1 Mayo 2014 G Estilo Joyero G AÑO XIV Nº 74 MAYO 2014

Transcripción

PUBLICACION BIMESTRAL DEL
COMPLEJO EDUCATIVO DE JOYERIA
AÑO XIV Nº 74 MAYO 2014
Mayo 2014 G Estilo Joyero G 1
2 G Estilo Joyero G Mayo 2014
sumario 74
v nuestra
tapa
PIEZAS DE TAPA
Vía Láctea
Pulsera de plata con cúbic.
Ver aviso en pag. 2 y 3
FOTOGRAFIA
Damián Wasser
30
v historia
Van Cleef & Arpels
elocuencia hecha joya
42
v personajes
Alexander Calder
un artista
en movimiento
38
v gemología
STAFF
DIRECTOR / PROPIETARIO
Damián Hernán Wasser
Un obelisco
de aguamarina
PRODUCCION GENERAL
Y FOTOGRAFIA
Damián Wasser
ARTE, DISEÑO
Y DIAGRAMACION
Verónica Borsani
60
REDACCION PERIODISTICA
Natalia Calabrese Castro
v curiosidades
Calaveras de “memento
mori” a íconos de la moda
v
índice
24 mercado
Lanzamiento de la PDE
56 historia
El Victoriano
60 galería
Futuros Talentos:
Alumnos del
CEJ muestran sus
creaciones
66 cej Calendario
Marzo 2014
ADMINISTRACION
Graciela Porto
PUBLICIDAD
Tel.: (11) 4901-1212
Cel.: 15-3000-3686
[email protected]
www.estilojoyero.com.ar
Impreso en LATINGRAFICA S.R.L.
Prohibida la reproducción
parcial o total.
Tirada: 2.500 ejemplares.
actualidad
El anillo de compromiso Joyería con diamantes
de Clooney
de laboratorio
G
G
El soltero más codiciado, de 52 años, ha cedido ante los
encantos de Amal Alamuddin, la abogada de derecho
internacional, activista y escritora británico-libanesa reconocida recientemente por haber representado a Julian Assange,
fundador de WikiLeaks. A tan solo siete meses de iniciado su
noviazgo, el actor, director y ganador del Oscar le propuso
matrimonio con un enorme diamante de corte Esmeralda de
más de 7 quilates, que cubre por completo el ancho del dedo
de su prometida y fue adquirido en un valor de aproximadamente u$s 650.000.
Como era de esperarse, el anuncio generó gran revuelo
entre sus fans y tanto los
medios como las redes
sociales explotaron con
la noticia. El anillo pudo
verse en twitter, tras
haber sido fotografiado
durante una cena que
compartieron Clooney y
su prometida con Cindy
Crawford y su marido,
Rande Gerber, en su residencia de Santa Bárbara,
California.
Según los expertos, el anillo de platino destaca un diamante principal de corte esmeralda grado VS1 o superior, de
unos 7,5 cts., flanqueado por dos pequeños diamantes de corte
baguette.
Si bien se especula que la boda podría ser anunciada para
septiembre de este año, todavía no hay precisiones acerca de
la fecha.
La diseñadora de joyas Reena Ahluwalia ha lanzado
recientemente su primera línea de joyas con diamantes
sintéticos creados en laboratorio, bajo el nombre “Nurture by
Reena”.
Según Ahluwalia, la marca está “comprometida a dar a
conocer y certificar el origen de cada diamante, para asegurar
su adquisición ética y ecológicamente sustentable”.
“Moments Collection”, la primer colección de la marca está
provista de un código QR único para cada pieza, lo que permite
que el comprador personalice su joya valiéndose de las nuevas
tecnologías y de una forma muy especial. De este modo, el
usuario podrá escanear con su smartphone el código oculto en
la joya y acceder a contenido multimedia personalizado.
La colección será presentada en la exposición JCK Las
Vegas, del 30 de Mayo al 2 de Junio.
De Dios Joyas en el
Miami Fashion Week
G
Del 15 al 18 de Mayo se desarrolló la edición número 15
del Miami Fashion Week en el Centro de Convenciones
de Miami Beach. Desde 1999, Miami Fashion Week presenta a
los diseñadores establecidos y emergentes de moda, joyería y
accesorios a través de acciones de prensa, desfiles y exhibiciones en Miami, Florida. Este evento anual conjuga diseñadores
de todo el planeta en una fiesta donde se muestra lo mejor
de cada categoría. Figuras globales de la moda como Custo
Barcelona, Andrés Sarda y Agatha Ruiz de la Prada estuvieron
presentes en esta edición.
DE DIOS Joyas, marca local que produce joyería con
diseños innovadores, alta calidad y con énfasis en las últimas
tendencias de la moda internacional, compartió con otros
diseñadores nacionales el Stand Argentino de la muestra con
la intención de vender la marca al mercado americano como
un paso más en el proceso de crecimiento.
Smartphones preciosos
G
El mercado de dispositivos
móviles super exclusivos se ha
puesto algo más competitivo gracias al ingreso al nicho de la marca
suiza Savelli, con su colección de
once modelos de teléfonos celulares
Android, diseñados exclusivamente
para mujeres. Estos smartphones
combinan oro 18K, pieles exóticas y
piedras preciosas, y están fabricados con el cuidado y la delicadeza
de una joya. Con sus diseños elegantes y su construcción
premium, la colección Savelli ha generado cierto revuelo en
la industria. Si bien los modelos más modestos de la colección
podrán conseguirse por unos u$s 9.000, también habrá dos
versiones para los clientes más exquisitos. “Emerald Night” y
“Emerald Insane”, fueron diseñados con la colaboración de la
empresa minera Gemfields, son de edición limitada, y están
adornados con esmeraldas y diamantes, lo que los cotiza en
u$s 71.000 y u$s 244.000 respectivamente. Pero para adquirirlos, habrá que darse una vuelta por la sección de alta joyería
del Harrods’ de Londres, ya que tienen la exclusividad para la
venta de estos lujosos dispositivos.
100 años de vida para
celebrar
G
Alberto Corvetto es una persona muy conocida en el gremio
por su larga y activa trayectoria. Prácticamente nació con la
joyería, ya que su padre era uno de los dueños de la Joyería La
Royal, en la calle Esmeralda. Cuando se independizó formó una
sociedad de 10 años, Corvetto & Piotti, donde fabricaban piezas
de oro para Casa Escasany y otras importantes firmas.
En el año 1954 comienza la historia de Glecor S.R.L., cuando
Alberto Corvetto se asocia con tres joyeros orfebres: Sigfrido
Glecer, Manuel Lichtenstein y Marcos Kumec, amigos de toda
la vida, y se hace cargo de la parte comercial y administrativa.
La empresa se dedicó a la fabricación de cajas y pulseras de oro
para las mejores marcas de relojes suizos, y alhajas finas. Pero
el cambio más importante que llevó al desarrollo de nuevas
piezas tuvo lugar a partir de la “fiebre del oro”, cuando el valor
de la onza subió de 33 a 600 dólares a nivel internacional, a
fines del ’67. Allí comenzó la fabricación de joyas en plata, y
luego, en el ’77, llegaron al enchapado en oro “Oroglecor”, con
un gran éxito de ventas. A partir de esta innovación lograron ser
proveedores por muchos años de la firma Avon, así como de las
mejores joyerías y casas de bijouterie de la Argentina, firmas
que hoy, en su mayoría, continúan siendo clientes y amigos.
Corvetto tuvo la gran responsabilidad de ser vicepresidente
durante 25 años de la Cámara de Joyería y Afines, junto al Sr.
Martínez Cajigall, manteniendo durante su gestión una activa
participación en temas relacionados con el gremio.
Actualmente se lamenta de que ya casi no encuentra pares
ni amigos, como antes. Va a Libertad casi todos los días, toma su
café, lee el diario y vuelve a su casa. Ya delegó la responsabilidad
de su ex empresa, que en el año 2001 pasó a manos de cuatro de
sus empleados, quienes afrontaron la aventura de continuar con
la firma en uno de los momentos mas difíciles del país.
Su hija Marisa, gran admiradora de su persona y orgullosa
de tenerlo como padre lo define como “un hombre muy inteligente, responsable, sumamente trabajador durante toda su vida,
cariñoso y generoso”.
Desde Estilo Joyero le deseamos un muy feliz cumpleaños y
que cada día que pase junto a sus seres queridos sea motivo de
celebración y alegría.
actualidad
Buccellati presenta la
funda de iPhone más
cara del mundo
G
La marca de lujo italiana presentó en la feria Baselworld
de este año la carcasa para iPhone más cara del mundo,
con un precio de venta de u$s 208.000. Pero esta no fue la
única pieza de este tipo. También fabricaron una carcasa para
iPad, con un tamaño obviamente
mayor y un valor de
u$s 485.000. Como parte de
su nueva colección “Única”, las exclusivas piezas
creadas por Lucrezia
Buccellati e inspiradas
por las ilustraciones
solares de Leonardo
Da Vinci, ostentan
un intrincado diseño
con la técnica Rigato
sobre oro amarillo y
blanco con diamantes. El diseño es tradicional y consistente
con el estilo de la marca.
Buccellati es mundialmente conocido por sus elaborados
diseños de joyas en oro y platino, grabadas y engarzadas profusamente con diamantes. Pero la marca de 95 años ha sabido
evolucionar con el tiempo y está buscando su continuidad a
través de la innovación.
Primera Palma de
Cannes “responsable”
G
Chopard, la firma encargada de la fabricación del famoso
trofeo desde el año 1998, presentará la primer Palma de
Oro realizada con metal obtenido de la minería responsable,
y que será entregada este año al filme ganador del premio a la
mejor película en el Festival de Cine de Cannes.
La jugada tiene como objetivo trascendental poner el foco
en la minería responsable y los artículos de lujo sustentables, a
través del evento más glamoroso de la industria cinematográfica, para aprovechar la difusión mediática y conseguir cobertura internacional.
Chopard anunció recientemente su intención de transformarse en una empresa “verde”, una tendencia hacia la joyería
responsable y sustentable que esperan se traslade a los participantes más representativos de la industria del lujo. Como parte
de esta campaña, la empresa Chopard se ha comprometido
a seleccionar proveedores que puedan demostrar prácticas
responsables, tanto en el plano social como ambiental. El año
pasado, la firma lanzó una colección de alta joyería para la Alfombra Verde, la primera de su tipo en el mundo, realizada con
oro de fuentes responsables. La colección captó la atención de
celebridades como Cate Blanchett, quien lució un par de aros
de diamantes de esta colección para los Globos de Oro.
Chopard es la primer empresa del sector en asociarse con
la Alianza de Minería Responsable (ARM), una asociación
de empresas mineras de pequeña escala certificadas en los
estándares de Minería Etica. De este modo, la empresa sienta
un importante precedente y redefine lo que en breve serán las
nuevas reglas del comercio en el sector de joyería de lujo.
mercado
v Un edificio de gran altura albergará las
oficinas de la Bolsa de Diamantes de Panamá y
simultáneamente un centro comercial de joyería.
Lanzamiento de la Bolsa de
Diamantes de Panamá
G En el marco de la Cumbre Diamantes y Joyería de América Latina, se anunció el
lanzamiento del Panama Gem & Jewelry Center, el primer centro joyero de la región que albergará la única bolsa de diamantes de América Latina aprobada por la
Federación Mundial de Bolsas de Diamantes.
Texto Natalia Calabrese Fotos Cortesía Bolsa de Diamantes de Panamá (PDE)
E
li Izhakoff, Presidente vitalicio de la Federación Mundial de Bolsas de Diamantes
(WFDB), el Consejo Mundial del Diamante
(WDC) y la Confederación Mundial de Joyas
(CIBJO), preguntó en su discurso inaugural, “¿Por qué atrae y emociona tanto un evento que ha
sido organizado por una joven bolsa de diamantes para
celebrar el lanzamiento de un centro que todavía no ha
comenzado a operar?”. “La respuesta es simple”, respondió, “entendemos lo que el establecimiento de un
sistema de negociación seguro y estructurado significa
para el desarrollo del mercado de diamantes, piedras
preciosas y joyería, no sólo en Panamá sino en toda
América Latina, que hasta el día de hoy, no había podido
disfrutar de los servicios de un complejo de este tipo”.
Uno de los objetivos del Panama Gem & Jewelry Center,
es que América Latina llame la atención de los mercados internacionales, atención que en los últimos años se
ganaron otros países como China, India y el Golfo Pérsico. Para Eli Izhakoff el crecimiento de estas zonas fue
precedido por la creación de centros de comercio que
proporcionaron la infraestructura necesaria para realizar actividades comerciales. “Al igual que en 1800, el
establecimiento de la línea de ferrocarril en los Estados
Unidos, llevó al oeste americano a convertirse en una de
las economías más poderosas del mundo, la creación del
Panama Gem & Jewelry Center impulsará el crecimiento
y desarrollo del mercado de diamantes, piedras preciosas
y joyería en América Latina”, afirmó.
Durante el encuentro, Erez Akerman, Presidente de
PDE destacó que el proyecto busca: “primero, facilitar
un centro de comercialización seguro y estructurado
que cuente con los requisitos específicos del sector en
la región, suministrando una variedad y volumen de
mercancía que durante años sólo se ha podido obtener
viajando fuera de la región. Segundo, ofrecer un punto
de acceso para que distribuidores, comercializadores
y compradores de todo el mundo lleguen al mercado
joyero y de piedras preciosas en América Latina, el cual
está valorado en $8 mil millones de dólares al año y se
espera que crezca de forma significativa en los próximos
años”. El Panama Gem & Jewelry Center será el primer
complejo en toda América Latina exclusivamente dedicado al comercio de diamantes, piedras preciosas y
joyas. El corazón latente del nuevo edificio será la Bolsa
de Diamantes de Panamá. “Planeamos hacer de PDE
un lugar en el cual podrán reunirse entre colegas, y
sentar las bases con compradores y proveedores de todo
el mundo”, afirmó Erez Akerman.
¿Por qué Panamá? Ciertamente, que el centro de comercio más importante de joyas sea establecido en un
mercado de bajo consumo no es un hecho sin precedentes. Amberes, Tel Aviv e incluso Dubai no son mercados
principales por sí mismos. Sin embargo, son centros que
suplen áreas masivas, y están dedicados al crecimiento y
desarrollo de la región a la que sirven. Este será el rol del
centro panameño que funcionará como un “hub” para
América Latina. Asimismo, el gobierno de Panamá ha
brindado un apoyo sólido al proyecto durante estos años.
LATINOAMERICA
BOLSAS DE DIAMANTES DEL MUNDO
mercado
v Líderes de la industria reunidos en la ceremonia de inauguración.
v Erez Akerman. Presidente de la PDE.
En 2012, cumplió con los requisitos para convertirse en
miembro del Proceso Kimberley (sin el cual PDE tendría
dificultades para operar) y aprobó una regulación que
permite al área de PDE y el Panama Gem & Jewelry Center operar como una zona libre de impuestos (aspecto
clave para poder crear un ambiente financiero y legal
apropiado para poder desarrollar el proyecto).
“Bajo la previsión de que Latinoamérica se convierta
en el gran mercado para la joyería y las piedras preciosas
en el futuro cercano, Panamá no podía perder la oportunidad de ser, del mismo modo, el punto de encuentro entre
el sector de la joyería de la región y el mundo gracias al
Panama Gem & Jewelry Center”, afirmó el presidente de
Panamá, Ricardo Martinelli. Según Erez Akerman “en el
comercio de joyas y piedras preciosas de América Latina,
todos los caminos conducirán de y hasta Panamá”.
El evento de apertura de la PDE contó además con
la presencia de dos representantes argentinos: Damián
Colombo, prestigioso gemólogo y diseñador de joyas, y
su socio Gustavo Picchio. Como miembros fundadores
de la PDE tendrán la posibilidad de generar una fluida
interacción entre el mercado local y este nuevo centro
comercial, propiciando el abastecimiento de diamantes
y fomentando el comercio internacional de joyas de alta
gama. Según ellos, “la creación de la bolsa de diamantes panameña genera una gran oportunidad y llena un
vacío para quienes trabajamos con joyas, porque antes
debíamos viajar fuera de nuestro continente para abas26 G Estilo Joyero G Mayo 2014
v Eli Izhakoff. Presidente vitalicio de la WFDB, WDC y CIBJO.
tecernos de diamantes, piedras preciosas e interiorizarnos sobre las nuevas tendencias y tecnologías. Da cuenta
también del potencial de crecimiento que está demostrando la región en el mercado de lujo global, como consumidores pero también como generadores del valor
agregado”. Sin duda serán referentes fundamentales, ya
que este nuevo rol se suma a los servicios de certificación, valuación, tasación, peritaje y sucesiones, que
prestan desde hace años.
Pero la creación de un organismo de estas características en nuestra región es totalmente lógico, ya que
Latinoamérica es un interesante mercado de joyería sin
explotar. Además la región muestra una creciente autonomía, y una clase media en expansión que dispone de
mayores ingresos, con un mayor interés por marcas y
productos de lujo.
Con una inversión de 200 millones, es el proceso más
ambicioso desarrollado en el marco del comercio de diamantes, joyas y piedras preciosas de la región. Para Eli
Izhakoff “no existirán perdedores en este proceso, solo
ganadores” puesto que mientras el sector crezca en Panamá, también lo hará el comercio en América Latina.
Y conforme el mercado Latinoamericano alcance todo
su potencial, la industria mundial crecerá también. “Lo
cierto es que la reunión de esta semana en Panamá será
recordada como un hito para el sector de los diamantes,
piedras preciosas y joyería en Panamá, América Latina y
a nivel internacional”, concluyó. ✦ Servicios
de gemología
✦ Certificación
y valuación de diamantes
Piedras preciosas y alhajas
✦ Tasaciones,
Peritajes y Sucesiones
®
es marca registrada de
Miembros Fundadores de Panama Diamond Exchange®
Socios estratégicos en Argentina
La primera y única
Bolsa de Diamantes de América Latina
S.A.
historia
Van Cleef & Arpels
elocuencia hecha joya
G La firma francesa, fundada en 1906, es dueña de un estilo naive, colorido y estrechamente emparentado con la naturaleza. La búsqueda de la excelencia la han
ubicado entre las casas de joyería más finas y codiciadas, y sus diseños siempre
vigentes son el resultado de una constante innovación.
Texto: Natalia Calabrese Fotos: Van Cleef & Arpels
L
a historia de la firma nace producto de una historia de amor entre Alfred Van Cleef y Estelle
Arpels, hacia finales del siglo XIX. Ella era la
hija de un comerciante de piedras preciosas y
él era hijo de un joyero prominente que había
llegado a ser bien conocido en París por su capacidad de
volver a cortar gemas defectuosas, aumentando su valor.
Como los jóvenes amantes tenían mucho en común, en
1895 se casaron y pocos años después idearon lo que iba
a ser la Maison de Van Cleef & Arpels.
En 1906, Alfred estableció el negocio con el hermano
de Estelle, Charles, ubicando la boutique en el centro de
París, justo frente al famoso hotel Ritz. Pocos años después se sumaron los otros hermanos de su esposa: Julien
y Louis. La Plaza Vendôme, en donde estaba ubicada la
tienda, atraía a aristócratas rusos, europeos y hombres
de negocios norteamericanos, haciendo que Van Cleef &
Arpels se convirtiera en poco tiempo en un símbolo del
lujo parisino y referente de elegancia internacional.
Desde su fundación, la firma ofrecía a sus clientes la
posibilidad de ordenar la joya de sus sueños y diseñarla
a medida. Creado alrededor del año 1908, el barco Varuna fue uno de los primeros pedidos especiales hechos a
la Maison. Confeccionada con ébano, esmalte verde, y
blanco, rubíes, oro y jaspe, esta joya única fue probable-
Esta capacidad de ser clásicos
pero con creatividad, definiría el
estilo de la firma.
mente ordenada por Eugene Higgins, una figura prominente de la sociedad de Nueva York, dueño del yate de
vapor más moderno de su tipo en aquel entonces.
Durante la Primera Guerra Mundial, Charles y Louis
fueron llamados a la guerra, mientras que Alfred (que
estaba exento debido a su mala salud), se ocupó de la
empresa durante cuatro años. Durante ese tiempo, Estelle
v Retrato de
Alfred Van Cleef y Estelle Arpels, fundadores.
v Arriba: Minaudière cerrado. Se aprecia
la tapa con un elaborado diseño.
Abajo: Pieza abierta exhibiendo todos sus
compartimentos.
sirvió como enfermera y cuidó de Emile Puissant, un joven teniente que había sido herido (quien posteriormente se casaría con su hija y se convertiría en responsable
de la administración de la empresa). Pero incluso durante la guerra, el negocio siguió siendo exitoso. Van Cleef &
Arpels producía joyas creativas y atractivas, mostrando
que eran capaces de romper con lo convencional mediante la creación de una línea de joyas hechas de madera. Esta capacidad de ser clásicos pero con creatividad,
definiría el estilo de la firma.
En 1942, la familia Arpels emigró a los Estados Unidos y abrió su primera boutique en Nueva York en la 5ta
Avenida. Más tarde, se convirtieron en los primeros joyeros franceses en abrir tiendas en Japón y China. A lo
largo de su historia, Van Cleef & Arpels hizo numerosas
contribuciones a la historia del diseño. La primera fue
con la creación del Minaudière, un tipo de neceser en
oro y plata, que toma la forma de una caja y en cuyo
interior pueden guardarse distintos elementos útiles
v La delicadeza del joyero dándo vida a esta maravillosa pieza.
historia
3
1
4
2
para la mujer como lápiz labial, reloj, gafas de lectura, o llaves.
Otra contribución importante fue la invención de la
conocida técnica de ajuste de piedras preciosas llamada
engarce invisible (“Serti Mysterieux”). El ajuste se llama así porque parece como si nada estuviese sujetando a las piedras: no se observan dientes o biseles. Las
piedras están aseguradas en su parte inferior por una
rejilla de metal que queda oculta. Este nuevo tipo de
engarce revolucionó el mundo de la joyería y posibilitó
el surgimiento de una nueva estética, puesto que con
esta técnica las piedras comenzaron a tomar más protagonismo.
VAN CLEEF & ARPELS Y LAS HISTORIAS DE AMOR
El amor de Estelle y Alfred, que hizo posible la creación de una de las más prestigiosas firmas de joyería
del mundo, vive hasta el día de hoy, a través de las historias amorosas que fueron marcadas por las piezas de
la Maison. A lo largo de los años, distintas relaciones
sentimentales llevaron de la mano joyas de Van Cleef
& Arpels. Entre ellas, no es fácil de olvidar el caso
de Eduardo VIII, quien renunció al trono de Inglaterra luego de tan sólo 11 meses de reinado, para poder
consumar su amor con Wallis Simpson, ya dos veces
divorciada. En 1937, el Duque de Windsor le regaló,
con el fin de conmemorar su matrimonio, un brazalete
compuesto de zafiros y diamantes, todos ellos tallados
de forma diferente. El duque solía pasar horas con los
v 1 y 2. Piezas Van Cleef & Arpels confeccionadas con la técnica de engarce invisible (“Serti Mysterieux”). v Piezas de la colección “Ballet de las
Joyas” de Van Cleef & Arpels.
diseñadores de Van Cleef & Arpels para añadir su toque
personal a todas las creaciones que ordenaba a su esposa
como prueba de amor.
Por otro lado, tres meses después de que el príncipe
Rainiero de Mónaco adquiriera el juego de collar, aretes,
anillo y brazalete de perlas y diamantes que le obsequió
a su futura esposa para proponerle matrimonio en 1956,
la casa Van Cleef & Arpels recibió la notificación de que
había sido nombrada proveedora oficial del Principado.
También, los dos anillos de compromiso que Jacqueline
Bouvier recibió a lo largo de su vida fueron hechos por
Van Cleef & Arpels. En el verano de 1953, John F. Kennedy le presentó un anillo de esmeralda y diamantes para
pedirle matrimonio y quince años después, cuando ella
accedió a casarse con Aristóteles Onassis, el multimillonario griego le regaló un anillo de diamantes de 40 quilates. Finalmente, en el caso de Liz Taylor, durante los
años que vivió un intenso romance con Richard Burton,
con quien se casó dos veces, el actor compró diferentes
piezas para ella en Van Cleef & Arpels. Entre sus muchas
adquisiciones, por ejemplo, está el hermoso juego Reina
Margarita.
PIEZAS ICÓNICAS
En 1925, la “Pulsera de rosas” de Van Cleef & Arpels,
adornada con rosas rojas y blancas formadas de rubíes
y diamantes ganó el gran premio en la Exposición de
Artes Decorativas de París. Este hecho hizo famosa a la
firma mundialmente. La pulsera con estilo floral se
v Van Cleef & Arpels en Place Vendôme, París.
v Barco Varuna
confeccionado para
el dueño del yate de
vapor más moderno
de aquel entonces.
v El famoso prendedor de Eva Perón realizado por Van Cleef & Arpels.
historia
v Marlene Dietrich
luce el brazalete
Jarretière en una
escena de un
filme de Alfred
Hitchcock.
v “Zip Necklace”, dise-
ñado para la Duquesa
de Windsor. Puede
usarse abierto como
collar o cerrado como
pulsera.
componía de 463 brillantes redondos, 293 rubíes, esmeraldas y platino. Muchos de los diseños posteriores
de Van Cleef & Arpels también estuvieron inspirados en
la naturaleza, marcando un estilo que perdura hasta la
actualidad en todas sus creaciones.
En 1930 fabricaron el brazalete Jarretière para la actriz y cantante alemana Marlene Dietrich. Confeccionado con diamantes, rubíes y platino, se lo puede observar
en el brazo de la actriz en una escena de un filme de
Alfred Hitchcock. Si bien era la única pieza de joyería de
la cual Dietrich se resistía a desprenderse, finalmente se
vendió por 990 mil dólares en Sotheby poco antes de su
muerte en 1992.
Otra fuente de inspiración para la firma fue la danza.
En 1967, se creó el “Ballet de las Joyas” (Ballet Précieux)
ofreciendo un excelente homenaje a este arte, mostrando piezas espectaculares y únicas que plasman una armonía, poesía y elegancia sin fin. Estas exquisitas piezas
fueron un éxito inmediato con los clientes estadounidenses glamorosos de la Maison, que los vieron como
símbolo de alegría y esperanza durante los oscuros días
de la guerra con Vietnam.
En la década del 30 la Duquesa de Windsor le pidió
a los diseñadores de Van Cleef & Arpels que crearan un
cierre en diamantes y platino para uno de sus vestidos.
El desafío era inédito, pero la firma no dudó en poner
manos a la obra. La innovación necesaria para este trabajo requirió varios años de dedicación y fue recién en
1951 cuando se logró plasmar aquella idea en el legen34 G Estilo Joyero G Mayo 2014
dario “Zip Necklace”, una pieza diseñada para usarse
abierta como collar o cerrada como pulsera.
Pero para los argentinos, Van Cleef & Arpels es la firma detrás de dos grandes íconos de nuestra historia: la
emblemática figura de Eva Duarte de Perón y su famoso
broche representativo de la bandera argentina que la firma realizara para ella en el año 1949. Es precisamente
aquel broche que tomó trascendencia nuevamente en
enero de este año, tras haber sido comprado en subasta
por el empresario Garfunkel a un valor cercano al medio
Muchos de los diseños posteriores
de Van Cleef & Arpels también
estuvieron inspirados en la
naturaleza, marcando un estilo
que perdura hasta la actualidad.
millón de dólares para ser regalado a su esposa, la modelo Victora Vanucci, en el día de su cumpleaños.
Evocar las joyas de Van Cleef & Arpels es también
ilustrar la historia de la alta sociedad de los años veinte
a los años cincuenta y el nacimiento del jet-set de los
setenta. La empresa fue siempre gestionada por un descendiente de la familia Arpels hasta que fue adquirida
por la Compagnie Financière Richemont SA en 1999. Actualmente, es una de las principales casas de joyas de
todo el mundo.
gemología
v Inauguración de
la exhibición del
Dom Pedro en el
Museo de Historia
Natural del Instituto
Smithsoniano.
Un obelisco
de aguamarina
G Dom Pedro es la mayor aguamarina
tallada del mundo. Es un regalo de la
naturaleza y el resultado del excelente
trabajo de un maestro cortador.
Texto Natalia Calabrese Fotos Gentileza Atelier Tom Munsteiner
E
l aguamarina a partir de la cual se creó el
“Dom Pedro” fue encontrada en Brasil a finales
de 1980 en una mina de Minas Gerais (Brasil).
En aquel entonces, medía más de dos metros
de largo y pesaba cerca de 40 kilos. Cuando los
mineros intentaron arrastrarla fuera de la mina, la misma
se rompió en tres pedazos. Este aparente desastre, finalmente resultó crucial para el posterior proceso de tallado.
Se cree que el dueño de la mina rápidamente tomó posesión de aquel tesoro y vendió los dos primeros bloques,
que fueron cortados para joyería comercial. Pero mantuvo
el tercero, y el más grande, detrás de su cama. O al menos,
eso cuenta la historia.
Bernd Munsteiner se enteró de la existencia de esta
aguamarina gracias a su amigo Jürgen Henn. Henn había
viajado a Brasil en 1991 para ver este espectacular cristal,
el más grande que había visto en su vida y estaba convencido que había que hacer algo con él. Un año más tarde lo
contactó para decidir la compra. Bernd Munsteiner sabía
v Aguamarina
Dom Pedro tallada en
forma de obelisco por
Bernd Munsteiner.
v Bernd Munsteiner (der.) junto al curador Dr. Jeffrey Post.
v Aquí puede apreciarse
con claridad el tamaño
de la obra.
que el cristal era muy valioso, pero no podía trasladarse a
Brasil para examinar la piedra. En su lugar, viajó su hijo
Tom, quien consideró que era un proyecto en el cual su
padre iba a querer participar. Así, Henn se reunió con el
dueño de la aguamarina para cerrar el trato. Después de
una larga negociación, la venta finalmente fue acordada
con un apretón de manos.
Cuando llegó el cristal, fue “amor a primera vista” para
Munsteiner puesto que, si bien de vez en cuando se encuentran grandes cristales, nunca había visto una aguamarina de tal claridad y color. Esta fue una oportunidad
única para Munsteiner de crear algo diferente, algo realmente importante. La mayoría de estos cristales grandes
se cortan en muchas pequeñas piedras preciosas para la
industria de la joyería y tal fue la suerte de dos de los tres
fragmentos.
Aunque Bernd Munsteiner había fabricado con anterioridad grandes esculturas preciosas, este sería su mayor proyecto. Comenzó en agosto de 1992 y durante
El diseñador
Bernd Munsteiner, es considerado uno de los más
importantes artistas de la gemología del siglo XX.
Nació en una familia de talladores de gemas, y su
trabajo es la manifestación de una forma de arte
que ha ido pasando de generación en generación.
Nunca nadie le preguntó qué quería hacer cuando
fuera grande, puesto que se esperaba que siguiera
los pasos de su padre y su abuelo. Así, se convirtió
en un aprendiz en el comercio de la familia a la edad
de 14 y más tarde estudió en la Escuela de Diseño
en Phorzheim, Alemania, donde se graduó como
diseñador de piedras preciosas y joyas. Uno de sus
más importantes logros, fue revolucionar el arte
lapidario con su técnica de facetado conocida como
“Fantasy Cuts”.
gemología
v Bernd Munsteiner con otra de sus esculturas, “Metamorfosis”.
cuatro meses sólo se dedicó a observar al monstruo
azul. Tenía confianza en ser capaz de trabajar con el
cristal porque para él, el hecho de que se haya roto en
tres pedazos en Brasil, era realmente algo bueno. Tras
haberse partido al salir de la mina, se habían aliviado
las tensiones ocultas dentro del cristal y sabía que no se
iba a romper o fracturar durante el corte. Munsteiner
estaba fascinado de estar trabajando en un proyecto de
este tipo y durante esos meses no durmió demasiado.
Constantemente pensaba en el cristal y hasta soñaba
con él, ya que si hacía las cosas bien podía lograr una
obra de arte memorable, pero si algo salía mal podía
destruir totalmente la piedra junto con su ambicioso
proyecto.
Munsteiner estaba fascinado de
estar trabajando en un proyecto
de este tipo y durante esos meses
no durmió demasiado.
Eligió la forma de obelisco para maximizar su longitud. Trabajó durante seis meses y, debido a que necesitaba mucha concentración y precisión, nunca lo hizo
durante más de dos horas al día: un pequeño error y
el cristal podría romperse y ser arruinado. El corte y
facetado fue completamente realizado a mano, algo que
por lo general se lleva a cabo con una máquina. Es sabido que el tallado siempre implica desperdicio. Pero
Munsteiner afirma que nunca presta atención al peso:
“cuando te centrás en el peso en quilates, lo haces sólo
por el dinero, y no puedo crear cuando estoy preocupado por el dinero”.
El gigante obelisco de aguamarina fue llamado “Dom
Pedro” en honor a los emperadores brasileños Pedro I y
Pedro II. Mide 35 centímetros de alto, por 10 centímetros
de ancho en la base, con un peso de 10.363 quilates (4,6
libras). Munsteiner quedó muy contento con el Dom Pe40 G Estilo Joyero G Mayo 2014
v Lapidando un citrino de gran tamaño.
v Bernd Munsteiner
y su hijo Tom.
dro: “estoy fascinado con él, incluso cuando lo veo hoy
pienso que es absolutamente una locura”. Aunque aclara, “Si usted me pregunta si me gustaría hacerlo de nuevo, yo diría que no! No es posible. En ese momento yo era
joven. Siempre me arriesgué en mi vida y esto realmente
fue el mayor riesgo”.
El aguamarina es una variedad de berilo, un mineral
que, si se desarrollara en un laboratorio, sería incoloro.
Sin embargo, cuando se forma naturalmente siempre
aparecen ciertas impurezas, como en este caso en que
el berilo incorporó pequeñas cantidades de hierro. Es
precisamente el hierro el que, en interacción con la luz,
da al berilo el precioso tono turquesa que caracteriza
al aguamarina. El Dom Pedro hizo su debut en 1993 en
Basilea, Suiza, y ha estado en exhibición en numerosos
museos y exposiciones, para el deleite de los visitantes. Recientemente, fue donada al Museo de Historia
Natural del Instituto Smithsoniano por una pareja de
coleccionistas de Palm Beach, Florida, Jane Mitchell y
Jeff Bland. Los expertos la consideran como una de las
esculturas de piedra preciosa más excepcionales del
mundo.
Actualmente, “diseñar la piedra” es la máxima motivación para el Atelier Munsteiner. Gracias a esta exhaustiva dedicación, se han ganado varios premios y
gozan de reconocimiento internacional. Allí no sólo
trabaja Bernd, sino también su hijo Tom y su esposa
Jutta, asegurando que el legado familiar siga pasando
de generación en generación.
v Algunos de los trabajos
realizados por el Atelier
Munsteiner.
v Tom Munsteiner, hijo de Bernd, y su esposa Jutta.
personajes
Alexander Calder
un artista en movimiento
G Sus obras de arte móviles lo convirtieron en el pionero y más importante repre-
sentante del arte cinético. A lo largo de su vida, produjo aproximadamente 1800
piezas de joyería, generalmente con objetos encontrados.
Texto Natalia Calabrese Fuente Calder Foundation (www.calder.org)
E
scribió Alexander Calder a su madre cuando
era tan sólo un niño: “Quise escribirte una
carta de cumpleaños hace dos días, pero en
su lugar, te hice un collar con cosas que encontré en el camino”. El collar al que hace
referencia, es uno de los primeros que confeccionó y
lo hizo con trozos de cuerda, alambre de latón y de
cerámica antigua hallados durante un viaje. La frase
extraída de la carta dirigida a su madre evidencia su
temprana vocación por el arte, así como la tendencia a
trabajar con materiales simples y encontrados.
Hijo y nieto de distinguidos escultores estadounidenses, nació el 22 de julio de 1898 en Lawnton, Pennsylvania. Desde pequeño, fue alentado por sus padres
a construir cosas con distintos materiales, e incluso le
acondicionaron un espacio de la casa para que trabajara: “en aquella época, conseguí mis primeras herramientas y me dieron la bodega como taller. Mis padres
siempre me motivaron para que haga cosas por mí mis-
mo”, contó Calder en una entrevista. Con tan sólo diez
años, ya fabricaba pulseras para las muñecas de su hermana: “mi hermana tenía un buen número de muñecas
para las que hemos hecho extraordinarias joyas con
perlas y alambre de cobre muy fino que hallábamos en
la calle, al lado de los hombres que empalmaban cables
eléctricos”.
Tras recibirse de ingeniero, ingresó en 1923 en la
Asociación de Estudiantes de Arte de Nueva York y en
el otoño de 1926 se instaló en París. En uno de sus viajes conoció a Louisa James, con quien se casó en 1931.
“Conocí a un joyero en París, Bucci, que me ayudó a
hacer el anillo con un espiral en la parte superior y una
hélice para el dedo. Pensé que sería un anillo de bodas,
pero Luisa lo llamó ‘anillo de compromiso’ y tuvimos
que ir a comprar un anillo de bodas de dos dólares”. Durante estos años produjo numerosas figuras de alambre, siendo la más conocida el circo en miniatura con el
que recreaba el comportamiento de un verdadero circo.
v El espiral está presente
en casi todas las obras del
artista.
¿POR QUÉ EL ARTE DEBE SER ESTÁTICO?
La estética de su trabajo cambió significativamente
luego de visitar el estudio de Piet Mondrian en París. Al
contemplar las sobrias composiciones del artista holandés en la soledad de su estudio, Calder se vio abrumado por la intensidad de sus formas y se las imaginó en
movimiento. A partir de aquel momento, dejó de hacer
las esculturas figurativas de alambre que había realizado y se volcó hacia lo abstracto, dando predominancia
a las formas geométricas. Poco después, se integró a
Abstraction-Création, un grupo de artistas de tendencia
constructivista, liderado por André Bretón y comenzó a
incluir pequeños motores que ponían en movimiento algunos de los elementos de las obras.
Marcel Duchamp, impresionado por su trabajo, le
aconsejó que los expusiera. Cuando Calder le consultó
cómo podía denominar a estas obras, Duchamp le sugirió el nombre de “móviles”. En su primera exposición,
v Calder circus, 1931.
personajes
que causó sensación, sus obras se accionaban por un
motor que el visitante ponía en funcionamiento para
conseguir el movimiento. Una vez que el artista descubrió que el motor no era necesario, comenzó a eliminar
todos los elementos mecánicos, y a crear estructuras movidas por corrientes de aire. De este modo, se convirtió
en el primero en incorporar el movimiento a la obra de
arte y en el precursor del arte cinético. Aunque en la actualidad esto se ha convertido en una forma artística absolutamente aceptada, la innovación de Calder en aquel
momento, fue un gran logro vanguardista que contrastaba profundamente con las formas escultóricas estáticas
de aquel entonces. Son también famosos sus estables o
“stabile”, construcciones de acero estáticas y fijas ejecutadas con planchas de hierro atornilladas. Parece paradójico que estas piezas tan pesadas surgieran simultáneamente a los móviles. El padrino del nombre en este
caso fue otro amigo de Calder, Hans Arp, quien usó la
expresión stabile por primera vez en 1932. Los móviles
son estructuras abstractas que se balancean suavemente
suspendidas en el aire. Los estables son formas, también
abstractas, inmóviles que sugieren formas de animales.
En 1933 Calder dejó Francia y regresó definitivamente a los Estados Unidos donde compró una vieja casa de
campo que acondicionó como taller. Allí comenzó a fabricar joyas de forma más sistemática. En las piezas de
joyería Calder combinaba de manera más libre que en su
trabajo escultórico formas geométricas y motivos figurativos. En algunas de sus joyas usó el principio de móviles
colgantes que solía usar en sus esculturas. Las innumerables variaciones y combinaciones de formas en sus
collares, broches, pulseras y anillos, reflejan fuentes de
inspiración en distintas culturas como la celta, en la que
el espiral era el principal motivo de decoración. En la
Se convirtió en el primero en
incorporar el movimiento a la
obra de arte y en el precursor del
arte cinético.
obra de Calder, espirales planos, circulares y cuadrados,
así como tridimensionales en forma de conos, aparecen recurrentemente combinados con otros elementos.
La naturaleza fue otra importante fuente de inspiración
para el artista. Las joyas en forma de hoja o de flor son
innumerables, ya sea en alambre de metal o con piedras
sin pulir, incluidas en lugar de los pétalos. Los animales, tanto pájaros e insectos como crustáceos y peces, son
otro motivo que se repite con infinitas variantes.
Calder fabricó algunas de sus joyas con el objetivo
v Uno de sus “móviles”
cuyo movimiento se
produce por corrientes
de aire.
v Figuras de alambre
realizadas por Calder
inspiradas en el circo.
personajes
v La modelo Anjelica Houston
usó este collar de Calder
llamado “El marido celoso”
para la tapa del New York Times
Magazine (1976).
v Muchas de sus piezas de
joyería tenían las iniciales de
quienes iban a lucirlas.
de regalarlas a personas de su entorno, en general
artistas, esposas de amigos, u otras mujeres activas en
los círculos de intelectuales a los que pertenecía. Estas
usaban las joyas con mucho orgullo, como muestra de
pertenencia al grupo exclusivo de allegados al escultor.
Así, realizó un gran número de piezas con iniciales y
nombres. Alexander Rower, presidente de la Fundación
Calder, explica que “el uso de materiales simples era intencional, ya que Calder pretendía poner de manifiesto
que cualquiera puede adornarse con hermosos objetos.
No tienen que ser piezas con incrustaciones de diamantes o ser valiosos”. Así, Calder creó la mayor parte de sus
collares, broches y colgantes en hilo de latón (aleación
de cobre y cinc) martilleado en cintas o en hilos, o labrado en arabescos, en espirales, rulos e hileras y volutas…
formas puras de gran sensibilidad estética que aún hoy
son vanguardia.
Para Alexander Calder el verdadero valor de una joya
estaba en su proceso creativo, por lo que jamás aceptó
su reproducción en serie. Cada una de sus joyas fue tan
única que hasta llegó a diseñar las cajas de madera en
que iban guardadas. Algunas de sus piezas, como los
pendientes que usaba Peggy Gugenheim (importante
coleccionista de arte norteamericana), integraban elementos que recuerdan a sus “móviles”. Las peinetas son
un capítulo muy prolífico en su joyería, igual que sus
broches, que solían llevar las iniciales de sus portadoras.
Lo que diferenciaba su trabajo de la joyería tradicional
era que, por ejemplo, las piedras, o los trozos de vidrio
y porcelana, no eran engarzados, sino atados con alambre a sus bases. Varillas de distintos metales como latón
(aleación de cobre y zinc), plata y oro, fueron martillados
por el propio artista, dando como resultado superficies y
contornos algo irregulares.
Hacia 1960 Calder deja de hacer joyas para entrar en
una nueva etapa de su carrera, creando obras de gran
formato para espacios públicos. El tamaño de las obras
del artista comienza a cambiar y sus modelos en pequeño formato eran luego construidos por asistentes en una
escala mayor. Estas obras, de mayor escala, lograron una
entusiasta aceptación popular rara vez alcanzada por el
arte abstracto, lo cual llevó a que se le hicieran numerosos encargos después de la Segunda Guerra Mundial.
Durante este período crea un grupo especial de collares
gigantes en alambre de latón martillado, de 35x40 cm.
“Arpas”, “Corazón” y “El marido celoso”, son los ejemplos más destacados de este grupo. Éste último es posiblemente la joya de Calder más reproducida, ya que apareció en la tapa de The New York Times Magazine del 17
de octubre de 1976, llevada por la actriz Anjelica Huston.
Calder murió en Nueva York en 1976, logrando en vida
algo bastante difícil en el arte abstracto y es que éste consiguiese aceptación popular. El artista obtuvo numerosos
premios y sus obras se pueden encontrar en muchas plazas y lugares públicos de distintas ciudades del mundo
como Bruselas, Nueva York y Chicago. Actualmente, su legado continúa vivo en la obra de diversos joyeros y artistas
que toman su obra como referencia e inspiración.
curiosidades
v Espectacular pulsera de
plata con engarce de granates
realizada por Federico Merlo.
www.ilcapitanoweb.com.ar
Calaveras:
de “memento mori”
a íconos de la moda
G La combinación de joyas y esqueletos, huesos o calaveras, no es nueva. Símbolos
por excelencia de la muerte, estuvieron asociados también al luto, el peligro ante un
ataque armado y por supuesto a lo efímero de la vida. Pero desde la década del 90,
otro sentido estético las hizo tomar posesión de las pasarelas.
Texto Lic. Marta Opacak
L
a costumbre de mostrar a los invitados a un
banquete la representación de un esqueleto,
era utilizada en la Antigua Roma como una
oportunidad para hacer reflexiones filosóficas
sobre la muerte. Si el poseedor era adinerado,
podría hacerlo fabricar en metales preciosos.
En el mismo siglo, el recientemente surgido Cristianismo, era perseguido por el Imperio Romano y no tenía
templos ni permiso para manifestar sus creencias. Los devotos se reunían en secreto en las Catacumbas y llevaban
allí, lo único que tenían para improvisar algo parecido a
un altar, reliquias de algún santo o mártir, como trozos
de su ropa o alguno de sus huesos. Cuando el emperador
Constantino se convirtió a dicha religión en el siglo IV,
todo cambió. El concepto de relicario para el culto oficial
del estado, implicaba mantener los restos materiales de
una figura religiosa en el mejor contenedor posible, ya
que la gloria material del mismo, evocaba la gloria espiritual de aquella. A partir de entonces y durante toda la
Edad Media, comenzarían a construirse numerosas obras
de arte como el Relicario de San Eustaquio (c.1200, Basilea), que contiene fragmentos de su cráneo, en una estruc-
v Ejemplos de
v Relicario de San Eustaquio. British Museum.
tura de oro decorado con gemas, que pretende reconstruir
la imagen del santo, un general romano del emperador
Trajano convertido, que murió martirizado por negarse a
venerar su antigua fe.
La calavera era el ícono principal de los “memento
mori” (del Latín “recuerda que eres mortal”), expresiones artísticas que acompañaban el entorno social de fines
del siglo XVI y siglo XVII. Creados dentro del pensamiento cristiano para no olvidar nunca que la vida terrenal y
todos sus placeres duraban poco e indefectiblemente había que prepararse para merecer la vida eterna, estaban
por ejemplo, en los relieves de la arquitectura religiosa
y en las pinturas que decoraban los hogares burgueses
y nobles conocida como “Vanitas”. Este género, incluía
en su composición: un cráneo, junto a libros, frutas en
descomposición, relojes de arena y coronas o joyas, para
simbolizar que el saber, los manjares, el tiempo y el poder
eran efímeros. Y no era extraño para una joven, recibir
un anillo de compromiso con un cráneo o esqueleto. Una
tipología específica dentro de la Joyería Sentimental, la Joyería de Luto, explotaría este tema como motivo.
Las piezas de luto estaban dedicadas a rendir tributo a
seres amados que ya no estaban en este mundo. La particular situación política de Inglaterra, durante la Dinastía
Estuardo, hizo que estas joyas de carácter recordatorio,
tuvieran que fabricarse para honrar a un rey muerto en
una circunstancia muy especial. Durante la denominada
Guerra Civil Inglesa, los partidarios del Parlamento y su
líder Oliver Cromwell, tomaron la decisión de matar al
rey, Carlos I en 1649 y establecer el gobierno republicano.
Sin embargo muchos seguidores del ejecutado monarca,
“Memento Mori” en
anillos y broches
barrocos.
siguieron recordándolo con objetos devocionales, aunque
ser encontrado portando uno de ellos podía significar la
cárcel o aún la muerte. Ejemplos de “Memento mori” y
de distintas piezas de joyería de luto con la imagen del
soberano se fabricaron, muchas veces insertados en cubiertas o contenedores de cristal facetado conocidos como
“Stuart Crystals”.
USO EN LA PIRATERÍA Y BATALLONES DE GUERRA
Dos huesos cruzados debajo de un cráneo, un símbolo
que se utilizaba en los Cristales Estuardo, sería popularmente conocido a partir del siglo XVIII, debido a su inclusión en la bandera pirata o “Jolly Roger”. Se la denominaba así por una deformación en idioma inglés de “jolie
rouge” (bonito rojo), ya que las primeras banderas de este
tipo, solían tener fondo rojo, como las insignias navales
que con ese color indicaban, que no se daría tregua a los
enemigos.
Las insignias militares
también tomarían este diseño en la misma época
y con el término alemán
“Totenkopf” (cabeza de
hombre muerto), fue incorporado por la caballería del ejército prusiano de
Federico II el Grande, para
su 5to Regimiento de Húsares.
Llevaban el emblema metálico
sobre su colbac, un gorro de pelo
v Peineta con el símbolo
de animal de forma cilíndrica.
de Jolly Roger.
curiosidades
v “La Catrina”, una
calavera con nombre de
mujer, creada por José
Guadalupe Posada.
v Broche y aros de
esqueleto. Diseño de
Vivienne Westwood.
Tras el desastre que supuso para Prusia la derrota de
su ejército durante la invasión napoleónica, las fuerzas
armadas debieron reorganizarse en 1808. Durante esta
reestructuración, Federico Guillermo III en reconocimiento a sus actos heroicos, transforma el 5º Regimiento
de Húsares, en el “Leib-Husaren Regiment”, conocidos
como “Húsares de la muerte”, que continuó utilizando el
“Totenkopf”. Aunque fueron ellos, sus más famosos portadores, otras unidades militares de distintos países, también lo adoptaron. El cráneo siguió vigente en las tropas
de asalto que llevaron a cabo las últimas ofensivas alemanas de la Primera Guerra Mundial en 1918. A pesar de su
siniestro recuerdo, son muy buscados por los coleccionistas, los anillos nazis de la SS de la Segunda Guerra Mundial representando en ellos los cráneos, la lealtad hasta la
muerte.
EL TOQUE LATINO: CALAVERA CON NOMBRE DE MUJER
La Catrina, nació como un esqueleto, sólo vestido con
un sombrero elegante hecho de plumas de avestruz, creado como un grabado en metal, por el artista mexicano
José Guadalupe Posada. Inicialmente bautizada por él
con el nombre de “Calavera Garbancera”, la figura aludía a los vendedores de garbanzos de la época anterior a
su Revolución de 1910, que a pesar de ser pobres y tener
sangre indígena, renegaban de ambas cosas pretendiendo
ser europeos y vivir como tales. Cosa tan ridícula como
un esqueleto desnudo con un sombrero tan elaborado.
Sería Diego Rivera quien le daría su nombre femenino al
representar la Catrina del brazo de su creador y vestirla
de cuerpo entero en el mural “Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central”. Más tarde, sería incorporada
como símbolo de la muerte en la tradicional celebración
del Día de los difuntos en dicho país y plasmada en dis52 G Estilo Joyero G Mayo 2014
tintos elementos decorativos a utilizarse en dicha celebración como por ejemplo piezas de joyería.
SEXO, MODA Y ROCK AND ROLL
Muchos diseñadores, principalmente de indumentaria
que incorporaron luego una línea de joyería a sus marcas,
tomaron el tema de las calaveras, en principio inspirados
por las celebrities del rock. El pionero entre estas últimas
fue Keith Richards de Los Rolling Stones, que comenzó a
llevar un anillo de plata con una calavera a principios de
los ‘70, siendo imitado más adelante por Cliff Burton de
Metallica, que llevaría dos, mucho antes de que se hiciese
famoso su grupo. Un grande de la moda, Gianni Versace,
incorpora una variante rebelde y a la vez romántica de
la misma con su línea “Versus” de 1994, que incluye una
El pionero entre las celebrities del
rock fue Keith Richards de Los
Rolling Stones, que comenzó a
llevar un anillo de plata con una
calavera a principios de los ‘70
pulsera con un cráneo que tiene una rosa atravesando la
boca. Y no se quedaría atrás Vivienne Westwood, la fundadora de la mítica boutique londinense “SEX” en los 70,
que recibiría el título de “reina del punk”. Creó delicadas
piezas con el símbolo de la Jolly Roger y otras que incluían esqueletos articulados, en diamantes y paladio, que
no pierden vigencia.
El caso de Stephen Webster es diferente porque él se
formó como un joyero tradicional en el distrito de Hatton
Garden e inauguró su propio local en 1994. Su precisión
v El difunto bajista de Metallica adoptó las calaveras para su imagen.
v Keith Richards luciendo su emblemático anillo.
curiosidades
v “Spine Corsé”
v Broches de
Calaveras de Stephen
Webster.
de Shaun Leane
para Alexander
Mc Queen
v Anillos de calaveras de Co&Co
v El sello inconfundible de
[email protected]
Victoire de Castellane para Dior.
técnica, inspiración creativa e increíble capacidad de
trabajo lo convirtieron en el megaempresario talentoso
que es hoy en día, adorado por celebrities del cine y el
rock. Las calaveras de Stephen, como un conocido anillo denominado “Skull and Bones” (calavera y huesos)
tienen ojos de rubí y detalles en zafiro. En 2009, Victoire
de Castellane, diseñadora de la línea de joyería Dior
Joaillerie (inaugurada en el 2000), creó una colección
de joyas con calaveras que representaban reyes y reinas
de naciones imaginarias: “Reines et Rois”. Las calaveras
eran talladas en gemas, generalmente de colores vivos,
que daban nombre al personaje: Reina de Ópalo, Reina
de Crisopraso, Rey de Jaspe, etc. Y estaban festoneadas
Alexander, quería que se viese
la belleza de la estructura ósea
por encima de las prendas,
contrariamente a la realidad
y coronadas con diamantes. Hubo quien las asoció a la
escultura de calavera de platino con 8.601 diamantes incrustados creada por el artista plástico Damien Hirst en
2007, que fue cotizada en 10.000.000 de Libras Esterlinas.
Pero quien hizo de la calavera su sello distintivo y característico que se apoderaría de las pasarelas fue Alexander Mc Queen. Este “enfant terrible” de la moda, trabajó
en su firma, con varios joyeros, pero las primeras producciones relacionadas con esqueletos y huesos vinieron del
conocido como su joyero favorito: Shaun Leane. El fue
el autor en 1998 del “Spine Corsé” (corset de la columna vertebral). La pieza era una caja torácica, realizada en
aluminio, que la modelo lucía debajo de las prendas de
Mc Queen como si fuera un corset. Alexander, quería que
se viese la belleza de la estructura ósea por encima de las
prendas, contrariamente a la realidad. Esta pieza y otras
similares que crearía la marca fueron calificadas como
“joyería para rodear el cuerpo”.
Dos ítems serían los mayores éxitos comerciales de la
línea de joyería de Mc Queen. El primero adoptado inmediatamente por el público consumidor e imitado hasta el
cansancio, fue una pequeña cartera de fiesta o “clutch”
con cierres con calaveras realizadas en metales preciosos y
gemas. Y el segundo, una pieza que agrupa cuatro anillos
de nudillos con el mismo motivo. Una variedad de estos
dos ítems, con calavera alada, le costaría a la casa Mc
Queen, un juicio millonario a cargo de los que patentaron el símbolo por primera vez en 1948, los Hell’s Angels.
Esta cofradía de motociclistas, había realizado entonces
su inscripción en la Oficina de Patentes y Marcas Comerciales de los Estados Unidos y tenía los derechos de su uso
en todo tipo de objetos, joyas y ropa. Por lo tanto la demanda sostenía que tanto la firma Mc Queen como los lugares
donde se vendían las piezas, habían violado los términos
de dicha ley. Y hubo que retirar los productos de la venta
para que se solucione la disputa.
A pesar del refrán, digamos luego de verlas aplicadas a
tantos ejemplos de joyería que cada “calavera no chilla”,
más bien ¡brilla!
historia
El Victoriano:
el romanticismo
en todas sus formas
G Nombrado en honor a la Reina Victoria. Irradia sentimentalismo y simbolismo,
incorporando los más variados y eclécticos motivos influenciados por los egipcios, el
renacimiento y los etruscos.
Texto Miriam Testorelli. Directora de Joyería Testorelli 1887 www.testorelli.com
L
a era comienza oficialmente la mañana del 20
de junio de 1837 con la coronación de la joven
Reina Victoria y termina con su fallecimiento
en el año 1901, teniendo 82 años de vida y 63
años de reinado, convirtiéndose en el reinado
mas largo de la historia de los monarcas británicos.
Durante estos años la revolución industrial alcanzó su
máximo grado de desarrollo y, como resultado, toda la
industria viviría una época de gran euforia. Con el desarrollo de tecnologías de producción en gran escala, se
sustituye el trabajo manual, prescindiendo de muchos
trabajadores, y de esta forma repercutiendo directamente en todas las ramas de la creación humana.
Fue también una época de grandes inventos y avances.
Edison presenta la bombilla eléctrica y los hermanos Lumière aplican la física para desarrollar el cine. Hoffman
inventa la aspirina y Freud comienza a estudiar la mente.
Stevenson escribe una de las novelas más leídas que profundiza en el comportamiento humano: Dr. Jekyll and
Mr. Hyde. La música deja la moderación del clasicismo y
da paso a una vibrante expresión de sentimientos, dando
lugar al Romanticismo con Ludwig Van Beethoven como
referente máximo, así también como con Schubert, Men56 G Estilo Joyero G Mayo 2014
delssohn, Schumann y Berlioz. El romanticismo también se traslada a la pintura, destacando la supremacía
emocional sobre la racional con sus máximos representantes: Goya, Matisse, Rousseau, entre otros. En Estados
Unidos se inaugura la Estatua de la Libertad y Abraham
Lincoln es elegido presidente mientras en Rusia el Zar
Alexander II elimina la esclavitud feudal.
NUEVAS TÉCNICAS DE PRODUCCIÓN A GRAN ESCALA
De estos grandes cambios tecnológicos la joyería y la
relojería obtuvieron varios beneficios. Es durante este
periodo, por ejemplo, que se fundan las grandes firmas
productoras de relojes suizos como Longines, Patek Phillipe, Cartier, Omega, Tissot, Tag Heuer, Audemars Piguet
y Movado. La energía manual utilizada para estampar un
cuño de metal, poco a poco fue remplazada por la máquina de vapor, el gas y por la fuerza hidráulica, resultando
en la obtención de formas, de manera rápida, precisa y
en grandes cantidades, lo que provoca una reducción de
las horas de trabajo de los artesanos y consecuentemente
en el precio final de la joya. Los lapidadores se sirvieron
también de estas nuevas fuentes de energía para aumentar la velocidad de sus tornos y así obtener nuevas tallas
ªPulsera “charm” con imágenes en homenaje a seres queridos..
LAS JOYAS DE LA REINA
ª Retrato de la Reina Victoria en 1845. Para Victoria y Albert,
el arte en general era una parte importante de la vida cotidiana
y una manera de expresar su amor.
ª Anillo de luto con microfotografía del Príncipe Albert
(1819-1861) Foto: The Royal Collection
con mayor número de facetas; el platino, descubierto con
anterioridad, debido a su alto grado de fusión fue aprovechado recién en esta época gracias a las nuevas fuentes
de calor, principalmente obtenidas de la quema
de carbón mineral.
De la mano del espíritu tecnológico
viene la reducción de costos, dando
como resultado que la nobleza y
los comerciantes más ricos ya no
fueran las únicas personas que se
podían permitir una selección de joyería para acentuar su guardarropa. En 1854
fue permitido legalmente en Gran Bretaña,
rebajar las ligas de oro a 15K, 12K y 9K. También
fue introducido el doublet, que consistía en cubrir con
una lámina de oro un metal económico. La técnica de
galvanización, originalmente desarrollada en Italia, fue
aplicada a mediados de 1840 de diferentes formas, como
por ejemplo en el proceso llamado “Electroformatura”
que consiste en depositar una delgada capa de oro o plata sobre una pieza a través de una corriente eléctrica,
o también la plata “Vermeille” que consiste en una fina
capa de oro sobre la base de plata de ley.
La Reina Victoria amó las joyas, las diseño, las uso y las
dio como regalo a sus amigos y familiares mas allegados. Sus preferencias marcaron tendencia en el diseño
y comercio de joyería en Londres durante toda su vida,
y sobre todo luego del fallecimiento de su amado esposo
Albert en 1861, cuando adopta el luto hasta el final de su
vida. Con él, el negro también es introducido en la joyería con diseños tenues, austeros y sombríos. Estas piezas
se destacan por tener piedras pesadas y oscuras, particularmente el azabache, así como el ónix, la amatista y los
granates rojo profundo.
La reina Victoria se lleva también el crédito de
la popularización de la pulsera encanto o
“charm”, como la conocemos hoy. Un
ítem de joyería utilizado alrededor
de la muñeca, que lleva colgados
“encantos personales” de gran
significado para el usuario. Fue
con la reina que este tipo de joyería
pasó de ser una herramienta práctica a
convertirse en una joyería decorativa.
LA JOYERÍA VICTORIANA
En lo que hace a este estilo de joyería, es un estilo ecléctico, con una revalorización de lo antiguo. Los diseños
tienen un gran interés en motivos figurativos y temas
sentimentales, destacándose las flores, los árboles y los
pájaros. Hay dos técnicas que los orfebres desarrollan
particularmente durante esta época y son el repoussé
(repujado) y el cannetille (imbricado trabajo realizado
en filigranas de hilos retorcidos). Los orfebres más recoMayo 2014 G Estilo Joyero G 57
historia
ª Las piezas conmemorativas son muy características de la época.
TRES ETAPAS DIVIDEN EL PERÍODO VICTORIANO
Tanto a los motivos como a las gemas se les atribuían
significados especiales y propiedades mágicas, como
las serpientes presentes entre las joyas de la Reina, que
simbolizaban sabiduría y eternidad relacionadas a la
fidelidad y el amor. Uno de los accesorios que se volvieron muy populares, fueron los Lorgnette, una suerte de
lentes sin patillas, con un pequeño mango que permitía
acercarlos a los ojos.
El temprano Victoriano o Periodo Romántico (18371860) se corresponde con una reina joven, plena de vida
y enamorada de su reciente esposo Alberto. En la joyería, el mundo de la naturaleza inspiro estilos y motivos.
El oro era usado en todas sus formas, a veces acompañado de esmaltes, o con gemas de color. Durante el día se
utilizaban joyas más económicas realizadas en marfil,
carey, coral, o perlas barrocas, y para la noche el oro y
las gemas eran las estrellas. Los aros se usaban en longitudes importantes y las gargantillas eran usadas cortas
y con gemas colgando en el centro. Uno de los modelos
más elegidos en pulseras, era el de hebilla de cinturón,
sobre mallas tejidas de oro.
El Medio o Alto Victoriano también conocido como el
Gran Periodo (1860-1885) es un momento marcado por
el luto, con el fallecimiento de la madre de la Reina Victoria y su esposo Alberto durante el mismo año, y con el
comienzo de la Guerra Civil en Estados Unidos. A ambos
lados del Atlántico, los “lockets” se convirtieron en un
accesorio de moda muy importante: dijes en forma de
caja que atesoraban la memoria de un ser querido cerca
del corazón, podrían contener un rizo de cabello o los
primeros ejemplos de la fotografía (daguerrotipos) en
compartimientos secretos. Gracias a los descubrimientos arqueológicos del momento, las tendencias fueron
nocidos fueron Castellani y Giuliano, siendo este último
considerado como el orfebre más grande del siglo XIX.
También hay una gran producción de joyas dónde se
empleaba el cabello humano como materia prima, dando lugar a creaciones de rara belleza y mucha destreza
en el tejido de los mismos.
ª Los elaborados peinados recogidos favorecían la utilización de accesorios en el pelo, así como importantes aros y gargantillas.
influenciadas y materializadas en las creaciones con técnicas como el esmaltado y la granulación que consiste
en la realización de diseños utilizando micro esferas de
oro. Las gemas usadas fueron las amatistas, granates,
cristales, esmeraldas, diamantes, ónix negro, azabache,
ópalo, perlas, rubíes, vidrio negro, marfil y carey. Motivos de estrellas y lunas acompañan los diseños. Es este
el período más lujoso y opulento de la era Victoriana.
En el Victoriano tardío o Periodo Estético (1885- 1901),
los descubrimientos de minas de diamantes en África
los convierten en gemas muy accesibles y son adoptados
para la joyería de este tiempo, acompañados por gemas
de colores pálidos o sin color, como ópalos o piedras lunares. También se usan el marfil tallado con motivos botánicos y las perlas, aplicadas en gargantillas cortas o en
collares de varias vueltas, con separadores de baguettes
y diamantes engarzados. Las mujeres usan menos joyas,
y en tamaños menos importantes. La regla: “menos es
más”, fue adoptada en las joyas de este período, dando
paso de a poco al Art Nouveau.
galería
v
OSCAR MEDINA
Placa cincelada.
Prof. Carola Rodriguez Hara
v
OSCAR MEDINA
Adorno para pelo.
Prof. Carola Rodriguez Hara
v
BARBARA GONZALEZ OLIVO
Anillo. Prof. Marcela Montaño Villegas
Futuros
Talentos
Alumnos del CEJ muestran
sus creaciones
Fotos Damián Wasser
v
CRISTINA CALO
Anillos, dije y pulsera. Prof. Luis Chaúl.
galería
v
SILVINA SCE
Colgante.
Prof. Marcela Montaño Villegas
v
LILIAN SEPULVEDA
Dije con piedra.
v
SILVINA SCE
Aros con resina.
v
BARBARA GONZALEZ OLIVO
Anillo. Prof. Marcela Montaño Villegas
v
SILVINA SCE
Anillos con resina.
v
SILVINA SCE
Anillo.
Fabricación de medallas, cuños,
cortantes, punzones y distintivos
Rivadavia 1214 - Buenos Aires - Tel./Fax: 4372-5569 / 1444
E-mail: [email protected]
Calendario Mayo-Junio 2014
Complejo Educativo de Joyería Libertad 145 6º piso, Cap. Fed. Teléfonos: (011) 4381.5544/ 4383.4483
E-mail: [email protected] Web: www.escueladejoyeria.com.ar
HORARIO SECRETARIA: Lunes a Jueves de 10,30 a 20 hs. Sábados hasta las 13,30. Teléfono: 4381-5544/ 4383-4483
COMPLEJO EDUCATIVO DE JOYERIA ( CEJ)
Seminario Compra-Venta
de Metales Preciosos
Curso Joyería Contermporánea
y Diseño de Joyas
Capacitación inmediata para compra/venta de metales preciosos en
alhajas y objetos de arte.
Dirigido a coleccionistas, comerciantes, anticuarios, etc.
Programa:
Metales utilizados en joyería y orfebrería, sus características, títulos y
aleaciones. Peso especifico. Puntos
de fusión. Tratamientos galvanoplásticos. Rodinado. Doublet.
Técnicas de reconocimiento del
metal a través de la prueba de toque
con ácidos. Preparación de los ácidos. Composición y proporción.
Reconocimientos punzones. Nomenclatura internacional.
Otros metales: Hierro, paladio, rodhio, cobre, bronce, acero, etc.
Realización de diseños variados de joyas no clásicas, sobre metales,
combinando técnicas y materiales no convencionales. Diseño de
accesorios para la moda (marroquinería, calzado e indumentaria).
El diseño de una Joya al igual que la elaboración de cualquier obra
de arte requiere grandes dosis de creatividad, no solo se trata de
diseñar una pieza que resulte bella a la vista, sino que se trata
de algo más. Una pieza de joyería debe ser capaz de transmitir
emociones.
Dirigido a aquellas personas que quieran desarrollar su imagen y
sus propias colecciones.
Clases de 3 hs prácticas.
Frecuencia: 1, 2 o 3 veces por semana con profesor.
Horarios: 10,30 hs., 14 hs. ó 17 hs.
Los aranceles incluyen el acceso al taller para prácticas de
hasta 2 horas todos los días.
v Clases personalizadas.
Curso Esmalte sobre metales para joyería
Prof.: Carlos Leporace
Duración: 1 Clase de 90 minutos
Fecha y horario: A coordinar con el docente
Curso Capacitación para alta joyería
vRealización de trabajos con sistemas y articulaciones.
vReproducción de piezas antiguas de diferentes estilos con plata,
oro de diferentes colores y platino. Prof.: Alejandra González
Clases de 3 hs prácticas.
Frecuencia: 1, 2 o 3 veces por semana con profesor.
Los aranceles incluyen el acceso al taller para prácticas de
hasta 2 horas todos los días.
Requisitos: Haber cursado Joyería 1º Nivel
Aprendizaje de diversas técnicas de esmaltado a fuego sobre metales
para joyería, bijouterie y objetos pequeños.
Dirigido a aquellas personas que quieran desarrollar su imagen y
sus propias colecciones.
vUn trabajo de esmalte por clase
vModalidad práctica
vEsmalte a fuego utilizando soplete y horno
vAplicación en piezas de joyería
Prof.: Leonardo Grecco
Duración: 2 módulos de 4 cleses cada uno.
No es necesario tener conocimientos previos.

1 Mayo 2014 G Estilo Joyero G AÑO XIV Nº 74 MAYO 2014

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