Festival de Danza de Córdoba

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Festival de Danza de Córdoba
La edición en español de la revista Dance Europe
Nº 3 Diciembre 2009 5.50€
David McAllister, Ann
Sholem, Irena Pasaric,
Martin Schläpfer y
Sharon Watson
¿Qué buscan?
Festival de Danza
de Córdoba
John Neumeier
y Roberto Bolle
Fernando Alonso
Paul Liburd
Danielle Rowe
Dancing City
San Petersburgo
12
9 772041 884000
Gente
Reportajes
22
30
42
¿Qué buscan?
14
Paul Liburd
48
Fernando Alonso
56
Danielle Rowe
DEBORAH WEISS les pregunta a otros cinco directores qué
bailarines se llevarán los puestos de trabajo más codiciados
Dancing City: San Petersburgo
MIKE DIXON reporta sobre una nueva iniciativa
del Teatro Mikhailovsky y recorre la ciudad
Festival Danza de Córdoba
EMMA MANNING visita la edición mexicana del Youth
America Grand Prix y tiene una gran impresión
Actualidad
6
8
51
78
82
John Neumeier y Roberto Bolle
Contenido
10
Entre Nous
Carta
Audiciones y Trabajos
Calendario Internacional
Página de personalidades
La portada: Anais Bueno y Daniel Camargo en el pas de deux paysan
de Giselle en el Festival Danza de Córdoba. Foto: Jorge Coria
DEBORAH WEISS le pregunta al director y al bailarín
principal sobre su nueva creación
MARY BRENNAN conoce a uno de los nominados al
Critics’ Circle National Dance Award de este año
TOBA SINGER habla con el legendario director
cubano que cumple 95 años este mes
PHIL CHAN se encuentra con la bailarina principal
tomando un descanso con Morphoses
Funciones
18
Muerte y Amor
26
Festival de Danza de Holanda
36
El lago de los cisnes de Greve
38
De Siberia a Moscú
40
Comedy of Change
EMMA MANNING escribe sobre Mary Vetsera de
Melissa Hamilton y el retorno de Cojocaru a Aurora
ALI MAHBOUBA asiste las funciones que dieron el
pistoletazo de partida al festival de La Haya
DEBORAH WEISS evalúa una fusión de estilos
convencionales con algunas adiciones intrigantes
MARGARET WILLIS analiza un ballet eestrenado
después de un centenario de olvido
DEBORAH WEISS reflexiona sobre el homenaje a
Darwin de Mark Baldwin

Fotos: Holger Badekow, Bill Cooper, Andrew Ross
DANZA EUROPA
diciembre 2009
3
the School of The Royal Ballet and Birmingham Royal Ballet
Director:
Gailene Stock AM
Founder:
Dame Ninette de Valois
OM CH DBE
A Dream Team
Photo: Johan Persson
Your talent. Our training.
46 Floral Street · Covent Garden · London WC2E 9DA
Website: www.royalballetschool.co.uk
Tel: +44 (0)20 7836 8899 Fax: +44 (0)20 7845 7080
Email: [email protected]
Pictured: Elisa Badenes (Graduate 2009) and Joseph Caley (Graduate 2005, now First Soloist of Birmingham Royal Ballet)
Funciones continuación
59
Limen
60
Morphoses
63
EMMA MANNING está desencantada con el último estreno
del Royal Ballet.
DEBORAH WEISS y DONNACHADH McCARTHY
estudian los estrenos y reestrenos en Sadler’s Wells
América
Suzanne Farrell Ballet
Apollo/La Sonnambula/The Unanswered Question...
DANZA EUROPA
P.O. Box 12661, London E5 9TZ,UK
Tel: +44 (0)20 8985 7767
Fax: +44 (0)20 8525 0462
www.danzaeuropa.net
http://dropbox.yousendit.com/DanceEurope
Editora Emma Manning
[email protected]
Tel: +44 (0)20 8533 7815
Editora en español Elia Luyando
Jefe de Publicidad Naresh Kauldhar
[email protected]
Tel: +44 (0)20 7682 1733
mobile: +44 (0)7981 945320
skype: nareshdanceeurope
Washington Ballet Don Quixote
Gerente de anuncios Maria Teresa Del Real
[email protected]
skype: mariadanzaeuropa
Boston Ballet World Passions
Paris Advertising NETA +33 (0)1 43 87 08 68
Lucinda Childs Dance/Concerto Largo
Editora del Calendario Internacional de
Actuaciones Deborah Weiss
[email protected]
Gala Transicicón para bailarines en Nueva York
67 Críticas
Independent Ballet Wales
Qué verde era mi valle
Traductores españoles
Damián Rafael Donéstevez de Mendaro
González
Justine Tania Bayod Espoz
Fotógrafo Asociado Bill Cooper
Consultora Editorial Clare Taylor
Sangre Nueva, Jóvenes Flamencos
Ballet Real de Flandes La evolución del ballet
Ballet du Capitole Maestros del siglo XX
Vanemuine Theatre Ballet Kevade (Primavera)
Wendy Houstoun Keep Dancing
Dutch National Ballet Concerto
Mark Morris Dance Group
Bedtime/V/Empire Garden
Tanz Theater Braunschweig
Geschlossene Gesellschaft
English National Ballet Giselle
Fabulous Beast/ENO La consagración de la primavera
Ballet Nacional de Estonia Los tres mosqueteros
The Young Dancers’ Company Esperanza
Northern Ballet Theatre Cumbres borrascosas
Queensland Ballet
Steps for Strings/ Chant d’Amour/Nineteen
75
Asia
Danscross en Beijing
DONALD HUTERA reporta sobre una nueva
iniciativa coreográfica
Administradora Katie Harrington
[email protected]
Sumario japonés Yuki Nagano
Críticos de danza y escritores
Gloria Benedikt, Natalie Axton, Mary Brennan,
Phil Chan, Judith Delme, Mike Dixon, Claire
Dommett, Justine Bayod Espoz, François
Fargue, Maggie Foyer, Alessandra Gallone,
Jane Hackett, Patrick Hurde, Donald Hutera,
Jamaludin Bin Jalil, Alison Kent, Tim Martin,
Ali Mahbouba, Donnachadh McCarthy, Aoife
McGrath, David Mead, Bruce Michelson, Mia
Nadasi, Yuki Nagano, Catherine Pawlick,
Marina Radina, Malcolm Rock, Nicholas
Rowe, Toba Singer, Kate Snowden, Stuart
Sweeney, Iva Visak, Deborah Weiss, Viki
Westall.
Dance Europe fue fundada en noviembre de 1995
y Danza Europa fue lanzada en octubre de 2009.
Son publicadas 11 veces al año y distribuidas a
todo el mundo por: Comag Specialist Division,
Londres y sus asociados. Suscripciones individuales,
ejemplar sencillo, pasadas ediciones y versiones
digitales, se encuentran disponibles online en www.
danceeurope.net. Solicitar precios para Bibliotecas e
Institutos. Ninguna parte de esta revista deberá ser
reproducida sin el consentimiento escrito del editor.
Contribuciones por cuenta propia son bienvenidas,
especialmente de escritores que han trabajado como
bailarines profesionales. Nuevos escritores deberán,
en primera instancia, someter a consideración una
reseña corta o artículo acompañado por un CV.
Fotos enviadas por e-mail o vía nuestro dropbox,
necesitan ser 300dpi y deben ser claramente capturadas en Photoshop File Info.
© Dance Europe 2009
Hamburgo y Londres
Reseña Japonesa por Yuki Nagano
Fotos: Carol Pratt, Jani Renajera, Erin Baiano, Teatro Español, Wei Bing
DANZA EUROPA
diciembre 2009
5
Entre Nous
Monaco
P
ocos lugares del mundo
pueden afirmar tener un
enlace tan fornido con los
Ballets Russes como Mónaco
- Diaghilev pasó casi dos
décadas en el principado – y para celebrar
el centenario, el Fórum de Danza de
Mónaco y los Ballets de Monte-Carlo
han concebido un ambicioso programa
que tendrá lugar entre el 9 de diciembre
y el 18 de julio. Acertadamente titulado
Act I (Acto I), la primera parte (9 de
diciembre - 3 de enero) se enfoca en
las nuevas adaptaciones del repertorio
de los Ballets Russes, incluyendo la
versión de Shéhérazade de Alonzo King;
dos versiones diferentes de Faunes
de Nijinsky, Momboye, Chouinard,
Kylián, Malandain y Maillot; Cía. Marie
Chouinard y Cia. Georges Momboye,
ambos ofreciendo sus diferentes
producciones de Prélude à l’Après-midi
d’un Faune y Le Sacre du printemps; el
Ballet de Hamburgo con Nijinsky de John
Neumeier; Rite of Spring - Summer of
Love de Karole Armitage; y In the Spirit of
Diaghilev (En el espíritu de Diaghilev), que
se presentó recientemente en Sadler’s
Wells, con Dyad 1909 de McGregor, Faun
de Cherkaoui, Eternal Damnation de De
Frutos y el radiante Afterlight de Russell
Maliphant. www.balletsdemontecarlo.
com. En la foto - Alonzo King LINES
Ballet - Laurel Keen and Brett Conway in
Shéhérazade. Photo: Marty Sohl
Move It
MOVE IT, el evento británico programado entre el 12 y el 14 de marzo del
2010, busca concursantes para su competición de danza en línea ‘Get On
Stage’. La búsqueda se ha iniciado para tratar de encontrar los bailarines
y compañías de danza más sensacionales del Reino Unido, las que
serán invitadas a actuar sobre un escenario de Londres enfrente de
un público de 5,000 personas. El jurado incluye a Erin Boag y Matthew
Bourne. Los aspirantes tienen que completar un formulario de inscripción
en www.moveitdance.co.uk y subir su vídeo en www.moveitdance.co.uk/
getonstage.
6
DANZA EUROPA
diciembre 2009
Vladimir Vasiliev
Youth America Grand Prix
Abiertas a jóvenes bailarines de
todo el mundo, las finales del Youth
America Grand Prix 2010, la mayor
competición de estudiantes de ballet
del mundo, tendrá lugar en Nueva
York del 21 al 25 de marzo. A las
finales seguirán dos extraordinarias
galas en el City Center: Stars of Today
meet the Stars of Tomorrow (Estrellas
de hoy conocen a las estrellas de
mañana), en la que concursantes
seleccionados de la competición
tendrán la oportunidad de bailar
junto a artistas internacionales
invitados, el 26 de marzo; y
Vladimir Vasiliev: a Gala Tribute
to a 20th century Dance Legend
(Vladimir Vasiliev: una gala de tributo
a una leyenda de la danza del siglo
XX), un tributo ejemplar al famoso
bailarín del Bolshoi el 27 de marzo.
Dance Europe entregará una vez más
un premio de US$ 1,000 a un Bailarín
Sobresaliente - un premio ganado
previamente por Sergey Polunin (que
ahora es primer solista en el Royal
Ballet) y Elisa Badenes Vázquez
(ahora con el Ballet de Stuttgart).
Bailarines que desean
competir para las varias
becas que se
ofrecen (escuelas
participantes
incluyen la Escuela
del Royal Ballet, la
Escuela John Cranko, la
Escuela del Ballet de Hamburgo,
la Academia Princess Grace de Danza
Clásica, la Escuela de Danza de
Nueva Zelanda y muchas más) y que
no puedan asistir a las semi-finales
(la última tiene lugar en Osaka este
mes), pueden enviar una aplicación
en vídeo a YAGP Regional Office, 212
Bloomsbury Avenue, Catonsville, MD
21228-5222, USA. Foto: Bill Cooper
NBT Romeo
El Northern Ballet Theatre (NBT) ha
sido nominado al más importante de
los Premios de Teatro del Manchester
Evening News (MEN) por su producción
de Romeo y Julieta, que interpretó en el Teatro
de la Opera de Manchester del 27 al 30 de
mayo del 2009. Otros nominados son
Carlos Acosta en el Lowry; Rambert
Dance Company, A Linha Curva en el
Lowry; English National Ballet en Manon en el
Teatro Palace y Birmingham Royal Ballet, Triple
Bill en el Lowry. El ganador será anunciado en
una ceremonia deslumbrante a la que asistirán
estrellas del escenario y la pantalla el 8 de
diciembre en el Midland Hotel de Manchester.
En la foto - Victoria Sibson de Señora Capuleto
y Darren Goldsmith de Teobaldo en Romeo &
Julieta de Northern Ballet Theatre.
Foto: Merlin Hendy.
British Dance Edition
British Dance Edition es una iniciativa
celebrada cada dos años, por DanceExchange
de Birmingham para perfilar obras nuevas
o ya existentes de los principales artistas,
compañías de danza y coreógrafos afincados
en el Reino Unido. Bajo la dirección artística
de David Massingham, BDE 2010 promete
adoptar una nueva postura con “un enfoque
a la conservación del dialogo y del discurso
creativo”. La lista de obras incluye God’s Garden (El
jardín de dios), la nueva producción de Arthur Pita y una exclusiva
mundial, Yesterday (Ayer) de Jasmin Vardimon Company, If We Go
On (Si seguimos) y In the Spirit Of Diaghilev (Al espíritu de Diaghilev).
También programado está Breakfast with Akram Khan (Desayuno con
Akram Khan), un evento de estudio con desayuno que presentará
extractos de la próxima obra de Khan Vertical Road (Calle vertical),
Sitting Room Circus (El circo de la sala de estar) de Wildwood
Productions de Will Tuckett, The Body Is The Frontline (El cuerpo
es la línea de fuego) de Rosie Kay Dance Company, LOL Lots of love
(LOL Mucho amor) de Protein y Under Glass (Bajo vidrio) de Clod
Ensemble (foto de Manuel Vason). BDE 2010 tendrá lugar del 3 al
6 de febrero 2010 y ahora delegados extranjeros pueden inscribirse
de gratis. www.bde2010.co.uk
DANZA EUROPA
diciembre 2009
7
Carta
Seasonal Fare
Amigos Británicos del
Ballet Nacional de Cuba
E
n octubre del 2004 un grupo de aficionados
británicos al ballet asistimos al Festival
Internacional de Ballet de La Habana. Todos
quedamos sumamente impresionados por
el increíble estándar de baile a todos los niveles del
Ballet Nacional de Cuba. Es de primerísima clase. Al
final de nuestra visita, nos juntamos para discutir
cómo podríamos apoyar a esta compañía que baila
bajo circunstancias muy difíciles. Hay escasez de todo,
desde zapatillas a maquillaje. A petición de Alicia
Alonso, financiamos la restauración del Estudio Anton
Dolin para que tuvieran un estudio nuevo con aire
acondicionado, que usan principalmente para trabajar
con niños. Se abrió formalmente en el festival de
2006.
Después del festival del 2006, formamos British
Friends of Ballet Nacional de Cuba (Amigos británicos
del Ballet Nacional de Cuba) para recaudar fondos
para apoyar a la compañía, y en octubre del 2008
conseguimos el estatus de organización benéfica.
Alicia Alonso, la gran prima ballerina, fundadora y
directora del Ballet Nacional, es nuestra Patrona y
Miriam Vila y Loipa Araujo son las Presidentas. El año
pasado hicimos una donación de más de £14,000 para
pelucas, vestuario, etc. para su nueva producción de
La bella durmiente, que se estrenó en el festival del
2008.
Nuestro número de socios es limitado debido
a que el Ballet Nacional no ha bailado en el Reino
Unido desde el 2006, pero va a venir la primavera
próxima, y bailarán en el London Coliseum así como
en Manchester, Birmingham y Cardiff. Alicia Alonso ha
preguntado si los British Friends podrían financiar el
nuevo vestuario y los decorados para su producción
de Magia de la Danza, que traerán al Reino Unido.
Magia contiene fragmentos de una variedad de ballets
clásicos y requiere una gran cantidad de trajes. El
coste de llevar esta nueva producción al escenario
es desalentador para nuestros pocos y relativamente
humildes socios, así que buscamos contribuciones de
otros fuera de la organización.
El Ballet Nacional de Cuba valora enormemente el
apoyo de sus amigos británicos. Si desean información
adicional sobre nuestras actividades o sobre la
Petición Magia de la Danza, el Director y Sub-director
tendrán el gusto de contestar sus preguntas. Si desean
hacerse miembros de British Friends of Ballet Nacional
de Cuba (Afiliación anual mínima £10) o si desean
hacer una donación para el proyecto Magia de la
Danza, envíen un cheque (a cobrar por BFBNC) y su
información personal a Janet Radenkovic, Secretary
BFBNC, 13 Oakley Close, London W7 3BQ, Reino
Unido. Una declaración de donativo se mandará
a todos los donantes, para que el BFBNC obtenga
un reembolso de los impuestos. Los British Friends
esperamos poder organizar algunos eventos durante
la gira de la compañía por el Reino Unido, y algunos
viajaremos al Festival Internacional de La Habana el
próximo octubre para una gran celebración de danza.
Norman Vaughton, Chairman BFBNC,
[email protected]
David Bain, Deputy Chairman BFBNC,
[email protected]
8
DANZA EUROPA
diciembre 2009
Kenta Kura como Mr Jeremy Fisher en
Tales of Beatrix Potter del Royal Ballet.
Foto: Johan Persson
M
Paris Opéra en L’Après-midi d’un faun. Foto: Christian Leiber
ientras que el Cascanueces sigue dominando la
programación navideña, hay muchas alternativas
para escoger. El Royal Ballet vuelve a estrenar el
14 de diciembre su obra apta para niños Tales of
Beatrix Potter (Los cuentos de Beatrix Potter) con Les
Patineurs en un programa doble de Ashton (www.roh.org.uk); La Opera
de Paris tiene un programa de los Ballets Russes que incluye Le Tricorne
de Massine, Petrushka y Le Spectre de la Rose de Fokine; y L’Après-midi
d’un faun de Nijinsky a partir del 12 de diciembre (www.operadeparis.
fr); Berlín Staatsballett reestrena Caravaggio de Bigonzetti desde el 2
de diciembre (www.staatsballett-berlin.de); y en Escocia, la Directora
Artística Morag Deyes ha creado un programa estrambótico, Off Kilter
(Descentrado), para Hogmanay (la celebración escocesa del año nuevo),
que se puede ver en el Teatro del Festival en Edimburgo desde el 29 de
diciembre al 2 de enero (www.festivaltheatre.org.uk). Deyes ha agrupado
a un diverso elenco de coreógrafos, bailarines, músicos y artistas para
un programa de danza tradicional del Highland escocés, hip-hop y danza
india, además de danza
Berlin Staatsballett en Caravaggio.
clásica y contemporánea.
Foto: Enrico Nawrath
El espectáculo incluye
Gemmel’s Goal (El
gol de Gemmel), una
pieza inspirada en
el espectacular gol
del futbolista Archie
Gemmel para Escocia
en la Copa Mundial de
1978 y coreografiada por
el Director Artístico de
Y-Dance Andy Howett;
Small Street (Calle
pequeña), un solo creado
por Janet Smith del Scottish
Dance Theatre y bailado con
la canción Nae Regrets de
Martyn Bennett; y nuevas
obras de Mark Morris y Ashley
Page. Después de sus funciones
en Edimburgo, Off Kilter irá
en gira a Glasgow, Aberdeen,
Perth e Inverness en enero.
Tony Mills en Off Kilter. Foto: Douglas Robertson
22, rue de la Paix
www.repetto.com
Softness
More comfortable
Carlotta
the Repetto pointe shoe
Silence
60% less noisy
For 60 years, the Repetto Company has been coming on stage with dancers throughout the world.
Marie-Agnès Gillot, Prima Ballerina of the Paris Opera Ballet
10
DANZA EUROPA
diciembre 2009
Hélène Bouchet y Roberto Bolle en un ensayo de Orpheus. Foto: Holger Badekow
John Neumeier, Hélène Bouchet y Roberto Bolle en un ensayo de Orpheus. Foto: Holger Badekow
John Neumeier
Roberto Bolle
DEBORAH WEISS le pregunta al director de Hamburgo y al bailarín principal
de La Scala sobre su nueva creación
John sobre Orfeo y Roberto
“L
a idea original de hacer un ballet basado en Orfeo vino de Jürgen
Flimm, director del Festival de Salzburgo. Teníamos la intención
de que fuera una coproducción entre el Ballet de Hamburgo y el
Festival. Hablamos sobre eso durante dos años y medio. Tuve la idea
de pedirle a Roberto que se involucrara en ello. He hecho Orpheus
dos veces anteriores: cuando fui director en Frankfurt hice la coreografía de la
ópera; luego dirigí e hice la coreografía para una producción aquí en Hamburgo
hace unos veinte años. Pero ésta es la primera vez que lo hago sólo como ballet.
“Siempre iba a ser para Roberto. Tenía que tener una idea en mi propia
imaginación creativa acerca de quién era esa persona y una estructura básica de
qué versión de la historia trataríamos de seguir, digamos, una conceptualización
DANZA EUROPA
diciembre 2009
11
John Neumeier y Roberto Bolle en un ensayo de Orpheus. Foto: Holger Badekow
instintiva de la historia. Pero no comencé la creación
hasta realmente empezar a trabajar con Roberto. Aunque
ha hecho muchas grandes obras, en realidad nunca ha
tenido una obra hecha para él, así que trabajé con él muy
cuidadosamente. Usualmente con mi compañía hubiera
tenido dos o tres elencos en el salón al mismo tiempo, pero
sentí, porque sólo ha trabajado conmigo en La Dama de las
Camelias, que debía trabajar con él solo. El es un bailarín
tan famoso; ha hecho tantos grandes papeles; tiene una
técnica fantástica, habilidad física, un cuerpo y un rostro
hermosos, todo, pero lo que me llamaba la atención desde
el principio era su sentido casi infantil de la humildad.
Todos los elementos que conforman a una estrella, o sea
ser un príncipe, ser algo que realmente no es parte de
él, parecían desaparecer. Lo que más me gusta son sus
momentos de más sencillez, en que se ve más muchacho.
Me ha ayudado a desarrollar mi concepto sobre Orfeo.
“Lo más importante del argumento para mí es la
combinación entre alguien con un talento dado por Dios,
una vocación, pero al mismo tiempo es un ser humano.
12
DANZA EUROPA
diciembre 2009
Encontrarse con Eurídice, y luego su horrible muerte, es
un accidente. La combinación entre destino y accidente es
tan conmovedora porque es absolutamente una condición
humana. El clímax del ballet ciertamente será su viaje al
otro mundo. El es un artista con cualidades únicas, pero
es un ser humano capaz de enamorarse perdidamente.
Y después, sin razón lógica alguna, se ve privado de esta
mujer y es irreconciliable; está perdido. Al mismo tiempo,
realza su arte y, a través de este sufrimiento, su arte es
único e intenta todo lo anormal, yendo al otro mundo para
recuperar su amor y, a través de su humanidad, no lo
consigue.
“Utilizo las dos obra griegas de Stravinsky, Orpheus
y Apollo. Habrá alguna otra música, porque creo que es
importante que Orfeo logre una voz única en términos
de que era músico y he utilizado un violín, en vez de una
lira. Lo que quise cuando utilicé el violín fue para hacerlo
tocable, para hacerlo moderno: un mito en un contexto
realista. Uso una obra para violín del compositor alemán
Heinrich Ignaz Franz Biber, un compositor del siglo 17
que escribió la música más extraordinaria para
este instrumento, que está siendo redescubierto
ahora.
“Mi método (de creación) es investigar algo
profundamente, particularmente algo como
Orfeo, porque hay mucha literatura sobre él. Yo
desarrollé un esquema musical, lo que significa,
lo que expresa en el tiempo, pero lo coreografía
en sí solamente sucede en el salón. Ese
momento, en que uno trata de olvidar todo lo que
uno sabe, escucha la música como si fuera por
primera vez, y el elemento de improvisación, yo
improviso y trato de dárselo a los bailarines. La
inmediatez y la tensión justo antes de que uno
comienza es importante y luego sólo sé hacia
dónde voy una vez que he comenzado. El texto
coreográfico debe llevarte al próximo sitio. Y la
música es más importante. Es como el piso para
mí. Sin él no podría moverme. Y hay días que
son más difíciles que otros. Uno tiene días en
que fluye a través de uno y días en que uno tiene
que utilizar su destreza. Si continúo trabajando,
entonces encuentro el próximo filón.
“Yo sí (cambio cosas). Creo que la danza es
un arte vivo, no como la pintura o la escritura.
La ventaja de ser director y coreógrafo, porque
veo cada actuación, es que soy libre de cambiar
cosas en todo momento. Uno sí crece y, a través
de la experiencia, pienso que uno mejora. Admita
eso y permítase mantener la obra viva. A mis
bailarines les encanta porque constantemente
contribuyen a lo que es el tiempo presente del
ballet. Y es tan importante juzgar tu propia obra
de forma crítica que al final tú dices, ¿es verdad
eso? ¿Creo en eso? ¡O es algo ante lo que, por
unos cuantos minuto, cierro mis ojos!”
Roberto sobre John y su papel como Orfeo
“E
“Para mí, en
Orfeo puedo
encontrar
partes de mí
mismo, en la
sensibilidad
del personaje,
la profundidad,
especialmente
cuando está
perdido.”
ste es el primer papel que
han creado para mí. Es algo
extraordinario porque he
bailado tantos roles, clásicos,
modernos, por todo el mundo
y con diferentes parejas, así que es una gran
oportunidad. (John) es uno de los grandes
coreógrafos del mundo, especialmente en los
ballets narrativos. Es un momento maravilloso
para mí, para mi experiencia y mi carrera.
“Estaba nervioso, muy nervioso,
especialmente al principio, cuando empezamos
en septiembre. Es un ballet completo, un gran
papel, aunque había trabajado con John en
La Dama de las Camelias, nunca lo habíamos
hecho en una nueva producción, así que tuvimos
que ver cómo trabajaríamos juntos. Durante la
primera semana, ¡tengo que decir que ambos
estábamos un poco nerviosos! Uno planea un
importante proyecto, pero si nunca has trabajado
con el artista, no sabes cómo va a ser. Estaba un
poco tenso. Pero John estuvo muy complacido
al final de la primera semana y sentimos que
emocionalmente estábamos pensando en la
misma frecuencia.
“John absolutamente encabezaba mi lista,
si alguna vez alguien iba a crear algo para mí,
especialmente después de La Dama de las
Camelias. Ese fue el primer momento en que
había trabajado con él y me encantó. Me encantó
la intensidad del papel (Armand), el significado
de cada gesto, cada paso, la musicalidad, las
emociones. Tenía un gran deseo de trabajar con
él de nuevo. Lo más extraordinario de laborar con
él es su habilidad para encontrar significado en
cada paso y la investigación de cada aspecto, la
musicalidad, el uso de la música de Stravinsky,
así como alguna otra música electrónica que
usamos para el otro mundo. De cada paso él
es capaz de crear un sentimiento que es muy
intenso. También es muy difícil para mí, porque
no estoy acostumbrado (al proceso creativo).
Estoy acostumbrado a prepararme a partir de
videos o viendo funciones. Es un gran reto.
Veo que en su compañía, están listos, conocen
su vocabulario y son mucho más rápidos que
yo. ¡Trato de ser tan rápido como puedo! ¡Soy
sincero, puedo decirle a John que voy a dar un
100%, pero no es fácil!
“He descubierto algo en mí mismo
emocionalmente. Trabajando con un coreógrafo
tan bueno como John, él es capaz de mirar todos
los aspectos, las posibilidades físicas, el artista.
Siento que crezco todos los días; es capaz de
dar más y yo puedo dar más, es algo realmente
especial.
“Al comenzar los ensayos, John nos leyó un
libro sobre Orfeo que, para él, fue muy inspirador.
Quiso que nosotros conociéramos cuáles eran
las partes particularmente conmovedoras. Así
que de alguna manera nos estaba inspirando,
aún cuando era sólo escuchar pasajes de
música, tales como el largo solo de violín de
Biber. Un día sólo escuchamos eso. En un
sentido nos guió. Para mí, en Orfeo puedo
encontrar partes de mí mismo, en la sensibilidad
del personaje, la profundidad, especialmente
cuando está perdido. Algunos segmentos son
muy emotivos y me gusta cuando hay tristeza
que uno puede expresar. El rango emotivo es
realmente grande, pero siento que soy capaz de
expresar mucho. Todavía no hemos terminado el
ballet, pero cuando regrese, sé que va a haber
un período de ensayos en el escenario, y me he
preparado para eso y sé que va a ser muy difícil,
John me dijo: ‘toma muchas vitaminas’, así que
¡estoy listo para ello!
“Me ha dado una sed de trabajar con otros
coreógrafos. Es muy importante como artista y es
algo que siempre quise hacer, pero no ha habido
tiempo. Me encantaría hacer más, descubrir
cosas que no puedo descubrir si estoy haciendo
siempre las mismas cosas.”
DANZA EUROPA
diciembre 2009
13
Paul Liburd
MARY BRENNAN conoce al cautivador bailarín
principal del Ballet Escocés
M
ayo de este año, el Ballet Escocés partía para una
gira a China ansiosamente esperada - Paul Liburd,
con su maleta empaquetada y pasaporte en mano,
no estaba de humor para empezar a abrir el
correo. Sin embargo, un sobre decía “A servicio de su Majestad”
grabado en la parte superior. “Recuerdo haber pensado ‘¿qué
es esto? Estoy a punto de irme, ¿hay algún problema?’ Y
empiezo a ponerme algo nervioso. Y cuando lo abrí, me quedé
mudo. Estaba impactado. Realmente impactado.” Liburd se
ríe, acordándose de cómo – una vez que había digerido la
noticia de que su nombre aparecería en la Lista de Honores del
Cumpleaños de la Reina 2009 – tuvo que permanecer mudo,
hasta la China y de vuelta, pues no podía decirle a nadie de la
compañía que iba a ser honrado por su servicio a la danza con
un MBE. No fue hasta junio, cuando las listas se publicaron
oficialmente, que la noticia de su ‘gong’ se hizo pública. 14
DANZA EUROPA
diciembre 2009
Paul Liburd como Mercutio y Ballet Escocés en Romeo y Julieta de Pastor. Foto: Andrew Ross.
Paul Liburd. Foto: Andrew Ross
DANZA EUROPA
diciembre 2009
15
Hitos
Nacido el 11 de octubre de 1968
en Leeds
Estudios de danza: London
School of Contemporary Dance
Compañías: London Contemporary
Dance Theatre, Irek Mukhamedov
& Dancers, Rambert Dance
Company, Scottish Ballet (solista)
Repertorio en el Ballet
Escocés: De Page El
cascanueces, 32 Cryptograms,
Refurbished Behaviour, The
Pump Room, Room Of Cooks, La
Cenicienta (El maestro de danza),
Fearful Symmetries, La bella
durmiente (El rey y el príncipe
rumano), Pennies From Heaven
y Cheating, Lying, Stealing. De
Balanchine Agon, Los Cuatro
Temperamentos (Melancólico/
Flemático), Rubíes y Episodios.
De Forsythe Artifact Suite y
Workwithinwork. Façade de Ashton,
La siesta de un fauno de Robbins,
For M.G.: The Movie de Brown,
In Light And Shadow y Romeo y
Julieta (Mercucio y Fray Lorenzo)
de Pastor, MiddleSexGorge y Ride
The Beast de Petronio, Chasing
Ghosts y Lull de Loosmore, Träume
de Dean, Petrushka de Spink y
Carmen (Escamillo) de Alston. Premios: Cosmopolitan/Scholl
Award en 1985; BBC Yorkshire
Black Achievers Award en 1992;
Critics’ Circle Award por Mejor
Bailarín (Contemporáneo) 2005;
MBE por su servicio a la danza en
los honores del cumpleaños de la
Reina 2009.
Nominado al Critics’ Circle National
Dance Award 2009 - The Dancing
Times Award por Mejor Bailarín con Federico Bonelli y Colin Dunne.
16
DANZA EUROPA
diciembre 2009
Paul Liburd en The Pump Room de Ashley Page. Foto: Bill Cooper.
A Liburd todavía le parece imposible. “Es un
honor tan grande,” dice calladamente. “Que me
den esto por algo que quiero tanto – trabajar
de bailarín...” El amor por la danza empezó
durante su juventud en Leeds. Sólo que también
tenía un don para los deportes. “Si, estaba
indeciso sobre cual de los dos le gustaba más.
Me acuerdo de cuando tenía 14 años y tuve que
tomar una decisión – o el equipo de deporte
de la escuela o una función de danza con el
grupo juvenil.” Su sonrisa dice que no lamenta
que la danza haya ganado. Los públicos que le
han visto sobre el escenario – con el London
Contemporary Dance Theatre, Rambert Dance
Company y últimamente con el Ballet Escocés
– aplaudirían la decisión que le sacó del camino
de los deportes y le llevó a la interpretación
de repertorio que suena como una lista de los
grandes e influyentes coreógrafos del siglo XX. En 1985, cuando un joven Liburd saltó
por las paginas satinadas de Cosmo – ganó
el Premio Cosmopolitan/Scholl ese año – no
había nada que sugiriera que Balanchine, o
cualquier cosa remotamente conectada con
el ballet clásico figuraría en su futura carrera.
Simplemente parecía y se movía como la
salvación de la escena de danza contemporánea
del Reino Unido. Se podría decir, por supuesto,
que en ese momento en que había muy pocos
bailarines negros en nuestras compañías
profesionales, Liburd se hubiera notado. En
realidad lo que siempre le ha hecho notable a los
críticos y al público, es su calidad como bailarín:
su elegancia y fuerza, y también su presencia
carismática sobre el escenario. Después de
devorar acres de espacio con una energía fina
y feroz, Liburd fascina al público de pie en el
escenario con una quietud total, nunca arrogante
pero de alguna manera innatamente noble.
‘Majestuoso’ es, de hecho, una palabra que se
repite frecuentemente en las críticas de su trabajo
con el Ballet Escocés.
Ah si – el Ballet Escocés. Después de entrenar
en el London School of Contemporary Dance,
Liburd se unió al ahora difunto y muy lamentado
London Contemporary Dance Theatre (LCDT)
antes de cambiarse, en 1992, a Rambert Dance
Company (que estaba bajo la dirección de
Richard Alston en ese momento). Se quedó
ahí durante 12 años, manteniéndose leal con
Rambert durante un tiempo de considerable
agitación – no sólo echaron a Alston de Rambert,
sino que el LCDT dejo de existir por completo.
Liburd todavía se siente perplejo y triste por
lo sucedido. “No me lo podía creer. Ya estaba
en Rambert, y sabía que eran compañías muy
distintas. Cada una tenía una identidad propia,
un repertorio distinto, un estilo único. London
Contemporary se basaba más en Graham, Rambert en ese
momento se basaba más en Cunningham. Había sitio para las dos
compañías. Fue una pérdida terrible, una sorpresa para todos”.
Liburd hizo sus propias olas cuando empezó a bailar
con el Ballet Escocés en otoño del 2004. Sus últimos meses
con Rambert le trajeron el elogio de Bailarín Sobresaliente
(Contemporáneo) en los Premios Nacionales de Danza del
Círculo de Críticos (2004) – ¿Por qué cruzar la frontera a
Glasgow? ¿Y a una compañía clásica? Liburd se ríe y admite
que quería hacer algo diferente antes de dejar la danza - y,
seguramente lo encontró cuando entró en la sede del Ballet
Escocés en Glasgow West End. “Llegué muy temprano por la
mañana,” dice “y había varias bailarinas con sus zapatillas de
punta... Nunca había vivido algo semejante. ¿Te dio miedo?
Absolutamente. ¡Creo que me quedaba en el rincón cuando
dábamos clase durante el primer par de meses!”
Sin embargo, pronto estaba de nuevo en el centro del
escenario. Ashley Page, Director Artístico de la compañía, creó
Pump Room para Liburd, un cuarteto humeante e intensamente
físico donde exhibió su proeza junto a Jarkko Lehmus, Diana
Loosemore y Sophie Martin. Siguieron otros roles hechos
especialmente para él. Cuando Krzysztof Pastor montó su In
Light and Shadow (En la luz y la sombra) con el ballet, cambió
parte de la coreografía para que destacase Liburd. En 2008,
cuando volvió Pastor para crear un nuevo Romeo y Julieta para
la compañía, vistió a Liburd muy diferente: aunque en la primera
obra había aparecido con pecho al aire, fundido y majestuoso en
un sarong metálico, ahora llevaba el traje de lino de Mercucio,
tan aseado como un dandi pero peligrosamente travieso – hasta
un poco amanerado y coquetón – mientras mofa al rígido
Teobaldo. Liburd obviamente aprecia mucho la experiencia.
Paul Liburd y Patricia Hines en Room of Cooks de Ashley Page. Foto: Andrew Ross
“Una de las cosas mejores y más gratificantes que he hecho en
el Ballet Escocés es trabajar con Krzysztof. Y se lo agradezco
muchísimo. Para Mercucio – acababa de operarme de la rodilla
izquierda por culpa de un desgarro de cartílago, y él esperó hasta
que me hubiese recuperado y estuviese de vuelta en el estudio...” Surge que, a pesar de todo – las críticas estáticas, los
premios prestigiosos, los papeles importantes - Liburd se pone
nervioso a menudo. “En realidad, muy nervioso. Siempre
cuestiono lo que hago – y aquí, en el Ballet Escocés, no importa
cuántas repeticiones hago, los nervios no siempre se calman.
Porque siempre cuestiono si estoy haciéndolo igual de bien
que los bailarines clásicos. Digo de vez en cuando que estoy
en tierra de nadie. Ni entrenado clásicamente, ni como bailarín
contemporáneo, aunque esa sea mi trayectoria profesional hasta
ahora. Pero bailar Balanchine, las piezas de Forsythe, ballets de
Ashley – y tener que no sólo bailar sino también usar accesorios
e interpretar a personajes como El cascanueces o La Cenicienta
– creo que lo único que se puede hacer es intentar ser fiel a la
visión del coreógrafo”.
Sin embargo, hay otra sorpresa. Aunque Liburd mantiene un
cuerpo sano, ahora habla de frenar un poco su carrera. “Tengo
unas cuantas molestias en el cuerpo, pero supongo que es por la
edad – tengo 41 años. Estoy muy agradecido por el cuerpo que
tengo, pero estoy consciente de que no puede seguir siempre
al nivel de danza que hacemos aquí. Así que ya he hablado
con Ashley, y he decidido que abandonaré la compañía el año
que viene. No, no sé lo que haré. A lo mejor me dedicaré a la
fotografía que me encanta. A lo mejor estudiar gerencia de artes.
A lo mejor bailar para otra compañía. Pero ya es hora de hacer
ese cambio”. Este puede ser el único cambio que Liburd haga
que no nos deje aplaudiendo...
DANZA EUROPA
diciembre 2009
17
18
DANZA EUROPA
diciembre 2009
Melissa Hamilton en Mayerling. Foto: Bill Cooper
Muerte
y Amor
EMMA MANNING evalúa la actuación de Melissa Hamilton
en el papel de Mary Vetsera y el regreso de Alina Cojocaru
en el role de Aurora
Melissa Hamilton y Rupert Pennefather en Mayerling. Foto: Bill Cooper
E
l hecho de que el Royal Ballet, citando escasez o alguna otra razón, ahora
pueda sólo asignar boletos para un elenco en cada producción nos pone
en un dilema serio: ¿debemos asistir a la noche de prensa y ver un elenco
seguro, frecuentemente integrado por bailarines que ya han interpretado
anteriormente los papeles principales, u optamos por una función que ofrezca
un debut o algo de particular significación? Para las reposiciones de Mayerling y Bella
que abrieron la nueva temporada, la promesa de ver a Melissa Hamilton en su debut
como Mary Vetsera, y a Alina Cojocaru asumiendo el papel de Aurora en Londres
por primera vez desde su prolongada lesión, me impulsó a abandonar las noches de
prensa con el objetivo de observar elencos alternativos.
Ningún otro ballet comienza de forma más deprimente que Mayerling de Kenneth
MacMillan. Su prólogo desolador en el cementerio Heiligenkreuz, con las sombrillas
negras y la caída de la lluvia, nos indica que la historia que sigue no va a ser un cuento
de hadas. Rastreando un periodo notoriamente escandaloso de la historia europea,
durante el cual se le dice al público que el Príncipe heredero de la Corona ha muerto
de un infarto en vez de suicidarse con su joven meretriz, resulta incuestionable que es
uno de los ballets más impresionantemente dramáticos de todos los tiempos. También
exige del bailarín masculino uno de los más grades retos, o sea que éste no sólo
necesita un vigor físico inhumano sino que también tiene que ser un actor verdadero.
David Wall fue el primero en hacer el papel del Príncipe Rudolf, heredero de la Corona,
en 1978, y aunque muchos lo han sucedido, pocos han podido emular su escalofriante
DANZA EUROPA
diciembre 2009
19
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interpretación. En años recientes los
Príncipes Rudolf más destacados han
sido Irek Mukhamedov y Carlos Acosta.
Rupert Pennefather, un nuevo competidor,
todavía no nos hace sentir escalofríos en la
columna vertebral. Aunque, técnicamente,
su interpretación está lograda, haciendo
quintas perfectas y sosteniendo sus
arabesques extendidos con corrección, su
diálogo físico todavía no es convincente.
Cuando abraza a una de las muchas
mujeres que tiene en la vida, los brazos no
son más que ramas decorativas carentes
de emoción, y con toda su angustia facial,
el Rudolf de Pennefather no retrata a una
persona destruída por su adicción a la
morfina.
Sospecho que no fue por el Rudolf
de Pennefather que se llenó la sala, sino
por el debut de Melissa Hamilton en el
papel de Mary Vetsera. El primer golpe de
Hamilton lo dio cuando ganó el YAGP de
Nueva York en el 2007. En aquel momento
para mí no estuvo seguro, posiblemente
porque me perdí las primeras vueltas de la
competencia y sólo vi su variación menos
que perfecta en las finales. Poniendo a un
lado tales inconvenientes propios de los
comienzos, la joven irlandesa es hermosa
en su conjunto, y su físico expresivo fue
bendecido con una cualidad innata, para no
mencionar sus empeines verdaderamente
eróticos. En Londres, primero llamó la
atención en Infra de Wayne McGregor. Su
apariencia de Lolita de niña, la convierte
obviamente en candidata para la Mary
Vetsera de 17 años, adolescente infatuada
con el prestigio de morir con el Príncipe
heredero de la Corona, más que con el pobre diablo en el que
se convirtió. Si hubiera sabido que su destino era un entierro de
poca monta, a muchas millas de la tumba real, no habría caído tan
vulnerablemente en la pesadilla de plan diseñado por él. Hamilton
captura la pilla curiosidad de Vetsera por las pistolas y el sexo con
una convicción aterradora, y su cuerpo dúctil es pura sensualidad
fundida, movida por la dilución. Verla constituye un sueño absoluto
y un crédito a sus estudios con Masha Mukhamedov.
De los otros personajes del ballet, Elizabeth Harrod asumió
hábilmente el abrumador papel de la Princesa Stephanie, aunque
un poco tentativamente, mientras que la Larisch de Marianela
Nuñez fue perfilada con más confianza. El virtuosismo de la noche
estuvo a cargo del exuberante Bratfisch de Brian Maloney.
E
n total contraposición con el drama oscuro de Mayerling,
La Bella Durmiente satisface paladares que buscan
finales de “y fueron felices por siempre”, dentro del
marco del ballet clásico del siglo 19. La producción
actual de la compañía es atribuida a Monica Mason y
Christopher Newton, quienes regresaron a la versión histórica de
Valois y Sergeyev. Con los diseños originales de Oliver Messel,
suplementados con adiciones nuevas a cargo de Peter Farmer,
de forma general la producción complace desde el punto de vista
estético, por lo que es insondable la razón por la que los físicos
de los bailarines no fueron tomados en cuenta al seleccionar el
elenco. Es verdad que el Hada Lila requiere ser imperativa, pero
Laura McCulloch, quien se eleva ridículamente como una torre por
encima de su séquito de pequeñas hadas, estuvo totalmente mal
seleccionada. Una cosa es vanagloriarse de tener una compañía
Alina Cojocaru y Johan Kobborg en La Bella Durmiente. Foto: Bill Cooper
con diferentes físicos y tallas, y otra ponerlos todos juntos en el
escenario sin tener en cuenta como se complementarán unos con
otros. McCulloch puede ser una fuerte bailarina, pero es muy obvio
que no da el papel del Hada Lila, menos en una compañía que
evidentemente tiene otras danzantes mejor equipadas para bailar
este papel esencial. En la comitiva de hadas, la Fuente de Cristal
de Yuhui Choe fue especialmente deliciosa, sus brazos hermosos
acarician el aire como hebras de seda, y Hikaru Kobayashi en el
Jardín Encantado estuvo igualmente impresionante.
Sin embargo, toda la atención de Bella recae absolutamente
sobre Aurora, cuyo Adagio de la Rosa es uno de los pilares del
ballet. Todavía no he visto a una Aurora caer de nariz en el piso,
pero sí he sido testigo de algunos momentos aterradores en
algunas funciones, donde el atrevimiento de la bailarina, si no un
tobillo tambaleante, la ha hecho caer. No hubo ninguna presión
sobre una de las bailarinas más estimadas del mundo, en su
retorno al papel de Aurora en su escenario, luego de una seria
lesión. No nos preocupemos: Cojocaru estuvo absolutamente
radiante, totalmente en equilibrio y su interpretación no fue otra
cosa que un milagro de perfección. Tiene una empatía innata
con la música, juega con ella, pero nunca abusa, y su fraseo
es realmente celestial. Cojocaru, como sucintamente dijo mi
acompañante, “todavía lo logra”. Los dos suspiramos con alivio.
Partneando a la maravillosa princesa estuvo Johan Kobborg,
quien nos ofreció un Príncipe Desire seguro, sus propias
variaciones estuvieron hechas a mano y ejecutadas con limpieza.
También estuvieron bien Laura Morera, como una de las hermanas
de la Floresta, así como Yuhui Choe y José Martin como
ejemplares Pájaros Azules.
DANZA EUROPA
diciembre 2009
21
segundo
parte
¿Qué buscan?
Irena Pasaric - foto: Aleksandar Sasa Novkovic; Martin Schläpfer - foto: Gert Weigelt;
David McAllister
The Australian Ballet
DEBORAH WEISS les
pregunta a otros cinco
directores qué bailarines
se llevarán los puestos de
trabajo más codiciados
22
DANZA EUROPA
diciembre 2009
La musicalidad es la primera cosa que me atrae de alguien
en una audición. La confianza en sus capacidades y la
seguridad en la técnica. Con esto no quiero decir confianza de
competencia sino una fuerza interior y calidad en la base que
llame la atención, más que una actuación como un faro. [Pero]
el que no pueda captar los ejercicios y tenga dificultad con
el material técnico básico perderá mi atención rápidamente
y cualquiera que baile fuera de música definitivamente no
está destinado para un contrato. Audicionamos por invitación
luego de recibir un currículo y preferiblemente un DVD.
No hacemos audiciones públicas. Me fijo en dónde son
entrenados y quien les enseñó. Si han tenido algun empleo
previo o alguna otra experiencia en la escena. Deben estar
vestidos con pulcritud y sencillez. No trate de usar cosas que
usted crea que esconden sus puntos débiles porque éstas sólo
las resaltan.
La audición se hace con la compañía en una clase de ballet
clásico, las muchachas dan la clase en puntas. Si existe una
oportunidad es bueno ver a los bailarines después de unos
días. El contrato inicial tiene al principio un periodo de prueba
para que tengamos la oportunidad de evaluar las habilidades
del bailarín en varios estilos del repertorio y sus habilidades
en el trabajo de pareja durante este tiempo. Como la audición
se hace durante la clase de la compañía siempre están ahí
hasta el final. Pienso que es importante ver la capacidad del
Sharon Watson. Foto: Richard Moran
“Pienso que hay una línea
muy fina entre la confianza
y la arrogancia”
Ann Sholem - foto: Roy Campbell-Moore.
danzante en todas las etapas de la clase.
Supongo que siempre me decido por los
más talentosos, pero eso viene en varios
paquetes. El Australian Ballet está formado
por un grupo muy diverso de bailarines y
me gusta que los miembros de la compañía
tengan su propias habilidades artísticas,
pero que compartan el espíritu de apertura
y libertad de movimiento. ¡Si un bailarín es
muy alto o muy pequeño tiene que ser muy
talentoso! Tenemos la tendencia a captar a
la mayoría de los miembros de la compañía
de la Australian Ballet School, donde
podemos monitorear el desarrollo de éstos
en un periodo de tiempo largo. Llegan a
trabajar junto con la compañía en muchas
funciones y tienen el sentido del estilo y la
calidad de ésta.
Sharon Watson
Phoenix Dance Theatre
Hay algo en permitir que la personalidad
aflore. Busco un físico entrenado, un
“look” bien físico. Pero algunas veces
la personalidad es lo que hace que uno
quiera ver a un individuo y que te llame
la atención desde un inicio. Pienso que
hay una línea muy fina entre la confianza
y la arrogancia. Eso se puede detectar
bien temprano. En una audición reciente
esto se hizo muy evidente y en un espacio
de tiempo muy corto. No escuchan y
pierden mucho. Enviamos invitaciones
para las audiciones, usualmente en dos
locaciones. Recibimos los currículos y
pedimos un mínimo de tres años de
entrenamiento profesional, la experiencia
es un dividendo. A partir de ahí, hago una
selección entre escuelas vocacionales,
algunos independientes, y aquéllos que
están en compañías, los invitas porque
uno espera que haya algo creíble en ellos.
Me fijo en los bailarines que han sido
recomendados, si no pudieron asistir a la
audición. Lo que veo es particularmente
importante para mí, porque si estoy
haciendo una inversión, necesito ver lo que
estoy comprando. Les permito que usen
sus ropas holgadas para que calienten.
Luego les pido que se las quiten. En
leotardo y mallas, pullover a la medida y
shorts o con las piernas descubiertas para
yo poder ver lo que ese cuerpo me está
diciendo. Hacemos una clase de dos horas,
en la que comenzamos en la barra y luego
David McAllister. Foto: James Braund
“La musicalidad es la primera
cosa que me atrae de alguien
en una audición.”
DANZA EUROPA
diciembre 2009
23
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Central School of Ballet is an affiliate of
The Conservatoire for Dance and Drama
hacemos un centro contemporáneo. En esas dos horas
les doy la oportunidad de que se comprometan con ese
maestro y sean capaces de posicionarse en ese mercado,
que se cuestione su pericia. A la mayoría de ellos les
damos la oportunidad de ver sus habilidades creativas.
Hacemos algo creativo con una gran libertad. Diseñamos
una estructura y luego comenzamos a improvisar, les
damos criterios y permitimos que los desarrollen. En ese
momento decimos que tenemos que hacer un corte.
Esa es sólo la primera parte de la audición. Después los
llevamos de regreso a nuestra sede en Leeds.
En cuanto a la imagen de la compañía, tenemos
bailarines increíblemente altos, con líneas estupendas,
tenemos gente pequeña, mucha amplitud y diversidad,
yo quiero tener en ella todo ese rango cultural.
Irena Pasaric
Ballet del Teatro Nacional Croata
de Zagreb
Creo que todo director hoy en día inicialmente se
fija en las habilidades físicas del bailarín. Es un ideal
que no existe. Lo más importante para mí es la buena
coordinación, la musicalidad, alguien que aprenda
rápido y que tenga lo que yo llamo “inteligencia para
el ballet”. Hoy es muy difícil de encontrar, porque
tenemos muchos buenos físicos pero, quizás, menos
personalidad. Pero la personalidad es más importante
que la técnica. Me gustan los bailarines que trabajan
duro, que son disciplinados y que dedican sus vidas a la
profesión. Nunca tenemos grandes audiciones, así que
sólo lo hacemos por invitación. Yo hago una preselección
teniendo en cuenta el currículo, veo las fotos y es bueno
si mandan un video, porque con frecuencia la gente
tiene fotos bellas, pero cuando uno los ve en clase son
otra cosa. También veo su educación y experiencia.
Hacemos una clase de ballet clásico y las muchachas
tienen que ponerse las zapatillas de punta después de
la barra. Me gustaría que tomaran más de una clase,
pero la primera impresión es muy importante para
mí. Deben estar adecuadamente vestidos para que
podamos ver su físico. Si estoy haciendo una audición
para solistas, entonces les pido que hagan una variación.
Eso me brinda una mayor oportunidad de verlos como
artistas íntegros. Pienso que selecciono el mismo tipo
de bailarín, porque si quiero desarrollar mi compañía
tengo que tener una cierta imagen. Mi repertorio es muy
clásico aunque hacemos obras contemporáneas nuevas
en cada temporada. A veces, aunque no tengan cuerpos
perfectos, se pueden mover bien. Prefiero muchachos
más altos y muchachas ligeramente más pequeñas pero
hoy en día, por línea general, ¡es todo lo contrario! La
selección es una decisión difícil y sé que todo el mundo
comete errores, pero usualmente tiene que ver con
la personalidad, con no tener suficiente tiempo para
ver cómo se van a desarrollar. Pero generalmente yo
creo que una clase es suficiente, porque mi decisión es
instintiva. Me gusta hablar con ellos después, conocer
sobre sus vidas, porque entonces tengo una imagen más
clara de quiénes son.
Martin Schläpfer
Ballett Deutsche Oper am Rhein
Musicalidad y una buena técnica, casi por encima de
la media. Yo me inclino hacia lo clásico, aunque eso lo
rompo con mi coreografía. Lo que realmente me atrae
es si hay libertad y coraje en el movimiento; un bailarín
con curiosidad, pasión y psiquis abierta. A veces puede
que esté escondido, pero yo siento que está ahí. Me
gusta ver muchos “colores” diferentes en mi compañía,
hablando metafóricamente. Me gustan los extremos
técnicos académicos, pero “la persona” siempre tiene
que estar por encima de ello. La actitud y la imagen
escénica de lo que es y no es la danza son criterios de
selección para dejar a alguien fuera. O cuando siento
que la educación ha sido tan machacada en el sentido
de que solamente hay una forma de danza presente en
esa persona. En mis quince años como director sólo he
hecho una audición pública. Siempre hago que la gente
tome clases. Cuando pienso que él o ella y yo podemos
colaborar, entonces les pido que vuelvan. Cuando doy
la clase, me da un sentido inmediato. Si un currículo
es sobresaliente, puede interesarme, pero la mejor
forma sigue siendo venir y tomar clases. En mi decisión
tiene influencia la forma de vestir, el porte. Si alguien
es desgarbado puedo vacilar, porque es un reflejo de
cómo son como personas. Tu apariencia refleja tu estado
interior. Me gusta ver el trabajo de punta. No tanto en la
barra sino en el centro. Se los dejo un poco a ellas. Les
hablo por un tiempo y les pregunto por qué bailan, cómo
se ven a sí mismos, qué esperan de la profesión y de mí.
Pienso que es importante que el bailarín decida sobre mí
y sobre nosotros, no se trata sólo de mi decisión sobre
éste. Uno puede reconocer a un buen danzante pero,
darse cuenta de cuanta pasión pone o si quema a fuego
lento o no, eso toma un poco más de tiempo. Cuando
las colaboraciones no tienen éxito, es debido a estas
razones, no a una caída de un pirouette.
Irena Pasaric. Foto:
Aleksandar Sasa Novkovic
“Pero la
personalidad
es más
importante que
la técnica”
Ann Sholem
National Dance Company Wales
Busco un bailarín con fuerte técnica, pero cuya
personalidad y carisma sean igualmente importantes.
Necesito que tengan una buena técnica clásica y
contemporánea, que calienten la pista y se muevan en
el espacio. Y con eso, quiero a alguien que realmente
llame la atención. Ese carisma, ese factor X, no hablamos
suficiente sobre la importancia de eso. Cualquier bailarín
técnico que luzca como un robot o no esté metido en el
proceso, no me interesa. Usualmente me doy cuenta,
después de haber visto a alguien durante unos diez
minutos, que mi intuición era correcta. Permitimos
que cualquier bailarín profesional venga y tome clases.
Me gusta la gente interesada en la clase, en ver los
ensayos, que tenga un sentido de quiénes somos. Es
importante que la persona a la que contrate encaje en
el equipo, sea parte del carácter distintivo de nuestro
grupo y esté conciente de por qué existimos. Me fijo
en dónde fueron entrenados, en sus antecedentes y
experiencias. Generalmente buscamos personas que
al menos tengan dos o tres años de experiencia en
escena, antes de hacerles una invitación para audicionar.
Cuando hacemos audiciones, tenemos una hora y
media o dos horas de clase de danza contemporánea.
Luego trabajamos durante un día o dos días en varios
fragmentos del repertorio actual. Tenemos una gran
gama de coreógrafos que trabajan con la compañía,
tienen que ser capaces de hacerlos todos, no permito
versiones diluídas. Se necesita un bailarín con confianza
y autonomía. Yo no quiero estar cuidando niños.
Podemos comenzar la clase con cuarenta bailarines
e ir haciendo cortes eliminatorios. El segundo día
tenemos un grupo de gente a las que realmente miro
con cuidado. Vemos cómo trabajan, cómo responden
a las correcciones. Siempre hacemos improvisaciones
para ver si son bailarines con creatividad. Al final hago
una pequeña entrevista a todos los que quedan, en la
que hablan sobre el tipo de giras que hacemos. Espero
que los bailarines nos hayan visto bailar y hayan hecho
su estudio individual. En lo que estoy interesada es en la
persona. Lo peor para mí es tener un grupo homogéneo
de danzantes que luzcan intercambiables. Mientras más
tipos diferentes de figura y grupos étnicos, mejor.
DANZA EUROPA
Martin Schläpfer.
Foto: Gert Weigelt
“ Si alguien
es desgarbado
puedo vacilar,
porque es un
reflejo de cómo
son como
personas.”
Ann Sholem
Foto: Roy Campbell-Moore
“Ese carisma,
ese factor X,
no hablamos
suficiente sobre la importancia de eso”
diciembre 2009
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DANZA EUROPA
diciembre 2009
ALI MAHBOUBA ve la 101ª pieza de Kylián y otros
programas inaugurales del festival de este año en La Haya
“E
l hecho de que nosotros
como compañía podemos
mirar al futuro es porque
estamos subidos en los
hombros de gigantes.
Y esos gigantes son ustedes.” Palabras
emotivas de Jet de Ranitz, Director
Ejecutivo del Nederlands Dans Theater,
cuando se dirigió al público en la Fiesta de
Reunión del Cumpleaños Cincuentenario
de NDT – esta audiencia tan especial de
(ex-) bailarines, coreógrafos, y personal
del teatro y de detrás del escenario,
que vinieron de todos los rincones del
mundo para reunirse con viejos amigos y
compañeros. El nuevo Director Artístico
Jim Vincent, también un antiguo bailarín
del NDT, continuó hablando de la evolución
de esta extraordinaria compañía, y como
Jirí Kylián, cuya asociación de 36 años
como coreógrafo de la compañía termina
este año, ha sido instrumental en redefinir
la compañía una y otra vez.
La 101ª pieza de Kylián, que se acaba
de estrenar en la actuación inaugural del
Festival de Danza de Holanda, tiene, sin
lugar a dudas, un sentido de despedida,
dado su título Mémoires d’Oubliettes.
Aunque llena de persistentes memorias
fracturadas, esto no es solamente un
viaje nostálgico por la memoria. Es una
pieza que tiene una vida propia y tenaz,
y que plantea sus propias preguntas
existenciales: ¿Somos lo que recordamos?
¿Somos lo que olvidamos? ¿Hasta qué
punto manipulamos lo que recordamos
para definir quiénes somos? Tres parejas
lidian con esto en una lucha valerosa entre
ellos, en la que intercambios turbulentos
y frenéticos alternan con pasajes más
meditativos y a veces melancólicos. El
dueto ferozmente bailado por Aurélie
Cayla y Kenta Kojiri tipifica esto; en un
momento ella se tira sobre las espaldas
DANZA EUROPA
Holland Dance Festival
NDT II - Carolina Mancuso, Marne van Opstal y Riley Watts en Studio 2. Foto: Rahi Rezvani
Nederlands Dans Theater - Aurélie Cayla y Kenta Kojiri en Mémoires d’Oubliettes. Foto: Jason Akira Somma
diciembre 2009
27
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Verve, which operates as a
touring dance company
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Scheme, which includes an
extended work placement with a
professional dance company
– and the Advanced Training
Scheme, which provides intensive
technical training and
performance opportunities
• Postgraduate Diploma /MA in
Choreography
Photo: Judith Clijsters performing her final year solo assessment. Photographer: Chris Nash
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DANZA EUROPA
diciembre 2009
de él y cubre su cara, y en
el siguiente él está acostado
sobre ella, y ella se agarra a
él. Unas latas aplastadas se
barren como si fueran memorias
no deseadas, y después
caen encima de los bailarines
como memorias que vuelven
rápidamente para abrumarlos.
Telones de largos cordones en el
perímetro de repente se inclinan
diagonalmente, deformando
el espacio e insinuando una
memoria sesgada. A lo largo
oímos voces grabadas de Kylián
Leigh Warren and Dancers en Shimmer. Foto: James Knowler
y su mujer Sabine Kupferberg
recitando al existencialista
del NDT de su primera década creadas por Glen Tetley y Anna
famoso Samuel Beckett en tonos susurrados y absurdamente
Sokolow – una verdadera revelación de lo moderno que ya era el
distorsionados. En total, es una obra inolvidable con el poder de
NDT en esos tiempos.
realmente emocionar y estimular el intelecto.
Lionel Hoche, bailarín del NDT en los ochenta, también vino
Parece ser el momento de celebrar aniversarios, ya que el
desde Francia con su compañía para interpretar Pan!, una obra
siguiente trabajo, Studio 2, es para los bailarines más jóvenes
inspirada en la filosofía de los Indios Hopi sobre cómo todo en
de NDT II, y se refiere al estudio en el teatro de la compañía
nuestro entorno tiene su uso y merece su sitio – incluso todas
donde durante exactamente veinte años Lightfoot- León han
las baratijas en nuestras vidas que aquí llenan el escenario y
estado creando sus obras. Estos han vuelto a producir una obra
cuelgan en el aire como si congeladas en medio de una explosión.
muy dramática cuya danza intensamente expresiva hace que los
Absurdo y colorido, fue difícil saber qué opinar de la obra. ¿Es el
protagonistas y sus relaciones nos importen. Un personaje central,
equivalente de danza de Arte Naïf? O simplemente es un juego
ese maravilloso bailarín Riley Watts, se siente un extraño que
de niños: una función de circo con criaturas extrañas, como un
está tratando de comunicarse con los otros bailarines que van y
monstruo de hojas verdes, una bestia de botellas de plástico y dos
vienen en grupos de dos o tres. El no poder comunicarse con ellos
payasos con pelucas verdes peleándose. No se puede culpar a los
es debido posiblemente a que sólo son una memoria ilusa en su
cinco bailarines que tenían una técnica excepcional: observa los
mente. Un decorado impresionante tiene una rampa al fondo de la
cinco minutos de coreografía de grupo que mostró gran promesa,
que cuelga un espejo grande de estudio de danza que gira para
pero el resto de la hora fue principalmente caos improvisado – a
ofrecernos reflejos de trompe l’œil de los bailarines: por ejemplo,
veces entretenido pero nunca logrando ser más que baratijas en
cuando están acostados sobre la rampa, parecen estar bailando
movimiento.
de pie. También fue increíble ver a Paul Lightfoot de nuevo sobre
Una sorpresa totalmente encantadora del festival fue Leigh
el escenario, interpretando a un bailarín lesionado, y brillando en
Warren and Dancers de Adelaide, Australia, una compañía
su dueto con Astrid Boons en una de las partes destacadas de la
refinada y con clase, que elevó la danza a un arte de verdadera
pieza. Ella es muy expresiva y ya demuestra su talento en esta su
calidad. Inteligencia y musicalidad incisiva caracterizan las dos
primera experiencia con el NDT.
obras que se presentaron, ambas de Warren, que también es un
La obra Dissolve in this (Disuelve en esto) de Johan Inger,
antiguo bailarín del NDT de los años ochenta. La estética de la
dramatúrgicamente es menos consistente que las otras obras
danza es algo reminiscente de Anne Teresa De Keersmaeker: el
y pierde un poco el enfoque, parece tratar de cómo nos podemos
mismo rigor intelectual a la hora de usar música seria para el baile
disolver en nuestro entorno “como un movimiento pasado que
y usar el espacio de forma creativa, pero también sensibilidad
ronda por la niebla de la memoria”. Sin embargo, la obra ofreció
capturando los distintos tonos de la música. El uso de la gravedad
imágenes notables (como la excitante sección donde los bailarines
y el movimiento suspendido contrarrestado con cambios de
rápidamente ruedan por el escenario mientras que otros bailarines
dirección abruptos crean una dinámica excitante. Además, hay
los pisotean mientras caminan en la dirección opuesta) y un
un intercambio gracioso entre los bailarines y los músicos del
baile excepcional de todo el elenco, aunque Fernando Hernando
Zephyr Quartet, que participan en su propia danza del juego de
Magadan e Iván Pérez merecen mención especial.
Todo el crédito es del Festival de Danza de Holanda por dedicar sillas musicales en Impulse (Impulso), interpretado con el segundo
cuarteto para cuerdas de Michael Nyman. En Shimmer (Relucir), se
este festival a la celebración de los 50 Años de Danza Desafiante
invoca un ambiente misterioso mientras las tres parejas se pasan
de NDT, mientras que otras compañías con afiliaciones importantes
manzanas entre ellos, en un decorado reminiscente de un establo,
con el NDT también presentaron obras sobresalientes, como: la
que es algo apropiado teniendo en cuenta los elementos populares
Compañía Nacional de Danza de Nacho Duato, Batsheva Dance
de la música de Graeme Koehne. Añade a esto la presencia
Company de Ohan Naharin, IT Dansa de Catherine Allard, Cullberg
risueña y carismática de los bailarines, y tienes una función
Ballet y Hubbard Street Dance Chicago. Introdans también merece
encantadora.
crédito por revivir vívida y amorosamente dos obras seminales
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El Teatro Mikhailovsky y dos estudiantes de la Academia Vaganova en El Cascanueces
Dancing City
San Petersburgo
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DANZA EUROPA
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Mikhailovsky
Grand Prix y Gala
E
MIKE DIXON
reporta sobre una
nueva iniciativa del
Teatro Mikhailovsky
y recorre la ciudad
n los jardines del Palacio
Mikhailovsky de los
árboles caen miles de
hojas cada vez que
una ráfaga de viento
ártico agita el aire. El otoño es una
estación breve en San Petersburgo
antes de que comience el largo
y crudo invierno ruso, de esta
manera la estoica población local
necesita algo radiante y optimista
para levantar el ánimo. El Grand
Prix del Teatro Mikhailovsky
felizmente cumple ese objetivo.
Idea de Vladimir Kekhman, gerente
general del teatro, el concurso
del Grand Prix es para alumnos
destacados de las academias
estatales, pero también constituye
un modo de apoyar al personal
docente de esas instituciones. El
Sr. Kekhman expresa que desea
desarrollar “… una iniciativa
encaminada a apoyar al personal
pedagógico de las principales
escuelas de ballet de Rusia…”
y, a través de esta competencia,
ha encontrado una forma novel e
inspiradora de realzar su trabajo.
Un aspecto mágico del evento ha
sido reunir a escuelas y compañías importantes
para que bailen juntas por primera vez y, en
opinión nuestra, echar abajo viejos prejuicios
y muros protectores en este proceso de llevar
a escena elementos desiguales en formas
inusuales tanto en el concurso como en la Gala
subsiguiente. Los premios son generosos: cada
escuela participante obtiene 10 000 dólares
estadounidenses para que sean utilizados por
el personal; el Grand Prix son 10 000 dólares
norteamericanos, la medalla de oro 7,000, y le
siguen más premios generosos en cada nivel.
A todos los ganadores se les transfiere dinero
directamente a sus cuentas sin intermediarios.
Todos los costos de viaje y alojamiento son
cubiertos por el Teatro Mikhailovsky.
Los competidores pasaron por un sorteo
para ocupar lugares en el programa del Grand
Prix; la primera pareja que apareció fue Daria
Bochkova y Klim Efimov, de la Academia
Estatal de Moscú, en el pas de deux de Le
Corsaire. Ambos bailarines tienen proporciones
perfectas, son atractivos y poseen una técnica
fuerte. En otras circunstancias habrían ganado
ampliamente el concurso. Efimov es un primer
danseur noble natural, alto y elegante, pero
el esclavo Ali, un papel demi-caractere, no es
para él: en este personaje no empleó todas
sus cualidades. Unas cuantas fallas técnicas
de ambos bailarines, quienes naturalmente
estaban haciendo hasta lo imposible, le quitó
brillo al impacto que pudo haber tenido la
pareja. No tengo absolutamente ninguna
duda de que los dos danzantes continuarán
hasta llegar a ser estrellas de nivel mundial.
También de Moscú, Anastasia Soboleva bailó
la variación femenina de Paquita. Fuerte
bailarina con personalidad vibrante, todavía no
ha aprendido a moldear la coreografía al ritmo
de la música en este solo notablemente difícil.
Técnica no es sinónimo de arte y la musicalidad
es la esencia del éxito de esta variación.
Olga Smirnova, de la Academia Vaganova
de San Petersburgo, acompañada por Kirill
Safin, del Ballet Mariinsky, presentó el soñado
Vals en Do menor sostenido de Les Sylphides,
con sus largas cargadas que descienden en
picada. Sería difícil imaginar una selección
menos glamorosa o competitiva, pero la pareja
mostró perfección estilística en este pas de
deux. Safin no estaba en competencia, por
supuesto, pero el lirismo y control de Smirnova
fueron de una artista madura. Raramente
he visto este pas de deux mejor bailado en
compañías profesionales. Causó una gran
impresión: el gusto, la forma, la musicalidad y
el estilo.
Anna Pigalkina, del Colegio Estatal de
Novosibirsk, ejecutó la variación de la Princesa
Florina de La Bella Durmiente. Estuvo correcta
técnicamente, pero le faltó la alegría y la
exuberancia características del personaje y la
coreografía de Petipa. Dmitry Pimonev, de la
Academia Vaganova, sometió a consideración
del jurado una obra coreográfica corta con la
música de Poulenc, perteneciente a Les Biches,
como homenaje a Nijinska, que funcionó bien.
No resultó particularmente original, pero estuvo
bien estructurada, y respondió inteligentemente
a la música.
Margarita Soldova, de Novosibirsk,
bailó la famosa variación de Gamzatti de La
Bayadère; estuvo técnicamente segura pero le
faltó glamour y poder de seducción. Un rasgo
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La Academia Vaganova en El Cascanueces
constante que emerge de la experiencia de ver tantos bailarines
jóvenes y talentosos es que los aspectos interpretativos de los
papeles son casi totalmente ignorados. Las coreografías de Petipa
siempre fueron moldeadas con una idea subyacente, un tema
coreográfico que dictaba la selección de un vocabulario apropiado.
Estas variaciones han resistido la prueba del tiempo, pero tienen
algo que decir, ¡no porque son una serie de bonitos enchaînements!
Cuando Anastasia Soboleva regresó para bailar Prelude, con
coreografía de Marina Nikitina y música de Rachmaninov, desechó
esa tendencia e hizo una interpretación dramática, apasionada y
musical del famoso preludio. La iluminación fue buena y el largo
vestido negro de gasa resultó muy apropiado para el espíritu de la
obra. Fue como ver a una bailarina diferente a la que había bailado
Paquita anteriormente. Sentí instintivamente, como en el caso de
Bochkova y Efimov, que una correcta selección de la coreografía es
una parte importante en la obtención de un Grand Prix.
En el recinto del jurado, aunque se había tomado la decisión
mutua de llamarnos comité artístico, discutimos los méritos de los
jóvenes bailarines que habíamos acabado de ver. Presidido por
el legendario danzante y coreógrafo Nikita Dolgushin, el comité
estuvo integrado por Farukh Ruzimatov, estrella por mucho tiempo
del Mariinsky y actualmente asesor artístico del Ballet Mikhailovsky;
Mijail Messerer, maître en jefe del Mikhailovsky y descendiente de
la más grande dinastía danzaria de Rusia; Yuri Burlaka, director
artístico del Ballet Bolshoi; Igor Stupnikov, crítico bien conocido
y profesor de la Universidad de San Petersburgo; y yo, como
presidente del Critics’ Circle National Dance Awards. Los debates
del jurado son siempre confidenciales, pero en esta ocasión
todos estuvimos de acuerdo al instante en que Olga Smirnova
debía recibir el Grand Prix y rápidamente decidimos el orden en
que los otros alumnos debían recibir sus premios. Antes de la
competencia, yo creía que Bochkova y Efimov serían los bailarines
más destacados, pero no existe ley alguna que regule lo que va
a pasar en el escenario frente a un público numeroso. Una vez
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DANZA EUROPA
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alcanzada una decisión unánime, nos dirigimos al palco real para
presenciar una deliciosa ejecución del El Alto de la Caballería con
Anastasia Lomachenkova, Olga Semeyonova y Anton Ploom. Este
encantador ballet de Petipa, rescatado de la oscuridad por Pyotr
Gusev, es una comedia romántica que funciona en muchos niveles,
con una destacada actuación de carácter de Andrey Bregvadze en
el papel del Coronel que convierte la bravura militar en una serie
de tirones y sacudidas coreografiadas que causan un gran efecto
cómico. El director de orquesta del ballet y del concurso fue el muy
adaptable Pavel Bubnikov, quien es un maestro en su oficio. De
regreso al recinto del jurado, las ulteriores y detalladas discusiones
en relación con nuestras conclusiones individuales, sólo sirvieron
para dar fuerza a nuestra creencia de que habíamos tomados una
decisión justa y correcta. Luego regresamos al palco real para ser
testigos de un momento histórico.
El Concierto de Clase de Asaf Messerer, con una puesta
de Mikhail Messerer, constituye un exitazo del Ballet Bolshoi
que lo clava a uno en el asiento, ya que los trucos y habilidades
técnicas desplegadas en el escenario sorprenden y emocionan
con niveles ascendentes de virtuosismo. El Bolshoi mostró a toda
una galaxia de sus más grandes estrellas: Maria Alexandrova,
Anna Antonicheva y Natalia Osipova, Ruslan Skortsov e Ivan
Vassiliev, quienes integraron el más fuerte elenco que yo haya
visto en este ballet. La obra fue impresionante y de gran crédito
para Mikhail Messerer. Las expresiones de aprecio del público ruso
variaban entre frenéticos gritos de “¡Oof! ¡Aagh! !Aiyi!” en medio de
jadeos de incredulidad a medida que eran ejecutados más pasos
virtuosos. Otras expresiones de deleite incluyeron “¡Bravos!” del
Sr. Kekhman que eran como los de alguien que golpea las tapas
de dos latones de basura cerca del oído de uno. Este hombre es
un verdadero promotor de la danza, ¡pero mis tímpanos no se han
recuperado todavía! El momento histórico se produjo cuando los
alumnos de la Academia Vaganova salieron al escenario para bailar
con el Bolshoi. Esto nunca ha sucedió con anterioridad y marcó
una alianza entre las dos instituciones,
cuyo responsable es Vladimir
Kekhman. Fue una experiencia
emocionante ver a los bailarines
de estas dos grandes instituciones
saludando juntos después de una
impresionante exhibición danzaria.
Misha Messerer fue muy amable
al invitarme a ver la clase de su
compañía para el Ballet Mikhailovsky
la siguiente mañana. En el gran salón
lleno de luz, situado en la última planta
del teatro, sin esfuerzo demostró por
qué es un maestro tan reconocido.
Facialmente impasible, con un
andar ágil y dispuesto, describe los
enchaînements rápidamente sin alzar
la voz. Parece estar en todas partes al
instante, corrigiendo enérgicamente,
casi sin pasión, pero con sentido de
urgencia. Es de una astucia seca y su
maravillosa sonrisa ilumina su rostro
brevemente, pero es un hombre con
un nivel de concentración intenso. Los
bailarines sudan copiosamente en la
barra. Su clase es muy rápida y las
combinaciones de pasos son joyas
coreográficas en sí mismas. Parece
componer cada serie de pasos para
extender la agilidad mental y física
de los danzantes en la ejecución
de combinaciones inusuales, y da
la clase como un coreógrafo que
intenta un vocabulario nuevo. La
compañía Mikhailovsky está afilada
y en gran forma. Después de finalizar la clase, Irina Perren, Marat
Shemiunov, Mikhail Sivakov y otros vinieron a tomarse fotos
conmigo.
Unos días más tarde se dieron los premios en el escenario
del Teatro Mikhailovsky, donde de nuevo bailaron los ganadores.
Esta vez Smirnova encabezó un numeroso elenco de la
Academia Vaganova en una larga selección de Cascanueces,
confirmando totalmente la decisión de concederle el Grand
Prix. Bochkova y Efimov bailaron el pas de deux de la versión
moscovita de Fille mal gardée, lamentándonos de que no lo
hubieran bailado en el concurso. La segunda parte de la noche
incluyó 11 pas de deux con bailarines invitados de compañías
rusas, del Royal Ballet, del English National Ballet y de la Opera
de París. Natalia Krapivina, del Moscow Stanislavski, y Victor
Dik, del Teatro Musical Nemirovich-Danchenko, bailaron el
dúo de Briantsev de The Phantom Ball. El pas de deux de la
más reciente producción del Royal Ballet, a cargo de Alastair
Marriott, Sensorium, hizo una aparición sorprendente, ejecutado
por Irina Perren y Marat Shemiunov, del Ballet Mikhailovsky,
aportándole una sensibilidad rusa y una perspectiva nueva a la
obra con una fuerte coreografía británica. Perren regresó para
bailar el pas de deux de Don Quixote con Mijail Lobukhin, del
Ballet Mariinsky, demostrando que es una coqueta deliciosa,
al tiempo que su partner hizo espectaculares cargadas con un
brazo. La incansable Perren también bailó en Spring Waters con
el increíblemente alto Marat Shemiunov, del Mikhailovsky. Su
partneo es excepcional y también es rápido en el escenario, así
que esta obra causó una gran impresión, particularmente en su
clímax cuando creímos que éste podía haber corrido con Perren
en su elevada cargada hasta el Río Neva, si lo hubiera deseado.
Begoña Cao, del English National Ballet, y David Makhateli,
del Royal Ballet, ejecutaron el pas de deux final de Manon,
causando un gran impacto. El contraste con las obras virtuosas
tuvo una buena acogida e introdujo un elemento de drama y pasión
que proporcionó un momento de sobriedad coreográfica al curso
de la acción. Cao utilizó sus bellos ojos como una gran ventaja y
mostró su ataque en los “dives” con descenso en picada y en las
cargadas. Makhateli es un buen partner e igualó la pasión de ella
en cada pulgada del pas de deux. Isabelle Ciaravola y Stéphane
Bullion, de la Opera de París, bailaron un fragmento de La Dame
aux Camelias de Neumeier y el pas de deux de la tumba de
Giselle con integridad y pureza clásica; Lomachenkova y Ploom
repitieron el encantador pas de deux del Alto de la Caballería;
y Maria Alexandrova, del Bolshoi, deslumbró en el Grand Pas
Classique de Gzovsky con Dmitri Gudanov, del Bolshoi, y en el
pas de deux de El Talismán con Mijail Sivakov, de la compañía
Mikhailovsky. Alexandrova tiene técnica para calentar la escena,
y hubo un atrevido elemento de competencia con Sivakov, pero
tanto en su partneo como en sus solos éste se mantuvo más que
firme. Resultó emocionante, de la misma manera que la pareja de
Osipova y Vassiliev en Le Corsaire. Impresionante y todo como fue,
su ejecución resultó ocasionalmente chapucera, pero con los saltos
elevados de ella y la infinita capacidad de él para desplegar trucos
técnicos con feliz indiferencia, resultó un gran final para la noche.
Tener tantos bailarines en parejas tan poco usuales fue un regalo
de primer orden y constituyó un testamento de la obra maestra de
organización que fue llevar a feliz término todo este evento.
RESULTADOS DEL GRAND PRIX
Grand Prix
Medalla de Oro Medalla de Plata Medalla de Bronce Diploma Premio Especial Olga Smirnova, Vaganova Academy
Anastasia Soboleva, Moscow State Academy
Daria Bochkova/ Klim Efimov,
Moscow State Academy
Kristina Shapran, Vaganova Academy
Anna Pigalkina, Novosibirsk Academy
Margarita Solodova, Novosibirsk Academy
Dmitry Pimonov
Olga Smirnova y Diana Vishneva.
DANZA EUROPA
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northern
ballet school
Professional Dancers Diploma Course*
Incorporating the National Diploma in Professional
Dance, validated by Trinity College, London; 3 years
full time, (1 or 2 years full time for applicants with
accredited prior learning).
A comprehensive curriculum of core subjects, with
either Classical Ballet or Jazz Theatre Dance focus
and Dance Teaching options.
*A number of Government funded tuition fee awards are available to
applicants from the UK & from EU member states, available in order of
merit at audition & interview at NBS discretion.
The NBS Professional Dancers Diploma Course
is accredtied by the Council for Dance Education
and Training.
The National Diploma in Professional Dance is
rated by the QCA as equivalent to an Honours
Degree.
Northern Ballet School is an ISTD approved
Dance Centre.
Call now to visit The Dancehouse,
request a prospectus or confirm
audition dates.
The Dancehouse, 10 Oxford Road, Manchester. M1 5QA
Tel: 0161 237 1406 Fax: 0161 237 1408 E-mail: [email protected]
www.northernballetschool.co.uk
Dancing City
Diaghilev: El
Principio
Una exhibición oportuna
dedicada a los primeros años
de la carrera de Diaghilev
se ha abierto en el ala
Benois del Museo Ruso.
La entrada se encuentra
cerca de la Iglesia del
Salvador sobre la Sangre
Derramada (construida
sobre el lugar del asesinato
del Zar Alejandro II) a
las orillas del Canal Griboedov.
El
cartel al frente de la entrada al museo es un boceto al óleo del
joven empresario realizado por Serov. Como los Ballets Russes de
Teatro Mariinsky
Diaghilev nunca actuaron en Rusia, los artículos que se muestran reflejan
su colaboración temprana con Benois, Somov, Bakst y muchos otros
Un agujero enorme ocupa la orilla del Río Moika al lado opuesto del
artistas rusos mayormente desconocidos en el occidente. Los visitantes
Teatro Mariinsky. Esta zona derelicta, con grúas y excavadoras, rodeada
son recibidos con el retrato famoso de Bakst del joven Diaghilev de pie,
de vallas de metal y un pesado portón, ha estado ahí desde hace unos
lleva un traje americano, y se da la vuelta momentáneamente para mirar
al observador. Su vieja niñera está sentada pasivamente sobre una silla en
cuantos años y se supone que es el sitio de un nuevo teatro para las
el trasfondo. La inclusión de la mujer que le había servido
compañías de ballet y ópera mientras que
desde su nacimiento refuerza el estatus de Diaghilev de
en un futuro se restaure y modernice el
barin
(aristócrata). Ex-libris de Mir isskustva, caricaturas de
gran antiguo teatro. Los residentes de San
Diaghilev y su círculo y algunas fotos poco interesantes, se
Petersburgo hacen gestos de incredulidad
intercalan con artículos famosos como el cuadro al pastel
y atestiguan que esta zona siempre ha
de Benois pintado por Bakst y el retrato sensacional de
sido propensa a la filtración de agua del
Somov, también pintado por Bakst, en el que destaca la cara,
Moika y que todos los antiguos pilotes de
camisa y corbata pintados en color, mientras que el resto
madera tendrán que reemplazarse para
de la obra consiste de unas económicas líneas negras que
que los cimientos sean seguros antes de
indican los hombros y solapas del modelo; es un tour de
force que merece el precio de admisión (350 rublos). Hay
construir un nuevo edificio. Cuando uno
una reconstrucción parcial de la exhibición de retratos rusos
contempla las joyas arquitectónicas de
Obra próxima al Mariinsky
que organizó Diaghilev poco antes de conquistar Paris con
San Petersburgo es fácil olvidar que la ciudad se construyó sobre una
su ballet y ópera, pero los cuadros no incluyen ninguna obra maestra,
ciénaga con pilotes de madera erigidos por los soldados de Pedro el
excepto el conocido cuadro de Catalina la Grande en un vestido de viaje
Grande, muchos de los cuales murieron durante la construcción de la
rojo. Un DVD al final de la exhibición, muy bien editado, contiene
nueva ciudad antes de 1703. El Moika se junta con las aguas poderosas
imágenes transpuestas e interesantes efectos visuales, pero el sesenta
del gran Río Neva, por lo tanto no es exactamente agua estancada. Para
por ciento del filme es dedicado a Nijinsky. Uno sale con la impresión
edificar un teatro nuevo se requiere un acto masivo de voluntad y un
de que la carrera de Diaghilev en Londres y Paris se entiende de manera
sinfín de recursos monetarios. Un cínico podría imaginar que el lugar
imperfecta en su país de origen, y El principio no logra predecir las glorias
de construcción permanecerá en su actual estado (de parálisis) hasta el
que llegarían más tarde.
Teatro Mariinsky
futuro previsible.
MIKE DIXON anda suelto en San Petersburgo
Grand Hotel Europe
Grand Hotel Europe
Unos días antes de mi llegada, El Grand
Hotel Europe fue votado el Mejor Hotel
de Lujo en Europa en el decimosexto
World Travel Awards. La decoración de
los salones públicos, las habitaciones y
los siete restaurantes son del más alto
estándar y el servicio es excelente. El
hotel ocupa una manzana entera desde
Nevski Prospekt hasta la plaza enfrente del
Teatro Mikhailovsky y anteriormente fue
una fila de grandes casas adosadas, tres
de las cuales se usaron para construir el
hotel original de 1830. Este hotel señorial
tiene una historia de danza impresionante:
Petipa y Diaghilev se hospedaron en
él y también Anna Pavlova e Isadora
Duncan. Compositores de ballets como
Stravinsky, Prokofiev y Tchaikovsky son
algunos de los músicos importantes que
han disfrutado de las delicias del hotel. De
hecho, Tchaikovsky pasó aquí su desastrosa
luna de miel después de su poca prudente
incursión en el matrimonio. El Grand Hotel
Europe combina la arquitectura original
elegante con toques modernos de última
generación. Desayunar bajo una bóveda
de vidrio de colores de estilo art nouveau
y murales es una experiencia realmente
emocionante. Bajo la gerencia de Thomas
Noll, este hotel se ha convertido en un
símbolo de la elegancia. Una arpista toca
durante el desayuno y durante el día en el
airoso Mezzanine Café ; su repertorio es
ecléctico y sorprendente, pero la primera
vez que me senté a tomar un té, tocaba una
versión hechizante de El cisne de Saint
Saëns. ¡A Pavlova seguramente le hubiera
encantado esta experiencia! www.grandhoteleurope.com
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Lago de los
Cisnes
Ballet Nacional de Finlandia en El Lago de los Cisnes de Kenneth Greve. Foto: Sakari Viika
DEBORAH WEISS
evalúa una
fusión de estilos
convencionales
con algunas
adiciones
intrigantes
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DANZA EUROPA
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K
en
Helsinki
enneth Greve, el Director Artístico del Ballet Nacional de Finlandia, se vio
algo ansioso en la premier del Lago de los Cisnes, su primer proyecto para
la compañía como coreógrafo. Mantuvo muchas de las escenas tradicionales,
aunque con sus propios pasos, pero con el objetivo de hacer a los personajes
principales más asequibles al público contemporáneo, con menos cuentos de
hadas y relaciones más complejas.
En lo que conocemos como el Primer Acto, en el que Greve fundió el Primero y
el Segundo, seguido de una combinación del Tercero y el Cuarto, von Rothbart se
nos presenta como un noble, no como una criatura mitad pájaro-mitad hombre, que
se interesa por cortejar a la Reina Madre para obtener poder. Greve le da a Rothbart
mucho más baile, incluyendo solos durante todo el acto y pasajes adicionales de danza
en los actos blancos. También desarrolló el personaje de Benno; resulta evidente que su
amor por el Príncipe no es platónico, aunque en definitiva es un amor no correspondido.
El Primer Acto también le da a Sigfrido muchas oportunidades de bailar, así que durante
la primera hora asistimos a un convite de buena danza masculina, en lugar de los
usuales estereotipos de princesas y cisnes. Samuli Poutanen como Benno, junto a Linda
Haakana y la exquisitamente delicada Eun-Ji Ha, están muy bien en el pas de trois. El
Vals de Greve es un reto para el cuerpo de baile, que es asumido con cálido entusiasmo
y muestra el estiramiento de algunos pies hermosos.
La transición hacia el lago resulta adecuadamente mítica. El próximo cambio de
Greve se produce cuando nos presenta a su Reina de los Cisnes en la piel de una mujer
desnuda, arrojada a la orilla del lago y recogida por un Príncipe enamorado, y ¿quién lo
puede culpar por prendarse de ella al instante? El cuerpo débil se recupera rápidamente
y danza hasta el punto de que lo hechiza. Le sigue un Segundo Acto casi convencional,
con Odette en forma de cisne, no obstante, el momento más memorable se produce
con la entrada de los cisnes. El lago, situado en la parte trasera del escenario, como
es usual, se convierte en rampa de lanzamiento de estas criaturas seductoras que se
Salla Eerola y Andrew Bowman en El Lago de los Cisnes de Kenneth Greve. Foto: Sakari Viika
arrojan hacia arriba y sobre el borde del lago, en una neblina
de hielo seco y drama. Realmente parece como si nadaran,
saliendo del agua cristalina y descendiendo, con perfecta
precisión. Cuatro cisnes sincronizados hacen lo suyo bien y con
seguridad, pero Greve ha reducido sustancialmente la danza de
los cuatro cisnes a favor de otro solitario gran allegro
para Sigfrido.
El Tercer Acto, con sets que nos recuerdan a
William Morris, también ha sido cercenado, lo que
trae como resultado que sea menos épico de lo que
estamos acostumbrados a ver. Hay una española, la
vibrante Tiina Myllymäki y sus secuaces, Czardas,
una hermosa rusa interpretada por Maki Nakagawa, y
está Rothbart, que una vez más tiene una presencia
importante. El pas de deux del Cisne Negro es más o menos
como esperamos. Es la escena final del lago la que causa
gran impresión. En la tormenta Rothbart da vueltas violentas
por entre el grupo de Cisnes, mientras que el pas de deux final
entre Sigfrido y Odette realmente nos rompe el corazón. Benno
se sacrifica por Sigfrido, para apaciguar al malvado Rothbart,
al tiempo que el Príncipe emerge del lago, rescatado por su
princesa humana desnuda. Salla Eerola interpreta una Reina de
los Cisnes que siente el compromiso con sensibilidad extrema.
Resulta técnicamente fuerte en cada una de sus formas, con
líneas y pies hermosos, pero es en los momentos finales del
ballet en que parece pasar por encima de la línea transparente
de la batalla técnica contra la criatura sobrenatural, y encontrar
la esencia de la frágil ave. Resultó una verdadera aparición
alada con el corazón roto. Su Príncipe, Andrew Bowman,
resume al “danseur noble” desde su primera entrada hasta
el rescate final, con una buena interpretación y pirouettes
hermosamente controlados y emocionantes. La otra “estrella”
Greve produce presenta a su Reina de los Cisnes en la
piel de una mujer desnuda, arrojada a la orilla del lago
y recogida por un Príncipe enamorado...
de la función fue Wilfried Jacobs como von Rothbart. Su
ejecución danzaria tiene un sabor musical, pero con la ventaja
de una técnica excepcionalmente precisa y limpia. También
convenció totalmente desde el punto de vista dramático. Greve
lo premió al promoverlo a primer bailarín antes de la función,
promoción bien merecida. Quizás los cambios que Greve
hizo a la historia irriten a los puritanos, que pueden decir que
la ha complicado demasiado, pero personalmente encontré
sus ideas refrescantes. Y, como versión más corta, éste es un
Lago de los Cisnes más digerible para aquellos que se sienten
menos cómodos cuando ven variaciones y danzas de carácter
interminables, y para que al final no se sientan derrotados ante
el drama.
DANZA EUROPA
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El Ballet Estatal de Georgia en De Siberia a Moscú. Fotos: El Ballet Estatal de Georgia
De Siberia
a Moscú
MARGARET WILLIS
opina sobre un ballet de
Bournonville devuelto a la
vida después de un sopor
de una centuria.
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DANZA EUROPA
diciembre 2009
L
uego de permanecer dormido por un periodo de 105 años, un
ballet danés, situado en la Rusia del siglo 19, fue resucitado
en la República de Georgia, país muy distante del lugar donde
nació la obra y sus tradiciones. De Siberia a Moscú fue el último
trabajo de August Bournonville, cuyo estreno tuvo lugar en 1876
en Copenhague, donde se siguió bailando hasta 1905. Luego desapareció
completamente del repertorio. En octubre, en la ciudad de Tbilisi, se produjo
un renacimiento interesante y destacado de la obra, gracias a la colaboración
y la larga amistad entre Frank Andersen, ex director del Ballet Real de
Dinamarca, y Nina Ananiashvili, prima ballerina y directora artística del
Ballet Estatal de Georgia. Con la conservación de muy pocos detalles del
ballet original, Andersen, con la ayuda de la especialista en Bournonville,
Dinna Bjørn, reconstruyó la obra utilizando la destreza de la técnica danesa
para crear, no una obra de museo, sino un trabajo vivo para el público de
hoy. Se produjo un éxito inmediato con su estreno el 24 de octubre en el
hermoso teatro blanco y oro Paliashvili,
con capacidad para 1064 personas, de la
ciudad de Tbilisi.
Nina Ananiashivili, georgiana de
nacimiento, formada en el Bolshoi y una
de las más grandes bailarinas del mundo,
asumió el mando del Ballet Estatal de
Georgia en el 2004.
En los últimos cinco años ha mejorado,
en grado sumo, la calidad danzaria
de la compañía, ha llevado a
escena un promedio de cinco
nuevas producciones al año, e
invitado a jóvenes coreógrafos, tales
como Alexei Ratmansky, Trey McIntyre
y Yuri Possokhov, a crear obras para su
agrupación. Su repertorio ofrece obras
nacionales, rusas e internacionales,
incluidas piezas de Ashton, Balanchine,
Kylian y Bournonville. Tiene 83 bailarines,
la mayoría georgianos, aunque esta
temporada un muchacho joven de
Kazajstán, otro de Nueva Zelanda y dos
del Reino Unido se incorporaron al cuerpo
de baile de la compañía.
August Bournonville se interesó por
las tradiciones folklóricas de Rusia, y
por su ballet, así que en 1869 visitó San
Petersburgo y Moscú, donde se reunió con
Marius Petipa. Este encuentro resulta el
marco propicio para que Andersen haga
su re-creación, combinando hechos con
ficción. El ballet comienza cuando Petipa
le está contando a Bournonville sobre un
noble que se exilia en Siberia con su hija
y como finalmente regresan a Moscú,
donde la joven baila en la corte frente
al Gran Duque Alexander y su esposa,
Maria Feodorovna, princesa danesa a la
que Bournonville le había dado lecciones
privadas de danza cuando era niña. Otra
relación con Dinamarca resultó la música
que Andersen escogió para la obertura,
la poco conocida Overtura Festiva sobre
el Himno Nacional Danés, compuesto
por Tchaikovsky en 1866 para el
compromiso de la pareja real. La orquesta,
enérgicamente dirigida por David Mukeria,
tocó esta larga introducción con pasión, de
la misma manera que lo hizo con la vivaz y
folklórica partitura original de Carl Christian
Moeller.
El ballet incluye mucha acción y fuerte
mímica. El primer acto se sitúa en una
choza de madera en Siberia, donde el
miembro de la nobleza Smirnov se gana
la vida ahora como comerciante de pieles,
aunque es muy proclive a introducir las
ideas de la Revolución Francesa en Rusia.
Su joven hija Natalia está enamorada
del oficial exilado, Kipiani, quien recibe
el perdón gubernamental y hace una
fiesta para los aldeanos. Esta resulta
una oportunidad perfecta para mostrar
exuberantes danzas folklóricas rusas “a
la Moiseyev” con movimientos de barriles,
giros extremadamente masculinos, altos
splits en segunda y flexiones de rodillas.
Hasta nos regalan una danza georgiana
ejecutada por niños pequeños de 5 años,
cuyo veloz trabajo de pies y rápida técnica
de giros resultó impresionante. Echaron
el teatro abajo con su lograda seriedad y
profesionalismo.
El Segundo Acto tiene lugar en el
Palacio Imperial de Moscú. Petipa ha
creado un divertimento para el baile
en la corte real e invita a Bournonville
para que lo vea. La escena cobra
vida en el impresionante set de David
Monavardisashvili, con el deslumbrante
diseño de luces de John B. Reed. Los
nobles, con sus suntuosos trajes y
uniformes elegantes, diseñados por
Alexandre Vassiliev, observan a los
bailarines de ballet representando
cinco ríos de Europa: los pescadores
del Ródano; danzas andaluzas para
el Guadalquivir; Jockey Dance para
el Támesis, aunque bailada en esta
oportunidad por dos mujeres coquetas; y
en el caso del Rin son incluidas alegres
celebraciones con vino por la cosecha.
Estas danzas le dieron a la compañía
la oportunidad de exhibir su técnica
Bournonville, de la cual pudo verse un
muy buen trabajo de pies. Natalia luego
aparece en la corte y los bailarines
ejecutan una danza rusa persistente y
hermosa que representa al Neva. Nino
Gogua como la heroína mostró lirismo y
belleza, alargando su fraseo y exhibiendo
buenas líneas y trabajo de pies. Bailó en
las dos funciones que vi debido a una
lesión en el tobillo de Ananiashvili. El
primer Kipiani de Nino fue Vasil Akhmeteli,
quien posee saltos ligeros y pies estirados,
pero en la segunda noche Irakli Bakhtadze
nos ofreció un personaje más convincente
al bailar el papel con delicadeza.
DANZA EUROPA
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Comedy of Change
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DANZA EUROPA
Rambert Dance Company en Comedy of Change. Foto: Hugo Glendinning
Rambert Dance Company
DEBORAH WEISS
reflexiona sobre el
homenaje a Darwin de
Mark Baldwin
diciembre 2009
E
l estrellato de Rambert relumbra aun más
resplandeciente después de haber traído dos
estrenos a Londres y un increíble reestreno a
Sadler’s Wells. Tread Softly (Anda con cuidado) de
Henri Oguike, su primera creación para el Rambert
Dance Company, es una obra tan explosiva y energética que
uno se maravilla del aguante y la lucidez de los bailarines y su
dedicación a seguir el ritmo acelerado de la música. El título
hace referencia a un fragmento de un poema de Yeats y, en
una secuencia llamativa pero tranquila, un niño brevemente
pisa el estómago de una niña postrada. La intensidad aumenta
rápidamente, guiada por la gloriosa música La muerte y la
doncella de Schubert – un cuarteto de cuerdas (arreglado para
orquesta por Mahler) que es perfecto para el baile. Pienso que
en la primera parte, las chicas hicieron demasiados giros de
pelvis, pero en cuanto la acción pasó a un lírico pas de deux, la
coreografía mejoró. Después de esto – los bailarines parecen
no mirar hacia atrás y la pieza evoluciona hasta llegar a un
clímax triunfante. Hay múltiples entradas y salidas en las que
Haciendo esto,
extrae actuaciones
magníficas del
elenco y, juzgando
por la recepción
estática, logra
dejar al público
pidiendo más.
.
el elenco va volando por el aire a una velocidad
envidiable. Al mismo tiempo, manipulan sus
cuerpos haciendo contracciones extraordinarias,
que hubieran sido lo suficientemente difíciles
con dos pies sobre la tierra. Puestos en fila cada
bailarín tiene su momento de gloria, usando tanta
energía que me imaginé que estarían a punto de
desplomarse (sin embargo siguen dando más).
El increíble ‘treading softly’ se repite mientras
que el magnífico Pieter Symonds corre, como
si estuviera rozando ligeramente la superficie,
sobre tres barrigas tensas. Oguike empuja hasta
el límite en sentido musical, como si estuviera
tratando de ver hasta dónde pueden llegar los
bailarines en términos de velocidad y precisión.
Haciendo esto, extrae actuaciones magníficas
del elenco y, juzgando por la recepción estática,
logra dejar al público pidiendo más.
Carnival of the Animals (El carnaval de los
animales) de Siobahn Davies no pudo haber sido
mejor colocado en el programa, entre dos piezas
de coreografía más apremiantes. Davis reestrenó
y actualizó su versión original de 1982 para
Rambert el año pasado y fue un gozo absoluto.
La simplicidad y el humor tierno corren a través
de la pieza, ya que Davies usa hábilmente cada
una de las piezas evocativas de Saint Saëns
para contar una historia. Convierte la música
en baile con tanto atractivo que es difícil dejar
de sonreír. De nuevo, el elenco fue ejemplar,
pero fue Alexander Whitley, en el conmovedor
y melancólico pas de deux El cucú en el fondo
del bosque con Lucía Barbadillo el que me hizo
subirme al escenario y darle un abrazo.
Como siempre, Mark Baldwin aporta
inteligencia con su coreografía Comedy of
Change (Comedia de Cambio) – un homenaje a
Darwin y el 150º aniversario de la publicación de
El origen de las especies - es una obra de mucha
complejidad. Igual que en sus obras previas
con temática científica, sus colaboradores son
eminentes en sus respectivos campos, y el
resultado es una pieza que combina con éxito
todos los elementos de la producción. Con
una partitura comisionada de Julian Anderson,
el asesoramiento del Profesor de Cognición
Comparativa de la Universidad de Cambridge
Nicola Clayton, y un vestuario precioso diseñado
por Georg Meyer-Wiel, Baldwin crea una
pieza visualmente interesante y que invita a la
reflexión. Empieza en silencio, con crisálidas
ingeniosas (también diseñadas por MeyerWiel) adornando el escenario y mostrando
señales de movimiento. Según los cuerpos
emergen, la calidad del vestuario se hace
aparente inmediatamente. Baldwin usa las
teorías básicas de Darwin de igual/diferente,
pasado/futuro, mostrar/encubrir. Es con esta
última teoría que los “cuerpos” blanco y negro
(espaldas negras, frentes blancos) de MeyerWiel funcionan tan bien – porque ofrecen un
tipo de camuflaje. Los bailarines desaparecen
y reaparecen con iluminación eficaz (Michael
Mannion). Los movimientos hacen referencia al
comportamiento de los animales o de los pájaros,
y mientras evoluciona la pieza, parece que hace
un argumento sobre la supervivencia de los más
aptos. La partitura de Anderson tiene varias
texturas, pero la encontré difícil de apreciar. Sus
notas de programa explican claramente cómo
desarrolló la música, pero no es fácil de digerir.
Sin embargo, esto no debería disuadir al público
interesado. Merece la pena volver a a ver y
descubrir Comedy of Change, y los bailarines de
Rambert son excepcionales en todo lo que hacen.
Rambert Dance Company en Comedy of Change.
Foto: Hugo Glendinning
DANZA EUROPA
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DANZA EUROPA
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Festival Danza de Córdoba
Joseph Gorak
©Guillermo Galindo
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DANZA EUROPA
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Festival Danza de
Córdoba
EMMA MANNING visita la sucursal mexicana de
YAGP y queda profundamente impresionada
Andrea Salazar en Don Quixote. Foto: Jorge Coria
F
undada por los españoles en
1618 y situada entre los cerros
de Matlaquiahitl y Tepixtepec en
Veracruz, la ciudad mexicana de
Córdoba se encuentra raramente
en el circuito de galas internacionales.
Es uno de esos lugares tremendamente
encantadores, donde los policías paran
el tráfico si uno quiere tomar una foto y
donde bailar de forma improvisada en los
restaurantes es parte de la cultura. Sin
embargo, la Noche de Estrellas que concluyó
el Festival de Danza de Córdoba de este
año, asociado al Youth America Grand Prix
(YAGP), fue una de las galas del YAGP
más edificantes a las que haya asistido y,
también, una noche milagrosamente libre de
los problemas musicales y de iluminación
que con tanta frecuencia han empañado
las galas neoyorquinas de la organización.
Cada segmento de la función comenzó
con bailarines jóvenes y talentosos que se
habían destacado en anteriores vueltas de
la competencia, que en realidad no es tanto
un concurso en el sentido de que no hay
primero, segundo ni tercer lugar, sino un
jolgorio de danza supervisado por un jurado
encargado de otorgar becas para escuela
internacionales.
A diferencia de los concursos de ballet,
que dividen a los participantes en grupos de
edades, los programas de Danza de Córdoba
son más diversos, una linda niña de
nueve años que finge ser una margarita
en una maceta puede ser seguida por
una Kitri de 17 años y después por
un grupo contemporáneo. Aunque
tal desorden hace que la tarea de
comparar a los bailarines sea menos
fácil, de hecho produce una noche más
vívida para aquéllos como nosotros
que nos hastiamos de ver 20 Auroras
seguidas. El nivel también varía
grandemente, ¡hay algunos pies que
no deberían usar zapatillas de punta!
Pero hay también algunos bailarines
excepcionalmente talentosos.
Un aspecto negativo es el excesivo
énfasis que se le da a las argucias técnicas
y a los ejercicios de clase laboriosamente
ejecutados al compás de una música con
la que no tienen nada que ver. Por tanto,
prepárese para ver un niño pequeño sacando
un lazo y dos pistolas al compás de Zorba
el Griego y un adagio académico propio de
un examen de la RAD con música latina
sensual. La obsesión por alzar la pierna
hasta los hombros, o hacer a la seconde
extensiones hechas torpemente, también
resulta tediosa. No obstante, como aspecto
positivo, hay algunas actuaciones destacadas
que compensan en gran medida los aspectos
negativos. Entre las candidatas más jóvenes,
Jazmín Martínez estuvo encantadora en
Dominique Mombrun en Esmeralda.
Foto: Guillermo Galindo.
DANZA EUROPA
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WORLD’S LARGEST STUDENT BALLET SCHOLARSHIP COMPETITION
Under the auspices of CID/UNESCO. Member, International Dance Council.
YAGP 2010 NEW YORK CITY FINALS
March 21-25, 2010
“STARS OF TODAY MEET THE STARS OF TOMORROW”: YAGP 2010 GALA
New York City Center
March 26, 2010
“VLADIMIR VASILIEV: A GALA TRIBUTE TO A 20TH CENTURY DANCE LEGEND”
New York City Center
March 27, 2010
For info and registration, visit
WWW.YAGP.ORG
Photo by Hideaki Tanioka.
su solo de Mariposa, y Dominique Mombrun nos
dejó boquiabiertos con su Esmeralda. Algunos, sin
embargo, podrían argüir que una niña de 11 años no
debería ser sometida a tales extremos.
La anteriormente mencionada Noche de Estrellas
comenzó con la Danza Húngara de Coppélia bailada
con gusto por alumnos de Prover y Fomento Artístico
Cordobés, ofreciendo el entrée para Paulina Guraieb
y Francesco Gabrielle Frola, que bailaron el pas de
deux. Aunque Guraieb hizo algunos rápidos fouettés,
fue Frola, prometedor bailarín italiano de la Scuola di
Danza de Parma, Italia, que perfecciona sus estudios
en México, el que realmente llamó la atención con
su magníficos jetés y fuerte partneo. Otra atracción
del primer acto fue el pas de deux de Arlequinada,
hábilmente presentado por Luana Correa y Gustavo
Carbalho del Conservatório Brasilero de Dança,
ofreciendo un poco de humor ligero al estilo de la
commedia dell’arte.
Los divertimentos para bailarines jóvenes del
segundo acto incluyeron un sorprendente pas de
deux de Baile de Graduados ejecutado por Ivana
Bueno y Miguel Ángel Cano, aunque siempre resulta
extraño ver a niños tratando de emular con los
adultos, y un dúo contemporáneo, Involución, con
coreografía de Lidia Luna, bailado con estilo por
Gabriela Lugo y un bailarín realmente interesante,
Moisés León (pensemos en Carlos Acosta a los 17
años), de la Escuela Nacional del Ballet de Cuba.
La pareja, ambos altos y con largas extremidades,
también había presentado Paquita anteriormente
en el festival pero, aunque sus giros fueron lo
suficientemente espectaculares, su actuación no
correspondió con la expectativa que había creado su
presencia en clase.
Durante el festival tuve el placer de ver varias
de ellas, incluidas las de Rosario Murillo. Destacada
maestra de ballet de la Escuela Superior de Música
y Danza de Monterrey, Murillo es una profesora
fabulosa y su clase es maravillosamente musical,
un don que claramente insufla a sus estudiantes,
muestra de ello es la variación de Don Quixote de
Andreas Salazar en la gala, que no debe ser pasada
por alto. Ver a Salazar fue una alegría total, así como también
lo fue Esteban Hernández, hermano menor de Isaac Hernández
del San Francisco Ballet, en su variación de Llamas de París.
Hernández, alumno de The Rock School y ganador del grand prix
en la categoría “junior” en el YAGP 2009 de Nueva York, es uno al
que incuestionablemente hay que ver.
Le siguieron los artistas invitados. Joseph Gorak, ganador
del grand prix en la categoría “senior” del 2006 y actualmente
bailarín del American Ballet Theatre, presentó dos variaciones
contrastantes. Primero fue Nocturno, con coreografía de Kirk
Peterson, que exalta la hermosa fluidez de Gorak, y después el
solo del Príncipe de Bella, cuya ejecución fue inmaculada y hecha
a mano. Y qué maldad de pies, cualquier bailarina mataría por
tener sus empeines.
Dos solos más fueron bailados por Carlos Pinillos del Ballet
Nacional de Portugal, quien realmente es español: la variación
con velocidad de cohete, Five Tangos, de Hans van Manen y
la emotiva Paramos a Tango al compás de un fado portugués.
También ofrecieron buenas actuaciones Drew Jacoby y Rubinald
Pronk, que volaron de noche luego de bailar en Nueva York con
Morphoses para sumergir sus cuerpos inarticulados en la obra
B. Sonata de Leo Muijic y para bailar One de Anabelle López
Ochoa y mostrar su acostumbrado carisma. Su presencia causó
gran sensación.
Elisa Carrilo y Mikhail Kaniskin en Le Grand Pas de Deux. Foto: Jorge Coria
Más fado acompañó a Elisa Carrilo y Mijail Kaniskin del Berlin
Staatsballett en su conmovedora ejecución de Transparente
de Ronald Savkovic, pero la pareja se divirtió mucho más con
el indispensable boleto de la gala, Le Grand Pas de Deux, de
Christian Spuck, que desternilló de risa a los mexicanos. Más
humor llegó por cortesía de Stanton Welch con su inteligente
pieza Mostly Mozart, pero Melody Herrera y Connor Walsh, ambos
del Houston Ballet, se mostraron mejor en el pas de deux de
Manon. Ligera y pequeña, tiene que ser un sueño para cualquier
bailarín cargar a Herrera, lo que Walsh aprovechó ampliamente,
lanzándola de un lado a otro con gusto apasionado.
El Stuttgart Ballet estuvo representado por la encantadora
Anais Bueno, quien de hecho creció en Córdoba y estudió en
Fomento Artístico, y Daniel Camargo en un vigoroso Pas de
Paysant de Giselle, aunque uno se pregunta por qué Camargo,
quien tiene un salto admirable y baterías precisas como navajas,
no estaba interpretando a Albrecht.
Culminando la gala, Gillian Murphy y Sascha Radetsky volaron
desde el ABT para ofrecer un Corsaire que enloqueció al Auditorio
Dr. Manuel Suárez. Murphy posee uno de esos centros de hierro
fundido que podría resistir un terremoto, y sus fouettés triples con
brazos en quinta son absolutamente algo digno de ver. Mientras
tanto Radetsky, con el pecho descubierto y sin pudor alguno, tuvo
que utilizar un cuerpo de seguridad para sacarlo del edificio.
DANZA EUROPA
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Fernando
Alonso
TOBA SINGER
habla con el
director cubano
quien celebrará su
95º cumpleaños el
27 de diciembre.
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DANZA EUROPA
¿C
diciembre 2009
Fernando Alonso está enseñando a la clase en Cuba
uáles son los peligros
que pueden afectar a
una compañía cuando
está en gira?
Siempre cuando se está
de gira, de alguna manera se pierde técnica porque
hay que apresurarse de acuerdo con los horarios
de viaje y de los trenes. No hay suficiente tiempo
para el calentamiento, y terminas dando clase
en todo tipo de sitios, sean o no sean estudios
buenos. Todo esto afecta la técnica apropiada y
serena de cada día que se desarrolla cuando se
trabaja en el ambiente cotidiano. Creo que ser
autónomo es una equivocación porque uno no
tiene el reto y la presión de los hábitos de trabajo
continuo que son tan necesarios cuando se baila
ballet, por eso creo que un bailarín debería formar
parte de una compañía, trabajar en ésta y sentir
y absorber el estilo de la compañía para poder
seguir desarrollándose. Se necesita algo concreto
con qué trabajar. Sin un director artístico y una
compañía, el trabajo de un bailarín tiende a
hacerse demasiado ecléctico. Un director artístico
ayuda a desarrollar una relación con el público.
Por ejemplo, cuando se baila un solo, realmente
es un pas de deux con el público, y esta relación
con el público es casi imposible conseguirla sin el
ancla que nos ofrece una compañía.
¿Cómo preparaba a los bailarines para evitar
las trampas que pueden surgir durante una
gira?
La mayoría de las veces los bailarines mismos
creaban sus propias soluciones. Por ejemplo,
hicimos un viaje a Inglaterra en un barco que no
tenía un teatro. Pues cuando viajábamos en barco
hacíamos las clases sobre la cubierta. Cuando se
está en medio del Atlántico, las olas pueden ser
bastante grandes, pero nos apañábamos. Cuando
se llega a tierra firme, se tiene pie marino durante
unas horas. Tuvimos una serie de funciones en
Covent Garden y tuvimos tiempo para trabajar
en el ballet que estábamos representando, en el
siguiente y tiempo para hacer clase. Nunca olvide
que se toman clases de ballet para mejorar y no
solamente para mantener la técnica. Nos gusta
que lo tuvimos que hacer sin zapatos.
Tiramos Coca Cola por todo el suelo
pero no nos sirvió de nada. Teníamos
resina pero no funcionaba con ese tipo
de suelo. A veces llegábamos a un
sitio y descubríamos que justo estaban
entregando el vestuario y los baúles.
Usábamos el tocadiscos para hacer
el calentamiento, y los bailarines se
colgaban de las paredes y de las puertas
mientras se montaban los decorados.
¿Cual diría que ha sido su peor
experiencia de gira?
Bailar sin zapatillas fue la peor
experiencia. Oh, pero también hubo esa
vez que bailábamos Helena de Troya y
tocaron la música equivocada. Todos
perdieron el control y empezaron a
inventarse cosas. ¡Fue tan divertido!
¿Qué otras experiencias entretenidas
recuerda?
Durante la guerra no siempre era
posible procurar una reserva de hotel,
así que los bailarines que tenían
habitación nos invitaban a quedarnos.
Me acuerdo de un caso en el que
Rosella Hightower y su compañera
tenían una reserva. Nos invitaron a
quedarnos. Entramos a escondidas.
Había tanta escasez en aquellos
tiempos. Alguien llegó y anunció,
“Hay Kleenex en la droguería de la
esquina”. Se fueron a la droguería, y yo
me quedé dormido en la cama. Dormí
como una piedra. Después de un par
de horas, ¡sentí un dolor horrible en
la espalda! ¡Todos habían vuelto y
decir que tomamos clases de mejorar en vez
de clases de mantenimiento. Siempre tenía a
alguien a mi lado copiando mientras dictaba.
No teníamos todos los aparatos que tenemos
ahora. Me sentaba y dictaba todo lo que
pasaba sobre el escenario y lo colgábamos
sobre un tablón detrás del escenario. Si
no tenía suficiente tiempo para hablar
individualmente con todos los bailarines, nos
sentábamos en corro y dábamos correcciones
los unos a los otros para así ayudarnos
todos. Alguien siempre hacía de regisseur
aunque la persona habitual no estaba de
gira con nosotros. Los horarios siempre se
preparaban. Los bailarines tenían que llevar
sus maillots, zapatillas y zapatillas de punta
en su bolsa por si las maletas no llegaban a
tiempo o se perdían. No importa lo bien que
uno se prepara, siempre surgirán problemas
para los que no se está preparado. Una vez,
llegamos al auditorio de una universidad
y teníamos que bailar Interplay de Jerome
Robbins. Habían pulido los suelos tan bien
“¡Cuando se dio la vuelta
y vio a dos John Kriza tuvo
que confiar en sí misma
y hacer un acto de fe
esperando que encontraría
el verdadero John!”
se acostaron encima de mí! Hubo una vez
cuando vivíamos en el mismo edificio que
Rosella. Todos los bailarines encontramos
ese sitio – muy barato –. Era su cumpleaños
y tenía el día libre. Había estado bebiendo
y bebiendo y estaba algo contentilla. De
repente, alguien en el teatro se puso enfermo
y vinieron por Rosella. Le dimos una ducha
fría y café y tuvo que bailar Don Quixote.
Fue graciosísimo porque tuvo que hacer un
arabesco y después darse la vuelta y hacer
un saut de basque sobre el hombro de John
Kriza. Cuando se dio la vuelta y vio a dos
John Kriza tuvo que confiar en si misma y
hacer un acto de fe esperando que encontraría
el verdadero John!
¿Cómo escoge a un acompañante?
El acompañante tiene que tocar como si
estuviera dando un concierto. No debe estar
traqueteando sobre el piano para transmitir el
ritmo como si estuviera golpeando un tambor.
No hay música en eso. No permite que la
persona sienta la música y la asocie con la
danza, lo cual es muy importante porque
en la música hay que tener retardando,
accelerando, tiene que ser más fuerte o más
suave; todo esto es parte de la música, y
la danza es un arte musical, aunque no se
necesite un piano o música para bailar. Se
puede bailar solo sintiendo el movimiento;
así, uno tiene que crear su propia música en el
movimiento.
¿Cómo puede un bailarín superar un
periodo en el que está bloqueado?
Cuando se encuentra que algo va mal y que
no se logra rectificar porque hay algún fallo
en alguna parte, tiene que mirarlo desde otro
ángulo. Volviendo al principio encontrará
donde está el fallo. Por ejemplo, si uno se cae
haciendo piruetas, tiene que hacer primero
una sola pirueta, se prueba eso y lo otro y
varias otras cosas para descubrir que está
causando el problema. No se hacen cinco. Se
hace una. Se presta atención a la pierna de
soporte. La gente suele creer que el problema
es con la pierna que trabaja, pero siempre se
deben tener en cuenta las leyes de la física, la
inclinación del cuerpo, la fuerza del empuje.
¿Y qué se hace si uno está teniendo
problemas con su pareja de baile?
El hombre no puede culpar a la mujer.
Siempre hago responsable al hombre. Él
tiene que saber decirle las cosas teniendo en
cuenta la psicología. Hay que saber como
aproximarse a cada pareja dependiendo de
su personalidad, ¡y todos somos únicos!
Siempre hacer que el hombre se sienta más
caballeroso y, por lo tanto, más en control.
El chico tiene que seguir el ritmo de la chica.
Cuando se encuentra el ritmo de la chica
todo funciona. Haz el plié con ella, un poco
antes. Si haces Romeo y Julieta acuérdate de
que el chico que no pertenece a este periodo,
a la casa de su familia, con Julieta, sobre el
mismo escenario, no puede bailar Romeo,
¡y no se puede hacer Romeo y Julieta!
Tienes que entender la relación entre tú y los
personajes, y sobre todo con tu personaje en
la ciudad de Verona durante esa época. Sin los
Capuleto y un Romeo, ¡no hay historia!
DANZA EUROPA
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49
dance_europe.qxd:Advertising
11.11.2009
9:06 Uhr
Seite 1
AUDITION
for the School of THE HAMBURG BALLET
School year 2010/2011
Sunday, April 25, 2010
Junior and Intermediate Classes 11-16 years
(for boarding school)
Theatre Classes (Advanced) 16-18 years
At the Ballet School of THE HAMBURG BALLET,
established in 1978, young people from all over
the world are trained for a professional dance
career.
All classes are given in the Ballettzentrum
Hamburg – John Neumeier. Boarding facilities
are also available within the building for 34
pupils. The syllabus gives priority to classicacademic dance as well as the techniques of
modern and folk dance.
Students of the Theatre Classes take part in performances of THE HAMBURG BALLET.
Director John Neumeier
Pedagogical Director Marianne Kruuse
Pedagogical Supervisor Irina Jacobson
Ballet Teachers
Brita Adam, Carolina Borrajo, Ann Drower
Marianne Kruuse, Beatrice Schickendantz-Giger
Kevin Haigen, Lloyd Riggins, Christian Schön
Stacey Denham
Enrollment and Information
Ursula Ziegler
Ballettzentrum Hamburg – John Neumeier
Caspar-Voght-Strasse 54 | D-20535 Hamburg
Tel.: +49 40 21 11 88 -31/-30
Fax: +49 40 21 11 88 88
[email protected]
www.hamburgballett.de
50
DANZA EUROPA
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The Finnish National Ballet
(Artistic Director Kenneth Greve)
is a classical ballet company of 76 dancers and 10 apprentices based in Helsinki,
Finland. Our repertoire includes full-length classical ballets and contemporary
works (Fonte, Forsythe, Ek, Elo, Kylian, Naharin, etc.)
The Company is seeking new male and female talents to join the company (apprentices, corps de ballet, soloists and principal dancers) for season 2010-2011.
AUDITIONS
in Prague State Opera (Statni Opera) on Saturday, January 9th 2010 at 4.30 p.m.
and in Finnish National Opera, Helsinki, Saturday, January 16th 2010 at 2 p.m.
To participate in the auditions, please send written application (by mail or email)
in English to:Finnish National Opera, Helsinginkatu 58, PO Box 176,
FI-00251 Helsinki Finland.
The applications should be sent before December 7th 2009.
With the application you should send us also: short cv (education, work
experience, roles);three photos: face portrait, body portrait, performance
picture (if available); weight, height,contact information: address,
telephone and e-mail
The applications will not be returned.
All applicants will be informed about the decision before December 15th 2009.
Further information:
Timo Sokura, Producer tel +358 50 309 8808
[email protected]
audiciones y trabajos
Fecha límite para la revista de enero listado en la página Web es
el 5 de diciembre. Inclusión en los listados dependerá del espacio
disponible. email: [email protected]
Boston Ballet – Director Artístico: Mikko Nissinen – tendrá audiciones para
todos los niveles de la compañía y para BBII entre febrero y abril del 2010 en
Ámsterdam, Roma, Boston y Nueva York. El repertorio del Boston Ballet incluye
obras clásicas, neoclásicas y contemporáneas de coreógrafos que como Ashton,
Balanchine, Bournonville, Caniparoli, Childs, Cranko, Dawson, Elo, Forsythe,
Kudelka, Kylián, Martins, Morris, Nureyev, Petipa, Pickett, Tharp, Tudor y Wheeldon. Información adicional se publicará en www.bostonballet.org. No llamar por
favor.
COMPANY AUDITIONS
Northern Ballet Theatre – Director Artístico: David Nixon – tendrá audiciones en
Londres el domingo 24 de enero del 2010 para bailarines masculinos y femeninos
para la temporada 2010 - 2011. Los candidatos deben ser bailarines técnicamente
y físicamente fuertes y creativos. Por favor manden su CV (que debe incluir su
altura, peso, fecha de nacimiento y nacionalidad), fotos recientes de baile clásico
de cuerpo entero y DVD si lo tiene por correo postal a: David Nixon, Artistic Director, Northern Ballet Theatre, West Park Centre, Spen Lane, Leeds LS16 5BE,
Reino Unido. Fecha límite para solicitudes: Viernes, 15 de enero del 2010.
Ballett Nürnberg - Director Artístico: Goyo Montero – busca solistas masculinos y femeninos. La audición tendrá lugar el 10 de enero del 2010, a las 10:30
(inscripción desde las 9:00) en el Staatstheater Nürnberg – entrada por la puerta
de artistas en Richard-Wagner-Platz 2 -10. Se requiere un excelente nivel de
técnica clásica y experiencia con danza contemporánea. La audición incluirá un
entrenamiento clásico y talleres (para las mujeres trabajo en zapatillas de media
punta y zapatillas de punta). Los asistentes deberan inscribirse por adelantado
mandando por email su CV, foto de danza y foto de primer plano antes del 18 de
diciembre: [email protected]; por fax: +49 911 231 8238; o por
correo postal a Staatstheater Nürnberg, Dorothea Mosl, Richard-Wagner-Platz 2
-10, D-90443 Nürnberg, Alemania. Por favor tome nota de que su inscripción tiene
que ser confirmada. Le notificaremos a través de correo o email. www.staatstheater.nuernberg.de
Bern:Ballett - Director Cathy Marston – busca bailarines con mucha experiencia en danza clásica y contemporánea y con interés en trabajos narrativos y
abstractos. Creatividad, buena habilidad clásica y de apareamiento por contacto
son ventajas adicionales. Las audiciones, sólo por invitación, se harán en Bern el
13 de febrero 2010, con la segunda fase el 14 de febrero. Para aplicar por favor
mande su CV y una foto a: [email protected] Fecha límite para
aplicar: 29 de enero del 2010. www.stadttheaterbern.ch
Das Leipziger Ballett – Director de Ballet Designado Mario Schröder – busca
bailarines masculinos y femeninos con una técnica clásica y contemporánea
solida para la temporada 2010 - 2011. Las audiciones se harán en el Teatro de
la Opera de Leipzig el 6 de diciembre 2009 y el 10 de enero el 2010 a las 12:00
(inscripción a las 11:00). Por favor mande su aplicación con CV y foto a: Oper
Leipzig, Leipziger Ballett, z.Hd. Mario Schröder, Augustusplatz 12, D - 04109
Leipzig, Alemania. Fax: + 49 (0) 341 1261-376. [email protected] www.
oper-leipzig.de
Theater Augsburg tendrá audiciones para bailarines con técnica clásica solida,
que incluya trabajo de zapatilla de punta, y experiencia en interpretación contemporánea (experiencia profesional preferida) el 16 de enero del 2010, a las 12:00,
en el Ballettsaal del Teatro Augsburg. Participación sólo por invitación. Por favor
mandar su CV y fotos al Theater Augsburg, Ballettbüro, Kasernstrasse 4 - 6,
D-86152 Augsburg, Alemania, o por email a: [email protected]
AUDITION
2010
16th january 2010 | 12.00 a.m. | Ballettsaal Theater Augsburg.
2010–2011 SEASON
BOSTON BALLET COMPANY
AND BBII AUDITIONS
Boston Ballet Artistic Director Mikko Nissinen
will hold auditions for all Company ranks and BBII during
February – April, 2010 in
Amsterdam
Rome
Boston
New York City
Boston Ballet maintains an internationally acclaimed repertoire of
classical, neo-classical and contemporary works from choreographers
including Ashton, Balanchine, Bournonville, Caniparoli, Childs,
Cranko, Dawson, Elo, Forsythe, Kudelka, Kylián, Martins, Morris,
Nureyev, Petipa, Pickett, Tharp, Tudor, and Wheeldon.
Additional information at
Strong classical technique including point work and contemporary performing experience required | professional experience preferred | participation by invitation only
Please send your CV and pictures until january 8th to: Theater Augsburg,
Ballettbüro | Kasernstrasse 4-6 | D-86152 Augsburg or: [email protected]
www.bostonballet.org
No phone calls, please.
Photo of Larissa Ponomarenko by Gene Schiavone
DANZA EUROPA
diciembre 2009
51
DanceEurope_186x90.qxp:Layout 1
10.11.2009
17:20 Uhr
Seite 1
“... one of Britain’s most
important companies ...”
THE OBSERVER, Spring 2009
Northern Ballet Theatre is the UK’s leading touring company
giving over 160 performances each year in the UK and abroad.
Our repertoire is a varied and imaginative mix of classic ballets
and newly commissioned works.
We are holding an audition in London on Sunday 24th January 2010
and are looking for the following dancers for our 2010/11 seasons:
Male & Female Dancers
You will need to be technically and physically strong,
creative dancers.
Please submit full CV by post (which must include height,
weight, date of birth, nationality) and recent full-length
classical dance photos and DVD if available to:
David Nixon, Artistic Director, Northern Ballet Theatre,
West Park Centre, Spen Lane, Leeds LS16 5BE
Closing date for applications: Friday 15 January 2010
Photo: Bill Cooper
AUDITIONS
HEINZ SPOERLI’S ZURICH BALLET
12 December 2009, 1 February 2010, 14.00 h
ZURICH BALLET is offering positions for young female/male dancers
with strong classical technique; female: 1.68 m / male: 1.75 m
The Auditions will be held at the Zurich Opera House.
Please, send your application and CV with photo to:
Zurich Ballet, Heinz Spoerli, Falkenstrasse 1, CH-8008 Zurich,
Phone +41 44 268 64 63, [email protected]
Bern:Ballett
For further information on the Company go to: www.northernballettheatre.co.uk
FEBRUARY 7, 2010
Audition
Cathy Marston, Director of the
Bern:Ballett, Stadttheater Bern,
Switzerland, is seeking dancers for
the 2010/11 season.
Applicants should have strong classical
and contemporary experience with an
interest in narrative as well as abstract
work. Creativity, good classical and
contact partnering skills would be
additional assets.
Audition Bern:
February 13th 2010 /
call back: February 14th, 2010
By Invitation Only!
To apply please email a CV and photo to:
[email protected]
Application deadline:
January 29th, 2010
Current/previous choreographers include Cathy
Marston, Hans van Manen, Jiří Kylián, Karole
Armitage, Hofesh Shechter, Alexander Ekman,
Medhi Walerski, Mark Bruce, Doug Varone, Andrea
Miller, Guilherme Botelho, Corinne Rochet, Teresa
Rotemberg.
www.stadttheaterbern.ch
52
DANZA EUROPA
diciembre 2009
IVAN LIŠKA – ARTISTIC DIRECTOR
We are looking for dancers with strong classical technique. Please send your CV indicating height and date
of birth, together with full-length body photo in leotard
and portrait to below mentioned address. Incomplete
applications cannot be processed.
LADIES GROUP 11 am / minimum 1.65 m / 5’ 5’’
GENTLEMEN GROUP 2 pm / minimum 1.80 m / 5’ 11’’
NATIONALTHEATER MÜNCHEN
Stage Entrance – Maximilianstrasse
Bettina Kräutler
Platzl 7, 80331 Munich, Germany
T +49.(0) 89.21 85 17 01
F +49.(0) 89.21 85 17 03
[email protected]
www.staatsballett.de
SeaSon
: 2009/2010
artistic Director goyo Montero is looking for male and female
soloist dancers
audition on Sunday,
10th January 2010, 10:30 a.m.
(inscription starts at 9:00 a.m.)
Staatstheater nürnberg / stage
entrance, richard-Wagner-Platz
2-10, D-90443 nürnberg
Please note that your registration must
be confirmed. it will be notified by mail
or email. an excellent level in classical
technique and experience in contemporary
dance is required. the audition will be a
classical training and workshops (for
women both soft and point shoe work).
inscription with cv, dance picture and
headshot until latest Dec 18:
email: [email protected]
fax +49-911-231-8238
Staatstheater nürnberg
Dorothea Mosl
richard-Wagner-Platz 2-10
D-90443 nürnberg
www.staatstheater.nuernberg.de
0180-5-231-600 maxi dsl 14 Cent/min
Managing Director: Peter Theiler Ballet Director: Goyo Montero
Zurich Ballet – Director Artístico Heinz Spoerli – ofrece posiciones a jóvenes
bailarines masculinos y femeninos con una técnica clásica solida. Bailarinas 1.68 m; bailarines - 1.75 m. Las audiciones se harán en el Teatro de la Opera de
Zurich el 12 de diciembre del 2009 y el 1 de febrero del 2010 a las 14:00. Por
favor mande su aplicación con su CV y una foto a: Zurich Ballet, Heinz Spoerli,
Falkenstrasse 1, CH-8008 Zurich, Suiza. Tel: +41 44 268 64 63. [email protected]
opernhaus.ch
Bayerisches Staatsballett. El Director Artístico Ivan Liska realizará audiciones a
bailarines con fuerte técnica clásica el 7 de febrero de 2010 en el National Theater München. Damas (talla mínima 1.65m / 5’ 5”) a las 11:00; caballeros (talla
mínima 1.80m / 5’11”) a las 14:00 horas. Por favor, envíe su currículo, indicando
estatura y fecha de nacimiento, junto con una foto de cuerpo entero con leotardo
y un retrato a: Bettina Kraütler, Platz 7, 80331 Munich, Alemania. Tel: +49 (0)89
21 85 17 01. Fax: +49 (0)8921 85 17 03 [email protected]
www.staatsballett.de. Las solicitudes incompletas no serán procesadas.
Rambert Dance Company está buscando un bailarín o bailarina para la premier
de la compañía contemporánea en el Reino Unido. Candidatos deben haber
entrenado en una escuela o conservatorio reconocido y tener una fuerte técnica
contemporánea y clásica. Idealmente se requiere experiencia de 3-5 años de trabajo en una compañía profesional de danza, y estar listo para empezar a trabajar
el lunes 4 de enero de 2010. Para información completa de solicitud, por favor
mirar en la sección “oportunidades de trabajo” de la página web de la compañía
www.rambert.org.uk Cierre de solicitudes 4 diciembre 2009.
La Palucca Schule Dresden busca contratar a un Profesor de Danza Contemporánea a partir del año escolar 2010-2011. El puesto incluye enseñar danza
contemporánea en los Programas de Entrenamiento de Maestros, Coreógrafos
y Bailarines Profesionales. Las solicitudes con la inclusión de foto, currículo,
experiencia profesional y educación, además de copias de todos los diplomas y
calificación, deberán enviarse antes de la fecha de cierre, el 31 de diciembre de
2009, a: Palucca Schule Dresden - Hochschule für Taz, Personbüro - Frau Christine Gölker, Basteilplatz 4, 01277 Dresden, Alemania. Tel: +49 (0)351 25906-18.
email: [email protected] www.palucca.eu
Victor Ullate Ballet Comunidad de Madrid - una audición para 4 bailarines
solistas (dos hombres y dos mujeres) con experiencia profesional y alto nivel
clásico. Edad minima: 18 años. Día: 9 de enero de 2010, a las 11 horas. Lugar:
DANZA EUROPA
diciembre 2009
53
Dance Europe
12.11.2009
13:08 Uhr
Seite 1
Teatros del Canal, Calle Cea Bermúdez 1 (metro Canal o Río Rosas), 28002
Madrid. Enviar CV con foto de danza actualizada y DVD o Video a:
[email protected] La admisión para la audición se comunicará por
correo electrónico.
Das Leipziger Ballett
Designierter Ballettdirektor und Chefchoreograph Mario Schröder
sucht Tänzerinnen und Tänzer
für die Spielzeit 2010/2011
mit hervorragender klassischer und moderner Technik.
Termine: 6. Dezember 2009 und 10. Januar 2010
Anmeldung: 11:00 | Vortanzen: 12:00 | Ballettsaal der Leipziger Oper
Designated Ballet Director Mario Schröder is looking
for male and female dancers for the season 2010/2011
with strong classical and contemporary technique.
Dates: December 6th, 2009 and January 10th, 2010
11:00 to register | audition at 12:00 at the Leipzig Opera House
Bitte senden Sie Ihre Bewerbung mit Foto an:
Please send your application and CV with photo to:
Oper Leipzig | Leipziger Ballett | z.Hd. Mario Schröder
Augustusplatz 12 | D - 04109 Leipzig | Fax: + 49 (0) 341 1261-376
[email protected]
www.oper-leipzig.de
K-Ballet Group. El Director Artístico Tetsuya Kumakawa busca un maestro de
ballet y un asistente. Se tendrán en cuenta experiencia, edad y aptitudes para
puestos bien pagados, los empleados a tiempo completo reciben seguro social
y un plan de pensión. También se necesitan algunos alumnos maestros para el
Curso de Entrenamiento de Maestros de la agrupación. Para hacer su solicitud,
por favor, envíe su currículo y foto a: Ballet Staff o Teachers Training Course,
según el caso, K-Ballet Group, 3-22-6-309, Koishikawa, Bunkyo-ku, Tokyo, Japan
112-0002. Tel: +81 (0)3 5805 8812. www.k-ballet.co.jp
Scapino Ballet Rotterdam. El Director Artístico Ed Wubbe realizará audiciones
a bailarines, hombres y mujeres, con fuerte técnica clásica, contemporánea y de
punta, el 23 de enero de 2010. La audición es por invitación. Por favor, para más
información visite el sitio web www.scapinoballet.nl.
Ballet West (Scotland). La compañía necesita primeros bailarines para la
producción de Cascanueces, que hará una gira de primavera por China en 2010.
Se recibirán solicitudes individuales y en pareja. Envíe su currículo y un DVD
de audición a Ballet West, Ichrachan House, Taynuilt, Argyll, Scotland PA35 1HP.
Para mayor información, contacte a Gillian Barton en el +44 (0)1866 822641. [email protected], www.balletwest.co.uk
Les Grands Ballets Canadiens de Montréal. El Director Artístico Gradimir
Pankov realiza audiciones a bailarines profesionales con fuerte técnica clásica y
experiencia en danza contemporánea el 20 de febrero de 2010, a la 1:00 p.m., en
la siguiente dirección: 4816, Rivard Street, Montréal (Québec), Canada H2J 2N6.
Repertorio: clásico, neoclásico y contemporáneo. Contacte a Michelle Proulx,
email: [email protected] Tel: +1 514 849 8681, ext. 243. Planilla de
Información y Acreditación: www.grandsballets.com
New English Contemporary Ballet busca animadores de danza para impartir
talleres con el fin de reclutar y dar residencias como parte de su activo programa
de educación, en conexión con su producción de El cascanueces este otoño e
invierno y durante las giras con NECB y NECB2 en la primavera de 2010. Por
favor mande su CV a Jamie Thomson por correo electrónico - [email protected]
Vevey Youth Ballet School en Vevey, Suiza, busca un Nuevo director/administrador/maestro de ballet. Fecha de inicio 10 de enero 2010. Debe tener experiencia
enseñando a niños y tener un pasaporte de la EU. Por favor póngase en contacto
con Kim White o Sheryl Zen Ruffinen en [email protected]
EYB Performance Experience
AUDITIONS AND PERFORMANCES 2009/10
AN INNOVATIVE
THEATRE
PERFORMANCE
EXPERIENCE
PRESTON PERFORMANCES
Giselle - Charter Theatre
12th, 13th March 2010
SOUTHPORT PERFORMANCES
Nutcracker - 1st, 2nd December 2009
Julianne Rice-Oxley. Foto: Patrick Baldwin
An exciting opportunity for
young dancers ages 8 - 18
years (boys and girls)
to perform in productions
of Giselle, The Sleeping
Beauty, The Nutcracker and
Coppélia
54
The English Youth Ballet’s
policy is to present
full-length classical ballets
in regional theatres and to
give more opportunities
to young dancers outside
London to rehearse and
perform
within a professional
setting.
For further details and
audition registration forms
please contact the Kent
Office, English Youth Ballet,
Appledowne,
The Hillside, Orpington,
Kent BR6 7SD.
Tel/Fax 01689 856747
DANZA EUROPA
WIMBLEDON LONDON
AUDITION 14th January 2010
PERFORMANCES Giselle
Wimbledon Theatre
16th, 17th April 2010
LEAMINGTON SPA AUDITION
4th February 2010
PERFORMANCES Sleeping Beauty
Royal Spa Centre
11th, 12th June 2010
WOLVERHAMPTON
AUDITION 15th February 2010
PERFORMANCES Giselle
Grand Theatre
17th, 18th September 2010
BROMLEY AUDITION 10th February 2010
PERFORMANCES The Nutcracker
20th, 21st August 2010
NORWICH AUDITION 17th March 2010
PERFORMANCES The Sleeping Beauty
2nd, 3rd July 2010
NOTTINGHAM AUDITION 24th March 2010
PERFORMANCES Coppelia
30th, 31st July 2010
diciembre 2009
Tanztheater des Staatstheaters Darmstadt is looking for experienced and
creative male and female dancers for vacancies in the season 2010/11. Applicants
should be creative and have a strong classical and contemporary technique
with improvisation skills. The audition is by invitation only and is to take place
in the Staatsheater Darmstadt’s ballet studio at 11 o’clock, Saturday, 9 January
2010 with call back Sunday, 10 January. Please send your CV to [email protected]
staatstheater-darmstadt.de. Closing date: 14 December 2009.
Tanztheater des Staatstheaters Darmstadt busca bailarines masculinos y
femeninos para vacantes durante la temporada 2010/11. Los candidatos deben
ser creativos y tener una técnica clásica y contemporánea solida con habilidades
de improvisación. La audición es sólo por invitación y tendrá lugar en el estudio
de ballet del Staatsheater Darmstadt a las 11:00 el sábado 9 de enero 2010 con
la segunda fase el domingo 10 de enero. Por favor mande su CV a [email protected]
staatstheater-darmstadt.de. Fecha límite: 14 de diciembre del 2009.
escuelas de verano 2010
Curso de Verano de la School of American Ballet - paquetes de audición internacionales para estudiantes interesados en asistir al Curso de Verano 2010, deberán someterse entre el 1 de diciembre 2009 y el 1 de marzo 2010. Estudiantes
internacionales podrán audicionar en persona en cualquier ciudad de la Gira de
Audición Nacional o en SAB. wwwsab.org/summercourse
American Academy of Ballet Escuela de Verano de Excelencia. Cursos
disponibles desde 1, 2, 3 ,4, 5 y 6 semanas entre el 27 de junio- 8 de agosto.
También Curso de Maestro. Bienvenidas audiciones por video/DVD. www.
american-academy-of-ballet.com
Boston Ballet Programa de Danza de Verano. Audiciones europeas, en Florencia 23 enero, Paris 24 enero, Oslo 26 enero,Estocolmo 27 enero, Helsinki 29
enero y Hamburgo 30 enero. www.bostonballet.org/school
Moscow’s Bolshoi Ballet Academy Verano Intensivo en Nueva York y Connecticut. Registro para audiciones en Nueva York el 9 enero y subsecuentemente
a lo largo de USA. www.BolshoiBalletAcademy.com
American Academy of Ballet
Mignon Furman, Director
Summer School of Excellence 2010
at Purchase College, SUNY, Westchester, NY
Summer School
1 Week – June 27th – July 2nd
2 Weeks – July 4th – July 18th
3 Weeks – July 18th – August 8th
5 Weeks – July 4th – August 8th
6 Weeks – June 27th – August 8th
TEACHERS’ COURSE
July 28th - August 1st
Junior Non-Residential
Programs
PHOTO BY: COSTAS
One – July 6th – July 10th
For Ages 7 - 9
Two – July 12th – July 23rd
For Ages 10 & 11
AUDITIONS
FACULTY
Susie Cooper
Olga Dvorovenko
Mignon Furman
David Howard
Jay Jolley
Lucia Kuimova
Sean Lavery
Janet Lindup
Brian Loftus
Lonné Moretton
Megan Richardson
Anuschka Roes
Steve Rooks
Stephanie Saland
Galina Samsova
Merle Sepel
Bettijane Sills
Marion Tonner
Rebecca Tsivkin
Violette Verdy
Dean Vollick
Heather White
January 9th
Silver Springs, MD
January 10th
Purchase, NY
January 16th
Mahwah, NJ
January 17th
Saratoga Springs, NY
January 22nd
Dallas, TX
February 13th
Boston, MA
January 29th
February 20th
San Francisco, CA Long Beach, CA
January 30th
Santa Monica, CA
February 7th
New York, NY
February 21st
Chicago, IL
March 14th
Inverness, FL
Video/DVD Auditions Welcome • For Further Information Contact:
www.american-academy-of-ballet.com
250 West 90th Street, #3A • New York, NY 10024
Tel: 212-787-9500 • Fax: 212-787-8636
[email protected]
Danielle Rowe y Edwaard Liang en Continuum con Morphoses/The Wheeldon Company. Foto: Erin Baian
Danielle Rowe
PHIL CHAN se
encuentra con la
bailarina principal del
Ballet Australiano
tomando un descanso
con Morphoses
56
DANZA EUROPA
diciembre 2009
¿C
ómo fue que inicialmente te conectaste con Morphoses/
The Wheeldon Company?
Trabajé con Chris antes en el Australian Ballet (hicimos
tres de sus ballets) y vino y trabajó con nosotros en su
obra After the Rain. Después de eso, me contactó hace un
año para ver si yo estaba disponible para trabajar en la compañía.
¿Cuál es la mayor diferencia entre trabajar con el Australian Ballet y con
Morphoses?
¡Es mucho más pequeña! También hacemos muchos ballets con Morphoses en un
periodo de tiempo corto. ¡Pienso que me aprendí siete ballets en cinco semanas! En
el Australian Ballet, nos aprendemos un programa de tres obras y luego hacemos
21 funciones, por ejemplo, así que tengo la oportunidad de sentirme muy cómoda.
Actuamos en grande. También viajamos mucho con Morphoses, ¡no es sólo
trasladarte a un teatro diferente sino trasladarte a un país diferente!
¿Y cómo te adaptaste a eso?
Al principio fue un gran shock. Admito que en
realidad he disfrutado estar siempre en el límite, es
verdaderamente emocionante. ¡Puedo decir que no me
he aburrido ni una sola vez!
¿Cómo se trabaja con todos los otros bailarines
afiliados a la compañía?
Ha sido realmente una inspiración trabajar con ellos. Los
otros bailarines y artistas vienen de todos los sectores
y todos tienen diferentes procedencias. Todos tienen
su propia forma de trabajar y enfrentarse a los ballets,
la forma en que toman clases. Resulta verdaderamente
refrescante.
¿Quiénes son algunos de los otros bailarines que tú
admiras?
Bueno, Wendy [Whelan] obviamente.
¿Qué admiras de ella?
Su experiencia, conoce tan bien su cuerpo, y sabe lo
que se ve bien en ella y cómo hacer que un movimiento
funcione para sí. También conoce cómo controlar su ritmo
para hacer la mejor función que pueda. Y luego cuando
está en el escenario, irradia algo realmente muy especial.
“ Con los ballets
contemporáneos,
casi me siento como
si hiciera algo por
primera vez y fuera
lo mejor, siento
que es más natural.
Mientas más lo
repito, más orgánico
se comienza a
sentir.”
¿Qué te llevas de regreso al Australian
Ballet de tu experiencia con Morphoses?
Espero poderme llevar a casa la habilidad
de adaptarme y captar la coreografía muy
rápido, y también esa cosa especial que hay
en ello. Estoy segura que me va a resultar
raro cuando me vaya, ¡no puedo creer que
ya hayan transcurrido dos meses y medio!
¿Qué consejo puede darle a alguien que
trabaje para convertirse en un artista
multifacético?
Que se esfuerce y sea lo más abierto que
pueda al enfrentarse a diferentes estilos
de movimiento, a diferentes correcciones
que le hagan sus maestros. Mientras más
abierto sea más podrá lograr en la vida.
Esto le da a uno profundidad como artista y
como persona.
Danielle Rowe y Robert Curran en After the Rain con The Australian Ballet. Foto:David Kelly
¿Cuán diferente resulta tu preparación para un ballet
clásico completo en comparación con un programa
contemporáneo?
No hay mucha diferencia para mí. Exige el mismo nivel de
concentración. Con papeles más clásicos, necesito mucha
repetición. Tengo que hacer mis variaciones todos los días
para sentirme completamente cómoda. Con los ballets
contemporáneos, casi me siento como si hiciera algo por
primera vez y fuera lo mejor, siento que es más natural.
Mientas más lo repito, más orgánico se comienza a sentir.
¿Cuál es el ballet favorito que has trabajado para esta
temporada de Morphoses?
Tendría que decir que la nueva obra de Chris [Rhapsody
Fantaisie]. Pienso que es realmente especial, pero eso
también podría tener que ver con el hecho de que fue una
maravillosa experiencia ser parte del proceso.
¿Cómo se trabaja con Chris?
Chris es asombroso, es una persona tan hermosa, y eso
es lo que marca la diferencia. Me ha hecho esforzarme,
y tiene una gran confianza en lo que estamos tratando de
lograr. Me siento mucho más confiada cuando trabajo con
él, eso es verdaderamente especial en un director artístico.
¡También es un coreógrafo asombroso!
¿Cómo fue Londres, y cómo se compara con tu estancia
en Nueva York por primera vez?
He estado en Londres unas cuantas veces, me gusta más
cada vez que regreso, pero en Nueva York… no puedo
cerrar un ojo. Ni siguiera sé por dónde empezar, me siento
como un niño en una tienda de caramelos. Me encanta la
energía del lugar, su asombrosa vitalidad. Es una ciudad
eléctrica. Estoy entusiasmada con esta experiencia de
actuar aquí en Nueva York, en el City Center. Estoy
entusiasmada por estar aquí.
DANZA EUROPA
diciembre 2009
57
Royal Ballet
School of Antwerp
Artistic Director
Alexandra Koltun
New International Summer Program in Antwerp — Belgium
Dance • all styles, all levels, for all ages
Auditions 2010
USA
Los Angeles
Orlando
New York
March 13
March 14
March 21
August 9 - August 20 — 2010
Ages 12-19
Japan
February 14
February 20
Osaka
Tokyo
INTERNATIONAL STUDENT
VISA PROGRAM
Europe
Paris
Antwerp
January 23
May 9
Authorized under Federal Law to enroll non-immigrant alien students
3, 6 & 12 month programs
For further information and applications visit us at
www.koninklijke-balletschool-antwerpen.be/en or contact
Elsy Van der Beeuren at [email protected]
or by telephone at +32 3 202 83 17
www.koninklijke-balletschool-antwerpen.be/en
RUDOLF NUREYEV
INTERNATIONAL
BALLET COMPETITION
RNIBC - Edition 6
BUDAPEST - HUNGARY
March 3-8, 2010
The Competition is open to all professional dancers
between 15-27 years old
Deadline: January 31, 2010
For more information please contact:
EuroDance Foundation (RNIBC)
H-1431 BUDAPEST 8, Po.Box:122
Fax: (+ 36-1) 3331836
email: [email protected]
www.nureyevibc.com
58
DANZA EUROPA
diciembre 2009
Veronika Buder; Steps Repertory Ensemble
by Jaqi
Email: [email protected]
or visit www.stepsnyc.com
Celebrating 30 years of service to the dance community
STEPS ON BROADWAY • THE SCHOOL AT STEPS • STEPS BEYOND
Carol Paumgarten, Founder/Artistic Director • Diane Grumet, Co-Artistic Director
2121 BROADWAY, NEW YORK, NY 10023
PH: 212-874-2410 • FX: 212-787-2449 • www.stepsnyc.com
Limen
EMMA MANNING está desencantada con
el último estreno del Royal Ballet.
A
Sarah Lamb y Eric Underwood en
Limen. Foto: Bill Cooper
unque con una historia
que se extiende por
50 y tantos años, los
ballets escogidos para
el primer programa
triple de la temporada del Royal Ballet
pertenecen a la misma familia, en el
sentido de que todos dependen de una
narración abstracta o tema, en oposición
a una historia definitiva. Quizás el más
vago de ellos es la fuerza motriz del estreno
mundial de Wayne McGregor, Limen, sobre
el que argumenta su interés en explorar
“la idea de la transición, los umbrales de
la oscuridad y de la luz, la presencia y la
ausencia, la vida y la muerte”. Ciertamente,
como en sus anteriores trabajos, Chroma
e Infra, McGregor lleva a sus bailarines a
extremos físicos, las piernas dan vueltas
cruelmente más allá de los 180 grados y
los cuerpos se deforman en posiciones
tortuosas, pero cualquier mensaje
psicológico resulta tan espartano como
oscuro. De hecho, Limen es tan carente
de emoción que nos deja observando
un embrollo de inhumanidad robótica
al compás del concierto de cello Notes
on Light del compositor finés Kaija
Saariaho. Las manipulaciones complejas del
coreógrafo son amortajadas en decorados y
videos de Tatsuo Miyajima. Estos incluyen un
lienzo que parece un refrescador de pantalla
translúcido con números que nadan sin
dirección sobre los bailarines por un corredor
de entrada, y una exhibición de bombillos
azules con aspecto comercial que, como
sudoku, se encienden uno a uno hasta que
la rejilla se completa. Los topes con colores
llamativos de Moritz Junge son desechados
parcialmente a través del ballet, dejando a
todos en un beige indescriptible.
El elenco de ocho mujeres y siete
hombres comprende a varios bailarines
regulares de McGregor, tales como Leanne
Benjamin, Sarah Lamb, Eric Underwood
y Edward Watson, quienes han figurado
en los elencos de sus obras anteriores,
junto a neófitos en sus coreografías, como
la brasileña Leticia Stock, que integró la
compañía en esta temporada después de
graduarse en la Royal Ballet School. Están
todos milagrosamente flexibles, y se prestan
gustosos a las fluidas formas de McGregor.
Pero, aunque aquellas formas raras que
adoptaban las extremidades resultaron
sorprendentes la primera vez que impactaron
la escena del Royal Opera House en Chroma
y la vitoreamos por ver a los bailarines de la
compañía en un nuevo camino, el efecto esta
vez es menos fascinante. La imagen más
memorable fue sin dudas dada por dos de los
bailarines norteamericanos de la compañía, la
delgada primera bailarina nacida en Boston,
Sarah Lamb, y el solista negro nacido en
Washington, Eric Underwood.
Una pareja similar también resultó el
principal atractivo de Agon de Balanchine, que
abrió el programa. Frágil, femenina y rubia,
Melissa Hamilton resultó el contraste perfecto
para la musculatura masculina del cubano
Carlos Acosta en el pas de deux principal,
en que la pareja rindió merecido homenaje
a Diana Adams y a Arthur Mitchell, el primer
bailarín afro-norteamericano que alcanzó
estatus de primer bailarín en el New York City
Ballet, quien creó los papeles en 1957. Más
obvio que en cualquier otra parte del ballet,
el dúo se inspira en el título del mismo (agon
significa concurso en griego) en el sentido de
que pone a prueba los nervios de acero de
cada bailarín; la necesidad de mantener una
concentración feroz y un equilibrio firme es
esencial, cualquiera sea la atracción sexual.
Agon también incluyó la ejecución danzaria
más fogosa de la noche con el pas de trois en
el que Johan Kobborg, Yuhui Choe y Hikaru
Kobayashi estuvieron muy parejos.
La nueva adquisición de Sphinx de
Glen Tetley, dados los limitados fondos del
Royal Ballet, constituye una compra dudosa.
Aunque una vez fue una obra prominente del
repertorio del English National Ballet, el ballet
luce mucho más añejo que los 32 años que
tiene, y es un decrépito recordatorio de una
era en que los ballets mitológicos estaban muy
de moda. Transitando el camino del mito de
la esfinge que ignora la advertencia de que
morirá si sucumbe al amor, el ballet tiene el
acompañamiento musical de la bien cargada
partitura de Martinu y la escenografía de
Rouben Ter-Arutunian es dominada por una
plataforma de pasarela.
Como la atolondrada esfinge, Marianela
Núñez está impresionante pero no encuentra
electricidad en el Edipo de Rupert Pennefather
que, aunque bien bailado, le falta sensualidad.
Como Anubis, Edward Watson estuvo
irreconocible en un traje poco halagüeño.
No solamente la obra Sphinx parece ser una
compra desafortunada, sino que también, con
el empleo de sólo tres bailarines, hace un mal
uso de la larga nómina de bailarines de la
compañía.
DANZA EUROPA
diciembre 2009
59
Royal Ballet
School of Antwerp
Artistic Director
Alexandra Koltun
New International Summer Program in Antwerp — Belgium
Dance • all styles, all levels, for all ages
Auditions 2010
USA
Los Angeles
Orlando
New York
March 13
March 14
March 21
August 9 - August 20 — 2010
Ages 12-19
Japan
February 14
February 20
Osaka
Tokyo
INTERNATIONAL STUDENT
VISA PROGRAM
Europe
Paris
Antwerp
January 23
May 9
Authorized under Federal Law to enroll non-immigrant alien students
3, 6 & 12 month programs
For further information and applications visit us at
www.koninklijke-balletschool-antwerpen.be/en or contact
Elsy Van der Beeuren at [email protected]
or by telephone at +32 3 202 83 17
www.koninklijke-balletschool-antwerpen.be/en
RUDOLF NUREYEV
INTERNATIONAL
BALLET COMPETITION
RNIBC - Edition 6
BUDAPEST - HUNGARY
March 3-8, 2010
The Competition is open to all professional dancers
between 15-27 years old
Deadline: January 31, 2010
For more information please contact:
EuroDance Foundation (RNIBC)
H-1431 BUDAPEST 8, Po.Box:122
Fax: (+ 36-1) 3331836
email: [email protected]
www.nureyevibc.com
58
DANZA EUROPA
diciembre 2009
Veronika Buder; Steps Repertory Ensemble
by Jaqi
Email: [email protected]
or visit www.stepsnyc.com
Celebrating 30 years of service to the dance community
STEPS ON BROADWAY • THE SCHOOL AT STEPS • STEPS BEYOND
Carol Paumgarten, Founder/Artistic Director • Diane Grumet, Co-Artistic Director
2121 BROADWAY, NEW YORK, NY 10023
PH: 212-874-2410 • FX: 212-787-2449 • www.stepsnyc.com
Limen
EMMA MANNING está desencantada con
el último estreno del Royal Ballet.
A
Sarah Lamb y Eric Underwood en
Limen. Foto: Bill Cooper
unque con una historia
que se extiende por
50 y tantos años, los
ballets escogidos para
el primer programa
triple de la temporada del Royal Ballet
pertenecen a la misma familia, en el
sentido de que todos dependen de una
narración abstracta o tema, en oposición
a una historia definitiva. Quizás el más
vago de ellos es la fuerza motriz del estreno
mundial de Wayne McGregor, Limen, sobre
el que argumenta su interés en explorar
“la idea de la transición, los umbrales de
la oscuridad y de la luz, la presencia y la
ausencia, la vida y la muerte”. Ciertamente,
como en sus anteriores trabajos, Chroma
e Infra, McGregor lleva a sus bailarines a
extremos físicos, las piernas dan vueltas
cruelmente más allá de los 180 grados y
los cuerpos se deforman en posiciones
tortuosas, pero cualquier mensaje
psicológico resulta tan espartano como
oscuro. De hecho, Limen es tan carente
de emoción que nos deja observando
un embrollo de inhumanidad robótica
al compás del concierto de cello Notes
on Light del compositor finés Kaija
Saariaho. Las manipulaciones complejas del
coreógrafo son amortajadas en decorados y
videos de Tatsuo Miyajima. Estos incluyen un
lienzo que parece un refrescador de pantalla
translúcido con números que nadan sin
dirección sobre los bailarines por un corredor
de entrada, y una exhibición de bombillos
azules con aspecto comercial que, como
sudoku, se encienden uno a uno hasta que
la rejilla se completa. Los topes con colores
llamativos de Moritz Junge son desechados
parcialmente a través del ballet, dejando a
todos en un beige indescriptible.
El elenco de ocho mujeres y siete
hombres comprende a varios bailarines
regulares de McGregor, tales como Leanne
Benjamin, Sarah Lamb, Eric Underwood
y Edward Watson, quienes han figurado
en los elencos de sus obras anteriores,
junto a neófitos en sus coreografías, como
la brasileña Leticia Stock, que integró la
compañía en esta temporada después de
graduarse en la Royal Ballet School. Están
todos milagrosamente flexibles, y se prestan
gustosos a las fluidas formas de McGregor.
Pero, aunque aquellas formas raras que
adoptaban las extremidades resultaron
sorprendentes la primera vez que impactaron
la escena del Royal Opera House en Chroma
y la vitoreamos por ver a los bailarines de la
compañía en un nuevo camino, el efecto esta
vez es menos fascinante. La imagen más
memorable fue sin dudas dada por dos de los
bailarines norteamericanos de la compañía, la
delgada primera bailarina nacida en Boston,
Sarah Lamb, y el solista negro nacido en
Washington, Eric Underwood.
Una pareja similar también resultó el
principal atractivo de Agon de Balanchine, que
abrió el programa. Frágil, femenina y rubia,
Melissa Hamilton resultó el contraste perfecto
para la musculatura masculina del cubano
Carlos Acosta en el pas de deux principal,
en que la pareja rindió merecido homenaje
a Diana Adams y a Arthur Mitchell, el primer
bailarín afro-norteamericano que alcanzó
estatus de primer bailarín en el New York City
Ballet, quien creó los papeles en 1957. Más
obvio que en cualquier otra parte del ballet,
el dúo se inspira en el título del mismo (agon
significa concurso en griego) en el sentido de
que pone a prueba los nervios de acero de
cada bailarín; la necesidad de mantener una
concentración feroz y un equilibrio firme es
esencial, cualquiera sea la atracción sexual.
Agon también incluyó la ejecución danzaria
más fogosa de la noche con el pas de trois en
el que Johan Kobborg, Yuhui Choe y Hikaru
Kobayashi estuvieron muy parejos.
La nueva adquisición de Sphinx de
Glen Tetley, dados los limitados fondos del
Royal Ballet, constituye una compra dudosa.
Aunque una vez fue una obra prominente del
repertorio del English National Ballet, el ballet
luce mucho más añejo que los 32 años que
tiene, y es un decrépito recordatorio de una
era en que los ballets mitológicos estaban muy
de moda. Transitando el camino del mito de
la esfinge que ignora la advertencia de que
morirá si sucumbe al amor, el ballet tiene el
acompañamiento musical de la bien cargada
partitura de Martinu y la escenografía de
Rouben Ter-Arutunian es dominada por una
plataforma de pasarela.
Como la atolondrada esfinge, Marianela
Núñez está impresionante pero no encuentra
electricidad en el Edipo de Rupert Pennefather
que, aunque bien bailado, le falta sensualidad.
Como Anubis, Edward Watson estuvo
irreconocible en un traje poco halagüeño.
No solamente la obra Sphinx parece ser una
compra desafortunada, sino que también, con
el empleo de sólo tres bailarines, hace un mal
uso de la larga nómina de bailarines de la
compañía.
DANZA EUROPA
diciembre 2009
59
Boston Ballet School offers
unparalleled professional training
for the serious ballet student. SDP
students are instructed in classical
ballet through a comprehensive
curriculum designed to develop
versatile and well-rounded dancers.
• Residential accommodations
are available for female and
male students
• Requests for partial program
attendance will be granted in cases
of academic schedule conflicts
2010 Europe Auditions
• All interested SDP students will be
considered for year-round training
Firenze, Italy, Jan 23
Oslo, Norway, Jan 26
Hamburg, Germany, Jan 30
Paris, France, Jan 24
• For audition details and fees, please
visit www.bostonballet.org/school
Helsinki, Finland, Jan 29
Stockholm, Sweden, Jan 27
Khio Kunsthøgskolen i Oslo
Ballettschule des Hamburg Ballett
Suomen Kansallisoopperan
Balettioppilaitos
Sabi Varga ©Varga Images
Ballet Centre
Le Conservatoire de Paris
Kungliga Svenska Balettskolan
Official School of
Sponsor of Boston Ballet School’s
Annual Audition Tour
SUMMER DANCE PROGRAM 2010
J u ne 26–July 31
617.456.6269
62
DANZA EUROPA
diciembre 2009
•
Ages 10–19
www.bostonballet.org/school [email protected]
américa
Suzanne Farrell Ballet
Zellerbach Hall, Berkeley, CA
En contra de las incontables compañías de danza
moderna que bailaron este otoño en San Francisco
Bay Area, la compañía Suzanne Farrell Ballet apareció
sorprendentemente como la única oferta neoclásica.
La presencia refrescante de la agrupación distinguió
al público sólo durante dos noches, revelando
momentos de inspiración y belleza, y devolviendo a la
escena mucho de lo que el ballet norteamericano ha
perdido en años recientes: profundidad emocional y
significado.
Farrell es quizás más conocida como la musa
de George Balanchine, papel que abarcó veinte
años de colaboración entre ellos. El Suzanne Farrell
Ballet ahora es un vehículo para mostrar las obras de
Balanchine, presumiblemente como deben bailarse. El
programa de la primera noche utilizó el tema cohesivo
y simbólico del pas de deux como punto de partida.
Antes de comenzar la función, Farrell ofreció sus
propias consideraciones acerca de los antecedentes,
retos y significado potencial de cada dúo. Comenzó
con la inteligente respuesta de Balanchine cuando
se le preguntó qué significaban sus ballets: “No se le
pregunta a una rosa que se explique a sí misma.” No
obstante, las explicaciones de Farrell acentuaron la
presentación, adicionándole un contexto considerable.
Señaló tres puntos específicos e inseparables de
cualquiera de los pas de deux de Balanchine: la técnica
visual, la música visual y el simbolismo visual, y agregó
que a menudo el dúo fue la razón por la que surgió el
ballet, y que en el pas de deux el Sr. B frecuentemente
“rompió las reglas” del ballet.
Como prueba, las líneas esbeltas y empeines
de Natalia Magnicaballi tallaron las formas
intermitentemente angulares de Apollo, con brisés
ligeros y aparentemente sin preparación, mientras
que Michael Cook resultó un Dios Sol poderoso en
cuya espalda la deidad “nadó”, indicando uno de los
momentos más misteriosos de la coreografía. Como
ejemplo del cambio del Sr. B hacia “el esclarecimiento
Sara Ivan y Momchil Mladenov en Romeo y Julieta. Foto: Paul Kolnik
a través de la limitación”, nos deleitamos con Kendra
Mitchell como la imparable caminante nocturna de La
Sonnambula, impulsada en su interminable sucesión
de bourrées por un espíritu, un sueño, o por Ian Grosh,
el pretendiente confundido que intercepta su paso. La
genialidad de Sonnambula incita a cuestionamientos
no sólo de la heroína, sino de las estructuras
coreográficas, impresionantes en la habilidad de la
pareja para interactuar a pesar de su ciega movilidad
en punta.
La ambigüedad calculada de The Unanswered
Question de Ivesiana dejó un sello definitivo de
duda. Cuatro hombres sostienen en alto a una mujer,
Elisabeth Holowchuk, mientras que Andrew Shore
DANZA EUROPA
diciembre 2009
63
Washington Ballet - Viengsay Valdés y Jonathan Jordan en Don Quixote. Foto: Carol Pratt
Kaminski intenta alcanzarla. Pero el verdadero
misterio reinó en el pas de deux de La Valse, bailado
por Sara Ivan y Ted Seymour. En este pas de deux
se hicieron gestos de barrido repentinos de manera
diferente a la que, por ejemplo, los hace el Mariinsky;
los bailarines parecían halados por fuerzas invisibles.
Ver a los danzantes que Farrell entrena personalmente
es nada más y nada menos que una revelación.
Siguiendo las líneas bien definidas de Kenna
Draxton y Momchil Mladenov en Agon, el mundo
de amor y pérdida fue representado de forma
experimentada por Magnicaballi con Michael Cook
como su partner en Meditation, el primer pas de deux
que Balanchine creó para Farrel cuando tenía 18 años
de edad. Más que ningún otro dúo de la noche, esta
pareja no sólo dio cuerpo, sino un profundo sentido
de alma a la danza. Las piernas exquisitas y brazos
delgados de Magnicaballi fueron adornados con
64
DANZA EUROPA
diciembre 2009
rizos oscuros sueltos; la atención de Cook fue tanto
noble como viva. Juntas sus habilidades artísticas
rayaron en la pericia sobre la cual se fundó la tradición
de Balanchine y que, evidentemente, en algunos
pequeños bolsillos del mundo todavía florece. Qué bien
si estuviera más extendido.
Elisabeth Holowchuk y Andrew Kaminsky
aparecieron en el pas de deux de carácter Mauresque
del Don Quixote de Balanchine. La estrella de
Sonnambula, Mitchell junto a Ian Grosh flotó en un
fragmento de Chaconne, y la noche culminó con el pas
de deux Stars and Stripes, presentando a una Violeta
Angelova algo tiesa con un Mladenov vigorizante.
El Suzanne Farrell Ballet ya ha probado sus méritos
como componente estimado y necesario del ballet
norteamericano.
Catherine Pawlick
Washington Ballet
Don Quixote
Kennedy Center’s Eisenhower Theater
El Don Quixote del Washington Ballet, que subió a
escena en el Eisenhower Theater del Kennedy Center
del 14 al 18 de Octubre, fue una lluvia de balances,
tour jetés, y virtuosismo español. La producción de
Anna-Marie Holmes, experta en crear versiones de
los clásicos, se movió rápido y utilizó a la compañía
completa, a la segunda compañía, a muchos alumnos
de la Washington School of Ballet y también a la
marcada sensación cubana Viengsay Valdés en su
debut como solista en los Estados Unidos.
Con su sonrisa a lo Judy Garland y su estilo
de Carmen Miranda, Valdés ofreció una actuación
inspirada, alternando entre el fuego apasionado de una
muchacha celosa y enamorada y la aparición delicada
de la fantasía del Don. Cuando sus sobrenaturales
balances la sacaban de la partitura grabada, ella sólo
lanzaba una sonrisa inocente, y corría para alcanzar a
su partner. Jonathan Jordan resultó un Basilio fuerte y
humorístico, y brindó una interpretación carismática del
barbero herido de amor. El Espada de Brooklyn Mack
echó abajo el teatro con sus grandes saltos y pulidos y
desacelerados giros. Maki Onuki en Cupido demostró
su fuerte técnica de allegro. Finalmente, Luis R. Torres
nos ofreció una buena mezcla de esperanza y locura en
su representación del papel titular.
En una parte crucial del ballet, las danzas
españolas de carácter fueron claras y estuvieron bien
ensayadas, aún cuando de alguna manera les faltaba la
fogosidad que requiere este ballet. El Director Artístico
Septime Webre ha desarrollado a un buen cuerpo de
bailarines con los que puede trabajar.
El problema mayor de esta producción fueron los
cortes incoherentes y descuidados de la música. Es
una vergüenza que no contara con una orquesta en
vivo, ya que resultaba obvio que los bailarines querían
jugar con el fraseo y la musicalidad, pero la partitura
grabada dificultó el brillo de sus habilidades artísticas.
Esta producción evidenció que, si se asignaran
fondos adicionales para tocar música en vivo y para
una puesta en una sede de mayores dimensiones, la
compañía podría comenzar a ofrecer programas que
rivalicen con los de otras compañías nacionales.
Phil Chan
allá. Pickett utiliza diferentes culturas y recursos
como influencia, no obstante, evita caer en el camino
narrativo. Se crearon grandes expectativas luego de
la premier en el 2007de la impresionante obra con
influencia India, Eventide. 月夜 Tsukiyo también es una
obra fascinante, pero tiene algunas pequeñas fallas.
La partitura repetitiva de Pärt exige una coreografía
que siga totalmente o rompa consecuentemente este
patrón. Pickett no hace ninguna de las dos cosas,
y en este sentido no logró encontrar su voz. Sin
embargo, resultó interesante y hermoso presenciar
los movimientos de su obra. A diferencia de muchos
coreógrafos, sus piezas continúan siendo muy
diferentes unas de otras. Lia Cirio y Sabi Varga bailaron
con delicadeza y devoción.
El pas de deux de Victor Plotnikov, Rhyme,
originalmente encargado para el Boston Ballet en el
2008 y con el acompañamiento de la pieza musical
Largo de la Sonata para Cello y Piano Opus 65 de
Chopin, fue la obra más contemporánea de la noche.
Los bailarines Heather Waymack y Altan Dugaraa se
perdieron en la fluidez de sus movimientos y llevaron al
público a su mundo; algo raro y refrescante de ver en
estos días.
La noche cerró con la readaptada versión de
Carmen del coreógrafo residente Jorma Elo, que
se estrenó como ballet completo en el 2006 y que
volvió esta vez en una versión reducida de un acto.
En comparación con el último trabajo de Elo para la
compañía, Le Sacre du printemps, Carmen resultó
más clásica en su vocabulario, no obstante, el estilo
distintivo de Elo era claramente visible. Su mayor logro
en Carmen fue eliminar los usuales clichés españoles,
para utilizar un enfoque fresco, y en la versión nueva,
para hacer el ballet más corto sin perder el argumento.
Su Carmen, Kathleen Breen Combes, estuvo sexy
y segura sin demasiado divismo, y Lia Cirio, como
Micaela, fue particularmente expresiva. Las secciones
de conjunto fueron emocionantes, aún cuando no todos
los bailarines se sentían cómodos con el complejo
vocabulario de movimientos de Elo. En general, la
compañía estuvo mucho más fuerte en Carmen que
al principio de la noche, una clara señal de en qué
dirección debe ir el Boston Ballet en el futuro.
Gloria Benedikt
Lucinda Childs
Boston Ballet
Dance/Concerto/Largo
Joyce Theater
En octubre se estrenó un versátil programa de
cuatro obras, World Passions, del Boston Ballet, y
a Miko Nissinen debe dársele crédito por continuar
promoviendo nuevos coreógrafos. No obstante, la
noche comenzó con la más floja, la reposición del
Tercer Acto de Paquita, a cargo de Pino Alosa, lo
que nos sugirió que la compañía estaba calentando
para asumir los desafíos más artísticos que vendrían
después. Lorna Feijoo estuvo cómoda, limpia y
controlada en el grand pas de deux, pero estaba
ausente la emoción y la determinación de asumir
riesgos. Jaime Díaz y Erica Cornejo en el pas de trois, y
Melissa Hough en su variación, se destacaron como los
bailarines más refrescantes y carismáticos.
月夜 Tsukiyo, el tercer encargo de Helen Pickett
para la compañía, es un dúo con la infame pieza
musical Spiegel im Spiegel de Arvo Pärt, e inspirado
en el Cuento del Cortador de Bambú de Japón. En
un momento en que demasiados coreógrafos insisten
en confiar solamente en la música escogida como
inspiración, fue bueno ver a alguien que fue más
Dance de Lucinda Childs se estrenó en el Brooklyn
Academy of Music en 1979, que siguió a su trabajo
innovador con Philip Glass Einstein on the Beach
(Einstein en la playa) en 1976. Dance tiene una
partitura de Philip Glass y presenta un filme de danza
de Sol LeWitt. El reestreno de Dance este año fue
comisionado por el Richard B. Fisher Center for the
Performing Arts de Bard College, con apoyo adicional
de The Yard. La pieza de 60 minutos fue interpretada
en el Joyce Theater con Concerto (1993), un baile para
siete, y Largo (2001), un solo para Childs.
Dance transporta al público al Nueva York de
la época de Judson cuando el minimalismo era lo
más popular. Dance fue un éxito rotundo en 1979.
Desafortunadamente, dado el elenco actual de
bailarines de Childs, Dance ya no se puede apreciar
más que como un documento histórico.
Dance está estructurado en tres movimientos.
La primera y tercera pieza son “bailes” de grupo
compuestos de 4 o 5 frases de movimiento. El segundo
es un solo, originalmente bailado por Childs y ahora
por Caitlin Scranton. Graduada recientemente de Smith
College y el Ailey School, Scranton es una
World Passions
Boston
DANZA EUROPA
diciembre 2009
65
momentos importantes de la tradición danzaria norteamericana.
Los homenajeados de este año fueron Lawrence Herbert,
Llyod E. Rigler, y el finado Patrick Swayze. Aunque resultó un
programa ágil y diverso, estuvieron notablemente ausentes
representaciones de las leyendas norteamericanas de la danza
Martha Graham, Alvin Ailey, o Merce Cunningham. Al mostrar
muchos estilos de danza, el tono de la noche no sólo fue
de diversidad y celebración, sino también de una respuesta
imperativa para apoyar la etapa de transición en la carrera de
los bailarines.
El programa comenzó con un explosivo pas de deux de
Stars and Stripes, interpretado por Ashley Bouder y Andrew
Veyette del New York City Ballet. Los centelleos juguetones
entre los bailarines estuvieron a la par de la fuerza técnica
pura, entusiasmando al público y demostrando por qué la
coreografía de Balanchine todavía sigue bien viva y vigente
entrado el siglo 21. La obra siguiente, sin embargo, tuvo el
efecto opuesto: The Dance of the Furies, creada en 1904 por
Isadora Duncan, parecía anticuada y le faltó el brillo necesario
Natalie Axton
para una gala.
Los gemelos Lombard bailaron una fusión de tap,
“popping”,
y danza lírica, al compás de un sensual tango de
New York City Center
Astor Piazzolla. Desafortunadamente, en la transición hacia la
sección más lírica de la obra, perdieron la claridad y precisión
La Gala Career Transition for Dancers de este año que tuvo
que los caracteriza. Seguidamente se bailó un dramático pas
lugar el 2 de noviembre conmemoró el aniversario 24 de
de deux del Cedar Lake Contemporary Ballet, como tributo
la organización con el tema America Dances, incluyendo
a Duke Ellington, y un emocionante ejemplo de “Parkour”,
ejecutado por el grupo multiAshley Bouder y Andrew Veyette (New York City Ballet) en Stars and Stripes. Foto: Richard Termine
media Bullettrun de Nueva York.
Una de las mayores
atracciones fueron Alexandra
Gutkovitch y John Gaylan, de
10 y 14 años respectivamente.
Estos dos pequeñines
campeones interpretaron una
danza impactante, rigurosa y
carismática, que hizo saltar
de sus asientos al público;
todavía veremos a estos dos
talentos emergentes hacer
mucho más. Representando a
los profesionales del baile de
salón, Adealani Malia y Mark
Stuart Eckstein ejecutaron un
dúo que fue sensual y agresivo
al mismo tiempo, y mostró tanto
las posibilidades técnicas como
dramáticas del baile de salón de
exhibición.
El programa concluyó con
una débil readaptación de Dancin
de Bob Fosse, a la que le faltó
el “sex appeal”, la precisión y el
fuerte trabajo vocal acompañante
que exige la obra de Fosse.
El único momento brillante del
popurrí fue la actuación estelar
de Robert La Fosse, ex primer
bailarín tanto del American Ballet
Theatre como del New York City
Ballet, quien le agregó un detalle
a la coreografía y trajo su especial
elegancia. Todavía es capaz de
brillar sobre el escenario.
El segmento más conmovedor
de la noche fue el de los
testimonios de ex bailarines
acerca de cómo Career Transition
for Dancers los ayudó en su
transición hacia otras carreras,
así como detalles sobre los
recursos que existen hoy para los
bailarines.
bailarina llamativa, igual que Childs. Tiene la soltura y
distancia emocional apropiada para este solo, pero esta
sección es demasiado larga.
El filme de LeWitt, proyectado sobre un telón transparente
enfrente de los bailarines, es una grabación del elenco original
bailando la misma coreografía sobre un suelo dividido en una
red cuadricular. Los mejores momentos de la pieza son cuando
LeWitt juega con la perspectiva, y los bailarines del elenco
original aparecen más grandes o moviéndose en una dirección
distinta a la de los bailarines en vivo. La diferencia que hacen
30 años. El elenco del ‘79 es ligero y elástico mientras que
el elenco del 2009 es musculoso y obvio. (A los hombres del
2009 no les favorece la comparación; uno era categóricamente
corpulento.) El vídeo también revela un cambio de vestuario: el
elenco del 2009 lleva zapatillas de jazz en vez de las originales
zapatillas deportivas blancas. ¿A lo mejor el elenco actual no
es lo suficientemente deportivo?
Transition for Dancers Gala
Phil Chan
66
DANZA EUROPA octubre 2009
críticas
Independent Ballet Wales en Cuán Verde Era Mi Valle. Foto: Jani Renajera
Independent Ballet Wales
Cuán Verde Era Mi Valle
Lilian Baylis Theatre, Sadler’s Wells
En su último ballet, el director artístico Darius
James asume la novela de Richard Llewellyn,
Cuán Verde Era Mi Valle, que tiene lugar en
una pequeña comunidad minera de Gales
del Sur a finales del siglo 19, un libro que
inspiró la película de 1941, dirigida por John
Ford. La historia trata acerca de los Morgan,
una familia minera encabezada por Gwilym,
interpretado por Oliver Eastwood, y Beth,
bailada por Lauren Poulton, y los variados
conflictos que afectan sus vidas, incluyendo la
disputa por los derechos de los obreros entre
Ianto, el padre, y Ianto, el hijo, así como sus
romances y desventuras. La hija Angharad,
por ejemplo, se siente atraída por el cura local,
el Sr. Gruffydd, asumido por Richard Read,
pero termina haciendo un casamiento infeliz
con Iestyn, el hijo de un propietario de minas,
mientras que su hijo menor Huw, bailado por
Olga Petiteau, queda incapacitado de sus
piernas en un accidente. El argumento no es de
los más fáciles de seguir, pero tampoco lo es el
de Mayerling de MacMillan. Quizás sería útil un
análisis escena por escena para un público no
familiarizado con la historia.
La partitura de atmósfera de Thomas Hewitt
Jones, incluído un solo de cello en vivo, le
da realce al ballet, y el Coro Masculino de la
Ciudad de Newport le incorpora un sabor galés
auténtico. La escenografía de Daniel Anderson,
que emplea proyecciones en un telón de
fondo y dos pantallas angulares, resulta
particularmente eficaz y nos traslada a varias
locaciones, incluída una iglesia con vitrales.
Anderson también es el responsable de los
espléndidos trajes de la era Victoriana.
La coreografía de James asume el ballet,
las mujeres están todas en punta, a partir de
un elemento teatral físico exuberante, ejemplo
de lo cual es la pelea entre los hombres
que es ejecutada con rudo fervor. La frontal
confrontación entre el Ianto de Mandev
Sokhi y el Iestyn de Daisuke Muira es muy
impresionante. Pero quizás no es buena idea
que los hombres se paren con los pies para
afuera, obviamente en primera posición, entre
las danzas, ya que esto entra en contradicción
con los personajes. Los numerosos dúos
son osados en sus exigencias físicas, con
muchas cargadas engañosas, las cuales fueron
ejecutadas de forma competente. En términos
de creatividad, ésta es, aunque no del todo,
la más fuerte obra de James hasta la fecha y
mi única crítica en ese sentido es que tiende a
sobrecargar algunas secciones, especialmente
durante la primera parte del ballet en que todos
luchamos por delinear a los personajes.
El actual conjunto de bailarines es el grupo
más fuerte de la historia de la compañía,
incluída Emily Pimm, quien estuvo excelente.
No sólo desde el punto de vista de su buen
desempeño técnico, sino que capturó el
romántico anhelo de Angharad Morgan con
credibilidad conmovedora
Emma Manning
DANZA EUROPA
diciembre 2009
67
gestos faciales y movimientos son a la vez
intrigantes y distanciadores. Aunque la danza
y figura poderosa que representa Lugo es
impresionante, uno se pregunta si una sonrisa
o dos no serían mala idea.
David Morales fue el único bailaor
del ciclo, y probablemente el de más
experiencia, ya que ha creado y girado con
sus propias producciones. Morales es el
prototípico bailaor canónico. Con una escena
de flamenco que tira hacia la fusión y la
modernidad, es refrescante ver a un bailarín
que hace que el flamenco tradicional lata
con energía pura. Su zapateo increíblemente
preciso y rápido hizo que la representación
estallara de energía, a pesar de ser una
coreografía que podía haber sido algo más
distintiva.
Y guardamos lo mejor para el
final. Selene Muñoz fue sin lugar a dudas la
reina de las representaciones de danza del
ciclo. Cuando esta bailaora mitad española,
mitad danesa sale al escenario, su cuerpo
largo y espigado parece incompatible con
los bailes que está a punto de interpretar,
pero las apariencias engañan, porque en
cuanto Muñoz empieza a bailar es todo
fuerza y encanto. Su ritmo y agilidad notables
hacen que sus coreografías muy estilizadas
y variadas sean emocionantes, al igual que
su excelente relación con el público, que se
gana con las sonrisas y guiños que le dispara
a lo largo de sus secuencias más festivas
y ligeras. Muñoz muestra gran promesa de
convertirse en la próxima gran bailaora de
flamenco, y si tenemos suerte, el público
español podrá volver a verla muy pronto
Justine Bayod Espoz
Royal Ballet of Flanders
La Evolución del Ballet
Antwerp
Selene Muñoz. Foto: Teatro Espanol
Sangre Nueva
Teatro Español, Madrid
El ciclo Sangre Nueva, Jóvenes Flamencos,
organizado por los productores y
representantes de artistas Paco Ortega y
Eugenio Gurumeta, consistió de cinco galas
presentando a jóvenes, y relativamente
desconocidos, instrumentalistas, cantaores
y bailaores flamencos. Los instrumentalistas
eran todos músicos de primerísima clase,
los cantaores dejaron mucho que desear y
los bailarines fueron una combinación de
dos representaciones desastrosas y tres
fascinantes.
Al leer la biografía de Miryam “La
Arquilleja” Reiumúndez, uno tiene altas
expectativas, ya que la bailaora ha estudiado
con flamencos de renombre y ha bailado con
la compañía de Sara Baras. Sin embargo,
el público se quedó estupefacto al ver una
representación que sólo se puede comparar
a un rinoceronte desorientado en estampida.
Describir esta interpretación como poco
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DANZA EUROPA
diciembre 2009
elegante y torpe es ser bondadosa, así que
dejémoslo así.
La representación de Asunción Demartos,
una ex-bailarina de la Compañía de Rafael
Amargo y una bailaora conocida en los tablaos
de Madrid, no fue un descarrilamiento de
tren tan horrible como el de Reiumúndez,
pero Demartos todavía no está ni lo más
mínimamente preparada para embarcar en
una prometedora carrera de solista. Intentó
revestir sus coreografías poco inspiradas con
una selección de artículos flamencos, como el
mantón, castañuelas y el sombrero cordobés,
una decisión que finalmente dificultó más
que ayudó a su interpretación, lo cual se hizo
evidente en un momento incómodo cuando
intentando maniobrar diestramente el mantón
se le envolvió accidentalmente en la cara y la
cabeza.
Una sorpresa grata vino en forma de la
bailaora mexicana Karen Lugo, que tiene
un estilo bien definido y contemporáneo,
que enfatiza movimientos angulares y una
rigidez casi aplastante. La severidad de sus
Como apertura de la temporada 2009
-2010, el Ballet Real de Flandes escogió un
programa de estilo documental diseñado en
parte como homenaje a los Ballets Rusos
y, por otra, como un recorrido histórico muy
compacto que puso de relieve el desarrollo
del ballet. Fue desilusionante ver que, aparte
de la proyección de unas cuantas fotos,
hubo poco en el programa que retratara el
brillo y originalidad impresionantes de los
Ballet Rusos de Diaghilev. ¿Dónde se hizo
referencia a Michael Fokine, seguramente
uno de los coreógrafos más grandes de ese
periodo y cuyas ideas y ballets innovadores
cambiaron de forma tan radical el rumbo del
ballet?
Los periodos románticos tempranos y
tardíos estuvieron representados por dos pas
de deux; uno de La Sylphide, con coreografía
atribuida tanto a Taglioni como a Bournonville;
y otro del Segundo Acto de Giselle. Guilia
Tonelli bailó una sílfide deliciosa. Delicada,
coqueta y con pies ligeros, fue igualada muy
bien por su James, Sonny Kleef, quien mostró
una batería precisa y abundancia de ballon,
mientras que la interacción de la pareja de Aki
Saito y Wim Van Lessen fue ideal para mostrar
el romanticismo de Giselle. La limpieza con
la que bailó él y la ligereza como de pluma
de la muchacha brilló en todo momento. No
obstante, la tensión en el cuello estropeó algo
su trabajo.
De la era de Marius Petipa, fueron
escogidas dos emblemáticas piezas de danza
fuerte, el pas de deux de Don Quixote, y el
del Grand Pas Hongrois del último acto de
Raymonda. La primera solista Yurie Matsuura
puede igualarse a las bailarinas cubanas de
hoy con sus brillantes fouettés y balances
interminables, pero a su Kitri, de todas
maneras, le faltó fuego. Mientras que ella y
su Basilio, Garrett Anderson, hicieron buena
pareja, obviamente les faltó más tiempo de
ensayo para poder realmente relacionarse el
uno con el otro en escena. También sucedió
en el divertimento de Raymonda. Eva
Lombardo es una bailarina con una fuerte
técnica, pero su osadía estuvo totalmente en
contradicción con el carácter del periodo que
su papel exigía. A sus palmadas en el solo les
faltó ataque y, por momentos, parecía perdida
dentro del cuerpo de baile. Para hacerle
justicia a estos ballets, la compañía parece
que necesita trabajar en ellos más tiempo.
La primera noche el cuerpo de baile fue
técnicamente capaz, aunque estuvo un poco
irregular; y el solista Eugéniy Kolesnik debería
haber perdido la peluca roja, que se veía y,
creo, le resultaba incómoda.
Las cosas mejoraron en la segunda
mitad. En una evocación breve de L’Aprèsmidi d’un Faune de Nijinsky, Kolesnik
verdaderamente se batió con el personaje
y su muy angular estilo, y en el pas de deux
de Apollo de George Balanchine, Courtney
Richardson bailó una Terpsícore ligeramente
seductora, mientras que Ernesto Boada se vio
ansioso.
La compañía pisó terreno más seguro
en las coreografías modernas. Herman
Schmerman de Forsythe fue bailada por
Geneviève Van Quaquebeke y Alain Honorez
con brillo y humor desbordante.
Las tres últimas obras fueron totalmente
del gusto del público. Dos solos cortos de
los jóvenes coreógrafos Maxime Quiroga
y David Jonathon mostraron originalidad,
musicalidad y gran estilo. Jonathon también
fue el coreógrafo responsable de Evolution, el
ballet final de la noche. Incorporando motivos
de las obras precedentes, fue rápida, singular
y alegre, ejecutada con gusto y precisión por
la compañía que dirige Eva de Waele.
mantenido a su compañía de 35 bailarines
en perfecto estado y, aunque se lamente la
pérdida de Bruno Bittencourt, el genio del
Brasil – que abandonó Toulouse por Essen,
el programa Maestros del Siglo XX demostró
que la compañía todavía puede presumir de
solistas admirables.
El programa empezó con el elegante
Thème et Variations con un vestuario plateado
y eau-de-nil. Como ex -solista de Balanchine,
Glushak tiene, por supuesto, un fetiche por
las obras del coreógrafo, y su compañía hizo
justicia a la pieza magníficamente. La solista
Magali Guerry baila con estilo y una técnica
cautivadora. Su pareja, el armenio Davit
Galstyan, no tendrá la altura y los muslos
que requieren los estándares de hoy en día,
pero es un bailarín de ballet consumado con
excelente balón, assemblés y tours en l’air.
Son la pareja perfecta.
La única decepción del programa fue la
siguiente pieza, Ángeles Caídos de Kylián,
un ejercicio en sincronía repetitiva y solos
bailados al tamborileo primitivo de Steve
Reich. Con la excepción de unos momentos
potentes, las ocho mujeres parecían
demasiado flojas de piernas como para
infundir suficiente fuerza, física o espiritual, en
la pieza.
La compañía se mostró mucho más
inspirada en The Vertiginous Thrill of
Exactitude (La emoción vertiginosa de la
exactitud) de Forsythe, que fue interpretada
por todos con el apropiado vigor virtuoso. La
principal solista Maria Gutierrez reinó suprema
con Kazakh Kazbek Akhmedyarov, un joven
con una agilidad felina sorprendente. Valerio
Mangianti, un chico alto y fuerte, estuvo
muy bien, aunque es difícil sobrepasar a
Akhmedyarov.
La noche terminó agradablemente con
Sinfonía en re, una de las primeras piezas de
Kylián, creada en 1976, que él casi rechaza.
La pieza es una sátira del mundo del ballet y,
un coqueteo abierto con la farsa. Sinfonía en
re es irresistible, y tuvo a los pequeños muy
divertidos. Sin embargo, como con casi todo lo
que hace Kylián, el humor es muy sutil.
François Fargue
Vanemuine Theatre Ballet
Kevade (Primavera)
Tartu, Estonia
Tartu es la segunda ciudad de Estonia, que se
ufana de tener dos buenas instituciones: la
Ballet du Capitole - Isabelle Brusson y Gaëlle Riou en The Vertiginous Thrill of Exactitude. Foto: David Herrero
Judith Delme
Ballet du Capitole
Maestros del Siglo XX
Halle aux Grains, Toulouse
Hija de padre francés, la americana Nanette
Glushak dice que siempre quiso vivir y
trabajar en Francia. Su deseo se cumplió en
1996 cuando fue nombrada Directora Artística
de Le Ballet du Capitole en Toulouse por el
Director General, Nicolas Joel, que se fue a
la Opera de Paris este año. Si no fuera por
él, la compañía de ballet simplemente ya
no existiría, dice Glushak. Sólo había una
compañía de opereta antes de que él viniera.
Sin embargo, cuando se le pregunta sobre su
posterior relación con Nicolas Joel, Nanette
corre un tupido velo sobre el tema. “Digamos
que también trabajó aquí como director de
escena lo cual no le dejaba mucho tiempo
para pensar en el ballet”.
El ballet, de todos modos, siempre ha
sido la Cenicienta de las artes, y Toulouse
tiene el orgullo de ser una de las pocas
ciudades en Francia con compañía de
ballet. Puede que sea aun peor este año
con las crisis. Las actuaciones de danza han
disminuido a 17 y, debido a las reparaciones
importantes que necesita el Théâtre du
Capitole, la compañía tiene que adaptarse
a espacios más pequeños. Pero Glushak ha
DANZA EUROPA
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Vanemuine Theatre Ballet en Kevade (Primavera). Foto: Max Prohhorov
principal universidad del más norteño estado
Báltico y el Teatro Vanemuine, que acoge
cerca de una docena de estrenos todos los
años en géneros como la ópera, el teatro
musical y el teatro, así como de su compañía
de ballet de 38 miembros, quizás una cifra
récord para una compañía de danza de una
ciudad de sólo 100,000 habitantes.
Al ofrecer programación tanto para un
público más tradicional como para audiencias
más jóvenes y radicales, el Ballet del Teatro
Vanemuine lleva a escena una amplia gama
de obras, desde la clásica Giselle hasta lo más
revolucionariamente contemporáneo. Kevade,
pieza por encargo del 2009 para celebrar el
70 aniversario de la compañía, puede atraer a
ambos grupos, con una visión contemporánea
asequible de una de las obras más famosas
de la literatura estonia. Oskar Luts escribió su
novela justamente antes de la Primera Guerra
Mundial, la que describe las vidas, sueños y
primeros amores de un grupo de escolares y
de los adultos que los rodean.
Stepanov nos cuenta en las notas
del programa: “Tengo que renunciar a la
imaginería utilizada por Oskar Lutz y crear
mi propio mundo estético”. Lo que vemos
en escena es un viaje de descubrimiento
del personaje principal, Arno, en que gana
y pierde a una muchacha, e interactúa con
aquéllos de su propia generación y con los
mayores. Stepanov utiliza la danza folklórica,
la contemporánea y una sección corta de
ballet para ofrecer visiones fugaces de este
recorrido espiritual, más que presentar una
narración lineal. La variedad visual se logra
con una secuencia de sueño y tres escenas
con una danza lenta y sensual que representa
la primavera.
Ardo Ran Verres se refiere a su partitura
como “una producción sonora”, y utiliza el
equipo de audio de tecnología de punta de
la sala principal del Vanemuine para crear
sonidos callejeros y ruidos de áreas de juego,
así como una música armoniosa inspirada en
varias épocas.
Takuya Sumitomo representa a Arno con
sinceridad y su ejecución danzaria proyecta
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DANZA EUROPA
diciembre 2009
la naturaleza frecuentemente melancólica de
las lecciones que la vida le da. Hayley Jean
Blackburn convence como Teele, la muchacha
de la que se enamora, que luego le rompe
el corazón cuando el impositivo Toots se
interpone entre ellos. En este último papel,
Guy William Burden discutiblemente logra
sus mejores pasos y utiliza toda su velocidad
y calidad de movimiento para causar una
fuerte impresión. Como la pareja mitológica
primaveral, Saori Nagata y Vladimirs
Latishonoks se ven impresionantes cuando
se enroscan el otro con el otro en prístino
movimiento.
En los 90 minutos de función sin un
intermedio, Kevade mantuvo mi atención
durante todo ese tiempo y merece que se le
vea por otros públicos más allá de su patria.
Stuart Sweeney
Wendy Houstoun
Keep Dancing
BAC, London
Un amigo teatralmente astuto, muy
familiarizado con (y favorablemente inclinado
hacia) el trabajo solista de Wendy Houstoun,
descartó su último esfuerzo, clasificándolo
como el trabajo de “una minimalista de
mediana edad que se ha convertido en un
objeto de perduración”. No hay duda de que
Keep Dancing exige mucho del público, sobre
todo en la sección final. Acompañada de un
montaje ingenioso, hiperactivo e hipnótico de
raras secuencias filmadas de archivo – todas
de dominio público y exhibiendo de todo,
desde policías desfilando, a boxeadoras, a
jugadoras de baloncesto bajo el agua – la
cada vez más sudada Houstoun repite el
mismo movimiento espasmódico y ondulante.
Estos fantasmas de blanco y negro de una
época antigua del mundo del espectáculo y de
momentos de ocio, se proyectan sobre el ser
vivo enfrente de nosotros mientras conduce su
propio maratón de danza. Sugiere, tal vez, lo
fina que es la línea entre el agotamiento y el
éxtasis, o entre el pasado y el presente, o el
artificio y la realidad.
El espectáculo de una hora está lleno de
acción – mucha de ésta no suya sino la que se
ve en las imágenes - y, sobre todo en partes
del principio, salpicadas de texto hablado
que trata de las falsedades y expectativas
engendradas por la interpretación. De acuerdo
con la tecnología estética de baja calidad,
partes del guión parecen ser un diálogo entre
Houstoun y su ordenador en el escenario.
Como dice al principio, intenta combinar
“todos los grandes temas del mundo, con
unos cuantos chistes”. Lo esencial de la pieza
es, en mi opinión, un intento de construir un
argumento metafórico sobre la persistencia,
no sólo en términos de la interpretación sino
en términos de la vida. Es una temática que
explora Vincent Dance Theatre en la nueva
obra de la compañía, If We Go On, y no
sorprendentemente – esa producción fue
escrita en mayor parte por Houstoun. En
este solo trata los asuntos que actualmente
le preocupan con más balance y levedad. Y
uno sale con un maremágnum de imágenes
nadando por la cabeza, y un entendimiento
de la elegancia (inquieta o agitada, elige) que
Houstoun encarna.
Donald Hutera
Dutch National Ballet
Concerto
Stadsschouwburg, Amsterdam
Ballet Nacional Holandés
Concerto
Stadsschouwburg, Ámsterdam
El programa de gira del Ballet Nacional
Holandés, Concerto, es notable por su Nuevo
ballet de Krzysztof Pastor y las emocionantes
interpretaciones de los bailarines. Dumbarton
Dances, de Pastor, usa el nombre y la música
del Concerto en Mi Bemol de Stravinsky
y también hace buen uso de texturas
hábilmente tejidas. Igual que Men Y Men de
Wayne Eagling, fue escrita como vehículo para
el talento masculino emergente: un género
nuevo muy esperado. Es un trabajo corto y
bailaron furiosamente. Ygnace, recipiente de
del Golden Swan de este año (el premio de
danza más importante de Holanda), demostró
ser todo un ganador. En la segunda aria,
Herd fue la pareja de Anu Viheriärante. Ella
dio un sentido elegante a cada movimiento
difícil y está cada vez mas cómoda
interpretando papeles principales.
Maggie Foyer
Mark Morris Dance Group
Bedtime/V/Empire Garden
Sadler’s Wells Theatre
abstracto, con elementos de competitividad,
pero su éxito es debido a la gama expresiva
de la coreografía y a los bellos y fluidos
movimientos, no simplemente a su bravura
masculina. Hábiles transiciones a trabajo de
suelo, piruetas y saltos descentrados fueron
ejecutados con elegante desparpajo y clara
definición. El elenco de ocho hombres fue
admirable individualmente y en unísono.
Concertante de Hans van Manen, creado
para NDT2 en1994, adquirió otro sabor
con un elenco más maduro. Bailado con
una partitura muy rítmica de Frank Martin,
demuestra su aptitud intuitiva por la estructura
pero siempre con un filo innovador. Parece
algo ordinario hasta que uno se da cuenta
de que van Manen es original y que esto es
algo inteligente y novedoso. El segundo dueto
bailado por Charlotte Chapellier y Alexander
Zhembrovskyy fue totalmente fascinante.
Ningún coreógrafo usa el espacio abierto
entre dos personas de forma tan elocuente
como van Manen y esta pareja encrespada
de libido; cada toque era tan electrizante
como un cable vivo.
El programa culminó con Balanchine.
Su Concerto Barocco de 1941 es la obra
de un maestro joven, firmemente dedicado
a lo tradicional pero demostrando señales
tempranas del inimitable estilo Balanchine.
La precisión clásica está presente, en el
cuerpo de baile con líneas prístinas, pero
esta presentación fue memorable por la
interpretación de Larissa Lezhnina, que
irradiaba calor. Sus brazos eran pura
poesía; cada gesto fluía hasta llegar a las
yemas de sus dedos, todo debido a su
técnica excepcional. Vera Tsyganova, que
apareció en ambos ballets de Balanchine,
mostró líneas fuertes y limpias, pero fue
algo eclipsada por la intensa competición.
Concerto Barocco ofrece solamente un
personaje masculino poco interesante,
interpretado estoicamente por Casey
Herd. Herd tuvo mejor oportunidad en el
Concerto de Violín, en el que Balanchine
es tan deslumbrantemente moderno como
Stravinsky. Junto a Cédric Ygnace, los dos
Un sentido consciente de lo ridículo
caracteriza el trabajo de Mark Morris, que
crea danzas joviales que tienen un gran
atractivo por su levedad y música en vivo.
Los bailarines de Morris no son tan
pulidos como los de otras compañías de
ballet. Son singularmente humanos, de todos
los tamaños y formas, y se deleitan en dar
saltos con la boca abierta, y, en el caso de
una de las piezas, se montan unos encima de
otros como cangrejos copulando.
El programa de otoño de Morris en
Sadler’s Wells incluye reestrenos de Bedtime
y V, bailados con música de Schubert y
Schumann respectivamente, y el estreno
en el Reino Unido de Empire Garden, en el
que 15 bailarines, son acompañados por un
violoncelista, un pianista y un violinista que
tocan la música de Charles Ives.
Empire Garden se deriva directamente
de las Olimpiadas de Beijing. La diseñadora
Elizabeth Kurtzman ha diseñado una colección
de chándales, camisas jockey y camisetas
polo en un desorden de colores que recobran
el orden en los elegantes patrones de Morris
y que se disuelven tan rápido como aparecen.
Los rojos se convierten en amarillos y estos en
azules y estos en verdes, siguiendo los giros
de los bailarines.
El vestuario – esta vez de Martin
Pakledinaz –es una vez más fundamental
en V. Un grupo en pantalones cortos azules
y batas cortas flotantes es desplazado
abruptamente por otro grupo en camisetas
y pantalones ondulantes verdes. Las
dos facciones se unen en un baile de
intersecciones y ángulos reflejados en el
que los bailarines acechan el escenario a
cuatro patas o vuelan desde las bambalinas
del escenario sobre los hombros de sus
contrapartes.
La mezzo-soprano Margaret Bragle canta
una secuencia de canciones de Schubert
como un rezo del ocaso en Bedtime. Sobre el
escenario, los bailarines de Morris hacen el
papel de coro griego, rodeando una historia
compartida de sueños y pesadillas de infancia.
Para Morris, el escenario es una zona
de recreo para adultos. Su curiosidad sobre
el cuerpo natural y (a menudo obscura)
la música en vivo es impresionante y
probablemente debería ser emulado por más
creadores de danza. Si llegarían a tener el
mismo éxito, es debatible: Morris es único.
Malcolm Rock
Tanz Theater Braunschweig
Geschlossene Gesellschaft
Braunschsweig
Eva-Maria Lerchenberg-Thöny originalmente
creó Geschlossene Gesellschaft (Sociedad
Cerrada) para Tanz Theater Munich – donde
también bailó en la obra. Después de su
éxito allí, la obra se presentó en numerosos
festivales internacionales y ganó amplio
reconocimiento y varios premios. Ahora en su
tercer año de directora y coreógrafa del Tanz
Theater Braunschweig, Lerchenberg-Thöny
ha reestrenado esta dramática pieza con sus
bailarines de Braunschweig.
Geschlossene Gesellschaft está basada
en la obra Huis Clos de Jean-Paul Sartre e
incluye sus personajes: Garcin, que siente
placer al acosar a su mujer; Inés, una lesbiana
que mató al marido de la mujer que desea; y
Estelle que, casada con un rico pero sin amor,
ahoga al bebé que tuvo con su amante.
Tanz Theater Braunschweig en Geschlossene Gesellschaft (Sociedad Cerrada)
DANZA EUROPA
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Fabulous Beast Dance Theatre - Daphne Strothman en La consagración de la primavera. Foto: Johan Persson
Todos terminan encerrados juntos en una
habitación, donde las puertas dobles cerradas
no permiten el escape – están condenados al
infierno personal de su propia compañía.
Garcin es el primero en llegar a este
espacio sombrío, estéril y con sélo tres
sillas enredadas. Este decorado austero y el
vestuario de la producción están diseñados
por Peter Jeremias. Inés entra poco después,
elegante y arrogante con un vestido negro
sencillo y tacones, y es seguida un poco más
tarde por Estelle, bonita, seductora y vestida
de forma parecida. Cuando las puertas se
cierran con un portazo, la reacción es pánico
y luego resignación. Cada uno coge una
silla para acomodarse y marcar su territorio.
Se quitan los zapatos y comienza el drama.
Lerchenberg-Thöny astutamente maniobra sus
bailarines instigando el deseo, la pasión y una
agresión creciente entre ellos. La atmósfera es
opresiva y claustrofóbica.
La música para cuerdas de Peter
Ludwig (interpretada por el Tango Mortale
Ensemble) subraya cómo va cambiando
la tensión. Aunque hay momentos de
descanso mientras se filtra un tango o un
vals, la pauta predominante es una espiral
de conflicto y violencia sin fin, a lo largo de
la cual los personajes usan sus sillas como
armas. Hasta los momentos de silencio están
cargados de tensión y dominados por la
respiración fatigada de los tres personajes
implacables. Cuando las luces se apagan al
final todavía siguen cruelmente entrelazados,
aparentemente incapaces de parar su rumbo
hacia la autodestrucción.
Jiri Kobylka de Garcin, Jana Ritzen de
Inés y Mariella Argay de Estelle hicieron un
papel excelente, envolviéndose íntimamente
en sus exigentes personajes, física y
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DANZA EUROPA
diciembre 2009
mentalmente y con total convicción.
Claire Dommett
English National Ballet
Giselle
Empire Theatre, Liverpool
La tradicional producción de Giselle de Mary
Skeaping es una de las mejores versiones
de este ballet, que actualmente cuenta con
el valor agregado de tener como asesora
artística a Dame Beryl Grey, que la conoce
mejor que nadie. Los grandes valores de la
versión de Skeaping son la transparencia
y la lógica teatral. En su debut en el papel
titular, Begoña Cao interpreta a una heroína
suave y vulnerable, pero con cierto elemento
de ansiedad, así que sentimos que no confía
completamente en su encantador enamorado,
representando una Giselle más inteligente que
lo usual. Cao tiene ojos enormes y una sonrisa
maravillosa, pero también tiende a bajar los
ojos en el Primer Acto, lo que priva al público
de que lo cautiven sus sentimientos. Interpreta
la emoción de su personaje sin énfasis y esto
rinde dividendos múltiples en la escena de
la locura, en la que evade el histrionismo a
favor de una conducta natural, llena de dolor
y desesperación, que ella proyecta con gran
claridad. Lo que hace es casi la antítesis
de la actuación y luce inquietantemente
honesta. En el Segundo Acto emplea con
elocuencia brazos líricos sin ningún elemento
de exageración romántica. Resulta una lectura
limitada y pertinente del personaje que podría
beneficiarse de un realce hiperbólico ocasional
para poner de relieve la coherencia general de
su enfoque, pero como primera lectura resulta
destacada.
Uno nunca hubiera supuesto que James
Forbat haría su debut como Albrecht. Cuando
entra corriendo al escenario, su personaje
ya está completamente formado como un
joven romántico, testarudo e imprudente,
y domina la escena con su habilidad para
permanecer erguido sin moverse y sin hacer
gestos superfluos. Cuando el Hilarión de
James Streeter le ofrece la empuñadura de
la espada fatídica, hace de la inmovilidad
una virtud absoluta, echándole a su rival una
mirada fija e intimidante que parece durar una
eternidad, antes de lanzarse inesperadamente
hacia su presa como una pantera. En toda
mi experiencia de ir al teatro, nunca he visto
mejor trabajado este dramático momento. He
comentado anteriormente acerca de cómo
Forbat aterriza suavemente después de los
saltos y de su rápida carrera, ambas virtudes
son empleadas a fondo en este ballet. Su
reacción en la escena de la locura de Cao es
buena y generalmente acompaña a su Giselle
sensiblemente en ambos actos; los dos
parecen tener un rapport musical que funciona
bien. Esta es una pareja que tiene un futuro
interesante.
Laura Bruna como Myrtha, quien también
debuta en el personaje, tiene un bourrée de
libro de texto, perfecto para el papel, pero con
la desventaja de una apariencia de camarera
que no sugiere una reina de las wilis con
hielo en las venas. Con una buena actuación
y ejecución danzaria, esta es una Myrtha
con potencial, pero no una caracterización
completamente estructurada. Los movimientos
del cuerpo de baile lucen maravillosamente
ensayados, mientas que Jung ah Choi y Anjuli
Hudson hacen una Zulma y Moyna eficaces.
Men Y Men de Wayne Eagling merece la
cálida respuesta de crítica que ha generado.
Como exitazo y contraste de Giselle, la obra
es muy efectiva, creando oportunidades
técnicas para nueve hombres de la compañía.
El segundo elenco que presencié se vio fuerte
y confiado, pero algunos de los compases
en el trabajo de conjunto todavía no fueron
bailados con precisión. Esta es una obra tan
buena que uno desearía que durara más
tiempo.
Mike Dixon
Fabulous Beast/ENO
La consagración de la primavera
London Coliseum
La consagración de la primavera de
Michael Keegan-Dolan se ha convertido
instantáneamente en una de las mejores
interpretaciones de la partitura de Stravinsky
en el repertorio completo de la danza. Sus
poderosas imágenes hacen juego con las
exigencias monumentales de la música, y,
en mi experiencia, esto raramente sucede,
y es la razón por la cual la mayoría de
las producciones de La consagración son
sátiras aburridas. La obra tiene lugar en un
entorno rural no especificado, aunque la
estatua de la virgen de un blanco impoluto
al fondo del escenario sugiere Irlanda, las
actividades vulgares del elenco masculino
son impredecibles y raras. Tres mujeres y un
niño (Nicholas Attard), que funciona como
un acólito de la Vieja Cailleach, completan
el elenco y crean un suave equilibrio en la
sociedad agresiva, patriarcal y centrada
en la tierra. La primera imagen presenta a
la implacable Olwen Fouéré, la peliblanco
Cailleach en el centro del escenario y en
medio de una caída de nieve. El Sabio (Bill
Lengfelder) y un elenco grande de hombres
están sentados, abrigados por
chaquetas gruesas y gorros de
invierno, con cajas de cartón
sobre sus rodillas. La Vieja
enciende un cigarro y comparte
el humo con otros para iniciar el
proceso mágico. Es el momento
musical famoso cuando por
primera vez la orquesta toca los
acordes urgentes y repetidos (en
una actuación brillante dirigida
por Edward Gardner) los hombres
saltan y dan vueltas cambiando
de dirección repentinamente, en
este conjunto magníficamente
ensayado. Lo que sigue es
un torrente de imágenes tan
complejas y contradictorias que
uno está al borde de su asiento
hasta el momento final, que no es
un sacrificio, sino un triunfo del
principal femenino eterno.
Los eventos ritualistas
incluyen el repentino desnudar
de un hombre que al principio
parece ser una probable víctima;
cuchillos grandes se blanden
y se clavan en el suelo; los
hombres con los pantalones
por los tobillos hacen el amor a
la tierra; la personificación de
las mujeres como liebres y los
hombres como perros, todos
con gorros ritualistas; la imagen
impresionante de tres tótems
compuestos de mujeres con
cabezas de liebre subidas a los
hombros de tres hombres – la
impresión de poder de este momento es casi
imposible de borrar de la memoria. Un rollo
largo de material aparece y se destroza para
revelar una colección de vestidos primaverales
de mujer. Los hombres se desnudan y se
visten para la escena final, mientras que la
maravillosa Daphne Strothman toma el control
como La Elegida y guía al elenco en una
danza orgiástica intensa de celebración que
la deja como la fuerza dominante. Vestida
de ropa interior blanca, asume el poder con
la fuerza de su danza y la autoridad de sus
gestos, sin embargo su cara se mantiene en
blanco, como si fuera el recipiente para una
fuerza mayor. Entre el elenco masculino están
los magníficos bailarines de Fabulous Beast
que son reconocidos de producciones previas:
tal como Milos Galko, Angelo Smimmo y el
poderoso Jarkko Lehmus. Esta Consagración
es un trabajo coral de la mejor calidad, una
coproducción de Fabulous Beast Dance
Theatre y la Opera Nacional Inglesa. KeeganDolan merece alabanzas por la eficacia de
sus bailarines pero más aun por el poder
poético y perturbador de su imaginación, que
da credibilidad coreográfica y dramática a las
intenciones musicales de Stravinsky.
Mike Dixon
Ballet Nacional de Estonia
Los Tres Mosqueteros
Teatro de la Opera, Tallinn
La famosa novela de Alexander Dumas es
un simple cuento de los Buenos contra los
Malos. Pero espera un momento: la Reina
de Francia está envuelta en una aventura
amorosa traicionera, por el hecho de que
su amante ilícito, Lord Buckingham, es de
la tradicional patria enemiga de Francia.
Entonces, los que intentan descubrir a la reina
errante - Richelieu, Milady de Winter y otros –
descritos como los personajes más oscuros,
¿no deberían ser en realidad los buenos? La
adaptación de David Nixon, con el argumento
de David Drew y la partitura armoniosa de
Malcolm Arnold, sigue el lema original de que
el amor lo conquista todo, pero entre tanto con
muchas matanzas.
Nixon relata la narrativa claramente y con
mucho humor. Con tanto retozo, los chistes
se pueden hacer pesados, pero el brío de la
escenificación estonia, me ayudó a no hacer
juicios hasta el telón final. La coreografía llega
a su cima con los elegantes duetos románticos
entre la Reina y Buckingham, en comparación
con el joven y a veces torpe amor entre
d’Artagnan y Constanza. Nixon también
emplea la ambientación histórica para crear la
impresión de los orígenes del ballet en la corte
francesa, y las mascaradas que tuvieron un
papel importante en establecer la danza como
profesión.
Esta producción se estrenó la temporada
pasada, antes de que Thomas Edur se
encargara de la compañía, pero según la
evidencia de esta interpretación, el Ballet
Nacional de Estonia está en plena forma bajo
su liderazgo. Los saltos y entusiasmo juvenil
de Artjom Maksakov le da una vida vibrante a
d’Artagnan, y la diminuta Olga Malinovskaja
de diecinueve años es la perfecta Constanza,
con su danza expresiva crea un personaje con
una voluntad fuerte suavizada por su cálida
presencia. Marina Chirkova normalmente
interpreta heroínas angelicales, pero
claramente disfruta su papel de tentadora
fogosa, Milady de Winter.Con lo cual, si
buscan una aventura de capa y espada, Los
Tres Mosqueteros es muy apropiada, y esta
producción estonia del ballet de David Nixon
ha obtenido un éxito muy merecido.
Stuart Sweeney
Ballet Nacional de Estonia - Olga Malinovskaja and Artjom Maksakov en Los Tres Mosqueteros. Foto: Harri Rospu
DANZA EUROPA
diciembre 2009
73
The Young Dancers’ Company
Esperanza
Estocolmo
Los miembros del Young Dancers Company,
bajo la dirección de Marie Brolin-Tani, son
un grupo afortunado. Por ser una compañía
de transición, todavía no ganan un sueldo
profesional pero trabajan bajo las reglas
del sindicato y tienen un repertorio que
puede ser la envidia de muchas compañías
establecidas, éste incluye piezas de Mats
Ek y Didy Veldman. El programa actual,
Esperanza, comienza con Tetractys de Virpi
Pahkinen, cuyas formas extraordinariamente
inventivas deleitaron a los jóvenes bailarines.
Es una obra que timbra los cambios en
dinámica y humor y tiene una fuerte esencia
del Este en el detalle de los gestos de las
manos y el trabajo de los pies, acompañados
por un vestuario exótico, música original e
iluminación eficaz. La intensidad propia de
Pahkinen fue adoptada por los bailarines, que
bailaron con una concentración impresionante.
El dueto de Brolin-Tani se titula aptamente
One (Uno), ya que retrata la relación reacia
de dos individuos fuertes. Matilde Wendelboe
Dresler y Erik Nyberg presentaron una
interpretación que equilibró el vigor juvenil con
la introspección de la madurez. Este tipo de
obra que depende más de una interpretación
honesta que de habilidad técnica no es fácil
para bailarines jóvenes, y hay que dar crédito
a estos dos jóvenes que se metieron dentro de
la piel de los personajes.
Adam’s Dilemma (El dilema de Adán) de
Tim Rushton presentó una idea realmente
astuta. ¿Qué pasaría si Eva decidiera no
compartir la manzana del árbol de la ciencia
con Adán como relata la Biblia? Nasim Meki
encabezó un equipo hábil de Evas jóvenes
mientras que Björn Nilsson, un bailarín
dramático talentoso, sacó el máximo provecho
de un gran papel cómico. Yo apostaría que
ambos, Rushton y la compañía, se divirtieron
mucho creando esta obra y ese placer se
comunicó al público. Mención especial para
Riina Turunen, que se involucró en la obra con
increíble gusto.
Esta compañía es patrocinada por los
gobiernos de Dinamarca y Suecia para ayudar
a los jóvenes bailarines a encontrar trabajos
profesionales, y ha demostrado estar haciendo
exactamente eso.
Maggie Foyer
Northern Ballet Theatre
Cumbres Borrascosas
Woking
Kate Snowdon
Cumbres Borrascosas es una de las
contribuciones coreográficas de David Nixon
al Programa de la Cuadragésima Temporada
del NBT. Aunque originalmente destinada al
ENB, la partitura de Claude-Michel Schönberg
fue en última instancia dejada a Nixon para su
interpretación. Resulta quizás gracioso saber
que, gracias a la osadía de dos extranjeros,
fue abordada posiblemente una de las novelas
más monumentales de la literatura inglesa.
No obstante, aunque en la obra existen visos
de la representación fílmica de Laurence
Olivier, el ballet es refrescantemente original,
dependiendo de motivos característicos de la
música para apoyar los estados de ánimo y
74
DANZA EUROPA
las emociones de la historia de Emily Brontë
más que de un estilo narrativo.
La fortaleza de Nixon como coreógrafo
reside en sus pas de deux y su habilidad para
retratar la esencia de sus personajes a través
de sutiles matices físicos. Una criada nerviosa,
un juego de badminton y Cathy y Edgar
tomando té en medio de su crisis, le dan
hermosos toques de humor a la relativamente
oscura historia. Uno nota visos del segundo
acto de Onegin de Cranko, cuando los que
van a la fiesta interrumpen la dramática
reunión de los dos amantes, y a través de una
superposición interesante de los personajes
de Cathy y Heathcliff, niños y adultos, durante
toda la historia. Sólo resulta desilusionante
que se omita la imagen icónica de Cathy y la
ventana para los que como nosotros hemos
leído el libro ocho veces y creemos que nos
deben tales ingredientes esenciales.
Chris Hinton-Lewis captura la pasión casi
bárbara de Heathcliff de forma brillante, lo
que queda más acentuado por su Isabella,
bailada por la encantadora Hannah Bateman,
de la que fluyen formalidad y corrección
durante toda su ejecución. Martha Leebolt
es una bailarina hermosa, no obstante, uno
siente que quizás tiene que desarrollarse
más artísticamente en el papel de Cathy.
El elenco restante es fuerte sin excepción
alguna. Martin Bell exige atención como
Hindley y Pippa Moore y Ashley Dixon, como
los jóvenes Cathy y Heathcliff, manejan su
mutua atracción infantil de forma admirable. El
cuerpo de baile, mientras tanto, se ve perfecto
y Nixon indudablemente ha equiparado el nivel
de la técnica clásica con el de la actuación en
el NBT.
Lo único realmente desilusionante en esta
obra es la escenografía. Aunque la desolación
de Yorkshire Moors se presta mucho para un
escenario casi vacío, la casa y la habitación
están simplemente demasiado peladas, a
pesar de las profusas maniobras de sostén
ejecutadas por los bailarines al estilo del NBT.
Afortunadamente, la rica y enigmática partitura
de Schönberg compensa la falta de mobiliario,
inspirando algunos momentos hermosos,
tales como cuando Heathcliff se arrodilla en la
nieve, sumiso, y cae el telón final.
Uno espera que la recesión no obligue
al NBT a caer en la trampa repetitiva de
su reputación como compañía de giras.
De hecho, con tal potencial y mejoría,
podríamos concluir que una buena cantidad
de patrocinadores, y posiblemente un Teatro
de la Opera, serían este año el regalo
más apropiado por el 40 aniversario de la
compañía.
diciembre 2009
Queensland Ballet
Steps for Strings/Chant d’Amour/Nineteen/
The Gathering/Timeless Dances
CCH, Hamburgo
Fundado en 1960, el Queensland Ballet ha ido
de éxito en éxito desde que François Klaus
se encargó de la dirección hace dos años.
Con un repertorio de más de 60 obras, la
compañía se ha convertido en un imán cultural
en Brisbane y este otoño hizo su tercera
gira europea, visitando Dinamarca, Suiza y
Alemania. Las actuaciones en Hamburgo
fueron una vuelta a casa para Klaus que pasó
muchos años de bailarín principal con el Ballet
de Hamburgo de Neumeier.
Aunque hay excelentes escenarios para
la danza en Hamburgo, por desgracia, la
compañía tuvo que bailar en el CCH – un
enorme y desalmado centro de congresos
con un escenario demasiado estrecho y
menos posibilidades técnicas que las que
ofrecen muchas escuelas. Esto significa que
parecía que le faltaba espacio a muchas de
las coreografías, pero eso no disuadió a 22
jóvenes y talentosos bailarines de presentar
una animada y pulida función.
Steps for Strings (Pasos para cuerdas) de
Klaus fue un buen comienzo - una pieza de
danza alegre y pura al estilo neoclásico para
toda la compañía y acompañada de música
de Dompierre y Morricone. Llevaban trajes
negros y rojos diseñados por Noelene Hill,
cuyos diseños adornaron todas las danzas
con un vestuario llamativo, y el elenco mostró
su excelente y limpia técnica.
A esto le siguió un pas de deux, Chant
d´Amour, bailado con la música melancólica
e intrigante de los fados portugueses de
Trinidade. La coreografía engañosamente
sencilla de Klaus fue bailada sensualmente
por Rachael Walsh y Alex Wagner.
Kim McCarthy, una australiana que
también bailó con el Ballet de Hamburgo de
Neumeier, creó Nineteen (Diecinueve) con el
allegretto del 19º piano concerto de Mozart.
Obviamente inspirada por Kylián, es un flujo
continuo de pasos, alzadas, giros y vueltas,
demasiado ajetreado con un movimiento en
cada pulsación y sin un momento tranquilo.
Sin embargo, la obra fue interpretada
líricamente por Clare Morehen y Christian
Tatchev, dos excelentes solistas.
La música de Hans Zimmer de la película
Gladiator fue el dinámico trasfondo de The
Gathering (El encuentro), coreografiado
por Natalie Weir, que ha creado un total de
16 ballets para la compañía. El ballet trata
procesos ritualistas de forma abstracta;
grupos se forman y se dispersan mientras
que individuos parecen tomar el liderazgo. Es
una pieza de danza contemporánea con una
atmósfera misteriosa.
La pieza más destacada de la noche fue
sin lugar a dudas Timeless Dances (Bailes
eternos) de Klaus, una obra realmente
australiana inspirada en las antiguas
leyendas aborígenes, en las que la diosa del
sol, decepcionada con las criaturas rígidas
que ha creado les castiga con el ciclo de
vida y muerte, creando así la humanidad.
William Barton, que es descendiente de
los aborígenes Kalkadunga, ha actuado
por todo el mundo, y es el intérprete de
didgeridoo más famoso de Australia. Barton
compuso la partitura para un cuarteto de
cuerdas, didgeridoo y guitarra. La presencia
imponente de Barton sobre el escenario se
equilibró con el toque fino del Sonoris Quartett
(B.Dumitrescu, P.Pujanek, T.Ruhl y T.Bloos).
Con este trasfondo de sonido tan original y
un decorado diseñado por el hermano de
Barton, Robert, más un diseño de iluminación
espectacular de Matt Scott, Klaus combinó la
danza de los aborígenes tradicional con su
propio estilo contemporáneo para producir una
obra única y fascinante.
Claire Dommett
asia
Danscross
Yuan Jia, Huang Dongmei, Guo Jiao y Wu Shuai en Ghost Money. Foto: Wei Bing
en Beijing
Donald Hutera
reporta sobre una
nueva iniciativa
coreográfica
establecida para
hospedar
colaboraciones
creativas entre
Este y Oeste.
L
as negociaciones para fundar Danscross, un intercambio cultural entre la Academia
de Danza de Beijing (BDA) y ResCen del Reino Unido, tomaron tres años. BDA fue
fundada en 1955, y se describe a menudo como la cuna de la danza china. Está situada
en el noroeste de Beijing, y ofrece instrucción en la gran variedad de danza clásica y
folklórica del país además de ballet. ResCen es el apodo del centro de investigación
multidisciplinaria de la Universidad de Middlesex que actúa como un puente entre el mundo
académico y la práctica artística, con un enfoque más inclinado al proceso que al producto. A lo
largo de un periodo de seis meses, las dos organizaciones se unieron para hospedar la creación
de ocho obras nuevas de danza cuyo lema era Danza en un Mundo Tembloroso.
El resumen coreográfico era relativamente sencillo. Cada artista – cuatro de China (todos
menos uno formaban parte del personal de la BDA), tres del Reino Unido y uno de Hong Kong
vía Australia – fue invitado a pasar once días en la BDA para crear un ballet que no durara más
de diez minutos y utilizara hasta seis miembros de la compañía de danza de la BDA. Cada
periodo de creación fue totalmente documentado, no sólo filmado, sino también contó con la
presencia en el estudio de un grupo cambiante de académicos e investigadores de la China, del
Reino Unido, de los Estados Unidos, de Australia y Singapur. Estos últimos han estado blogging
en las páginas Web de ResCen y la BDA. Adicionalmente, se organizó una conferencia de un día
que permitió a los participantes que asistieron ser los primeros en compartir sus hallazgos y
DANZA EUROPA
diciembre 2009
75
rapidez es el lema del estilo de Jeyasingh. El impulso
admirable y perturbador de la pieza, sin embargo, fue
socavado por la partitura (de Andy Cowton y Ryoji Ikeda)
tocada a un volumen ensordecedor. Cleave de Kerry
Nicholls fue igualmente rápida y frenética y un ejemplo
adecuado de la temática del mundo tembloroso. Nicholls
trabaja de cerca con el coreógrafo británico Wayne
McGregor, y se nota. Eso no es malo, y probablemente
muy bienvenido generalmente en el contexto de ambas
la BDA y la danza china. Cleave mostró mucha habilidad
y complejidad cinética pero, desde mi perspectiva
occidental, fue escrita con un vocabulario demasiado
conocido.
Temperamentalmente, me sentí mucho más cercana
a Water Mark (Filigrana) de John Utans, una pieza
líquida de improvisación estructurada entre una versión
de la conocida canción americana Stormy Weather y la
vibrante Song to the Siren de Tim Buckley. Marcada por
un sentido fino de la quietud y una corriente subyacente
de melancolía romántica, Filigrana fue uno de los bailes
más poéticos y elusivos de la noche, y probablemente
igual de difícil para los bailarines que los ejercicios más
agresivos de Jeyasingh y Nicholls.
Las danzas de los otros coreógrafos chinos fueron,
no sorprendentemente, muy distintas a las de sus
compañeros extranjeros y del mismo efecto variable.
Trust or not (Fiarse o no fiarse) de Zhao Ming usa
la gripe A como inspiración tópica para un estudio
bastante obvio de la dinámica de grupos, y tiene un
final esperanzador que funciona a su favor. El punto
de partida para The brightest light in the darkest night
(La luz más brillante en la noche más oscura) de Zhang
Yunfeng fue Liu Yan, una bailarina del BDA lesionada
durante las últimas preparaciones para las Olimpiadas
Wang Zihan, Wu Weifeng, Li Nan y Liu Yan en The brightest light in the darkest night. Foto: Wei Bing
del 2008 y que ahora usa una silla de ruedas. Con un
reflexionar sobre el proyecto en su totalidad.
decorado de dos niveles, este baile de sentimientos
Yo fui el único periodista del Reino Unido invitado a observar
exteriorizados fue su primera vez sobre el escenario desde su
parte de Danscross. Mi visita a Beijing coincidió con la parte final
accidente. Como una presencia exquisita de brazos largos y con
del proyecto, durante la cual se estaban añadiendo los toques
vestido de gala rojo, ocupó la plataforma alta al lado derecho del
finales a las ocho coreografías. Éstas se presentaron juntas en
escenario. Hasta el tableau final, sus tres compañeros masculinos
cuatro diferentes ocasiones a principios de Noviembre en el teatro
bailaron con una sensibilidad expansiva debajo de ella. Y ahora
de lujo Poly de Beijing.
le toca a la pieza más rara del programa. Una adaptación de
En el mejor de los casos, las piezas diseñadas para Danscross
la suite para violonchelo de Bach, What a golden autumn (Que
funcionaron como cuentos cortos que se expresaban con el
otoño dorado) de Wang Mei incluía cinco bailarines disfrazados
idioma del cuerpo. Y eso significa sobre todo cuerpos chinos.
de conejos. La coreógrafa se ha descrito como la Pina Bausch
La Compañía de Danza BDA es una entidad muy capaz y
china. No puedo comentar sobre la comparación. Sólo sé que sus
atractiva, bien versada en estilos chinos clásicos; en términos de
infelices conejos fueron la pieza menos exitosa y tal vez la más
habilidad y energía juvenil, se ha descrito acertadamente como el
original de Danscross.
equivalente chino de NDT2. Parece que el grupo se adapta bien
¿Y ahora qué? Parece que algunas, sino todas estas piezas
a los rigores de la danza contemporánea ofrecida por coreógrafos
se presentarán en el Reino Unido el año que viene. En el mejor
extranjeros. Del mismo modo, los creadores occidentales tuvieron
de los casos, la próxima fase de los proyectos tendrá lugar aquí
que acostumbrarse a un sistema diferente de circunstancias y
también, con bailarines británicos para los coreógrafos británicos y
disciplinas que probablemente no conocían con anterioridad.
chinos. Pero como modelo de un intercambio cultural, Danscross
¿Y el resultado? Tal vez no inesperado, fue una mezcla se
probablemente funcionaría en cualquier lugar del mundo.
bailes desde la abstracción occidental hasta el emocionalismo
chino. Tuve la suerte de que las dos obras que vi crearse en
el estudio terminaron siendo entre las mejores del programa.
Wang Yabin, Wang Lei, Zhao Zhibo y Wu Shuai en Cleave. Foto: Wei Bing
Bailada al ritmo penetrante del dúo electrónico americano
Matmos, Beijing Man (Hombre de Beijing) de Jonathan
Lunn es un sexteto masculino que astutamente combina
una filigrana gestual casi caligráfica con un vigor atlético
perspicaz. Era excéntrico, sexy y divertido pero bailada con
una seriedad de propósito que hábilmente equilibró sus
cualidades más juguetonas. En total contraste, Ghost Money
(Dinero fantasma) de Zhao Tiechun es una conmovedora y
bellamente expresada contemplación de la Tierra y el cielo,
de la vida y la muerte, creada en torno a un núcleo familiar
de cuatro personas vestidas vagamente de campesinos.
Según los que saben, el coreógrafo se soltó, redefiniendo su
conocimiento y uso del ondulante pero limitado estilo folklórico
yuxtapuesto con el Kyrie (Andante Moderato) de Mozart. Es
una gran música sin lugar a dudas, pero la obra estuvo a su
altura.
El programa empezó con Detritus de Shobana Jeyasingh,
un intento atrevido de capitalizar la naturaleza híbrida del
entrenamiento de los bailarines de la BDA. Perspicacia y
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DANZA EUROPA
diciembre 2009
12月号の主な記事
――ハンブルク、ロンドンより
サラ・ラムとエリック・アンダーウッド
『リメン』
より 写真:Bill Cooper
『オルフェウス』
リハーサル中のノイマイヤーとボッレ 写真:Holger Badekow
ミラノ・スカラ座のロベルト・ボッレといえば、世界中のバレエ
た。『リメン』からは、感情がとことん排除されていたため、私たち
団に客演して数えきれないほどの役を踊ってきたスター・ダン
は、フィンランドの作曲家カイヤ・サーリアホの荒涼としたチェロ
サーです。その彼のために作られた役がこれまでなかったの
協奏曲『光についての備忘録』に乗せて繰り出される非人間的
は、意外といわざるをえません。そこに現れたのがハンブルク・
でロボットのような動きを、見つめつづけるしかなかったのでし
バレエ芸術監督のジョン・ノイマイヤーでした。目下ボッレのた
た。
めに『オルフェウス』を創作中です。「この作品をボッレのために
マグレガーの複雑な作舞を包み隠したともいえるのが、宮島
作る用意は、常にありました。」ノイマイヤーは語ります。「それ
達男による装置と映像でした。オープニングの部分では、半透
でもなお、創造を始めるためにはオルフェウスとは誰なのか、そ
明のスクリーンセーバーを思わせる紗幕の上で、いくつもの数
してこの物語の様々な異本のうちどれをバレエの構成の根幹に
字がダンサーの身体の上をあてどなく泳ぎ、商業主義的な雰
据えるのかを、明確にしなくてはならなかった――つまり、私自
囲気の青いライトがます目を全部埋めるまで次々と点灯してゆ
身が物語を自然に思い描けるようになる必要があったのです。
く様子は、数独を連想させました。衣装はモリッツ・ユンゲ。けば
振付に着手したのは、実際にロベルトと仕事をするようになって
けばしい色彩のトップスをダンサーたちが途中で脱ぎ捨てると、
からです。私にとってこの物語の中で最も重要なのは、神から
その先は全員がかわりばえのしない肌色一色でした。
与えられた才能、すなわち天職を持つ人物が、同時に一人の
人間であったという、その組み合わせの妙なのです。」
キャストは、マグレガー作品にこれまでも出演してきた常連の
リヤーン・ベンジャミン、サラ・ラム、エリック・アンダーウッド、エド
一方ボッレは、こう語ります。「僕はすごく神経質になっていま
ワード・ワトソンに、初めて彼の振付を踊るブラジル出身のレテ
した。九月に振付を始めた頃には特に。全幕バレエで、大きな
ィシア・ストック(ロイヤル・バレエ学校を卒業し今シーズン入団
役ですからね。確かにジョンとは『椿姫』で仕事をしたことがあっ
したばかり)らを加えた、女性八人男性七人。全員が奇跡のよう
たけど、新作は初めて。だから、まず仕事のやり方を見つけなく
な柔軟性を示し、流動的な造形を嬉々としてこなします。マグレ
てはいけなかった。最初の週は、二人ともちょっと神経質でした
ガー一流の一種異様な四肢の用い方は、ロイヤル・オペラハウ
よ!何か重要なプロジェクトが企画されても、初めての相手と組
スで『クロマ』が初演され成功を収めたときには衝撃的でした。
むのだったら、どんな風に進んでいくか分からないでしょう。だ
ダンサーたちが新たな方向へと能力を伸ばしたことに私たちも
からちょっと緊張していたんだ。でもジョンは最初の週の終わる
賞賛を贈ったものですが、その魔力ももはや色褪せた感があ
頃にはとても満足してくれて、考え方を共有していると感じられ
ります。異論はあるでしょうが、『リメン』でもっとも心に残ったの
るようになっていました。
は、透けるような白い肌をしたボストン生まれのプリンシパルの
「自分の中にも、何かエモーショナルなものを発見できた気
がします。ジョンは、ダンサーのあらゆる特徴や身体能力を見
サラ・ラムと、褐色の肌のワシントン生まれのソリスト、エリック・ア
ンダーウッドという二人のアメリカ人ダンサーでした。
抜く、すぐれた芸術家です。そんな振付家と仕事をしてみて、
僕は自分が日々成長していると感じました。彼は僕からもっと多
同時に上演されたのは、ジョージ・バランシンの『アゴン』再
くを得ることができるようになり、僕は彼により多くを与えることが
演と、グレン・テトリー振付の『スフィンクス』。限られた予算の中
できるようになる――ほんとうに特別なことでしたね。」『オルフェ
でロイヤル・バレエが買ったのがなぜ後者だったのかについて
ウス』は、十二月にハンブルクで世界初演の予定です。
は、疑問を呈さざるをえません。確かにかつてはイングリッシュ・
ナショナル・バレエの主要レパートリーだった名作ですが、今で
ロンドンでは、ロイヤル・バレエがトリプル・ビルを上演しまし
は三十二年前の初演というよりはるかに古くさく見えます。非情
た。そのうち、ウェイン・マグレガー振付の『リメン』は、今シーズ
なスフィンクスを演じたマリアネラ・ヌニェスは印象的でしたが、
ンに初演される新作第一号です。マグレガーによれば、このバ
オイディプス役のルパート・ペニファーザーとの間に電流が走ら
レエは「liminality、すなわち光と闇、存在と不在、生と死の境
ず、彼の方も巧みに踊ってはいたものの官能的な魅力に欠き
界という理念から、着想した」とのこと。確かに『クロマ』や『イン
ました。山犬の頭をしたアヌビスも、あの気の毒な衣装では、そ
フラ』同様、彼は今回もダンサーたちを身体能力の限界まで踊
れがエドワード・ワトソンだと分からないほど。作品としての質が
らせていますが――百八十度を超える手加減なしの開脚、拷
残念だっただけでなく、出演者がわずか三人というのも、大所
問のようにねじ曲がった胴のポジション――、そこに込められた
帯のこのバレエ団向きとはいえません。
心理的なメッセージは、簡素ではあるのに伝わりにくいものでし
DANZA EUROPA
diciembre 2009
77
Calendario internacional
Recopilado por Deborah Weiss
Por favor enviar la información con los listados a [email protected]
Fecha limite para enero: 3 diciembre
ARGENTINA + 54
BUENOS AIRES
Teatro Coliseo 11 4816 5943
[email protected]
Teatro Colón Ballet
The Nutcracker
18, 19, 23/12, 20:30; 20/12, 17:00.
Teatro San Martin 11 4371 0111
www.teatrosanmartin.com.ar
Compañía Nacional de Danza Castrati/Por
vos muero/White Darkness 3 - 6/12; Gnawa/O
Domina Nostra/Cobalto 9 - 13/12.
[email protected]
[email protected]
[email protected]
[email protected]
AUSTRALIA + 61
Ballet de Santiago
The Nutcracker 16 - 19/12, 19:00.
CROATIA / CROACIA + 385
ZAGREB
National Theatre www.hnk.hr
Croatian National Theatre Ballet
The Nutcracker ch: Orlykovski 3, 4/12, 19:30;
5/12, 18:00; 9 - 11/12, 19:30; 12/12, 18:00; 14,
21, 23, 29, 30/12, 19:30; 4 Reasons ch: Clug
9/01, 18:00.
CZECH REPUBLIC /
REPÚBLICA CHECA + 420
SYDNEY
Sydney Opera House 02 9250 7777
www.sydneyoperahouse.com.au
Australian Ballet The Sleeping Beauty ch:
Welch 4, 7 - 11, 15, 17, 18, 22, 23/12, 19:30; 5,
12, 16, 19/12, 13:30 & 19:30; 14, 21/12, 18:30.
PRAGUE
National Theatre www.nationaltheatre.cz
Prague State Opera Ballet Cinderella ch:
Smok, Dumbala 20/12, 14:00 & 17:00; 27/12,
19:00; Swan Lake pr: Dumbala 26, 29/12,
14:00 & 19:00.
AUSTRIA + 43
DENMARK / DINAMARCA + 45
LINZ
Landestheater 0732 76 11 400
or freephone in Austria 0800 218 000
www.landestheater-linz.at
Linz Ballet Ich tanze mit dir in den Himmel
hinein ch: Ulrich, Jucquois 5/12, 15:00; 15/12,
19:00; Kafka Amerika ch: Schwertsik, Ulrich
2/12, 19:30; The Sleeping Beauty ch: Ulrich
27/12, 15:00.
VIENNA
Wiener Staatsoper
www.staatsoper.at
Vienna State Opera Ballet Swan Lake pr:
Nureyev 2/12, 19:30; Die Fledermaus ch: Petit
4, 11/12, 20:00; The Nutcracker ch: Harangozó
17/12, 19:30; 20, 25, 28, 30/12, 19:00.
Tanzquartier Wien 15 81 35 91
www.tqw.at
Boris Charmatz 50 Years of Dance ch:
Charmatz 3, 4/12.
BELGIUM + 32
BRUSSELS
Wolubilis www.wolubilis.be
Ballet National de Marseille Métapolis II ch:
Flamand, Hadid 16 - 19/12.
CANADA + 1
TORONTO
Four Seasons Centre 416 345 9595
or out of town 1 866 345 9595
www.national.ballet.ca/performances/boxoffice/
National Ballet of Canada The Nutcracker ch:
Kudelka 12/12, 14:00 & 19:00; 13/12, 13:00 &
17:30; 16 - 18/12, 19:00; 19/12, 14:00 & 19:00;
20, 22, 23, 27, 29, 30/12, 13:00 & 17:30; 28/12,
13:00; 2/01, 13:00 & 17:30; 3/01, 13:00.
CHILE + 56
SANTIAGO
Teatro Municipal 463 8853
www.balletdesantiago.com
78
DANZA EUROPA
AARHUS
Musikhuset Aarhus 89 40 40 40
www.musikhusetaarhus.dk
Peter Schaufuss Ballet Tommy ch: Schaufuss
3 - 12/12, 19:30.
ENGLAND / INGLATERRA + 44
BIRMINGHAM
Birmingham Hippodrome 0870 730 1234
www.birminghamhippodrome.com
Birmingham Royal Ballet The Nutcracker ch:
Wright/Redmon/Ivanov 1, 3, 8, 10/12, 14:00 &
19:30; 2, 4, 9, 11/12, 19:30; 5, 12/12, 14:30 &
19:30; 6, 13/12, 13:00.
HIGH WYCOMBE
The Swan 01494 512000
www.wycombeswan.co.uk
Richard Alston Dance Company
To Dance and Skylark ch: Lawrance/
Movements from Petrushka ch: Alston/
Overdrive ch: Alston 1/12, 19:30.
LEEDS
Grand Theatre 0844 848 2701
Northern Ballet Theatre A Christmas Carol
ch: Moricone/dr: Gable 1 - 10/12, 19:00; Alumni
performance 5/12, 19:00; 3, 9, 10/12, 14:00;
6/12, 16:00; 40th Anniversary Gala, 12/12,
19:00; Peter Pan ch: Nixon 17 - 27/12, 19:00;
18, 19, 22 - 23/12, 14:00; 20, 27/12, 16:00; no
perfs 21, 25/12 or eve perf 24/12.
LONDON
Barbican Theatre 0845 120 7553
www.barbican.org.uk
Boy Blue Entertainment Pied Piper ch:
Asante, Sandy 10/12 - 3/01.
London Coliseum 0871 472 0600
www.eno.org
English National Ballet The Nutcracker ch:
Hampson 16/12, 19:30; 17, 18, 19/12, 14:30
& 19:30; 20/12, 14:30; 22, 23/12, 14:30 &
19:30; 24/12, 13:00; 26/12, 14:30 & 19:30;
27/12, 14:30; 28, 29, 30/12, 14:30 & 19:30;
diciembre 2009
31/12, 13:00 & 17:00; 2/01, 14:30 & 19:30;
3/12, 14:30; The Snow Queen ch: Corder 8/01,
19:30; 9/01, 14:30 & 19:30; 10/01, 14:30; 12,
13/01, 19:30; 14/01, 14:30 & 19:30; 15/01,
19:30; 16/01 14:30 & 19:30; 17/01, 14:30;
Giselle ch: Skeaping 20/01, 19:30; 21/01, 14:00
& 19:30; 22/01, 19:30; 23/01, 14:30 & 19:30;
24/01, 14:30.
People Show Studios
www.cloud-dance-festival.org.uk
Cloud Dance Festival 5/12, 19:30; 6/12 ,
15:00 & 19:30.
Royal Opera House 020 7304 4000
www.roh.org.uk
The Royal Ballet The Nutcracker ch: Wright
2, 9, 11, 16, 28/12, 19:30; 5, 23/12, 12:00; 12,
29, 30/12, 14:00 & 19:00; 31/12, 18:30; 1/01,
17:00; Les Patineurs/Tales of Beatrix Potter
ch: Ashton 14/12, 19:30; 17/12, 19:00; 18, 19,
22/12, 12:00; 21/12, 12:30.
Sadler’s Wells Theatre 0844 412 4300
www.sadlerswells.com
Carlos Acosta Apollo ch: Balanchine/A
Suite of Dances/Afternoon of the Faun
ch: Robbins/Young Apollo ch: Hougland
(premiere) 1 - 5/12, 19:30; New Adventures
Swan Lake ch: Bourne 10/12 - 24/01, 19:30
(excl. 24, 25, 31/12); Sat & Sun Mats, 14:30
(excl. 26/12); 22 - 24/12, 30, 31/12, 14:30.
Sadler’s Wells Peacock Theatre
0844 412 4322 www.sadlerswells.com
The Snowman ch: North 5, 6, 12 - 15, 18 - 24,
27 - 31/12; 2 - 4, 9, 10/01, 11:00; 5 - 7, 9, 12 15, 18 - 24, 26 - 31/12, 2 - 5, 7 - 10/01, 14:30;
2 - 5, 11 - 13, 29, 30/12, 2, 8, 9/01, 19:00.
NORTHAMPTON
Royal and Derngate Theatre 01603 630000
www.royalandderngate.co.uk
Rambert Dance Company Comedy of Change
ch: Baldwin/Carnival of the Animals ch: Davies/
Tread Softly ch: Oguike 2 - 4/12, 19:30; Intro to
Comedy of Change/Carnival 3/12, 14:30.
SOUTHPORT
Southport Theatre
English Youth Ballet The Nutcracker 1, 2/12.
STOURBRIDGE
Town Hall 01384 812 812
Independent Ballet Wales How Green Was
My Valley ch: James 5/12, 20:00.
ESTONIA + 372
TALINN
Estonian National Opera 683 1214 or 1215
Estonian National Ballet Snow White and the
Seven Dwarfs ch: Harangozó 13, 20/12, 12:00;
Ballet Evening 2, 10/12, 19:00; The Three
Musketeers ch: Nixon 6/12, 15:00; 22/12,
19:00; Swan Lake ch: Härm 3, 16, 18/12 19:00.
FINLAND / FINLANDIA + 358
HELSINKI
Finnish National Opera 09 40 30 22 11
Finnish National Ballet The Nutcracker and
the Mouse King ch: Eagling 5, 7, 9, 15, 17, 22,
28, 31/12, 19:00; 12, 19/12, 14:00 & 18:00;
26/12, 15:00.
FRANCE / FRANCIA + 33
BIARRITZ
Gare du Midi 05 59 24 67 19
Ballet Biarritz Magifique ch: Malandain 22,
23/12, 20:30.
BOULOUGNE-BILLANCOURT
Carré-Belle Feuille
www.boulognebillancourt.com
Blanca Li Les Jardins de Délices ch: Li 11/12.
MARSEILLE
Studios of the Ballet National de Marseille
4 91 32 72 72
www.ballet-de-marseille.com
Ballet National de Marseille Justament Pas
ch: Guizerix/Té TO Té ch: Endo/Sextet ch:
Malandain 10 - 12/12, 20:30; mixed programme
ch: Bo, Nosibor 17, 18/12.
NANCY
Opéra de Nancy et de Lorraine
www.ballet-de-marseille.com
Ballet National de Marseille Le Cité Radieuse
ch: Flamand, Perrault 2, 3/12.
NARBONNE
Le Théâtre
www.letheatre-narbonne.com
Blanca Li Les Jardins de Délices ch: Li 2/12.
PARIS
Théâtre des Champs-Elysées 01 49 52 50 50
www.theatrechampselysees.fr
Sara Baras Flamenco Ballet A Propos de
Sara ch: Baras 19, 21, 22, 23, 26 - 31/12, 2 - 6,
8 - 11/01, 20:00; 20, 27/12, 3, 10/01, 17:00.
Palais Garnier 08 92 89 90 90 or 01 72 29 35
35 from outside France.www.operadeparis.fr
Ballet de l’Opéra Le Tricorne ch: Massine/
Le Spectre de la Rose ch: Fokine/L’Aprés midi
d’un Faun ch: Nijinsky/Petrouchka ch: Fokine
12/12, 19:30; 13/12, 20:00; 15, 16, 18, 19/12,
19:30; 20/12, 20:00; 22, 23, 26, 28, 31/12,
19:30.
Opéra Bastille 08 92 89 90 90
Ballet de l’Opéra The Nutcracker ch: Nureyev
11/12, 19:30; 13/12, 14:30; 14, 16, 17/12,
19:30; 19/12, 14:30 & 20:00; 22, 23, 25, 26,
28/12 - 1/12, 2, 5,8/01, 19:30; 9/01, 14:30
& 20:00.
Théâtre de la Ville 01 42 74 22 77
www.theatredelaville.com
Merce Cunningham Dance Company Nearly
Ninety ch: Cunningham 2 - 12/12, 20:30;
Jérôme Bel Cédric Andrieux ch: Bel 14 - 16/12,
20:30.
Les Abbesses 01 42 74 22 77
Gilles Jobin Black Swan ch: Jobin 1 - 5/12,
20:30; Boris Charmatz 50 Years of Dance ch:
Charmatz 8 - 12/12, 20:30.
QUIMPER
Très Tôt Théâtre (Théâtre de Cornouaille)
02 98 64 20 35
Ballet Biarritz Magifique ch: Malandain 16/12,
15:00 & 19:30; 17/12, 10:00 & 14:30; 18/12,
14:30 & 20:00; 19/12, 15:00 & 20:00.
SAINT-ETIENNE
GERMANY / ALEMANIA + 49
BERLIN
ada Studio and Stage
www.ada-studio.de
Nah Dran XVIII 5, 6/12, 20:30.
Halle Tanzbühne Berlin
Jo Fabian Department Independent Swan 12,
13, 16 - 20/12, 20:00.
Staatsoper Unter den Linden 030 20 60 92 630
www.staatsballett-berlin.de
Staatsballett Berlin
Caravaggio ch: Bigonzetti 2, 15, 17/12, 19:30;
5, 19, 23/12, 19:00; 27/12, 18:00; Swan Lake
pr: Bart 3/12; The Nutcracker ch: Bart 11,
15/12, 19:30; 26, 29/12, 15:00. &19:00.
KunsthausTacheles 30 28 261 85
http://super.tacheles.de
Clint Lutes and Tommy Noonan Brother
Brother ch: Lutes, Noonan 12, 13/12, 20:00.
BRAUNSCHWEIG
Staatstheater Braunschweig (Small Theatre)
05 31 12 34 567
www.staatstheater-braunschweig.de
Tanztheater Eva-Maria Lerchenberg-Thöny
Geschlossene Gesellschaft ch: LerchenbergThöny 3, 11, 18/12; 21/01.
DRESDEN
Sächsische Staatsoper
0351 4911 0 www.semperoper.de
Dresden Semperoper Ballet Swan Lake pr:
Watkin 8, 12, 14/12, 19:00; The Nutcracker ch:
Neumeier 20/12, 19:00; 25/12, 3/01, 14:30 &
19:30; 30/12, 14:00 & 19:00; 1/01, 16:00.
DUSSELDORF/DUISBERG
FFT Kammerspiele
Doris Uhlich Spitze ch: Uhlich 5/12, 22:00.
Opernhaus Düsseldorf 211 89 25-211
www.ballettamrhein.de
Ballett am Rhein Kunst der Fuge ch: Schläpfer
19, 21, 23, 26, 28, 30/12, 19:30; (Duisberg) 5,
10, 12, 13 /12, 19:30; 6/12, 15:00.
FRANKFURT AM MAIN
Jahrhunderthalle www.deag.de
Malakhov and Friends
Ballet Gala 12/12, 20:00.
GIESSEN
Stadttheater Giessen 641 7957 14
www.stadttheater-geissen.de
Giessen Tanztheater Clandestino ch: Assam
11 - 27/12, 19:30; C’est La Vie ch: Assam,
Williams, 13/12 (studio stage), 20:00.
HALBESTADT
Nordharzer Städtebundtheater 040 35 68 68
www.harztheater.de
Nordharzer Ballet The Sleeping Beauty ch:
Jurasz (Quedlinburg) 1, 10, 14/12, 10:00;
25/12, 19:30; (main house, Halberstadt) 3,
8, 18/12, 10:00; 12, 26/12, 19:30; Hamlet ch:
Jurasz 29/12, 19:30.
HAMBURG
Hamburg State Opera 040 35 68 68
www.hamburgballett.de
Hamburg Ballet Orpheus ch: Neumeier 6/12,
18:00; 8 - 10/12, 19:30; 7, 15, 16, 21/01, 19:30;
The Nutcracker ch: Neumeier 22, 30/12, 9/01,
19:30; 26/12, 9/01, 14:30 & 19:30.
MANNHEIM
National Theater Mannheim 621 1680 150
www.nationaltheater-mannheim.de
Kevin O’Day Ballett Mannheim (Opernhaus)
Beethoven ch: O’Day 7/12; (Schauspielhaus)
MA/NY for the love of it... ch: O’Day 4, 15/12;
Poetic Play (mixed bill) ch: Dumais/O’Day/
Tharp 9, 19, 29/12.
MUEHLHEIM
Ringlokschuppen
Doris Uhlich Spitze ch: Uhlich 4/12, 19:00.
MUNICH
Nationaltheater 089 21 85 19 30
www.bayerische.staatsoper.de
Bayerisches Staatsballett Die
Kamelienedame ch: Neumeier 3/12, 19:30.
NÜRNBERG
Staatstheater 91 12 31 35 23
www.staatstheater-nuernberg.de
Staatstheater Ballett Nürnberg The Sleeping
Beauty ch: Montero 5/12, 11:30; 12, 19/12,
19:30; 15, 28/12, 20:00; 26/12, 17:00; 30/12,
18:00.
SAARBRÜCKEN
Saarländisches Staatstheater 68 13 09 20
www.saarlaendisches-staatstheater.de
Ballett des Saarländischen Staatstheaters Donlon Dance Company The Nutcracker ch:
Donlon 6/12, 11:00; 13/12, 18:00; 3/01, 11:00
Swan Lake ch: Donlon 20, 26/12.
Alter Feuerwache
Ballett des Saarländischen Staatstheaters
- Donlon Dance Company Casa Azul ch:
Donlon 3, 8, 22/12.
STUTTGART
Liederhalle www.deag.de
Malakhov and Friends
Ballet Gala 9/12, 20:00.
Staatsheater Stuttgart 71 12 02 090
www.staatstheater.stuttgart.de
Stuttgart Ballet Onegin ch: Cranko 18, 21,
25/12; Song of the Earth ch: MacMillan 1, 5,
6 (mat/eve), 9, 11/12; Orphée et Euridice ch:
Spuck 22, 29/12.
Theaterhaus Stuttgart
Gauthier Dance MM & More 3, 4, 5, 6, 29,
30, 31/12.
ULM
Theater Ulm 731 161 4444
Ballett Ulm
Cinderella ch: Scafati 10/12, 20:00; 27/12,
19:00: 4, 6, 8, 13, 17, 20/01 20:00.
HONG KONG + 852
KOWLOON
Grand Theatre, Hong Kong Cultural Centre
2734 9009
www.urblix.hk or www.hkballet.com
Hong Kong Ballet The Nutcracker 18 - 20, 22 26/12, 19:30; 19, 20, 25 - 27/12, 14:30.
HUNGARY / HUNGRIA + 36
BUDAPEST
National State Opera House 13 32 79 14
www.opera.hu
Hungarian National Ballet The Nutcracker ch:
Vajnonen 2, 3, 9, 10, 16, 17, 27, 29/12, 18:00;
5, 6, 13, 25, 26/12, 11:00.
IRELAND / IRLANDA + 353
BLANCHARDSTOWN
Draiocht 01 885 2622
Ballet Ireland Lyric Suite ch: Corder/Cinderella
ch: Runacre-Temple 3/12.
DANZA EUROPA
diciembre 2009
79
[email protected] [email protected]
Opéra Théâtre de Saint-Etienne 04 77 47 83 47
Ballet Biarritz Magifique ch: Malandain 30,
31/12, 20:00.
SÈTE
Théâtre Molière
www.opisline.com
Blanca Li Les Jardins de Délices ch: Li 4/12.
●
independentballetwales
How Green Was My Valley
●
BRAY
Mermaid Arts Centre 01 272 4030
Ballet Ireland Lyric Suite ch: Corder/Cinderella
ch: Runacre-Temple 4/12.
CASTLEBAR
Royal Theatre 0818 300 000
Ballet Ireland Lyric Suite ch: Corder/Cinderella
ch: Runacre-Temple 1/12.
COOKSTOWN
Burnavom Arts Centre 028 867 69949
Ballet Ireland Lyric Suite ch: Corder/Cinderella
ch: Runacre-Temple 5, 6/12.
DUNDALK
An Tain Theatre 042 939 2919
Ballet Ireland Lyric Suite ch: Corder/Cinderella
ch: Runacre-Temple 9/12.
ENNIS
Glore Irish Music Centre 065 684 3103
Ballet Ireland Lyric Suite ch: Corder/Cinderella
ch: Runacre-Temple 10/12.
NAVAN
Solstice Arts Centre 046 909 2300
Ballet Ireland Lyric Suite ch: Corder/Cinderella
ch: Runacre-Temple 11, 12/12.
TALLAGHT
Civic Theatre 01 4627 477
Ballet Ireland Lyric Suite ch: Corder/Cinderella
ch: Runacre-Temple 2/12.
JAPAN + 81
TOKYO
Tokyo Bunka Kaikan 3 5721 8000
http://www.thetokyoballet.com
Sylvie Guillem and Akram Khan Company
Sacred Monsters ch: Khan 18/12, 19:00; 19,
20/12, 15:00; The Tokyo Ballet La Sylphide ch:
Lacotte 17/01, 15:00; 18, 19/01, 18:30.
MEXICO CITY
Sala Miguel Covarrubias UNAM
www.danza.unam.mx
Compañia Nacional de Danza
www.companianacionaldedanza.com
Balanchine/Avis evening 4/12, 20:00; 5/12,
19:00; 6/12, 18:00; The Nutcracker 16, 18/12,
20:00; 19/12, 16:00 & 19:00; 20/12, 12:30 &
17:00.
MONACO + 377
Photo: Matt Wright
[email protected] [email protected]
MEXICO + 52
80
Also “A Midsummer Night’s Dream” - see listings for dates
www.welshballet.co.uk
DANZA EUROPA
diciembre 2009
MONTE-CARLO
Grimaldi Forum www.grimaldiforum.com
Alonzo King’s Lines Ballet Shéhérazade/
Rasa ch: King 9, 10/12, 20:30. Cie Marie
Chouinard Prélude à l’Après-Midi d’un Faune/
Le Sacre du Printemps ch: Chouinard 12/12,
20:30. Cie Georges Momboye Prélude à
l’Après-Midi d’un Faune/Le Sacre du Printemps
ch: Momboye 15/12, 21:00. Hamburg Ballet
Nijinsky ch: Neumeier 13, 14/12, 20:30.
Xavier Le Roy Le Sacre du Printemps 16/12,
19:00. In the Spirit of Diaghilev Dyad 1909
ch: McGregor/Faun ch: Cherkaoui/AfterLight
ch: Maliphant/Eternal Damnation to Sancho
and Sanchez ch: De Frutos 16, 17/12, 20:30.
Cie Beau Geste - Dominique Boivin
La Danse, une histoire à ma façon 19/12,
16:00; 20/12, 15:00. Shen Wei Dance Arts Le
Sacre du Printemps/Re-(Part III) ch: Wei 19/12,
20:30. Les Ballets de Monte-Carlo Le Sacre
du Printemps ch: Nijinsky/Prodigal Son ch:
Balanchine/Shéhérazade ch: Maillot 26, 28/12,
20:30; 27/12, 16:00; Le Spectre de la Rose ch:
Goecke/Silent Cries ch: Kylián/Les Noces ch:
Kylián/Shéhérazade ch: Maillot 31/ 12, 1, 2/01,
20:30; 3/01, 16:00.
Salle Garnier
Soirée Faunes I ch: Nijinsky. Momboye,
Chouinard, Kylián, Malandain 11/12, 20:30;
Soirée Faunes I ch: Nijinsky. Momboye,
Maillot, Kylián, Malandain 12/12, 16:00.
Karole Armitage Rite of Spring - Summer of
Love ch: Armitage 15/12, 19:00.
Les Ballets Trockadero Ballets Russes
programme 18/12, 21:00; 19/12, 18:00.
Théâtre des Variétés
Maritime Marionettes Petrouchka 11/12,
19:00; 12/12, 15:00. Groupe Grenade Josette Baïz Homage à Forsythe/Duo ch:
Baïz 19:00. Cie Ariadone - Carlotta Ikeda &
Ko Murobushi Haru No Saïten: Un Sacre du
Printemps ch: Ikeda/Murobushi 18/12, 18:00.
Gala du Centenaire des Ballets Russes
20/12, 20:30.
NETHERLANDS /
PAÍSES BAJOS + 31
ARNHEM
Schouwburg Arnhem 026 443 73 43
www.mssa.nl
Introdans Christmas Gala 26 - 28/12, 20:15.
AMSTERDAM
Het Muziektheater 0206 255 455
www.hetmusiektheater.nl
Dutch National Ballet Coppélia ch: Brandsen
11/12, 20:15; 12/12, 14:00 & 20:15, 13/12,
14:00; 18/12, 20:15; 19/12, 14:00 & 20:15;
21, 22/12, 20:15; 24/12, 14:00; 27/12, 14:00
& 20:15, 29/12, 20:15; 30/12, 14:00 & 20:15;
31/12, 14:00.
DEN HAAG
Lucent Danstheater 070 88 00 333
www.ldt.nl
Promenade ch: Battle/Double/Single ch:
Forsythe/Susto ch: Lightfoot, Léon/In the Future
ch: van Manen/Bate ch: Melo 20/12,14:30.
HENGELO
Rabotheater 74 2556 789
www.rabotheaterhengelo.nl
Introdans Promenade ch: Battle/Double/
Single ch: Forsythe/Susto ch: Lightfoot, Léon/
In the Future ch: van Manen/Bate ch: Melo
4/12, 19:30.
TRECHT
Stadsschouwburg 30 230 2023
www.stadsschouwburg-utrecht.nl
Introdans Promenade ch: Battle/Double/
Single ch: Forsythe/Susto ch: Lightfoot, Léon/
In the Future ch: van Manen/Bate ch: Melo
13/12,14:00.
POLAND / POLONIA + 48
WARSAW
Teatr Weilki - Opera Narodowa 22 826 50 19
www.teatrwielki.pl
Polish National Ballet Kurt Weill ch: Pastor,
4/12, 19:00; The Nutcracker ch: Glegolski 17,
19/12, 18:00; 22, 23, 27/12, 12:00 & 18:00.
RUSSIA / RUSIA + 7
ST. PETERSBURG
MikhailovskyTheatre 812 595 4305
www.mikhailovsky.ru/en/tickets
Mikhailovsky Ballet Romeo and Juliet pr:
Vinogradov 3, 4/12; Le Corsaire pr: Ruzimatov
6/12 (mat), 9/12; Swan Lake ch: Petipa 11/12;
Dance Europe.NK.dec09:Adv.Paramount.DanEur.mrt05
SCOTLAND / ESCOCIA + 44
ABERDEEN
Her Majesty’s Theatre 01224 641 122
Off Kilter 14 - 16/01
EDINBURGH
Festival Theatre 0131 473 2099
Off Kilter 29/12 - 2/01
Scottish Ballet The Nutcracker ch: Page
6 - 9/01, 19:30; 7, 9/01, 14:00.
GLASGOW
Theatre Royal 0870 060 6647
Scottish Ballet The Nutcracker ch: Page 12,
15 - 19, 21 - 23, 29, 30/12, 19:30; 17, 19, 23,
24, 31/12, 14:30.
Off Kilter 6-9/01.
SPAIN / ESPAÑA + 34
Dream ch: Spoerli 24, 27/01.
Tanzhaus Zurich 044 350 26 11
www.tanzhaus-zuerich.ch
Piccoli Productions Brief Encounters 11,
12/12, 20:00; 13/12, 18:00.
URUGUAY + 598
MONTEVIDEO
Teatro Solís
Compañía Nacional de Danza Castrati/
Por vos muero/White Darkness 17 - 19/12.
USA / LOS E.E.U.U. + 1
BROOKVILLE, NY
Tilles Center
www.tillescenter.org
Rasta Thomas LLC Rock the Ballet ch:
Thomas 11/12 .
HOUSTON
Wortham Theater Center 713 227 2787 or
800 828 2787 www.houstonballet.org
Houston Ballet Jubilee of Dance 40th
Anniversary Celebration (mixed programme)
4/12, 19:30. The Nutcracker ch: Stevenson 5,
6, 10, 11 - 13, 16 - 23, 26, 27/12, 19:30; 5, 6,
12, 13, 19 - 24, 26, 27/12, 14:00;
NEW YORK
David H. Koch Theater 212 870 5570
www.nycballet.com
New York City Ballet The Nutcracker ch:
Balanchine 1 - 4/12, 18:00; 5/12, 14:00 &
20:00; 6/12, 13:00 & 17:00; 8 - 10/12, 18:00;
11/12, 20:00; 12/12, 14:00 & 20:00; 13/12,
13:00 & 17:00; 15 - 17/12, 18:00; 19/12, 14:00
ALICANTE
Teatro Principal
Corella Ballet mixed bill 15, 16/12.
LOGRONO
Teatro Bretón
Corella Ballet Who Cares? ch: Balanchine/
Clear ch: Welch/String Sextet ch: Corella 19,
20/12.
MADRID
Teatros del Canal www.teatrosdelcanal.org
Momix Bothanica 2/12 - 10/01; Faraute
Producciones Fedra 13 - 31/01.
Teatro Fernán Gómez Centro de Arte
http://teatrofernangomez.esmadrid.com
XXIII Certamen Coreográfico de Madrid
3, 4, 5/12, 20:00; 6/12, 19:00.
SAN SEBASTIEN
Teatro Victoria Eugenia 943 48 11 60
Ballet Biarritz Magifique ch: Malandain 12,
13/12 20:00.
VITORIA
Teatro Principal
Corella Ballet Who Cares? ch: Balanchine/
Clear ch: Welch/String Sextet ch: Corella 22,
23/12.
& 20:00; 20/12, 13:00 & 17:00; 21/12, 18:00;
SWITZERLAND / SUIZA + 41
Balanchine/Dances at a Gathering ch: Robbins/
BASEL
Theater Basel 061 295 11 33
www.theater-basel.ch
Basel Ballet Crescendi ch: Be’er, Inger,
Wherlock 4/12, 20:00; 13, 26/12, 19:00.
ZÜRICH
Kongresshaus www.deag.de
Malakhov and Friends
Ballet Gala 14/12, 19:30.
Opernhaus 44 268 64 00 www.opernhaus.ch
Zürcher Ballett Goldberg Variations ch:
Spoerli 11/12, 21, 31/01; A Midsummer Night’s
Ballet Noir
Marco Goecke
22, 23/12, 14:00 & 18:00; 24/12, 15:00; 26/12,
14:00 & 20:00; 27/12, 13:00 & 17:00; 28, 29/12,
18:00; 30/12, 14:00 & 18:00; 31/12, 15:00.
The Joyce Theater 212 242 0800
www.joyce.org
Rasta Thomas LLC Rock the Ballet ch:
Thomas 15/12 - 3/01.
New York City Center 212 581 1212
www.citycenter.org
Alvin Ailey American Dance Theater Best of
20 Years ch: various 2/12 - 3/01.
PITTSBURGH, PA
Benedum Center 412 456 6666 www.pbt.org
Pittsburgh Ballet Theatre The Nutcracker
ch: Orr 11/12, 11:00 & 19:00; 12/12, 14:00 &
19:00; 13/12, 12:00 & 16:30; 18/12, 19:00;
19/12, 14:00 & 19:00; 20/12, 12:00 & 16:30;
22, 23/12, 19:00; 26/12, 14:00 & 19:00; 27/12,
12:00 & 16:30.
WASHINGTON DC
John F. Kennedy Center for Performing Arts
202 467 4600
www.kennedy-center.org
New York City Ballet Mozartiana ch:
Stravinsky Violin Concerto ch: Balanchine
9, 10, 12/12, 19:30; Concerto Barocco
ch: Balanchine/Liturgy ch: Wheeldon/Les
Goecke’s ‘ballet noir’ is like a dark mystery set to
the music of Tsjaikovsky. From his own perspective and with
uncompromising dance he tells the original story of the
Nuttcracker.
Tue. 1 Dec. Deventer, Deventer Schouwburg
Fri. 4 Dec. Nijmegen, Stadsschouwburg
Thu. 10 Dec. Tilburg, Theaters Tilburg
Sat. 12 Dec. Arnhem, Schouwburg Arnhem
Thu.17 t/m zo 20 Dec. Rotterdam, Rotterdamse Schouwburg
Tue. 22 and Wed. 23 Dec. Amsterdam, Stadsschouwburg
Fri. 25 and Sat. 26 Dec Den Haag, Lucent Danstheater
Gentilhommes ch: Martins/Liebeslieder Walzer
ch: Balanchine 11/12, 19:30; 12/12, 13:30.
Play period till 27 January throughout the Netherlands
WALES / PAÍS DE GALES + 44
artistic director: Ed Wubbe // business director: Harald Moes
information and bookings: Scapino Ballet Rotterdam
tel. + 3110 4142414 // [email protected]
ABERYSTWYTH
CARDIFF
Wales Millennium Centre 08700 40 2000
www.wmc.org.uk
National Dance Company Wales Youth Dance
www.scapinoballet.nl
Gala 5/12, 14:00 & 16:00 & 19:00.
DANZA EUROPA
diciembre 2009
81
[email protected] [email protected]
La Sylphide ch: Bournonville 13/12 (mat); The
Nutcracker pr: Boyarchikov 24, 25, 26 (mat),
27, 29, 30/12.
Parsons Dance mixed bill, 13, 14/12.
Mariinsky Theatre 812 326 4141
www.mariinsky.ru
Mariinsky Ballet La Sylphide ch: Bournonville
1, 3, 28/12, 19:00; Les Sylphides/Le Spectre de
la Rose/Dying Swan/Carnival ch: Fokine 6/12,
11:30; Ballet Gala, 8/12, 19:00; The Fountain of
Bakhchisarai ch: Zakharov 11/12, 19:00;
The Nutcracker ch: Simonov 13/12, 11:30
& 19:00; Prodigal Son/Apollo/La Valse ch:
Balanchine 20/12, 11:30; mixed bill inc.
excerpts from La Bayadère and Paquita 30,
31/12, 19:00.
12-10-2009
gente
L
os premios del Bonnie Bird
Choreography Fund del
2009 fueron presentados
en el Southbank Centre
de London por el Director
Ejecutivo de The Place, Kenneth
Tharp, en octubre. Los ganadores
fueron Fernanda Amaral y Zoi
Dimitriou, que recibieron el Premio
Nueva Coreografía de £1500 para
apoyar de forma financiera sus prácticas
coreográficas o investigación, y Katy
Pearce, que fue la recipiente del Marion
North Mentoring Scheme. Los bailarines
de la Compagnie Marie Chouinard,
Kimberley de Jong, Danny Desjardins,
Mark Eden-Towle, Chi Long, Carla
Maruca, Lucie Mongrain, Carol Prieur,
Gerard Reyes, Manuel Roque, Dorotea
Saykaly, James Viveiros y Won Myeong
Won fueron honrados con los Premios
Gemini Canadienses en la categoría de
“Mejor Interpretación en un Programa
o Serie de artes interpretativas” por sus
interpretaciones en el filme de Chouinard
bODY_rEMIX/gOLDBERG_vARIATIONS.
Mathias Heymann
en Rubies.
Foto: Agathe Poupeney
El bailarín principal del Het Nationale
Ballet, Cédric Ygnace, ganó el premio
anual ‘Zwaan’ por su logro en danza más
impresionante con su personaje en El hijo
prodigo, mientras que el premio ‘Gouden
Zwaan’ de este año se presentó a Shirley
Esseboom. El Dancer’s Prize 2009 se
otorgó a la coryphée Rachel Oomens en la
entrega de premios del Musiektheater de
Ámsterdam el 12 de octubre.
Para celebrar el 25º aniversario de los
Amigos americanos de la Ópera y el Ballet
de Paris, se organizo un intercambio
de bailarines. Solistas Ashley Bouder y
Gonzalo García del New York City Ballet
fueron invitados a bailar Rubies con la
Opera de Paris el 12 de noviembre, mientras
que los étoiles Aurélie Dupont y Mathias
Heymann de la Opera de Paris fueron
invitados a bailar los mismos personajes en
la gala que se celebró para estrenar la nueva
temporada del New York City Ballet el 24
de noviembre. Manuel Legris volverá como
estrella invitada para bailar en Petrushka
durante el programa Ballets Russes de la
Opera de Paris en diciembre. Gleidson
82
DANZA EUROPA
diciembre 2009
Vasconcelos, que se crió en las calles de
Minas Gerais en Brasil, ganó la medalla de
oro en la competición Mundial de Ballet
con su solo contemporáneo, Excerpt from
My Captive Life (Extracto de mi vida cautiva).
Actualmente es solista en el Cuban Classical
Ballet de Miami.
Anna Grip es la nueva Directora Artística
del Cullberg Ballet, y empezará un contrato
de tres años el 1 de enero de 2010. Grip has
sido la gerente de conjunto de la compañía
desde el 2006 y Directora Artística Interina
desde la primavera del 2008. Farukh
Ruzimatov ha decidido enfocarse más en su
propia carrera en danza y ha abandonado el
cargo de Director Artístico del Mikhailovsky
Ballet, pero ha acordado continuar como
Consejero Artístico de la compañía.
Nacido en San Fulgencio, España, Gustavo
Ramírez Sansano de 31 años ha sido
nombrado Director Artístico de la compañía
Luna Negra Dance Theatre. Sucederá al
fundador de la compañía Eduardo Vilaro
en junio del 2010. El Birmingham Royal
Ballet ha nombrado a Koen Kessels su
nuevo Director musical para suceder a
Barry Wordsworth, que se ha cambiado al
Royal Ballet. BRB también ha nombrado
a Simon Harper su nuevo Director de
Comunicaciones y RRPP. Robert Gouazé ha
abandonado su puesto de Administrateur
Général du Théâtre et de l’Orchestre
National du Capitole.
Corrección: En la crítica de Workwithinwork
del Ballet Escocés en el Festival de
Edimburgo (Danza Europa Octubre 2009),
Viki Westall alaba la interpretación de Amy
Hadley porque un compañero le dijo que
era el nombre de la bailarina. En realidad,
Hadley no bailó en esa presentación, la
bailarina que Westall había admirado era
Brenda Lee Grech. Pedimos excusas a las
dos bailarinas.
Cumpleaños en diciembre: 1 PierreFrançois Vilanoba 38; 6 Wendy Ellis 58; 14
Pete Shenton 42; 17 Caroline Miller 39, 19
Jeanetta Laurence 60; 22 David Leonard 66;
24 Davide Bombana 51; Mikhail Messerer
61; 27 Fernando Alonso 95; 29 Gelsey
Kirkland 57; 30 William Forsythe 60;
31 Itzik Galili 48.
S O U S
L A
P R É S I D E N C E
D E
S . A . R .
L A
P R I N C E S S E
D E
H A N O V R E
09 DÉCEMBRE 2009 / 03 JANVIER 2010
MONACO LES
DANCE BALLETS DE
FORUM MONTE-CARLO
DIRECTION ARTISTIQUE JEAN-CHRISTOPHE MAILLOT
ACTE 1
ALONZO KING’S LINES BALLET
TRANSE EXPRESSMARITIMES MARIONETTES
NIJINSKY,MOMBOYE,CHOUINARD,KYLIAN,MALANDAIN,MAILLOT
COMPAGNIE MARIE CHOUINARD
TRAFIC DE STYLES SEBASTIEN LEFRANÇOIS
BALLET DE HAMBOURG JOHN NEUMEIER
GROUPE GRENADE JOSETTE BAIZ COMPAGNIE GEORGES MOMBOYE
ARMITAGE GONE ! DANCE XAVIER LE ROY
CHERKAOUI, DE FRUTOS, MALIPHANT, MCGREGOR
LES BALLETS TROCKADERO
CARLOTTA IKEDA ET KO MUROBUSHI
COMPAGNIE BEAU GESTE DOMINIQUE BOIVIN
SHEN WEI DANCE ARTS
NDT ARTISTS, GUIZZO, DUBREUIL
FORSYTHE ARTISTS BALDY, SCHARAFALI, ZABALA
LES BALLETS DE MONTE-CARLO
BALANCHINE, GOECKE, KYLIAN, NIJINSKY, MAILLOT
... EXPOSITIONS, INSTALLATIONS,
CONFÉRENCES, MASTERCLASSES
graphiste Gilles Nifenecker
n Ph
dessi
i
Fav
pe
p
i
l
i
er
MONACO : GRIMALDI FORUM / SALLE GARNIER / THÉÂTRE DES VARIÉTÉS
TEL 00 377 97 70 65 20 / www.monacodanceforum.com / www.balletsdemontecarlo.com
france

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