la olla 28 - fh 03.FH9 - Ripollet Rock Festival

la olla 28 - fh 03.FH9 - Ripollet Rock Festival

0€
BOLETÍN MUSICAL
DE LA ASSOCIACIÓ
RIPOLLET ROCK
Nº28 - DIC. 2005
STEVE MORSE
MANOWAR - TUATHA DE DANANN - ALMA FUERTE - GZR
ATLANTIDA - 91 SUITE - ENTROPIA - MARSFOOL - IN FLAMES
STRATOVARIUS - STEVE VAI - GIGATRON - SARATOGA - RAIN...
EDITORIAL
Como supongo ya sabréis, desde hace un cierto tiempo, ciertos magnates
de grandes cadenas de radio privadas, se dedican a criminalizar a
grupos musicales de rock. Son muchos los acusados que han tenido
problemas, en forma de suspensión de conciertos algunos, y de
denuncias ante la justicia otros. Este es el caso de los Soziedad
Alkoholika, perseguidos durante más de tres años sin apenas poder
hacer conciertos. Su delito era que sus letras incitaban al terrorismo.
Pues bien, hace unos meses se celebró el juicio y los S.A. fueron
absueltos de todos los cargos. Pero mira por donde, que siguen siendo
criminalizados. Recientemente hemos visto como un macrofestival que
se tenía que celebrar en Murcia era saboteado por los sectores de la
derecha más antidemocrática que sigue presionando a los ayuntamientos
y las salas de conciertos para que los vascos no puedan actuar. Además
nos hemos enterado de que El Corte Inglés ha retirado de sus estanterías
todos los discos de S.A., incluso después de haber ganado el juicio la
banda. Sería bueno que no solamente el amante de la música rock,
sino también cualquier persona que esté en contra de la censura y a
favor de la libertad de expresión, entendieran cada vez que entran en
un gran almacén de esta cadena, los ideales antidemocráticos de sus
administradores. Seguramente no conseguiremos nada, pero al menos
sabremos a que tipo de gente estamos ayudando a enriquecerse cada
día más. Y en base a eso, que cada uno actúe con su conciencia.
También nos gustaría comentar el fiasco que ha supuesto el festival
itinerante Profana Rock. Y es que nos parecía una apuesta demasiado
arriesgada para un promotor que casi nadie conocía y que, a la postre,
ha demostrado ser un perfecto novato para este tipo de eventos. Ha
querido montar una cosa demasiado grande pensando que se iba a
forrar de pasta y luego resulta que no tenía ni un mínimo de fondo
económico para afrontar un posible fracaso de público y cubrir con
los gastos. Estos aprendices de promotores que empiecen desde abajo
como han hecho los demás y no quieran forrarse en cuatro días. Hasta
la próxima!!!
Boletín Musical de la Associació Ripollet Rock
Apartado de Correos 6508291 - Ripollet (Barcelona)
Página web: http://www.la-olla.tk.
E-mail: [email protected]
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REDACCIÓN
Paco González, Víctor Muiño, Jaime Villén
COLABORADORES
Felipe Álvarez, Esther Mª Millán Morales, Arcadio, Mendía, Xavi
Rulló, Sebax, Sergio Calvo, María Ruiz, Luis David Andrades, Mikel
Basuras, David Agüera, Jordi Font, Dani Ruiz, Jordi Rodríguez, Rubén
L. Calavera, Jesús Garrido, J.M. Osuna, Juarma, Lawra, Laura Jordán
y Juan Pablo Arango
FOTOGRAFIAS
Jaimax, Paco G
PUBLICIDAD
93 691 94 55 Paco González
WEBMASTER
Jaime Villén
MAQUETACIÓN
EMA Publicacions, SCCL(93 580 38 00)
IMPRESIÓN
Gráficas Rimont
DL. B-6220-98
Las opiniones expresadas en los artículos son responsabilidad de sus
autores.
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Cultural, La Moreneta, Gurri, La Gresca.
CERDANYOLA DEL VALLÈS: Bhuda, El Último Tren, Racó
Bohemio, Casal Altimira, Tío Tom, Circus, Blues.
MONTCADA I REIXAC: Can Tauler.
SANTA PERPÈTUA DE MOGODA: Premier, Rider.
SABADELL: La Dimensió Desconeguda, Ricoma & Fills, Warlock,
Sorginak, Seattle.
CASTELLBISBAL: Hell Awaits.
TERRASSA: Scorpions, Infierno, Zeppelin, Clerks.
BARCELONA: Overstocks, Revolver, Arise, BB+, Mephisto, Music
World, Excalibur, Discos Nems, Metal Mania, Bar Pérez, El Coyote.
MOLLET: Pirata.
MANRESA: Associació Cultural Txani.
ESPARREGUERA: Col·lectiu kal Trempat, La Taberna.
BLANES: Suli.
VILAFRANCA DEL PENEDÈS: Sota Terra Disc.
TARRAGONA: Tipo.
CALELLA: Golden Gloves.
CASTELLÓ: Manowar, Pub Amén (Vinarós).
MURCIA: Asociación Juvenil Murcia Rock.
MONTIJO (Badajoz): La Cabaño, El Callejón, Justo Santos
Discos, La Luna (Puebla de Obando), Kancho Pepe (La Roca de la
Sierra).
SEVILLA: Bar el Túnel de Triana.
BILBAO: Arise, DDT.
TENERIFE: Rastro de Santa Cruz.
GRANADA: Mal Gusto.
GUIPÚZCOA: Gaztetxe de Anoeta, Sala Guardetxea.
JAÉN: Ocios París, Prensa y Revista «Morago».
MADRID: W.C. Records, Arise, Sun, Potencial Hardcore, Excalibur.
NAVARRA: Bar El Coyote, Universidad de Navarra (Pamplona),
Asociación Poesia-Rock (Tudela), Bar Vértigo (Corella), Bar Decimal
(Cientruénigo).
ZARAGOZA: Bazofia Records.
BURGOS: Fragment, Tirabike.
A CORUÑA: Chispas Celtas, Discos Gong.
VIGO: Maci-Rock.
PALMA DE MALLORCA: Gong Discos, Pub Excalibur.
HUESCA: Bar Arkanos.
CÓRDOBA: Anarko Punk.
SANTANDER: Rock Beer, The New.
CIUDAD REAL: Chupitos Bar.
EE.UU: A&M Studios (New York).
ARGENTINA: Classic Rock (Buenos Aires).
POTAJE MUSICAL
El Mazarock, legendario festival murciano de principios de los 80, vuelve para el 2006. La gente de Sufriendo
& Gozando, que tienen la experiencia de organizar otros eventos como el Lorca Rock, han decidido recuperar
uno de los pioneros festivales de la península. Como antaño se celebrará en la localidad murciana de Mazarrón,
tendrá dos escenarios y la fecha confirmada es el próximo 12 de agosto. Por problemas legales con el antiguo
nombre ahora pasará a llamarse Leyendas del Rock Festival. Ya tienen 10 bandas confirmadas que son:
Barón Rojo, Warcry, Sherpa, Obús, Ñu, Silver Fist, Triana, Coz, Zarpa y Sweet Little Sister.
Si queréis saber más información, podéis consultar su página web: www.leyendasdelrockfestival.com
Menuda movida la que se ha montado con el festival itinerante Profana Rock. La historia tenía que haber
comenzado el mes de noviembre en Los Alcazares (Murcia), pero las presiones del Partido Popular (que de
popular tiene bien poco ) por la presencia en el cartel de Soziedad Alkoholika, hizo que la organización
lo intentara posteriormente en Cartagena y finalmente en la Plaza de toros de Murcia. En ambos casos
imperó la ley del PP en esa zona y se denegaron todos los permisos. Así las cosas, la fecha murciana se
aplazó hasta enero. Pero en Madrid continuaron los problemas. Horas antes de comenzar el festival Los
Suaves no lo veían claro y decidieron no participar. Y el organizador ante la floja venta de entradas, decidió
desaparecer a mitad del concierto, dejando colgados sin cobrar a la mayoría de los grupos participantes,
los trabajadores y las distintas empresas colaboradoras y de promoción. En el momento de cierre de este
número aún se desconoce su paradero. Evidentemente todas las fechas restantes quedan definitivamente
canceladas y el Profana Rock se recordará, desgraciadamente, por causas ajenas a la música.
No hace mucho, desde estas páginas, os hemos hablado de grupos como Absolom o Zanarkand,
ambos surgidos de las raíces de los andaluces Azrael, quienes grabaron varios discos con cierta repercusión
en el mercado de heavy nacional y participaron en algunos prestigiosos festivales como el añorado Rock
Machina. Su batería Maolo fue el primero en salir de la banda y poco tiempo después el grupo desaparecía.
Pues bien, un pajarito muy de fiar nos ha contado que los granadinos Azrael están planeando muy
seriamente volver a reunirse para continuar su carrera discográfica. Comentan que están dispuestos a olvidar
sus rencillas y, próximamente, comenzaran a ensayar de cara a componer nuevas canciones que les sirvan
para grabar un nuevo disco. De momento, esto no significa que Maolo abandone a sus Absolom. Al
parecer intentará compaginar su tiempo para llevar los dos grupos.
Los hardcoretas melódicos No Way Out, acaban de editar su tercer disco (Bipolar) que se va a mover a
través de discográfica multinacional. Además el grupo Gamerco-Gay&Company se está encargando
del management de los de Cerdanyola del Vallès. Por lo pronto, la gira comenzó en noviembre por la
Comunidad Valenciana, continuó por Andalucía y del 12 al 20 de diciembre recala en Japón. A la vuelta
del país nipón disfrutaran de las fiestas navideñas en familia, para continuar en enero y febrero con otras
20 fechas más por toda la Península Ibérica.
El colega Pedro Javier Murillo nos envía una nota para informarnos que esta preparando un monográfico
sobre el rock navarro. Es decir que si alguien tiene información sobre este tema, algún recorte de prensa o
alguna reseña gráfica y además tiene ganas de colaborar, puede ponerse en contacto con Pedro J. en
el apartado de correos 1054 de Pamplona (Navarra) con el código postal 31080.
Los textos íntegros de
las entrevistas y
conciertos se pueden
leer en la página web
de La Olla
http://www.la-olla.tk.
03
S
CA
RT
A
VUESTRA OPINIÓN
Parece que ha tenido buena aceptación
la nueva sección de cartas a LA OLLA.
Gracias a todos y esperamos seguir
recibiendo opiniones a esta sección.
Recordar que todas las cartas que salgan
publicadas recibirán dos camisetas del
Festival Ripollet Rock y algunos discos,
gentileza de la Asociación Ripollet Rock.
RIPOLLET ROCK 2005
Un año más, miles de personas nos dirigimos a
Ripollet para presenciar el festival que allí se realiza
cada año en verano.
A las 22:00 en punto abren las puertas, y con paso
ligero nos vamos acercando hasta el escenario,
donde conseguimos estar en primera fila, aunque
no había muchas personas a esas horas.
A las 22:30 ya se iba viendo más movimiento por
los puestos del mercadillo, y a las 23:00 salió el
presentador, para decirnos los horarios de los grupos.
Al momento salió Sinkope, un grupo de rock urbano
que tocó durante unos 40 minutos. A pesar de que
las voces no se entendían con claridad, las
instrumentos no sonaron mal y Vito, el cantante,
también es un buen frontman y supo animar al
público.
A medianoche subió al escenario Exterminator, un
grupo de thrash venido desde Bélgica. Destacar la
virtuosidad del cantante, no solo por su voz, sino
por la velocidad con su guitarra. Aunque el sonido
de los bajos nos impedía disfrutar al máximo a los
que estábamos más cerca, presenciamos una gran
actuación.
Una hora más tarde pudimos escuchar el heavy
metal de Flyin’ freak, un grupo vasco con letras en
inglés que supieron estar a la altura de este concierto.
Con sus banderas, sus letras y sus ritmos supieron
animar a todo el mundo aunque no les conocieran.
Y por último salieron los cabeza de cartel, el grupo
alemán Primal Fear, interpretando grandes canciones
suyas, asi como el Metal Gods de Judas. Ralf
Scheepers, otro gran frontman que levantó las
ovaciones de todo el campo, que coreó varias veces
el nombre de grupo. Adornando su actuación con
alguna que otra cerveza, nos deleitaron con una
hora y media más o menos de buen heavy metal.
Una gran interpretación que no dejó mal sabor de
boca a nadie. Teysis (Badalona)
VUESTRA OPINIÓN...
Haznos llegar una carta o un correo
electrónico con lo que piensas.
Puedes conseguir camisetas y discos de regalo
Apartado de Correos 65 - 08291 Ripollet (Barcelona)
E-mail: [email protected]
04
D
DV
MANOWAR. Hell on Earth IV. SPV.
Cuarto DVD de la serie “Hell on Earth” de los
autoproclamados “Reyes del Metal”. Esta nueva
entrega retrata, una vez más, la gira de presentación
de su exitoso álbum “Warriors of the World” del 2002,
captada con nada menos que setenta cámaras, en
diversas ciudades de países como Italia, R. Checa,
Alemania, Hungría , incluida España (Lorca,
Valladolid, San Sebastián,
Barcelona) con casi cinco
horas de imágenes y
música (casi más de lo
primero que de lo segundo,
todo sea dicho) divididos en
2 DVD’s y un CD de audio.
En el primero intercalan
temas en directo como “Kings
of Metal”, “Freedom Fighters”
(emotivo, mostrando a los
asistentes a los conciertos
brazos en alto, desde varias
ciudades), “ Army of the
Immortals”, increíble, “Spirit
Horse of the Cherokee”, la
hímnica “ Brothers of Metal”,
“Warriors of the World United”,
las acústicas “ Master of the
Wind” y “ Courage” o “ House
of Death”(aunque las imágenes
muestran diferentes shows de la
gira, lo que le quita un poco de
realismo), con pasajes fuera del escenario, el día a
día de la banda, el backstage, comentarios de los
temas, muchos fans, sus proezas cerveceras, sus
motos, muchas mujeres y todo eso que conforma un
poco esa especie de circo “manowariano”, donde se
rescatan curiosidades como ver tocar las castañuelas
a Joey De Maio, que por cierto lo hace muy bien,
en el concierto de Lorca. Como bonus incluye 6 temas
donde encontramos videos clips alternativos de “I
Believe” y “ Warriors of the...” , un buen solo de
guitarra de Karl Logan y otro de bajo a cargo del
Sr. Di Maio, larguísimo, eterno diría yo (y eso que
soy bajista) ,aunque hay que aclarar que no se trata
de un solo de bajo al uso.
El segundo redondo contiene, entre otras cosas,
diversas apariciones en TV donde destacan el buen
humor de la banda y su aparición en el programa
“Popkomm Gala” de la televisión alemana ejecutando
“An American Trilogy” acompañados por una orquesta.
Cautivador. Completa este trabajo un CD audio con
un tema nuevo, el speedico “ King of Kings”, precedido
por una intro orquestal y épica adelanto de lo que
será su próximo disco de estudio a
editarse durante el 2006 (¡si no
sacan otro DVD de por medio!).
Editado en digipack con
ilustraciones del prestigioso
dibujante Ken Kelly, ya habitual
en el arte gráfico de los discos de
Manowar y creador de portadas
históricas del rock como el “Love
Gun” de Kiss o la del “Rising” de
Rainbow, este trabajo presenta
una gran calidad de audio/ video
y está subtitulado en doce
idiomas.
Particularmente , siempre he
separado a Manowar en dos
apartados bien diferentes. Por
un lado su música: majestuosa,
única, referente obligado del
género, interpretada por
grandísimos músicos que
poseen un directo aplastante
y por el otro, toda esa
parafernalia grotesca y circense que acompaña
al grupo, donde se incluyen frases totalitarias,
excluyentes y poco inteligentes como la célebre “Muerte
al falso metal” (si algo no te gusta, no lo escuches,
pero no arremetas contra todo en nombre de una
supuesta verdad absoluta) o actitudes netamente
machistas en el trato que reciben sus fans femeninas,
muchas veces denigrante y ofensivo (aunque, en
general, es con el consentimiento de las mismas).
Estas y otras cuestiones, a mi entender, poco ayudan
al metal en sí. Y este trabajo reafirma mi dualidad
anteriormente expuesta con respecto a la banda. Por
otra parte 4 DVD’s en 5 años, basándose en un mismo
álbum de estudio, me paracen demasiado, incluso
para los fan más acérrimos de estos guerreros del
acero. Víctor Muiño.
05
ENTREVISTA
Steve
Morse:
l hombre tranquilo”
“E
“Hace poco fui con mi hijo a uno de los conciertos
de reunión de Mötley Crüe y el personal de seguridad
no nos dejaba entrar. Nos decían que no estábamos
en la lista, como al chico de la película “Casi Famosos”,
supongo que ya sabes de lo que hablo (risas).
Finalmente les convencimos y tras el concierto, Mick
Mars se hizo unas fotos con mi chico, incluso le regaló
unas púas sin necesidad de pedírselas”. A Steve
Morse (28 de Julio de 1.954, Hamilton, Ohio,
U.S.A.) le encanta conversar y compartir vivencias
personales, incluso con un completo extraño al que
ha conocido noventa minutos antes. La triunfante
actuación de Deep Purple un día más tarde en el
Azkena Rock Festival se convirtió en la excusa perfecta
para departir de forma relajada con uno de los
guitarristas más aventajados de su generación y
maestro de maestros.El marco incomparable de la
tranquilidad reinante en el bar del hotel más
vanguardista (¡y caro!) de Bilbao, sin duda ayudó a
que los veinte minutos asignados por el eficaz, aunque
férreo tour manager de Purple Ian “Spider”
Digence (“twenty minutes and no photos”), fluyeran
naturalmente hacia una charla de hora y media.
Enfundado en unas ceñidas bermudas vaqueras que
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seguramente nos podrían contar muchas batallas,
con un tono de voz en todo momento relajado y
sincero, aunque seguro y contundente, y ante una
ración de cacahuetes bañados con un par de colas
sin calorías, el guitarrista nos vendió su último disco
con Purple “Rapture Of The Deep” (Edel Records),
además de recordarnos su trayectoria en Dixie
Dregs, en la Steve Morse Band, su fugaz paso
por Kansas, así como sus discos en solitario. Sin
prisa y con una amabilidad inusual. 100% Steve
Morse.
LA OLLA: A estas alturas de tu vida y de
tu carrera, ¿es necesario para ti pasar
tanto tiempo alejado de tu familia con las
constantes giras que haces con Deep
Purple, Dixie Dregs, tu banda en solitario,
y más recientemente, Living Loud?
STEVE MORSE: ¿Sabes?, este es el único aspecto de
mi vida que no puedo controlar, es algo así como
una pesadilla que no puedo dominar del todo. Este
tipo de vida es como formar parte de una pandilla,
o estás con ellos o no lo estás, pero en el fondo no
puedes ni imaginarte el simple hecho de alejarte de
ellos. Para mí lo peor es estar lejos de mi familia (larga
pausa). Hace poco hablé con mi hijo acerca de ello
y me dijo: “Papá, deberías pasar más tiempo en casa,
aunque sé que todos los padres tienen que trabajar”
(risas). Él ahora es un quinceañero, toca la guitarra
y trabaja muy duro en ello, dice que lo ha aprendido
de mí. Cuando estoy en casa puedo llevarle al colegio
y luego recogerle, pasar todo el día con él. Tienes
razón, a veces puede ser muy duro. El aspecto más
doloroso de formar parte de una banda es que no
puedo controlar el tiempo que estaré fuera de casa.
L.O.:Es curioso, ni siquiera sabía que tenías
un hijo. ¿Le gusta la música de Deep
Purple?
S.M.: Bueno, el grupo que realmente le gusta es
Mötley Crüe, es su banda favorita. También le
encanta Ozzy Osbourne. Hace poco grabé un
disco con algunos de los chicos que trabajaron con
Ozzy a principios de los 80 (ndr: por supuesto,
Morse se refiere al proyecto Living Loud, junto
a Bob Daisley, Lee Kerslake y Don Airey,
ex miembros de la banda original de Osbourne), y
allí descubrió todo ese material,
oyendo a su padre
haciendo algunas de
esas canciones. Son
temas que Bob y Lee
escribieron junto a
Randy Rhoads y
Ozzy. Randy es un gran
héroe para mi hijo.
También tengo dos hijastros
y dos hijastras, una gran
familia con muchos chicos
alrededor. A dos de ellos
casi no los veo porque viven
muy lejos, pero generalmente
estoy rodeado de chicos
(risas).
L.O.: Parece que fue
ayer, pero hace más de
diez años que te uniste
a Purple, y en breve se
va a editar ya tu cuarto
disco con ellos, “Rapture
Of The Deep”.
S.M.: Sí, me invitaron a formar parte del grupo en
1994. Mi primer show con Purple fue en noviembre
de ese año, pero ya formaba parte del grupo algún
tiempo antes, mientras esperábamos el momento
adecuado para debutar en directo con la nueva
formación. Ese primer show tenía que llevarse a cabo
en Australia, pero al final se decidió que iba a ser en
Mexico City. “Rapture Of The Deep” es nuestro nuevo
disco, una de las pocas veces desde “Purpendicular”
en que la banda al completo se ha involucrado
libremente desde principio a fin. En «Abandon» (1998)
Jon Lord estuvo ausente durante todas las sesiones
de composición, aunque por supuesto participó de
la grabación. Para el anterior “Bananas” sucedió que
Don Airey acababa de llegar, así que su influencia
no fue demasiado fuerte, él era el “chico nuevo”. Con
“Rapture” no hemos tenido ninguno de esos problemas,
la banda al completo ha participado enormemente,
así que es mucho más representativo del sonido real
del grupo. Es un disco muy fácil de escuchar, el
sentimiento general es muy natural. Hemos intentado
huir de canciones compuestas separadamente por
algún miembro en particular, y nos hemos dirigido
hacia un terreno más natural que nos ha permitido
improvisar rápidamente. El sonido global es típico
Deep Purple, y tengo que decir que después de
pasar los últimos doce años con los chicos del grupo,
la habilidad de componer música espontánea es algo
muy importante. Básicamente este es el sentimiento
que hemos querido capturar en el disco, pienso que
es una buena representación de los Deep Purple
actuales.
L.O.: Durante estos doce años te has
convertido en un miembro clave de los
Purple sin Ritchie Blackmore. ¿En
algún momento
durante
los primeros días en el
grupo, pudiste imaginar que sus seguidores
te iban a aceptar casi de forma unánime?
S.M.: Sustituir a componentes es algo habitual en las
bandas de rock. En mi otro grupo, Dixie Dregs,
hemos sustituido a bastante gente a lo largo de los
años, hemos tenido muchos teclistas (risas). Por
supuesto siempre habrá un sector de fans más radicales
a los que no les gustará cualquier cambio que suponga
alejarse de la formación de 1969, pero si realmente
son puristas deberían preguntarse: “¿Y qué pasa con
Rod Evans, el cantante anterior a Ian Gillan, o
con Nick Simper, el bajista anterior a Roger
Glover?” Por el amor de Dios, no podemos pedirle
a Jon Lord que vuelva, las giras son demasiado
largas para él. De cualquier manera, siempre que
tocamos y Jon se encuentra en la misma ciudad, no
dudes que subirá al escenario con nosotros. En este
punto es imposible que seamos la banda original
07
debido a razones que nadie puede controlar de forma
individual. Pienso que los seguidores de Purple de
toda la vida han llegado a apreciar mi contribución
a la banda, ellos saben que yo no vine para echar a
Ritchie del grupo, él se fue. Se fue. La única fórmula
para que esos seguidores puedan continuar
escuchando a Deep Purple es con un guitarrista
diferente, y mejor si ese
alguien es un fan. Yo
soy un fan de Deep Purple, lo puedes
comprobar escuchando cómo toco la música de
Ritchie, las partes de guitarra que él compuso, se
puede ver que lo hago con un enorme respeto por lo
que hizo. Por supuesto soy libre para cambiar algunas
cosas (risas), esto es lo que la gente se va a encontrar,
un poco de aquí, y un poco de allí. Lo cierto es que
la gente me lo ha puesto muy fácil, saben que me
encanta la música de Purple, lo que hicieron en el
pasado, me gusta tocarlo básicamente porque soy
fan de ese material.
L.O.: Para la gira de presentación de
‘Rapture Of The Deep’ sería interesante
que os centrarais en las nuevas canciones
y en material de tus años en el grupo.
Pienso que la banda necesita dejar de
tocar urgentemente algunas de las viejas
canciones.
S.M.: Es curioso que menciones esto, porque
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pecisamente he llegado a Bilbao un día antes del
Azkena Festival para poder ensayar algunas canciones
nuevas con los chicos, y te aseguro que no es habitual
que nos reunamos para probar cosas (risas). El día
antes de mi primer concierto con Purple hicimos un
ensayo largo, pero no suele suceder, puedes estar
seguro. Tendremos que tocar bastante material nuevo,
de eso no hay duda. Cuando tienes a cinco tipos en
la misma habitación nunca sabes cuáles van a ser
sus canciones elegidas para tocar en directo. Les he
visto a todos en privado decir: “Oh sí, lo vamos a
hacer así, vamos a tocar tal o tal canción”, y luego
al reunirnos para tomar decisiones, dicen algo
totalmente distinto, nunca sabes lo que va a suceder.
En este caso estoy seguro de que vamos a tocar
material del nuevo disco.
L.O.: Recuerdo que durante el primer tour
que hiciste con la banda, confiábais
ciegamente en el material de
“Purpendicular”, llegué a escuchar hasta
siete canciones de ese disco en los dos
conciertos en el Brixton Academy de
Londres. Pienso que esa es la dirección
adecuada.
S.M.: El problema es que nuestras giras son muy
largas, y llega un punto en que tenemos que
plantearnos seriamente qué canciones tenemos que
tocar para asegurarnos que Ian Gillan pueda cantar
de nuevo al día siguiente. Por supuesto, a todos nos
gusta más cuando el set list cambia cada noche. A
veces, en la mitad de un tour muy largo, el encargado
de las luces nos pide que toquemos tal o cual canción
porque a nivel visual es mucho más atractiva. Tienes
que saber que a lo largo de una gira hay mucha
gente involucrada, no tan sólo nosotros cinco, y
tengo que decirte que una enorme mayoría de ellos
prefieren que la lista de canciones no cambie de
forma habitual. Si tengo que ser sincero contigo,
lo que yo realmente prefiero es que improvisemos
mucho durante los shows, de esta manera si la
gente nos ve varias veces seguidas, podrá salir con
la impresión de que ha asistido a espectáculos
diferentes. Estoy de acuerdo contigo, no tocamos
demasiado material nuevo y quizás deberíamos, pero
la razón es que hoy en día Deep Purple tiene
muchísimas canciones para elegir. Además, en muchas
ocasiones hemos compartido el escenario con otras
bandas en tours conjuntos o festivales, y si queremos
que todos los horarios se cumplan, tenemos que
acortar nuestro tiempo sobre escena. Decimos:
“Tenemos que eliminar “My Woman From Tokyo” (sic)
si queremos hacer “Black Night” o “Hush”. Este tipo
de decisiones son las que determinan el resultado de
la lista final. Quiero que sepas que hay una voz que
te representa en todas y cada una de las reuniones
del grupo sobre el repertorio (risas). Es la voz que
dice: “No debemos repetirnos porque hay gente que
ha visto al grupo muchas veces”, y entonces aparece
otra que dice: “Sí, pero hay mucha más que hoy
vendrá por primera vez a un show de Deep Purple”,
y la verdad es que esto es un hecho real, así que es
muy difícil, no sabría decirte cuál es la respuesta a tu
pregunta. Para mí la respuesta es cambiar más, aunque
la audiencia pierda la oportunidad de escuchar unos
pocos clásicos. No creo que tengamos que dejar de
tocar muchos clásicos para poder incluir dos o tres
nuevas canciones cada noche.
L.O.: Hay tantas buenas canciones en
vuestros tres últimos discos que es una
pena olvidarlas tan pronto.
S.M.: El año pasado solíamos tocar “Sometimes I Feel
Like Screaming”, “Doing It Tonight”... (Larga pausa).
L.O.: ¿Cómo ves los discos que has grabado
con el grupo al cabo de los años?
S.M.: Como te dije antes, tanto “Purpendicular” como
el nuevo “Rapture Of The Deep” son los discos que
mejor representan a los Deep Purple recientes.
Son más naturales, más de trabajo conjunto. Ese
primer disco significó un perfecto
retrato de aquellos
Deep Purple post
Blackmore, de la
misma manera que
“Rapture Of The Deep”
es un muy buen retrato
de lo que la banda
representa hoy en día.
También me gusta mucho
el disco en directo.
L.O.: ¿Cuál de ellos?
S.M.: Tienes razón, hay
tantos (risas). El que
grabamos en Australia (ndr:
“Total Abandon” – Australia
‘99). No se retocó ni una
sola nota en el estudio, ya
sabes que a veces los grupos
hacemos este tipo de cosas
(risas). Lo que oyes en ese es
exactamente lo que sucedió
durante el show. Es lo más
honesto que un grupo puede
hacer, especialmente si lo que
queda grabado es uno de los
conciertos realmente buenos.
Algunos discos en directo son
completamente horribles, pero el de Australia es muy
bueno, mi favorito. Con el tiempo pude llegar a
apreciar algunas de las canciones de “Abandon”,
pero tengo que reconocer que eché de menos a Jon
Lord durante el proceso de composición, él estaba
acabando su disco en solitario en esa época (ndr:
“Pictured Within”), así que lo que hizo fue llegar en
el último momento para añadir algunas partes de
teclado. Jon es un tipo muy musical, puede hacer
que cualquier cosa, por insignificante que parezca
suene bien. Lo hizo todo perfecto en un periodo de
tiempo realmente corto, pero durante esa etapa en
particular no actuó como un verdadero miembro del
grupo. Amo a Jon, es un tipo enorme.
L.O.: ¿”Bananas”?
S.M.: Creo que “Bananas” es un disco con un sonido
muy bueno. El productor Michael Bradford
contribuyó con algunas ideas para las canciones, de
hecho su nombre aparece en los créditos de un par
de temas (ndr: “House Of Pain”, “I Got Your Number”
y “Walk On”). Michael es un tipo muy inteligente y
musical, cualquier cosa con la que se involucre va a
sonar perfectamente. De cualquier manera, el proceso
de composición de ese disco no fue el habitual en
Deep Purple. Durante la grabación del nuevo
disco, Michael no quiso participar en ese sentido y
se conformó sentándose en su silla de productor
(risas). Por eso pienso que “Rapture” es mejor que
“Bananas”, es mucho más un disco de Deep Purple
como grupo.
L.O.: ¿Qué puedes decir ante las opiniones
que afirman que la voz de Ian Gillan en
“Bananas” estaba en un
plano
demasiado
destacado? Imagino que
sabrás que en ciertos
sectores de fans se
opina que los Deep
Purple actuales son
algo así como la Ian
Gillan Band...
S.M.: Puedo estar de acuerdo
en que el volumen de la voz
de Ian estaba demasiado
alto en la mezcla final,
espero que con “Rapture
Of The Deep” eso no
vuelva a suceder. Tengo
que decirte que la última
mezcla que escuché de
“Bananas” era diferente
de la que finalmente se
usó, pienso que era
mucho más apropiada.
Estoy de acuerdo en que
la voz de Ian no debió
acabar en un plano tan
destacado, yo soy uno
de los que siempre lo
dijo... No que seamos la Ian
Gillan Band (risas), sino que el sonido final de
“Bananas” debió ser diferente. Pienso que Michael
Bradford optó por un sonido global dirigido a
poder sonar en la radio, pero en esta nueva ocasión
le dijimos: “Michael, las cosas han cambiado en
los últimos años, el negocio musical es diferente.
Muchas bandas con sonido underground han
conseguido alcanzar el éxito sin comprometer su
sonido”. Tenemos claro que ya nunca vamos a ser
los favoritos de las grandes emisoras y que la MTV
no nos va a convertir en la nueva sensación dirigida
a las chicas jóvenes. Cuando mezclas para un grupo,
y todos quieren que su pista suenae con más volumen,
entonces has conseguido una mezcla perfecta (risas).
L.O.: Eso no sucedió con “Bananas”...
S.M.: No (risas).
L.O.: Después de los dos volúmenes de
09
“Major Impacts” y “Split Decision”, ¿cuál
es el siguiente paso de tu carrera en
solitario?
S.M.: En unas pocas semanas voy a hacer un show
esporádico en Noruega, en el “Hell Blues Festival”,
y estamos planeando grabar un nuevo disco con el
trío (ndr: junto a Dave La Rue al bajo y Van
Romaine a la batería, habituales acompañantes de
Morse). También voy a trabajar en un disco no
demasiado habitual, un proyecto acústico con una
cantante increíble, una mezcla entre Sara
McLaughlin y Alanis Morisette, tiene la voz
más hermosa que jamás haya escuchado. Yo vivo en
Florida y ella también, así que hemos podido trabajar
juntos en casa, ya tenemos material grabado casi
para un álbum completo. No estoy del todo seguro
de cómo enfocar la edición de este disco porque
básicamente es diferente. Sé que la gente espera de
mí música instrumental intensa, así que deberé tener
mucho cuidado para que la gente no se confunda al
escuchar estas nuevas canciones, no quiero que la
gente compre algo de lo que no van a disfrutar. Para
estos casos, las tiendas on line que te permiten escuchar
fragmentos de canciones antes de comprarlas son
perfectas, pienso que es fantástico. Esta es la parte
buena de Internet, todos conocemos su parte negativa
(risas).
L.O.: Hace poco hablé con Jimmy Barnes
y me aseguró que en un futuro cercano
vais a grabar un nuevo disco de Living
Loud, en esta ocasión con material
completamente original.
S.M.: Sí, es cierto, esto es algo que va a suceder muy
pronto.
L.O.: ¿Y qué me dices de la gira europea
que se anunció y que tenía que llevarse
a cabo este otoño?
S.M.: Olvídalo. No va a ser posible porque con Deep
Purple casi no hemos parado, y ahora con el nuevo
disco en la calle no dispondremos de demasiado
tiempo libre. Ya sabes que en Living Loud también
toca Don Airey, así que un tour completo del grupo
quizás supondría un conflicto con los intereses de
Purple. Lee Kerslake, el batería, también está
10
trabajando mucho con Uriah Heep, y Jimmy
Barnes está casi siempre de gira él solo. Es muy
difícil que todos nos podamos reunir para hacer un
gira, aunque en unas pocas semanas sí nos
encontraremos para comenzar a trabajar en el segundo
disco.
L.O.: Tu opinión sobre John Petrucci de
Dream Theater, un músico que siempre te
reconoce como una de sus influencias
básicas.
S.M.: John me gusta muchísimo. Cuando le dices a
alguien que escuche a John, sabes que lo que va a
oír sonará increíble. Es como: “tienes que ver tocar
a este tipo, es sorprendente”. Es tremendamente
preciso, un completo virtuoso de la guitarra eléctrica.
Musicalmente es muy completo, al igual que Mike
Portnoy, el batería de Dream Theater. También
su teclista Jordan Rudess, quien por cierto tocó
con Dixie Dregs durante un corto periodo de
tiempo... Estos tipos saben lo que se traen entre
manos. Su banda es una de las más intensas del
planeta. Los puedes recomendar a cualquier persona
y todos van a encontrar en su música algo
sorprendente. Además, para tocar el tipo de música
que Dream Theater practican, físicamente se tiene
que estar muy en forma (risas).
L.O.: Joe Satriani, tu predecesor en Purple.
S.M.: He llegado a conocer bastante bien a Joe a
causa de los tours que su banda y Purple hemos
hecho juntos. Además, al poco de unirme a Purple,
también me invitó a tocar en uno de sus G3 junto a
otros guitarristas, aunque debido a nuestras respectivas
agendas no pudimos llevarlo a cabo. Con Joe sucede
algo similar a lo que te he comentado de John
Petrucci. Nadie va a quedar defraudado de su
manera de tocar, es imposible. Tras escucharle, no
puedes decir nada que no sea: “¡Este tipo es realmente
bueno! (risas)”, no puedes llegar a otra conclusión
diferente. Lo que me gusta de él es que improvisa de
forma muy fluida. De repente te sorprende con detalles
totalmente inesperados mientras hace alguno de sus
solos, es increíble. Pude estudiar su estilo muy bien
porque la cinta de su último show con Purple fue
la grabación que me dieron hace doce años para
aprender el set del grupo. Fue algo parecido a: “Aquí
tienes el repertorio, nos vemos en el escenario (risas)”.
Un poco más tarde, Roger Glover me envió un
concierto muy parecido, pero con Ritchie
Blackmore en la guitarra y para mí fue como una
iluminación poder ver las diferencias entre ambos
tocando las mismas partes de guitarra. Ya me había
aprendido el set de Purple según el estilo de Joe
Satriani, memoricé tan bien las partes de Joe que
cuando escuché la cinta de Ritchie, fui consciente
de las partes del show improvisadas de las que no lo
eran. En ese momento, mi intención no era estudiar
tan detenidamente sus estilos, pero definitivamente
me ayudó bastante a la hora de llevar a cabo mi
trabajo. Lo mismo puedo decir de Randy Rhoads
y de las canciones de Ozzy que hemos grabado con
Living Loud. Cuando escuchas a un gran guitarrista
y analizas su trabajo fragmento a fragmento, acabas
por apreciarlo incluso más.
L.O.: En el disco de Living Loud has llevado
a tu terreno los solos de Randy, solos que
todos tenemos perfectamente
memorizados.
S.M.: Pensé: “si tengo que reinterpretar estas canciones,
¿qué puedo ofrecer que sea diferente?”. En el caso
de Living Loud, aporté algunas introducciones y
finales distintos a los de las canciones originales, y al
mismo tiempo intenté cambiar el material un poquito.
Lo que sucedió fue que algunas de las partes, en
especial las guitarras rítmicas, eran demasiado buenas
para siquiera pensar en cambiarlas. Las partes de
rítmica y los riffs de guitarra de “Flying High Again”
o “Crazy Train” eran perfectos, así que decidí no
cambiarlos demasiado. Preferí modificar algunas
partes más reconocibles como solos o melodías.
Cuando escuchaba algún tapping, Randy era muy
bueno en ese aspecto, pensé que sería interesante
hacer esa parte con una púa. Así conseguí que sonara
similar, pero al mismo tiempo le di un nuevo enfoque.
Idea similar, pero técnica diferente.
L.O.: Eddie Van Halen.
S.M.: Al igual que sucede con John o Joe, para mí
es mucho más fácil hablar bien de un guitarrista si lo
conozco, y más aún si he tocado junto a él. Cuando
mi hijo estaba a punto de nacer, yo vivía en California.
Durante tres noches pude hacer allí algunas jam
sessions. Allí estaban Albert Lee, Eddie Van
Halen y Steve Lukather de Toto. En ese periodo,
Eddie Van Halen estaba presentando uno de sus
nuevos modelos de guitarra. Hicimos básicamente
algunos clásicos, aunque el énfasis lo pusimos a la
hora de improvisar partes rítmicas y por supuesto
solos. Estaba a menos de un metro de Eddie viendo
como hacía su trabajo, y me encantó como puede
sorprender a cualquiera con algo totalmente musical,
aunque ni siquiera conozca bien la canción que está
tocando. Puede contribuir con partes rítmicas
adecuadas para cada momento, pero es en los solos
donde Eddie es siempre excitante.
L.O.: ¿Cuándo tuvieron lugar estas jam
sessions?
S.M.: Debió ser en 1991, el año en que nació mi
hijo. De hecho, tenía un busca sobre el amplificador
para comprobar en todo momento si mi esposa tenía
que ir al hospital (risas).
L.O.: George Harrison de The Beatles. En
ocasiones durante los shows de Purple,
sueles tocar pequeños fragmentos de «Here
Comes The Sun»...
S.M.: George es definitivamente una de mis primeras
influencias como guitarrista. El tipo de material que
tocaba era mágico, los Beatles tenían una habilidad
natural para hacer arreglos fantásticos en sus
canciones. George fue el primer guitarrista que
escuché que no se limitaba a meter notas
constantemente, a veces tan sólo añadía a la canción
un pequeño detalle, mientras John Lennon mantenía
el riff principal. Todo lo que hizo fue tan musical,
aunque nunca sabré si fue debido a sus propias
decisiones o a un deseo de seguir las instrucciones
de John y Paul. Cuando hacía arreglos con dos
pistas de guitarra como en “Sgt. Peppers”... tío, ¡¡nunca
antes había oído nada igual!! (risas). En aquella época
yo tenía una guitarra Fender con un amplificador
también Fender, y nunca pude saber cómo conseguía
hacer aquellas cosas. Siempre quise imitar su trabajo
en canciones como «I Wanna Hold Your Hand» con
mi pequeño ampli y jamás conseguí sonar remotamente
como él (risas). No había manera, y tocábamos el
mismo instrumento. “No sé como puede hacerlo, no
sé qué es, pero suena fantástico”. Lo mejor de George
es que siempre controlaba perfectamente su sonido.
Cada vez que hacía un solo, era melódico,
interesante...“Something” o “While My Guitar Gently
Weeps” son canciones que te acompañarán toda la
vida. Gracias a Deep Purple pude conocerle en
una ocasión, fue increíble, muy emocionante... Yo
era tan fan suyo... El encuentro sucedió gracias a
Roger Glover. Me dijo: “Steve, ¿quieres venir a
tomar el té con George Harrison? Le contesté:
“Esto... No lo sé, deja que... déjame pensar en ello...”
(risas). Fue uno de esos momentos únicos e
inolvidables.
L.O.: Cambiando de instrumento, a lo largo
de tu carrera has podido trabajar con
baterías increíbles como Rod Morgenstein
(Dixie Dregs, Winger) o Ian Paice.
S.M.: Rod es el batería más musical con el que he
trabajado. Toca la batería de una forma muy líquida,
como si estuviera cantando la canción a través de sus
manos. Ian Paice tiene otros puntos fuertes distintos,
a todo le da ese toque swing tan particular... Es un
gigante de su instrumento. Consigue llevarnos a todos
por el buen camino cuando el resto tenemos una de
esas noches malas, además no le importa improvisar
en todo momento. Rod también disfruta haciéndolo,
así que puedes ver que tienen algunas cosas en
común. La gran diferencia es que Paice es
prácticamente un batería de estudio, siempre golpea
en el lugar adecuado, mientras que Rod se parece
más a mí, le gusta ser más imprevisible, llevar el
tempo de una canción hacia terrenos desconocidos.
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Supe que Rod era un gran batería desde el momento
en que le escuché tocar el teclado en la escuela.
Íbamos a clase juntos, y puedo decirte que era un
teclista muy bueno. Más tarde, cuando le escuché
tocar la batería le quise en mi banda, no era fácil
encontrar gente con ese nivel en aquella época. Rod
no es uno de esos baterías que abusan del doble
bombo o que se dedican a tocar el mayor número
de beats por segundo. Por supuesto que si quiere
puede hacerlo, pero su intención es otra muy diferente.
Cuando escuchas sus partes de batería aisladas, casi
puedes saber en qué momento de la canción te
encuentras, describe la música con su forma de tocar.
Eso le diferencia del batería típico de rock, Rod es
único en ese sentido, aunque me encanta tocar con
los dos.
L.O.: ¿Qué me puedes decir de tu estancia
en Kansas a mediados de los 80?
S.M.: De los dos discos que hice con ellos, me gusta
en especial “Power”. Sucedió algo similar a
“Purpendicular” con Purple, cuando compusimos
el material siguiendo una evolución natural, sin gente
ajena al grupo involucrada en el proceso. Para el
segundo “In The Spirit Of Things” tuvimos a Bob
Ezrin como productor, un tipo brillante, realmente
disfruté trabajando con él, aunque el concepto de
aquellos Kansas conmigo en la guitarra era
totalmente distinto al de la banda original. Decidieron
que querían un álbum de éxito para poder salir en la
MTV y así llevar al grupo a un nivel de popularidad
superior. Yo no podía estar de acuerdo con aquella
filosofía, fue una mala época para mí. Lo cierto es
que yo no estaba demasiado por la labor de satisfacer
a las grandes emisoras o a la MTV... La compañía de
discos presionó bastante para que Kansas tomara
esa dirección. Yo supe desde un principio que no era
el tipo adecuado para hacerlo, me uní al grupo
básicamente porque era un fan de su música.
L.O.: ¿Te ves durante muchos años más en
D e e p P u r p l e ? I a n Pa i c e m e d i j o
recientemente que estaría enel grupo
mientras físicamente pudiera realizar los
shows de forma decente...
S.M.: Estoy de acuerdo con Ian, mi respuesta es la
misma. Las únicas razones posibles para que
abandonara este negocio serían o una incapacidad
física que me impidiera tocar, o no poder soportar el
hecho de estar alejado de mi familia. A veces las giras
consiguen que llegue al límite después de seis o siete
semanas. No estoy hablando de la parte física del
tour, me refiero al aspecto mental. Deberíamos ser
capaces de poder medir todos nuestros actos en la
vida. A mí me encanta comer, pero a veces acabas
con todos los platos del menú y quieres más y más...
Ese es el punto al que no debemos llegar con los
tours (risas). Me encanta salir a la carretera, pero
pienso que no es bueno hacer demasiados shows
seguidos, tenemos que poder disfrutar de tiempo libre
para estar con nuestras familias. El ritmo endiablado
que lleva una banda de rock como Deep Purple
puede hacer que cualquiera se vuelva loco.
12
L.O.: ¿Qué disco recomendarías de cada
una de las bandas en las que has estado?
S.M.: El “Best Of” de Dixie Dregs sería ideal,
aunque “California Screamin” también me gusta. Es
en directo, y Dweezil Zappa, el hijo de Frank
tocó en la canción “Peaches En Regalia”, fue fantástico
que lo hiciera. Me gusta mucho ese disco, es realmente
en directo, no retocamos nada en el estudio excepto
unas pocas notas de violín. Es muy fácil tener problemas
de sonido con el violín en los conciertos... De la
Steve Morse Band recomendaría “StressFest”, de
mi carrera como solista elegiría “Split Decision”. Son
canciones que compuse yo sólo y luego mis amigos
Van Romaine y Dave LaRue tocaron en ellas.
Para los discos de la Steve Morse Band el proceso
es distinto, porque los tres componemos juntos. De
Deep Purple diría que el nuevo disco es una buena
muestra de mi trabajo en la banda. También el DVD
de “Total Abandon”es muy representativo. De Kansas,
“Power”,ese trabajo es la mejor representación de mi
paso por el grupo. Una de mis canciones favoritas
del disco es “Musicatto”, una pieza instrumental,
realmente me gustaría escuchar a los chicos tocar
esa canción en alguno de sus shows.
L.O.: Para acabar, me gustaría que me
contaras cómo surgió la posibilidad de
tocar en uno de los discos de Liza Minnelli.
S.M.: (Risas) Estábamos trabajando con Dixie Dregs
en “Free Fall”, nuestro primer disco en un gran sello.
Una vez acabada la grabación, yo me quise quedar
hasta el final para poder asistir a la mezcla, en el
grupo me permitían tomar las riendas de la música...
Y ya sabes que cuando le das poder de decisión a
alguien acaba acostumbrándose a ello (risas). Mientras
el resto de los chicos estaban en sus casas disfrutando
de tiempo libre, yo me quedé algunos días esperando
a que terminaran con la mezcla del disco de otro
artista. Uno de esos días, el ingeniero me dijo: “Estoy
trabajando en un disco de Liza Minnelli, creo que
tu estilo sería perfecto para esta canción en particular”.
No lo pude grabar con mi equipo, ya se habían
llevado del estudio todos mis amplificadores y pedales,
así que tan sólo pude usar mi guitarra.
L.O.: ¿Llegaste a conocerla?
S.M.: No, nunca la vi, ten en cuenta que estamos
hablando de una típica producción de Hollywood. La
música se grabó y se arregló en un estudio, y con
toda seguridad, tras aprender las canciones, Liza
cantó sobre la base en otro. Nadie en el estudio la
vio en ningún momento.
L.O.: Hace poco leí una entrevista con
Bobby Ogdin, el pianista que tocó con Elvis
en sus últimos 45 conciertos, donde
afirmaba que nunca le llegó a conocer en
persona.
S.M.: ¡Dios mío! (risas). Supongo que a ese nivel es
natural que suceda, aunque para mí la situación ideal
es que todo el grupo esté en la misma habitación
tocando junto. Hoy en día, con las grabaciones multi
pistas y la posibilidad de enviar archivos a través de
e-mail, es incluso más impersonal. Xavier Rulló.
COMIC
POR JUARMA
13
ES
I ON
AC
OR
LA
B
CO
CRÓNICAS DESDE AMÉRICA LATINA
Almafuerte. (23-12-05) “El Teatro”, Flores,
Buenos Aires. (Argentina)
Almafuerte lleva una década de trayectoria, y por
ese motivo lanzaron su reciente material discográfico
grabado en vivo en el “Estadio de Obras” de la
Ciudad de Buenos Aires (considerado el templo del
rock argentino, ya que por su escenario pasaron
importantes artistas). La placa lleva el simple nombre
“10 años”.
La banda está liderada por Ricardo Iorio a la voz,
Claudio Marciello a la guitarra, Norberto
Ceriotti al bajo y Bin Valencia a la batería.
Ricardo Iorio es exponente y precursor del metal
argento, quien fundó y lideró bandas tan trascendentes
en la escena nacional como V8 y Hermética. Es
muy común ver en conciertos que vistan remeras de
ambos grupos ya disueltos, que aún permanecen en
el recuerdo de sus fans.
Para despedir este año, Almafuerte convocó a sus
seguidores en “El Teatro” del barrio Flores, Ciudad
de Buenos Aires, ubicado en la Av. Rivadavia al 7800.
Las entradas quedaron totalmente agotadas,
14
encontrándose el local desbordado de la cantidad
de concurrentes.
Abrieron el show cerca de las 22 h, interpretando el
tema “Patria al Hombro”, perteneciente al último disco
en estudio llamado “Ultimando”, el repertorio musical
incluyó también temas de V8 (Muy cansado estoy) y
Hermética (”Olvídalo y volverá por más” y “Tú eres
su seguridad”) ya que Iorio alguna vez dijo: “es que
nosotros hurgamos en la materia anterior también”.
La presentación más próxima e importante será para
el mes de enero en el “Festival Cosquín Rock” que se
realiza en la provincia de Córdoba, junto a bandas
nacionales e internacionales.
Set List:1- Patria al hombro, 2- Muy cansado estoy, 3Todo es en vano, si no hay amor, 4- Homenaje, 5Ruta 76, 6- Con rumbo al abra, 7- El visitante, 8- Yo
traigo la semilla, 9- Olvídalo y volverá por más, 10Del más allá, 11- Triunfo, 12- Convide rutero, 13Almafuerte, 14- Mano brava, 15- Presa fácil, 16- Hoy
es, 17- 1999, 18- A vos amigo, 19- Sirva otra vuelta
pulpero, 20- Tú eres su seguridad. Laura Jordan.
DIS
CO
S
ATLANTIDA. Vive, siente, sueña. Autoedición
Con este “Vive, siente, sueña” se presentan los vallesanos Atlántida. Un debut bastante
bueno, que con temas como “Atlántida”, “Sin Libertad” o “Sin Rumbo”, demuestran la
vertiente más heavy de la banda. También hay una canción como “Oscuro” que deriva más
hacia el hard rock y que, sin duda, es el tema más comercial del CD. Quizás la voz de su
cantante, Miguel, se adapte mejor a esos tonos. Son en total siete cortes que, después de
varias escuchas llegas a la conclusión de que es una muy buena presentación en sociedad
de la banda. El camino lo han abierto y ahora solo falta saber consolidarlo en directo y en
futuras grabaciones. ArcaDIO
GZR. Ohmwork. Mayan
Nuevo álbum de este proyecto del bajista de Black Sabbath, Geezer Butler. Sin duda,
este “Ohmwork” es uno de los trabajos más potentes que me han llegado a las manos
últimamente. Es un disco que, sin llegar a aportar nada nuevo al panorama musical, posee
una fuerza brutal con unos riffs de guitarra, a cargo de Pedro House, que harán mover
la cabeza al más pintado. Completan la formación el cantante Clark Brown y el batería
de Red Hot Chili Peppers, Chad Smith. Y con estos músicos la calidad está asegurada.
Cien por cien, puro metal. Sin un momento de respiro en los diez temas que contiene el
disco. Aconsejable. ArcaDIO
RABIA POSITIVA. Un altre camí. Propaganda Pel Fet
Grata sorpresa la estos catalanes que intentan demostrar con este álbum, que también se
puede hacer buena música cantada en catalán. Temas como “Metxes Enceses”, son una
auténtica pasada por la fuerza que posee. El CD se compone de doce canciones con las que
reivindican que, después de diez años en este mundillo, aún les queda cuerda para rato.
“Un Altre Camí” continua en su línea con un sonido que va desde el hardcore hasta el punk
rock. Seguro que a los seguidores de estos estilos este trabajo no les dejará indiferentes.
En los circuitos alternativos ya tienen un nombre, ahora solo falta que les conozca más gente.
ArcaDIO
AFTER ALL. The Vermin Breed. Dockyard
Pura dinamita para los oídos es lo que nos traen estos belgas llamados After All. Aunque
aquí son unos perfectos desconocidos, llevan funcionando desde el año 1992. “The Vermin
Breed” se compone de nueve temas inspirados en el metal norteamericano y algunos
movimientos thrash de los 80. El vocalista Piet Focroul y los guitarristas Van Damme y
Depree son la columna donde se sustenta el grupo. “Forgotten”, “The Insufferable” o
“Reasonable Doubt” nos inyectan una buena dosis de caña y, pese a no ser un estilo que
personalmente me atraiga mucho, puedo prometer y prometo que este CD no ha pasado
desapercibido para mi instinto musical. ArcaDIO
STRATOVARIUS. Stratovarius. Mayan/Sanctuary
Después de sus múltiples peleas y acusaciones personales, en menos de un año ya tenemos
de vuelta a Stratovarius. Con la única ausencia del bajista Jari Kainulainen, que ha
sido reemplazado por el joven Lauri Porra (Sinergy, Warmen, Kotipelto... ), los nórdicos
sorprenden con un sonido donde no encontramos ni dobles bombos, ni solos a lo Malmsteen
y ni tan siquiera teclados apoteósicos. Pese a todo creo que a Timo Tolkki y los suyos les
ha venido bien el cambio. “Maniac Dance”, el primer corte del álbum deja bien claro por
donde van a ir los tiros a partir de ahora. Música más directa y menos florituras. ArcaDIO
MASACRE. Total Death. Xtreem Music
Masacre es una banda con muchos años ya a sus espaldas, aunque seguro que hay gente
que haya podido pensado lo contrario, y es que provienen de Colombia, y esto, evidentemente,
dificulta llegar a tanta gente como sería deseable aquí en Europa. Pero no hay que dejarse
influenciar. Nueve temas de puro death metal, más un bonus track y un video que siempre
es de agradecer, hace que el trabajo de apenas treinta y seis minutos de duración, sea más
que aconsejable. Como digo death metal de siempre duro, con fuerza, pesado y voz gutural
que se desfigura un poco en ocasiones. En fin, cuatro componentes comprometidos con el
death. Les estamos muy agradecidos. JESÚS GARRIDO
16
S
CO
DIS
SANATORIUM. Celebration Of Exhumation. Forensick Music
Nueve temas más un bonus track nos trae este trabajo de los eslovacos Sanatorium.
“Celebration of Exhumation” es un trabajo duro musicalmente hablando, death metal sin
concesiones, voz gutural sumada a ritmos acelerados y violentos que son acompañados por
una batería rápida, pero a la vez con un sonido particular. Componentes estos, que hacen
de este un trabajo muy apto. Desde luego no es para quienes quieren cosas innovadoras,
es cierto, pero bien mirado, ese mismo sonido a death metal de la vieja escuela es lo que
hace que guste. Y por otro lado, tenemos las letras: brutalidad, sangre, vísceras y demás
temas escabrosos que harán las delicias de los aficionados más radicales. JESÚS GARRIDO
ZUBROWSKA. Family Vault. Xtreem Music
Desde Francia llegan los Zubrowska para presentarnos su nuevo trabajo llamado “Family
Vault” en el que encontramos diez temas que continúan la línea marcada por su anterior
título “One On Six”. En este trabajo encontramos death metal, con ciertos pasajes de aire,
digamos, más sicodélicos, que dan un conjunto con mucha fuerza y cierta originalidad. Pero
sobre todo, lo que más me llama la atención, es la voz chillona, estridente, rasgada y llena
de rabia, con la que nos podemos deleitar en este trabajo, para mí genial. También entre
tanta velocidad y fuerza podemos encontrar algún pasaje mas lento y melódico que en
ocasionas da un pequeño descanso al oído. En definitiva, un trabajo bueno, que hay que
escuchar sin lugar a dudas. JESÚS GARRIDO
SKIZOO. Skizoo. El Diablo / Cactus
Las guitarras de Sôber (Jorge Escobedo y Antonio Bernardini) se unen a la voz de El
Fantástico Hombre Bala (Morti) y la batería de Saratoga (Daniel Pérez). Para el bajo
recurren a un XXL (Daniel Criado), actualmente sustituido por un Stravaganzza (Edu
Fernández). Qué puede salir de esta mezcla? Pues granitos de cada una de sus bandas,
pero con un sonido global distinto y con personalidad propia. De hecho lo que en principio
era solo un proyecto, parece que se consolida como banda estable para largo plazo. Al
menos esa es la intención de Jorge y Antonio que, de momento, dejan aparcada la carrera
de Sôber. Y, sinceramente, parece que Skizoo son una propuesta más interesante que
aquellos. PACO G.
91 SUITE. Times They Change. Vicious Records
Después de cerrar su anterior discográfica, los murcianos 91 Suite parecía que acabarían
en una multinacional. No obstante, la poca libertad que les daban para tomar sus propias
decisiones musicales, les hizo desistir y buscar un sello que les dejara trabajar sin ataduras.
Por fin lo encontraron y aquí tenemos “Times They Change”, más de 50 minutos de hard
rock melódico donde sigue destacando la voz de Jesús Espín. Sin embargo, no esperes una
segunda parte de su disco debut, ya que en este CD encontrarás menos teclados y más
presencia de guitarras que, incluso, suenan más modernas y menos melódicas. De todas
formas la calidad del grupo sigue siendo incuestionable. PACO G.
THE MYSTERY HALL. The Voyager. Through The Void”. Lion Music
El magnífico guitarrista vallesano Tony Baena, ha dejado de lado sus flipes instrumentales
para montar una banda con expectativas de salir por toda Europa. En “The Voyager Through
The Void”, aparte de las excelencias de Tony en la guitarra, encontramos una gran labor
vocal de Rafa Morata, que nos recuerda a cantantes nórdicos que mezclan hard melódico
con progresivo. Si queréis una referencia, yo os remitiría a discos de Mark Boals en solitario,
como “Edge Of The World”. No es que sean idénticos pero, estoy seguro, que si te gusta
uno también te gustará el otro. Al menos, eso es lo que me pasó a mí al escuchar el debut
de esta banda. PACO G.
ANUBIS GATE. A Perfect Forever. Locomotive
En las frías tierras danesas, cinco jóvenes músicos se encargan de calentar el ambiente
musical con su heavy técnico de grandes riffs y momentos melódicos. Bajo la producción de
Jacob Hansen, este “A Perfect Forever” supera claramente a su debut “Purification”, tanto
en composición musical como en calidad sonora. El dúo formado por Kim Olesen y Jesper
M. Jensen siguen llevando las riendas del grupo. Destacar la exquisita portada con la que
han sabido mezclar imágenes del pasado, del presente y del futuro. Una banda desconocida
para el gran público y que nosotros recomendamos que descubráis. PACO G.
17
DIS
CO
S
EL ARTISTA INVITADO. Inútil sin referencias. Demo
Dos años después de su debut, “Seriedad capilar”, Jordi Bernat vuelve al estudio de
grabación para plasmar cinco nuevas canciones. Temas como “Inútil sin referencias”, “Dos
hombres y un despido” o “Tarde y morao” te entran fácilmente a la primera escucha. Y es
que la música de El Artista Invitado está basada en un rock’n’roll clásico y tradicional
de composiciones donde no se complican la vida, pero que son ejecutadas a la perfección.
Como es habitual Jordi se encarga de todos los instrumentos y la voz, excepto las guitarras
solistas que corren a cargo de su buen amigo Toni Benavente. PACO G.
ENTROPIA. Takte Mòrbid. Voliac Records
Después de llevar ya unos cuantos años a sus espaldas, por fin nos presentan aquí su primer
CD oficial. Desde luego, este trabajo no decepcionará en absoluto a los seguidores del metal
más extremo. Personalmente los conocí a través de su “Donants Kadavèriks Nens”, en el que
su concepto musical me encantó: música agresiva para letras también agresivas, mensajes
duros sin mucha floritura, directos, sin rodeos. Y todo ésto, envuelto de una total independencia.
Ahora ya ha pasado algún tiempo y han sufrido cambios en su composición, pero siguen
evolucionando por este mismo sendero. Atención a sus directos, porque son especialmente
impactantes. Desde luego, totalmente recomendados. JESÚS GARRIDO
SYMPHORCE. Godspeed. Metal Blade / Background Noise
Quinto trabajo de la banda del también cantante de Brainstorm, Andy. B. Frank. Es de
agradecer que el proyecto paralelo de un vocalista de estas características no siga la tónica
de su banda principal, caso que no siempre se da. En “Godspeed” se puede apreciar un
metal más contundente; riffs potentes con toques bastante modernos e incluso se pueden
observar efectos electrónicos en algún tema. La forma de cantar de Andy también dista
bastante de la de su otra banda con registros más agresivos y “rapeos” en algunos cortes.
Un buen disco donde se ve reflejada la calidad de este gran frontman. JAIME V.
SALEM. Andares De Victoria. Big Bang Music
Dos trabajos preceden a este “Andares de victoria” de los barceloneses Salem. Una banda
que practica un heavy metal bastante rápido con letras clásicas del estilo. La verdad es que
para ser el primer disco con discográfica el sonido no es todo lo bueno que debería ser.
Ningún miembro en concreto destaca por su gran calidad con su instrumento correspondiente,
siendo evidente la falta de originalidad compositiva en los temas. El redondo consta de trece
temas, dos de ellos bastante cortos e instrumentales a modo de intros. Con lo poblado que
está el estilo que ellos hacen, tendrán que mejorar mucho para poder hacerse un sitio dentro
de la escena. JAIME V.
SCHERZO. Atroz. Autoproducido
Tercer disco de estos cuatro barceloneses amantes de las letras con temática violenta como
cadáveres, sangre, etc. Hacen un estilo a caballo entre el rock urbano y el heavy metal más
rudo. El álbum está grabado en el propio estudio de la banda, lo que hace mella en el sonido
general. ”Atroz” consta de ocho temas que a duras penas superan los tres minutos de
duración. La verdad es que se hace un poco pesado que todas las canciones giren entorno
al mismo tema, aunque supongo que habrá gente a la le gustará. JAIME V.
GIGATRON. Mar De Cuernos (The Platinium Years). Dynamo Records
Alabados por unos y odiados por otros. Pero de lo que no hay duda es que estos valencianos
no dejan indiferente a nadie y por mucho que pese a algunos, son más conocidos que
infinidad de bandas “serias” de nuestro país. En este segunda entrega derrochan cantidad
de letras originales con las que te puedes echar unas buenas risas. Curiosamente, cada
canción tiene el estilo de una banda famosa como por ejemplo Running Wild, Medina
Azahara o Los Suaves. El cd viene con un código para descargar diez temas adicionales.
JAIME V.
18
S
CO
DIS
SARATOGA. Tierra de lobos. Avispa
Octavo redondo y quinto con la formación actual de los madrileños Saratoga. “Tierra de
lobos” es un trabajo más cañero que sus anteriores aunque también podemos encontrar
cortes más tranquilos y la ya clásica balada que vienen incluyendo en cada nuevo álbum.
Leo demuestra que es capaz de transmitir sin necesidad de ejecutar esos agudos tan estridentes
recordándome a cómo cantaba en su anterior banda, Al Borde. Dani sigue tan brutal a
las baquetas, Niko espléndido al bajo y Jero, como siempre, contundente con su guitarra.
Un disco más en su gran carrera, pero que a mi parecer no llega a superar a su tan aclamado
“Agotarás”. JAIME V.
RAIN. Pura sangre. BOA
El segundo álbum de los barceloneses Rain se abre con el tema que da título al disco, “Pura
Sangre”. En la segunda canción nos damos cuenta del gran avance alcanzado por la banda.
Y es que “La Reina de las Nieves” es para mí el más pegadizo y posible single, aunque me
imagino que ellos apostaran por “Unidos por un solo fin”, ya que incluyen una versión más
larga en los bonus-tracks, donde colaboran músicos de otras formaciones y que sirve,
también, para la pista de video-clip que viene de regalo. Raíces de música egipcia encontramos
en “El último Faraón” y adornos de teclados que enriquecen su sonido en muchas canciones,
pero que seguramente faltarán en directo. De todas formas este disco ha superado muchísimo
al primero. PACO G.
AMORPHIS. Eclipse. Nuclear Blast/Mastertrax
El primer aspecto a destacar de este sorprendente “Eclipse”, es la entrada a las voces de
Tomi Joutsen (ex Sinisthra) tras el abandono de Pasi Koshinen. Pese a que, a veces,
parece seguir cantando este último, pero Tomi le da su sello personal y volvemos a escuchar
voces contundentes en un disco de Amorphis. La música también ha recuperado fuerza e
intensidad acercándose por momentos al sonido alcanzado en su aclamado “Elegy”. Sin
duda un reciclaje que agradecerán su fans de toda la vida. Y es que en este “Eclipse”
encontramos como una unión de los mejores momentos que los nórdicos nos han dejado
en discos anteriores. FELIPE ÁLVAREZ.
IN FLAMES. Come Clarity. Nuclear Blast/Mastertrax
Alejados definitivamente del death melódico que les dio a conocer, los suecos se han asentado
en su nuevo estilo, un metal moderno menos experimental que en sus inmediatos predecesores,
pero en el que apenas quedan reminiscencias de sus obras maestras. No es un mal disco y
disfrutarán con el los amantes del metal moderno, pero nos queda la sensación de que
In Flames pueden dar mucho más de sí. Quizás el hecho de haber alcanzado la gloria tan
jóvenes les este afectando en su tareas compositivas y musicales. O quizá solo sea una
i m p r e s i ó n p e r s o n a l . E s c ú c h a l o y d e c i d e t ú m i s m o . F E L I P E Á LVA R E Z .
C/
Ans
el m C l a vé , 1 6 - R i p o l
l et
www.musical-infierno.com
19
CO
NC
IE R
TO
S
STEVE VAI. (8-11-05). Sala Razzmatazz (BCN)
La sala grande de Razzmatazz se llenó para presenciar el
show de Steve Vai y su banda. Nada más comenzar con
“Glorious”, ya pudimos comprobar que el set-list se iba a
centrar en su nuevo disco “Real Illusions”. Sin embargo, no
faltaron los clásicos de discos anteriores como “Pusa Road”
del “Fire Garden”, “Rescue Me or Bury Me” del “Sex &
Religion”, “Melissas Garden” del “The 7th Song” o “The
Audience Is Listening”, “Sister”, “Liberty” y “For The Love Of
God” de la obra maestra “Passion & Warfare”. El guitarrista
norteamericano además de su destreza musical, se movió
por el escenario como un auténtico showman entreteniendo
al público en todo momento. Y es que un concierto instrumental
de casi 3 horas de duración, puede llegar a hacerse muy
pesado. Aunque, evidentemente, éste no fue el caso.
Hubo momentos de lucimiento personal para cada músico,
Dave Weiner (guitarra acústica), Tony McAlpine (teclado
y guitarra), Jeremy Colson (percusión) o el increíble bajista
Billy Sheehan que se marcó un tema de su disco en
solitario. En los bises interpretaron “My Guitar Wants To Kill
Your Mama” de Frank Zappa, con la presencia de 4
guitarristas a la vez, pues se incorporó el telonero Eric
Sardinas e, incluso, Sheehan se intercambió el bajo con
la guitarra de McAlpine. Fue un momento de subidón total.
El sonido había sido perfecto a lo largo de toda la noche,
pero aún faltaba el clímax final con un Vai encima de un
público que le aguantaba con las manos mientras él tocaba,
tumbado boca arriba, las notas de ese auténtico himno
llamado “For The Love Of God”. No pudo elegir mejor
manera de cerrar la velada que mezclado con la gente en
su tema más emblemático. Steve realizó su mejor concierto
de todas sus visitas a Barcelona. ¡Sensacional! PACO G.
En la barcelonesa sala de La Rulot, se celebraba el tercer
Anarko Satanismus Tour. Como siempre, llegamos tarde
y nos perdimos al grupo local Shemhamphorash,
que fueron los encargados de abrir este festival estomacal,
que más abajo os contaremos porque lo llamamos así.
Cuando entramos acababan de comenzar Otargos,
esta banda francesa suele frecuentar las salas de
Barcelona practicando un black metal de corte clásico
y purista, en una onda Darkthrone. Su puesta en
escena incluye cuero, pinchos y maquillajes calavéricos.
El set-list fue intenso y duro, con una versión del conocido
Iron Maiden incluida.
Bueno y ahora comienza la carnicería. Los catalanes
anarkosatánicos Entropia presentaban su último disco
“Takte Mòrbid” y destrozaban nuestros oídos practicando
un grindcore extremo, con voces realmente porcinas y
ritmos de batería a piñón fijo. Concepto musical
entrópicoen un blast beat incansable con riffs de guitarra
y base caóticos. La banda salió a escena con un uniforme
militar de pies a cabeza, pasamontañas que cubrían sus
rostros completamente y mensajes socio-políticos a mitad
del show.
En definitiva, pudimos disfrutar de una noche brutal, con
buen sonido, buen ambiente y que no podía acabar sin
una “Posesión Porcina”. Ingestión de corazones y
estómagos vacunos por parte de los miembros del grupo
y una traca final en forma de lluvia de carne que impactó
en las caras atónitas de las primeras filas. W.D. y
AKOCEDAKOR.
20
FOTO: ENTROPIA
ENTROPIA+OTARGOS+SHEMHAMPHORASH.
(12-11-05). Sala La Rulot (BCN)
HAMMERFALL
STRATOVARIUS
Stratovarius + Hammerfall + Shakra. 16.11.05.
Razzmatazz. (BCN)
El de la otra noche fue un concierto que había creado
bastantes expectativas ya que una de las bandas más grandes
del power metal volvía a los escenarios tras superar graves
problemas internos, acompañados por otra de las bandas
puntales del género. Stratovarius y Hammerfall
compartían cartel presentando sus respectivos nuevos álbumes;
“Stratovarius” y “Chapeter V: Unbent, Unbowed, Unbroken”.
Pero antes pudimos presenciar la corta pero intensa actuación
de los suizos Shakra. Estos cinco chicos practican un hard
rock con aires modernos. La banda pudo disfrutar de casi el
mejor sonido de la noche pero de una afluencia de público
bastante escasa debido a la hora tan temprana a la que
empezaron y a que mucha gente ni sabía que iban a tocar.
Treinta minutos exactos que dejaron bastante fríos a los
presentes.
Tras la espera correspondiente, el telón se abrió y pudimos
divisar un escenario a modo de montañas de nieve y hielo.
Mientras sonaba la intro, empezaron a caer copitos de nieve
simulados por espuma como si de una fiesta infantil se tratara.
Hammerfall pisaron las tablas tocando “Riders Of The
Strorm”, tema emblema de su anterior disco. Iban cargaditos
de metal por todos lados; pinchos, espinilleras de hojalata,
etc. Desde un primer momento observamos que estaban
faltos de garra y fuerza. Aunque el sonido instrumental era
bueno, el de la voz no lo era tanto; estaba demasiado alto
y hacía más evidente aún la baja forma en la que se encontraba
el vocalista Joacim Cans. Continuaron con dos clásicos
más; “Renegade” y “Let The Hammer Fall” donde siguieron
demostrando que no estaban en su mejor noche. No faltaron
los temas del nuevo disco, aunque no tuvieron tanta
aceptación. Ya en los bises desplegaron un martillo gigante
por detrás de la batería con unos cuantos focos para acabar
el concierto con “Heading The Call” y “Hearts On Fire”. En
general fue una actuación que dejó bastante que desear.
Y llegó la hora de las estrellas de la noche. Los recién reunidos
Stratovarius saltaron al escenario descargando “Maniac
Dance”, tema de su último trabajo. Siguieron con “Speed Of
Light” seguida de “Kiss Of Judas” que fue muy bien acogida
por el público. En los primeros minutos de actuación se pudo
observar de nuevo a una banda bien unida pero con la falta
de su bajista de siempre, suplido por Lauri Porra, también
bajista del proyecto en solitario de Timo Kotipelto, vocalista
de la banda. Era evidente que los problemas psicológicos
sufridos por el guitarrista Timo Tolkki habían hecho mella
en su aspecto físico pero no en su gran calidad interpretativa.
El sonido fue muy bueno pudiendo disfrutar de grandes temas
del grupo como “Eagleheart”, “Father Time”, “Hunting High
And Low” o “Destiny”, entre otros. Un servidor ya estaba un
poco asustado pensando que no iba a sonar su tema favorito,
pero se lo guardaron para el final; “Black Diamond” fue el
corte encargado de cerrar la magnífica actuación de los
finlandeses. Durante todo el concierto se pudieron ver imágenes
en directo del mismo a través de dos pantallas situadas en
la parte trasera del escenario. No cabe duda de que fueron
los grandes triunfadores de la noche. Jaime V.
CORREO ELECTRÓNICO
[email protected]
[email protected]
21
TA
EN
TR
EV
IS
Tuatha de Danann
Si hablamos de Brasil la gente tiene la idea de playas, selva, carnaval,
bikinis, fútbol... todas ellas cosas maravillosas por cierto, pero es que
además en los últimos años este país ha visto parir grandes bandas de
metal. Un claro ejemplo son Tuatha de Danann, banda mineira
de folk-metal, de carácter celta y espíritu medieval. El pasado verano
estuvieron tocando por tierras europeas presentando su cuarto y último
trabajo “Trova di Danú”. Queríamos saber más sobre este grupo de
culto y entrevistamos a Bruno Maia, líder y principal compositor de
este diamante, por descubrir, del metal brasileño.
LA OLLA: Repasemos brevemente vuestra discografía.
El primer álbum “Thuata de Danna” es para mí el más
puramente celta, con muchos pasajes acústicos alternando
con otros más heavys, logrando así un ambiente muy
místico.
TUATHA DE DANANN: En verdad, “Tuatha de Dannan” es un EP
que contenía nuestras dos demos. Una de 1998 llamada “Faeryage”
y otros cuatro temas. Las juntamos y hicimos un EP. No sé si lo tengo
como el trabajo más puramente celta, la verdad lo siento más pesado
que los otros, pero sí que tiene ese lado místico. Fue un buen inicio...
L.O.: El siguiente trabajo “Tingarala-tingadum”
representa un claro paso adelante en la carrera de la
banda con temas como “The Dance of Little Ones”,
“Battle Song” o “Celtia”. ¿Este disco os abrió muchas
puertas?
T: Por supuesto. Ese disco nos abrió muchas puertas, y nos colocó en
un lugar muy alto de la escena brasileña. Cuando fue lanzado no
existía un sonido así, era muy diferente la propuesta: un sonido pesado,
con melodías alegres con los pies puestos en los años 60/70 y con el
toque celta. Este disco ya fue prensado muchas veces y estamos muy
orgullosos de él, tanto que tocamos muchos de esos temas en vivo
todavía.
L.O.: En vuestro anterior disco, el mini LP “The Delirum
has Just Began..” es donde las composiciones, producción
y sonido confirmaron al grupo como uno de los más
interesantes del metal brasileño. ¿Por qué sólo grabasteis
seis temas?
T: La verdad la historia fue así: habíamos lanzado “Tingaralatingadum”
y estábamos haciendo muchos shows, apareciendo mucho, y se hablo
de una gira por Europa. Entonces para no perder aquella efervescencia
en torno a la banda grabaríamos un EP. Luego la gira no saldría y
lanzamos “The Delirium..” que es casi un álbum, ya que tiene 37
minutos y muchos temas fantásticos.
L.O.: ¿Qué nos podéis contar de “Trova di Danú”, vuestro
último disco, que acaba de salir?
T.: “Trova di Danú” es sin duda nuestro mejor trabajo. Todo esta más
lapidado, bonito, mágico... es el disco! Tuvimos mucho tiempo y
condiciones para hacerlo y eso es fundamental. Todo en este álbum
es superior a cualquier cosa que hemos hecho antes: composiciones,
interpretaciones, calidad sonora, portada, toda la producción en sí.
Con certeza es el mejor.
L.O.: De donde sacáis la inspiración para escribir esas
mágicas historias que cuentan vuestras letras?
T.: Desde hace mucho tiempo estoy fascinado por la cultura celta, y
22
claro sus leyendas, historias y mitología. Esto acompaña mi vida desde
bien joven. Entonces encuentro que esa vivencia e influencia unida al
modo personal de ver y sentir las cosas desembocan en este estilo, que
para mí es natural, como respirar.
L.O.: Otro punto a favor de la banda es el arte de las
portadas y libretos. ¿Interviene de alguna manera la
banda en el diseño o en el concepto de los mismos?
T.: ¡Muchas gracias! Realmente nuestras portadas y arte de los cd´s
son muy locas .Siempre damos las ideas principales y el artista se
desenvuelve a partir de ellas. Venimos trabajando desde siempre con
la misma persona en las ilustraciones, es muy bueno.
L.O.: Este último verano habéis hecho una pequeña gira
por Europa, incluyendo una actuación en el mítico Wacken
Open Air. ¿Cómo describiríais la experiencia?
T.: Fue muy loco, como un sueño. Hacía mucho que esperábamos esto.
Nuestra primera incursión en tierras celtas (la gira empezó en la Bretaña),
giramos por toda Francia y caímos en Alemania. ¡La respuesta del
público fue animal, perfecta! Y además el Wacken, sin palabras. Es el
mayor festival del mundo, pero la próxima vez queremos pasar por
países como España, Italia, Austria, Suecia y otros más.
L.O.: ¿Cómo es un concierto de Tuatha? ¿Incluís también
las mandolinas, violines, flautas que suenan en vuestros
álbumes?
T.: Sí, el show es completo. Los violines no siempre, pues no son una
constante en nuestra música. Pero la flauta que es uno de los principales
instrumentos de la banda, mandolinas y todo el resto sí... ¡Nuestro
show es muy energético!
L.O.: ¿Cuándo podremos veros por aquí nuevamente?
T.: No soportamos más la espera. Estamos ya viendo la posibilidad de
volver en el 2006 para una gira más grande, en más países. Ojalá
todo resulte bien.
L.O.: ¿Cómo se vive el rock duro en San Pablo y en Brasil
en general? ¿Se editan publicaciones especializadas,
hay programas de radio, locales de música heavy...?
Contadnos un poco cómo véis la escena.
T.: Aquí en Brasil, como en cualquier lugar del mundo, no es fácil vivir
de la música, menos aun del metal/rock. Pero nuestra escena aquí es
muy fuerte con grandes revistas especializadas, muchos zines y web
zines, programas de radio y muchos shows.
L.O.: ¿Qué opinión os merecen vuestros compatriotas
Sepultura, Angra o Shaman?
T.: Las mejores posibles. Aunque las dos primeras las prefiero con la
formación original. Son grandes bandas y merecen el suceso que tienen.
Pero no piensen que la escena de aquí se limita a esas bandas.
L.O.: Mucha suerte con “Trova di Danú” y el final es
v u e s t r o p a r a q u e ex p r e s e n l o q u e s i e n t a n .
T.: Nos gustaría agradecerles por el apoyo a la banda. ¡Gracias!
Esperamos poder pasar por España y poder tocar nuestra música para
vosotros. Espero que algún sello de ahí se interese en editarnos y así
todos vosotros os dejaréis encantar por la magia de Tuatha de
Danann. www.tuathadedanann.com.br
Víctor Muiño
EL JARDINERO FIEL
Basada en una novela original
de John Le Carré
Director: Fernando Meirelles
Actores: Ralph Fiennes, Rachel Weisz.
Año: 2005
El productor de la película leyó una copia de la
preimpresión de la novela de Le Carré y lo primero
que hizo fue coger el teléfono para contactar con
el abogado del escritor y comprarle los derechos
de la obra para llevarla al cine.
Para adaptarla, buscaron a un director cuya mirada
pudiese mostrar no la Kenia turística sino una
situación más cercana a la realidad cotidiana de
sus habitantes y sus problemas: el VIH y la escasez
de pruebas para detectar el virus, los problemas de
potabilidad en el agua y muchas otras lacras comunes
al país y a casi todo el continente. Para conseguir
esta mirada, seleccionaron a Fernando Meirelles,
el director de Ciudad de Dios, una mirada hacia
las fabelas.
Le Carré pone a un diplomático británico con su
joven y socialmente concienciada esposa en Nairobi.
Tess, la esposa, empezará a investigar unas pruebas
clínicas que una empresa farmacéutica realiza
clandestinamente en el país. Ella empieza a descubrir
implicaciones y es asesinada. El personaje de Ralph
Fiennes, el esposo, decide empezar a investigar
aquella historia que ella nunca quiso contarle.
En un momento de la película un representante de
la farmacéutica dice: "hay vidas menos prescindibles
que otras", en referencia al hecho de no realizar las
pruebas en, pongamos, el Reino Unido, y no en un
país africano, como Kenia.
La trama pone el dedo en la llaga acerca de un
problema real y desgraciadamente no extraño como
son los experimentos de medicamentos en
poblaciones pobres por parte de los grandes
conglomerados farmacéuticos mundiales. Según El
libro negro de las marcas, de Klaus Werner y Hans
Weiss, Bayer (aspirina), Pzifer (Viagra) o Glaxo
SmithKline (Ventolín) entre las más conocidas son
acusados de ensayos clínicos no éticos.
Cine realizado para remover conciencias. Una
mirada próxima a aquellos que sufren. Recomendable
para todos aquellos que quieran mirar a través de
esas escasas ventanas a las entrañas del sistema.
El pequeño saltamontes
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Teléfono
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23
LLE
T
IP O
’N’R
CK
RO
Con edades comprendidas entre los 16 y los 19 años, Marsfool se crea, a finales
de 1991, después de conocerse musicalmente en el Casal de Joves Altimira de
Cerdanyola. En ese momento son Jordi Boscà (voz), Josep Mª Pont (guitarra),
Jordi Pont (bajo) y Joe Serlavós (batería) de Ripollet, además de Axel
Casamiquela (guitarra) de
Cerdanyola. Más tarde se
incorpora el teclista Eduard
Farrés. Con esta formación se
mantienen unidos todos estos
años con la única excepción del
batería, pues Joe se marchó a
Topsy Turvy y, desde entonces,
pasaron distintos sustitutos
(incluido Anthony J. Andrades, un inglés que había tocado
en los The Specialists de Liverpool). Finalmente Quico
Salgado se ha quedado con esa
vacante.
En 1995 entran en los estudios
Quadrophenia para grabar su
primera maqueta que les servirá
para darse a conocer por toda
la comarca y presentarse al
concurso de la sala Birdland de Sabadell, donde consiguen el segundo premio y
la posterior grabación en los estudios BeatABeat de “The Rain”, la segunda maqueta.
Después de experimentar más a fondo el mundo de los concursos, siendo finalistas
en el Ciutat de L´Hospitalet o el Imaginarock de Cadena 100, la discográfica PDR
Records se fija en ellos y les edita el primer disco oficial, “Polluted” (2001). No
obstante, la grabación, que
supone un avance a nivel
discográfico, parece ser un
retroceso en cuanto a conciertos,
pues se frena la racha de
actuaciones que habían tenido
con anterioridad en el BAM (Moll
de la Fusta), S.O.S. Racisme o las
fiestas de la Universitat
Autónoma. Por el contrario, se
da paso a conciertos más
intimistas como la presentación
en el Teatre Auditori de Ripollet
o el inolvidable show en la sala
El Último Tren (Cerdanyola),
donde regalaron una demo
especial de 4 temas.
Tras la poco positiva experiencia
de la discográfica, Marsfool
decide autoproducirse el siguiente CD. Para ello cuentan con la ventaja del estudio
propio de Eduard y la ayuda de Richard Kallas para editar “Marsfool” (2005),
once temas en inglés (ha sido la constante desde sus inicios ) y un bonus track
sorpresa que aparece sin previo aviso y que está grabado en directo.
El objetivo de la banda actualmente se centra en hacer música y que la gente la
escuche, de hecho el disco se puede bajar a través de su página web
(www.marsfool.com).
Marsfool comenzaron haciendo música en el Casal Altimira, se fueron perfeccionando
en el garaje de Axel y continúan consolidándose en los bucs d’assaig municipales
de Ripollet. Son pasado, presente y futuro del movimiento musical local. PACO G.
MARSFOOL