N45. NOV/DIC 10.

N45. NOV/DIC 10.
FREE ISSUE. REVISTA GRATUITA
The hairy view
Los suyos no pretenden ser el recipiente inconsciente del terror más instintivo. Tampoco un elemento facilón y lacrimógeno. Sus niños peludos, estos “Hairy
children”, no son sino un retrato deformado de los infantes de hoy en día. Como en el espejo del Callejón del Gato valleinclaniano estos James, Rose, Mary,
Jackson, Peter... No pretenden nada y, sin embargo, consiguen bastante. Tanto como que tus ojos no puedan apartar la mirada, que tu cerebro busque una
respuesta a este atropello visual y que, sin saber muy bien la respuesta, te contentes con creer que lo has entendido. Y es que, ¿son estos niños víctimas o
verdugos? Más info en: www.eriksandberg.net
06
FESTIVALES
START clone.45 - nov.dic 2010 “MONSTER”
13 FESTIVAL INTERNACIONAL ZEMOS98:
ART FUTURA 2010
“PROGRESA ADECUADAMENTE”.
SEVILLA. DEL 4 AL 10 DE ABRIL DE 2011.
Ni es un forward, ni es un rewind, es sólo un pause. O
mejor aún, un rec. para escuchar lo que pasa cuando no
pasa nada. Dejando a un lado las revoluciones por minuto,
la nueva edición de Zemos98 viene cargada de una
especie de halo filosófico, o mejor dicho de cierto espíritu
demandante. Y es que, después de tanta inmediatez,
interconexiones, intermediaciones, transversalidad, redes
y demás, ¿qué queda? Puede que sean las aguas revueltas
de los últimos años, o la toma de conciencia de que todo
cambia demasiado deprisa, pero el caso es que los chicos
de Zemos98 han optado por, como ellos mismos afirman,
“hacer una llamada a la calma, al tiempo lento, a desacelerar los ritmos de producción para atender a lo afectivo,
lo cotidiano y reencontrarse de nuevo con la ciudad y sus
habitantes”. Una vuelta de tuerca, un reinventarse y, cómo
no, una nueva óptica para seguir discutiendo y valorando
las tendencias de una sociedad que, cada vez más, piensa,
actúa y funciona en red.
Más info en www.zemos98.org
WE LIVE IN PUBLIC. LA RED Y BUENOS AIRES.
DEL 3 AL 7 DE NOVIEMBRE.
Por primera vez en sus 22 ediciones, el festival de cultura y creatividad digital de referencia en España cruza fronteras. Y no hablamos
de una frontera cualquiera, ya que Art Futura da el gran salto al
otro lado del charco. Buenos Aires será este año la sede de las
conferencias y exposiciones principales del festival. Cuatro espacios
de la capital bonaerense -Museo MALBA, Centro Cultural Recoleta,
CCEBA y Fundación Telefónica- serán los encargados de acoger las
últimas aportaciones al mundo del arte en digital. Al mismo tiempo,
ArtFutura amplía su apuesta por el festival en red CircuitoFutura. Más
de 16 ciudades presentarán su programa audiovisual, incluyendo
Alicante, Andorra, Barcelona, Cádiz, Gijón, Granada, Huarte-Pamplona, Madrid, Murcia, Palma de Mallorca, Santiago de Chile, Segovia,
Tenerife, Valladolid, Vigo y Zaragoza. Entre las apuestas de este año
destaca el documental “We Live in Public”. Ganador de la pasada
edición de Sundance y parte permantente de la colección del MOMA
en Nueva York, esta producción apunta nuevas visiones sobre la
importancia de las redes sociales en un mundo como el actual.
Más info en www.artfutura.org
CINE DOCUMENTAL
BANKSY:
EXIT THROUGH THE
GIFT SHOP
¿Qué es Banksy? ¿Una persona? ¿Un colectivo? ¿Una herramienta de la CIA para
canalizar las inquietudes de los pequeñoburgueses incómodos con el sistema como
lo serán muchos de los lectores de esta revista o el propio crítico que esto escribe?
¿Y qué es “Exit Through the Gift Shop”? ¿Un documental sobre el street art? ¿Un
repaso de la singladura de Banksy? ¿Un fake del tamaño de la Tate Modern? ¿Una de
las comedias más divertidas de los últimos tiempos? ¿Una bomba de relojería en el
corazón del arte contemporáneo arrojada desde su mismo centro? No lo sé, aunque
probablemente se trate de todas estas cosas a la vez. En plata: una montaña de
preguntas y ninguna respuesta que no conociéramos de antemano. En cierto modo,
“Exit... ” es un “Fake” (1971) para nuestros días, sólo que a diferencia de Welles,
Banksy -lo que quiera que sea Banksy- ni siquiera pretende que exista el arte. O al
menos, no parece que este tema le interese. A Banksy, en realidad, sólo le interesan
la impostura y la política: su disección del mundo del arte contemporáneo es la
disección del capitalismo global como la cristalización absoluta del reinado de lo
falso, de lo accesorio. Para vertebrar su narración se sirve de la figura de un francés
afincado en Los Ángeles que comienza a grabar a varios de los actores principales
del street art a finales de los 90, pero lo inverosímil del personaje dinamita el estatus
de credibilidad de la imagen documental y desemboca en un cachondeo sin piedad
de la farsa en la que ha degenerado que el arte sea tratado como una mercancía
más de la sociedad de consumo. Y muchos se preguntarán: ¿es lícita esta crítica
cuando uno recoge también el cepillo? Y algunos responderemos con otra pregunta:
¿es que eso altera el recado? Incluso más: ¿es que se puede hacer estallar el
sistema desde fuera? Pero más allá de todas estas cábalas, “Exit Through the Gift
Shop” permanecerá como un ejercicio ejemplar de documental de guerrilla postmoderno: autorreferencial, inteligentísimo, trepidante, incómodo, descacharrante, y
sin otro compromiso que el de cuestionar todos los lugares comunes que le salen al
paso y decir bien alto: ¡EL MERCADO DEL ARTE ES UN FRAUDE! Cuanto más dinero
recaude, mejor, más gente la habrá visto.
Texto_ Juan Pablo Ramos Fernández
08
Converse
Nuevas ediciones de la Nylon trainer
en su 35 cumpleaños
Texto_ Maru Sánchez
Su nombre no sólo es icono de rebeldía, también simboliza la fuerza de un espíritu transgresor que ha sobrevivido a lo efímero e injusto de tendencias y
modas. Converse es mucho más que una marca, y quizá por ello la revisión de las Nylon Trainer -una de las líneas de Star Chevron- es una de las novedades más esperadas de la nueva temporada. Si a principios de siglo fueron las canchas de baloncesto y pistas de atletismo norteamericanas las que
vieron la evolución de estas emblemáticas zapatillas, hoy lo son las calles y rincones de ciudades de todo el mundo en las que Converse sigue siendo
sinónimo de identidad, personalidad y espíritu deportivo. Por ello, y ante el 35 aniversario de las Nylon Trainer la firma ha lanzado un sorprendente
catálogo en el que, además de revisionar el clásico, le añade nuevos colores, formas y acabados para hacerlo más actual. Manteniendo los detalles de
la vieja escuela que la hicieron famosa como las partes superiores en nailon y en ante y las suelas en cuña, las Nylon Trainer 75 regresan, además, en
una variada paleta de colores clásicos que alegran y transmiten a toda la colección una sensación fresca. Pura, energética, adaptada y reinventada, así
es la nueva apuesta de Converse. Más info en www.converse.es
START
MÚSICA
imagen: Mark Lanegan. Foto: Steve Gullick
TEATRO CENTRAL 2010-2011
Aunque ya ha abierto sus puertas en variadas ocasiones del verano
pa cá durante la programación de la XVI Edición de la Bienal de
Flamenco, la verdadera temporada 2010 - 2011 del Teatro Central
se inauguró el sábado 23 de octubre con el concierto de los fenomenales Delorean más la sesión de DJ barcelonés John Talabot.
Además, el Central recupera, aunque de forma fragmentada en
cuanto a fechas, ese Ciclo de Pop-Rock que tan buenas bandas
(recordemos: Tindersticks, Wilco, Godspeed You! Black Emperor
y muchas más) ha traído a nuetra ciudad. Dará comienzo con una
noche junto al mítico Greg Dulli (The Afghan Whigs, The Gutter
Twins o The Twilight Singers), acompañado por nuestro Dani
Llamas, el 9 de noviembre. Seguirá Josephine Foster con la
Víctor Herrero Band el 23, Pony Bravo -con su segundo largo
bajo el brazo- un día después, la cándida ex Belle & Sebastian
Isobel Campbell junto al ogro Mark Lanegan, el 1 de diciembre,
y Micah P. Hinson en un mano a mano con Tachenko quince
días después. Gran cartel, sin duda. También en noviembre dará
comienzo el siempre interesante Ciclo de Jazz. Será del 10 al 13, y
contará con las actuaciones “Homenaje a Miguel Vargas”, Hamin
Drake & Bindu: ‘Reggaeology’, el dúo de Theo Bleckmann y
Ben Monder, y el cuarteto de Charles Lloyd con Jason Moran,
Reuben Rogers y Eric Harland. Puedes consultar todos los datos
en www.teatrocentral.com
10
WARM-UP! UN VISTAZO A LA PRENSA MUSICAL ELECTRÓNICA EN ESPAÑA, 2000-2010
Como todos los lectores de la revista bien saben, en CLONE gustamos bastante de
la música electrónica. Por eso, nos alegramos mucho de la edición en Nausícaä de
“WARM-UP! Un vistazo a la prensa musical electrónica en España, 2000-2010”, un
nuevo libro sobre la escena de nuestro país. En particular, nos parece especialmente interesante por ser un género que aquí ha tenido un despegar a veces
tan complicado y costoso, pero más allá, lo que redondea la jugada es que se
centra en un lado de la barrera tan a veces poco conocido como las más de ellas
hasta denostado: la prensa musical. Para terminar, “Warm-Up!” está escrito por
Fernando Fuentes, habitual de estas páginas, y entre las múltiples firmas a quien
pide opinión sobre la cosa electrónica cañí, se encuentran también otros habituales
de CLONE, a quien no nombraremos para que no perdáis la emoción. Entre estos
y otros famosetes del plumilleo clubber como Luis Lles, Llorenç Roviras, Javier
Blánquez, Fernando se hace un buen apaño para dar seriedad y empaque a un tema
que nos hace la boca agua. Así que ya sabéis, “Warm-up! Un vistazo a la prensa
musical electrónica en España 2000-2010” ha sido editado por Nausícaä, gracias al
mecenazgo de la Fundación Auno, y está a la venta desde el 15 de octubre en las
mejores librerías del país y a través de www.nausicaaedicion.com
Distribuido por DOBLE-U SHOWROOM
T. 932 097 527
www.doble-u.eu
START clone.45 - nov.dic 2010 “MONSTER”
PAISAJE MÚLTIPLE
LATINOAMÉRICA EN LA COLECCIÓN MUSAC. FUNDACIÓN CEREZALES - MUSAC. LEÓN
HASTA EL 16 DE ENERO DE 2011
En colaboración con la Fundación Cerezales Antonino y Cinia, MUSAC presenta el próximo 24 de octubre
la muestra Paisaje Múltiple. Latinoamérica en la Colección MUSAC, como parte de la programación de
MUSAC Off, una iniciativa del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León para exponer su colección
fuera de los límites propios del edificio que alberga al museo. La muestra, concebida expresamente para
el espacio de la Fundación Cerezales Antonino y Cinia (Cerezales del Condado, León), se articula en torno a
obras pertenecientes a la Colección MUSAC relacionadas con el paisaje en América Latina, trabajos tanto
de artistas latinoamericanos como de otros orígenes que se acercan y reflexionan desde diferentes planos
conceptuales, formatos y géneros a la inmensa variedad paisajística latinoamericana.
Al mismo tiempo, la muestra se enmarca en el contexto, y actúa como complemento, de la exposición
Modelos para Armar. Pensar Latinoamérica desde la Colección MUSAC, con la que comparte el afán de
permitir al público establecer su propio recorrido en torno al arte latinoamericano actual, aportando una
visión que rechaza tanto una lectura única como una narrativa lineal convencional.
Más info en www.musac.es
MARTA MINUJÍN. MINUCODES.
CAAC. SEVILLA
HASTA EL 6 DE FEBRERO DE 2011
Explorar “cómo se comportan distintos grupos sociales en una misma situación” era el objetivo de este
proyecto que la artista argentina Marta Minujín realizó en 1968. Minujín organizó cuatro fiestas de cóctel
en diferentes espacios de Nueva York. A cada una de ellas invitó a 80 personas pertenecientes a cuatro
ámbitos sociales y culturales diferentes (el mundo de la política, el mundo de los negocios, el arte y la
moda). Personas que habían respondido a una serie de cuestionarios que esta artista argentina publicó
en un periódico. Durante estas fiestas, que fueron registradas en vídeo con una cámara oculta, se le
pedía a ocho integrantes de cada grupo que pasaran a una habitación contigua, para la que Minujin, en
colaboración con el artista multimedia Tony Martin, había creado un espectáculo de luces y sonidos que
generaba una experiencia sensorial muy intensa.
Con la recuperación de este proyecto 42 años después de su realización, se ha querido proponer una
lectura contemporánea de la obra temprana de Marta Minujín (una de las figuras fundamentales del arte
latinoamericano de las últimas décadas) y analizar cómo se han transformado los códigos de sociabilidad
(las formas en que nos relacionamos con el espacio e interactuamos con los demás).
Má sinfo en www.caac.es
ARTE LISBOA 2010
Caio Reisewitz
Mamanguá, 2007
Fotografía color
227 x 180 cm
Colección MUSAC
12
LISBOA. DEL 24 AL 28 DE NOVIEMBRE
Con una selección de cerca de 45 galerías nacionales e internacionales, la nueva edición del encuentro
luso sobre arte contemporáneo por excelencia se realizará excepcionalmente en el Centro de Congresos
de Lisboa, obra del afamado arquitecto Keil do Amaral. Y es que, en una rápida consolidación como cita
principal del calendario artístico internacional, ARTE LISBOA se va afirmando como feria de públicos
masivos, que atrae cada año a más de 20.000 visitantes, y es reconocida como primer expositor de la
creación artística nacional en Portugal, un país que vive un momento de gran fecundidad con el cruce de
los maestros como Julião Sarmento, Pedro Cabrita Reis y Helena Almeida con una poderosa generación
actual de artistas multidisciplinares y globalizados.
Por otra parte, la feria evidencia claramente el interés creciente del sector privado local por el arte
contemporáneo en un país en el que el coleccionismo particular se orienta cada vez más hacia las nuevas
creaciones, siguiendo la estela marcada por iniciativas de gran calado, como la apuesta del Banco Espirito
Santo por la fotografía contemporánea o el Museo Colección Berardo del Centro Cultural de Belém.
Más info en www.artelisboa.fil.pt
EXPOS & DANZA
START clone.45 - nov.dic 2010 “MONSTER”
TODD JAMES:
XVII MES DE DANZA.
“DANZA Y TECNOLOGÍA”
Lo prometido y es deuda y tras las dificultades del año pasado, superadas con una
edición de urgencia especialmente austera que se presentó como puente entre dos
épocas, el Mes de Danza de Sevilla ha vuelto este 2010 con energías renovadas, casi
como en sus mejores tiempos. Y lo ha logrado gracias a la reincorporación de antiguos
compañeros de viaje y a la capacidad para implicar a nuevos colaboradores. De esta
forma, al Ayuntamiento de Sevilla, la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía y el
Ministerio de Cultura español, se unen la Fundación Tres Culturas, la UNIA, la Universidad de Sevilla, el Teatro Lope de Vega o el Teatro Central, entre otras muchas entidades
y espacios. El título del certamen, “Danza y Tecnología”, advierte de la ambición de esta
nueva era. Además de los espectáculos con anunciado componente tecnológico, entre
los que destacan “Même à Moi Revenue... ”, de la francesa Geneviève Mazin, “Avatar”,
de la Compañía Errequeerre o “Dentro Hacia Fuera, Fuera Hacia Dentro”, de Manuela
Nogales y Bud Bumenthal, se ha organizado un Laboratorio titulado “Movimientos
y Nuevas Tecnologías”, la proyección de videocreaciones de artistas latinoamericanos, más una amplia gama de actividades formativas y teóricas. Por otro lado, esta
decimoséptima edición añade un nuevo eje vertebrador al programa, cuyo objetivo es
dar a conocer la actualidad coreográfica de países europeos recientemente adheridos
a la Unión Europea o en proceso de adhesión. Concretamente destaca la presencia de
jóvenes artistas macedonios, croatas, serbios y eslovenos, que nos ayudarán a conocer
la nueva realidad de los Balcanes. Y también creaciones en proceso, danza en espacios
públicos, inauguración a cargo de Israel Galván, etc., etc, en Sevilla del 29 de octubre al
21 de noviembre. Más info en www.mesdedanza.es >Matías Marín
GREAT ADVENTURE. GALERÍA JAVIER LÓPEZ. MADRID
HASTA EL 10 DE NOVIEMBRE
Sin libros ni lecciones. Así aprendió Todd James el oficio que
hoy por hoy lo ha consagrado como uno de los nuevos valores
del arte estadounidense. Y es que allí, concretamente en las
calles de Nueva York, fue donde este autodidacta construyó
a mediados de los 80 y siempre bajo el seudónimo de REAS,
la base de su posterior carrera artística. Un recorrido que
más tarde le llevaría a diseñar logos para grupos de hip-hop
como los Beastie Boys o revistas como The Source, así como
a participar en eventos de carácter internacional como la
Bienal de Venecia. En “Great Adventure”, Todd James nos
muestra su trabajo más reciente sobre papel y lienzo, en
el que, con su singular estilo de cómic, representa temas
tan diversos como piratas somalíes, tanques con rasgos
humanos, sus inconfundibles chicas a las que sitúa en
inhóspitos paisajes e irreverentes retratos de las llamadas
“fuerzas de paz” por los gobiernos occidentales. Realidades desdramatizadas, como él mismo afirma, que no te
puedes perder en su primera exhibición en nuestro país.
Más info en www.galeriajavierlopez.com
imagen: art de Todd James
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MÚSICA - CINE
START clone.45 - nov.dic 2010 “MONSTER”
LA MÚSICA BRITÁNICA Y CONVERSE
BERLIN CALLING SEVILLA, ¿DÍGAME?
Que los británicos tienen estilo es algo que ya viene hasta en
las enciclopedias. No es sólo que ellos estén normalmente de
moda, es que por veces constituyen la propia moda. Si a esto
le añadimos su habilidad para la música –serán fríos, pero las
notas las llevan en la sangre-, entonces tenemos la mezcla
explosiva. Y eso es lo que parecen haber dicho desde Converse
que, fiel a su estilo y línea de apoyar las nuevas expresiones
y vanguardias artísticas, ha lanzado una campaña apoyando
la música que se hace desde la “Pérfida Albión”. Precisamente para celebrar la creatividad y diversidad del panorama
musical británico, Hot Chip, Bernard Sumner y Hot City han
colaborado en “Didn’t Know What Love Was”, un nuevo tema
en exclusiva para Converse. Esta colaboración marca el inicio
del homenaje que Converse rinde a la música de este país y
que se extenderá durante todo un año. Desde el 6 de octubre
ya puedes conocer la nueva colaboración musical, en la que
han participado Bernard Sumner (Bad Lieutenant, New Order
y Joy Division), Alexis y Joe (Hot Chip) y Hot City. El próximo
2 de noviembre se estrenará el vídeo musical a nivel mundial.
Además, un segundo sencillo, previsto en enero, contará con
la participación de Paloma Faith, Graham Coxon, guitarrista de
Blur, y Bill Ryder-Jones, ex miembro de The Coral. Una combinación de interpretaciones y talentos musicales destinada a
crear algo nunca antes escuchado.
Más info en www.converse.com
La admiración a productores y DJs internacionales, los festivales, los
problemas de drogadicción, las relaciones sentimentales que marcan la
vida, la amistad, la escena underground berlinesa, la esquizofrenia y las
malas influencias son algunos de los muchos temas que trata “Berlin
Calling”, una película que refleja fielmente una parte de la sociedad
de nuestra época. Lo más interesante de este film independiente
protagonizado por uno de nuestros gentuzos favoritos de Bpitch Control,
Paul Kalkbrenner, es cómo refleja sin ataduras el modus vivendi que ha
caracterizado a la escena techno de Berlín, un toque que admiramos sin
reservas ni vergüenza alguna. Para acercar esta historia cultural, musical y
social al público andaluz, Sevilla Festival de Cine Europeo, en colaboración
con M-Touch Agencia de Comunicación y de Promoción de Eventos
Musicales, y la Productora Andaluza Aramburu, han creado un proyecto
integral y diferenciador del resto de propuestas de ocio habituales,
consistente en la interacción del visionado del film “Berlín Calling” en la
gran pantalla de los cines Nervión Plaza, los días 11 y 12 de noviembre
(el primer día a las 20 h. y el segundo a las 22 h.), para seguidamente al
finalizar la obra audiovisual, disfrutar con la actuación en directo de uno
de los actores-DJs que aparecen en la película, Housemeister, quien realizará un set con temas de la propia BSO del film en la recién inaugurada
sala-club Cosmos (c/Juan Carlos Cepeda 2 Nervión Sevilla). La fiesta en
Cosmos, en la que también están programados dos amigos de Flumo,
Ulises Gómez y Avant_Y, será el viernes 12 de 23 h. a 7 h., por lo cual da
tiempo de sobras para golfear en el club hablando de un film ya clásico
dentro de la escena zapatillera.
Más info en www.festivaldesevilla.com
PARÍS
PHOTO
CARROUSEL DU LOUVRE, PARÍS. DEL 18 AL 21 DE NOVIEMBRE.
Centroeuropa será este año el leit motiv de este nuevo encuentro
que, con la participación de más de 90 artistas –checos, eslovacos,
polacos, húngaros y eslovenos- pretende hacer un recorrido desde
el movimiento de vanguardia de los años 20 hasta la producción
actual más contemporánea. El proyecto se articula en cuatro
apartados. La Sección General, en la que las principales figuras
históricas de la vanguardia estarán representadas, mientras que la
Sección de Statement, comisariada por Nataša Petrešin-Bachelez,
hará hincapié en los talentos emergentes. La Exposición Central y
el Project Room, donde se presentará “Transition Times: Video Art
from Central Europe” (“Tiempos de transición: videoarte de Europa
Central), una selección temática de vídeos comisariada por Rita
Kálmán y Tijana Stepanović del Ludwig Museum-Museo de Arte
Contemporáneo afiliado al ACAX | Agency for Contemporary Art
Exchange (Agencia para el intercambio del arte contemporáneo).
Asimismo se realizarán una serie de conferencias con las que proporcionar al público un acercamiento más especializado a la escena
fotográfica de los países representados.
Más info en www.parisphoto.fr
imagen: Fotografía de Olivo Barbieri
CONOCE A carlos neira
EN CORTO
Nombre: Carlos Neira Uclés
Edad: 17 años
Lugar de nacimiento: Sevilla
Profesión: Estudiante
1. Un concepto: Vive y deja vivir.
2. Un concepto sobrevalorado: El estilo; es lo que menos importa.
3. Una edad de oro: Los 17.
4. Un personaje de ficción que te hubiera gustado conocer: Jason Lee.
5. Un maestro/a: Felipe.
6. Un momento del día que no cambiarías: El de patinar.
7. Un libro que no falta en tu habitación: Revistas de skate.
8. Una obsesión solitaria: Pensar.
9. Un sueño repetido: Mejor no contarlo...
10. Un objetivo por conseguir: Que mi cuerpo llegue a los 50 por lo menos ja, ja.
11. Tus pupilas se dilatan cuando: ¡Salgo de fiesta! Ja, ja.
Fotografía: Elam Revuelta
www.skateboardinguerrilla.blogspot.com
Sponsor: Jart Skateboards, RVCA, Etnies, Boarder king Deluxe.
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student studying for exams, spring semester 1974 - franklin & marshall college, lancaster, pennsylvania
franklinandmarshall.com
find out more about the f&m winter collection 2010
TODD BRATUD THE LONG WINTER
Todd Bratud podría haber sido uno de tantos norteamericanos que a estas alturas, en el ecuador de los treinta
y vividas a pleno pulmón las bondades de mamá USA,
reviviera a través del skate los mejores momentos de su
vida. Aquellos que, claro, ya pasaron. Pero no, este tipo
del medio oeste americano supo sacar partido a una
climatología adversa sin dejarse amilanar por el gris de
su estado natal, Minnesota. Sacó punta a su creatividad
y hoy en día es uno de los artistas más reconocidos del
mundo del skateboarding. Reputado diseñador e ilustrador de tablas y monopatines, Todd Bratud ha trabajado
para los mejores, como Consolidated Skateboards, Flip
Skateboards, Bridhouse Skateboards, Real Skateboards
o Volcom, entre otros. También la revista The Skateboard Magazine –la más prestigiosa en su terreno a
nivel mundial-, así como la línea skate del gigante Nike,
han contado en algún momento con el trazo limpio,
grueso y definitivo de este artista de la pista. Más info
en theskateboardmag.com/blogs/todd-bratrud/
The Nike SB Dunk Hi “Skunk” Todd Bratrud .
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ENTREVISTA sick boy
Esta fotografía por http://viktorvautier.blogspot.com
Su nombre artístico nos remite al
amigo amante del speed que Ewan
Mcgregor tuvo en esa alucinación
British que fue Trainspotting.
No sabemos si con intención de
homenajear a una de las cintas
más aclamadas de la filmografía
británica, o simplemente por el
juego del humor negro, lo cierto
es que este artista es uno de
los “invisibles” que decoran las
calles de Londres. Precisamente
a la capital de la Pérfida Albión
voló nuestra compañera Lourdes
R. desde Sevilla. Entrevistar a Sick
Boy era su cometido, sin embargo,
entre un Vueling de ida y otro de
vuelta, la jornada en la ciudad del
Támesis, Candem Town y el Covent
Garden dio para esto, y mucho más.
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ENTREVISTA sick boy
Texto_ Maru Sánchez
Entrevista y fotografías_ Lourdes R.
Tu lema es “SAVE THE YOUTH”. ¿Es este intento un síntoma de
enfermedad hoy en día?
“Save The Youth” es una frase que empecé a usar hace seis años y es el
título de una antigua canción de los 70 de unos músicos de soul. Con este
lema lo que quiero decir es que hay que salvar a los niños de convertirse en
“malos”, salvarlos de la calle, de las peleas, de las drogas… En general es
tratar de encapsular la idea de intentar ser positivos y no ser muy duros con
los niños. No tiene nada que ver con intentar mantenerse joven, usar cremas
o cirugía estética.
Los años de la abundancia de la era Blair han pasado y le han sucedido el gobierno conservador y los cortes en materia social. ¿Qué
ha quedado de aquellos días? ¿Y en la escena artística?
Creo que, por lo general, la mayoría de los artistas operan en el exterior, y
por ello nos sentimos menos afectados por los cambios en la política o, al
menos, nos afectan más lentamente. Los grupos políticos en este país son
bastante similares, no representan a la derecha e izquierda extremas, sino
que todos se encuentran en el centro, así que cuando hay un cambio, este
no supone una gran revolución, todo es muy gradual.
A todo ello, le podemos añadir el hecho de que los artistas no tenemos que
pagar impuestos, vivimos en casas okupas si hace falta… Por el contrario,
las clases obreras se ven mucho más afectadas por la situación de crisis
actual. Los artistas -al menos esa es mi opinión- no se sienten tan afectados
por los cambios. De hecho hace mucho tiempo que no siento ningún cambio
en ese sentido. Es una pregunta curiosa para una entrevista [risas].
¿Sigue siendo Londres el centro de la industria cultural internacional?
Si, siento que es el destino “top” para los creativos de toda Europa. Pienso
que Nueva York y Londres son bastante similares en su atractivo. Luego
tenemos París, Barcelona o Berlín, pero definitivamente Londres sigue produciendo moda, arte o música y liderando la mayoría de estos ámbitos. Por ello
sería extraño que alguien interesado en la cultura no quisiera visitar Londres.
En ese sentido, y aunque ciertamente no puedo ser objetivo porque vivo
aquí, pienso que hay algo que definitivamente es diferente a cualquier otro
sitio y hace que me mantenga aquí: la energía y la fuerza de la multiculturalidad. Y es que realmente es una ciudad muy multicultural, diría que la
más multicultural de Europa. Aquí hay inspiración en cualquier lugar para las
personas creativas. Por ejemplo, si quiero hacer una nueva pieza de arte y
necesito referencias, puedo ir al sur de Londres o de tiendas al East End a
conseguir algunas baratijas turcas, también a ChinaTown… Está todo aquí.
Cuando vives aquí tienes que disfrutar la ciudad y no quedarte en tu casa o
en tu estudio, sino salir a explorar.
Por otra parte, contamos con algunas de las mejores galerías. Así, puedes
ir a ver a Picasso, Van Gogh... A todos los grandes en la Portrait Gallery, por
ejemplo. A la vez que puedes tener acceso a una cultura más underground
en moda o grupos de música. También existen los Screen Prints Clubs,
donde la gente llega, pinta, imprime los diseños y luego puede llevárselos.
Hay muchísimas cosas interesantes que hacer y ver en Londres y supongo
que es por eso que como artista es imprescindible venir. El dinero es otra
cosa, es caro vivir aquí y tienes que poder permitírtelo, pero merece la pena
porque es una gran experiencia.
¿Cuáles son las expresiones emergentes en la escena artística
londinense?
Creo que hay una potente escena de música independiente, aunque particularmente no estoy demasiado interesado en ello. También hay un grupo
cada vez mayor de gente procedente del mundo del graffiti o del arte de la
calle en general que, aunque no haya suficientes galerías para apoyarlos a
todos y quizás haya empezado hace muchos años, es ahora cuando se está
haciendo más fuerte. No puedo hablarte de otros ámbitos del arte porque
no estoy muy familiarizado con ellos, pero lo cierto es que la gente sigue
viniendo a Londres, es algo que está creciendo.
El graffiti es uno de tus principales ámbitos creativos. ¿Qué pasos
sigues antes de comenzar un nuevo proyecto?
Básicamente lo que intento hacer es que cuando voy en bici o en autobús y
veo algún sitio interesante, vuelvo para comprobar su estado. Por ejemplo,
veo una tienda vieja que me interesa, pues antes de actuar me intento informar de cuánto tiempo lleva cerrada, cómo de concurrida es la calle, si voy a
poder hacer el trabajo de día o si la gente de alrededor me va a molestar. En
definitiva, se trata de sentir la atmósfera del lugar, del espacio donde quieres
pintar, así como valorar los pros y los contras y pensar si los riesgos van a
ser superiores a los beneficios.
Una vez elegido, vuelvo al lugar, llevo algunos caballetes, una especie de
lona para cubrir el suelo y me sitúo en frente –en este caso- de la tienda.
Normalmente voy muy temprano por la mañana, así coloco la lona y el
coloco el caballete al lado (aunque no lo utilizo). Para este tipo de obras
suelo llevar ropa normal, y es que no es lo mismo que ir a media noche cubriéndote con una capucha, esto es más de “estoy trabajando en algo serio,
tengo mucho que hacer…”. Es como un truco psicológico que me permite
hacer grandes piezas en lugares llenos de gente. No obstante,
ARTE - VIAJE
ENTREVISTA sick boy
también creo que depende del estilo de tu obra. Por ejemplo, si sólo pintas
letras y líneas negras, la gente dirá: “oh, esto no es graffiti, es vandalismo”.
Sin embargo, si usas brocha y dibujas símbolos gráficos, el impacto no es el
mismo que una firma.
A este respecto, ¿has tenido muchos problemas con la policía?
En Londres sobre todo tienes muchos problemas con las cámaras de seguridad. Tienes que elegir muy bien dónde pintar.
¿Entonces debes cubrir tu cara?
No, simplemente no pintas enfrente de una cámara. Pienso que si hay
una cámara y pintas incluso sabiendo que está ahí, si un policía se acerca
tienes que parecer seguro de lo que estás haciendo, tener confianza. Si te
piden documentación no debes dudar, porque sabes que no estás haciendo
nada malo y eso se transmite. He tenido problemas con la policía antes, he
estado arrestado, he tenido que pagar grandes sumas de dinero…
¿Has vivido en otras ciudades?
Sí, también he vivido en Bristol antes de instalarme en Londres. Es una
ciudad bastante cultural, pero más pequeña. Está al oeste de Inglaterra y
viví allí durante ocho años. Es de donde vienen artistas reconocidos como
Banksy o Mit Walker. Hay una escena artística muy viva.
¿Qué ha significado Bristol en tu carrera?
Conocí a muchos artistas de mente abierta, solíamos pasar todo nuestro
tiempo fumando hierba, pintando juntos en murales gigantescos y sin muchas preocupaciones. Es una ciudad muy relajada donde es barato vivir, algo
que estaba muy bien porque me permitía concentrarme en el proceso creativo, sin estrés. Después me mudé aquí y, de repente, ¡tenía tantos alquileres
que pagar! El ruido constante... Es otro modo de vida. Aquí trabajo de otro
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modo. Mi vida en Bristol, básicamente, se reducía a estar en mi casa, llamar
a un amigo, quedar para pintar alguna pared, comer, beber algunas cervezas
y dormir. Y al día siguiente lo mismo, todo muy calmado.
¿Qué conoces del arte actual español?
Me gusta el arte español, de hecho suelo ir a Barcelona 2 ó 3 veces al año,
porque tiene una buena escena artística. Un buen amigo mío de allí es
Zosen, un artista al que realmente admiro. Otro, al que no conozco personalmente pero que me encanta lo que hace, es Sixe Art. Me gusta mucho
el “sabor” de estos artistas, es un estilo muy español. Son las personas que
más me han influido en estos últimos años de mi carrera. Yo suelo dibujar
muchos símbolos y es porque mucha gente en Barcelona usa logos, en vez
de letras, para sus firmas. Por ejemplo, “La Mano” fue la primera persona
que conocí cuando fui a Barcelona cuando era muy joven y me hizo pensar
que debía usar logos, imágenes en vez de firmas sólo con letras.
¿Piensas que un artista debe ser fiel a sus ideales y además,
transmitirlo en su trabajo o por el contrario piensas que se trata de
algo pasado de moda?
Verás, vengo de un “background”, el de la comunicación visual y el diseño
gráfico, donde usamos símbolos y colores que hacen el mensaje más
potente, así que cuando hago una pieza de arte siempre quiero concentrar
mis ideales en los símbolos. Es como cuando cocinas y lo metes todo en
una olla: intentas que el sabor sea lo más concentrado posible, ¿no? Pues
yo añado símbolos y significados, por ello hay que hacer un gran trabajo de
interpretación en mis obras. En ese aspecto, suelo comprar libros de simbología o enciclopedias y me documento antes de empezar cualquier trabajo.
Son elementos importantes para mí, pienso que todo artista debería
Estas fotografías por http://viktorvautier.blogspot.com
ENTREVISTA sick boy
hacerlo, porque si no, todo lo que tienes es una bonita pintura, pero sólo
eso, algo sin significado.
Por eso, algo que me molestaba mucho del graffiti era el hecho de pintar
sólo letras de colores. Eso es hacer tipografías, lo que no tiene un profundo
nivel de significación. Creo que por eso, después de un tiempo, dejé de
hacer ese tipo de dibujo. Me gusta mirar todo esto (señala sus últimas
obras) y pensar que aún sigue siendo ilegal, es graffiti, pero si puedes añadir
más significados, más sustancia, se muestra como un trabajo más maduro,
con lo que más gente puede llegar a apreciar lo que haces, a entenderlo.
Necesitas tener ciertos ideales y además imprimirlos en lo que haces.
El concepto “MONSTER” es el tema del próximo número de Clone.
¿Cuáles son los “monstruos” que atormentan a SickBoy?
[Risas] Oh, dios mío… ¿La sidra? No, en serio, creo que me preocupo
de todo demasiado. Me gustaría no prestar tanta atención a las cosas
pequeñas que ocurren en el día a día y así poder focalizar toda mi energía
en la pintura, en intentar hacerlo lo mejor posible. Siento que, a veces, la
mente se distrae. Creo que, en un sentido irónico, vivir en una gran ciudad
es genial porque puedes visitar diferentes áreas, inspirarte, pero a la vez
acarrea muchos problemas porque por un lado hay que pagar 500 euros del
estudio, mi casa son 600 euros, etc. Todo el dinero, las preocupaciones, las
multas, las deudas, la policía, las cámaras… Son muchas cosas. No es lo
mismo que estar en una colina, alejado de la civilización y sólo concentrado
en tu pintura, abstraído de cualquier distracción. Seguramente allí podría
hacer una obra mejor. En general, me gustaría no preocuparme demasiado,
relajarme y centrarme en mi trabajo.
Por último, ¿podrías explicarnos cuál es tu filosofía en la vida?
Tratar de ser positivo y generoso sin que eso signifique necesariamente
donar dinero a la beneficencia todos los días, aunque sí todo lo que esté
en mi mano. Por ello intento dar parte de los beneficios de mi trabajo a los
necesitados. En términos generales, me gusta conectar con las personas,
empatizar y no tener una actitud problemática. Intento que la gente a mi
alrededor pase un buen rato y sin preocupaciones.
EL LONDRES DE SICK BOY:
PARA TOMAR ALGO
Dalston es el lugar para ir y tomar algo. Hay algunas discos underground, como el HorseMeat Disco, es una discoteca gay pero tienen
una buena colección de música soul y disco de los 70s. Es realmente
un sitio gay muy hardcore, pero la música es genial y la gente viene de
todo el mundo. Está en el sur de Londres y deberías ver el logo de la
discoteca… 100 Club, donde hay “northern soul” y música soul de los
60s una vez al mes. La gente viene de todo el mundo: China, Japón,
Alemania, Italia… Yo suelo preferir los pubs pequeños, que sirvan buena
sidra, como The Harp, en Covent Garden.
GALERÍAS DE ARTE
Están repartidas por Londres. Mucha gente alquila espacios, actualmente hay uno en un túnel bajo la estación de tren de Waterloo, un
antiguo túnel de metro que no se usa desde hace más de 30 años y la
Lazarides Gallery.
Sevilla-Londres (Heathrow), 15:20h-16:40h diario / Londres (Heathrow)Sevilla, 17:15h-21:00h diario. Vueling a partir de 39 euros.
Otros destinos Vueling desde Sevilla: A Coruña, Amsterdam, Barcelona,
Bilbao, Bruselas, Gran Canaria, Ibiza, París, Roma y Tenerife.
Con conexión via Barcelona: Alicante, Asturias, Atenas, Bucarest,
Budapest, Dubrovnik, Lisboa, Lleida, Mallorca, Malta, Menorca, Milán,
Moscú, Nápoles, Palermo, Pisa (Toscana), Praga, San Petersburgo,
Santiago, Tel Aviv, Valencia, Verona, Viena y Vigo.
Mas info: www.thesickboy.com
ARTE - VIAJE
Vueling to London. Aeropuerto de Sevilla.
Martes 26, Octubre.
Mezquita vs Iglesia Cristiana.
Kingsland High Street.
Overground
Restaurante coreano PO-JANG MA-CHA.
Convent Garden.
Ridley Road Market.
Mercado tradicionoal en la zona este.
El estudio de Sick Boy
Tienda de libros con más de 200 años de antigüedad.
Libro de Kerth Haring.
Cafetería Garden.
172 Stoke Newington Road. www.gardencaferestaurant.co.uk
Callejuela detrás de “The Harp”. Covent Garden.
Galería Dalston. También es cafetería, hay pasteles y puelles
pillar wifi del local: gallerysuperstore.blogspot.com
The Harp. Sidras y cervezas artesanales, para gente que sabe lo que
quiere y busca calidad.
Vueling to Sevilla. Miércoles 27 Octubre
ENTREVISTA tomahawk
Texto_ Maru Sánchez
El tenebrismo de sus obras no debe tomarse a la ligera. Sus trazos exagerados y algo macarras no deben hacernos pensar que estamos ante
el típico recurso de chico inadaptado. Y es que este artista canadiense
sabe muy bien lo que se hace y por qué lo hace. Lucidez en palabras y
hechos que, dadas las circunstancias, pueden tener algo de proféticos.
ARTE
ENTREVISTA tomahawk
UN MÉDIUM PARA NUESTROS FANTASMAS
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Dices que en tus trabajos no haces sino explorar tu yo interior. ¿Por
qué este es siempre tan oscuro?
Cuando trato de expresar algunos sentimientos o ideas algunos de ellos
parecen converger hacia la oscuridad, como si yo fuera un pesimista.
Aunque estoy convencido de que así es, también trato de incluir en estas
imágenes escenas cómicas, como un chiste gráfico o una sátira. Me gusta
este tipo de humor enfermo. Los aspectos más oscuros de la vida junto con
la ironía son los que me dan la inspiración para poder hacer frente al miedo
y la muerte.
como políticos glotones, psicópatas, esquizofrénicos o esclavos.
Tengo muchas influencias pero creo que una de las primeras fue Eddie the
Head, la mascota de Iron Maiden.
¿Realmente estas criaturas que dibujas viven en tu mente? ¿Quiénes
fueron, en ese caso, tus principales influencias?
Sí, por supuesto que habitan allí, especialmente cuando bebo... ¡Me
convierto en un zombie! No, ahora hablando seriamente, estos seres
normalmente toman forma a partir de figuras ya conocidas: puede ser un
zombie, un esqueleto, una criatura híbrida o cualquier otro espécimen que
puedas encontrar en una peli de Serie B o ciencia ficción. Por otra parte,
también pueden ser personas humanas con expresiones muy exageradas de
miedo, angustia, melancolía... Lo único que hago realmente es coger cosas
del mundo fantástico y mezclarlo con el real.
En ese sentido, mis personajes tienen más profundidad de carácter que,
por ejemplo, algunos monstruos que suelen ser sólo una metáfora de los
instintos animales. Me gusta mostrar las figuras de personas pervertidas
Tus trabajos tienen algo de old school y estética film noir. Algunos
de ellos han formado parte incluso de novelas gráficas. ¿Qué nos
puedes decir acerca de esta experiencia?
Yo soy un gran fan de los dibujantes de finales del siglo XIX y principios del
XX como Lynd Ward, Frans Maserel, Erich Heckel, José Posada, Edvard
Munch, etc. Ward y Massel (también Eric Drooker y Tomas Ott, más recientemente) crearon novelas gráficas sin palabras que me han inspirado mucho. Me gusta ese poder universal y poderoso de las historias contadas sin
palabras. Y es que cuando las estás “leyendo” tienes mucho más tiempo
para admirar los dibujos que adquieren, por así decirlo, su propia dimensión.
El scratchboard, la técnica que consiste en rayar una superficie oscura
a partir de la cual vas dibujando las figuras o escenas, es una de tus
favoritas.
¿Piensas que es más fácil vender la parte oscura y difícil del mundo
que la fácil?
La verdad es que no sé si es más fácil o no, lo que sí creo es que encuentro
más interesante mostrar lo oculto u oscuro que la simple contemplación de
la belleza y la naturaleza. Sería demasiado blando.
¿Qué te aporta profesionalmente?
Descubrí esta técnica con Thomas Ott, que sigue siendo mi artista favorito
usando esta técnica. Cuando comienzo a rayar las superficie que sea, veo
inmediatamente las innumerables y delicadas posibilidades del dibujo.
Prefiero dibujar la luz a partir de la oscuridad en lugar de mostrar las sombras
de un mundo iluminado.
Ahora que incluso Banksy tiene su propio documental, ¿cómo ves el
futuro de la escena artística independiente?
No sabía nada acerca del documental sobre Banksy pero creo que es un
buen artista con muchos mensajes por transmitir. Y es que artistas underground como Banksy, Obbey Giant o Blue han logrado gran popularidad con
sus creaciones artísticas de izquierda. Los temas sociales o políticos que
aparecen en sus obras es un camino a seguir para muchos artistas.
En ese aspecto creo que internet nos da muchas facilidades para mostrar
nuestros trabajos. Por ello pienso que ahora es más fácil llegar a una audiencia determinada y mantenerla. Por ejemplo, los creadores ahora podemos
hacernos un blog e ir alimentándolo día a día con lo que los usuarios pueden
seguir la evolución de sus creaciones. Precisamente es por eso que yo estoy
en las páginas de CLONE magazine, es un aspecto bueno de la globalización
y por eso pienso que la escena independiente seguirá creciendo hasta la
próxima guerra mundial que aniquilará todo... [risas]. Realmente no pienso
mucho en el futuro así que tomo ventaja ahora.
¿Qué es lo qué más aterra a la sociedad actual? ¿Cuáles son nuestros monstruos?
El capitalismo ha creado monstruos que sólo actúan por beneficios, ganancias que a su vez se obtienen del trabajo de la gente. Mientras la gente está
siendo robada, los monstruos son más grandes que nunca. No tienen ningún
tipo de compasión o sentimientos por la bondad humana y se comen entre
ellos para dominar. En ese sentido y si tuviera que pensar qué es lo que más
nos aterra podría decir que, hoy en día, sería el hecho de que incluso las
clases bajas han sido “adoctrinadas” para actuar así. La lucha de clases ha
sido distorsionada y minimizada por los monstruos de la política que la han
hecho improductiva. Afortunadamente no todo el mundo es ciego ante esta
realidad, así que la lucha continuará...
Como artista, ¿qué es lo que más temes?
Lo que más temo es repetirme y perder mi creatividad. Por otro lado sería
también muy triste no tener un público con el que compartir mi trabajo.
Finalmente, si tuvieras que elegir una leyenda de terror, ¿cuál sería?
Sin duda alguna elegiría “El Extraño Caso del Dr. Jeckyll y Mr. Hyde”, porque
ilustra a la perfección la lucha interna de cualquier persona entre el bien y el mal.
Más info: www.twk-artwork.com
ARTE
LIBERTAD PARA
SEGUIR SORPRENDIENDO
Un vistazo a su web y ya sabes que no te
encuentras ante algo sin sustancia, más
bien todo contrario, la digestión puede ser
densa pero proteínica. En un mundo en el
que una imagen no es que valga más que mil
palabras, sino que simplemente no suelen
estar contempladas en el diccionario de la
RAE, este artista sevillano sigue en sus trece
a la hora de demostrar que hay algo más.
Ese más allá de lo que vemos, comemos,
consumimos hasta morir es precisamente la
carne de cañón de su producción. Una obra
que llena espacios “atacándonos” por los
cuatros costaos. Acciones culminadas, al fin,
tras una buena declaración de intenciones.
Más info en www.emiliosubira.com
Imágenes “Ilustres de Salón”
Esclusivas para CLONE.
ARTE
ENTREVISTA detroit grand pubahs
DETROIT
GRAND
PUBAHS
Texto_ Fernando Fuentes / Imagen_ Chris Davison
UN DÍA CUALQUIERA, EN BUTTOPOLIS, LOS
ACTIVISTAS SONOROS DE DGP PENSARON QUE SI
PODÍAN MONTAR UNA BANDA DE ELECTRO-TECHNO MARCIANO, POR QUÉ CONFORMARSE CON
UNA DE RANCIO E INDOLENTE POST-ROCK. AHORA,
LOS PICHICHIS DEL “CABARET-STYLE” ESTRENAN
SU NUEVO “MADD CIRCUS” (DETELEFUNK, 2010),
EN EL QUE ELEVAN EL GUARRETE BOOTY A
CATEGORÍA DE ESTILO AUNQUE PREFIERAN QUE
SU BASTARDO SONIDAJE SEA ENTENDIDO COMO
FUNK CONTEMPORÁNEO. ¡A LA FELICIDAD POR EL
GLUTEUS MAXIMUS!
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ENTREVISTA detroit grand pubahs
FUNK FINO DE CULO GORDO
Ejem, ¿si hay posibilidad de escribir letras que hablen de follar
violentamente, masticar clítoris y sobar culazos atómicos por qué
ceñirnos al pseudo buen gusto sonoro-literario de los meapilas de la
indietrónica y el avant-pop, no? (Risas) ¿Masticar clítoris? Pero hombre,
eso no, masticar clítoris no...
Dice la crítica española que DGP suena a neo-blues electrificado;
hip-hop en formato lo-fi; electro tan vintage como jugoso y, sobre
todo, mucho techno antológico y cavernario parapetado detrás una
broma que hay que ser muy listo -y estar muy puesto- para saber
tomarla en serio y disfrutar de su impresionante calado y extraordinario groove... Sí, la cosa va de pasárselo bien, básicamente. La música
es un asunto muy serio, pero al mismo tiempo debes verle la diversión,
porque hay que disfrutar cada tema. También es importante apuntar que la
variedad de géneros que abarcamos se debe a que somos ‘cabaret’, algo
que en Detroit se conoce muy bien: el ‘cabaret style’ se define por la mezcla
de todos los estilos musicales. Nuestras influencias se pueden trazar de
distintos géneros, desde Parliament hasta AC/DC, pasando por King Tubby,
The Advent, Drexciya o los B-52’s.
Este “Madd Circus” eleva el vibrante y guarrete electro-booty a
estilo con mayúsculas dentro de la escena electrónica actual... ¿Es
vuestra enloquecida respuesta ante tanto aburrimiento minimalero y
dubstepero? No, porque sería muy arrogante tratar de responder a alguien
que hace un estilo distinto al nuestro con una propuesta que para nosotros
es la misma desde el principio. Simplemente hacemos lo que hacemos, sin
pararnos a considerar lo que puedan pensar de nosotros o lo que hace el
resto de gente. Es una cosa en plan ‘do what cha like’ [NdT: haz lo que te
apetezca], para nosotros.
No conocíamos ese gusto vuestro por el hard-rock, ¿por qué os
habéis acordado tanto de este vituperado estilo en la génesis de
este nuevo disco? Porque queríamos expandir nuestros horizontes e
intentar algo distinto para este disco en concreto. DGP es una banda que
pretende aportar su granito de arena en aquellos estilos con los que hemos
crecido, aquellos que nos han influido toda la vida.
¿Con que pléyade de colaboradores os habéis rodeado para pergeñar este “Madd Circus”? ¿Practicáis el “sólo no puedes, con amigos
sí”? Los Pubahs forman parte de un Circo que incluye a Paris The Black FU,
Mr O, Domgue, Mitch Marcus aka Lalin, Mo Tea, Emric di Paolo y Jerry The
Cat. Para ser parte de la banda tienes que haber sido seleccionado por Ringmaster FU y obligado a hacer cosas bastante raras, a modo de iniciación...
Oh, y saber tocar algún instrumento también ayuda.
Y si a mí se me ocurriera definir vuestro sonido como funk contemporáneo, sin más apellidos ni etiquetajes, ¿os parecería acertado?
Exacto, nos parecería fantástico. Mientras sea buena música, nos gustará. Y
si encima puedes mover el culo mientras la escuchas, entonces es funky.
En este nuevo álbum se homenajea claramente al maestro Barry
White en ese tema llamado “Breakfast in Bed”, ¿es una de vuestras
referencias sonoras confesables? No tanto como eso, pero... Verás,
crecer escuchándole, recordar esos tiempos en los que intentabas que las
nenas salieran de su rollo para que entraran en nuestro rollo, era algo duro,
así que... ¡Bam, ahí lo tienes!
¿En qué momento se encuentra el Detroit ghetto-tech tras la
balacera tech-minimalística sufrida durante estos dos últimos años?
Creo que está a punto de pegar de nuevo. Al menos, debería. El ghetto-tech
es una actitud, es la calle más pura, y hay gente en Europa que no es capaz
de pillarlo porque se rodea siempre de los mismos sonidos. La gente debería
ser un poco más aventurera, para ser capaz de darle oportunidades a cosas
diferentes a lo habitual. Es difícil, pero merece la pena.
La violencia es una constante, tanto en los contenidos como
continentes, en el elecro-techno parido en la “Ciudad del Motor”...
¿Hay que sobrevivir en un suburbio o tener a tu hermano mayor en
chirona para facturar buena mierda sonora de este tipo? Es una apreciación muy precisa, sin duda: para estar en este rollo debes haber pasado
por la trena, o al menos por algún tipo de correccional. Como dije arriba, el
ghetto-tech es una actitud; incluso yendo más allá, es un sentimiento. Pero
oye, recuerda que, además... ¡Es sexy! Cierto que hay muchos ‘booty’, ‘ass’
y ‘butt’, pero para los más inteligentes también tienes el ocasional ‘gluteus
maximus’.
La pregunta del millón: ¿Qué tenéis que decir a los que dicen que el
ghetto-tech es el hijo bastardo del Miami Bass? ¿O es al revés? Aquí
es donde todo el mundo se equivoca. El ghetto-tech nació exactamente
en Buttopolis, llamándose de otra manera, pero algunos tipos de Florida le
pusieron Miami Bass. Aquí en Michigan la peña lo conoce como ghetto-tech
o booty music. Yo prefiero, en realidad, el nombre que le damos los Buttopolonianos, pero como es muy difícil de pronunciar, pues mi segunda opción
sería booty music. En Miami se jactan de haber empezado a hacer este rollo
(en la Tierra, claro, que Buttopolis es otro rollo) y en Detroit lo reclaman
como algo suyo pero, ¿sabes qué? ¿A quién le importa? Desde luego ningún
productor va a recibir un Booty Award...
Por último, ¿que opinión os merece el reaggeaton? ¿Creéis que tiene
conexiones con vuestro sonido? Pues no tengo ni idea, la verdad, porque
es un estilo que desconozco por completo. Cuando pueda escuchar algo con
calma te podré responder a esta cuestión.
“Madd Circus” está editado por DetEleFunk.
MÚSICA
ENTREVISTA greg dulli
GREG DULLI
Greg Dulli, quien fuera líder de uno de los mejores grupos de los 90, The Afghan Whigs,
más tarde también de los Twilight Singers y recientemente emparejado con Mark Lanegan
en The Gutter Twins, pasa por Sevilla en noviembre, el día 9 en el Teatro Central. Su
espectáculo, “Una noche con Greg Dulli”, nos sirve de excusa perfecta para hablar con uno
de los más entretenidos genios del rock norteamericano de su gira, su próximo disco con
The Twilight Singers y, por supuesto, de zapatos italianos.
Texto_ Pablo Vinuesa
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ENTREVISTA greg dulli
UN CABALLERO
¿Qué significa para ti tocar en España? ¿Te gusta actuar en nuestro
país? ¿Conoces el sur, por cierto? Me encanta España. Eso sí, no he
actuado nunca en Sevilla, así que tengo muchas ganas de que llegue el concierto en el Teatro Central para ver cómo es el público. Será mi primera vez allí.
Después de haber hecho giras por todo el mundo... ¿Seguro que
este es tu primer “solo tour”? Por otra parte, vienes acompañado
por otros músicos, cuéntanos quiénes son y qué podemos esperar
de esta noche contigo y con ellos. Dave Rosser tocará la guitarra y
la armónica, y Rick Nelson tanto violín como chelo. Haremos unas veinte
canciones, más o menos, que recuperarán tanto parte de mi carrera pasada
como algunos de los nuevos temas que están por editar. Será un encuentro
íntimo, casi desnudo, pero también puedes esperar que soltemos alguna
tralla rockera cuando lo consideremos necesario.
Dijiste en Billboard la siguiente frase sobre el nuevo disco de los
Singers: “si te gusta mi material anterior, te gustará la mitad del
nuevo disco, mientras que la otra mitad te va a dejar un poco en plan
WTF!?”. Así que, dinos, ¿qué podemos esperar de esta parte tan sorprendente? ¿Te has vuelto productor de dubstep o te desmarcas con
experimentos post-rockeros, acaso? No, en realidad tampoco hay ningún
secreto espectacular... Se trata, simplemente, de una continua evolución,
inspirada en la regresión del rock and roll.
Como a la hora de mandarte las preguntas todavía no había podido
escuchar este largo, ¿por qué no explicas un poco a los lectores de
CLONE cómo será este material? Ruidoso, suave, sueltecito y apretao. De
arco iris y blanco y negro.
En este álbum has colaborado con Mark Lanegan, Anu DiFranco,
Joseph Arthur, Petra Haden y Nick McCabe, todos artistas perfectamente conocidos y valorados. Esto es algo que sueles hacer
mucho últimamente, rodearte de grandes músicos, ¿lo consideras
refrescante, una buena manera de afrontar luego otros trabajos más
en solitario? A lo largo de toda mi carrera musical he tenido la oportunidad
de trabajar codo con codo junto a grandes músicos... Esa es la mejor manera
de aprender, crecer y descubrir cosas. Nadie hace nada solo en este mundo,
excepto dormirse y morir.
Hablando de Mark Lanegan, hicísteis un dúo maravilloso en el grupo
The Gutter Twins. Creo que vuestras voces casan a la perfección,
y qué coño, los líderes de Afghan Whigs y Screaming Trees, juntos,
era como el sueño húmedo de una legión de fans del rock independiente norteamericano. ¿Cuándo descubrísteis que os llevábais tan
bien? Mark es uno de mis mejores amigos, además de uno de mis cantantes
favoritos de toda la vida... Empezamos a cantar juntos hace como diez años,
y en realidad nunca hemos dejado de hacerlo. Él tiene un corazón de oro puro,
y creo que, por el momento, sólo hemos podido escarbar en la superficie de
todas esas grandes cosas que aún nos quedan por realizar.
Sé que eres un melómano con las orejas bien abiertas, así que dime
a qué grupos o artistas, de cualquier género, te gustaría escuchar
versionando tus temas... O’Spada, Cotton Jones, Broken Keys o Dirtbombs, por nombrarte los primeros que se me vienen a la mente.
También se te conoce por hacer inesperadas y muy certeras versiones de otros... ¿A quién has estado fusilando recientemente? Pues
últimamente, creo que el mayor objetivo podría ser Chris Whitley.
¿Qué significa sacar disco con Sub Pop... Veinte años después de
“Up In It”, vuestro primer LP como The Afghan Whigs en tan mítico
sello? Verás, en Sub Pop son como mi familia. He crecido, literalmente, con
ellos, así que la situación es fantástica, no me puedo quejar.
Hace años que Afghan Whigs partísteis peras, pero siempre ha habido rumores, supongo que la mayoría de ellos por pura esperanza de
fan, de que podríais volver a juntaros. Incluso sacásteis dos temas
nuevos en una recopilación... ¿Llegará el día en que os podamos ver
de nuevo juntos? Ya dijimos todo lo que teníamos que decir.
Una pregunta sobre algo que no tiene nada que ver con la música,
y no sólo por el título de tu mejor disco junto a los Whigs... Siempre
te he considerado todo un gentleman, así que hablemos sobre ropa
de caballero. ¿Cuáles son tus zapatos favoritos? ¿Americanos como
Allen Edmonds o Alden? ¿Ingleses tipo Church’s? ¿Italianos? Me
encantan los zapatos italianos. Bueno, en realidad toda la ropa italiana, en
general... Los británicos y los alemanes también hacen grandes prendas.
En realidad no te podría decir marcas concretas, porque lo que más me
gusta es darme vueltas por ahí y visitar tiendas distintas a lo largo del ancho
mundo. Por ejemplo, acabo de encontrar una auténtica Cueva del Tesoro en
Pittsburgh, cómo te quedas.
Siempre has flirteado con el cine, sobre todo con el añorado Ted
Demme, de quien eras muy amigo y que te sacó tocando con los
Whigs en la genial “Beautiful Girls”. ¿Qué has hecho últimamente
relacionado con la gran pantalla? Pues precisamente ando trabajando
en un disco instrumental al que le veo grandes posibilidades cinemáticas, la
verdad, así que... ¿Quién sabe?
Última pregunta: al margen de la música, con qué películas, series
de televisión o libros has disfrutado últimamente? “Breaking Bad”,
“Eastbound and Down”, “Bored to Death” y “Luther” son mis series de televisión favoritas en este momento. En cuanto a películas, “Animal Kingdom”
es la mejor que he visto en los últimos años, sin duda alguna, y por lo que
respecta a libros, mi opción sería “A Fraction of The Whole”, de Steve Toltz.
Greg Dulli estará actuando el 9 de noviembre en el Teatro Central, junto
a Dani Llamas.
MÚSICA
ENTREVISTA pony bravo
PONY BRAVO
Con “Si Bajo de Espaldas No Me da Miedo.. ”, el primer disco de los
sevillanos Pony Bravo, lograron un fenómeno boca-oreja que nos pilló a
todos con la guardia baja. Resucitaron la tradición del rock sevillano de
los setenta y la supieron mezclar con los mejores ingredientes de una
cultura global nacida directamente en la red. Con “Un Gramo de Fe”, su
nuevo disco, lo han vuelto a hacer.
Texto_ Daniel J. Tejar / Foto_ Celia Macias
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LA BUENA MIERDA
En este disco habéis grabado canciones que poco a poco hemos
ido conociendo gracias a vuestros conciertos, caso de “La Niña de
Fuego” o “El Campo Fui Yo”. ¿Cómo os lo habéis planteado a la hora
de hacer el camino inverso? Es decir, del directo al estudio. ¿Os
suele ocurrir mucho esto?
Al habla, Daniel Alonso, cantante y diseñador de Pony Bravo: El momento
de grabar en estudio es muy importante, en nuestro caso intentamos
prepararlo bien, no alterar las canciones porque sí, y respetar el espíritu de
cada una, porque hay canciones en el nuevo disco muy diferentes en cuanto
a producción o intenciones, algunas son muy humorísticas como algunos
carteles, y otras más “en serio” digamos, así que antes de entrar a grabar
fuimos hablando con Raúl para que al llegar a su estudio todo estuviera
planeado. Con las canciones que hemos ido rodando en los directos es quizás
un poco más fácil, pero al final es lo mismo, hay que dedicarle tiempo y sale.
En nuestro caso confiamos mucho en Raúl y en la producción que quiere dar
a cada canción, él es quien dirige todo a la hora de grabar.
En “Un gramo de fe” le habéis dado mayor protagonismo a los
ritmos, la música y las piezas instrumentales, frente un componente
melódico y casi épico que dominaba gran parte de “Si Bajo de Espaldas No Me Da Miedo... “, ¿ha sido esto intencionado? ¿Es fruto de
una evolución en el grupo? Es fruto de la evolución al oír música, cuando
empiezas a componer sueles ser más épico, más pop, más típico y predecible
en realidad, y si sigues currando y si no te estancas oyendo los mismos
discos siempre, al final la música del grupo también cambia. El rock ha
crecido mucho en 50 años, hay mucho camino por recorrer, aunque suene a
cliché. La mayoría de nuestros amigos aficionados a la música oyen de todo,
tienen una cultura musical amplia y saben disfrutar de géneros diferentes sin
prejuicios, así que nosotros intentamos hacer lo mismo, no nos gustan los
grupos que se quedan en un solo estilo, al final te das cuenta cuando conoces a esos grupos personalmente que son los típicos que se vincularon con
un género de adolescentes y ya se quedaron estancados en esa fase con los
años. Hay mucha música buena por oír, y hay que experimentar, sin eso no
hay música, sólo grupos que quieren ganar dinerito tocando para chavalitos
aprovechándose de que a esos chavales no les ha dado tiempo a oírlo todo.
Intenta complacer a un aficionado a la música que sepa de todo, ese es el
reto en realidad. Hay que tener un respeto por la gente que oye música, y los
grupos de rock tendemos siempre a quedarnos con nuestro rollito, buscando
estúpidamente tener una personalidad, un sonido, y todo eso es una puta
mierda, la verdad, hay que buscar y tener curiosidad y cambiar, y si pierdes
público te jodes, lo importante es la música.
Habéis abandonado definitivamente el inglés para sacar un disco
totalmente en castellano. A pesar de que las canciones quizá más
importantes del primero eran en castellano, ¿a qué se debe este
cambio? ¿Será definitivo? Lo importante en realidad es que las canciones
sean buenas, eso lo primero. El rock es un género internacional y hay cosas
buenas en muchos idiomas. Nosotros tuvimos una primera fase de cantar
en inglés como muchos grupos, y nos encanta, le tenemos cariño a esas
canciones, y algunas como “Sunset” o “El Baile” las seguimos tocando en
directo. El motivo de esto es que cuando empiezas a componer canciones la
ENTREVISTA pony bravo
primera fase es en inglés, al menos para mucha gente, el rock es un género
anglosajón y la mayoría de grupos míticos son americanos o ingleses. Luego,
si te lo curras, te das cuenta de que en tu idioma puedes hacer mejor música,
ser mas preciso con lo que cuentas, porque lo conoces, y ser mas preciso
en cómo lo cuentas, es así de sencillo. Hay gente que se resiste a escribir en
su idioma, porque es más fácil en inglés y cuesta mucho más trabajo hacer
una buena canción en castellano. Eso paraliza a mucha gente, aunque no lo
reconozcan. En nuestro caso vimos que hay sendas en castellano por donde
no va nadie, caminos que se abrieron con gente como Veneno, Triana, Silvio,
Radio Futura, Derribos Arias, y hasta No me pises que llevo chanclas, grupo
injustamente tratado siempre, y eso está mal, es una falta de respeto a la
gente que oye música y sabe de música, así que mejor arriesgarse y cagarla
antes que ignorar toda esa buena música en castellano.
Ya desde el título, no hay que ser un lince para darse cuenta de que
uno de los temas fuertes de este segundo disco son las drogas.
Temas como “Noche de Setas”, “El Campo Fui Yo” o “La Rave de
Dios” así lo corroboran. ¿Apología de las drogas? ¿Ciclo vital? Bueno,
cuando aparece la droguita en las canciones es siempre desde un enfoque
crítico-festivo, como en la “Rave de Dios” o en “Mi DNI”, y en defensa de
las drogas buenas, que estamos hasta los cojones de que se considere
a las setas, la marihuana o el MDMA como drogas chungas, siempre por
ignorancia. Hay que diferenciar entre droguita-buena-que-te-aporta-cosas y
drogas chunguelas como la cocaína. No me voy a poner en plan legalización
perro-flauta pero sí que es verdad que la droga esta ahí, y hay que usarla para
cosas buenas y no para ser un jincho, en nuestra generación hay un montón
de jinchos que se están quedando subnormales, y eso no mola, porque algunas drogas (no todas), al igual que muchas otras cosas de la vida, son sólo
herramientas, si las usas bien mola mucho. Más cultura de drogas y luchar
por la legalización y menos borrachera gratuita. Hay demasiados borrachos.
Por último, ¿cómo hacéis para compaginar dos grupos tan originales
y personales como son Pony Bravo y Fiera? ¿Os produce trastorno
de personalidad o bipolaridad? Gracias por lo de originales, lo primero.
Con Pony Bravo y Fiera intentamos currar muchas más horas que antes, sin
eso no tiene sentido, porque Fiera requiere mucho tiempo, no es un proyecto
paralelo ni nada parecido, hay que currárselo mucho, y Pablo es un punk y
esa gente son gente chunga, así que hay que currárselo. También ayuda
tener claro de que va cada uno, eso es importante, si eso va bien el resto es
fácil. Con Fiera llevamos casi el mismo número de años currando que con el
Pony (aunque Fiera haya salido más tarde), así que estamos acostumbrados,
es bastante natural el día a día y además te ríes un montón y te lo pasas
mejor que con un sólo grupo, y se aprende mucho más de música, oyes más
discos, etc. Aunque te tengas que pasar todo el día currando, que es un
bajón cuando no tienes un duro y todo eso, pero bueno, merece la pena sólo
por ver probar al Pablo latas y chapas en la chatarrería de los americanos, el
music store de Fiera.
“Un Gramo de Fé” ha sido editado bajo licencia Creative Commons
por El Rancho Casa de Discos
MÚSICA
ENTREVISTA delorean
JUEGAN EN LA PRIMERA DIVISIÓN MUNDIAL DE LA ELECTRÓNICA MULTICOLOR, QUE GUSTA A LOS POPIS MÁS AVANZADOS, Y
EN ESPAÑA TODAVÍA LOS CONTRATAN PARA PONER A BAILAR
COMO ZOMPOS A LOS FANS DE LOS PLANETAS CUANDO, A ESO
DE LAS CINCO DE LA MAÑANA, YA LES HA SUBIDO LA PASTILLA.
DELOREAN SON MUCHO MÁS QUE UNA SENSACIÓN -NI MUY
HOUSE, NI MUY POP- O UN HYPE SIN FUNDAMENTO, Y SU
FLAMANTE “SUBIZA” (MUSHROOM PILLOW, 2010) DEBERÍA DE
SONROJAR A MÁS DE UNO Y PONER EN SU SITIO A CASI TODOS
EN ESTO TAN PINTÓN DEL ELECTRO-INDIE QUE SE BAILA HASTA
CAER RENDIDOS. MODELNOS, QUE SOIS UNOS MODELNOS..
Perdón pero, ¿cómo se lleva eso de ser una banda de éxito internacional a quien nadie, todavía y a pesar de los sobrados meritajes,
reconoce apenas en su País Vasco, Cataluña y resto del dolienteestado español? Yo creo que nos sentimos reconocidos, supongo que por los
nuestros que es a quien nuestra música les dice algo. Tenemos un buen sello
que nos apoya mucho y no nos faltan conciertos. Siempre se puede mejorar,
claro está, pero todo va bien.
Lo que aquí está claro es que sois la única banda nacional que
juega en la primera división mundial y encima gana partidos muy a
menudo, ¿que supone eso para vosotros? Bueno, esto lo tomamos como
un halago. El mundo es muy grande, con bandas a muchos niveles, no es
todo un bloque uniforme. Como en tu casa, tienes que encontrar tu sitio y eso
lo vas viendo con el tiempo.
Cotilleo gracioso, ¿es cierto que Delorean son lo que son ahora por
culpa, en un alto porcentaje, de un extraño encargo sonoro de la
ETB? Sí. Pero eso no era Delorean, era un encargo personal. Los temas que
hicimos eran más bien sintonías televisivas que no forman parte de la discografía de Delorean. Aprendimos a utilizar el ordenador, sin embargo.
Entremos en harina, ¿a la felicidad por el loop? ¿Cómo componéis
vuestros temas y a partir de qué (supongo que ya nunca desde una
guitarra española)? A partir de, como mencionas, un loop inicial basado en
un beat, un sampleo de voz y unos acordes. En ese loop está la semilla, algo
así como un aura o una idea que después despliegas en la estructura convencional de una canción. Pero supongo que al comienzo está ese pequeño
compás, que es al fin y al cabo el tema.
La pregunta del millón, ¿cuándo pegó el salto Delorean a la electrónica y por qué? ¿Aburrimiento o exigencias del mercado? ¿O por qué
os disteis cuenta de que podíais ser mejor que Hot Chip rascándoos
44
la barriga desde el sofá de casa? (Risas). El término electrónica es muy
ambiguo. Si te refieres a lo de utilizar el ordenador, la respuesta es lo de la
pregunta de antes más los encargos de las remezclas. El sofá de casa, más
bien la silla del estudio donde ahora componemos.
Si seguís la evolución sónica natural -o mejor dicho artificial- que
os ocupa en estos últimos años el asunto -léase estilo- es posible
que desemboque en algo cercano a... No tenemos ni idea. Queremos
utilizar menos el ratón y componer con sintes, cajas de ritmos. No editar
tanto el sonido ni basar la composición en eso, sino buscar una idea fuerte y
consistente.
Dicen que lleváis tatuado en el ADN musical algo así como “hay que
estar al máximo siempre”. ¿No entendéis que el descanso es una
parte imprescindible del buen trabajo? Pues sí, ahora mismo con las
giras cada vez apetece más eso del sofá y helado en casa tranquilamente.
Además, te ayuda a pillar perspectiva. Eso sí, en el trabajo las cosas bien
hechas.
Escuchando vuestro último disco, “Subiza”, parece claro que sólo
os interesa la electrónica que busca directamente el baile, al menos
en lo compositivo. ¿Dónde queda lo experimental para Delorean
o ya es realmente bueno en este ámbito lo que hacen gente como
Animal Collective o Fuck Bottons como para querer superarlo? ¿Lo
experimental? Bueno en la producción, creo yo, más que en lo compositivo.
Experimentas con sonidos, reverbs, texturas y capas, mezclas, etc. El sonido
en sí, más que la canción, es un terreno de experimentación que nos interesa. En lo compositivo, una buena canción, que creo que todavía no hemos
hecho, una sola buena canción, consistente y que se lea a la primera, eso es
lo que buscamos.
¿Dónde lo pasáis mejor produciendo vuestra canciones, desarrollando remixes para las mismas o facturando revisiones para los
demás? ¿Se gana pasta con esto último? Hacer tus propios temas es
más gratificante pero más complejo. Los remixes son un ejercicio interesante.
Lo hemos intentado con algún tema nuestro pero no funcionó muy bien,
queríamos hacer un club edit de “Stay Close”. Con los remixes hasta ahora no
hemos ganado pasta. No se pagan muy bien...
¿Para cuándo un álbum de Delorean sin originales, sólo con remixes
de vuestros propios temas? ¿Se podría invertir el procedimiento y
primero editar las revisiones si realmente es de lo que estáis más
satisfechos? Hombre, alguna vez he pensado compilar todos los remixes
de los últimos dos años. Creo que explican bien lo que hemos hecho hasta
“Subiza”. Pero no, hay que hacer un disco con temas nuestros, es lo que más
sentido tiene.
Eso de ser la banda presuntamente electro-indie que tenga como
responsabilidad cerrar los festivales haciendo que la gente baile
debe ser un poco coñazo, además de una presión inmerecida...
¿Para cuándo se os considerará en España una banda electrónica
ENTREVISTA delorean
que nada tiene que ver con Los Planetas o Astrud y mucho con John
Talabot, Sidechains, etc.? Yo sinceramente creo que no tenemos un set tan
electrónico como JT o Sidechains. Pero sí que es cierto que probablemente nos
sintamos más en sintonía o afines a ellos. Creo que estamos un poco en tierra
de nadie, ni muy house, ni muy pop.
¿Os da rabia que eso no se valore lo suficiente en un panorama
avant-pop tan agilipollado en el que hay grupos de tonti-pop que puede
llegar a grabar tres temas en una santa tarde? En mi opinión tienes que
tener algo muy especial, un talento único para grabar algo en una tarde, casi en
directo y que valga. La gente que es capaz de hacerlo es envidiable.
Parece claro que hay que vender al alma al diablo discográfico más
potente y con más distribución planetaria para vencer y vender, ¿qué
ha significado para vosotros que Matador os lleve de paseo por medio
planeta? Pues precisamente eso, currar a un nivel al que no trabajamos. Tener
acceso a muchas cosas a las que no tendríamos acceso...
Un buen mal día, ya podridos de pasta y viviendo junto a Timberlake
en L.A., descubrís que Delorean se ha convertido en un productor más
del marketing millonario sonoro que nos invade y agota, ¿qué pasaría?
¿Cantaríais victoria? No sé. Aunque currar de productor, cuando ya no nos
apetezca dar bolos, parece un planazo.
Por último, ¿es cierto que cada mañana, muy temprano, os turnáis
para chequear la web de Pitchfork por si acaso otra vez... ? Ya no la
miro mucho... No es cierto. Miramos el Marca, el Sport y El País. Y nuestro blog
también, desparrameeeee.blogspot.com.
“Subiza” está editado por Mushroom Pillow.
LA JUVENTUD BAILA
DELOREAN
Textos_ Fernando Fuentes
MÚSICA
ENTREVISTA francesco tristano
FRANCESCO
TRSTANO
NO TODOS LOS DÍAS TRATAMOS CON UN GENIO PURO, Y SI ADEMÁS ES MÚSICO HAY QUE INTENTAR LLEVÁRSELO AL HUERTO.. SONORO, CLARO. ESTE PIANISTA QUE TOCA TECHNO -¿O
ES MEJOR TILDARLO DE TECHNÓCRATA CLÁSICO?- HA ELEVADO A LA MÚSICA ELECTRÓNICA
–Y POR ENDE AL PIANO- A UMBRALES DE BELLEZA, RIESGO Y RECONTEXTUALIZACIÓN
DIFÍCILMENTE IMAGINABLES. EN SU NUEVO DISCO “IDIOSYNKRASIA” (INFINÉ, 2010), FRANCESCO TRISTANO MUESTRA SU TALENTO SENSIBLE, MODERNO Y SOBRE TODO LIBÉRRIMO.
SOLO, Y SÓLO EN ESTE CASO, NO DISPAREN AL PIANISTA.
Texto_ Fernando Fuentes
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ENTREVISTA francesco tristano
DANDO TECHCLAZOS
Francesco, ahora tienes 29 años y resides desde hace 7 en Barcelona... ¿Por qué has elegido esta ciudad española para vivir los
mejores años de tu vida profesional y personal? Acabé mis estudios
en Nueva York en el 2003 y tenía ganas de volver al Viejo Continente. Quería
vivir en una ciudad que me gustara y que sirviera de base para mis diversos
trabajos y viajes. Pensé en Barcelona y en Berlín, y al final me decidí por
España. Aún estoy aquí, enamorado.
En tu caso particular, fue antes el huevo -piano clásico- que la gallina
-el techno- pero, ¿en estos momentos eres un pianista que toca
techno o un technócrata de nuevo cuño con formación e ingente
talento clásico? Nunca defino lo que hago, dejo que lo hagan los demás. Yo
me muevo entre dos mundos o quizá más mundos...
La labor de llevar el piano al siglo XXI y actualizar su identidad
musical en estos tiempos pocos propicios para la lírica es una tarea
ciertamente interesante, ¿con qué medios cuentas para lograr tan
importante objetivo? El piano no sólo es un instrumento lírico, sino también
de percusión y de cuerdas. Es incluso un instrumento de “proto-síntesis”. El
piano es fruto de una tecnología muy avanzada, que se desarrolló a través
de varios siglos. Para recontextualizarlo en esta época intento usar todos
los medios posibles: la cabeza, los dedos, los puños, pero también micros,
máquinas de procesar el sonido, laptop, secuenciadores y software.
¿Piensas que, frente a tantas maquinitas electrónicas imperantes, el
software del diablo a diestro y siniestro y demás artefactos digitales,
el piano clásico tiene algo que decir o hacer? El piano genera sonido. Y
cualquier sonido da para experimentar, procesar, crear...
¿Qué sentiste cuando Carl Craig te abrió las puertas de su sello
Planet E para que pudieras revisar pianísticamente su universo
sonoro? Me lo pasé genial. El estudio es un puntazo y Carl es un grande.
Disfruté de unos días y unas noches inolvidables en Planet E.
¿Con cuál de los dos maestros -Moritz Von Oswald y Carl Craig- piensas que tienes más cosas en común a la hora de crear, y entender,
la música contemporánea? Son dos personas exquisitas y dos grandes
músicos. Tienen sensibilidad distinta pero se completan en muchos aspectos.
Comparten ese gran oído, esa apertura de espíritu para apreciar no sólo la
música electrónica, sino todas las demás.
¿Piensas que hay una sola posibilidad de maridar el techno parido en
Detroit con postulados clásicos? ¿Crees que los talibanes del techno
detroitiano -tipo UR- van a entender estas aproximaciones estilísticas o las consideraran como puro esnobismo? Nunca lo pretendí, y
no es mi estilo hablar por postulados. Conocí a Mike Banks de UR, tocamos
juntos en el Innerzone Orchestra, y aunque nunca haya conocido a un talibán,
no creo que Mike tenga algo que ver con ellos; es una persona abierta,
exquisita, y domina las armonías jazz gospel como pocos.
¿Por qué cualquier tema de electrónica, cuando se pasa al piano o a
otros instrumentos acústicos y clásicos, es como si ganara mucha
calidad? ¿Será por qué realmente la música generada con máquinas
tiene mucha más calidad -y belleza-compositiva de la se le presume?
No creo que al pasar a la versión acústica la composición electrónica se haga
mejor, simplemente es otro punto de vista. No hay ranking de calidad en la
música, es un territorio libre. Y si hay sorpresas, como puede ocurrir con el
juego electro-acústico, mejor.
Tu nuevo álbum, “Idiosynkrasia”, deambula en ese espacio precioso,
tierra de nadie, en el que se sinergian lo acústico y lo electrónico,
pero ¿quién viene a rescatar a quién? Si hay sinergia no hace falta
rescate, ¿no?
¿Crees que el techno necesita de un acercamiento a la música
clásica para lograr una coartada intelectual que lo saque de las
calles y los clubs y lo acerque a los libros y a los museos? No, para
nada. Yo amo al techno, y no me lo enseñaron en el conservatorio.
¿Qué otros pianistas modernos te interesan y comparten contigo
estas labores de exploración tech? Mi compañero de Aufgang, Rami
Khalife, Bugge Wesseltoft, Laurent de Wilde... ¡Gente fina!
Por cierto, ¿de qué salud goza el trío Aufgang en estos momentos?
¿Tenéis nuevo material sonoro a la vista? Gozamos de una salud
excelente, hemos tocado una veintena de fechas este año, con unos cuantos
conciertos en España, como el que nos llevó en verano a Sevilla por el festival
Eletrochock (US) 2010, que nos encantaron. Tras la salida de nuestro EP “Air
On Fire”, hemos localizado una residencia en París para componer y añadir un
componente visual a nuestro directo. En estos momentos, hay varios temas
nuevos que se cuecen.
Por último, Autechre es uno de tus combos favoritos reconocidos,
¿cómo crees que les sentaría que Francesco Tristano pusiera sus
fantásticas manos encima de uno de sus temas? ¡Ya lo hice! Está en
mi primer álbum para inFiné, “Not for Piano”. El track es “Andover”, que en
mi versión se llama “Overand”. Tiene el toque fantástico de post-producción
de Murcof.
“Idiosynkrasia” está editado por inFiné.
MÚSICA
ENTREVISTA toteking
“El Lado Oscuro de Ghandi” (Sony, 2010) supone
el cuarto disco en solitario de Toteking,
quinto si contamos el debut junto a su
hermano Shotta. El MC sevillano se ha aliado
con su viejo amigo Randy, DJ y productor en el
mítico grupo La Alta Escuela, para ofrecernos
un trabajo sólido y personal, que no obecede
a normas ni escenas. Rajando hasta de sí
mismo, contando chistes a su audiencia o
reivindicando el rock como la mejor base para
un sampler, Manuel González dispara primero y
pregunta después.
TOTEKING
Texto_ Pablo Vinuesa
ilustración_ Ana Langeheldt (laheworks.com)
La primera me la dejas a huevo... Dices en “La parte más fea de mi
curro” que te da lo mismo todo lo que no sean las rimas y los ritmos.
Una de las partes molestas del artisteo es tener que hacer promo,
así que como estamos ante otra entrevista en la que te pregunto
más o menos lo mismo que los demás, ¿cómo llevas a estas alturas
tener que ponerte en la mira de los críticos? Lo llevo mejor porque la
experiencia me ha hecho aceptar esta parte con mejor humor. Mis contestaciones son más seguras y maduras aunque a veces soltemos disparates.
Físicamente, me cansa más una semana de promo que una semana de
entrenamiento... Es agotador e incluso depresivo.
Puede que esté condicionado por el hecho de haberte pasado a una
multi, pero me da la impresión de que esta vez te he visto más en
TV que otras veces, sobre todo en programas “generalistas”. ¿Cómo
llevas eso de que te pregunte gente que no sabe del rollo o te trata
como un estereotipo? ¿O quizás a veces es mejor eso que tener que
seguirle el rollo a la pandilla de irritantes raperos ortodoxos que también debes encontrarte cada dos por tres? A mí me aburre igual y me
agota igual, cuando el medio no controla le suelto respuestas estandarizadas,
cuando sí le comento mis nuevos discos favoritos o movidas técnicas sobre
la grabación del LP. Es cierto que se ha notado Sony en que hemos estado
mucho más en la tele, cosa que me mata, pero no puedo negarme a todo, ya
48
hay suficientes medios y programas a los que de antemano he dicho que no
quería ir, en algo tengo que ceder.
¿Qué tal en Sony, por cierto? ¿Es tan fiero el ogro como lo pintan o
es que también queda muy guay ir de independiente cuando simplemente no se puede aspirar a nada más gordo? Es lo mismo, tiesos
como en todas partes, ja, ja... No, en serio, el contrato es de lujo y no tengo
absolutamente ninguna queja por el momento.
“El Lado Oscuro de Ghandi” ha debutado directamente en el número
2 de la lista de ventas... Un pelotazo, ¿no? Con este tipo de noticias,
¿se puede uno creer que la música “se muere”, como no paran de
repetir algunos? Está guay, ¿no? Nunca habíamos llegado tan lejos en la
lista de ventas, se ha notado el curro bien hecho. La música no se muere, el
modelo de negocio sí, pero la música no.
Pasando ya al disco, comentas en “Nada Cambia” que sigues haciendo la misma canción. Sé que va en sentido figurado, pero me sirve
para preguntarte qué es lo que te motiva, a estas alturas, para seguir
componiendo y grabando. ¿Sigues sintiendo las mariposas en el
estómago cada vez, o los discos te sirven más que nada para poder
actuar? Pues, sinceramente, no es lo mismo que antes, Pablo, me hago más
viejo y lo flipo con cosas y otras me agotan. Por ejemplo, mi nuevo estudio
para grabar me ha dado una inyección enorme, algo nuevo, una nueva etapa,
una nueva forma de componer. Sin embargo, por otro lado estoy sufriendo
una especie de duda existencial sobre el arte, algo parecido a lo que cuenta
Vila-Matas sobre la NO-escritura, cada día me cuesta más contar historietas
en mis letras, es difícil no verme pedante o listillo cuando leo lo que escribo...
No es tan fácil como antes. El arte, el proceso de creación, la misma historia,
el mismo curro ya doce años...
A la hora de facturar tus discos has seguido varios caminos, desde
el de dejarte aconsejar por gurús de la escena y presentar muchas
colaboraciones a trabajar codo con codo con un sólo beatmaker y
sin invitados al micro; a veces viajando a otros estudios y ahora al
lado de Randy, cocinándotelo como en casa. ¿Cuál de todas estas
opciones te convence más, al final? Por ahora, mi propio estudio. Tengo
intimidad total y no hay límite en horas de estudio, así que sale un trabajo
fino.
Leí en una entrevista que todos los beats de este disco te habían
costado menos que uno sólo de alguno de los productores nacionales a los que antes les habías comprado un ritmo, ¿es cierto o una
exageración? Cuéntame cómo fuiste seleccionando los temas. Los
beats yanquis son baratísimos, allí hay tanta oferta que encuentras gente
bestial con precios de risa, sólo hay que sacrificarse y rastrear internet
(agotador). Algunos productores de aquí son caros, pero bueno, cada uno
pone precio a su curro, no me meto. He ido seleccionando de manera natural,
buscaba un productor, y si su material me molaba, le escribía al mail y
negociábamos precios y detalles, todo sencillo.
ENTREVISTA toteking
MÚSICA
TOTEKING
UN TRABAJO FINO
“Redes Sociales” ha sido un pelotazo, precisamente, en las redes
sociales... Hay gente que lo ve como una ironía y te acusa de
aprovecharte de lo que estás criticando. ¿Qué te parece esta
“polémica”? Por otra parte, ¿crees que esa impresión que pudo dar
en principio de que las redes sociales iban a convertirse en una
especie de democracia globalizada al margen de las presiones de
las grandes corporaciones mediáticas se ha quedado en un bluff?
Las redes sociales como Facebook o Tuenti son pura exhibición gratuita y un
ejercicio de ego en el 90% de casos. Enganchan, son instrumentos peligrosos
porque empiezas usándolos para tu curro y acabas adicto a otros accesorios
que vas descubriendo o te van descubriendo. Yo no tengo ni quiero, no me
voy al campo a vivir de anacoreta porque duraría dos días, pero intento luchar
contra mierdas de aquí en la medida de lo posible. ¿Has visto la peli “La Red
Social”? Impresionante, Pablo, de las mejores películas que he visto jamás,
vaya montaje, vaya guión, vaya ritmo... Tío, hazme caso si no la has visto, ve
y disfruta: peliculón.
Volvamos a Randy... ¿Qué tal ha sido reencontrarte con él? Desde
luego, por las conversaciones telefónicas que mantenéis a lo largo
del disco parece que os habéis hartado de reír. Que, por cierto,
después de hacernos la boca agua con la aparición en el Sevilla All
Stars de Territorios y el avance en el disco de Juaninacka, ¿para
cuándo la vuelta de verdad de La Alta Escuela? Randy me ha salvado la
vida, literalmente. Yo apenas me relaciono ya con nadie de la escena de aquí,
estaba muy aburrido de mi vida y mi rutina cuando Randy reapareció con
discos nuevos, compartiendo escuchas completas de LPs, ¡como hacíamos
antes! Con charlas y cigarritos, sin drogas ni salidas nocturnas, sólo música y
charlas y cenitas por la ciudad, dos pseudo-puretas disfrutando de la música,
¡me hacía tanta falta, joder! Como persona es increíble: quiere currar, jamás
falta o llega tarde a un ensayo, mejora cada día... Estoy contentísimo, nos
llevamos de lujo. La Alta Escuela, por ahora difícil lo veo...
Te podrás imaginar que estamos muy emocionados con “NBA”, como
no podría ser de otra manera con un tema que empieza hablando
del dedo en alto de Larry Bird o que nombra a mi jugador favorito de
siempre, Drexler. Así que aprovecho para preguntarte qué opinas
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sobre el basket NBA actual, el Team USA y el sexto puesto de La
Roja en el Mundial de Turquía... ¿No crees que deberían largar ya a
Scariolo? La NBA actual me mola, pero ahora hago otro deporte y no me
interesa tanto basket (blasfemia). Lo de Scariolo es cierto, nosotros jugamos
mejor libre, lo malo es que dependemos mucho de Navarro y cuando no
tiene el día fino nos venimos abajo, los pivots no aportan tanto, se nota Gasol
cuando no viene, etc.
Cuando te entrevisté por “Música para Enfermos” hablamos sobre
raperos underground como Aesop Rock... Yo dejé de seguirle la
pista a sellos como DefJux, Lex o Anticon, no sé si tú sigues todavía
interesado en ese rollo. De ser así, ¿qué me podrías recomendar que
te haya gustado últimamente? Pues mira, de underground escuché hace
poco una mixtape de Reks que mola mucho, “In Between the Lines”, pero
casi no escucho ya ese palo, le perdí la pista a Aesop y a DefJux, aunque
cada año retomo algun temazo, Aesop es otro nivel. En un rollo no under,
me flipa lo nuevo que hacen peña como Currensy, Wiz khalifa, Jim Jones o
Ryan Leslie.
¿Con qué estrellona del rap mundial te gustaría colaborar? Me refiero
a alguno de los realmente potentes en un sentido comercial, tipo Neptunes, 9th Wonder, Alchemist y demás. Con Pharrell, Lupe Fiasco o Swiff D.
Has anunciado ya unas cuantas fechas para la gira, pero no encuentro ninguna en Sevilla. ¿Preparas algo especial? ¿Quieres guardarte
algo en la manga para presentar el disco en tu tierra? Por otra
parte, me llamó la atención que tanto Paco de Lucía como La Mala,
cada uno con sus razones, dijeran que les daba cierta aprensión
tocar aquí... ¿Cómo vives tú los conciertos hispalenses, como otro
cualquiera o como algo especial por aquello de hacerlo delante de
toda tu gente? Pablo, los conciertos en la tierra son lo peor. ¡Agobiazo
asegurado, bro! Yo lo paso fatal, me pone muy nervioso jugar en casa, me
pasaba ya incluso en el equipo de basket... Es mucha presión. Queremos
hacer dos fechas, una en alguna sala grande o auditorio, y otra en un festival,
a ver qué sale.
Y terminando también con Sevilla, me hizo mucha gracia el otro día
encontrarte de cañas junto a Antonio Luque, de Sr. Chinarro. ¡Mis
dos músicos favoritos de la ciudad, juntos por mi barrio gracias a
Javi Vega! Al día siguiente, Luque puso en su Facebook “cierraelputofacebookya”, y me reí bastante. ¿Te plantearíais alguna
colaboración con él, a modo de lo que hiciste con Antonio Orozco?
Ja, ja... Tío, el Luque es genial, qué nota más gracioso, tiene ingenio pa
regalar. Me lo presentó hace tiempo Javi Vega y nos hemos visto algunas
veces, da gusto oírlo hablar porque te ríes cada dos frases. Gente guay, como
todos los rockeros-indies-llámalocomoquieras que he ido conociendo aquí en
Sevilla: Joaquín Calderón, Jordi Gil, Israel Diezma, Miguel Rivera... Son todos
geniales. Yo ya no paro con raperos tío, ¡paro con indies! A veces me dicen
de broma: “¿en qué te estás convirtiendo, Tote?”.
“El Lado Oscuro de Ghandi” está editado por Sony.
SEE IT críticas cine
Imágenes: MACHETE
(ROBERT RODRÍGUEZ Y ETHAN MANIQUIS,
ESTADOS UNIDOS 2010)
En su concepción original, “Planet Terror” y “Death Proof” formaban un
programa doble bajo el título genérico de “Grindhouse”. Tarantino y Rodríguez
encargaron una serie de tráilers falsos a otros directores para redondear el
paquete, su particular homenaje al cine exploit de los años 70, y el tejano
se animó incluso con uno propio, “Machete”, quizás el mejor de todos ellos.
Tres años después, lo que en origen era sólo una broma se ha convertido
en un largo de 20 millones de dólares que es a las viejas películas de acción
cutres de videoclub lo que “Planet Terror” era a las de zombies. Entramos
pues, de lleno, en el terreno de una postmodernidad tan desprejuiciada como
descerebarada, así que nadie debe esperar alambicados ejercicios de estilo à
la Tarantino. Rodríguez es un realizador sin pretensiones que busca, por encima
de todo, la diversión (tanto la suya -seguro que se lo pasa en grande-, como
la del público), pero ojo, el espectador sólo podrá encontrarla a partir de una
complicidad total. Porque lo que Machete va a ofrecerle es un argumento
ultramanido, un héroe invulnerable e inexpresivo, chicas guapas muy bien
dotadas para la pelea, un absoluto desprecio de la verosimilitud, cientos de
litros de sangre de pega, miembros amputados a mogollón y un buen montón
de risas a costa de los diversos niveles de referencialidad que proporcionan
cierto espesor a la propuesta (de ahí lo hilarante de la escena en la que los
secuaces del malvado que interpreta Michael Booth se preguntan si merece
la pena arriesgar la vida por tan dudoso personaje). Y de propina, porque
pasábamos por allí, un tirón de orejas a la política anti-inmigración de estados
como Arizona. Así que no es aventurado pensar que lo que Rodríguez y su
codirector Ethan Maniquis pretendían era actualizar el modelo de joyas como
“La Carrera de la Muerte del Año 2000” (1975), pero ni tienen la mala leche
de Bartel ni ruedan verdaderas series B. Aun así, queda una una cinta divertida
para todo el que quiera que así le resulte, así como una inolvidable línea de
diálogo que en cierto modo sanciona el aspecto vintage de la propuesta y la
cualidad fuera de este tiempo del héroe: “Machete no escribe SMS”.
>Juan Pablo Ramos Fernández
ESTRENO
CINE
ARTÍCULO dvd - cine
ROBERT KRAMER
LIBERTAD EN FUGA
DVDs textos_ David Pareja
Robert Kramer es uno de los grandes desconocidos de los documentalistas
norteamericanos de la segunda mitad del siglo XX. El suyo fue un cine militante,
de izquierdas, inspirado en la memoria y el tiempo; en la capacidad de un instante para definir la realización de una película. Un cineasta auténtico, en constante
búsqueda de la verdad a través de la experiencia y el viaje, el pueblo –como
grupo de personas que forman una comunidad- y su relación con el poder.
A finales de los 70, se embarcó en la realización del documental “Milestones”
–el primero de los DVDs que Intermedio ha editado en un pack dedicado a su
figura- junto al también cineasta y colega John Douglas. En plena guerra de
Vietnam, se lanzan a la carretera para filmar el desencanto de una generación
de jóvenes norteamericanos que empezaban a dar síntomas de hartazgo de la
situación en la que se veían envueltos por culpa de su país. Una generación que
empezaba a tomar la alternativa al sistema, retratada en más de 50 personajes
que componen este itinerario social a medio camino entre el documental y la
ficción. Su vocación era la de construir el guión en un proceso de trabajo con
los cuerpos y los objetos, como en una constante revelación. En esta película,
Kramer afronta la memoria, el dolor de los vencidos y de todos aquellos que
han afrontado las derrotas impuestas. Al modo de Benjamin, se decide filmar
esos puntos de luz que aún quedan en las grietas de la historia, la naturaleza
real de la sociedad de su tiempo. El pack se completa con “Ice”, una película
de un futurismo incierto que retrata a grupos de resistencia armada que luchan
por derrocar el poder en plena frontera mejicana. Un filme enmarcado en su
temprana militancia contracultural. La edición se complemente con un libro
con textos acerca de “Milestones”, escritos por sus directores Robert Kramer
y John Douglas, así como otros escritos sobre el cine de Kramer, firmados por
Jean-Pierre Oudart y Fran Benavente.
El pack de Robert Kramer ha sido editado por Intermedio.
Más info en www.intermedio.net
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CRÍTICAS dvd - cine
LOS CONDENADOS
LA MUJER SIN PIANO
CUENTOS DE LAS CUATRO ESTACIONES
ISAKI LACUESTA. LOS CONDENADOS (CAMEO)
Isaki Lacuesta forma parte de una generación de cineastas paridos alrededor del
Máster de Creación Documental de la Pompeu Fabra. Un componente generacional que se puede admirar en sus dos primeras creaciones, “Cravan vs. Cravan” y
“La Leyenda del Tiempo”, estupendas simbiosis entre el documental y la ficción.
Con “Los Condenados” ha dado su primer salto a la ficción para contar la historia
de unos guerrilleros argentinos (premeditadamente deslocalizados) que se empeñan en rescatar las huellas del tiempo y la memoria cavando una fosa ilegal para
hallar los restos de un camarada muerto, Ezequiel, en acto de resistencia contra
los militares. Esto supone el encuentro entre antiguos compañeros de lucha, como
el caso de los dos protagonistas: Raúl y Martín; pero también el encuentro entre
dos generaciones: una anclada en el pasado, que ha acumulado miedo, dolor y
rencores, y una sabia nueva que participa en la excavación con el ánimo de unos
ideales prácticamente intactos. El resultado es un retrato generacional acerca del
perdón y la lealtad a una causa, filmado con una inquietante intrascendencia y
colmado de estilo.
JAVIER REBOLLO. LA MUJER SIN PIANO (CAMEO)
El cine de Javier Rebollo es un cine que busca la especificidad de su propio medio, que se cuestiona a través de aquella pregunta baziniana de “¿qué es el cine,
qué es lo que lo distingue de otras artes?”. Para contestar a semejante pregunta
bien podría valer el visionado de esta película: construida sin apenas diálogo ni
acciones, el ritmo está compuesto de tensiones puramente sintácticas, estéticas
y, por qué no, cinematográficas. La huída nocturna del personaje interpretado
por una magistral Carmen Machi es un paréntesis trascendental en un Madrid
castizo y seco como una copa de cognac. Una armonía compuesta de silencios y
tiempos muertos, de miradas al vacío y encuentros que bucean entre lo cómico
y lo absurdo. Rosa es una ama de casa que huye por una noche de una vida encorsetada y tediosa para adentrarse en lo desconocido y convivir con prostitutas,
inmigrantes y trabajadores nocturnos, en busca de algún tipo de aliciente. El resultado es un fresco acerca de la desesperanza y la involución del actual sistema de
vida de nuestra sociedad, un tema que queda en segundo plano ante la poderosa
realización, que aporta presencia y excelencia en esta estupenda película.
ÉRIC ROHMER. CUENTOS DE LAS CUATRO ESTACIONES (CAMEO)
La reciente muerte del cineasta francés ha vuelto a poner de actualidad la edición
de su obra. Este es el caso de “Cuentos de las Cuatro Estaciones”, enmarcados
cada uno en una estación del año: Primavera, Verano, Otoño e Invierno. Al agrupar
las películas bajo un componente temático (caso de “Los Cuentos Morales” o
“Comedias y Proverbios” anteriormente), el cineasta francés dota a su obra de un
componente más elevado y da la sensación de dirigir una obra magna y rica en
contenido. Los cuatro cuentos tienen como protagonista el amor en las distintas
estaciones, un amor que es el resultado de distintas combinatorias fruto del azar
y la disposición de sus actores y que es salpicado de inquietudes filosóficas y
trascendentales que alimentan su discurso. El resultado es un ciclo de películas
sencillas pero jamás simples, vitales y repletas de diálogo, un diálogo que nutre a
los personajes del peculiar estilo del cineasta francés, gran admirador de Pascal
y uno de los realizadores más admirados y prolíficos de la ya poco representada
Nouvelle Vague (tras el reciente fallecimiento de Claude Chabrol).
LANZAMIENTOS
DVD - CINE
ARTÍCULO villalonga
Admirado por John Waters, bendecido en su primera Berlinale y agasajado
del éxito marginal que le concede un restringido número de fans en muchas
partes del mundo. Lejos del cartel internacional de Saura o Almodóvar, el
director de “Laberint” –cortometraje de 1980- ha sabido crear una narrativa
intransferible, dotando al drama de mecanismos más propios del género de
terror. Unas señas de identidad características, donde destaca un lenguaje
artístico maduro –películas muy pensadas- y unas historias con rasgos
comunes. Ahora nos presenta su nueva propuesta, “Pan Negro”, poniendo
celuloide a una novela de Emili Teixidor. Agustí Villaronga lleva al terreno
particular un proyecto que no nace como suyo, así fusiona para este guión
el texto de “Pa Negre” con otro libro de Teixidor, “Retrat d´un Assassí
d´Ocells” (Retrato de un asesino de pájaros). La cinta, situada en los años
40, no quiere ser una radiografía política de la Cataluña rural durante la
posguerra civil española, como ya hiciera en dos obras anteriores –“Tras el
Cristal” y “El Mar”-, el realizador usa el fascismo para teñir el telón de fondo
de una historia, sin tomar partido en una reflexión moral sobre el tema. De
esta forma, deja que el espectador saque sus conclusiones individuales y se
centra en juegos narrativos más universales: el valimiento de los poderes
fácticos aplicados a personas indefensas, la capacidad de las guerras para
degenerar las mentes de las personas y la delgada línea entre el bien y el
mal. Rehuye la Guerra Civil de grado partidista, prefiriendo ampararse en una
guerra abstracta, descontextualizada, que exponga a los civiles en el centro
de las afecciones colaterales. El niño protagonista de “Pan Negro” vive la
devastación de los adultos, provocándole una transmutación en su moral.
Descubrir la exposición de acontecimientos a los que está sometido Andreu
es el modo de comprender al personaje, y la repercusión de su entorno. El
sentimiento metafísico del paisaje interviene de la misma manera que un
actor secundario de la narración. El bosque comienza con un verde luminoso
hasta tornar al gris y pudrirse. Al igual que Andreu, el bosque -acompañante
silencioso- sufre una evolución en términos cinematográficos. Cuando se
participa inconscientemente en la elaboración de un monstruo nadie sale
limpio. “Es como tirar una piedra en un montón de mierda, que salpica a
todos” – advierte el inventor.
54
De una filmografía corta –menos de diez dirigidas- y una biografía de
película, Agustí Villaronga es un director atípico, que le gusta moverse en
el imperio de la violencia física y anímica para después observar los efectos
causados. Hay dos films que marcan su devenir en la industria: “Tras el
Cristal” y “El Mar”. La primera trata sobre alguien que no puede vivir a través
de sí mismo porque permanece conectado a un pulmón de acero y necesita
ayuda externa para su vida diaria. El inválido es el doctor Klaus, que torturó,
abusó y asesinó a multitud de niños deportados que se encontraban en los
campos de concentración nazis. El joven enfermero, Angelo, se ocupará de
él y poco a poco tomará la personalidad de Klaus, estableciendo una sórdida
conexión entre ambos –la escena onanista es de un exquisito regusto
a Zulueta-. Un cine irremediablemente perturbado por el ciclo del mal:
nacimiento, reproducción y nuevo emerger. Esta trama de amor vampírica
fue seleccionada para el festival de Berlín, consiguió moderadas alabanzas
de la crítica y el premio Onda en 1987.
La otra obra es “El Mar” (2000), que indaga en la relación de dos antiguos
amigos, recluidos en un sanatorio para enfermos de tuberculosis. Simplificarla a una sinopsis tan concreta sería una actuación punible por mi parte.
Es imposible cuantificar la sensibilidad anatómica esparcida sobre este
metraje, dotado de una expresividad desgarrada, un tono desnudo y una
mirada turbia que insufla contundencia a sus imágenes. Para mí, una de las
diez mejores películas del cine español. Un título en el que todo lo inmaterial fluye hasta desangrarnos, con bálsamo, con un privilegiado sentido
descriptivo.
No es de extrañar que a un espécimen de su molde le cueste encajar en un
panorama estándar. El realizador se queja amargamente de la mediatización
del cine como relleno de horas para televisión, su reducción artística a un
método para ocupar espacio de ocio. Este mallorquín con alma de Cronenberg -descarnado del cyberpunk- indaga en las entrañas donde otros sólo se
quedan en la epidermis. La cinematografía añora más operaciones en manos
del cirujano Villaronga.
ARTÍCULO villalonga
AUTOR DE UN UNIVERSO CONQUISTADO,
DE UNAS OBSESIONES PERMANENTES QUE
BUCEAN EN LA PROFANACIÓN DE LA INOCENCIA, LAS SEXUALIDADES NO HABITUALES O
LOS LÍMITES ENTRE CIELO E INFIERNO. AMO
DE UN SELLO ÚNICO. DECIR VILLARONGA ES
DEJARSE LLEVAR A TRAVÉS DE UNA MELODÍA
INQUIETANTE. CARGUEN EN SU JUKEBOX
CEREBRAL EL TEMA “ANGEL”, DE MASSIVE
ATTACK, CIERREN LOS OJOS Y ABRAN LAS
MENTES HACIA EL HORROR DE LA NOCHE MÁS
OSCURA, AQUELLA POBLADA POR NUESTROS
FANTASMAS ANCESTROS. Y TENGAN PRESENTE
QUE EN LA POÉTICA-VILLARONGA EL FINAL
DEL LABERINTO NOS CONDUCE A UNA AGUJA
DE GASOLINA INYECTADA EN EL CORAZÓN, AL
IRREMEDIABLE CARA A CARA CON LA ESENCIA
MALDITA DE NOSOTROS MISMOS. YA NO HAY
VUELTA ATRÁS; SUS OJOS NEUTRALIZAN CADA
PERSONA A LA VISTA.
Texto_ Edu Mestre-Nadal
VILLALONGA,
LA NATURALEZA
DEL MAL
CINE
PROGRAMA teatro danza
ESTADO PURO. LA FUNCIÓN POR HACER.
Una de las sensaciones del teatro español en este 2010 que ya termina es un
espectáculo titulado “La Función por Hacer”. Cuentan que se empezó a representar allá por diciembre de 2009 en el hall del Teatro Lara de Madrid, casi
sin escenografía ni butacas; sólo seis actores y un texto basado libremente
en la obra “Seis Personajes en Busca de Autor”, de Luigi Pirandello. Aitor
Tejada, el encargado de redactar la adaptación y uno de los jefes de Kamikaze
Producciones, joven compañía que promovió la historia, nos habla sobre los
principios: “Lo que hacen en el Teatro Lara es que cuando acaba la
función de la sala normal, digamos sobre las doce de la noche, pues
se colocan unas sillas en el hall para que quepan unas 80 personas.
Entonces el que quiere quedarse vuelve a pasar por taquilla y puede
ver esta segunda función. Se denomina también Off por esto de ser a
las doce de la noche, una cosa nocturna así un poco golfa”.
A estas horas y ante apenas 80 personas comienza a representarse la obra.
El primer día los actores, pluriempleados del teatro por aquel momento,
pensaban que no se quedaría nadie a verles y que ese viernes lo dedicarían a
tomar unas cañas por Madrid. Pero aquel día fue gente a verles, al siguiente
más, al siguiente empezaron a ir los críticos y en unos meses estaban en
boca de todos. En la actualidad se encuentran inmersos en una gran gira que
les ha llevado por casi toda España.
Como se ha dicho, en las primeras representaciones apenas contaban con
escenografía. Le pregunto a Aitor si ahora que están actuando en los principales teatros del país han cambiado algo, en la escenografía o en otras partes
de un espectáculo que se concibió de forma tan escueta y para un espacio
tan especial: “Sí, empezamos con un caballete y un cuadro como
únicos recursos, y con eso seguimos. El espectáculo es el mismo, lo
único es que cuando se estrenó estábamos rodeados por sillas, algo
ideal para la forma en la que interactuamos con el público. Entonces
ahora, cuando vamos a teatros que tienen un patio de butacas, lo
que hacemos es que subimos sillas al escenario de forma que los
actores sigan rodeados. No proyectamos un montaje austero porque
no tuviéramos dinero, sino porque era nuestra apuesta: un texto,
unos buenos actores y los elementos imprescindibles”.
La forma en la que se implica al público en la obra representa otro de sus
atractivos. Además de sentando a parte de la audiencia en el escenario, preguntamos de qué manera se produce esta implicación: “No sacamos a nadie
actuar ni se le pide a nadie que hable. La implicación del público se da
por el hecho de que los actores se mueven a veces a 30 centímetros
de ti, por lo que siempre pasan cosas. Las reacciones son inevitables
por esta cercanía: a veces alguien se asusta al ver al actor al lado
suyo, o se ríe y todo eso se nota y lo notan sobre todo los actores y
las personas que se sientan en el propio escenario. Hay un intercambio visual inevitable entre ellos que produce una energía especial”.
El texto de Pirandello incluye multitud de personajes, por lo que requiere
una gran compañía. Le pregunto cómo han hecho para ajustarlo a las posi-
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bilidades de Kamikaze Producciones: “Cuando se plantea la adaptación
sabemos que hay que cambiar algunas cosas, pues no podíamos
contar una compañía de 15 actores. De todas formas, los cambios
afectan sobre todo a las relaciones entre personajes: no es lo
mismo una relación padre e hija que la que se da entre hermanos
o en un matrimonio. Así, en lugar de la familia con hijos de la obra
de Pirandello, aquí aparecen dos hermanos que llegan con sus dos
mujeres. Por otro lado, en lugar de llegar a un ensayo en donde hay
un tramoyista, director, ayudante de dirección, etc., llegan a una
función que ya representan 2 actores. Por lo demás el texto está
bastante respetado”.
“La Función por Hacer”, tras una primera aparición este verano en Baeza,
pasará durante noviembre, diciembre y enero por los principales teatros
andaluces, en Sevilla, Málaga, Granada o El Puerto de Santa María. Kamikaze
Producciones empieza a ensayar en febrero un gran espectáculo, que
co-producirá el Teatro de la Abadía, basado en la obra “Los Veraneantes” de
Maximo Gorki.
ROJO REPOSADO. VIRTUOSISMO LÍRICO Y VISUAL.
A los 3 años de edad, en 1943, el holandés Jeroen Browers ingresa en un
campo de concentración de mujeres llamado Tjideng, en la actual Yakarta
(Indonesia) junto a su hermana pequeña, su madre y su abuela. En 1981
publica sus experiencias en una novela titulada “Bezonken Rood” (Rojo Reposado) donde, entre la descripción del horror y de los límites de la naturaleza
humana, destaca el trato dedicado a las relaciones con su madre y a la forma
en la que estas influyeron en sus relaciones con todas las mujeres a lo largo
de su vida.
El director artístico belga Guy Cassiers, su colaborador habitual Peter Missoten y el genial actor, también belga, Dirk Roofthooft, son los responsables
de la adaptación teatral, que ha sido definida por algunos medios como un
poderosísimo viaje alucinógeno. Fue estrenada en 2004 y desde entonces se
ha representado por todo el mundo en cuatro idiomas diferentes.
Uno de los principales reclamos de la propuesta radica en el espacio escénico
diseñado para la ocasión por Cassiers y Missoten, que representa una
habitación oscura, iluminada a modo tenebrista por una luz de color rojo, y de
cuyas paredes surgen imágenes del pasado y el presente. Cuentan con cinco
cámaras con teleobjetivo y una técnica acústica que permite oír hasta la
respiración del actor. De este modo, el trabajo virtuosista de Dirk Roofthooft,
encargado de contar la historia, resulta aún más impactante, pues cada
gesto, cada palabra y cada gemido, se extiende y alcanza de lleno al espectador, en lo que se ha descrito como un “uso emocional de la tecnología”.
El monólogo es en castellano, dura una hora y media, y podrá verse durante
los meses de noviembre y diciembre en Gerona, Sevilla, Málaga y Granada.
Las obras recomendadas aparecen en nuestra agenda web: www.clonemagazine.com
con indicación de las fechas, ciudades y salas correspondientes.
PROGRAMA teatro danza
COMO EN EL ANTERIOR NÚMERO,
DEDICAMOS LA SECCIÓN A LA
SUPERVIVENCIA. KAMIKAZE
PRODUCCIONES SOBREVIVEN
A LA FALTA DE LIQUIDEZ GENERAL. ESTRENARON “LA FUNCIÓN
POR HACER” CASI EN MEDIO DE
UN PASILLO, CON UN ELENCO A
TIEMPO PARCIAL QUE COBRARÍA
SEGÚN LA TAQUILLA. HOY SE
PASEAN POR LOS MEJORES TEATROS DE ESPAÑA RECIBIENDO
FENOMENALES CRÍTICAS Y SU
COLABORACIÓN ES RECLAMADA
POR GRANDES EMPRESAS COMO
EL TEATRO DE LA ABADÍA. GUY
CASSIERS Y DIRK ROOFTHOOFT
NOS PRESENTAN LAS EXPERIENCIAS DE UN SUPERVIVIENTE A
LOS CAMPOS DE CONCENTRACIÓN
JAPONESES DURANTE LA II GUERRA MUNDIAL, EN CASTELLANO Y
APOYADOS EN UN EMOCIONANTE
ANDAMIAJE AUDIOVISUAL.
ESCENA
LA FUNCIÓN POR VER
Texto_ Vicente Durá
Imagen: “Rojo Reposado” / Foto: Pan Sok
ESCENA
READ IT críticas libros
PATRICK DEWITT. ABLUCIONES.
APUNTES PARA UNA NOVELA
(LIBROS DEL SILENCIO, 216 PÁGINAS, 2010)
Imaginad que Nick Hornby hubiese nacido en Canadá. E imaginad también que el
protagonista de “Alta Fidelidad” (1995) fuera, en lugar del dueño de una tienda de
discos en Londres, un camarero de un bar de Hollywood. ¿Lo tenéis? Pues algo así
me ha parecido “Abluciones” (2010), el que a mi juicio pasa por ser el debut más
fresco y original de la temporada. En él Patrick deWitt narra en primera persona las
peripecias de una especie de sacerdote del alcohol, que hastiado de escuchar las
mentiras y fantasías de su clientela (que incluye todo tipo de perdedores y almas
errantes) decide realizar un viaje iniciático para purgar tanta miseria acumulada. Sus
clientes son víctimas de Hollywood, y en esto “Abluciones” tiene muchas reminiscencias de F. Scott Fitzgerald, Horace McCoy o Nathanael West. DeWitt saca lustre
al trabajo de camarero sin necesidad de recurrir a los viejos clichés de la literatura
de bar. Tras las vomiteras y las migrañas hay personas que pueden analizarse a
través del fondo de sus vasos y copas que funcionan a modo de microscopio. Echad
unas gotitas de Hunter S. Thompson, dos rodajas del citado Hornby, un refrescante
sentido del humor y un oído para el pecado. Así ha conseguido Patrick deWitt
fabricar el cóctel literario perfecto. A vuestra salud.>Fran G. Matute
HUBERT SELBY JR.
LA HABITACIÓN
(EDICIONES ESCALERA, 272 PÁGINAS, 1971)
Una de las canciones más psicotrópicas que ha dado el mundo del country es “The
Rubber Room” de Porter Wagoner. Así que no he podido evitar tener su melodía
incrustada en el cerebro a medida que pasaba las páginas de esta espeluznante
novela titulada “La Habitación” (1971), segunda publicada por el no menos espeluznante y enfermizo Hubert Selby Jr. Tanto la canción como la novela tratan la angustia del confinado. Uno por locura, el otro por cometer (aparentemente) un delito,
pero en ambos casos por no ser capaz de amoldarse a los designios sociales. Selby
Jr., siempre ha sido amigo de los “misfits”. Personajes al límite de sus posibilidades,
minorías incomprendidas y repudiadas socialmente, con códigos éticos y morales
propios. En el caso de “La Habitación”, se cumplen dichas premisas a través del
monólogo intimista y rencoroso del reo que clama venganza. Una venganza que el
propio autor califica de “extraña y contra natura”, en la que se pone de manifiesto
todo lo bueno y repugnante que tiene la literatura del autor de “Última Salida a
Brooklyn” (1964) y “Réquiem por un Sueño” (1978). En este sentido, damos la razón
a la editorial al calificarla como la “novela más dura que jamás hayamos publicado”.
No queremos desvelar los detalles de sus párrafos más salvajes pero los que ya
conozcan al bueno de Hubert saben de lo que puede ser capaz. Los que no, baste
decir que tras la lectura de “La Habitación” no podrán mirar a un perro de la misma
forma, nunca más.>Fran G. Matute
CRÍTICAS
LIBROS
NAN GOLDIN
MONGRAFÍA DE BOLSILLO
(PHAIDON)
Son numerosas las ocasiones en las que
Nan Goldin (1953) ha estado presente en
las páginas de nuestra revista y no en vano
podemos considerarla como una de las
fotógrafas favoritas de la redacción de CLONE.
La norteamericana es una de las principales
renovadoras de la fotografía documental, o
de la también llamada “fotografía de diario”, y
también es capital su protagonismo como narradora de la escena contracultural de Nueva
York en las décadas de los 70 y 80. Sus fotos
son tan íntimas que duelen, y por los diversos
capítulos de su carrera artística han figurado
temas tan comprometidos como la defensa
ante el maltrato machista, la lucha por los
derechos civiles, el daño causado por las
drogas y los estragos del SIDA. En su honor,
Phaidon acaba de editar un libro de bolsillo,
con un tamaño perfecto para llevar encima
a cualquier parte, que contextualiza su vida
y su obra con breves reseñas explicativas.
Escrito por Guido Costa, amigo y colaborador
de Goldin durante muchos años, el libro está
organizado por orden cronológico, incluyendo
ejemplos de sus obras más conocidas y también otros trabajos prácticamente inéditos.
Más info en www.phaidon.es
>Pablo Vinuesa
LIBROS
REVIEWS
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03
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01. ÚRSULA. HASTA QUE LA SOLEDAD NOS SEPARE (FOEHN)
Úrsula –David Cordero/Juan Luis Castro- presentan “Hasta Que la Soledad Nos Separe”, o una exposición magistral de composición. Este nuevo trabajo
es completamente instrumental, de atmósferas densas, de conmoción somática. Unos temas muy sopesados, sin arreglos recargados –menos es más
en este caso-, dejando que la melodía se desperece hasta conmover de forma natural. El quinto disco de Úrsula, segundo con Mr. Castro, conecta
texturas que parecen tener vida propia, abarcando y comprendiendo un hábitat madura. La obra está fragmentada en dos vitrinas: la cara A ofrece
temas insuaves, pendencieros y desafiantes, mientras que la cara B presenta una muestra de repliegues en calma, explicados a través de un gozoso
piano protagonista. El temporal se abre con “Capitulo Siete”, ¿el primero de los seis temas o la continuación del último “Un Final Decepcionante”? -la
sensación cíclica acompaña en todo momento-. Emocional, intensa, hermosa, “Capítulo Siete” sugiere conmoviendo. En cuestión de referencias, creo
que las influencias van desde Eluvium, Henry Gorécki o Earth hasta Efterklang y The Sight Below. Las señas de identidad del grupo, esa pesadumbre de un
cielo enardecido rodea a “Humildad y Paciencia” o “Teoría del Sufrimiento”, que cierra la cara A asumiendo su final de manera primorosa, para dar paso
a la claridad reflexiva. La otra cara comienza con la gran pieza del álbum. Navegar por “Insomnio de Verano” es rozar el implacable y piadoso amanecer
después de una noche en vela. Una cita con la añoranza más sincera. Dolorosa y firme como una partitura de Clint Mansell. Brillante e inalterable. Úrsula
ha creado la BSO de una película de culto. El cartel del film es una fantástica fotografía –perturbadora y enigmática- del artista Cristo Ramirez; un caserón
que pareciera albergar el espíritu perdido de Aleister Crowley. La estampa ancla perfectamente con estos músicos metidos a ordenar la liturgia de los
recuerdos imperecederos en la piel.>Edu Mestre-Nadal
60
REVIEWS
02. CUCHILLO. DUAT EP (LIMBO STARR)
El dúo formado por Israel Marco (guitarra, voz) y Daniel Domínguez (batería y percusión de diverso pelaje) sorprendió a la escena patria con un debut
homónimo, editado por Sinnamon en 2008, que se coló por méritos propios en todas las listas de lo mejor del año (e incluso de la década, en revistas tan
dadas a estas clasificaciones como Rockdelux). Resultaba intrigante que su discurso, un folk fronterizo y psicodélico, arenoso y evocador, tan poco habitual
en grupos nacionales, llegara de dos músicos con tan poco conocido bagaje anterior. Por lo tanto, “Duat” no debería cogernos por sorpresa. Se trata de un EP
que alcanza casi la media hora de duración, con tres canciones de progresión y digestión larga que magnifican sus aciertos. Cantado esta vez íntegramente
en castellano y con una notable carga intelectual (la Duat era, según la hoja de promo del disco, “un cielo inferior situado bajo la Tierra, por donde el sol Ra
hacía su periplo en una barca, de oeste a este durante la noche”), este trabajo ahonda en los trabajos ambientales de estos particulares Amor Belhom Duo
españoles. Queda claro que los tres temas aquí introducidos no se adhieren a la memoria a la primera, pero su capacidad de subyugar supera con creces a la
de los habituales hits indies a los que nos tienen acostumbrados las bandas de aquí. Sólo hay que darles la oportunidad.>Pablo Vinuesa
03. CUZO. OTROS MUNDOS (ALONE RECORDS)
Para muchos de nosotros, Alone Records es ese sello de santos majaras que desde Málaga se atreve a conceder al mundo, como bien supremo, los discazos de
los enormes Orthodox. Pero claro, como aquí es ignorante hasta el que firma, hay que aclarar que el label de jevi “raro” tiene bastantes bandas en su catálogo, y
además las mueve a buen ritmo. Concretamente, hemos recibido hasta cuatro discos de las siguientes bandas: Novak, Aleppo Pine, The Soulbreaker Company y
Cuzo. Como el espacio es breve, dedicaremos la reseña a la última de ellas. Tras su debut “Amor y Muerte en la Tercera Fase”, “Otros Mundos” supone otro aldabonazo de rock instrumental y psicodélico, basado en la improvisación. Cuzo, además, no son recién llegados: Jaime L. Pantaleón es bien conocido por empuñar
la guitarra de los barceloneses 12twelve, mientras que la base rítmica viene enterica de Warchetype. Con esos antecedentes en cartera y los siete contundentes
temazos de stoner rock espacial y lisérgico que esgrimen en este estupendo “Otros Mundos”, no resulta extraño que presentaran su debut en el festival de
Sitges o que sirvieran de banda de acompañamiento por nuestro país para el mítico Damo Suzuki, cantante de Can. Para nada, vaya.>Jorge Montes
04. UNDERWORLD. BARKING (COOKING VINYL/[PIAS] SPAIN)
Menos house que nunca y más dance que siempre. ¿Será la edad? ¿Será la moda? Underworld se muestra menos radicalizado que en trabajos anteriores. Adulterado con unas dosis de pop considerables, el trance de “Barking” ha quedado relegado a un segundo plano (algo que se agradece). Las nueve canciones, que
conforman el octavo álbum de su carrera y primero en tres años de este dúo, han nacido de una koiné de productores y están concebidas para lucir bajo las luces
de neón unas estructuras sólidas y alejadas, en su mayoría, de la mera repetición machacona de antaño, con la excepción de “Moon in Water” y “Louisiana”, que
se consolidan como el nexo más obvio con su estilo de siempre. Sin embargo, siguen preservando su euforia y su carácter atmosférico. La furia del archimegaultraconocido “Born Slippy”, su éxito más sonado (y bailado), tema principal de la banda sonora de la aplastante “Trainspotting”, ha dado paso a una evolución
sosegada que se ha apoyado en el techno más puro. Un buen disco de unos clásicos de la modernidad, que no debe pasar desapercibido.>Angélica Guzmán
05. THE WALKMEN. LISBON (BELLA UNION/NUEVOS MEDIOS)
Miren, para qué engañar al personal... “Lisbon” es el primer disco de The Walkmen que llega a mis santos soplillos. Para qué me voy a hacer el guay haciendo
recuento de sus cinco largos anteriores; a qué vendría citar que el quintento viene de las cenizas de dos bandas anteriores como The Recoys y Jonathan
Fire*Eater, la primera de las cuales desconozco absolutamente y de la segunda sólo me suena de nombre, y porque venía de Washington D.C. como mis queridos Fugazi. En lo que sí puedo ser certero es en captar, sobre los digitales e imaginarios surcos del CD, el amor que sienten estos neoyorquinos de adopción
por los instrumentos vintage y el rock menos acomodaticio. Un rock entendido como un todo que puede incluir en sus trazas la melodía de Scott Walker, la
huella áspera de Television, el brinco de los Specials o la heterodoxia de Arto Lindsay (quien ha pasado por el estudio que tienen en Harlem). Es “Lisbon” un
disco de canciones expansivas, que se toma su tiempo en despegar, se abriga en elegantes arreglos orquestales, trota al ritmo de las guitarras y se deja
mecer por la voz de Hamilton Leithauser, plena de matices. Clase es poco, amigas.>Jorge Montes
06. YANN TIERSEN. DUST LANE (MUTE/[PIAS]SPAIN)
Amélie le dio la vida y Amélie se la quitó. Resulta imposible no comparar ningún trabajo de Yann Tiersen con ese álbum. Ninguno de los temas de sus trabajos,
anteriores o posteriores, posee la magia, la carga de sentimientos o la capacidad de retorcer el alma que destilaba esta banda sonora (que original, lo que se dice
original, no es ya que parece un “lo mejor de”). Esta insufrible película marcó un antes y un después no sólo en la carrera de este músico francés sino también en
su cuenta corriente. Así, hay versiones de la misma para aburrir. La monotonía ha sido una constante en los trabajos posteriores a esta banda sonora y este “Dust
Lane” no es una excepción. Con unas fuertes reminiscencias de Kraftwerk, retazos de las “dotes” líricas de Gainsbourg y grandes similitudes con lo peor de Air,
estas siete canciones adolecen de un tedio absoluto que demuestra que Tiersen ha llegado adonde iba, pero su avaricia no. Atrás quedaron los discos de hasta
dieciocho composiciones. Si bien hay músicos que poseen un don especial para la innovación, desde luego, no es el caso de Yann.>Angélica Guzmán
DISCOS - CRÍTICAS
Mucha de la gracia que tenían los dos primeros discos de Wavves residía en su capacidad para conjurar, con insultante frescura, aquellas grabaciones en
baja (o inexistente) fidelidad que protagonizaron la explosión indie a principios de los noventa. Cualquiera que hubiera disfrutado con Guided By Voices o
Sebadoh en aquella época estaba condenado a esbozar una amplia sonrisa al escuchar canciones como “So Bored”, así de sencilla es la naturaleza humana. El caso es que la jugada le salió bien a Nathan Williams y su proyecto fue aupado a las alturas por Pitchfork, otros nostálgicos del primer indie, convirtiendo lo que debería haber sido un capricho puntual en algo con tanta proyección que hasta su propio autor quedó sobrepasado, como ha reconocido
en varias ocasiones, y como demuestran los distintos episodios acerca de crisis nerviosas y cancelaciones de giras que jalonan su breve carrera. Cuento
todo esto porque se nota que “King of The Beach” es el disco que ha grabado Williams para reconciliarse consigo mismo y de paso con su público; el
disco que debería convertir su proyecto-de-dormitorio en una banda-de-verdad y solucionarle eso tan mundano de ganarse las habichuelas. Un objetivo
para el que le ha resultado inevitable fichar a un grupo de músicos y “limpiar” gran parte de la suciedad que acumulaban las producciones, dejando así al
descubierto sus habilidades compositivas, que no son pocas. Eso sí, a la vez que la limpieza ha llegado un endurecimiento de sus canciones, que siguen
mirando hacia el rock independiente de los primeros noventa, pero han cambiando los referentes para acercarse a bandas más guitarreras, como Sugar,
Nirvana (en “Idiot” hasta parece que canta Kurt Cobain), los Pixies o los inevitables Dinosaur Jr. Una forma de escribir, tan efectiva como poco original,
que sólo pierde fuelle en la segunda mitad del disco, cuando Williams se empeña en jugar al collage según las reglas de Animal Collective (“Baseball
Cards”, por ejemplo), con resultados bastante discretos.>Vidal Romero
WAVVES.
KING OF THE BEACH
(BELLA UNION/NUEVOS MEDIOS)
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REVIEWS
Por favor, antes de empezar quiero que abandonéis cualquier opinión preconcebida sobre Stromae. Por mucho que últimamente os hayan bombardeado
desde la Máxima FM con su hit single “Alors On Danse”, no cabe la menor duda de que nos encontramos ante un tipo bastante peculiar, y con sólo
unas pocas búsquedas por Google me entenderéis. Para empezar, si su debut está editado por Island Records (recordemos: casa de Bob Marley, U2, PJ
Harvey, Tricky o The Killers, por decir algunos), algo tendrá el agua cuando la bendicen. Segundo, cuando un belga de origen ruandés que viste con las
pintas del Fidel de “Aída” produce temazos de new beat en su casa con un iMac y se dedica a subir vídeos a YouTube con “lecciones” en las que enseña a
tunearlos, se es fans sí o sí. Tercero, porque Stromae viene de “maestro”, un detallico para con los de aquí que no es el único en un disco que incluye, por
ejemplo, una pista llamada “Te Quiero”. Cuarto, porque su reivindicación del new beat belga nos parece un precioso ejercicio de nostalgia que, por cosas
de las modas, ahora mismo estaría en toda la pomada electrónica. Quinto, porque a modo de un Calvin Harris tirafresas, Stromae sabe cómo se construye
un pepino para la pista de baile. Y sexto, porque aunque parezca inconcebible tras todo lo anterior, Stromae es mucho más que un friqui haciendo dance.
Es cierto que se necesitan ciertas nociones en el lenguaje de Sarkozy para darse cuenta, pero sus letras son bastante inteligentes. Siempre entre la melancolía y el hedonismo, sabe ser existencial sin ser cargante, y no se pueden dejar de percibir ciertos homenajes al gran Jacques Brel... Sólo nos queda
aplaudirle y bautizar su estilo como chanson ravera, con un par.>Carolina Moreno
STROMAE.
CHEESE
(ISLAND/UNIVERSAL)
DISCOS - CRÍTICAS
MOGWAI
EL SONIDO DE LA BESTIA
Los conciertos de Mogwai siempre han sido una experiencia religiosa. Glorificados por unos debido a su insultante capacidad para construir un marmóreo
muro de sonido, denostados por otros por eliminar los elementos más sutiles de su música al sobreponer el brutalismo. Los de Glasgow saben perfectamente
que sobre las tablas representan mejor sus virtudes y sus defectos, y por eso “Special Moves” (Rock Action/[PIAS] Spain, 2010) es un lanzamiento tan
atractivo. La materia prima fueron tres noches en el Music Hall de Williamsburg, en Brooklyn el pasado año. De ahí surgen el propio “Special Moves”, un
CD de audio con once canciones en directo, y “Burning”, un DVD que recoge ocho temas en formato audiovisual. El primero sorprende por la limpieza de su
sonido, hablando de una banda que incluso ha llegado a ofrecer en directo tapones para los oídos de sus sufridos fans. Con una perfección técnica encomiable, registran temas tan conocidos como “Hunted by a Freak”, “Mogwai Fear Satan”, “Cody” o “2 Rights Make 1 Wrong”. El final, que enlaza su primer
huracán con marca registrada, “Like Herod” (que estuvo a punto de llamarse Slint), con la también monstruosa “Glasgow Megasnake”, deja los pelos como
escarpias y las orejas entumecidas. Sin embargo, más interesante todavía resulta “Burning”, ya que el poderío sónico de los chicos se hace acompañar por
unas preciosas imágenes en blanco y negro, de impecable fotografía y mucho grano, firmadas por Vincent Moon, el genio detrás de los “Take Away Shows”
de La Blogotheque, junto a uno de sus habituales, Nat Le Scouarnec. Y es así, casi en penumbra, centrándose en los primeros planos, en detalles de los
instrumentos, en el público extasiado o en las lluviosas calles de Brooklyn, donde Mogwai se ven todavía más espectaculares.
“Special Moves” está editado por Rock Action y distribuido en nuestro país por [PIAS] Spain.
Texto_ Pablo Vinuesa
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THE NEW RAEMON
JUEGOS REUNIDOS
Aun a riesgo de resultar pesados, no dejaremos de recomendar a través de estas páginas al artista nacional que en mejor forma parece encontrarse:
Ramón Rodríguez. En sólo un par de años, los que lleva parapetado tras el alias de The New Raemon aprovechando el parón técnico de los añorados
Madee, ha editado los discos “A Propósito de Garfunkel” (BCore/Cydonia, 2008) y “La Dimensión Desconocida” (2009), más un par de EPs. Como fin de
ciclo, y anunciando ya un nuevo trabajo que reconoce como estimable giro estilístico para el grupo, Ramón ha decidido recolectar todos aquellos trabajos
“secundarios” en su discografía, aunque este adjetivo pueda sonar despectivo con unas canciones que no se lo merecerían. “Epés Reunidos”, por lo
tanto, se carga con hasta veinte canciones que repasan todo el material incluido en los vinilos “La Invasión de los Ultracuerpos” (2009) y el más reciente
“Cuaresma” (2010), más varias colaboraciones de lujo que incluyen a Lluís Gavaldà (Els Pets), Charades, Pau Vallvé, Manos de Topo y hasta nuestros
Maga. Versionar a gente afín es algo a lo que ya nos tiene acostumbrados (como la preciosa “Te Debo un Baile”, de Nueva Vulcano), pero en “Epés
Reunidos” se hace bidireccional, como cuando mejora el “Pollo Frito” de los inasibles Manos de Topo y estos le devuelven la jugada con una reinvención
de “Sucedáneos”. Además de todo esto no le faltan temas inéditos, como es el caso de “¡Retirada!”. Para los fans más acérrimos del de El Maresme y
aquellos adictos al vinilo, quizás el interés de este CD sea relativo, pero la compra es obligatoria para los conocedores de sus dos largos que no hayan
accedido todavía a los maxis previamente editados, porque este material dista bastante de ser un mero relleno de transición.
“Epés Reunidos” está editado por BCore Disc.
Texto_ Pablo Vinuesa
Foto_Alba Lajarín
DISCOS - CRÍTICAS
TWOTHIRDS.
PROTECT WHAT YOU LOVE
Twothirds es una nueva marca de ropa nacida en Donostia - San
Sebastián, corazón del País Vasco. El nombre proviene de la
idea de que las dos terceras partes de nuestro planeta están
cubiertas por los océanos y está dirigida a personas despiertas,
conscientes del inmenso valor de nuestros océanos y que están
íntimamente ligadas con el surf, pero que a la vez se encuentran
sedientas de estilo y sustancia.
Quizás os preguntéis por qué esos precios van unidos a unos diseños
tan sobrios, pues bien, en este caso, menos es más, Twothirds se
aparta del barroquismo y apuesta por las líneas simples, colores
básicos y a la vez tremendamente actuales. Se trata de desechar lo
accesorio e innecesario y ganar en calidad. Todo está cuidado, hasta
el más pequeño de los detalles. Bolsas totalmente biodegradables,
tejidos orgánicos, proceso de fabricación mínimamente contaminante... Es la nueva manera de hacer las cosas, no es sólo cuestión de
concienciación, se trata de llevar las buenas intenciones a la práctica
y convertirlas en acciones específicas, como donar el 10% de sus
ganancias a Oceana, una organización de científicos encargada de la
conservación y protección del medio marítimo, o como llevar al stand
de la marca en el Bread&Butter una ola hecha de botellas de plástico
para representar de una manera muy impactante y creativa cómo
estamos contaminando nuestras aguas. Reconocemos las grandes
iniciativas, y por eso nos unimos a su causa, el azul es el nuevo
verde. Más info en www.2thirds.com > Lourdes R.
SHWOOD
SUNGLASSES
Estamos huyendo del plástico en un
desesperado intento de frenar el cambio
climático. Ya lo había hecho la empresa japonesa Marubeni con sus USB y keyboards
de madera, o la alemana Herrlicht con sus
monturas para gafas de madera. Shwood
crea cada gafa de sol de manera totalmente artesanal, respetando al máximo la
materia prima para que el resultado final no
pierda la esencia de la naturaleza. Tienen
una estética muy cuidada y atemporal... No
me voy a enrollar, son una chulada y punto.
Más info en www.shwoodshop.com
> Lourdes R.
66
SURFPOD, WATERPROOF MUSIC
“¿Sos una de esas personas que lleva el MP3 a todos lados todo
el tiempo? ¿La música no puede faltar en tu vida? ¿Alguna vez
imaginaste poder escuchar música mientras surfeas o mientras
remas? Imagina lo adrenalínico que puede ser bajar una ola
escuchando “Enter Sandman”, “Gimme Shelter” o “Rock n’Roll
Train”. Imagina nadar o bucear escuchando “Could You Be Love”,
“Nothing Else Matters” o “Enjoy the Ride”. Imagínate a ti y a tu
música bajo el agua, fluyendo. Deja de hacerlo. Prueba Surfpod, y
tu música será waterproof”. Así nos presenta Nicolás Larrosa su
revolucionario producto. Este joven ingeniero argentino, afincado
en Sevilla, comenzó a diseñar el primer prototipo, “SURFPOD
BEGINNER”, a principios de este año, y en menos de tres meses
ha conseguido vender más de 300. Podemos encontrarlos en
varios tamaños y colores e incluso una modalidad transparente,
lo que te permitiría usar tu smartphone como cámara fotográfica.
Puedes sumergirlo hasta seis metros de profundidad. Actualmente se encuentra trabajando junto a sus proveedores en nuevos
diseños. Es increíble la gran demanda que está consiguiendo
sin hacer apenas publicidad alguna, ya sea en la playa o en el
gimnasio, todo aquel que se encuentre cerca le pregunta dónde
puede conseguir uno. Y para aquellos escépticos que se pregunten qué pasaría con los auriculares si una ola te pega un gran
revolcón mientras surfeas, pues te contesto que posiblemente se
te caerán, aunque en esto también ha pensado su creador, que
ha diseñado diferentes tamaños de almohadilla que se adaptan
a cada tipo de oreja, te los vuelves a poner y listo. No hay que
olvidar que si nos pegamos un buen hostión cuando escuchamos
música mientras surfeamos en la nieve, también se nos caen los
auriculares, el gorro y hasta las gafas...
Más info en facebook.com/SurfPod > Lourdes R.
“NEW PROJECTIONS
OF THE OLD WORLD”,
DE QUICKSILVER
El surfer Dane Reynolds nos muestra a
través de esta colección una nueva faceta
artística, hasta ahora poco conocida. Como el
titulo refleja, las camisetas que componen la
colección presentan un nostálgico aire retro,
un estilo que encaja perfectamente con el
tipo de vida de Dane y su visión del mundo.
Sólo disponibles en las tiendas Quiksilver
Union, una red de ventas que engloba 40 de
las mejores tiendas independientes de surf de
Europa. www.marinelayerproductions.com
Abajo: Dane en el Hurley pro de California.
THE QUIET LIFE,
ALEX OLSON
Y EL RESTO VA RODADO
Cascos WESC
en colaboración con Rocky Powell.
It´s cool for:
Si conoces el mundo del skateboard sabrás
perfectamente quién es Alex Olson; si ni te suena, contarte que es reconocido planetariamente
por sus impresionantes trucos sobre el skate,
además es fotógrafo amateur y tiene una colaboración con The Quiet Life para esta temporada
otoño invierno 2010. A Andy Mueller le encanta
la fusión skate-fotografía y para los amantes de
ambas artes ha diseñado una tabla muy original
rescatando el logo Shoot Me dedicado al Camera
Club. Patinadores, es la oportunidad de tener a
Alex Olson a vuestros pies.
Más info www.thequietlife.com
STUSSY BY VANS
www.vans.es
www.stussy.com
Lo nuevo de
KR3W
68
La primera collección de zapatillas
de KR3W ya está en la calle. Bajo
el lema de “The Jackson”, estas
nuevas zapatillas aúnan en un solo
objeto los estilos dress y casual,
junto con materiales de primera.
Con finas y ligeras suelas y una
minimización del impacto visual
del branding, las Jackson son la
opción perfecta para lucir estilo sin
estridencias. Más info:
http://kr3wdenim.com
We’re
the Superlative
Conspiracy
WeSC se inspira en la bebida de los dioses para dar vida a la colección Otoño - Invierno
2010. Como si de un buen vino se tratase los suecos nos traen una temporada cargada de
tonalidades burdeos, básicos oscurecidos, pasteles ensuciados combinados con gráficos
de formas angulares y cortes limpios. La filosofía de la colección se centra en posicionar el
vino como el eje central de la comida y no como un mero acompañante. Comprendiendo
que el tiempo en madurar el vino excede el tiempo empleado en perfeccionar un plato.
Más info www.wesc.com Feiyué
Nuevas zapatillas x Andrè en Colette.
La semana de la moda de París, en
octubre pasado, fue el momento elegido
para la presentación de la colaboración
exclusiva entre la prestigiosa firma
Feiyuè con el street artist Andrè. Y es
que, reconocido internacionalmente por
haber dado otro sentido al graffiti, Andrè
decora desde los 13 años las paredes de
las grandes capitales mundiales, destacando en el universo del street art por
la omnipresencia del color rosa. Para la
ocasión, el creador ha versionado la deportiva FE-LO, el modelo de lona blanca
más clásico de FEIYUE, realzado con el
célebre “Mr.A” y cordones conjuntados.
Más info en: www.feiyue-shoes.com
NUDIE JEANS
Total look chico
Más Info: www.nudiejeans.com
TOKYOFLASH
Desde luego, lo que no inventen los japoneses... Si eres de l@s que no te
gusta quebrarte mucho la cabeza, esto no es para ti. Intentar descifrar la
hora qué es, en algunos de estos relojes, requiere largas horas de estudio
de las instrucciones. Pero, realmente, ver la hora no es la intención principal
de quienes compran estos relojes, más bien se trata de diferenciar nuestra
individualidad del resto de las individualidades. Es arte y diseño al alcance
de nuestras muñecas. Más info en www.tokyoflash.com > Lourdes R.
INSIGHT
www.insight51.com
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ADIDAS
Gafas Snow Adidas.
Más Info: www.adidas.es
Camiseta chica Bench.
Más info en www.bench.co.uk
GET YOUR SHIT TOGETHER!
Que el título no os lleve a equívoco, no es ninguna grosería.
Viene a ser algo así como “¡organízate!”. Es lo que nos dice
Dominique Aris, el inventor de las mochilas GYST (además
de atleta de triatlón, surfista, windsurfista, snowboarder y
padre), quien nos insta a testar su producto a prueba de
agua, arena y hasta pañales de bebé... Y es que ha creado
una revolucionaria forma de empacar: se trata de una
mochila con dos compartimentos totalmente aislados. En
uno de ellos puedes guardar tu neopreno mojado, el traje
de ciclista o tus botas manchadas de barro sin preocuparte
de que el resto de la mochila pueda ensuciarse o mojarse.
Aunque lo realmente novedoso no es ni la impermeabilidad
de la bolsa, ni lo que puedas guardar o no en ella, sino la
posibilidad de utilizarla como esterilla. L@s que surfeáis
compartiréis conmigo la incomodidad de ponerse un
neopreno con los pies llenos de arena, más aun si este está
mojado por el baño anterior. Con las mochilas GYST no es
necesario llevar dos toallas a la playa, simplemente una para
tapar vuestras partes nobles y no escandalizar al personal
circundante. Lo mismo ocurre con los deportes de nieve,
puedes cambiarte las botas de snow/sky en cualquier parte
sin preocuparte de la humedad o de la suciedad. Como ya
es habitual, aunque no todo lo que desearíamos, cada vez
más empresas se suben al carro de los tejidos ecológicos, la
no-contaminación y el ahorro de energía. GYST fabrica sus
mochilas libres de PVC, además de minimizar las emisiones
de carbono durante a fabricación de las mismas. No sólo se
comprometen con el planeta, GYST no acepta la actitud de
la “victoria a cualquier precio”, abogan por el juego limpio
y los deportes libres de drogas. Toda una declaración de
intenciones, sólo resta probarla y disfrutarla. Más info en
www.gystconcept.com > Lourdes R.
Imagen de ERIK SANDBERG. Más info en: www.eriksandberg.com
SEVILLA
CLUB, BARES Y CAFÉS
CIUDAD CONDAL CAFÉ cocktails & sound club
ROPA, VESTIR, STREETWEAR
MONTANA shop & gallery
CONCHA DE LA ROSA escuela de fotografía
C/ Amparo 9, Local. Tlf.: 685997966
[email protected] / www.conchadelarosa.com
Pérez Galdós 1 Acc. Sevilla. www.montanasevilla.com
[email protected] - Especializada en graffiti y
arte urbano. Exposiciones, aerosoles, libros, ropa.
Alameda de Hércules, 94. Sevilla.
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La terraza más ChillOut de la Alameda.Ciudad Condal
Café es punto obligado de la tarde-noche sevillana.
IAJ instituto andaluz de la juventud
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jueves a domingos. Música Pop-Rock. Zona wifi.
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FRANK, OLIVER PEOPLES, STARCK, PAUL SMITH, ALAIN
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Tlf. 954 37 80 40.
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DE CALLE
Sevilla: Arjona (Plaza de Armas) + Jauregui, 9 (Puerta
Osario). Tlf.: 902242025 - www.ropadecalle.com
INSIGHT, STUSSY, FENCHURCH, BENCH, PAUL FRANK,
WESC, VANS, ATTICUS, éS, EMERICA, FOX, etc.
C/ Don Alonso el Sabio, 10 Bajo. 41004 Sevilla.
Tlf.: 954 21 09 99, zona Alfalfa.
Cita previa.
MÁLAGA
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Calle Relator 21, Alameda de Hércules. Sevilla
Abierto todos los días de 22:00h a madrugada.
Programción diaria de Djs.
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Arjona 4, Local C. Sevilla. Tlf.: 954216754
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OBBIO la sala club - “10 años de OBBIO”
Trastamara, 29. Junto Centro Comercial Plaza de Armas.
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Medina y Corella nº 5. 14003 Córdoba. Tlf.: 957355655
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Isla de la Cartuja. Sevilla. www.fundacionbiacs.com
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Monasterio de Santa Maria de las Cuevas. Avda.
Americo Vespucio n2. Isla de la Cartuja - 41071 Sevilla.
Tlf 955037086 / www.caac.es
GUÍA URBANA - COMPRAS
STAFF
Dirección: Jose Maraver
([email protected])
Jefe redacción: Pablo Vinuesa
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Contenidos arte y redacción: Maru Sánchez
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Fotografía & Dirección de Arte: máver estudio
Auxiliar gráfico: Jacobo Carmona
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Publicidad: Jose Maraver. Tlf_ (+34) 954214728
[email protected]
Distribución Sevilla + Granada: Dispublis Publicidad
609857926 / Córdoba: Kamboya (Samuel Luna)
Resto de Andalucia, Madrid y Barcelona:
Tourline Express + máver estudio
Lourdes R., Elam Revuelta, Ana Langeheldt, Angélica
Guzmán, Jorge Montes, Daniel J. Tejar, Celia Macias,
Eduardo Mestre-Nadal, Vidal Romero, David Pareja,
Vicente Durá, Fran G. Matute, Juan Pablo Ramos
Fernández, Fernando Campelo, Pan Sol, Chris Davison,
Fernando Fuentes, Daniela Valverde, Matías Marín,
Alba Lajarín, Elena Castizo, Carolina Moreno,
Jose Gimeno. Gracias.
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