Catálogo 2015 - Cuadrienal de Praga

Participación de Chile en la Cuadrienal de Praga 2015
Chile in Prague Quadrienal 2015
007 Ministro Presidente
del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes
Ernesto Ottone Ramírez
Presidential Minister National Council
of Culture and the Arts
011 Director de Asuntos Culturales
del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile
Rodrigo Espinosa Marty
Director of Cultural Affairs, Ministry of Foreign Affairs
of Chile
012 PQ2015 Cuadrienal de Praga, Diseño
y Espacio Escénico de Praga
PQ2015 Prague Quadrennial of Performance, Design
and Space
016 Comité de Expertos Exhibición Nacional PQ2015
Experts Committee, Exhibition Nacional PQ2015
022 La Paradoja del Espectador Clima/Atmósfera
y Diseño Escénico
María Teresa Lobos Rubilar, Curadora de la Muestra
Chile Sección Países
The Spectator Paradox Environment/Atmosphere and
Stage Design
027 La paradoja del espectador, Profesionales
The spectator paradox, Professionals
028
032
036
040
048
052
056
060
068
074
078
082
084
088
094
098
Rocío Hernández Marchant
Paula Castillo Tocornal
Francisca Rocío Lazo Jerez
Ricardo Romero Pérez
Rodrigo Ruiz Jofré
Ricardo Romero Pérez / Rodrigo Ruiz Jofré
Valentina San Juan Standen
Loreto Martínez Labarca
Eduardo Cerón Tillería
Josefina Cifuentes Castillo
Natalia Morales Tapia
Josefina Cifuentes / Natalia Morales
Elizabeth Pérez Neira
Daniel Elías Bagnara Mena
Miryam Singer González
Felipe Olivares Sepúlveda
103
Corteza, Estudiantes
Crust, Students
111
Tribus
Tribes
Centrípeto
Centripetal
Proyecto Selk’nam
Proyecto Selk’nam
112
116
120
Participaciones chilenas en la Cuadrienal
de Diseño y Espacio Escénico de Praga
Chilean participations in the Prague Quadrennial
of Performance Design and Space
Ernesto Ottone Ramírez
Ministro Presidente
del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes
El momento actual de las artes escénicas en Chile se
caracteriza por una importante transformación en todos
los ámbitos: estéticos, de contenido y de gestión. Proceso
que abarca desde nuestra tradición teatral –heredera de
los movimientos universitarios de los años 40–, el trabajo
desde la clandestinidad y la persecución en dictadura, la
transición, hasta hoy.
Sin embargo, dentro de las disciplinas poco exploradas
en las reflexiones sobre el teatro en Chile está el diseño
teatral, especialidad que ha sido el vínculo entre el
teatro, la plástica y las artes visuales, en la que se cruzan
lineamientos teóricos y de montaje, desplegando en la
historia del teatro en Chile una fuerte creatividad y autoría
que se ha masificado y diversificado en los últimos años.
Este envío a la Cuadrienal de Praga 2015 (PQ2015),
coordinado por el Estado de Chile, constituye un
reconocimiento al trabajo de los artistas nacionales
del diseño teatral, los que han participado de esta
muestra desde hace 20 años, de forma independiente y
autogestionada. Incluso antes, en 1967 nos representó
en Praga el maestro Bernardo Trumper. La participación
nacional en la Cuadrienal significa darle al diseño teatral el
espacio que se merece en las artes escénicas, así como la
dramaturgia, la dirección y la actuación.
El trabajo mancomunado entre la Dirección de Asuntos
Culturales (Dirac) del Ministerio de Relaciones Exteriores,
el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA) y la
Asociación Nacional de Diseñadores Escénicos, tuvo como
resultado el que por primera vez se haya conformado una
mesa de trabajo, integrada por reconocidos expertos del
sector, para pensar nuestra presencia en la PQ2015. Fue
así como se eligió a María Teresa Lobos como curadora del
envío del Pabellón Profesional de la muestra, quien con
su propuesta nos pone en la encrucijada del espectador:
estar inmersos en el rito de la escena u observar desde una
perspectiva crítica.
Presidential Minister
of the National Council of Culture and the Arts
The current moment of set design and scenic arts in
Chile is characterized by an important transformation in
every field: aesthetics, of content and management. It is a
process that encompasses our theatrical tradition – heir to
the university movement of the 1940’s –, from the work of
underground efforts and persecution in dictatorship, and
the transition, until today.
However, within the little explored disciplines in the
reflections on theatre in Chile is theatre design, a
specialization that has been the link between the theatre,
the plastic arts, and the visual arts, in which theoretic and
production lines are crossed, unfolding a strong creativity
and authorship the history of theatre in Chile that has been
modified and diversified in the last years.
This submission to the Prague Quadrennial 2015 (PQ2015),
coordinated by the State of Chile, constitutes recognition
of the work of the national artists in theatre design, those
who have participated in this showing for 20 years, both
independently and self-managed. Even before, in the year
1967, the master Bernardo Trumper represented us in
Prague. National participation in the Quadrennial signifies
giving a space to theatre design that is well deserved
within the performing arts, such as dramaturgy, direction
and acting.
The joint work between the Cultural Affairs Board (Dirac) of
the Ministry of Foreign Relations, the National Council of
Culture and the Arts (CNCA) and the National Association of
Set Designers has resulted for the first time in the creation
of a worktable, composed of recognized artists within the
sector, to contemplate our presence in the PQ2015. It was
through this that María Teresa Lobos was selected as a
curator of the submission of the Professional Pavilion.
Quienes integran el sector de las artes escénicas en Chile,
se han organizado haciéndose cargo del gran cambio social
y cultural que vive nuestro país, lo que se visibiliza en sus
variadas producciones y en las propuestas de mejoras
colectivas, como la del proyecto de Ley sectorial que
recibí el pasado 11 de mayo, en el Día Nacional del Teatro.
Nuestros jóvenes además marcan presencia y son
reconocidos por el público en los grandes festivales
alrededor del mundo, siendo premiados, por ejemplo, por la
Unesco en la versión 2007 de la Cuadrienal de Praga por el
stand llamado Reversible.
Este año el pabellón de estudiantes, a cargo de la
académica Ana Campusano, hará sentir al gran público que
visite la PQ2015 lo que se siente vivir en un país sísmico,
con el proyecto Corteza.
Además, Praga este año nos sorprende con una nueva
manifestación: Tribus, un recorrido por el centro de
la ciudad donde el vestuario escénico y la calle se
transforman en escenarios y protagonistas. Para esta
sección, la Cuadrienal eligió dos representantes chilenos:
Loreto Monsalve, con su proyecto Centrípeto, donde
experimenta con el uso del mimbre y la crin sobre el cuerpo
humano, y Complejo Conejo, cuyo Proyecto Selk’nam
interpela el genocidio de ese pueblo originario ocurrido en
Tierra del Fuego.
Sin duda, esta experiencia confirma la responsabilidad
y disposición del Consejo Nacional de la Cultura y las
Artes como cabeza de la institucionalidad cultural para
seguir fortaleciendo las plataformas que sostienen este
engranaje creativo, facilitando espacios de trabajo y
desarrollo a los artistas y gestores, acompañándolos en su
desempeño en la escena mundial.
Those who form part of the performing arts sector in
Chile have organized themselves, taking charge of the
large social and cultural change that our country is
living, which is seen in their varied productions and in the
proposal of collective improvements, such as the draft
of the sectorial law that I received last May 11th, in the
National Theatre Day.
Additionally, our youth demonstrate presence and are
renowned by the public in large festivals around the world,
being awarded, for example, by UNESCO in the 2007 Prague
Quadrennial for their stand entitled Reversible.
This year, the students pavilion, for which the academic
Ana Campusano is responsible, will allow the audience
that visits the PQ2015 to feel what it feels like to live in a
seismic country, with the Crust Proyet.
Further, Prague this year has surprised us with a new
exhibition: Tribus, a journey through the center of the
city where costumes and the street become theatre
sets and characters. For this section, the Quadrennial
chose two Chilean representatives: Loreto Monsalve,
with her Centripetal Project, where she experiments with
the use of wicker and horsehair on the human body, and
Complejo Conejo, whose “Proyecto Selk’nam” questions
the genocide of these indigenous people which occurred
in Tierra del Fuego.
Without doubt, this experience confirms that responsibility
and provision of the National Council of Culture and the
Arts as the head of the cultural institutionality to continue
strengthening the platforms that sustain this creative gear,
facilitating work spaces and development for the artists
and managers, accompanying them on the world stage.
Rodrigo Espinosa Marty
Director de Asuntos Culturales
del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile
La Cuadrienal de Diseño y Espacio Escénico de Praga
(PQ2015) es el evento más importante a nivel mundial en
el área del diseño escénico, a la que concurren artistas y
público de los cinco continentes, compartiendo un espacio
común de integración, reflexión y creación en torno a las
artes escénicas.
En este encuentro de carácter multicultural, cada país
representado tiene la oportunidad de desplegar un
panorama significativo de su acontecer artístico teatral,
desde el ámbito profesional hasta el terreno académico y
de la investigación. Estudiantes y profesionales comparten
en la PQ2015 un diálogo intergeneracional en un nutrido
programa de seminarios, debates, exposiciones, lecturas,
puestas en escena, performances y talleres.
Para Chile estar presente en la PQ2015 constituye un
honor y la oportunidad única de difundir de manera global
parte del quehacer del ámbito teatral en su más amplio
sentido. Por ello la Dirección de Asuntos Culturales (Dirac)
ha apoyado la participación nacional prácticamente
desde los inicios de este encuentro. Hoy en día, dado el
creciente interés de nuestros creadores y profesionales
del ámbito teatral, Dirac se ha involucrado activamente en
los procesos de selección, curatoría y representación de
los más connotados diseñadores escénicos, cuyas obras
formarán parte de la sección País, con una exposición
multidisciplinaria que busca dar cuenta de las tendencias,
temáticas y estéticas que resumen las artes escénicas del
Chile actual.
Sin duda, el teatro chileno brillará en Praga, capital cultural
y epicentro artístico en el “Corazón de Europa”. Allí cada
muro contiene parte de la historia del arte de los últimos
400 años; cada rincón, iglesia, puente, parque, plaza,
teatro, calle o callejuela cobra vida con espectáculos y
manifestaciones artísticas espontáneas, y los creadores
chilenos ocuparán en ese contexto un lugar en el mundo de
las artes escénicas.
Director of Cultural Affairs
Ministry of Foreign Affairs of Chile
The PQ2015 (Prague Quadrennial of Performance, Design
and Space) is the most important event in the area of set
design on the global scale, where artists and audiences
from five continents come together to share a common
space for integration, reflection, and creation around the
performing arts.
In this multicultural meeting of, each country represented
has the opportunity to display a panorama that signifies
their artistic and theatrical happenings, from the
professional field to the academic and research-based.
In the PQ2015, students and professionals share an
intergenerational dialogue through a nurtured program
of seminars, debates, expositions, lectures, stagings,
performances and workshops.
For Chile, being present in the PQ2015 constitutes and
honor and a unique opportunity to disseminate, in a global
way, its artistic theatrical work in the widest sense. The
Office of Cultural Issues (Dirac) has supported national
participation practically since the beginning of this event.
Today, given the growing interest in our creators and
professionals in the theatrical field, Dirac had become
actively involved in the processes of selection, curation,
and representation of the most renowned set designers,
whose works will form part of the Country section, with a
multidisciplinary exposition that seeks to recognize the
trends, themes, and aesthetics that characterize current
performing arts in Chile.
Without doubt, Chilean theatre will shine in Prague,
cultural Capital and artistic epicenter in the “Heart of
Europe”. There, every wall contains part of the history of
art of the last 400 years; every corner, church, park, plaza,
theatre, street, or alleyway breathes life with shows and
spontaneous artistic demonstrations, and the Chilean
creators will occupy, within this context, a space in the
world of performing arts.
PQ2015 Cuadrienal de Diseño y Espacio Escénico de Praga
PQ2015 Prague Quadrennial of Performance, Design and Space
© Prague Quadriennial
13
La Cuadrienal de Diseño y Espacio Escénico de Praga
es la más importante exhibición internacional de
escenografía. De carácter competitivo, es única en su
tipo y magnitud. La muestra explora en toda su extensión
las artes escénicas, desde el vestuario y el diseño de
iluminación y sonido, hasta los nuevos enfoques para
la escenografía como el “site specific”, la escenografía
aplicada, las representaciones callejeras, el vestuario como
representación y la arquitectura teatral.
Desde 1967, cada cuatro años la Cuadrienal de Praga
presenta las últimas producciones en el ámbito del diseño
escénico, ampliando cada vez que se realiza un núcleo
compuesto por una exhibición de más de 60 países,
llegando a constituirse en una plataforma internacional
para proyectos continuos enfocados en la educación, las
exhibiciones, el intercambio profesional y de formación,
las publicaciones, los proyectos artísticos propios y los
simposios internacionales en el área de la escenografía
contemporánea. Asimismo, la organización opera un boletín
electrónico internacional sobre eventos relacionados con
el diseño escénico, una biblioteca de textos especializados
y una base de datos mundial de escuelas de escenografía.
El evento es organizado por el Ministerio de Cultura de
la República Checa y realizado por el Instituto de Artes y
Teatro de ese país, recibiendo tradicionalmente el apoyo
de la Unesco, la Unión Europea, la ciudad de Praga y muchas
fundaciones, patrocinadores y auspiciantes checos y
extranjeros.
Las exposiciones de cada uno de los países y regiones son
organizadas por reconocidas organizaciones culturales
internacionales, ministerios de cultura, instituciones
y organizaciones artísticas y teatrales, festivales
internacionales, compañías teatrales y prestigiosas
escuelas de teatro y arte.
Concepto Artístico de la Cuadrienal de Praga 2015
Espacio Compartido: Música – Clima – Política
La Cuadrienal de Praga 2015 ha convocado a los artistas
a reflexionar sobre la escenografía como un entorno
performativo que en el teatro contemporáneo tiene
un efecto sobre la relaciones espaciales entre los
diferentes componentes del espectáculo y al mismo
tiempo determina la forma de los vínculos mentales (con
la historia, la sociedad, el pasado o el futuro), el vínculo
entre el espectáculo y el público. El objetivo es explorar
la teatralidad –imaginaria, visionaria e invisible– como
generadora de fuerzas socio-políticas.
The Prague Quadrennial of Performing Arts and Stage
Design is the most international exhibition of set design,
of a competitive character, the only of its type and
magnitude. It explores every element of the scenic arts,
costume, lighting and sound design, including new focuses
in set design such as site specific, applied set design, street
representations, costumes as representation, theatrical
architecture and many others.
Since 1967, every four years the Prague Quadrennial has
presented the latest productions in the set design field,
extending the core composed of an exhibition of more than
60 countries and constituting an international platform
for continuous projects focused on education, exhibitions,
professional exchange and training, publications, individual
artistic projects or international symposiums in the area
of contemporary set design. Furthermore, the organization
creates an international electronic bulletin about events
related to set design, a library of specialized texts and a
worldwide database of schools of set design.
The event is organized by the Czech Republic’s Ministry
of Culture and run by the Institute of Arts and Theatres.
Traditionally, the event is hosted with the support of
UNESCO, the European Union, the City of Prague and many
foundations and sponsors both Czech and foreign.
The exhibitions of each country and region are organized
by recognized international cultural organization –
ministries of culture, artistic and theatrical institutions and
organizations, theatre companies and schools of theatre
and art.
Artistic Concept of the Prague Quadrennial 2015:
Shared_Space: Music – Weather – Politics
The PQ has gathered artists to reflect on set design in
a performative setting in which contemporary theatre
has an effect on the special relations between the
different components of its shows, and at the same time
it determines the form of the mental links (with history,
society, the past or the future), between the show and the
audience – as a generator of socio-political forces.
14
Por medio del tema Música – Clima – Política propuesto
para la Sección de Países y Regiones, se pretende
descubrir/revelar la escenografía invisible, el entorno que
nos afecta profundamente a pesar de no ser tangible. A
través de tres exhibiciones experimentales, la Cuadrienal
se interesa por el proceso creativo y la relación entre el
Autor (el escenógrafo-artista), el Espacio (la arquitectura
del espectáculo) y los Objetos (las cosas con historias).
Música
El tópico principal del área musical de la Cuadrienal es la
música como la principal inspiración de la escenografía
contemporánea, como un vehículo evocador de visiones
espaciales interiores, a menudo invisibles –imperceptibles
para el mundo exterior–, y cómo este mundo de visiones
musicales puede desarrollarse en un espacio y en qué
medida ese espacio puede ser fuente de inspiración para
la música.
Clima
Cuando hablamos de clima hablamos de atmósfera, de lo
efímero y lo intangible, de la estabilidad y la inestabilidad
–de equilibrio–, de ritmos y estados de ánimo de las
estaciones, presión y temperatura, movimiento y transición
y quizás, lo conocido y lo desconocido, lo no intencional y
lo accidental.
El concepto clima de la muestra invita a [re]configurar las
fronteras permeables de lo accidental, lo desconocido, y lo
misterioso, a explorar el frágil y posiblemente accidental
momento en el que “estar ahí” revela el aquí y el ahora
y un “potencial” nunca más. Cuando el “estar ahí” es una
experiencia compartida, cuando el público se convierte
en la atmósfera, el clima cambiante, la niebla hecha
de infinidad de gotas independientes puede llegar a
convertirse en uno.
Through theme Music – Weather – Politics proposed by
the Country and Regions Section intends to reveal invisible
set design – the setting that profoundly affects us despite
not being tangible. By way of three experimental exhibits,
PQ 2015 is interested in the creative process and the
relationship between the Author (set designer – artist),
the Space (the architecture of the show) and the Objects
(things with stories).
Music
Music as the principal inspiration of contemporary set
design: music can evoke interior spatial vision, often
invisible – imperceptible to the exterior world. How this
world of musical visions can be carried out in a space and
in what measure this space is a source of inspiration for the
music as the principal topic in the musical area of PQ 2015.
Weather
When we talk about the Weather we are talking about
atmosphere, about the ephemeral and the tangible,
about the stability and the instability – of balance – of
rhythms and states of being of the seasons, pressure and
temperature, movement and transition and perhaps, the
known and unknown, the unintentional, and the accidental.
The concept of weather is an invitation to [re]configure
the permeable boundaries between the accidental, the
unknown, and the mysterious. Explore the fragile and
possibly accidental moment in which “being there” reveals
the here and the now and the “potential” no more. When
“being there” is a shared experience, when the audience
becomes the atmosphere, the changing weather, the fog
made from the infinity of independent droplets that can
become one.
15
Política
El espacio como política en la Cuadrienal reside en pensar
en su habitar y en las intenciones detrás de ello, tomando
decisiones que afectarán a su (re)configuración, no
solamente como un “layout”, sino como una actitud política.
El espacio se entiende entonces como eje principal de la
teatralidad y de las prácticas performativas, un territorio
común para el encuentro de distintas lenguas, identidades
y puntos de vista. El espacio se establece como el mediador
de interrelaciones en las que las referencias locales y
globales se presentan, trayendo diferentes identidades
a una confrontación entre las fronteras espaciales y
temporales, incorporadas a un territorio común; una “urbis”
imaginaria y temporal.
Secciones de la Cuadrienal de Praga 2015
Las secciones con curatoría basada en el tema Música /
Clima / Política son:
1. Sección Países y Regiones
2. Sección de Estudiantes
En tanto, las secciones con participación de otros artistas,
estudiantes y grupos con curatoría de la Cuadrienal son:
1. Proyectos estudiantiles – talleres, conferencias,
presentaciones
2. Exhibición Espacio
3. Exhibición Objetos
4. Exhibición Autores
5. Exhibición Tribus
6. PQ Talks: debates, presentaciones, conferencias,
talleres.
Politics
Space as Politics resides in the thought of its home
and the intentions behind it, taking decisions that will
affect its [re]configuration, not only as a layout, but as
a political attitude. The space will act as a principal axis
of theatricality and the performative practices in the
common territory of a meeting of distinct languages,
identities, and points of view. The space will also serve as
the mediator of interrelations in such that local and global
references are presented, bringing different identities to
a confrontation between spatial and temporal boundaries,
incorporated in a common territory: an imaginary and
temporary “urbis”.
Sections of PQ2015
Sections with curation based on the theme of Music /
Climate / Politics/Music Weather Politics are:
1. Section of Countries and Regions
2. Student Section
As such, the ections with participation of other artists,
students, and groups with curation in the PQ are the
following:
1. Student projects, SpaceLab – workshops, conferences,
presentations
2. Space Exhibition
3. Objects Exhibition
4. Makers Exhibition
5. Tribes Exhibition
6. PQ Talks: debates, presentations, conferences,
workshops.
Comité de Expertos Exhibición Nacional PQ2015
Experts Committee, Nacional Exhibition PQ2015 17
Para la Asociación Nacional de Diseñadores Escénicos,
la Cuadrienal de Praga es un evento único, de diálogo y
retroalimentación artística, al que estamos ligados desde
nuestra formación. El proceso de selección y el soporte
de las instituciones en esta versión, nos anima a pensar
en el fortalecimiento de este lazo y en la posibilidad de
que cada día se sumen más creadores del área de las artes
escénicas a vivir esta experiencia. Los seleccionados en esta
oportunidad constituyen un espectro diverso de la creación
visual, en teatro, danza, opera y circo, resultando ser los
perfectos embajadores para dar a conocer la escena teatral
chilena y su trabajo creativo. Cada imagen de la presencia
chilena en la muestra se constituye como un trozo de
memoria de espectáculo vivo que da cuenta del país.
Catalina Devia Garrido
Presidenta
de la Asociación Nacional de Diseñadores Escénicos
For us as the National Association of Set Designers, the
Prague Quadrennial is a unique event, which through
dialogue and artistic feedback we are linked from our
training. The process of selection and the support from
the institutions in this version invites us to think about the
strengthening of this bond and the possibility that every
day more creators join the area of Scenic Arts to live this
experience. Those selected for this opportunity constitute
a diverse spectrum of visual creation in theatre,
dance, opera, and circus; and they serve as the perfect
ambassadors to get to know Chilean set design and its
creative work. Each image consists of a slice of memory
from the living show that each country presents.
Catalina Devia Garrido
President
National Association of Set Designers
18
Hace 20 años, después de una gestión iniciada por nuestro
maestro Bernardo Trumper varios años antes, los
diseñadores teatrales chilenos participamos por primera
vez en la PQ1995 con un pabellón constituido por una
rampa de 18 m de largo por 3,60 m de ancho, cubierta por
172 paneles de 60 cm por 60 cm, los que contenían las
imágenes, bocetos y fotografías del trabajo de 46
producciones teatrales, ópera y danza, de 32 artistas
escénicos de esos últimos cinco años. El público
participaba de la exposición, circulando sobre ella y
caminando entre personajes realizados con bocetos de
vestuario a escala natural, generando una azarosa
coreografía, bajo un tul a modo de cielo, que aludía al
paisaje y geografía de Chile.
En las cuadrienales sucesivas y hasta hoy, la epopeya
ha seguido. El esfuerzo de las distintas generaciones de
diseñadores teatrales y estudiantes ha sido admirable.
Desde este confín del mundo nos seguimos ingeniando
cada cuatro años para llegar a la capital mundial de la
escenografía y mostrar el estado de nuestra creación
visual y los dispositivos y artilugios de un oficio milenario
destinado a generar la ilusión y acompañar el relato
escénico. Lo notable de esta experiencia es que,
indistintamente de la evolución de las tecnologías y de los
medios, este arte dependerá siempre de una artesanía y de
una ejecución que lo hace fascinante, seduciendo no solo
a quienes lo practicamos sino que también a quienes lo
experimentan.
Ramón López Cauly
Decano de la Facultad de Artes
de la Pontificia Universidad Católica de Chile
Twenty years ago, after a management initiated by our
master Bernardo Trumper, many years before, Chilean
theatre designers participated for the first time in the
PQ95, with a pavilion constructed by a ramp 18m in length
by 3.60 meters wide, covered by 172 60x60cm panels, that
contained the images, sketches, and photographs of the
work of 46 theatrical, operatic, and dance performances,
from 32 set design artists from those last 5 years. The
audience participated in the exposition, circulated through
it and walking among characters made of sketches
of costume to natural scale, generating an eventful
choreography, underneath tulle modeled like the sky, which
alluded to the landscape and geography of Chile.
In the successive Quadrennials and up to today, the saga
continues. The force of the distinct generations of theatre
designers and students has been admirable. From this
corner of the world, we continue our ingenuity every
four years to arrive at the world capital of set design and
show the state of our visual creations and our inventions
of a millenarian trade destined to create the illusion
and accompany the scenic tale. What´s notable about
this experience is that, independent of the evolution of
technology and media, this art will always depend upon
an artisanship and an execution that makes it fascinating,
seducing not only those of us who practice the art, but also
those who experience it.
Ramón López Cauly
Dean, College of Arts of Pontificia Universidad
Católica de Chile
19
Hablar de la PQ2015 es hablar de Praga y dejarse
abrazar por el Moldava, encontrarse con Dvo ák, Mucha,
Dostojevskij, Kokoschka. Es verse conmovido en la “Calle del
Oro” (zlata ulicka) junto al cuarto en el que alguna vez moró
Kafka, es contemplar Vistavysté al compás de Beethoven, o
embriagarse de Mozart, es leerse en las letras de Fibich o
Milena Jesenská. Es encontrarse en un café con el exilio de
Hikmet: “En Praga pasa un vehículo, es un carro arrastrado
por un solo caballo ante el cementerio judío. El carro está
cargado con la nostalgia de otra ciudad y el carrero soy yo”
(de su libro “Duro Ofico el Exilio”). O las letras de resistencia
de Vladislav Van ura. Es encontrarse con una riqueza y
diversidad artística inconmensurable, es detener la historia
junto al reloj a un costado de la plaza vieja, Staromestska
radnice s orlojem, o inundarse de multiplicidad de voces,
acentos y sonoridades al deambular por Vrtbovska zahrada,
Loreta, Stary kralovsky palac, Prazsky hrad. Hablar de
PQ2015, es hablar también de nuestra presencia como
país en la muestra. Ocasión en la que se cumplirán 20 años
del primer momento en que un grupo de profesionales
(en 1995) viajamos a Praga, logrando una destacada
participación en la cuadrienal con “el pabellón chileno”.
He tenido la oportunidad de estar en varias ocasiones en
la PQ. En el año 2007 fui seleccionado para representar
a Chile en la 11ª Cuadrienal, con la obra “Une Mère et
ses Enfants au Purgatoire” de Mauricio Celedón, y en el
2011 tuve la responsabilidad curatorial de nuestro país.
Momentos que me llevan a que hablar de la PQ sea también
recordar que en 1999, por primera vez, conseguíamos hacer
realidad la presencia de los estudiantes, con la muestra
que llevaron un grupo de jóvenes mujeres de la Escuela
de Diseño Teatral de la Universidad de Chile, a pulso y con
escaso apoyo.
Talking about the PQ is talking about Prague and letting
oneself embrace Moldava, finding oneself with Dvořák,
Mucha, Dostojevskij, Kokoschka. It is being touched in the
“street of gold” (zlata ulicka) next to the room where Kafka
once lived, it is contemplating Vistavysté to the beat of
Beethoven, or getting drunk off Mozart, it is reading oneself
in the words of Fibich or Milena Jesenská. It is finding
oneself in a café with the exile Hikmet: “In Prague a vehicle
passes, it is a coach dragged by a single horse in front of a
Jewish cemetery. The coach is charged with the nostalgia of
another city and I am the coachman” (from his book “Duro
oficio en el Exilio”). Or the words of resistance of Vladislav
Vančura. It is finding oneself with an immeasurable artistic
richness and diversity, it is stopping history with the clock
alongside the old plaza, Staromestska radnice s orlojem,
or flooding oneself with the multiplicity of the wandering
voices, accents, and sounds of Vrtbovska zahrada, Loreta,
Stary Kralovsk palace, Prazsky hrad. Talking about PQ2015
is also talking about our presence as a county in the
exhibition. On this occasion we will reach 20 years since the
first moment in which a group of professionals (in 1995)
traveled to Prague, achieving a featured participation in
the Quadrenial with “el pabellón chileno”.
Hablar de la PQ es hablar de nuestra realidad en el diseño
teatral y de nuestros sueños futuros, es hablar de arduo
trabajo, no exento de dificultades, que permite hoy un
reconocimiento a nuestra presencia y quehacer artístico
en la cuadrienal, es hablar de un camino construido en el
tiempo, de compromisos y voluntades que se aúnan, es
seguir construyendo.
I have had the opportunity to be in the PQ in various
occasions. In the year 2007 I was selected to represent
Chile in the eleventh Quadrenial, with the piece “Une Mère
Et Ses Enfants Au Purgatoire” by Mauricio Celedón and
in 2011 I had the curatorial responsibility of our country.
Moments in which I speak about the PQ also remind me
of when in 1999 we were able to make the presence of
students at the PQ a reality, with the exhibition that a
group of young women brought from the School of Theatre
Design from the Universidad de Chile, who with very little
support were able to attend. Speaking about the PQ is
speaking about our reality in theatre design and our dreams
for the future, it is speaking about arduous work, without
an extent to our difficulties, that permits us to have today
a recognition of our presence and out artistic work in the
Quadrenial, it is speaking about the path constructed in
time, it is speaking about our promises and will that pull
together, it is keeping building.
Eduardo Jiménez Cavieres
Escenógrafo y Consultor Teatral
Eduardo Jiménez Cavieres
Set Designer and Theatre Advisor
20
La importancia de la participación chilena en la
Cuadrienal de Diseño y Espacio Escénico de Praga
La Cuadrienal de Diseño y Espacio Escénico de Praga es
un lugar de exhibición en el que los países muestran su
camino y desarrollo artístico en estas disciplinas durante
los últimos cuatro años. También es un lugar de aprendizaje
y encuentro, que reúne numerosos talleres conducidos
por importantes artistas vinculados al diseño escénico y
teatral, impartidos durante los 10 días que dura el evento.
Los participantes tienen la oportunidad de presenciar, junto
a la exhibición de los stands profesionales y estudiantiles,
las actividades performáticas que se desarrollan al interior
de la ciudad, en sus calles, plazas, museos y galerías.
La participación que los estudiantes chilenos han tenido
en esta muestra internacional desde 1999 ha sido
muy relevante para la Escuela de Diseño Teatral de la
Universidad de Chile, única escuela universitaria de esta
disciplina en el país, la que recibe no más de 24 estudiantes
cada año, haciendo de Chile un caso especial.
La participación en Praga es fundamental pues no existen
muchas oportunidades para que los estudiantes viajen
fuera de Chile para adquirir nuevos conocimientos sobre
diseño teatral y escenográfico. Dada la singularidad de la
Escuela de Diseño Teatral en el país, todo lo que ocurre en
el ámbito se construye al alero de la universidad: de ahí
la importancia de esta muestra internacional, pues es en
ella donde los estudiantes pueden dialogar, conocer otros
paradigmas artísticos y ver cómo se hace y se piensa el
teatro fuera de Chile y América Latina, constituyendo una
plataforma de intercambio imprescindible a lo largo de su
aprendizaje.
Rocío Troc Moraga
Jefa de la Mención Diseño Teatral del Departamento de
Teatro (Detuch) de la Facultad de Artes de la Universidad
de Chile
The importance of the Prague. Student Section
and Chilean participation in the Prague
Quadrennial
The participation of Chilean students since 1999 has always
been very important for us. The case of Chile is special,
as we are the only university of theatrical design in the
country. We are a small school that receives no more than
24 students each year.
For our school, student participation in Prague is
fundamental. The students of this discipline rarely have the
chance to travel outside of Chile to acquire new knowledge.
Everything is built under the banner of the university and
this is why the Quadrennial is so important to us. It is there
where the students can have a dialogue, understand other
artistic paradigms, meet new people from around the world
and see how theatre is done and thought about outside of
Chile and Latin America.
The Quadrennial of Stage Design and Performance
is an exhibition where countries show their artistic
approach and development from the previous four
years, but it is also a place of learning and discovery,
many workshops lead by important artists are taught
during the last ten days of the event. Likewise,
and together with the professional and students
exhibition areas, the participants have the chance
to attend performance activities that are developed
inside the city, in streets, squares, museums,
galleries and other buildings.
It is, therefore, hugely important that our students have the
possibility to share and exchange characteristics during
the learning.
Rocío Troc Moraga
Head, Theatre Design Major – (Detuch) College of Arts of
the Universidad de Chile. Bachelor of Arts and Theatre
Designer, Universidad de Chile.
21
Las cuadrienales escenográficas de Praga, iniciativa nacida
en la década de los 60, cubrió el gran anhelo de reconocer
a las artes visuales escénicas como una manifestación
más del espíritu artístico del ser humano. No es un simple
evento artístico más, ni tampoco una feria de arte como
muchos lo catalogan. Cada cuadrienal es el “espejo del
mundo” en el proceso evolutivo de la escenografía y de
todas sus ramificaciones, que permite mirarnos y medirnos
como artistas visuales de nuestras representaciones y
capacidades creativas.
Este espejo nos ofrece la posibilidad de crecer y superarnos
en nuestros afanes de surgir como creadores. De ahí su
carácter competitivo, orientado hacia una superioridad
de expresión. Sin el afán de competir no quedaríamos
para siempre en la conformidad. La competencia nos hace
crecer y evolucionar en el camino que elegimos. Una vez
más mis deseos de suerte y crecimiento para todos.
Edith del Campo Oviedo
Académica titular, Facultad de Artes
de la Universidad de Chile
Sadler’s Wells Theatre Design Course U.K.
The Prague Performing Arts Quadrennials, an initiative
that began in the 1960s, fulfilled the great yearning for the
recognition of Stage Visual Arts as another manifestation of
the artistic spirit of human beings.
It is not merely another artistic event, nor is it an arts fair
like it is often portrayed. Each Quadrennial is the Mirror of
the World in the evolutionary process of the performing
arts and all its related fields that allows us to look at
ourselves and evaluate ourselves as visual artists from our
work and creative capabilities.
This Mirror gives us the chance to grow and improve
ourselves in our bids to rise as creators, from its
competitive character towards a superiority of expression.
Without the desire to compete, we will forever conform.
Competition makes us grow and evolve on our chosen path.
Again, I bid good luck and growth for all.
Edith Del Campo Oviedo
Academician, College of Arts, Universidad de Chile.
Sadler´s Wells Theatre Design Course U.K.
María Teresa Lobos Rubilar
Curadora de la Muestra Chile Sección Países.
Curator of the Chile Display Countries Section.
Maite Lobos Rubilar, diseñadora teatral de la Universidad
de Chile, ha desarrollado su obra artística en vestuario,
escenografía teatral y diseño integral para importantes
directores y compañías de teatro chilenos, como Andrés
Pérez, Ramón Griffero, Raúl Osorio y Luis Ureta, entre otros.
Maite Rubilar Lobos, a theatre designer from the University
of Chile, has developed her artistic body of work in costumes,
stage design and integrated design for major Chilean
directors and theater companies, including Andrés Pérez,
Ramon Griffero Raúl Osorio and Luis Ureta, among others.
Actualmente se desempeña como Directora de la Escuela
de Pregrado de la Facultad de Artes y como académica del
Departamento de Teatro de la de la Universidad de Chile, y
cursa el Magister en Artes con mención en Teoría e Historia
del Arte de la misma institución
She currently serves as Director of the School of
Undergraduate at the Faculty of Arts and as an academic of
the Department of Theatre at the University of Chile, and is
enrolled for a Master of Arts majoring in Theory and History
of Art at the same institution
En 2003 y 2007 fue directora del Proyecto Praga/Diseño
Teatral de la Universidad de Chile, cuyas exhibiciones fueron
presentadas en las Cuadrienales de esos años, siendo además
la del 2007 galardonada por la Unesco con el Premio a la
Promoción de las Artes.
In 2003 and 2007 she was director of the Praga/ Design
Theatre Project at the University of Chile, whose exhibits
were presented in the Quadrennial of those years, also
receiving in 2007 the Unesco Prize for the Promotion of
the Arts.
23
LA PARADOJA DEL ESPECTADOR.
CLIMA/ATMÓSFERA Y DISEÑO ESCÉNICO
Un concepto que hemos recibido de la tradición del diseño
teatral chileno, en especial en la iluminación teatral, es el
de “atmósfera”. Este término produce una gran variedad de
resonancias a causa de sus múltiples sentidos (atmósfera
dramática, de color, de materialidades, de sonoridades,
entre muchas otras) y nos permite ingresar en el problema
del espectador de la escena contemporánea.
THE SPECTATOR PARADOX.
ENVIRONMENT/ATMOSPHERE AND STAGE DESIGN
One concept that we have adopted from the Chilean
theatre design tradition, especially with regard to
theatre lighting, is atmosphere. This term has a wide
variety of interpretations because of its multiple
interpretations (dramatic, colour, textural, sound, etc.),
this allows us to get into the problem of the audience in
contemporary set design.
El espectador puede estar situado ante la obra desde una
distancia racional que le permite a través de ella, huir de la
fascinación de la apariencia ilusionista y la identificación
con los personajes. Este modo de situarse ante la obra
propone una ubicación mental del espectador. En el lugar
opuesto, Artaud invita a abolir la distancia y a involucrarse
en ella, dejando de ser un espectáculo (como algo que
observo desde el exterior), transformándola en una
experiencia en la que es preciso sumergirse.
The audience can be placed in front of the work at a
reasonable distance that allows them to escape the
fascination at the appearance and identification of the
characters. The former proposes a mental space in the
spectator. However, Artaud intends to do away with
distance and involve himself in the work, so that it is
no longer a show (as something that is observed from
the outside) and becomes an experience into which one
can delve.
Lo que nos interesa aquí es poner en valor la persistencia de
la disyuntiva entre la posición del espectador/observador y
el espectador/participante. El primero se ubica en el lugar
de la perspectiva crítica y el segundo busca la inmersión
en la obra. El concepto de inmersión es, entonces, la forma
concreta en que el espectador participa de la atmósfera,
es decir, la atmósfera/clima no es observada desde una
posición lejana, sino que se explora y se atraviesa.
What interests us here is showcasing the persistence of
the issue between the position of the spectator/observer
and the spectator/participant. The former is located in the
critical perception and the latter seeks full immersion in
the work. The idea of immersion is, therefore, the definitive
way in which the spectator participates in the atmosphere,
or rather, the atmosphere/environment is not observed
from a distance, but is explored and penetrated.
La atmósfera, concepto muy cercano al paradigma realista
y por ello relacionado con el impacto emocional en el
espectador, opera aquí en favor de su reflexión: debe
decidir la manera en que se relaciona con la obra que tiene
ante sus ojos: a través de la inmersión o a través de la
observación. Además, a través de un recorrido espacial se
verá obligado a cambiar de perspectiva constantemente.
Atmosphere is a concept that is very close to the realist
paradigm and because of this it is related to the audience’s
emotional impact, which here encourages thought in the
spectator, who must find his own way of relating to what he
has before him: through immersion or through observation.
Furthermore, through a spatial journey one is constantly
obliged to change their perspective.
El dispositivo espacial en la Sala A-10, ColloredoMansfeld Palace, Praga:
La propuesta aborda el concepto de Clima en tanto una
experiencia de inmersión (crítica) en atmósfera(s) que
dan cuenta de temperaturas, cualidades de luz/color y
ambientes dramáticos de las variadas manifestaciones
escénicas en Chile.
The spatial design of Auditorium A-10, Colloredo-Mansfeld
Palace, Prague:
The proposal is to tackle the idea of environment with
regard to an immersive experience of environments that
include temperature, light, colour and dramatic ambience’s,
from the various stage shows in Chile.
Las 24 obras presentadas, pertenecientes a 14
diseñadores escénicos representativos del quehacer
en la escena chilena de los últimos cuatro años, están
organizadas según las diferentes atmósferas de color,
dramáticas y geográficas, que se van desarrollando a
través de un recorrido por la sala. Las obras aparecerán
en un “fade-in”que se activa al acercarse el espectador
y desaparecerán cuando éste se aleje. Cada obra se
mostrará a través de un video de corta duración –a modo
de un gif animado–, junto con imágenes fotográficas
retroiluminadas.
The 24 presented plays, from 14 stage designers that
represent the methodology of Chilean theatre from the last
four years, are organized by the different atmospheres of
colour, drama and geography that are developed through a
tour around the auditorium. The works will appear by a fadein effect that activates when the spectator approaches and
disappears when he walks away. Each play will be performed
through a short video clip – like an animated gif image –
accompanied by backlighted photographs.
24
La paradoja del espectador Clima/atmósfera y diseño escénico
25
The spectator paradox Environment/atmosphere and stage design
La paradoja del espectador
Profesionales
The spectator paradox
Professionals
Rocío Hernández Marchant
29
Diseñadora teatral egresada de la Universidad de Chile. Ha
desarrollado su trabajo creativo en torno a la escenografía,
la iluminación y el diseño de vestuario en teatro, además de
algunas creaciones en el rol de directora de arte para cine.
Su trayectoria incluye el trabajo con variadas compañías
nacionales como Teatro la María, en la obras “Caín” y
“Topografía de un desnudo” , Teatro de Chile en las obras
“ZOO” y “Don’t feed the humans”, y en piezas a cargo de
directores chilenos como Marcelo Alonso con las obras
“Rápido antes de llorar” y “En la soledad de los campos
de algodón”; Alexandra von Hummel con la obra “Palo
rosa”; Cristian Plana con las obras “Partido”, “Comida
alemana”, “La señorita Julia”, “Velorio chileno”, entre
otras; la directora Aliosha de la Sotta, con las obras “El
niño que enloqueció de amor” e “Hilda Peña”; el director
norteamericano Tom Kremer con “Glengarry glen rose”;
y la argentina Lola Arias con “El año en que nací”. Es parte
del equipo creativo dirigido por Manuela Infante para la
Muestra de Dramaturgia Nacional 2014, donde dirige su
primera obra audiovisual, del texto “Hilda Peña”.
Ha sido parte de destacados festivales internacionales
de teatro en las ciudades de Buenos Aires, Río de Janeiro,
Bahía, Chicago, Nueva York, Filadelfia, Los Ángeles, Lyon,
Praga, Budapest, Berlín y Londres, entre otras.
Theatre designer from the Universidad de Chile, Rocío has
developed her creative work around her set design, lighting,
and costume design in theatre and additionally in some
creations in the role of Director of Cinematic Art.
Her career trajectory includes work with various national
theatre companies such as La Maria in the plays “Caín”
and “Topografía de un desnudo”, in the Teatro de Chile in
the plays “ZOO” and “Don’t feed the humans”, and in pieces
directed by Chilean directors such as Marcelo Alonso in
the plays “Rápido antes de llorar” and “En la soledad de los
campos de algodón”, Alexandra Von Hummel in the play
“Palo rosa”, Cristian Plana in the plays “Partido”, “Comida
alemana”, “La señorita Julia”, “Velorio chileno”, among
others , the director Aliosha de la Sotta in the plays “El niño
que enloqueció de amor” and “Hilda Peña”, the American
director Tom Kremer in “Glengarry Glen Ross” and the
Argentine Lola Arias in “El año en que nací”. She was part
of the creative team directed by Manuela Infante for the
National Dramaturgical Exhibition 2014 where she directed
her first audiovisual piece from the text “Hilda Peña”.
She has been part of featured International Theatre
Festivals in cities such as Buenos Aires, Rio de Janeiro,
Bahia, Chicago, New York, Philadelphia, Los Angeles, Lyon,
Prague, Budapest, Berlin, and London, among others.
30
PALO ROSA, de Juan Andrés Rivera.
Dirigida por Alexandra von Hummel.
Estrenada en septiembre de 2014, en el Teatro
de la Universidad Católica.
Diseño de escenografía e Iluminación:
Rocío Hernández Marchant.
PALO ROSA, by Juan Andrés Rivera.
Directed by Alexandra von Hummel.
Premiered in 2014, in the Theatre of the
Universidad Católica.
Set design and lighting by: Rocío Hernández Marchant.
“Palo rosa” ocurre en algún lugar del sur de Chile.
Adriancito y su abuela viven solos en una relación muy
estrecha. Podría ser una vida feliz, pero la adolescencia
del niñoconfunde a la abuela. Lo encuentra cambiado,
no lo reconoce. Algo raro le pasa al niño, o eso al menos
cree la Nury, la mejor amiga de la abuela, y la convence
desometerlo a un procedimiento casero para «mejorarlo»
y volverlo más parecido a su ideal de hombre. La abuela
accede por amor, por miedo, para protegerlo. Mientras
en la televisión eternamente encendida, se suceden la
Parada Militar y “La sirenita” de Disney. Una comedia
negra sobre la familia y la discriminación, la provincia
y las brechas generacionales.
“Palo rosa” takes place somewhere in the south of Chile.
Little Adrian and his grandmother live alone and have a
very tight-knit relationship. They could have a happy life,
but the child’s adolescence confuses his grandmother.
She finds him changed, and she doesn’t recognize him.
Something strange happens to the boy, at least Nury
believes so, the best friend of his grandmother, who
convinces the grandmother to subject her child to a home
treatment to “improve him” and return him to a more ideal
version of a man. The grandmother complies out of love
and fear to protect him. On the permanently switched-on
television, the Military Parade and “The little mermaid”
from Disney are shown. It is a black comedy about family
discrimination, the country and generational gaps.
“Palo rosa” fue escrito en el Taller Internacional de
Dramaturgia del Royal Court Theatre en Chile, los años
2012 y 2013 por Juan Andrés Rivera, y fue proyecto Fondart
2014 para su puesta en escena en el TEUC.
“Palo rosa” was a writer in the National Workshop of
Dramaturgy of the Royal Court Theatre in Chile in 2012 and
2013 by Juan Andrés Rivera and it was Fondart 2014 Project
for its staging in the TEUC.
31
Paula Castillo Tocornal
33
Egresada de Licenciatura en Artes con mención en Diseño
Teatral de la Universidad de Chile, actualmente estudia un
máster en Diseño de Iluminación (MFA in Lighting Design)
en Nueva York. Desde el 2006 ha ejercido como diseñadora
de iluminación, escenografía y vestuario para teatro, cine,
televisión, publicidad y fotografía.
Ha trabajado en proyectos nacionales e internacionales,
incluyendo: “Tras una puerta cerrada”, escrita por Egon Wolff
y dirigida por Felipe Arellano, nominado al Premio Altazor
2010; “La Pasionaria”, dirigida por Malucha Pinto, ganadora
del Fondart de Excelencia Bicentenario, seleccionada para
el Festival Santiago a Mil 2012, invitada al Festival de Teatro
de La Habana, a Chicago y a Washington, y nominada a los
premios Altazor; en el diseño de la obra “El montaje”, dirigida
por Francisco López, seleccionado para el Festival Santiago
Off de Teatro 2014, entre otros.
Durante el año 2011 ejerció en Italia con las compañías
de teatro Il sull Laboratorio Arte dell attore di Domenico
Castaldo en Torino y Contrakkolpo en Roma, participando
como diseñadora de iluminación para la obra “Éntrate” y
“Welcoming”, presentada como parte del Festival de las
Artes de Malta 2011, y en la producción ítalo-chilena de la
obra “NN” en el Collatino Underground en Roma.
Paralelamente ha ejercido como ambientadora para cine y
publicidad y diseñadora de sets y vestuario para televisión.
Currently studying a Masters in Lighting Design in New
York, she graduated with a Bachelor of Arts with honours in
Theatre Design from the Universidad de Chile. Since 2006
she has worked as a lighting, stage and costume designer for
theatre, cinema, television, advertising and photography.
She has worked on national and international projects,
including: “Tras una puerta cerrada”, written by Egon Wolff
and directed by Felipe Arellano, nominated for the Altazor
Award in 2010; “La Pasionaria”, directed by Malucha Pinto,
winner of the bicentennial Fondart for excellence, selected
for the Santiago a Mil festival in 2012, Invited to the La
Habana Theatre Festival, Chicago and Washington and
nominated for Altazor Awards; the design of the play “El
montaje”, directed by Francisco Lopez, selected for the
Santiago Off festival in 2014, among others.
During 2011, she worked in Italy with the theatre companies
Il sull Laboratorio Arte dell attore di Domenico Castaldo in
Torino and the Contrakkolpo company in Rome, participating
as lighting designer for the play “Éntrate” and “Welcoming”,
presented as part of the Malta Festival of Arts 2011 and the
Italian-Chilean production of the play “NN” from Collatino
Underground in Rome.
At the same time she has worked as a set designer for cinema
and advertising and a set and costume designer for television.
34
LA PASIONARIA, escrita y dirigida Malucha Pinto. Montaje
callejero estrenado en 2011 que itinera por distintas
comunas de la Región Metropolitana de Chile.
LA PASIONARIA, written and directed by Malucha Pinto.
Street theatre performed in 2011 that travels between
different neighborhoods in the Metropolitan Region of Chile.
La obra relata la historia de amor de dos jóvenes dirigentes
poblacionales en el Chile de mediados del siglo pasado,
Manuela y Tomás. Basado en relatos reales de pobladores,
el montaje representa el mundo de las primeras
migraciones rurales a la Región Metropolitana y con ello la
formación de las primeras tomas de terrenos que luego se
transformarían en poblaciones ícono de Santiago.
The play portrays a love story between two community
leaders, Manuela and Tomas, in Chile in the mid-19th century.
Based on the true stories of community members, the play
represents the world of the first rural migrations to the
Metropolitan Region and with them the first land seizures
that later transformed into iconic Santiago neighborhoods.
A lo largo del relato los protagonistas van desentrañando
los orígenes, las contradicciones, los sueños, las
convicciones y emociones de las organizaciones colectivas
dentro de un grupo social que genera un desarrollo
fuertemente político.
El diseño del montaje toma los relatos reales de los
pobladores y genera un mundo abstracto donde los
protagonistas de esta historia habitan. La interacción
entre espacio y luz busca crear una composición entre
materialidad (dos grandes muros de ropa tendida), la
iluminación y la retro-proyección de videos, con lo que se
pretende representar una dualidad entre la cruda realidad
del cotidiano y lo mundano versus el mundo de los sueños y
anhelos que los mantienen luchando.
Throughout the story, the protagonists reveal their origins,
contradictions, dreams, convictions and emotions of
the collective organizations inside of a social group that
delivers a strongly political message.
The set design takes true stories from the community and
creates an abstract world where the protagonists of this
world live. The interaction between space and light seeks
to create a composition between materiality (two giant
walls of hanging cloths), the lighting and retro-projection
of videos, with which a duality is represented between the
tough daily reality and the mundane against the world of
dreams and desires that keeps them fighting.
35
Francisca Rocío Lazo Jerez
37
Diseñadora, sastre y fotógrafa dedicada a proyectos
artísticos en teatro, cine, publicidad, artes plásticas
y visuales. Con estudios de Diseño Teatral en la
Universidad de Chile, se especializó en patronaje de
vestuario y zapatería, fotografía experimental análoga y
fotografía digital.
Ha trabajado como realizadora de vestuario, utilería y
construcción de espacios para diversas producciones de
televisión, cine y teatro, en Santiago de Chile y Ciudad de
México. Entre las más destacadas figuran: largometraje “La
búsqueda del olvido”, de Jorge Riquelme Serrano (2009),
“La Pasionaria”, de Malucha Pinto (U. Finis Terrae, 2011)
y “Proyecto de vida”, de Cristián Plana (Teatro UC, 2014).
Actualmente, se desempeña como diseñadora integral en
el Colectivo de Artes Escénicas La Comuna, participando
en el montaje de las obras “Das Modell, entrevista íntima
con Claudia Schiffer” (Festival de Dirección Teatral de
la Universidad de Chile, 2014) y “Ciudad Kapital” (Taller
Siglo XX Yolanda Hurtado, 2014); y en la compañía Tercer
Abstracto en la obra “Atacama” (Teatro UC, 2015).
Designer, tailor and photographer who creates artistic
projects in theatre, cinema, advertising, plastic and visual
arts. With studies in Theatre Design at the Universidad de
Chile, she specialized in clothing and footwear patterns,
experimental analogue photography and digital photography.
She has worked as clothing, prop and stage construction
designer for various television, cinema and theatre
productions in Santiago, Chile and Mexico City. Among her
most notable works are: the feature film “La búsqueda del
olvido” by Jorge Riquelme Serrano (2009), “La Pasionaria”
by Malucha Pinto (Finis Terrae University, 2011) and
“Proyecto de vida” by Cristian Plana (UC Theatre, 2014).
Currently, she works as a lead designer for the Colectivo
de Artes Escénicas La Comuna: “Das Modell, entrevista
íntima con Claudia Schiffer“(Festival de Dirección Teatral,
University of Chile, 2014), “Ciudad Kapital” (Siglo XX
Workshop Yolanda Hurtado, 2014) and the Tercer Abstracto
company: “Atacama” (UC Theatre, 2015).
38
PROYECTO DE VIDA, de Ana Emilia Noguera Berguer
Dirigida por Cristián Plana
Estrenada en la Sala 1 del Teatro de la Universidad
Católica, en octubre de 2014
Diseño Escenográfico de Francisca Rocío Lazo
Alberto y Carolina son los padres de Luis Alberto, un niño
de diez años. Todos los días toman juntos el desayuno que
les sirve Irma, la empleada de la casa. Al parecer, es la
única que presta atención al niño, que siempre está a dieta.
Viven en un barrio nuevo con autos nuevos, casas nuevas y
familias nuevas. Deberían ser felices, pero no lo logran.
Todo lo que se dicen está cargado, es peligroso y puede
ser usado en su contra. La estructura ideológica y social
de Chile, el clasismo y la violencia cotidiana están reunidos
aquí, alrededor de una mesa al desayuno.
“Proyecto de vida” fue escrita por Emilia Noguera Berger
como parte el Taller Internacional de Dramaturgia del Royal
Court Theatre of London en Chile, los años 2012 y 2013.
PROYECTO DE VIDA, by Ana Emilia Noguera Berger
Directed by Cristian Plana
Performed in Theatre 1 of the Universidad Catolica, in
October 2014
Set Design by Francisca Rocío Lazo
Alberto and Carolina are the parents of Luis Alberto, ten
year-old boy. Every day they eat breakfast together, served
by Irma, the employee of the house. It appears that she is
the only person who pays attention to the young boy, who
is always dieting. They live in a new neighborhood with new
cars, new houses and new families. They should be happy,
but they can’t manage it.
Everything they say is negatively charged, dangerous
and can be used against them. The ideological and social
structure of Chile, the classism and daily violence are fused
here, around a breakfast table.
“Proyecto de vida” was written by Emilia Noguera Berger as
part of the International Drama Workshop from the Royal
Court Theatre of London in Chile, 2012/13.
39
Ricardo Romero Pérez
41
Licenciado en Artes mención en Artes Plásticas y Diseño
Teatral, es actualmente académico del Departamento de
Teatro de la Universidad de Chile y docente en la Mención
en Diseño Teatral.
Ha desarrollado su carrera profesional en torno a la
iluminación escénica, colaborando con distintas compañías
de teatro del medio nacional, siendo integrante, como
iluminador, de la compañía Gran Circo Teatro dirigida por
Andrés Pérez (entre 1999 y el 2002), e integrante estable
de la compañía de Teatro La María. Ha diseñado obras tales
como “Amledi”, dirigida por Raúl Ruiz; “Los millonarios”,
“Persiguiendo a Nora Helmer” y “Trilogía pública” de la
compañía Teatro La María; “Sangre como la mía”, dirigida
por Jimmy Dacarret; “El otro”, de la compañía de Teatro Niño
Proletario y “Gigantes de la montaña”, de la compañía La
Calderona, entre otras.
Bachelor of Arts majoring in Plastic Arts and Theatre
Design, currently an academic at the Theatre Department
of the Universidad de Chile and a lecturer in the Theatre
Design Department.
He has developed his professional career around stage
lighting. He has also collaborated with various national
theatre companies, working as a lighting technician for
the Gran Circo Theatre Company, directed by Andrés Pérez
(between 1999 and 2002) and a permanent member of
the La María Theatre Company. He has designed for such
theatrical works as “Amledi” directed by Raúl Ruiz, “Los
millonarios”, “Persiguiendo a Nora Helmer” y “Trilogía
pública” by the Teatro La María Company, “Sangre como la
mía” directed by Jimmy Dacarret, “El otro” by Teatro Niño
Proletario Theatre Company, “Gigantes de la montaña” by
La Calderona Theatre Company, among others.
42
EL OTRO, inspirada en “El infarto del alma” de la fotógrafa
Paz Errázuriz y la escritora Diamela Eltit.
Obra de la Compañía Teatro Niño Proletario, dirigida por
Luis Guenel, estrenada en 2012 en la Sala Factoría Italia.
Iluminación de Ricardo Romero Pérez, espacio y vestuario
de Catalina Devia.
EL OTRO inspired by “El infarto del alma” by the
photographer Paz Errázuriz and the writer Diamela Eltit.
A piece by the Niño Proletario Theatre Company, directed
by Luis Guenel, premiered in 2012 at the Factoría Italia
Auditorium. Lighting by Ricardo Romero Pérez, stage and
costume design by Catalina Devia
43
44
YO MATÉ A PINOCHET, de Cristián Flores.
Compañía Teatro Errante, dirigida por Cristián Flores y
Alfredo Basaure. Estrenada en 2013 en Centro Cultural
Estación Mapocho.
Diseño integral de Ricardo Romero Pérez y sonido de José
Manuel Herrera.
YO MATÉ A PINOCHET, by Cristián Flores.
Errante Theatre Company, directed by Cristian Flores and
Alfredo Basaure. Premiered in 2013 in Estación Mapocho
Cultural Centre.
Lead design by Ricardo Romero Pérez and sound by José
Manuel Herrera
45
46
47
SANGRE COMO LA MÍA, basada en la novela de Jorge
Marchant Lazcano.
Dirigida por Jimmy Daccarett. Estrenada en el 2011en
la Sala Mori Bellavista. Proyecto Fondart 2010.
Escenografía e iluminación: Ricardo Romero Pérez.
Vestuario: César Erazo Toro.
SANGRE COMO LA MÍA, based on the novel by Jorge
Marchant Lazcano
Directed by Jimmy Daccarett. Premiered in 2011 Mori
Bellavista Auditorium. Fondart 2010 project. Stage design
and lighting by Ricardo Romero Pérez and costumes by
Cesar Erazo Toro.
Rodrigo Ruiz Jofré
49
Licenciado en Artes con mención en Diseño Teatral. Ha
trabajado ininterrumpidamente diseñando con compañías
como La Troppa en su último montaje, “Jesús Betz”,
coproducción franco-chilena con itinerancia por Chile,
Europa y Asia; con Viaje Inmóvil en “El último heredero”,
obra con itinerancia por Chile y Europa; “Chef”, obra
con itinerancia nacional; con Tedat (Magaly Rivano), en
espectáculos de danza-teatro basados en textos de Pedro
Lemebel y Diamela Eltit; con RKO Fábrica de sueños (Víctor
Carrasco), en obras como “Ma vie de Chandelle”, con
funciones en Chile y Argentina, “Roberto Zucco” y “Hedda
Gabler”, entre otras.
Desde el año 2001 trabaja como diseñador estable de La
compañía de los Cuatro (Humberto Duvauchelle y Orietta
Escámez), con giras dentro del país y Argentina.
A partir del año 2007 se incorpora como miembro estable
de la compañía Teatro La María, en el rol de escenógrafo,
desarrollando un fructífero trabajo en obras como “Las
huachas”, “Caín”, “Abel”, “Topografía de un desnudo”, “Padre”,
“Los millonarios” y “Persiguiendo a Nora Helmer”.
Paralelamente ha realizado clases y talleres en festivales
de teatro y se ha desempeñado como docente en el
Departamento de Teatro de la Universidad de Chile (Escuela
de Diseño Teatral), en la Escuela de Teatro de la Universidad
Mayor y en la Academia de Humanismo Cristiano.
Bachelor of Arts with honours in Theatre Design, he has
worked non-stop as a designer with companies such as La
Troppa in their most recent play “Jesús Betz”, a FrenchChilean co-production touring Chile, Europe and Asia; with
Viaje Inmóvil in “El último heredero”, touring Chile and
Europe; “Chef”, touring Chile; with Tedat (Magaly Rivano) in
theatrical dance plays based on scripts by Pedro Lemebel
and Diamela Eltit and with RKO Fábrica de sueños (Víctor
Carrasco) on works such as “Ma vie de Chandelle”, with
features in Chile and Argentina, “Roberto Zucco” and
“Hedda Gabler”, among others.
In 2001 he worked as a permanent designer at La compañía
de los Cuatro (Humberto Duvauchelle and Orietta Escámez)
with tours in Chile and Argentina.
Since 2007, he has been a permanent member of the La
María Theatre Company as a set designer, developing
prolific work on plays such as “Las huachas”, “Caín”, “Abel”,
“Topografía de un desnudo”, “Padre”, “Los millonarios” and
“Persiguiendo a Nora Helmer”.
During the same time, he has taught classes and workshops
at theatre festivals. He has worked as a teacher in the
Theatre Department at the Universidad de Chile (Theatre
Design), in the Theatre School at the Universidad Mayor and
in the Academia de Humanismo Cristiano.
50
DE ROKHA, de Cristián Figueroa.
Dirigida por Andrés Hernández, estrenada en el Parque
Cultural Cerro Cárcel de Valparaíso en 2014.
Escenografía e Iluminación de Rodrigo Ruiz.
DE ROKHA, by Cristian Figueroa.
Directed by Andres Hernandez, performed at the Cerro
Carcel Cultural Park in Valparaiso in 2014.
Set design and lighting by Rodrigo Ruiz.
Obra perteneciente a la “Trilogía de tiernos y feroces”.
Proyecto ganador de Fondart, Línea Bicentenario.
This play belongs to the “De tiernos y feroces” trilogy.
Winner of the Fondart Bicentenary award.
Pablo, inmerso e implacable macho anciano, recibe la visita
de sus ángeles y fantasmas: esposa, hijos, funcionarios,
intelectuales, poetas, amigos y enemigos.
Pablo, an absorbed and relentless old man, receives a visit
from his angels and ghosts: his wife and children, civil
servants, intellectuals, poets, friends and enemies.
La propuesta espacial toma como sustrato el material
gráfico de la revista “Multitud”, publicación elaborada
por el poeta, con una línea editorial comprometida
y consecuente con la militancia de Pablo de Rokha,
emparentada con las publicaciones elaboradas por los
futuristas rusos en las que participaba el poeta Maiakovsky,
con una similitud estilística en sus dimensiones literarias y
gráficas que resultan sorprendentes.
The proposed space has a layer of graphic art from the
“Multitud” magazine, a publication created by the poet,
with an editorial line committed and resulting from the
militancy of Pablo de Rokha, it is linked to publications from
Russian futurists in which the poet Maiakovsky writes, with
a stylistic unity in its literary and graphical dimensions turn
out to be surprising.
51
52
Ricardo Romero Pérez / Rodrigo Ruiz Jofré
PADRE, de August Strindberg.
Obra de la compañía Teatro La María, dirigida por Alexis
Moreno. Estrenada en el Teatro de la Universidad Católica,
en el año 2011. Escenografía: Rodrigo Ruiz.
PADRE, by August Strindberg
La María Theatre Company. Directed by Alexis Moreno.
Performed in the Theatre of the Universidad Católica in
2011. Set design by Rodrigo Ruiz.
La obra invita a replantearnos nuestras más íntimas
estructuras de supervivencia y estabilidad emocional.
La incertidumbre genera debacle familiar, una violenta
lucha psicológica entre el género masculino y femenino.
La premisa del montaje se sitúa en la imposibilidad
de mantener una relación familiar cuando las partes
involucradas se niegan una a otra.
The play invites us to reconsider our most intimate survival
structures and emotional stability. Uncertainty causes
a family conflict, a violent psychological battle between
masculinity and femininity. The premise of the play is based
on the impossibility of maintaining a family relationship
while the parties involved reject one another.
Strindberg presenta en esta obra un personaje de ambigua
virilidad donde «algo» lo acobarda, como a casi todos
los personajes que crea durante su período naturalista,
porque el desarrollo típico de su héroe «naturalista» se
desplaza desde una posición de agresividad a una posición
de impotencia.
In this work, Strindberg presents a character of ambiguous
masculinity, where «something» unsettles him, as with
almost all the characters that he created during his
naturalist period as the typical development of his
«naturalist» hero shifts from aggressiveness to impotence.
53
54
PERSIGUIENDO A NORA HELMER, basada en “Casa de
muñecas”, de Henrik Ibsen.
Obra de la compañía Teatro La María, dirigida por
Alexandra von Hummel. Estrenada en Centro Gabriela
Mistral (GAM) en el 2012. Escenografía: Rodrigo Ruiz.
Iluminación: Ricardo Romero. Vestuario: Carolina Sapiain.
PERSIGUIENDO A NORA HELMER, based on “A Doll’s
House” by Henrik Ibsen.
Play by La María Theatre Company. Directed by Alexandra
con Hummel. Performed at the Gabriela Mistral Cultural
Centre (GAM) in 2012. Set design by Rodrigo Ruiz, lighting
by Ricardo Romero, costume design by Carolina Sapiain.
El montaje toma como punto de partida “Casa de muñecas”,
revisitando la historia desde la mirada de Nora, quien
hace aparecer a sus compañeros bajo distintas formas,
confrontándolos con distintos escenarios y extrañando la
historia original, al situarla en una atmósfera enrarecida
y cambiante, contextualizando con total libertad cada
escena, buscando desplegar todo su potencial en relación a
nuestro tiempo histórico.
This play continues on where “A Doll’s House” left off,
revisiting the story from the point of view of Nora, who
appears before her companions in different forms,
confronting them with various scenes and lamenting the
original version, placing her in a spiritual and changing
atmosphere, freely contextualizing each scene, seeking to
release all of her potential with regard to our times.
55
Valentina San Juan Standen
57
Licenciada en Artes con mención en Diseño Teatral de la
Universidad de Chile. Como estudiante, en 2007 formó
parte de Sociedad Inmaterial, participando en la 11ª
Cuadrienal de Diseño Teatral de Praga, con la instalación
“Reversible”, obra que ganó un premio Unesco. Como
diseñadora integral destaca su trabajo para el proyecto
Fondart Bicentenario de la compañía La Calderona y los
montajes “Ranerías”, “La traición en la amistad” y “Los
empeños de una casa”, trabajo presentado en Festival de
Almagro, España, en el 2013.
Forma parte de la compañía Teatrosub, dirigida por Pierre
Sauret, desde el año 2012 con el montaje “Detroit”, y de la
compañía Teatro del Terror, dirigida por Javier Ibarra, desde
el año 2013, con el montaje “Macbeth”. Desde el 2015 se
integra como docente del Instituto Profesional Projazz para
la carrera de Intérprete de Teatro Musical, para el ramo
Espacio Escénico. Ha diseñado para los montajes “Macondo
un viaje sin retorno”, “La Urdemales”, “Cienfuegos 39”,
“Víctor sin Víctor Jara”, “El Golpe”, “Salazar”, “El abismo de
los pájaros”, “Años de radio/Pink Milk” y “12 horas de amor
con Catalina Valdivieso”. Ha participado en los proyectos de
artes visuales “Neomestizo”, de Valeria Radigán, y “Ladrillo
angular”, instalación del artista visual Francisco «Papas
Fritas» para el MAC.
Bachelor of Arts with honours in Theatre Design at the
Universidad de Chile. As a student in 2007, she formed part
of Immaterial Society, participating in the 11th Quadrennial
Theatre Design of Prague, with the “Reversible” installation,
a work that won an Unesco prize. As lead designer, her work
is notable for the bicentennial Fondart project with The
Cauldron Theatre Company and the plays “Ranerías”, “La
traición en la Amistad” and “Los empeños de una casa” which
was presented at the Almagro Festival in Spain in 2013.
She is a member of the Teatrosub Company, directed by
Pierre Sauret, and in 2012 designed with the play “Detroit”,
and is also part of the Terror Theatre Company, directed
by Javier Ibarra, since 2013, with the play “Macbeth”. From
2015 onwards she has worked as a lecturer of musical
theatre interpretation on the Scenic Space course at
the Projazz Professional Institute. She has worked as a
designer on plays such as “Macondo un viaje sin retorno”,
“La Urdemales”, “Cienfuegos 39”, “Víctor sin Víctor Jara”, “El
Golpe”, “Salazar”, “El abismo de los pájaros”, “Años de radio/
Pink Milk” y “12 horas de amor con Catalina Valdivieso”. She
has participated in Visual Art projects: “Neomestizo” by
Valeria Radigán and “Ladrillo angular”, visual art installation
«Papas Fritas» for the Contemporary Art Museum.
58
MACBETH, de William Shakespeare.
Obra de la compañía Teatro del Terror, dirigida por Javier
Ibarra Latelier. Diseño escenográfico: Valentina San Juan.
Diseño de vestuario e Iluminación: Juan Carlos Valenzuela.
El montaje tuvo su temporada en el Centro Cultural
Estación Mapocho y por varias regiones del país entre los
años 2014 y 2015.
MACBETH by William Shakespeare.
Play by the Terror Theatre Company, directed by Javier
Ibarra Letelier. Set design by Valentina San Juan.
Costume and lighting design by Juan Carlos Valenzuela
The play was performed for a season at Estación
Mapocho Cultural Centre and in various regions of Chile
between 2014 and 2015.
“Macbeth” nos sumerge en un oscuro mundo de confusión
moral en el que, entre alucinaciones, conjuros y crímenes,
tiene lugar la irreversible degradación de Macbeth, general
del rey Duncan al que traiciona y asesina empujado por su
mujer, la ambiciosa e impulsiva Lady Macbeth, quien actúa
por un incondicional amor hacia su esposo.
“Macbeth” by William Shakespeare submerges the audience
in a dark world of moral confusion. Among hallucinations,
spells and crimes, Macbeth, a general of King Duncan,
is irreversibly corrupted and betrays and murders him.
He is driven to this act by his wife, the ambitious and
short-tempered Lady Macbeth, who acts based on an
unconditional love for her husband.
Loreto Martínez Labarca
61
Licenciada en Artes con mención en Diseño Teatral de la
Universidad de Chile, magíster en Diseño de Vestuario de
Ópera, Teatro, Cine y Audiovisual del Istituto Europeo di
Desing, Barcelona, y Diplomada en Sociología del Cuerpo de
la Universidad de Chile.
En teatro, desde el año 2008 hasta la fecha, trabaja junto
al connotado director y dramaturgo Guillermo Calderón,
como diseñadora integral de los montajes “Clase” (Premio
Altazor 2009 a la Mejor Dramaturgia), “Los que van
quedando en el camino” (Premio Santiago a Mil 2010 al
Mejor Montaje) y “Escuela” (2013). Además, ha participado
junto a destacados directores como diseñadora de
vestuario: “Infamante Electra”, de Raúl Ruiz (2006); “La
amante fascista”, dirigida por Víctor Carrasco, Premio
Nacional de Dramaturgia 2010, y “Redoble fúnebre para
lobos y corderos”, dirigida por Rodrigo Bazáes (2012).
En cine y televisión ha colaborado en premiados proyectos,
como “Ecos del desierto” y “La buena vida”, dirigidas por
Andrés Wood; “Los 80”, temporadas 1 y 2, dirigidas por Boris
Quercia, y “31 Minutos, la película”, dirigida por Alvaro Díaz
y Pedro Peirano.
Graduated with a Bachelors Degree in Arts with a major in
Theatre Design from the Universidad de Chile, Master in
Costume Design for Opera, Theatre, Film and Audiovisual
Art (Istituto Europeo di Desing, Barcelona) and certified in
Sociology of the Body (Universidad de Chile).
Paralelamente, se ha desempeñado como docente en la
Escuela de Teatro de la Universidad de Chile.
In theatre, from 2008 to the present day she has worked
jointly with the noted director and dramaturge Guillermo
Calderón, as a lead designer of the plays “Clase” (Altazor
Prize 2009, Best Dramaturgy), “Los que van quedando
en el camino” (Best Play Prize, Santiago a Mil 2010) and
“Escuela” (2013). Additionally, she has participated jointly
with featured directors as costume designer in “Infamante
Electra” by Raúl Ruiz (2006); “La amante fascista”, directed
by Víctor Carrasco, National Dramaturgy Prize 2010, and
“Redoble fúnebre para lobo y corderos”, directed by Rodrigo
Bazáes (2012).
In film and television, she has collaborated with awardwinning projects such as “Ecos del desierto” and “La buena
vida”, directed by Andrés Wood; “Los 80”, seasons 1 and
2, directed by Boris Quercia and “31 Minutos, la película”,
directed by Alvaro Díaz and Pedro Peirano.
At the same time, she has served as a teacher in the School
of Theatre at the Universidad de Chile.
62
ESCUELA, escrita y dirigida por Guillermo Calderón.
Obra que tuvo una temporada en el ciclo de Teatro Hoy
y en el ciclo 40 años del Golpe del Festival Santiago
a Mil durante el año 2013. Diseño escénico: Loreto
Martínez Labarca.
Durante la década de los ochenta un grupo de militantes
recibe instrucción paramilitar para resistir y derrocar a
la dictadura. Los contenidos que se enseñan retratan la
actividad y aspiraciones de una generación que usó todos
los medios para conseguir justicia y libertad.
ESCUELA, written and directed by Guillermo Calderón.
In season in the cycle of Theatre Today and in 40 years of
the Golpe of the Santiago a Mil festival during the year
2013. Set design by Loreto Martínez Labarca.
During the 80s a group of militants receive paramilitary
instructions to resist and overthrow the dictatorship. What
they’re being taught reflects the activity and aspirations
of a generation that used all means available to achieve
justice and liberty.
63
64
LOS QUE VAN QUEDANDO EN EL CAMINO, de la
dramaturga Isidora Aguirre y dirigida por Guillermo
Calderón. Diseño integral: Loreto Martínez Labarca.
LOS QUE VAN QUEDANDO EN EL CAMINO, by the
playwright Isidora Aguirre and directed by Guillermo
Calderón. Lead design by Loreto Martínez Labarca.
El texto es una obra coral que revive un hecho ocurrido en
1934 en Ranquil, una localidad entre Temuco y Valdivia, en
el sur de Chile. Allí se asesinó a un grupo de campesinos
luego de alzarse al ser despojados de sus tierras. La
historia transcurre en los años 60. El montaje, realizado en
la Cámara de Diputados del Ex Congreso Nacional, recibió
el premio Mejor Montaje en la selección de 200 años de
Teatro Chileno que produjo Santiago a Mil el año 2010.
The text is a choral piece that relives an event that
occurred in 1934 in Ranquil, a locality between Temuco and
Valdivia in the south of Chile. There, a group of farmers was
assassinated after protesting about being stripped of their
land. The story takes place in the 1960s. The set, carried
out by the Chamber of Deputies of the former National
Congress, received the Best Play prize in the selection
of 200 years of Chilean Theatre that was produced by
Santiago a Mil in the year 2010.
65
66
REDOBLE FÚNEBRE PARA LOBOS Y CORDEROS, de
Juan Radrigán. Dirección de Rodrigo Bazáes. Diseño de
escenografía e iluminación: Cristián Reyes. Diseño de
vestuario: Loreto Martínez Labarca.
REDOBLE FÚNEBRE PARA LOBOS Y CORDEROS,
dramaturgy by Juan Radrigán, directed by Rodrigo Bazáes.
Set design and lighting by Cristián Reyes, costume design
by Loreto Martínez.
La “Trilogía” de Juan Radrigán, Premio Nacional de Artes
de la Representación 2011, incluye los monólogos “El
invitado”, “Sin motivo aparente” e “Isabel desterrada
en Isabel”.
“Trilogy” by Juan Radrigán –National Award in
Representational Arts 2011– includes the monologues “El
invitado”, “Sin motivo aparente” and “Isabel desterrada
en Isabel”.
“El invitado”. Sara y Pedro son un matrimonio humilde.
Él está cesante desde hace mucho tiempo. La presencia
invisible de un personaje, nombrado como el Invitado,
gravita en sus vidas como el responsable de la miseria. La
existencia de la pareja está determinada por este tercer
personaje.
“El invitado”. Sara and Pedro are a humble married couple.
He is completely broke, with a total loss of income, for some
time now. The invisible presence of a character, named
only as el Invitado, gravitates in their lives as the figure
responsible for the misery. The existence of the couple is
determined by this third character.
“Sin motivo aparente”. Pedro García se encuentra en un
terreno baldío frente a un hoyo profundo. Le habla a algo o
a alguien que está dentro del agujero. Mientras transcurre
la escena, se entiende que lo que está ahí es un hombre
muerto que él mismo ha matado en un ajuste de cuentas,
para vengar la muerte de su amigo.
“Sin motivo aparente”. Pedro García finds himself in a
wasteland in front of a large hole. He speaks to something
or someone that is inside the hole. While the scene takes
place, it is understood that what’s inside the hole is a dead
man that Pedro himself has killed in a settling of scores, to
avenge the death of his friend.
“Isabel desterrada en Isabel”. Isabel camina sola por la
calle mientras le habla a un tarro metálico de basura.
En el monólogo, ella revela partes de su vida, como la
relación con su padre. El hambre es lo que gravita en cada
palabra, un hambre que alude a la falta de igualdad entre
las personas. Isabel ama, busca y llama a Aliro, quien está
desaparecido, preso, muerto, no se sabe.
“Isabel desterrada en Isabel”. Isabel walks alone in the street
while she talks to a metal trash can. In the monologue,
she reveals parts of her life, such as her relationship with
her father. Hunger gravitates in every word, a hunger that
alludes to the lack of equality between people. Isabel
loves, looks for and calls to Aliro, who is either disappeared,
imprisoned, or dead, none of which is known.
67
Eduardo Cerón Tillería
69
Licenciado en Diseño con estudios de artes visuales. Ha
trabajado desde el año 2000 en distintas compañías de la
escena nacional, destacándose principalmente su trabajo
en teatro, así como en montajes de danza, artes visuales
y audiovisuales. En sus obras se destacan las puestas
visuales en los montajes “Hamlet”, de la compañía Impasse;
“Devastados”, dirigida por Alfredo Castro; y “Provincia
Kapital”, “Teatros” y “Dedicado a Loui de Founes”, dirigidas
por Rodrigo Pérez.
En teatro ha realizado el diseño integral de más de 14
montajes, entre los cuales destacan “La cosa”, de la
compañía La Puerta, estrenada en el Festival Stucke,
Alemania, en el año 2013; “Cuarteto”, dirigida por Luis Ureta;
y su trabajo como diseñador en muestras de dramaturgia
nacional y europea.
También ha participado en el codiseño integral de más de
15 montajes teatrales, donde se distinguen “Fabulación”,
del director Marcos Guzmán, y “Máquina Hamlet”, dirigida
por Cristian Keim, entre otras.
Además de su trabajo en el diseño teatral chileno, ha
realizado diseño integral en las muestras de dramaturgia
chilena en la ciudad de Buenos Aires (2014) y el diseño de
espacio para performances en Venecia, Italia (2014).
En danza ha realizado diseño integral para el Ballet
Nacional de Chile (Banch); diseño integral para “Tercera
persona intruso”, dirigida por Francisca Sazié; y el codiseño
integral para “La siesta de un fauno”, dirigida por Isabel
Croxato, la que fue estrenada mundialmente en el Festival
de Coreógrafos del Teatro Municipal de Santiago.
Bachelor of Arts in Design with a minor in Visual Arts, he has
worked since 2000 in various national companies, standing
out primarily for his theatre work, and branching out into
dance, visual arts and audiovisual work. In his works the
visual setting is emphasized in plays such as: “Hamlet”, by
the company Impasse; “Devastados”, directed by Alfredo
Castro; and “Provincia Kapital”, “Teatros” and “Dedicado a
Loui de Founes”, directed by Rodrigo Pérez.
In theatre he has managed the lead design of more than
14 plays, among which “La cosa” from La Puerta Company,
which was performed at the Stucke festival in Germany in
2013, stands out. “Cuarteto”, directed by Luis Ureta, and his
work as a designer at national and european exhibitions is
also noteworthy.
He has also participated in the co-lead design of more than
15 theatrical plays, with highlights such as “Fabulación”
from director Marcos Guzmán and “Máquina Hamlet”,
directed by Cristian Keim, among others.
In addition to his work in Chilean set design, he has carried
out full set design in the Chilean Dramaturgical Showing in
the city of Buenos Aires (2014), and the space design for a
performance in Venice, Italy (2014).
In dance he has worked as lead designer for the National
Ballet of Chile (Banch); lead designer on “Tercera persona
intruso”, directed by Francisca Sazié; and co-lead designer
on “La siesta de un fauno”, directed by Isabel Croxato, which
was performed worldwide at the Choreography Festival of
the Municipal Theatre of Santiago.
70
CUARTETO, escrita por Heiner Müller y basada en la
novela de Pierre Choderlos de Laclos, “Relaciones
Peligrosas” (1782). Montaje dirigido por Luis Ureta.
Estrenado en el 2013 en la sala La acción.
CUARTETO, written by Heiner Muller and based on
the novel by Pierre Choderlos de Laclos, “Dangerous
Liaisons” (1782). Play directed by Luis Ureta, and
performed in 2013.
“Cuarteto” se desarrolla en un espacio-tiempo indefinidos:
un salón antes de la Revolución Francesa/un búnker antes
de la Tercera Guerra Mundial. Los dos actores de la obra
se despliegan en distintas facetas, generando un juego
perverso de roles y alternancias.
The action from “Cuarteto” develops in an undefined
space-time: a hall before the French Revolution and a
bunker before the Third World War. The two actors in the
play display different personalities, creating a perverse
game of role reversal.
Los temas de la obra de Müller se proyectan a través de
procedimientos metateatrales en los que los mismos
actores aparecen desnudados mediante el desvelamiento
de su propia performance. Para ello, se apela al lenguaje
audiovisual, utilizando un circuito cerrado de cámaras que
proyectan frente al público a través de primeros planos
de los intérpretes y de las situaciones que experimentan
sus personajes.
The themes of Muller’s play are communicated in a
meta-theatrical manner, in which the actors appear naked
through the unveiling of their own performance. Because
of this, audiovisual language is utilized via a closed circuit
camera system that projects close-ups of the protagonists
and the situations that they experience.
71
72
LA COSA, de Philipp Löhle. Obra de la compañía La Puerta,
dirigida por Luis Ureta en el 2013.
LA COSA, by Philipp Lohle, Play by La Puerta Theatre
Company, directed by Luis Ureta, 2013.
La interdependencia mundial –lo que ha dado en llamarse
globalización– hace que todo esté relacionado con todo.
Cuando el africano Siwa es convencido de cultivar algodón
con métodos sustentables, dos jóvenes chinos celebran
el primer éxito de su recién fundada empresa y ello tiene
consecuencias para la cría de ganado porcino en Rumania. Y
«la cosa» que da título a la pieza –una fibra de algodón– da,
entretanto, una vuelta al mundo y observa asombrada el
accionar de los seres humanos.
Global interdependence –which has become known as
globalization– makes everything related to everything
else. When the African, Siwa, is convinced to grow cotton
through sustainable methods, two young Chinese people
celebrate the first success of their recently founded
company and this has consequences for the child of a
Romanian pig farmer. Meanwhile, the eponymous «thing»
(cosa in Spanish) – a strand of cotton – travels the world
and witnesses in astonishment the strange behavior of
human beings.
73
Josefina Cifuentes Castillo
75
Licenciada en Artes mención en Diseño Teatral de la
Universidad de Chile.
Se ha desempeñado como diseñadora integral de
escenografía, vestuario, iluminación y utilería en montajes
como “Nube violeta”, “Vía Crucis”, y “La imaginación del
futuro”, además de desempeñar diversos roles técnicos
y de realización, tales como montaje de iluminación
y escenografía, operadora de iluminación en GAM,
vestuarista en el Teatro Municipal de Santiago y técnico
en diversos montajes teatrales, audiovisuales, de danza y
música. También se ha desempeñado como iluminadora
para diferentes bandas, tocatas y lanzamientos de discos
como “Cumbiakistán”, de Mákina Kandela y “Bajo el
Cemento”, de De Caramba.
El 2012, junto a un grupo de artistas interdisciplinarios,
crean la compañía Teatro Niño Imaginario y con su primer
montaje, “Mundo Intemperie”, la compañía participa en
diversos festivales nacionales e internacionales como
Patagonia en Escena, Santiago off, Festival Valparaíso Circo,
Festival de Circo Charivari y Octubre Callejero.
El año 2013 se incorpora a la compañía Teatro Síntoma
como diseñadora integral y técnico de iluminación en
colaboración con Natalia Morales, para la creación de la
obra “Bello futuro”, que es parte de diversos festivales
como Lluvia de Teatro de Valdivia, Temporales Teatrales
de Puerto Montt, Festival de Otoño de Arcis y Festival
Internacional Santiago a Mil.
Bachelor of Arts with honours in Theatre Design from the
Universidad de Chile.
Since graduating, she has worked as a lead stage, wardrobe,
lighting and prop designer in plays such as “Nube violeta”,
“Vía Crucis” and “La imaginación del future”, as well as
taking on different creative and technical roles such as
lighting and stage technician, lighting operator at GAM,
costume designer at the Municipal Theatre of Santiago
and technician in various theatre, audiovisual, musical
and dance productions. She has also worked as a light
technician for bands, concerts and disc releases such as
“Cumbiakistán” by Mákina Kandela and “Bajo el cement” by
De Caramba.
In 2012, working alongside a group of interdisciplinary
artists, she founded the Imaginary Child Theatre Company
and with their first play, “Mundo Intemperie”, the company
participated in various national and international festivals
such as Patagonia en Escena, Santiago Off, Valparaíso Circus
Festival, Charivari Circus Festival and Octubre Callejero.
In 2013, she joined the company Teatro Síntoma as a lead
designer and lighting technician, collaborating with Natalia
Morales for the creation of the play “Bello future”, which is a
part of diverse festivals such as Lluvia de Teatro de Valdivia,
Temporales Teatrales de Puerto Montt, Festival de Otoño
de Arcis and Santiago a Mil International Theatre Festival.
76
MUNDO INTEMPERIE, de la compañía Teatro
Niño Imaginario. Dirección de Christian Welsh y Diana
Fraczinett. Diseño integral: Josefina Cifuentes y
Catalina León.
Es la historia de un personaje solitario que vive en un
mundo devastado por la destrucción y quien se encuentra
en la necesidad imperiosa de crear seres, situaciones y
compañeros a partir de lo único que tiene a su alcance:
los desechos, el recuerdo y su imaginación. Un hogar
construido bajo un poste de luz será el espacio que lo
alberga junto a las marionetas, las máscaras, los objetos.
MUNDO INTEMPERIE, by Niño Imaginario Theatre
Company. Directed by Christian Welsh and Diana Fraczinett,
lead design by Josefina Cifuentes and Catalina León.
This is the history of a solitary character that lives in a
world devastated by destruction and who has an urgent
need to create beings, situations and companions from
the little that he has at his reach: rubbish, memory
and his imagination. A home built under a lamppost is
the only space he has, shared with his dolls, masks and
miscellaneous objects.
77
Natalia Morales Tapia
79
Licenciada en Artes con mención en Diseño Teatral. Desde
el 2011 se incorporó a la compañía de Teatro Kimen como
asistente de diseño e iluminadora de la segunda obra de la
trilogía “Ñi pu tremen”, “Territorio descuajado” y “Galvarino”,
ejerciendo durante los próximos años el rol de jefe técnico
e iluminadora en diferentes giras y festivales realizados en
Chile, en Brasil y Corea del Sur.
Además, ha trabajado con diferentes compañías diseñando
para obras como “Yo, Manuel” (Teatro de la Universidad
Católica, FITTU 2014), “Capitán U” (Fondart de itinerancia
2013), “Reserva” (Selección Danza Santiago a Mil 2014),
“Paraíso” y “M.A. Héroe de Peñablanca”.
El año 2013 se incorpora a la compañía Teatro Síntoma como
diseñadora integral, en conjunto con Josefina Cifuentes, para
la creación de la obra “Bello futuro”, ganadora en diferentes
festivales y seleccionada para el Festival Santiago a Mil
2014, proyecto que obtuvo un Fondart de itinerancia por la
Región Metropolitana. Durante ese año estrena “La Victoria”,
el segundo montaje de la compañía. En paralelo, se integra a
la compañía Teatro La Santa para el diseño escenográfico y
de vestuario de la obra “Alcérreca, tragedia en el altiplano”,
proyecto Fondart 2014.
Bachelor of Arts majoring in Theatre Design, incorporated
into the Theatre Company Teatro Kimen since 2011, as a
design assistant and lighting technician in the second play
of the trilogy: “Ñi pu tremens”, “Territorio descuajado” y
“Galvarino”. Exercising her role as technical manager and
lighting manager in the next years in different tours and
festivals hosted in Chile, Brazil, and South Korea.
Additionally, she had worked with different companies,
designing for plays such as “Yo, Manuel” (Universidad
Católica Theatre, FITTU 2014), “Capitán U” (Fondart 2013),
“Reserva” (Santiago A Mil 2014, Dance Selection), “Paraíso”
and “M.A. Héroe de Peñablanca”.
In 2013 she joined the Theatre Company Teatro Síntoma
as lead designer alongside Josefina Cifuentes for the
creation of the play “Bello future”, winner of different
festivals, selected for the Santiago A Mil Festival
2014, a project that obtained a Fondart grant to tour
the Metropolitan region. During the year, “La Victoria”
premiered, the second production of the company. During
the same period, she joined the company for the set and
costume design for the play “Alcérreca, tragedia en el
altiplano”, a Fondart project of 2014.
80
ALCÉRRECA, TRAGEDIA EN EL ALTIPLANO, de Javiera
Fernández. Dirección de Rosa Landabur y Javiera
Fernández. Diseño de vestuario y escenografía: Natalia
Morales Tapia.
Inspirado en un hecho real, el montaje busca rescatar la
historia de una localidad altiplánica a punto de desaparecer
e indaga en las razones que llevan a una madre a abandonar
a su hijo en pleno desierto, como síntoma y metáfora de la
desolación de su pueblo.
Ambientada en el último día del carnaval aymara conocido
como la fiesta del «Ño Carnavalón», Gabriela, una pastora
de 25 años es uno de los últimos 10 habitantes de este
territorio que está desapareciendo. Cansada de este
pueblo que agoniza y de su realidad familiar y para liberar
a su hijo de la fatalidad de una vida de aislamiento, ha
decidido ofrecer a su hijo al desierto y abandonarlo allí.
ALCÉRRECA, TRAGEDIA EN EL ALTIPLANO, by Javiera
Fernández. Directed by Rosa Landabur y Javiera Fernández.
Costume and set design by Natalia Morales Tapia.
Inspired by a true story, the play seeks to rescue the history
of a village in the Altiplano at the point of disappearing
and investigate the reasons why a mother would abandon
her son in the middle of the desert, as a symptom and a
metaphor of the desolation of her village.
Taking place during the last day of the Aymara carnival
known as the celebration of «Ño Carnavalón», Gabriela, a
shepherdess of 25 years is one of the last 10 inhabitants of
this disappearing territory. Tired of this village that causes
her agony and her family reality, and to liberate her son
from the fatality of a life of isolation, she has decided to
offer her son to the desert and abandon him there.
81
82
Josefina Cifuentes / Natalia Morales
LA VICTORIA, de Gerardo Oettinguer.
Obra de la compañía Teatro Síntoma, dirigida por Paula
González Diseño integral: Josefina Cifuentes y
Natalia Morales.
LA VICTORIA by Gerardo Oettinguer.
Play by Síntoma Theatre Company, directed by Paula
González. Lead design by Josefina Cifuentes and Natalia
Morales Tapia.
La obra está inspirada en testimonios de pobladores que
participaron en ollas comunes en la época de la dictadura
militar. La escena sucede en la capilla de una población
periférica donde se prepara una olla común. Las fuerzas
de la represión entraron al lugar y se llevaron detenidas a
las dirigentas. En escena, las pobladoras que quedan se ven
enfrentadas a cocinar la poca comida regada y pisoteada.
Deberán así decidir cómo se repartirá el alimento, quién
puede y no puede comer, dónde están las prioridades. Es el
enfrentamiento del hambre versus la organización.
This work is inspired by testimonies from citizens
that organized communal meals during the military
dictatorship. The scene takes place in the chapel of a
disadvantaged community on the outskirts of the city,
where a cooking pot is shared. The repressive forces arrive
at the setting and the leaders are arrested. On stage, the
community members that remain are faced with cooking
the few scraps of trampled-upon food that remain. They
must therefore decide how to divide the food, who can and
who cannot eat and who takes priority. It is a question of
starvation versus the organization.
83
Elizabeth Pérez Neira
85
Licenciada en Artes con mención en Diseño Teatral de
la Universidad de Chile, con estudios de especialización
en Maquillaje Teatral en el Instituto Superior de Arte del
Teatro Colón, Buenos Aires, Argentina. Es diseñadora de
vestuario de la compañía La Niña Horrible y maquilladora y
caracterizadora en el Teatro Municipal de Santiago.
Ha realizado el diseño integral y vestuario en obras de
teatro como “Sentimientos”, “Historias de amputación
a la hora del té” y “Metropolitana”, de la compañía
Contratistas Públicos.
También cuenta con experiencia en el campo audiovisual
en diferentes ámbitos, los que incluyen el maquillaje, el
vestuario y la dirección de arte en cortometrajes tales
como “Verano del 98” de Valentina Azúa, proyectos
financiado por el Fondo de Fomento Audiovisual 2014;
“Nadadora”, de Luis Horta, proyecto financiado por el Fondo
de Fomento Audiovisual 2011; y en videoclips de bandas
musicales y solistas como Coffee-house, Proyecto Crisis y
Javier Barría.
Bachelor of Arts, majoring in Theatre Design from the
University of Chile with specialized studies in Theatre
Makeup in the Instituto Superior de Arte del Teatro Colón,
Buenos Aires, Argentina. She is a costume designer with
the company La Niña Horrible and a makeup artist and
character-creator in the Santiago Municipal Theatre.
She has designed costumes in theatrical works such as
“Sentimientos”, “Historias de amputación a la hora del
té” and “Metropolitana”, from the Contratistas Públicos
Theatre Company.
She also has experience in the audiovisual field in different
areas that include makeup, costumes, and art direction
for shorts such as “Verano del 98” by Valentina Azúa and
financed by the fund for audiovisual promotion 2014;
“Nadadora” by Luis Horta, 2011, financed by the Fondo de
Fomento Audiovisual 2011 and in music videos of bands
and solo artists such as Coffeehouse, Proyecto Crisis, and
Javier Barría.
86
HISTORIAS DE AMPUTACIÓN A LA HORA DEL TÉ, de Carla
Zúñiga. Obra de la compañía La Niña Horrible, dirigida
por Javier Casanga, Estrenada en 2014 en la sala Ladrón
de Bicicletas. Diseño y realización de vestuario: Elizabeth
Pérez Neira.
El cáncer de mamas como metáfora del discurso patriarcal
que modela el cuerpo de la mujer y decide sobre él, que
estipula lo que es belleza y cómo debe vivir su vida el
género femenino, es el centro de esta comedia negra. En
escena desfilan una serie de personajes femeninos, todos
encarnados por varones. El diseño de vestuario se enfoca
en abordar los arquetipos que definen el género femenino,
para trasladarlos luego a cuerpos masculinos que buscan
cuestionar la visión social de un concepto de femineidad
que por siglos ha estructurado el cuerpo de la mujer.
HISTORIAS DE AMPUTACIÓN A LA HORA DEL TÉ, by
Carla Zúñiga. Play by La Niña Horrible Theatre Company,
directed by Javier Casanga. Premiered in 2014 in the
Ladrón de Bicicletas auditorium. Design and costumes by
Elizabeth Pérez Neira.
Breast cancer as a metaphor for patriarchal discourse that
models the female body and decides for it, that stipulates
what is and what isn’t beauty and how those of the female
gender should live their lives, is the center of this black
comedy. In the play a series of female characters parade
on stage, all of them played by men. The costume design
focuses on approaching the archetypes that define the
female gender, in order to then transfer them into male
bodies that seek to question the social vision of the
concept of femininity that for centuries has limited the
female body.
Daniel Elías Bagnara Mena
89
Diseñador, director de arte y realizador escénico.
Con más de diez años de experiencia en el diseño y
realización de indumentarias para las artes escénicas,
tomó clases de técnica en el teatro de máscaras con
el maestro Andrés Pérez, cursó estudios de técnica
académica en danza y del ciclo básico de Artes Visuales
en la Universidad de Chile, y de Licenciatura en Dirección
de Arte de la Universidad Mayor.
Como artista ha centrado su experiencia investigativa
sobre el cuerpo y su discurso proyectado en un espacio
escénico, siendo este punto un motor fundamental del
trabajo que ha ido desarrollando en sus participaciones
en el área de la danza, el teatro y las artes escénicas en
general. En el transcurso de su trayectoria ha colaborado
con variados directores y coreógrafos nacionales e
internacionales, entre los que destacan: Gigi Caciuleanu,
Mauricio Wainrot, Oscar Arais, Danny Betancourt,
Alejandro Jodorowsky, Luis Eduardo Araneda, Nelson
Avilés, Andrés Cárdenas, José Luis Vidal, Rodrigo Bazáes,
Pamela Quero, Paulina Vielma, Claudia Munzenmayer,
Francisco Bagnara, Andrea Torres, Sebastián Belmar, Pablo
Rotemberg y Francisca Espinoza, entre otros.
Algunas obras premiadas en las que ha participado son
“Pies pa volar”, premio Altazor 2009; “El hombre del baño”,
premio Mejor Obra de Teatro del Festival FETEX-CHILE;
y “La Colorina”, premio del Círculo Chileno de Críticos de
Arte a la Mejor Obra de Danza Contemporánea 2013.
Designer, art director and stage director. With more than
ten years of experience in costume design and production
for stage arts, he took technical classes in mask theatre
with the expert Andrés Pérez. He studied dance and visual
arts at the Universidad de Chile. Finally, and a degree in Art
Direction at the Universidad Mayor.
As an artist, he has focused his research expertise on
the human body and its discourse projected onto a
stage, this point being a key engine in the work that has
developed into his contributions in the field of dance,
theatre and the stage arts in general. In the course of his
trajectory he has collaborated with various national and
international directors and choreographers, among which
some highlights are: Gigi Caciuleanu, Mauricio Wainrot,
Oscar Arais, Danny Betancourt, Alejandro Jodorowsky, Luis
Eduardo Araneda, Nelson Avilés, Andrés Cárdenas, José
Luis Vidal, Rodrigo Bazáes, Pamela Quero, Paulina Vielma,
Claudia Munzenmayer, Francisco Bagnara, Andrea Torres,
Sebastian Belmar, Pablo Rotemberg and Francisca Espinoza,
among others.
Some of the award-winning works which he has
participated in are as follows, “Pies pa volar” Altazor Prize
2009, “El hombre del baño”, best play at the theatrical
festival FETEX-CHILE, and “La Colorina”, Chilean art Critics
Circle, Best Contemporary Dance Performance 2013.
90
LA COLORINA, coreografía y dirección de Luis Eduardo
Araneda. Estrenada en octubre del 2013 en la Sala
Bunster del Centro Cultural Matucana 100. Diseño y
realización integral: Daniel Bagnara Mena.
LA COLORINA, choreography and direction by Luis
Eduardo Araneda. Performed in October 2013 in the
Bunster theatre at the Matucana Cultural Centre 100.
Lead design and production by Daniel Bagnara Mena.
Pieza coreográfica de danza inspirada en la poeta chilena
de la generación del 50, Stella Díaz Varín (1926-2006).
La obra reflexiona sobre la identidad y el género,
presentando al cuerpo como soporte espacial mediante
una puesta en escena contemporánea y experimental
que pulsa desde la impronta y personalidad de Stella,
su adolorida vida e irreverencia como reivindicación de
la existencia humana traducida en la grandeza de sus
palabras y su poesía.
A choreographic dance piece inspired by the Chilean poet of
the 50s generation, Stella Diaz Varín (1926-2006). The work
deals with identity and gender, presenting the body as a
spatial support through a contemporary and experimental
mise-en-scene that pushes forward the legacy and
personality of Stella, her pain-filled life and irreverence as
vindication for the human existence, translated through the
grandeur of her words and her poetry.
91
92
LA NOCHE OBSTINADA, coreografía y dirección de Pablo
Rotemberg. Estrenada en julio del 2014 en la sala A-2 del
Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM). Diseño sonoro:
Daniel Marabolí. Diseño espacial: Francisco Herrera.
Diseño y realización de vestuario: Daniel Bagnara Mena.
La obra pone en escena a siete bailarines en medio de una
banda sonora que incluye a Cecilia, Queen, Liza Minnelli
y a composiciones doctas de Shostakovich y Mirzoyan.
Se trata de las míticas fiestas Spandex, que se muestran
como una metáfora del fin de la dictadura y de los primeros
pasos hacia la democracia, el momento político y social en
el que las mordazas se desanudaban y poco a poco –muy
poco a poco– las puertas del destape se abrían para dar
paso a la manifestación de la diversidad, en medio de la
investigación por los cheques del hijo de Pinochet, los
desaparecidos de Pisagua y el Informe Rettig.
LA NOCHE OBSTINADA, choreographed and directed
by Pablo Rotemberg. Performed in July 2014 in the A-2
theatre of the Gabriela Mistral Cultural Centre (GAM).
Sound design by Daniel Marabolí; spatial design by
Francisco Herrera; wardrobe design and production by
Daniel Bagnara Mena.
The work puts on stage seven dancers with a soundtrack
that includes Cecilia, Queen, Liza Minnelli and classical
compositions from Shostakovich and Mirzoyan. It centers
on the mythical Spandex parties, which show the end of
the dictatorship and the first steps towards democracy as
a metaphor, the political and social atmosphere in which
the chains began to unravel little by little – very little by
little – the doors of the freedom were opening to give way
to diversity, amid the investigation into the checks issued
to Pinochet’s son, the disappearances in Pisagua and the
Rettig Report.
93
Miryam Singer González
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Arquitecto, cantante, directora, vestuarista, escenógrafa,
iluminadora y productora de ópera. Desde 1995 ha
realizado “Cosi fan tutte”, “La Traviata”, “Madame Butterfly”,
“La finta semplice”, “La finta giardiniera”, “Las bodas de
Figaro”, “Tosca”, “Pierrot Lunaire”, “Carmen”, “La viuda
alegre”, “La flauta mágica”, “El rapto del Serallo”, “Don
Pasquale”, “Orfeo”, “Le Convenienze ed inconvenienze
teatrale” y “Der Kaiser von Atlantis”, entre otros.
Ha ganado el Premio de la Crítica en cinco oportunidades.
Es profesora del Instituto de Música y Directora de Artes y
Cultura de la Universidad Católica.
Architect, singer, director, costume designer, stage
designer, lighting designer and opera producer. Since 1995
she has worked on “Cosi fan tutte”, “La Traviata”, “Madame
Butterfly”, “La finta semplice”, “La finta giardiniera”, “Le
nozze di Figaro”, “Tosca”, “Pierrot Lunaire”, “Carmen”, “Die
Lustige Witwe”, “Die Zauberflöte”, “Die Entführung aus
dem Serail”, Don Pasquale, Orfeo, Le Convenienze ed
inconvenienze teatrale and Der Kaiser von Atlantis, among
others. She won the Critics’ prize on 5 occasions.
She is professor at the Institute of Music and Director of
Arts and Culture at the Universidad Católica.
96
LA FLAUTA MÁGICA, ópera de W. A. Mozart. Dirigida
por Miryam Singer en el Teatro Municipal de Santiago.
Estrenada en octubre del 2014. Diseño de escenografía y
vestuario: Miryam Singer.
THE MAGIC FLUTE, opera by W. A. Mozart. Directed by
Miryam Singer at the Municipal Theatre of Santiago,
performed in October 2014. Stage and costume design by
Miryam Singer.
“La flauta mágica” es la historia del príncipe Tamino, que
después de ser rescatado de las fauces del dragón por las
Tres Damas de la Reina, se encuentra con Papageno, un
cazador de pájaros. La Reina de la Noche pide al Príncipe
que junto a Papageno vaya en búsqueda de su hija Pamina,
quién fue raptada por Sarastro. Durante el viaje son
acompañados por los Tres Genios y por la Flauta Mágica,
cuyo sonido les protegerá y facilitará la búsqueda.
“Die Zauberflöte” is the story of Prince Tamino who, after
being rescued from the jaws of a dragon by the Three
Ladies of the Kingdom, meets Papageno, a bird hunter. The
Queen of the Night asks the Prince and Papageno to leave
in search of her daughter Pamina, who was kidnapped by
Sarastro. During the trip they are accompanied by the
Three Genies of the Magic Flute, whose sound protects
them and aids in the search.
Al llegar al Templo donde está encerrada Pamina, Tamino se
encuentra con Sarastro y los sacerdotes, quienes le invitan a
incorporarse al grupo de los Elegidos. Para ello deberá pasar
por la prueba del Silencio, del Agua y del Fuego. Con la ayuda
de la Princesa, el Príncipe consigue su objetivo y logra vencer
la superstición, la ignorancia y el mal.
When they arrive at the Temple where Pamina is locked up,
Tamino comes face to face with Sarastro and the priests,
who invite him to join the group of the chosen. They must
now pass the tests of silence, water and fire. With the help
of the Princess, the Prince achieves his aim and manages to
conquer superstition, ignorance and evil.
97
Felipe Olivares Sepúlveda
99
Licenciado en Artes con mención en Diseño Teatral de la
Universidad de Chile. Junto a su compañía, Los Contadores
Auditores, ha estrenado seis montajes como director y
diseñador: “Karen, una obra sobre la gordura” (2007), “Los
dinosaurios desaparecidos” (2010), “La tía Carola” (2011),
“Cho, que en coreano significa hermoso” (2012), “Manual
de defensa personal” (2013) y “Safari para divorciadas”
(2014). En el 2013, escribe la obra “En busca del huemul
blanco”, en la que también participa en la dirección y el
diseño. En 2014, colabora como director en la Muestra de
Dramaturgia Nacional con las obras “Hilda Peña”, de Isidora
Stevenson y “La chica”, de Karen Bauer.
Como diseñador, ha participado también de numerosos
montajes con destacadas compañías y directores del país
como “Amansadura”, de Pablo Manzi, “La chancha”, dirigida
por Aliocha de la Sotta, “Campo”, dirigida por Isidora
Stevenson, y “Acassuso”, dirigida por Omar Morán, obra por
la que estuvo nominado al premio Altazor.
He graduated with a Bachelor of Arts, majoring in Theatre
Design from the Universidad de Chile. Jointly with his
company Los Contadores Auditores, he has premiered six
theatrical works as director and designed: “Karen, una obra
sobre la gordura” (2007), “Los dinosaurios desaparecidos”
(2010), “La tía Carola” (2011), “Cho, que en coreano significa
hermoso” (2012); “Manual de defensa personal” (2013) y
“Safari para divorciadas” (2014). In 2013 he wrote the play
“En busca del huemul blanco” in which he also colaborated
in the direction and the design. In 2014, he acted as
director in the National Dramaturgic Exhibition with the
plays “Hilda Peña” by Isidora Stevenson and “La chica” by
Karen Bauer.
As a designer, he has also participated in numerous
theatrical works with featured theatre companies
and directors from the around the country, such as
“Amansadura” by Pablo Manzi, “La chancha” directed by
Aliocha de la Sotta, “Campo” directed by Isidora Stevenson
y “Acassuso”, directed by Omar Morán, for which the play
was nominated for an Altazor prize.
100
LA TÍA CAROLA, de Juan Andrés Rivera. Obra dirigida
por Los Contadores Auditores. Estrenada en el Teatro El
Puente en el año 2011.
LA TÍA CAROLA, by Juan Andrés Rivera. Directed by Los
Contadores Auditores. Premiered in the El Puente Theatre
in 2011.
Una misteriosa profesora suplente llega a un exclusivo
jardín infantil de niños superdotados para develar los
secretos que este recinto esconde y que guardan estrecha
relación con las más altas capas de poder en Chile. En
su intento por sacar a la luz estas oscuras verdades, se
enfrentará a un grupo de particulares niños que la harán
tener revelaciones aún más extraordinarias. Parodia de la
política chilena desde la ironía y la ingenuidad, arroja una
mirada crítica de la contingencia nacional, haciéndonos
reflexionar sobre el país a través de una hilarante historia
llena de giros sorprendentes.
A mysterious substitute teacher arrives at an exclusive
childcare center for extremely gifted children to unveil the
secrets that this compound hides and the tight relationship
it maintains with the highest heads of power in Chile. In her
attempt to bring these dark truths to light, she encounters
a particular group of children that will make her have even
more extraordinary revelations. A parody of Chilean politics
through irony and ingenuity, it sheds a critical light on the
national contingency, making us reflect on the country
though a hilarious story filled with surprising twists.
101
Corteza
Crust
Estudiantes
Students
Proyecto Corteza
Crust
Colectivo de estudiantes de Diseño Teatral
Facultad de Artes de la Universidad de Chile
Ana Luisa Campusano Torres, Diseñadora Teatral, Profesora Guía
del Stand Estudiantes de la Cuadrienal de Praga 2015.
Ana Luisa Campusano Torres, Theatre Designer, Guide Professor
of the Students Stand of the Prague Quadrennial 2015.
105
El Proyecto Corteza es una propuesta visual sobre lo que
significa vivir en un país sísmico, destacando los aspectos
geográficos que caracterizan la corteza de nuestro
territorio, transmitiendo esa perspectiva tanto desde
lo estético como a partir de la experiencia personal y
colectiva vivida en un sismo.
Poco a poco se apaga aquello y viene el gran silencio, una
impresión de «obra cumplida», a la que no hay nada que
agregar; un horrible abandono que nos trae la realidad y nos
desata el llanto. No es otra cosa un terremoto, Y creo que
es bastante. El hombre que habita la Tierra Inquieta debiera
ser un hombre místico o desvergonzadamente pagano.
Ahora bien, no vemos ni lo uno ni lo otro. Ni siquiera nos
parece fatalista. Es un pueblo como todos los pueblos. Vive
tranquilamente, ama, se alimenta y trabaja. Se diría que los
terremotos son accidentes que les pueden ocurrir a otros,
no a ellos. Hay una bendita inconsciencia que los protege
y les permite ser felices como los demás. Es uno de los
misterios que no entenderé nunca.
Benjamín Subercaseaux,
Chile una loca geografía, 1954, p. 151.
Daniela Saavedra
Crust Proyet is a visual proposal about what it means to
live in a seismic country, featuring the geographic aspects
that characterize the crust of our land and conveying this
perspective as both aesthetic and from the personal and
collective lived experience during an earthquake.
Little by little it is turned off and then the grand silence
comes, an impression of a “complete work”, to which there
is nothing to add; a horrible abandonment that brings us
reality, which releases the wailing. An earthquake is not
just another thing, and I think that it is sufficient. The man
that inhabits the Restless Land should be a mystic man
or unabashedly pagan. In that case, we don´t see one or
the other. It doesn´t even seem fatalist to us. These are a
people like all other people. They live tranquilly, they love,
they eat, and they work. It can be said that earthquakes
are accidents that can happen to other, but not to them.
There is a blessed unconsciousness that protects them
and that lets them be happy like everyone else. It is one of
those mysteries that I will never understand.
Benjamín Subercaseaux,
Chile una loca geografía, 1954, p. 151.
Alejandro Rojas
106
El Proyecto Corteza, generado para el stand de
estudiantes de la Convocatoria para la Cuadrienal de
Praga 2015 (PQ2015), reunió para su concepción a un
grupo de 10 estudiantes y una académica de la carrera
de Licenciatura en Artes con mención en Diseño Teatral
de la Universidad de Chile, desde marzo del 2014 hasta
junio del 2015. Inicialmente el proyecto se configuró en
base a conceptos e ideas que vinculaban la memoria, el
habitar y, principalmente, una pregunta: ¿cuál podría ser
esa especie de signo geográfico que circunda la cultura
visual de la ciudad y que determina nuestra historia? Este
cuestionamiento rondó nuestro imaginario durante un
tiempo, provocando la aparición de los recorridos por la
ciudad, la forma cómo y desde dónde la observamos, cómo
reconocemos nuestro propio registro visual de la ciudad
y, finalmente, cuál podría ser el hito geográfico que cruza
nuestro habitar y cómo este activa nuestra memoria e
imaginario histórico.
La respuesta encontró un lugar, la cordillera, pero también
propuso un evento que se relevaba por sobre esta y que
sin duda impregna nuestra cultura, condicionando nuestra
sociabilidad y, sin duda, atravesando nuestra subjetividad:
el terremoto, la ruptura violenta de la tierra.
Belén Álvarez
Laura Zavala
Tobías Díaz
107
Se trata de nuestro habitar en medio de fallas
geológicas y fracturas, de terremotos, maremotos y
temblores. Una condición que nos remece y nos ha
sido hablada como el «país de la tierra inquieta» –en
palabras de Benjamín Subercaseaux–, y que sin duda
constituye un «tema» insoslayable, un campo de
acción y reflexión transgeneracional, simultáneamente
genealógico y geológico.
Sonia Montecinos,
Terre/mare/moto, Anales de la Universidad de Chile, 2011. 10.
Al aparecer este evento como el lugar desde donde partir
nuestra investigación visual, identificamos como necesidad
la construcción de una especie de mapa que considerase
el territorio en términos geológicos, reconociendo de
esta forma la corteza como la capa más delgada de la
tierra, respecto de las otras. Su característica principal es
albergar la irregularidad de las formas que observamos,
imponiéndonos un mapa con sus fronteras concretas, sus
límites, los cuales se modifican, intervienen y/o fracturan
a través de la generación de los fenómenos físicos como
los sismos, la erosión, los aluviones y otros eventos
desplegados de forma brutal por la naturaleza.
En esta reconstrucción geográfica las respuestas a las
preguntas se configuraron como una reflexión que puso
en diálogo tanto los elementos formales de nuestra
geografía cómo la traducción de las huellas o la pregnancia
de los eventos o fenómenos desplegados con violencia
por la naturaleza en nuestra subjetividad. Comenzamos
a ingresar en la experiencia concreta que muchos de
nosotros habíamos experimentado en estos eventos,
pero también supimos establecer vínculos concretos con
nuestra historia. Al parecer, la ruptura física que genera
un terremoto, tenía también una significación en nuestro
imaginario simbólico y cultural que nos determinaba a tal
punto que nos significaba social y personalmente.
En la memoria de las personas un tsunami, o un
terremoto grande, quedan marcados de por vida. Por lo
tanto, de por vida tienden a ser evitados de aparecer en
la memoria consciente.
Edmundo Covarrubias,
Terre/mare/moto, Anales de la Universidad de Chile, 2011. 79.
Es como si nuestra geografía subjetiva de la realidad
tuviese dos capas: una objetiva y clara, que nos guía en
el habitar concreto, y otra, una capa interior no visible
a simple vista, latente, significativa, de larga duración,
que se suma a nuestra memoria, generando a la vez una
imagen grupal y una vivencia personal que se ve marcada
por la situación en la que se encuentra cada persona. Es
The Crust Project, created for the student stand for the
Prague Quadriennial of Performance, Design and Space
2015, brought together for its conception a group of ten
students and an academic from the Arts with a major in
Theatrical Design from the Universidad de Chile, since
March of 2014 until June of 2015. Initially, the project was
configured on a base of concepts and ideas that linked
memory, dwellings, and principally, a question: What could
be the sort of geographic sign that surrounds the visual
culture of the city and that determines our history? This
questioning circled in our imagination for some time,
leading to journeys throughout the city, the way in which
and from where we observe it, and how to recognize our
own visual register of the city, and finally, what could be the
geographic landmark that crosses our dwellings and how
this activates our memory and historical imaginary.
The answer found a place, the Andes cordillera, but also
proposed an event that was revealed about it and without
doubt permeates our culture, conditioning our sociability
and, undoubtedly, passing through out subjectivity: the
earthquake, the violent rupture of the earth.
It’s about our inhabitance in the middle of geologic faults
and fractures, about earthquakes, tsunamis, and tremors.
A condition that reminds us and that has been spoken
of as “the country of the restless earth” – in the words
of Benjamin Subercaseaux-, and that without doubt
constitutes an inescapable “theme”, a course of action and
cross-generational reflection, simultaneously genealogic
and geologic.
Sonia Montecinos,
Terre/mare/moto, Annales of the Universidad de Chile, 2011. 10.
Upon this event’s appearance as the place from which we
were to conduct our visual investigation, we identified as
a necessity the construction of a sort of map that would
consider the territory in geologic terms, recognizing from
this form the crust as the thinnest layer of the earth,
in relation to the others. Its principal characteristic is
its hosting of the irregularity of the formations that we
observed, imposing upon us a map with its concrete
borders, its limits, those which become modified,
intervened or fractured through the generation of the
physical phenomena like earthquakes, erosion, floods and
other events that unfold in nature´s brutal form.
In this geographic reconstruction, the answers to the
questions are reconfigured as reflection that placed into
dialogue our subjectivity towards the formal elements
of our geography, like the translation of imprints or the
occurrence of events or phenomena that unfold with
violence by the forces of nature. We began to enter into the
108
la memoria individual y social la que nos permite recrear
un escenario histórico, sensorial y visual de los eventos
climáticos que nos han afectado.
Lo que nos motiva es relevar este registro personal,
experiencial, que no ha sido compartido, que no ha sido
re-vivenciado, y señalar la temporalidad de nuestra
inconsciencia de habitar el territorio que nos contiene
y, a su vez, la consciencia de que eventualmente ese
mismo lugar nos expone a una inestabilidad breve,
potente y determinante. Aquel lugar mencionado desde
la historia como los eventos de larga duración, aquel
tiempo histórico correspondiente a las estructuras
cuya estabilidad es muy grande y que tiene la finalidad
de separar esa especie de momento histórico que
resulta coyuntural y, sobre todo, perteneciente a los
acontecimientos de nuestra cotidianeidad.
De esta forma el Proyecto Corteza se presenta como
una reflexión y opinión generacional y visual en torno al
cómo nos constituimos para habitar nuestra memoria,
determinada por los límites y disposición del territorio,
cuestión que finalmente se constituye como el lugar
desde donde nuestra subjetividad se construye
permanentemente, haciéndonos relevar y vincular
eventos e instantes de nuestra historia que nos hacen
reconocernos inestables y frágiles.
concrete experience that many of us had lived out in these
events, but also we knew to establish concrete links with
our history. Apparently, the physical rupture that generates
an earthquake also had a meaning in our symbolic and
cultural imaginary that determined us to a point that had
both social and personal meaning.
In the memory of the people, a tsunami, or a large
earthquake, remain as marked events for life. As such for
life they tend to avoid appearing in the conscious memory.
Edmundo Covarrubias,
Terre/mare/moto, Annales of the Universidad de Chile, 2011. 79.
It is as if our subjective geography of reality had two
layers: one that is objective and clear, that guided us in
our concrete dwellings, and another, an internal layer.
Not visible by simply looking, latent, meaningful, of a long
duration, that is added to our memory, generating at the
same time a group image and a personal experience that
is seen as impacted by the situation in which people find
themselves. It is the individual and social memory that lets
us recreate a historic scene, both sensory and visual, of the
climactic events that have affected us.
What motivates us is revealing this personal, experiential
record, that hasn’t been shared, that hasn’t been relived, and
indicated the temporality our unconsciousness of inhabiting
a territory that contains us, and in turn, the consciousness
that eventually this place exposes us to a brief, potent, and
determined instability. That place mentioned since history
as events of long duration, that historic time corresponding
to the structures whose stability is very large and that has
the finality of separating this sort of history moment that
turns out to be cyclical, and, above all else, pertaining to the
happenings of our day to day life.
In this way, the Crust Project is presented as a reflection
and generational and visual opinion around how we
constitute inhabiting our memory, determined by limits
and arrangement of the territory, a question that finally
is constituted by the place where our subjectivity is
permanently construed, making us reveal and link events
and instants of our history that remind us to recognize
ourselves as unstable and fragile.
109
Gabriela Torrejón
Gloria Allendes
María José Valenzuela
Juan Diego Rivas
Centrípeto
Proyecto Selk’nam
Centripetal
Proyecto Selk’nam
Tribus
Tribes
>
Centrípeto
Centripetal
Loreto Monsalve Campos, Diseñadora Teatral de la Universidad de
C hile, Máster en diseño de vestuario de Teatro, Cine y Ópera del
Instituto Europeo di Design, Barcelona, España.
Loreto Monsalve Campos, Theatre Designer of the Universidad de
Chile, Master in Theatre, Film, and Opera costume design from the
Instituto Europeo di Design, Barcelona, Spain.
113
El proyecto “Centrípeto”, nacido de la unión de diversas
disciplinas de la plástica en un solo trabajo en torno al
diseño, es una experimentación en materiales y tejidos
autóctonos chilenos aplicados al vestuario escénico y
llevados al video performance, con el fin de llevar a la
puesta en escena los vestuarios creados, dándole un
sentido real y concreto a su carácter escénico, uniendo
artesanía y tecnología.
Creado por la diseñadora teatral de la Universidad de Chile
y máster en diseño de vestuario de teatro, cine y ópera del
Istituto Europeo di Design de Barcelona, Loreto Monsalve,
Centrípeto plantea la fusión de la escultura y el diseño de
indumentaria escénica, usando como soporte material
el mimbre y la crin aplicados a un volumen viviente, en
movimiento, donde el tejido forma un ritmo hacia el cuerpo
humano como eje central de esta indumentaria escultórica,
creando una fuerza centrípeta.
Son cinco vestuarios con grandes y diversas volumetrías
con un solo punto en común: los tejidos van hacia el
cuerpo del intérprete, entendido como soporte y eje de la
composición, creando un movimiento centrípeto.
El proyecto es un ensayo estético-práctico realizado
por la autora, después de varios años de desarrollo en
el diseño de vestuario escénico y de formación como
artesana, utilizando como indumentaria sobre el cuerpo
humano, fibras autóctonas representativas de la artesanía
tradicional chilena aplicadas al vestuario escénico: el
mimbre (rama de sauce) en bruto y refinado y el crin o pelo
de caballo tejido (artesanía endémica de Chile).
The “Centripetal” project, born from the union of diverse
disciplines of plastic arts in only one work centered on
design, is an experiment in materials and indigenous
Chilean fabrics applied to theatrical costumes and
taken to video performance, with the aim of bringing
the costumes to the theatrical stage, giving a real and
concrete meaning to their scenic character, thereby
uniting artisanal work and technology.
Created by Loreto Monsalve, the theatrical designer from
the Universidad de Chile and expert in theatre, film, and
opera costume design from the Istituto Europeo di Design
in Barcelona, Centripetal poses the fusion of sculpture and
design of stage costume design, using wicker and horsehair
as material support for their application to a living volume,
in movement, where the fabric forms a rhythm with the
human body as a central axis of this sculpted costuming,
thereby creating a centripetal force.
There are five costumes with large and diverse volumes but
with only one point in common: the fabrics move towards
the body of the actor, understood as a support and axis of
the composition, creating a centripetal movement.
The project is an aesthetical-practical experiment
created by the author, after several years of development
in theatrical costume design and training as an artisan,
utilizing indigenous fibers as fabrics on the human body
that are representative of the traditional Chilean artisanal
products then applied to stage costumes: wicker (willow
branches) that is raw and refined and woven horsehair
(endemic artisanship of Chile).
114
115
116
Proyecto Selk’nam
The Proyecto Selk’nam
Complejo Conejo es un colectivo artístico interdisciplinario
integrado por Pedro Gramegna Ardiles, John Álvarez Esparza
y Andrea Bustos Pizarro (estudiantes de Diseño Teatral
de la Univ. de Chile), Josefina Cerda Puga (estudiante de
Actuación Teatral de la Univ.de Chile) y Camilo Saavedra Rojas
(Diseñador Teatral y académico del Departamento de Teatro
de la Univ. de Chile), cuyo propósito es instalar la ficción en
espacios públicos y privados por medio de intervenciones
urbanas y performances.
Complejo Conejo is an interdisciplinary art group composed
by Pedro Gramegna Ardiles, John Álvarez Esparza and Andrea
Bustos Pizarro (Theatre Design students at Univ. de Chile),
Josefina Puga Cerda (Theatrical Performance student at Univ.
de Chile) and Camilo Rojas Saavedra (theatrical designer
and Theatre Department academic at Univ. de Chile), whose
purpose is to install fiction in public and private spaces
through urban interventions and performances.
117
“Proyecto Selk’nam” es una intervención urbana en el
centro de Praga, creada por el Colectivo Complejo Conejo
en el marco de la nueva categoría Tribus de la Cuadrienal
de Praga 2015.
La intervención consiste en una exhibición en que la calle
se transforma en galería y el cuerpo en el lienzo. El diseño
se inspira en el registro fotográfico del pueblo Selk’nam
y en su historia, la historia de un pueblo, extinto desde los
inicios del siglo XX, que fue exhibido por Europa a finales
del siglo XIX como parte de los zoológicos humanos.
Los vestuarios están concebidos como una representación
de los espíritus del hain, rito de iniciación del pueblo
Selk’nam. Los trajes reproducen las siluetas reconocibles
de esta ceremonia mientras los cuerpos que los visten
están de pie, inmóviles, pero, una vez en movimiento,
el vestuario se activa revelando un cuerpo cortado que
modifica su forma en la medida en que se exhibe. Estos
“cortes” rompen la silueta del Selk’nam de la misma forma
que los europeos hicieron con sus cuerpos y su cultura.
La obra principal de esta intervención es “La Caminata de los
Espíritus”, peregrinación por el casco histórico de Praga que
evoca no solo la misteriosa atmósfera de Tierra de Fuego,
sino también el genocidio llevado a cabo por las compañías
ganaderas y los colonos europeos que llegaron a explotar las
tierras en la zona más austral del continente sudamericano.
Caminaremos como representaciones metafóricas de los
Selk’nam, rememorando el pasado que los capturó para
ser exhibidos en las jaulas de los zoológicos humanos,
pero en esta oportunidad, caminaremos libres, bajo la
forma de los espíritus.
The ”Proyecto Selk’nam” is an urban intervention in
the centre of Prague, created by the Complejo Conejo
Collective in the framework of the new Tribes category of
the 2015 Prague Quadrennial.
The intervention consists of an exhibition in which the
street transforms into a gallery and the bodies become the
canvas. The design is inspired by the photographic record
of the Selk’nam people and their history, the history of a
people who have been extinct since the beginning of the
20th century, put on display in Europe at the end of the
19th century as part of a human zoo.
The costumes are designed as a representation of the
spirits of the Hain, a rite of passage from the Selk’nam
people. The suits imitate the ceremony’s recognizable
silhouettes, while the bodies that wear them stand
immobile. However, once in motion, the costume comes to
live, revealing a cut up body that changes its physical form.
These “cuts” break the Selk’nam silhouette in the same way
that the Europeans did to their bodies and culture.
The main play in this intervention is “La Caminata de
los Espíritus”, a pilgrimage through the historic quarter
of Prague which not only lets you experience the
mysterious atmosphere of Tierra del Fuego, but also the
genocide carried out by the farming companies and the
European colonizers that came to exploit the land in the
southernmost area of the South American continent.
We will walk as metaphorical representations of the
Selk’nam, reminiscing about a past where they were
captured to be exhibited in the cages of human zoos, but
this time we will walk freely, in spirit form.
© Fotografía, Padre Alberto De Agostini,
Museo Maggiorino Borgatello de Punta Arenas-Chile
Museo Nacional de la Montaña “Ducca degli Abruzzi”,
Torino-Italia.
119
Participaciones chilenas
en la Cuadrienal de Diseño y Espacio Escénico de Praga
Chilean participations in the Prague Quadrennial of Performance Design and Space 121
1967 – Sección Países
El destacado escenógrafo chileno Bernardo Trumper, junto
a los profesionales Claudio Goeckler, Mario Tardito, Juan
Carlos Castillo, Maya Mora y Edith del Campo, participaron
en la 1ª versión de la Cuadrienal en representación
de nuestro país con el tema “Las óperas de Mozart”,
exhibiendo una serie de bocetos creados e inspirados a
partir de las obras del gran músico austríaco.
1967 – Countries Section
The celebrated Chilean set designer Bernardo Trumper,
jointly with the professionals Claudio Goeckler, Mario
Tardito, Juan Carlos Castillo, Maya Mora and Edith del
Campo participated in the first version of the Quadrennial
in which our country was represented with the theme “The
operas of Mozart”, exhibiting a series of designs created
and inspired by the great Austrian composer.
1995 – Sección Países
Cuatro escenógrafos chilenos, Eduardo Jiménez, Germán
Droghetti, Edith del Campo y Ramón López, presentaron las
imágenes, bocetos y fotografías de 32 artistas escénicos
nacionales distribuidos en un pabellón con un recorrido a
través de un largo “territorio” emplazado en el suelo del
pabellón, con un telón de cielo.
1995 – Countries Section
Four Chilean set designers, Eduardo Jiménez, Germán
Droghetti, Edith del Campo, and Ramón López presented
the images, designs, and photographs of 32 national set
design artists distributed in a pavilion with a tour through
a large “territory” based in the floor of the pavilion, with a
curtain as the ceiling.
1999 – Sección Escuelas de Teatro
Chile es representado en la muestra por la instalación de
los estudiantes de la Universidad de Chile, consistente
en un espacio compuesto por paneles de cobre que
exhibían bocetos originales y fotografías de vestuario,
escenografía e iluminación que habían sido realizado en
diversos proyectos académicos. El espacio fue proyectado
por Rodrigo Adaos, actualmente diseñador y docente, y el
dispositivo fue producido por un equipo de estudiantes de
Diseño Teatral de la Universidad de Chile.
1999 – Theatre Schools Section
Chile is represented in the showing by the installation by
students of the Universidad de Chile, consisting of a space
composed of panels of copper that exhibited original
designs and photographs of costuming, set designs,
and lighting that had been created in diverse academic
projects. The space was projected by Rodrigo Adaos,
currently a designer and teacher, and the apparatus was
produced by a team of students of Theatre Design from the
University of Chile.
1999 – Sección Homenajes
Se presentó la exposición “Caminos Escenográficos: por
la ruta de Bernardo Trumper”, de la escenógrafa Edith
del Campo, dedicada al recientemente fallecido maestro
escenógrafo. La muestra consistió en una recopilación
fotográfica de su obra, incluyendo planos de diseño y
maquetas originales para las producciones teatrales en las
que trabajó en su extensa trayectoria.
1999 – Homages Section
The exhibition “Caminos Escenográficos: por la ruta de
Bernardo Trumper” was presented by the set designer Edith
del Campo, dedicated to the recently deceased master
set designer. The showing consisted of a photographic
collection of his work, including design plans and original
mock-ups for theatre productions in which he worked in his
extensive trajectory.
En esta versión Edith del Campo fue invitada por la Unesco
y por el Instituto Internacional de Teatro de Praga (ITI) para
formar parte del jurado internacional de la Cuadrienal.
In this version Edith del Campo was invited by UNESCO and
by the International Institute of Prague Theatre (ITI) to form
part of the international judges of the Quadrennial.
122
2003 – Sección Escuelas de Teatro
La instalación “Proyecto Chile-Praga 2003”, Salón de
Alumnos, que abordaba las relaciones entre la obra de
diseño escénico como objeto artístico y como producto
de consumo, fue seleccionada por la Escuela de Teatro de
la Universidad de Chile para participar en la muestra en
representación de la Escuela. En su diseño, perteneciente
a Sergio Valenzuela, coreógrafo, diseñador escénico y
performer, el individuo urbano transita por espacios
virtuales, transparentes, exponiéndose diariamente tras
estas vitrinas. Desde la idea del producto envasado al vacío,
la obra aplica este procedimiento a bocetos y fotografías
de creaciones escénicas de los estudiantes, situando en un
rincón del espacio, una pantalla con animaciones coloridas
producidas artesanalmente.
2003 – Theatre Schools Section
The installation “Proyecto Chile-Praga 2003”, Salón de
Alumnos, that explored the relations between the set
design work as an artistic object and a consumer product,
was selected by the School of Theatre of the Universidad de
Chile for participation in the showing of the representation
of the School. In its design, belonging to Sergio Valenzuela,
choreographer, set designer and performer, urban
individuals transition through virtual transparent spaces,
exposing themselves daily behind these glass displays.
Stemming from the idea of the vacuum sealed product, the
work applies this procedure to the designs and photography
of set creation of the students, situated in a corner of the
space with a screen of artisan-made, coloured animations.
123
“Reversible”, instalación del colectivo Sociedad Inmaterial, de los estudiantes de Diseño Teatral de la Universidad de Chile. Esta
obra ganó el Premio Unesco 2007 para la Promoción de las Artes.
“Reversible”, installation of the collective Sociedad Inmaterial, by students of Theatre Design at the Universidad de Chile. This
piece won the 2007 UNESCO Prize for Promotion of the Arts.
2007 – Sección Países
“Purgatorio”, de Mauricio Celedón con diseño escenográfico
creado por Eduardo Jiménez, resultó seleccionado como
único artista chileno representante del diseño teatral
nacional. La curatoría estuvo a cargo del académico y
escenógrafo chileno Sergio Zapata, cuya propuesta se
centró en un diseño de maqueta escenográfica a escala
humana de la obra.
2007 – Sección Escuelas de Teatro
“Reversible”, proyecto concebido y producido por el
colectivo Sociedad Inmaterial, de los estudiantes de
Diseño Teatral de la Universidad de Chile, a cargo de la
académica María Teresa Lobos Rubilar, fue la instalación
seleccionada por la muestra para esta sección. La obra
planteaba un recorrido del espectador por un espacio
interior y uno exterior, desde el cual se podía observar
2007 – Countries Section
“Purgatorio”, by Mauricio Celedón, with set design created
by Eduardo Jiménez, was selected as the only Chilean artist
representing the national theatre design. The curation
was conducted by the Chilean set designer Sergio Zapata,
whose proposal was centered on a mock-up set design to
human scale of the project.
2007 – Theatre Schools Section
“Reversible”, a project conceived and produced by the
collective Sociedad Inmaterial, of students of the Theatre
Design of the Universidad de Chile, led by the academic
María Teresa Lobos Rubilar, was the installation selected
for showing in this section. The work presented a journey
for the spectator through an interior and exterior space,
from which one could observe the exhibit firsthand as a
124
al primero a modo de un voyeur, tras un vidrio espía.
Se ingresaba al espacio interior y central como si se
ingresara en una ciudad, pero al llegar al fondo se
encontraba una escena del antiguo rito “velorio del
angelito”, musicalizado con canciones de Violeta
Parra y Víctor Jara.
Esta obra ganó el Premio Unesco 2007 para la Promoción
de las Artes.
2011 – Sección Arquitectura Teatral
Los proyectos audiovisuales “Boletos Gratis” (Cheap Tickets)
e “Hyper Public” de los arquitectos chilenos Rodrigo Tisi y
Javier Rioseco y el artista Nicolás Rupcich, respectivamente,
fueron las obras participantes en esta versión de la Cuadrienal
para esta sección. El primer video mostraba imágenes al
artista chileno clase “B”, aquel que se toma la calle y usa el
espacio público como plataforma para su trabajo. En “Hyper
Public”, en tanto, se presentaba la visibilidad que los medios
de comunicación le dan al drama de algunos personajes que
forman parte de nuestra cultura popular.
2011 – Sección Escuelas de Teatro
Los estudiantes de los cuatro niveles de Diseño Teatral
de la Universidad de Chile, a cargo del académico Ricardo
Romero Pérez, concibieron, produjeron y presentaron en la
muestra el proyecto “Quiltrografía”, instalación en la que el
quiltro es símbolo de identidad: huacho, mestizo, vivaracho,
errante. En campos y ciudades, los perros callejeros son
parte de nuestro paisaje cotidiano, y su presencia silenciosa
los ha convertido en símbolos de nuestra cultura popular. En
esta instalación confluían diversas técnicas y herramientas
artísticas para crear texturas y espacios que reflejaran
conceptos de mestizaje, abandono y ausencia. Una mirada
del entorno como la que tendría un perro errante: muros
intervenidos con grafitti, el interior de una casa derruida, la
vitrina de una tienda de objetos baratos. El recorrido incluía,
además, una gran imagen a colorear por los asistentes y un
pasillo tapizado con pieles (artificiales) de perros.
voyeur, behind a spy glass. Visitors entered the interior,
central space as if they were entering into a city, but upon
arriving at the end they found themselves in a scene of the
old rite of “vigil of the angel”, musicalized with songs by
Violeta Parra and Víctor Jara.
This work won the 2007 UNESCO Prize for the Promotion
of Arts.
2011 – Theatre Architecture Section
The audiovisual projects “Boletos Gratis” (Free Tickets)
and “Hyper Public” of the Chilean architects Rodrigo
Tisi and Javier Rioseco and the artist Nicolás Rupcich,
respectively, were the participating works in this version
of the Quadrennial for this section. The first video showed
images of the Chilean class “B” artist, which was taken in
the street and which used the public space as a platform
for its work. In “Hyper Public”, the visibility of various means
of communication was presented, giving drama to some
characters that form part of our popular culture.
2011 – Theatre Schools Section
The students of the four levels of Theatre Design of the
Universidad de Chile, of whom the academic Ricardo
Romero Pérez acts as director, conceived, produced, and
presented in the showing the project “Quiltrografía”, and
installation in which the mongrel is a symbol of identity:
bastard, mixed, vivacious, and errant. In countryside and
in the city, street dogs are part of our daily landscape, and
their silent presence has converted them in symbols of our
popular culture. In this installation various artistic tools
and techniques convene to create textures and spaces
that reflect concepts of cross-breeding, abandonment,
and absence. A look in the setting is modeled after that
which an errant street dog would have: entrapping walls
lined with graffiti, the interior of a demolished house, and
the glass display of a store with cheap objects. The journey
included also included a large colouring book image for the
attendees and a passageway covered with artificial dog fur.
125
2015 – Sección Países
“La paradoja del espectador”, dispositivo escénico diseñado
por la curadora de la muestra y diseñadora teatral María
Teresa Lobos Rubilar, representa a Chile en la PQ2015. La
muestra expositiva de la obra de 14 diseñadores escénicos
y 24 obras de teatro, danza y ópera permite al visitante
recorrer el acontecer de esta disciplina en los últimos
cuatro años en nuestro país. La instalación consiste en un
recorrido por las distintas atmósferas escénicas de teatro
chileno, que se organizan como atmósferas dramáticas y
de color.
2015 – Countries Section
“The spectator paradox”, a set design piece created by
the curator of the showing and theatre designed María
Teresa Lobos Rubilar, will represent Chile in the PQ2015.
The expository showing of the work of 14 set designers and
24 theatre, dance, and opera pieces will permit the visitor
to journey through the happening of the last four years in
this discipline in our country. The installation consists of
a journey through the distinct scenic atmospheres of the
Chilean theatre, which are organized as atmospheres of
drama and colour.
2015 – Sección Escuelas de Teatro
Para esta sección los estudiantes de Diseño Teatral de
la Universidad de Chile, a cargo de la académica Ana
Campusano Torres, elaboraron el “Proyecto Corteza”,
propuesta visual sobre lo que significa vivir en un país
sísmico. La obra busca destacar los aspectos geográficos
que caracterizan la corteza de nuestro territorio,
transmitiendo aquello desde lo estético y a partir de la
experiencia personal y colectiva vivida en un sismo. Se suma
la idea de memoria histórica y social, lo que permite producir
un escenario histórico, sensorial y visual en un recorrido
alrededor y a través de un gran telar central que alberga un
monolito que contiene elementos simbólicos de quienes
entregaron su testimonio de su experiencia del cataclismo.
2015 – Theatre Schools Section
For this section, students of the Theatre Design major
of the Universidad de Chile, led by the academic Ana
Campusano Torres, created the “Crust Proyect”, a visual
proposal about what it means to live in a seismic country.
The piece seeks to feature the geographic aspects that
characterize the crust of our territory, transmitting it
from the aesthetic and the personal and collective lived
experiences during a seismic event. The idea of historic
and social memory is added, which permits us to produce
historic scenery that is also sensory and visual, in a journey
around and through a great central loom that houses
a monolith containing symbolic elements from which
testimonies of the cataclysmic experience will be shared.
2015 – Sección Tribus
A esta nueva sección de la muestra Chile concurre con dos
proyectos: “Centrípeto”, performance en torno al diseño
con el cuerpo humano como soporte, que plantea la fusión
de la escultura y el diseño de indumentaria teatral, usando
como soporte material el mimbre y crin aplicados a un
volumen viviente, en movimiento: el cuerpo humano, eje de
esta indumentaria escultórica. La obra busca crear cinco
personajes que narran una historia en sí mismos a través de
un video creado para cada uno. El proyecto fue diseñado y
realizado por Loreto Monsalve, diseñadora teatral.
2015 – Tribes Section
In this new section of the Chilean showing, two projects are
features: “Centripetal”, a performance showing the design
of the human body as a support that poses the fusion of the
sculpture and clothing design of the theatre, using wicker
and horsehair as a material base applied to living volume, in
movement: the human body, axis of this clothing sculpture.
The piece seeks to create five characters that narrate
their stories through a video created for each of them. The
project was designed and carried out by Loreto Monsalve,
theatre designer.
“Proyecto Selk’nam”, en tanto, es una performance
consistente en la caminata de los espíritus del Hain por las
calles de la ciudad de Praga, una representación de esa
Europa que hace un siglo los exterminó y los capturó para
ser exhibidos. Sin embargo en esta oportunidad caminan
libres bajo la forma de los espíritus que protegieron a
sus ancestros en el ritual de iniciación (Hain). Al final del
recorrido los espíritus revelan un mapa que permite a los
espectadores apreciar la enorme distancia entre Tierra del
Fuego y la ciudad de Praga. La obra, realizada por Complejo
Conejo, colectivo de estudiantes y egresados de Diseño
Teatral y Actuación teatral de la Universidad de Chile,
experimenta con el vestuario, realizado con arpillera y
otros materiales nobles, los que contrastan con cortes que
dejan ver el rojo de terciopelo, utilizando también tintes
naturales cercanos a la pintura corporal utilizada en el Hain.
“Proyeto Selk’nam” is a performance consisting of a march
of spirits of the Hain through the streets of the city of
Prague, a representation of this Europe that marks a
century since they were exterminated and captured to be
exhibited on display. However, through this opportunity
they walk freely beneath the form of spirits that protected
their ancestors in the ritual of initiation (Hain). In the end,
the journey of the spirits reveals a map that permits the
spectators to appreciate the enormous distance between
Tierra del Fuego and Prague. The piece, carried out by
Complejo Conejo, a collective of students and graduates
of the Theatre Design and Acting major of the Universidad
de Chile, experiment with costuming, realized with burlap
sacks and other noble material that contrast with the cuts
of red velvet, utilizing natural hues closely resembling the
body paint used in the Hain.
126
Participaciones chilenas
en la Cuadrienal de Diseño y Espacio Escénico de Praga
Chilean participations in the Prague Quadrennial of Performance Design and Space
1967 - Sección Países
Las óperas de Mozart
Bernardo Trumper,
Claudio Goeckler,
Mario Tardito,
Juan Carlos Castillo,
Maya Mora y
Edith del Campo
1999 - Sección Escuelas
de Teatro
2003 - Sección
Escuelas de Teatro
Instalación de los estudiantes
de la Universidad de Chile
Rodrigo Adaos
Instalación Proyecto
Chile-Praga 2003,
Salón de Alumnos
Escuela de Teatro de la Universidad de
Chile y Sergio Valenzuela
1995 - Sección Países
1999 - Sección Homenajes
2007- Sección Países
32 artistas escénicos
nacionales
presentados por
Eduardo Jiménez,
Germán Droghetti,
Edith del Campo y
Exposición Escenográficos:
por la ruta de Bernardo Trumper
Purgatorio,
de Mauricio Celedón
Eduardo Jiménez
Curatoría a cargo
Ramón López
Edith del Campo
de Sergio Zapata
127
2007 - Sección
Escuelas de Teatro
ReversibleSociedad Inmaterial
Curatoría a cargo de Maite Lobos
Rubilar. Premio Unesco para la
Promoción de las Artes
2011 - Sección
Arquitectura Teatral
Boletos Gratis (Cheap Tickets)
Rodrigo Tisi
Hyper Public
Javier Rioseco y Nicolás Rupcich
2011 - Sección Escuelas
de Teatro
Quiltrografía
Diseño Teatral de la Universidad de
Chile y Ricardo
2015 - Sección
Escuelas de Teatro
Corteza
Diseño Teatral de la Universidad de
Romero Pérez
Chile y Ana Campusano Torres
2015 - Sección Países
2015 - Sección Tribus
La paradoja del
espectador
Maite Lobos Rubilar
Centrípeto
Loreto Monsalve
Proyecto Selk’nam
Complejo Conejo
MINISTERIO DE RELACIONES EXTERIORES DE CHILE
MINISTRY OF FOREIGN RELATIONS OF CHILE
Heraldo Muñoz Valenzuela
Ministro de Relaciones Exteriores
Heraldo Muñoz Valenzuela
Minister of Foreign Relations
Edgardo Riveros Marín
Subsecretario de Relaciones Exteriores
Edgardo Riveros Marín
Undersecretary of Foreign Relations
Pablo Rodrigo Gaete Vidal
Embajador de Chile en la República Checa
Pablo Rodrigo Gaete Vidal
Ambassador of Chile in the Czech Republic
Rodrigo Espinosa Marty
Director de Asuntos Culturales
Rodrigo Espinosa Marty
Director of Cultural Affairs
Dita Aguilera Grubnerová
Encargada de Asuntos Culturales
de la Embajada de Chile en la República Checa
Dita Aguilera Grubnerová
Cultural Affairs, Supervisor
of the Embassy of Chile in the Czech Republic
Patricia Lobos Aguirre
Coordinación y Producción General.
Encargada del Área de Teatro y Danza,
Dirección de Asuntos Culturales.
Patricia Lobos Aguirre
General Coordination and Production.
Administrator, Theatre and Dance Area,
Cultural Affairs Board
Constanza Rojas Rodríguez
Coordinación y apoyo logístico,
Dirección de Asuntos Culturales.
Constanza Rojas Rodríguez
Coordination and logistical support
Cultural Affairs Board
Rodrigo Garretón Beeche
Diseño gráfico, Dirección de Asuntos Culturales
Rodrigo Garretón Beeche
Graphic design, Cultural Affairs Board
CONSEJO NACIONAL DE LA CULTURA Y LAS ARTES
NATIONAL COUNCIL OF CULTURE AND THE ARTS
Ernesto Ottone Ramírez
Ministro Presidente del Consejo Nacional
de la Cultura y las Artes
Ernesto Ottone Ramírez
Minister of the National Council
for Culture and the Arts
Lilia Concha Carreño
Subdirectora Nacional
Lilia Concha Carreño
Under Secretary
Ramón Solís Muñoz
Jefe de la Unidad de Asuntos Internacionales
Ramón Solís Muñoz
Head of the International Affairs Unit
Gonzalo Marín Bianchi
Jefe del Departamento de Fomento de las Artes
y las Industrias Creativas
Gonzalo Marín Bianchi
Head of Development of the Arts
and Creative Industries
Francisca Maturana Fernández
Coordinadora Internacional de las Áreas Artísticas
y Elencos, Unidad de Asuntos Internacionales
Francisca Maturana Fernández
International Coordinator of Artistic Areas and Teams,
International Affairs Unit
Natalia Vargas Arriagada
Coordinadora del Área de Teatro
Natalia Vargas Arriagada
Coordinator of the Theatre Unit
Directora de arte
Soledad Poirot Oliva (CNCA)
Soledad Poirot Oliva (CNCA)
Art direction
Editor y productor editorial
Aldo Guajardo Salinas (CNCA)
Aldo Guajardo Salinas (CNCA)
Editor and editiorial producer
SECCIONES
SECTIONS
Sección Profesional
La paradoja del espectador
Curatoría: María Teresa Lobos Rubilar
Producción técnica Sección: Andrés Poirot Vilamitjana
Professional Section
The spectator paradox
Curatorship: María Teresa Lobos Rubilar
Section technical production: Andrés Poirot Vilamitjana
Sección Estudiantes
Proyecto Corteza
Profesora Responsable: Ana Luisa Campusano Torres
Students Section
Crust Project
Responsable Teacher: Ana Luisa Campusano Torres
Sección Tribus
Proyecto Centrípeto
Loreto Monsalve Campos
Tribes Section
Centripetal project
Loreto Monsalve Campos
Proyecto Selk’nam
Colectivo Complejo Conejo
Proyecto Selk’nam
Colectivo Complejo Conejo
Coordinación
Patricia Lobos Aguirre (Dirac), Francisca Maturana
Fernández (CNCA), Natalia Vargas Arriagada (CNCA)
Coordination
Patricia Lobos Aguirre (Dirac), (Dirac), Francisca Maturana
Fernández (CNCA), Natalia Vargas Arriagada (CNCA)
Traducción
ContactChile Comunicaciones S.A.
Translation
ContactChile Comunicaciones S.A.
© Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, 2015
© National Council of Culture and the Arts, 2015
© Dirección de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, 2015
© Cultural Affairs Board of the Ministry of Foreign
Relations, 2015
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Intellectual Property Registration Nº 253.778
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2000 copies.
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Impresión: Quad/Graphics Chile S.A.
First edition
Printing: Quad/Graphics Chile S.A.
2015
2015
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We would like to thank the following people, especially
for their support in the production of this shipping:
Dita Aguilera, Claudia Barattini, Ana Elodia Castro, Lucía
De la Maza, Edith Del Campo, Catalina Devia, Germán
Droghetti, Paula Flores, Felipe Hernández, Soledad
Hernández, Christopher Morales, Magdalena Moreno,
Alejandra Ortega, Igor Pacheco, Gloria Pino, Juan Andrés
Rivera, Guido Reyes, Andrea Serrano, Mario Soto, Rocío
Troc, Sergio Valenzuela, Angélica Valderrama, Katiuska
Valenzuela, Asociación Nacional de Diseñadores Escénicos,
Fundación Imagen de Chile, Mesa Asesora de Diseñadores
Escénicos Convocada por la Dirac, Unidad de Extensión del
Departamento de Teatro y Vicerrectoría de Investigación y
Desarrollo de la Universidad de Chile.
Dita Aguilera, Claudia Barattini, Ana Elodia Castro, Lucía
De la Maza, Edith Del Campo, Catalina Devia, Germán
Droghetti, Paula Flores, Felipe Hernández, Soledad
Hernández, Christopher Morales, Magdalena Moreno,
Alejandra Ortega, Igor Pacheco, Gloria Pino, Juan Andrés
Rivera, Guido Reyes, Andrea Serrano, Mario Soto, Rocío
Troc, Sergio Valenzuela, Angélica Valderrama, Katiuska
Valenzuela. National Association of Scenic Designers,
Fundación Imagen de Chile, Scenic Designers Advisory
Committee convened by Dirac, Department of Theatre
Extension Unit and Vice-Rector of Research and
Development at the University of Chile.