulivi, 154
Story of a Love Affair, 150
Jordania / Jordan
Theeb, 140
Luxemburgo / Luxembourg
Mali / Mali
Timbuktu, 142
La Delgada Línea Amarilla, 62
La Ruta, 192
Semana Santa, 70
The Route, 192
The Thin Yellow Line, 62
Noruega / Norway
Panamá / Panama
A la Deriva, 190
Drifting Away, 190
El Acompañante, 98
El Cheque, 82
Es Hora de Enamorarse: Una Historia entre
Bambalinas, 102
Kenke, 86
La Ruta, 192
Salsipuedes, 194
The Check, 82
The Companion, 98
The Route, 192
Time to Love: A Backstage Tale, 102
Zachrisson, 92
Perú / Peru
Magallanes, 66
Polonia / Poland
Call Me Marianna, 174
Llámame Marianna, 174
Mów mi Marianna, 174
Puerto Rico / Puerto Rico
Antes que cante el Gallo, 96
Before the Rooster Crows, 96
Reino Unido / United Kingdom
Theeb, 140
Rumania / Romania
Un Piso Abajo, 144
Suecia / Sweden
Un Piso Abajo, 144
Trinidad y Tobago / Trinidad and Tobago
Tunisia
Turquía / Turkey
Mustang, 132
Mustang: Belleza Salvaje, 132
Mauritania / Mauritania
Timbuktu, 142
Uruguay / Uruguay
El Apóstata, 50
The Apostate, 50
México / Mexico
600 Millas, 32
Bleak Street, 60
Desde Allá, 42
Desierto, 44
From Afar, 42
Venezuela / Venezuela
3 Beauties, 30
3 Bellezas, 30
Desde Allá, 42
El Acompañante, 98
From Afar, 42
The Companion, 98
202
AGR A D E C I MI E N TO S | ACK NOWL E DGE ME NT S
AGRADECIMIENTOS | ACKNOWLEDGEMENTS
Ada Mata, ASSA
Carlos Clement, Global Brands
Galo Pinto, Casa Jaguar
Adriana Pérez Pinós, Centro Cultural de España
Carlos Iván Zúñiga Grifo, Radio 10
Geny Modes, SerTV
- Casa del Soldado
Carmen Puga, Mix Music Television
Gerald Gómez, Procter and Gamble
Adriana Rincón, El Venezolano
Carolina Ángel Hidrobo, Pela’os y Pela’as te cuentan…
Gina Díaz, INAC
Agustín Pérez, Roots
Carolina Pernett Martin, MasterCard
Gina Valderrama, Autoridad de Turismo de Panamá
Aileen Pérez, Grupo EPASA
Cecilia Anato
Gladys González, INAC
Aissa Gerbaud, American Trade Hotel
Chema Prado
Gustavo Him, Ministro de Turismo
Alberto Orillac, ELS Language Centers
Chris Ritchie, Cervecería Nacional
Hannia Espinosa, Universidad de Panamá
Alberto Velarde, boletodecine.com
Claudia Ureña, Despacho de la Primera Dama
Hayrho Middleton, IT LAB Panamá
Alejandro Aguilera, Cinépolis
Cristhian Florez, Alpha Grupo Editorial
Humberto Medina, Grupo Roble
Alessio Gronchi, Data Serve
Daibis González, ULACEX
Ibrahim Bhiku, Champion Motors
Alexandra Schjelderup, Alcaldía de Panamá
Dalys Grifo, Radio 10
Ida Hernández, Zetta Centroamérica y Caribe
Álvaro Alemán, Ministro de la Presidencia
Dalys Sánchez, USMA
Ignacio “Nacho” Molino, PTY Studios
Amit Kewalramani
Daniel Trejos, Ministerio de Relaciones Exteriores
Ignacio “Nacho” Gil, Top Media Group
Ana Mae Villamil, Varela Hermanos
David Benaim, Panatickets
Ileana Jiménez, Entérate PTY
Ana Pérez, Panatickets
David Candanedo, Panatickets
Ileana Novas
Ana Teresa Sosa, Boston International School
David Mizrachi, Alto Café
Inés Thompson, Canon Panama, S.A.
Anabella Licasale, TVN Media
Daysi Gómez, Centro de Alcance Brooklincito Irene Murillo, Samsung
Analida Galindo, Ochoymedio
Dina Bejerano, SerTV
Irving Luna, Corporación La Prensa
Analisa Williams, Huellas - Casa Cultural
Dulcidio De La Guardia, Ministro de Economía
Isaac Medina, Alto Café
Andrea Obediente, American Trade Hotel
y Finanzas
Isabel de St. Malo de Alvarado, Canciller de la
Andrea Puche, Panatickets
Edgar Orillac, T-Shirts Interamerica
República de Panamá
Annie Canavagio
Edgar Ramírez
Ivan Mejía, MICI
Antonio de Paúl Rodríguez, Grupo Roble
Eduardo J. Fábrega, ASSA
J. Tony Barcklay, En Estreno Enterprises Inc.,
Antonio Mitchell, Jefe de Seguridad de la
Eduardo Orillac, Zetta Centroamérica y Caribe
Jackeline Muñoz, Junta Comunal de Tocumen
Autoridad del Canal de Panamá
Eduardo Saenz, Museo de Arte Contemporáneo
Jaime Sandoval, HBO Latin America
Anubis Espino, FSU
Elena Cheng, KLM / Air France
Janelle Davidson, Directora del Instituto
Ariadna Rodulfo, MICI
Elías Jiménez, Panamá De Moda
Nacional de Cultura
Ariel Lim Yueng, Frecuencias Asociadas
Elizabeth Mosquera, ISAE
Jérôme Paillard, Marché du Film
Arlene de López, Ultra Stereo
Elys Onodera, Fundación Latidos
Jonathan Ali, Trinidad & Tobago Film Festival
Arthur Bernardes, Samsung
Eric Estrada, Servicio de Protección Institucional
Jorge Arbesu Cardona, MasterCard
Astrid Gómez, LUSH
Erica Florez, Grupo EPASA
Jorge Heilbron, Cerebo Y&R
Augusto Arosemena, Ministro de Comercio e Industrias
Esilda de Escala, Presidencia de la República José Cuervo, Canon Panama, S.A.
Azucena Benavides, Say the Same Subtitles
Federic Gornell, Boston International School
José Isabel Blandón, Alcalde del Distrito de Panamá
Bernardo Ordas, Copa Airlines
Fernando Aranda, Autoridad de Turismo de Panamá
José Rafael Fernández, Cinépolis
Berta Gallegos, Top Media Group
Fernando Ramón Jaén, Cervecería Nacional
José Scicilia, Boeing
Beto Ruiz, strambotix.com
Fiorella Fiorenza, Corporación La Prensa
Joseph Reid, Corporación Medcom
Betzaida Garisto, Junta Comunal de Ancón
Francisco de Borja Morate, Embajada de
Joyce Baloyes, UMIP
Bob Deutsch, Outdoor Movies
España en Panamá
Juan Francisco Guerrero, INAC
Bruno Torres, JC Decaux
Francisco José Cruz Fuenzalida, Embajador de
Juan Raúl Humbert
Carla Escoffery, Rumba Visual
la República de Chile
Judy Amado, American Trade Hotel Carla García, American Trade Hotel
Gabriel Padilla, DICINE
Julie Robinson, UBER
Carla Lozano, Autoridad de Turismo de Panamá
Gabriela Gnazo, Despacho de la Primera Dama
Julio Matteo, productor audiovisual
Carlos A. Motta, Global Brands
Gabriela Mora, Roots
Julio Rancel, Universidad de Panamá
AGRADE CIMIENTOS | ACKN OWLED G EMEN TS
203
Julissa Batista, Grupo Radio Mil
Martha Cucalón, Banco General
Rogelio Chacón, Universidad Latina
Karibeam Rivera, Fundación Latidos
Marubis Ríos de Rivera, Corporación La Prensa
Roger Vásquez, Museo de Arte Contemporáneo
Katiana Pérez, UIP
Mauricio Ah Chu, Máxima Panamá
(MAC)
KC Hardin
Max López, Ministerio de Relaciones Exteriores
Rosa Castillo, Cruz Roja de Panamá
Keidy Cáceres, Grupo Roble
Mayra Hurley
Rosa Guisado, USMA Kristine Matheson, MasterCard
Melba D’Anello, MICI
Roussana Barnett, DHL
Larry Maduro, FEDURO
Meli Arosemena de Lara
Rubén Darío Carles, ASSA
Laura Baker, Rumba Visual
Melissa de García de Paredes, Banco General
Rui Dinis, Fundación Bahía de Portobelo Leidy Pérez, Universidad de Santander
Melissa Velarde, Despacho de la Primera Dama
Ruth Herrera, Centro Cultural de España, Casa
Lili Maduro
Mercedes Arias
del Soldado
Lisseth Lee, Copa Airlines
Michelle Cabrera, Máxima Panamá
Ruth Rodríguez, KLM / Air France
Lorena Castillo de Varela, Primera Dama de
Miguel Bosé
Saajid Jasat Bhana, Villareal & Asociados -
la República
Miguel Ernesto Tirado, Cinépolis
Contadores Públicos Asociados
Lorena Navarro, Entérate PTY
Milka Sing, UDI
Sabrina Pecorari, FEDURO
Lorena Pitti, Corporación La Prensa
Mireya Blavia de Cisneros
Samuel Trujillo, IT LAB Panamá
Lourdes Gutiérrez, Fundación Bahía de Portobelo Mónica Calviño, INAC
Sandra Lombardo, Ministerio de Relaciones Exteriores
Lucero Maldonado, Corporación La Prensa
Nadege Herrera, Perrier
Shama Jain, Embajadora de la República de la India
Luchito Santamaría, Panamá de Moda
Nasira Bihku, The Saba Hotel
Silvia Anaya, Alvarez y Tapia Abogados
Lucia Bosé
Nestos González, Vice Ministro de Comercio Exterior
Silvia Estarás, Museo de Arte Contemporáneo
Luis Felipe Icaza, Unidad Administrativa de
Nicolas Hacker, PTY Local
(MAC)
Bienes Revertidos (MEF)
Nicolas Liakopulos, Niko’s Café
Soodabeh Salence, Corporación La Prensa
Maira Casis, Roots
Nina Tissera, Conservatorio Stephan Proaño, DICINE
Marcela Gómez, Revista Panorama de las Américas
Oliver Coba, Prisa Radio
Stephanie McLaughlin, La Musa Art Lounge
Marcelo Apicella, Embajador de Italia en Panamá
Omar Oporto, Ají by Canya
Tatiana Cabal, Cervecería Nacional
Marco Campagnani, 141
Omar Pinzón, Director General Policia Nacional
Taylin Luzcando, Maga Systems
Marco Ocando, Copa Airlines
Óscar Ruiz
Teresa Raquel De León, Cinépolis
Marelo Apicella, Embajador de la República de Italia
Pablo Schverdfinger
Valle García, Ochoymedio
María Antonia Vergara, DICINE
Pablo Torres, JC Decaux
Van Rex Gallard, Boeing
María D. Bermudez, La Isabela Suites
Paola Montilla, Las Clementinas
Victor Cordero, American Trade Hotel María de Lourdes Arias
Paulette Guardia, Rumba Visual
Victor Manuel Rojas, Ají by Canya
María Elena Guerra, DMO Autoridad de
Pedro Heilbron, Copa Airlines
Vielka Cornejo, UMECIT
Turismo de Panamá
Pepe Canya, Ají by Canya
Vinum Panamá, Martha Martínez
María Gabriela Fong, Maga Systems
Petra Kollmannsberger, Forest Finance
Yamilka Castillo Cox, Corporación La Prensa
María Martin Stanley
Pía Lackman, Air France
Yarabis García, Copa Courier
María Rosa de Muñoz, Universidad de Panamá
Rafael Arias
Yasmin Brea, Cancillería
María Teresa Banus, Administración de la Cinta
Ramón Ricardo Arias, GALA
Yazmín Brea, MINREX
Costera (MOP)
Ramón Rowley, Roots
Yeimy Balsas, Coveco
Mariana Baule, MICI
Ramón Santos Martinez, Embajada de España
Yhajaira Cerna, COLUMBUS
Marisa Paredes
Rebeca Somoza, Oficina del Casco Antiguo
Yolanda Espinosa, Instituto de Ciencias Aplicadas
Maribel Heilbron
Rhina Alvarez, Procter and Gamble
Yulissa Pérez, Focus Publications
Mario Castrellón, Maito
Ricardo Barría, Verite Producciones
Zuleika Rebolledo, T-Shirts Interamérica
Marisabel Arrocha, Directora de Patrimonio Histórico
Ricardo Camarena, UMECIT
Mark Lau, Canon Panama, S.A.
Ricky Barría, Verite Producciones, S.A
Marta Noemí Noriega, artista visual
Rodrigo “Lilo” Sánchez

Catálogo Oficial IFF Panamá 2016

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