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FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE GIJÓN JUEVES 19 DE NOVIEMBRE DE 2009 Nº. 1 Página { 2 } / 47FICXixón Inauguración Los Nombres Juanma Castaño & Raquel Sánchez-Silva Evan Dando y Chris Brokaw Evan Dando es algo más que una estrella del grunge, frontman de los Lemonheads y terror de las nenas (hoy treintañeras) de los 90. Y así lo demuestra el buen puñado de canciones memorables que se han ganado un puesto de honor en nuestros corazones (y también en los de los directivos de la General Motors, que han fusilado su It´s a shame about Ray para uno de sus anuncios). Esta vez en un formato más íntimo, que saca a la luz una vertiente algo más melancólica de nuestro (anti)héroe, aúna fuerzas con Chris Brokaw, quien fuera miembro de grupos como Codeine, The New Year y, fundamentalmente, de los intensos Come. El talento a la guitarra de Brokaw acompañará un repertorio que propinará dosis de Dando para todos los gustos: desde las míticas canciones de los Lemonheads primigenios, pasando por sus incursiones en solitario, hasta llegar a los Lemonheads reflotados en cuyo último disco, Varshons, reinterpreta temas de Leonard Cohen, Gram Parsons, Townes Van Zandt, Wire y de (oír para creer) Christina Aguilera. Juan Manuel Castaño Menéndez, más conocido como Juanma Castaño, será uno de los encargados de conducir la gala inaugural de la edición 47 de FICXixón. El gijonés ha alcanzado en los últimos años una formidable popularidad, unida a un merecido prestigio, como periodista en el mundo del deporte. Sus comienzos tuvieron lugar en la cadena SER, donde estuvo ligado a varios programas y se convirtió en la voz habitual en las retransmisiones de los partidos del Real Sporting de Gijón. Actualmente, y tras muchos años de trabajo, es el subdirector del ya clásico Carrusel Deportivo, y una de las voces habituales de El larguero. En cuanto a su labor televisiva, desarrollada dentro de la cadena Cuatro, comienza con su participación en el programa futbolístico Maracaná, y concluye, por el momento, como presentador de la sección de Deportes de Noticias Cuatro, a la que tanto él como sus compañeros Nico Abad y Manu Carreño han conseguido dotar de un estilo particularmente ameno y desenfadado. Junto al mencionado Carreño ha escrito el libro Podemos, dedicado al triunfo de la Selección Española de Fútbol en la pasada Eurocopa de 2008, evento que fue vivido por Castaño a pie de campo. Su más reciente proyecto en Cuatro es la resurrección del mítico programa El día después, que co-presenta a día de hoy junto a Santi Cañizares. La otra presencia encargada de poner en marcha la avalancha de cine en Gijón será la igualmente popular presentadora extremeña Raquel Sánchez-Silva, otro de los rostros más reconocibles y admirados de la cadena Cuatro, cuya presencia en un proyecto suele ser sinónimo de éxito. Después de desempeñar labores como reportera deportiva en TVE, la cacereña se estableció temporalmente en Canal + a mediados de la presente década, y allí presentó La hora Wiki, así como el programa Magacine, dedicado a la actualidad cinematográfica. También fue la enviada especial al pie de la alfombra roja durante varias ediciones de La noche de los Oscars. En 2005 da el salto a Cuatro para hacerse cargo del magacín Noche Cuatro y, posteriormente, del programa Supernanny. Durante los años siguientes, Raquel ha sido la encargada de conducir diversos espacios en la cadena, como Superhuman, Oído cocina, S.O.S. Adolescentes, Visto y oído o Ajuste de cuentas. Además, ha viajado a Estados Unidos para grabar varios especiales dedicados a algunas de las series recientes de mayor repercusión internacional, como House, Anatomía de Grey, Cinco hermanos o LOST (Perdidos). Actualmente conduce en Cuatro, entre otros, el programa Pekín Express, ganador del premio TP de Oro al mejor reality show en 2008. ÁNGELA MOLINA Sus más de tres décadas rodando a las órdenes de directores como Luis Buñuel, Luigi Comencini, José Luis Borau, Marco Bellocchio, Manuel Gutiérrez Aragón, Jaime Camino, Bigas Luna, Pedro Almodóvar, Ridley Scott, los hermanos Taviani o Lina Wertmüller, avalan una de las trayectorias cinematográficas más solidas y privilegiadas del cine español. Hija del actor y cantante Antonio Molina, Ángela nace en Madrid en 1955 y tras estudiar ballet clásico, danza española y arte dramático, su primer papel en el cine llega en 1974 con la película de César Ardavín No matarás. Son los años de la Transición y el cine español se “destapa” tanto si el guión lo exige como si no. Ángela Molina margina su carrera de esta coyuntura carnosa para vincularse a proyectos donde la calidad va unida a un claro contenido social y político. Así, rechaza a Vicente Aranda para Cambio de sexo (1976) y acepta, en cambio La Ciutat cremada (Antoni Ribas, 1976)), Las largas vacaciones del 36 ( Jaime Camino, 1976), Camada negra (Manuel Gutiérrez Aragón, 1977), Los restos del naufragio (Ricardo Franco, 1978), La Sabina ( José Luis Borau, 1979) ... En 1977 Luis Buñuel firma su testamento cinematográfico. Se titula Ese oscuro objeto de deseo y la última genialidad del maestro requiere dos actrices relevándose en la encarnación de la protagonista femenina. Carole Bouquet es una, la otra es una elección personal de Buñuel, una apuesta encaprichada, un acierto absoluto: Ángela Molina porque en palabras del director “posee el rostro de una virgen pagana”. Tras Ese oscuro objeto del deseo (nominada al Oscar a la Mejor Película Extranjera) Ángela salta al cine internacional para rodar con Luigi Comencini (El gran atasco, 1978), Elio Petri (La buone notizie, 1979), Marco Bellocchio (Gli occhi, la bocca, 1982), Lina Wertmüller (Camorra: contacto en Nápoles, 1986), Alain Tanner (El hombre que perdió su sombra, 1991), Ridley Scott (1492: La conquista del paraíso, 1992), Alejandro Agresti (El viento se llevó lo que, 1998), Giuseppe Tornatore (La desconocida, 2006) o con Paolo y Vittorio Taviani (El destino de Nunik, 2007) 1977 es también el año en que inicia su relación profesional con Manuel Gutiérrez Aragón, el año de Camada negra, primera de las cuatro películas que rodaron juntos. Seguirían El corazón del bosque (1979), Demonios en el jardín (1982) y La mitad del cielo en 1986 y con la que obtendría la Concha de Plata a la Mejor Actriz en el Festival de San Sebastián. Con este corpus fílmico, fundamental en la historia del cine español, Ángela Molina se convierte no solo en el rostro por excelencia de nuestras pantallas sino también en la preferida por la crítica. Sobre ellas afirma la actriz: “Esas películas marcaron mi alma y mi forma de trabajar”. El reconocimiento y los premios llegan también desde Nueva York e Italia: los críticos neoyorkinos le conceden su Gran Premio en 1985 y en 1986 se convierte en la primera actriz extranjera en recibir el David de Donatello, otorgado por la Academia Italiana de Cine. Es en esta época donde Ángela hace caso por fin a su herencia musical: graba un disco (Con las defensas rotas), forma dúo con Georges Moustaki en la canción Muertos de amor y canta y baila -bordándolo- en las dos entregas de Las cosas del querer ( Jaime Chávarri, 1989 / 1995). En 1997 Pedro Almodóvar consigue por fin que Ángela Molina le de el sí quiero para Carne Trémula y de nuevo para interpretar a la madre de Penélope Cruz en Los abrazos rotos (2009). El teatro ha sido y es otra de sus pasiones interpretativas y así, en 2002, debuta en el Festival de Teatro Clásico de Mérida con Troya, siglo XXI; en 2005 se mete en la piel de la mítica Mrs Robinson para el montaje de El graduado (dirección de Andrés Lima) y en 2008 pone en escena La dama del mar, la adaptación que Susan Sontag realizó sobre el clásico de Henrik Ibsen. Sus últimos trabajos incluyen, además de Los abrazos rotos, Diario de una ninfómana (adaptación cinematográfica del escándalo literario europeo de la década), Baaria (Giuseppe Tornatore) y Barbarossa de Renzo Martinelli. 47FICXixón / Página { 3 } Inauguración La película Soul Kitchen Película completamente alemana, Soul kitchen es una historia sobre migración en Hamburgo que no se encuentra a caballo entre Estambul y Hamburgo, como en Contra la pared o Al otro lado, sino que se concentra exclusivamente en Alemania. El director alemán de origen turco, de 35 años, ha vuelto a rodar con su elenco favorito: Adam Bousdoukos, que ya participó en varias películas de Akin con papeles secundarios y que es también coguionista del filme. Además, Bousdoukos es, en la vida real, dueño de una taberna de comida griega en el barrio hamburgués de Ottensen, y encarna en la película su propio papel. De ascendencia griega, tiene 34 años, es amigo de Akin, crecieron en el mismo barrio y fueron juntos a la escuela. Junto a él, Moritz Bleibtreu y Birol Ünel (el desquiciado protagonista de Contra la pared, entre otros. Soul Kitchen es una desternillante comedia basada en la vida de Zinos, un joven propietario de un restaurante popular en el que la calidad de la cocina brilla por su ausencia, y que no tiene buena suerte en la vida. Su novia, Nadine, se ha mudado a Shanghai, los clientes de su Soul Kitchen están boicoteando a su nuevo chef y encima está padeciendo problemas de espalda. Las cosas empiezan a ir mejor cuando la gente de moda acepta su renovado concepto culinario, aunque esto no consigue solucionar sus problemas amorosos. Zino decide ir a China a buscar a Nadine y deja a cargo del restaurante a su hermano Illias, un ex convicto poco de fiar. Una camarera que en realidad es una artista, un cocinero loco y brillante y un ex compañero de colegio convertido en un tiburón inmobiliario. El resultado de estas decisiones será desastroso: Illias pierde el restaurante al apostarlo con un sucio agente inmobiliario y Nadine ya ha encontrado un nuevo amor. Sin embargo, puede que los hermanos Zinos e Illias aun tengan una última oportunidad para recuperar el Soul Kitchen si consiguen dejar de discutir y empezar a trabajar como un equipo. Soul Kitchen recoge el testigo de películas como Deliciosa Martha (2001) o Kebab connection (2004), y se lanza al mundo de la gastronomía con una historia muy bien contada y con momentos brillantes. Un guión redondo en una estructura convencional Con un guión muy bien construido y una estructura bastante convencional, Akin demuestra que sabe hacer mucho más que duros dramas y saca adelante una comedia sin grandes sorpresas pero con una factura impecable. “Es el guión más difícil que he hecho en mi vida”, reconoció el director de historias tan tremendas como Contra la pared, ganadora del Oso de Oro en Berlín en 2004. En su opinión, es mucho más difícil hacer una comedia que un drama y lo más complicado en su caso fue poner toda la estructura en orden, para lo que tuvo que trabajar durante muchos meses, incluidas muchas noches en vela. “En mis películas anteriores no he utilizado los convencionalismos cinematográficos y en ésta sí”, dijo el realizador, que agregó que es “más difícil respetar las convenciones que saltárselas”. Aparte del guión, el mayor acierto del filme es, sin duda, el reparto, con unos actores que cumplen su cometido a la perfección y sin caer en excesos ni histrionismos. Akin ha manifestado que tenía a los dos protagonistas, los hermanos Kazantsakis-Bousdoukos y Moritz Bleibtreu- en la cabeza mientras escribía la historia, así como a Anna Bederke, una joven estudiante de cinematografía, sin ninguna experiencia como actriz y que da el tono perfecto de camarera artista que buscaba el realizador. “Es una declaración de amor a Hamburgo, y por eso le dediqué el premio de Venecia a la ciudad y a Monica Bleibtreu, que murió después de actuar en la película”. La carrera de Moritz Bleibtreu después de Corre, Lola, corre, ha sido como la de su compañera de reparto en la película, Franka Potente, una mezcla de títulos taquilleros con un puñado de papeles más interesantes. En el caso de Moritz, se le ha podido ver en Munich, The Walker o, más recientemente, en Speed Racer. Se ha sumado al equipo de Fatih Akin para la que es su tercera colaboración con el director alemán. Birol Unel, que también actuaba en Contra la pared, tiene un papel en este nuevo título. Y es que Soul Kittchen es una historia que le estuvo rondando a Akin en la cabeza durante cierto tiempo pero que no se atrevía a poner en marcha porque, como señaló, era un poco “esclavo” de su propio éxito y creía que debía hacer “algo serio”. Cuando murió su productor, comprendió que “reír forma parte de la vida y del cine”, se liberó y decidió hacer lo que le apetecía, que era una comedia. “Como director, quiero experimentar y no repetirme”, aseveró. Y desde luego lo ha logrado con este filme que ha sorprendido en Venecia y en el que la música es casi un personaje más de la historia, con una banda sonora muy cuidada que incluye música instrumental soul de los 70 y composiciones de Quincy Jones o Kool & The Gang. Además de Louis Armstrong y dos versiones diferentes de la tonadilla popular La paloma, canción que aparece y desaparece a lo largo del filme. Cambio de registro sin mordacidad Akin se había distinguido hasta ahora por sus densas tragedias, habitadas por familias turcas en Alemania cuyos atormentados hijos no acaban de encontrar su lugar en el mundo, un universo que encontró la mejor expresividad en Contra la pared. En Soul Kitchen el siempre intenso y dramático Akin se ha propuesto cambiar de registro y hacer una comedia. Akin logra hacerte sonreír y reír en bastantes momentos, aunque el guión no se distinga por la sutileza ni la mordacidad. los personajes tienen cierto encanto y los buenos sentimientos no resultan cargantes. Fatih Akin le ha dado un giro a su carrera con esta película que ha despertado el interés de prensa y público. El director alemán aprovecha esta historia para volver a dar una nueva visión de la actual sociedad de su país. “¿Por qué será que el humor está casi mal visto, no sólo en Alemania?” No importa, la película se ha ganado el favor de la mayoría. Hoy, a las 20.30 horas, Laboral y a las 17.00 en Cines Centro Sala 5. Repite mañana a las 22.15 horas en Cines Centro Sala 5, con Encuentro con el Director. Página { 4 } / 47FICXixón CICLOS Alexei Balabanov Fatih Akin En colaboración con: Institut Valenciá de Cinematografía Ricardo Muñoz Suay, Centro Galego de artes da Imaxe, Filmoteca Regional de Cantabria Corto y con filo Alemania, 1998, 100 min. Cargo 200 Rusia, 2007, 89 min. El estreno ruso de Cargo 200 provocó un inmediato furor nacional. Esta despiadada película de Alexei Balabanov, su décimo primer film, gira en torno al capitán Zhurov (Alexei Poluyan), un oficial de policía en la Rusia soviética de 1984 que usa su posición de autoridad para, básicamente, institucionalizar la violación, el maltrato de prisioneros, las mutilaciones, la ejecución. Cargo 200 era un término militar que se refería al transporte de los cuerpos de los soldados muertos en Afganistán, lo cual resume a la perfección el tono de la película: relato estremecedor, pero también sorprendentemente elegante. En una escena tremenda, y que justifica el título, el capitán Zhurov arroja el cadáver de un soldado (llegado de Afganistán en un cargo 200) sobre la cama a la que está encadenada su antigua novia, que el propio Zhurov mantiene secuestrada en su casa, mientras lee las cartas de amor del joven muerto. Balabanov es buen conocedor de la zona en la que está ambientada la película y donde sucedieron realmente los hechos que se cuentan. Vivió en primera persona el contexto en el que se desarrolla, sirvió en el ejército entre 1981 y 1983, y en esa época, recuerda, los ataúdes provenientes de Afganistán desaparecían constantemente sin que nadie supiera adónde iban a parar. Tampoco es casual el año 1984 como marco del relato: fue el último del presidente Chernenko, anterior a Gorbachov, con quien empezaron cambios que harían desaparecer poco a poco las viejas estructuras de la Unión Soviética. Cargo 200 puede leerse como una terrible metáfora sobre la muerte del totalitarismo, ambientada en el momento en el que rozaba su ápice. Decadencia y desolación La mayor parte de la historia se sitúa en la ciudad industrial de Leninsk, un pozo negro de decadencia y putrefacción. Edificios inmundos, a punto de desmoronarse resquebrajados, de tejados hundidos, llenos de goteras y cubiertos de capas de pintura pelada. Perfecto reflejo de la abyección del despiadado protagonista y del ambiente en el que se mueve. Pero los hechos escalofriantes que relata Balabanov no resultan intolerables por obscenos. La cámara no exhibe, no estiliza lo cruento, desplazándose innecesariamente como un fisgón lascivo, y nunca se demora en ello más de lo necesario. Hoy, a las 20 horas en la sala 4 de los Cines Centro. Repite mañana a las 22:30 h en la sala 6 de los Yelmo. Por Elena Duque Viña En los tiempos que corren, donde la impostura y la falsedad están a la orden del día, se echan en falta las películas auténticas. Esta autenticidad no se refiere al realismo de los decorados, o a las actuaciones de Oscar, sino a la que mana por sí misma de las historias que tienen algo que ver con quienes las dirigen. Porque, no nos engañemos, incluso los cineastas más grandes de la historia pueden pasarse 40 años rodando películas para poder explicar uno o dos temas, a lo sumo. Somos quienes somos, y ninguna película puede tener alma si no nace de una obsesión o de una identidad real. Tres tristes tigres Es por eso que Corto y con filo vale la pena, y por lo que la labor de Fatih Akin es encomiable. Aunque ésta es su ópera prima, rodada con crudeza y trazo nervioso (también frescura), ya se ve en ella a un director que se conoce y se autoafirma con fuerza, creando sus propios moldes. Uno se puede imaginar a un Akin joven un poco como a los protagonistas de la película: vagando por las calles de Hamburgo- Altona, con sus compinches de toda la vida, y con los problemas y vicisitudes que se puede encontrar cualquiera que haya crecido en un barrio de inmigrantes, con la marginación y la mezcla cultural que esto conlleva. Efectivamente, la película va de tres amigos. Gabriel, de origen turco, acaba de salir de la cárcel y no quiere saber nada de las chapuzas al margen de la ley a las que se dedicaba, pues está decidido a encargarse del taxi de su hermano. Pero cuando se reencuentra con Costa (ascendencia griega) y con Bobby (familia Serbia), la cosa se le pone difícil. Costa es un ladronzuelo de poca monta asociado con Bobby, que le vende la mercancía. Pero cuando Gabriel le echa el ojo a la novia de Bobby, y Bobby empieza a hacer oposiciones para mafioso, parece imposible salvar la situación sin mancharse las manos de sangre. Porque los amigos son los amigos, y eso es algo que todos llevan grabado a fuego. Sin embargo, la intención de Akin no es expresar las carencias de un colectivo, ni hacer cine social (ése es el prejuicio que despierta la temática), sobre todo si esta cualidad de “social” implica tratar el asunto del que se habla como un mero objeto de estudio al que se investiga como si fuese un insecto raro. Ante todo, Corto y con filo es una película sobre la amistad, y Akin se limita a hablar de su entorno con la naturalidad de quien ha convivido con él toda la vida. A pesar de la brusquedad de la trama y la violencia de los acontecimientos, donde reside el valor de Corto y con filo es en los momentos más triviales. Pasear por la noche, o quedarse dormidos viendo una cinta de vídeo es algo que, bien reflejado en la pantalla, puede tener significado a muchos niveles. No es fácil de conseguir, pero de alguna manera termina reflejándose en la pantalla cuando quien filma se está dejando la piel en ello. Hoy a las 19.45. Cines Centro Sala 5. Repite mañana a las 17 horas en Cines Centro Sala 5, y el sábado a las 20 horas en Yelmo 6. 47FICXixón / Página { 5 } CICLOS Harmony Korine Enfants Terribles Organizado por: En colaboración con: Fundación Municipal de Cultura, Educación y Universidad Popular, Valnalón, Conseyu de la Mocedá del Principáu D’asturies,Conseyu de Mocedá de Xixón. Mr. Lonely Reino Unido, Francia, Irlanda, Estados Unidos, 2007, 112 min. Por Elena Duque Viña Harmony Korine ye un cineasta de la emoción. Habrá quien eche les manes a la cabeza ente esta afirmación camentando en Gummo, pero ye asina porque trabaya con estaos d’ánimu y afalantes imáxenes en cuenta de con argumentos y trames. Al ver Mr. Lonely pue pensase qu’esta ye una versión domesticada de Korine, porque nos ufierta, por primer vegada, una historia a la que se garrar y secuencies que nun tán plagaes de repunantes estampes. Pero rescuriando un poco la superficie, pue vese que’l Korine que conocemos sigue intactu pesie los años d’ostracismu. Mr Lonely cuenta la historia d’un impersonator de Michael Jackson (Diego Luna), que coincide nun casting con una imitadora de Marilyn Monroe (Samantha Morton) que lu invita a dir con ella al so abellugu, una islla na qu’hai una especie de comuña d’imitadores. Ellí viven Charles Chaplin, Shirley Temple, el Papa, la Reina d’Inglaterra, Sammy Davis Jr, Buckweath, Abraham Lincoln, Madonna y Capiellina Colorada. Un plan perfeutu Pa crear el personaxe de Diego Luna, inspiróse nun casu que vivió en París. Korine tenía una pistola de petardos, que disparó xusto al llau d’un imitador de Jacko que baillaba na cai, y que al oyir el ruidu tiróse al suelu pa protexese. Korine fue a ayudalu, y terminó faciéndose amigu del home, de nacionalidá alemana, que-y esplicó que tenía una prótesis pola pierna que perdió en Vietnam, y que nel momentu del tiru tuvo un flashback de la guerra. Asina nació la so curiosidá polos falsos Michael Jackson, y el proyeuto de película. C’est pas moi, je le jure! Otra anécdota fizolu dar col nome del film: tando Korine nun restaurante, un home empapizóse con un pepiniyu, y tuvieron qu’ayudalu cola maniobra de Heimlich. Mientres, sonaba de fondo Mr. Lonely de Bobby Vinton. Como Lynch en Blue Velvet, descubrió’l potencial alegóricu que pue llegar a tener esti cantante de la perfeuta (n’apariencia) y feliz (a la fuercia) América de los 50. Namás falta meter na coctelera dalgunes imáxenes que-y andaben rondando pela cabeza dende diba tiempu. Porque ser cineasta ye un poco como tener un xeniu de la llámpara al que se-y pue pidir cualesquier cosa, da igual si ye ver a Sammy Davis Jr llavando calcetos, o facer saltar a unes monxes d’un helicópteru conducíu por Werner Herzog. Por Elena Duque Viña Pero p’allá de anécdotes, Mr Lonely ye una película que fala de la trescendencia, de ser diferente a los demás y de ser un soñador pal que la realidá nun ye abondo. Por eso los sos protagonistes tienen de crear un mundu a midida col glamour y el carisma de les estrelles, un llugar especial onde tol mundu ye famosu. Porque pesie la mayor accesibilidá de Mr Lonely, Korine sigue dirixiendo films que son como noveles a les que-yos falten páxines. Ye xera de cada espeutador rellenales como-yos pete. Güei, a les 19.45 hores nos Cines Centro Sala 2. Repite mañana a les 20 hores en Yelmo 7 y el Llunes 23 a les 17 hores en Cines Centro Sala 3. Philippe Falardeau, Canadá, 2008, 108 min. Ye d’agradecer una película-con-neñu que nun se dedica a ser una mirada señardosa de la neñez del direutor. Pela cueta, C’es pa moi, je le jure! (basada nel llibru de Bruno Hébert) ye una película que retrata a Léon, de 10 años, como lo fadría con cualquier persona somorguiada nun momentu de truena emocional. Ye dicir, como dalguién normal y non como esos espantayos hipersensibles que nun s’enteren de nada, que ye lo que nos quieren facer creyer que son los neños. Y, amás, failo al traviés d’una historia adobada con una tapa d’animalaes desconamadamente cómiques productu de la calentuza imaxinación del so protagonista. Tampoco esto ye una semeya de pequeños delincuentes, nin de mozos espabilaos que busquen la vida. A la familia de León va-y bien y vive en 1968 nuna urbanización de clase media nel Canadá francés. Tien una bici y unos prismáticos y sabe tocar el pianu. El pá ye políticu y la ma ye un ama de casa hippy, d’eses qu’entamen les mermuraciones de les llinguateres llocales. La so familia nun ye “normal” pa los cafiantes de los vecinos. Lo qu’apolmona a Jerome, l’hermanu mayor, León vívelo con naturalidá: tener un ma folixera, que-yos enseña coses como que “ye malo dicir mentires, pero peor ye diciles mal”. Patrocinado por: A tiempos desesperaos, midíes desesperaes Léon nun ye nengún santu. Pero, según va habiendo más tensión en casa, les sos sanxuanaes van faciendose cada vegada más esparataes. Cola la prudencia por montera, toma la vida col cuayu d’a quien nun-y importa un res que les coses que fai (incluyíos los sos “suicidios accidentales”) tengan dalguna consecuencia. Y, cuando a la fin la ma cola de casa pa refacer la vida en Grecia, lo que yeren rapazaes que facíen sorrir, tórnense tochaes dafechu que faen llorar ente los bastigazos de la carcaxada. Porque ye un criminal con estilu: magar que mexe n’abrigos de piel, afuraque cristales o prenda fueos, failo siempres como quien llava la boca. Y cuando topa con un alma ximielga que lu ayuda a redimise, la so vecina Léa, les idees de bomberu que lu carautericen yá nun tienen llende. Con too y con eso, Philippe Falardeau nun dexa aparte la poesía, como la que fai colos blancos y azules de la Grecia pa la que coló la ma (a la que, por cierto, nun quier demonizar), o cola naturaleza y la lluz de les viesques y los maizales canadienses. Tien l’habilidá d’añadir una cuyarada de zucre a los momentos más amargos, lo xusto pa nun repunar, y de falar de momentos dolorosos faciendo rir, y muncho. Y, sobre too, fai que queramos a Léon ensin xustificalu. Porque, como diz nun momentu el pá, “normal” nun esiste. Güei a les 22.15 hores nos Cines Centro Sala 1. Repite mañana a las 12.30 hores en Cines Centro Sala 3 y Martes 24, a les 9.30 hores na Llaboral. Página { 6 } / 47FICXixón CICLOS Post Burlensque la nueva farsa en el cine europeo Dark Horse Dagur Kári, Dinamarca/Islandia, 2005, 109 min. Segunda película de Dagur Kári, director de la exitosa Noah el Albino. Comedia amarga ésta sobre jóvenes que pasan la vida haciendo lo mínimo posible por comprometerse. Daniel se gana cuatro duros pintando por encargo declaraciones de amor por las paredes de Copenhague. Franc es una encantadora y lisérgica dependienta de confitería. Cuando el gordo Roger, pre-árbitro de fútbol, se la descubre a Daniel, un hermoso mozo, éste no tarda en birlársela y enamorarse de ella. Los dos se entienden casi sin hablarse, utilizan la misma frecuencia, se ríen entre tímidos y satisfechos por lo mucho que se gustan y por lo mucho que se van a gozar. Las preocupaciones que rigen la existencia de la mayoría de las personas no parecen ir con ellos. Dejándose llevar, sus días transcurren por un limbo del que no esperan salir. Pero la vida se les acaba colando por donde menos se lo esperan. Complicaciones. Pánico. Huidas. Miedo a hacerse mayor, a envejecer. El caballo oscuro, que puede ser el instinto, se desboca en un momento de pausa, justo cuando parece que todo va a volver a la normalidad monótona. Uno monta a ciegas ese caballo o no lo monta en absoluto. Daniel y Franc se lanzan a galope tendido sin saber lo que les espera. Jarmusch estaría orgulloso de este director islandés que tanto le debe. Blanco y negro desaliñado, puesta en escena inmediata, una indefinible sensación de libertad y frescura que acompaña cada escena, el uso discreto y efectivo de la música incidental y esos personajes tan absurdos como creíbles. Jueves 19 a las 22:15 h. en la sala 2 de los Cines Centro. Repite el viernes 20 de noviembre a las 22:30 en la sala 7 de los Yelmo. Eldorado Bouli Lanners, Bélgica, Francia, 2008, 80 min. Por Alejandro Díaz Castaño Philippe “Bouli” Lanners es un artista multidisciplinar belga presente desde hace muchos años en el mundo del cine y la televisión como actor y, posteriormente, como guionista y director, y que además desempeña otras actividades artísticas entre las que destaca su poco difundida dedicación a la pintura. El primer largometraje en el que se colocó tras la cámara, Ultranova, obtuvo, entre otros, un galardón en la Berlinale y el Premio Principado de Asturias al Mejor Largometraje en la edición de 2005 del Festival de Gijón. Generalmente su figura suele ser asociada al género de la comedia (ha interpretado papeles en películas como Astérix en los juegos Olímpicos o Louise-Michel, cinta que también podrá verse en la sección Post Burlesque), si bien es justo reconocer que sus películas como director suelen transitar un terreno más bien movedizo en lo que respecta a su clasificación dentro de los géneros cinematográficos “clásicos”. existencia no parece que se divisen horizontes demasiado halagüeños o ilusiones que vayan más allá del aburrimiento cotidiano. Un día como otro cualquiera, regresa a su hogar y se topa con la sorpresa de que éste ha sido allanado por un joven llamado Elie, al que sorprende in fraganti en plena faena. Sin embargo, Yvan evita la reacción esperable y decide llevarse al recién conocido zagal de viaje a casa de sus padres. A partir de esta sencilla premisa, Lanners construye una película de carretera de fuerte sabor americano, a lo que ayudan elementos como el modelo coche que Yvan conduce por las llanuras belgas (un genuino Chevrolet) o la selección musical con la que se acompañan las andanzas de la singular pareja. Durante su insólito periplo, Yvan y Elie irán estrechando su relación poco a poco, en la medida de lo que permiten las diferencias sociales y generacionales, y juntos atravesarán multitud de situaciones de lo más sorprendentes (algunas rayanas con el surrealismo) con el denominador común de un humor absurdo y/o bizarro. Es el caso de Eldorado, que aunque no tenga demasiado que ver temáticamente con la casi homónima obra maestra de Howard Hawks, ofrece una historia en la que, sin perder de vista en ningún momento el componente satírico, Lanners transita el arduo camino que conduce del bombardeo masivo de sketches humorísticos de la parte inicial, a una vertiente dramática que irá introduciendo paulatinamente a medida que transcurre el metraje. Por otra parte, muchos de los diálogos que compartirán resultan particularmente inspirados y revelan un peculiar ingenio en su construcción, así como en su ejecución (las interpretaciones pueden considerarse uno de los puntos más atrayentes del film). Sin llegar a enfangarse nunca en el moralismo aleccionador, Eldorado se mantiene fiel, desde la modestia, a una mirada descreída sobre la sociedad occidental, vista como un espacio en el que los valores humanos más añorados por sus ciudadanos resultan difíciles de encontrar, y aún más de recuperar. El planteamiento del film, escrito e interpretado por el propio realizador, nos presenta a un personaje llamado Yvan, en cuya Hoy a las 22.15 horas en Cines Centro Sala 5. Repite el domingo 22 a las 17 horas en Cines Centro Sala 3 y el Martes 24, a las 22.15 en Gijón Sur. 47FICXixón / Página { 7 } CICLOS This is England Performance Nicolas Roeg y Donald Cammel, Reino Unido, 1970, 105 min. Por Carlos Losilla QUADROPHENIA Franc Roddam, Reino Unido, 1979, 120 min. Por Gonzalo de Lucas Quadrophenia no es un film cobarde ni ventajista, que haya aprovechado una moda o un estilo de cine en boga. Más bien al contrario, se aventura (y lo hace con bastante ímpetu) en el propósito de captar los síntomas de una época mediante la recreación de otra: su gran sustrato es la energía precipitada que despliegan los jóvenes actores, y su defecto que el director los envases en planos de litro y medio. Desde finales de los años setenta casi todos los cineastas ingleses han filmado la sociedad del presente como si fuera un plató naturalista (quizás por eso, los mejores filmes ingleses desde entonces han sido memorias autobiográficas, como los de Bill Douglas, Terence Davies o John Burgan) . Quadrophenia es también una búsqueda retrospectiva de ver el presente recobrando el pasado y los propios recuerdos, pero, más allá de su fondo naturalista de localizaciones y vestuarios, concede demasiado interés a una intriga que es una síntesis de personajes con explícitos conflictos psicológicos y un fondo de secundarios chillones. Si bien Roddam consigue escanciar una época a partir de su estética, al filmar la ira y la rabia juvenil sólo se le ocurren planos pulcros y estudiados, cuando el realismo es una grieta que el modo de rodar abre en los temas filmados. El rock es interesante para el cine porque permite espejar a uno en el otro: a veces, mediante la contención, la elegancia o el artificio coreográfico (la creación de un personaje o una actitud), otras mediante la calidez imprevisible de la interpretación en vivo, sea haciendo visible la monotonía de los ensayos (la música en proceso) o el directo liberado. Si podemos abstraer Quadrophenia de los efectos retóricos derivados de un relato tan tópico, que va perdiendo gas hasta quedarse en la cuneta, veremos que no es en su realismo de docudrama, sino en los clichés y estereotipos, en su fuerza de film-icono, póster o portada de disco, adherida a la estética mod, donde la película deja sus buenos recuerdos generacionales, en parte porque su otra gran aportación pasa por no olvidar que el cine también se hace con los oídos, y que puede ser una profundización dramática en el lenguaje. El film trabaja con tanta variedad las jergas y los usos del idioma inglés que acaba por encontrar su ligereza y sus mejores efectos en los sonidos y en las palabras, en las veloces frases y en las canciones integradas en el lenguaje ordinario: sonidos que pegamos a una foto fija de mods, quizás porque Quadrophenia supo crear imágenes, pero no movimientos de imágenes. (Publicado en la revista Cahiers du Cinema. Especial número 10) Hoy, a las 19.45 h. Antiguo Instituto. Repite mañana a las 17.00 h., en Cines Centro Sala 3. En el fondo, la tradición realista británica siempre tuvo un punto de alucinación. Esta tendencia adoptó sus mejores formas en el Free Cinema, algunas de cuyas muestras mayores parecen concebidas desde las cabezas de sus protagonistas, allá donde los distintos elementos del mundo exterior establecen extrañas conexiones entre sí. Richard Harris en El ingenuo salvaje (Lindsay Anderson, l963) o Albert Finney en Sábado noche, domingo mañana (Karel Reisz, 1960), en este sentido, podrían ser los precedentes de Performance, el debut en el largometraje de Nicolas Roeg junto a Donald Cammell, culminación conceptual de esos desdoblamientos y disoluciones. Y en ese camino podría cruzarse también Michelangelo Antonioni, que había pasado por Londres en 1966 para rodar BIow-Up, donde lo visible se desmorona y sólo quedan manchas, rostros, vacíos. Por ello no es de extrañar que el paso al cine americano de cineastas como el propio Reisz o Tony Richardson acabara escorándose hacia una apología de la desaparición: desde el James Caan de El jugador (1974) hasta el Jack Nicholson de La frontera (1982), toda esa serie de movimientos por la cuerda floja terminan difuminando la propia figura. En esa genealogía de imágenes, Performance desempeña un papel fundamental, como si los angry young men de los años sesenta hubieran degenerado en la figura de ese matón de poca monta ( James Fox) que vivirá su progresiva extinción en contacto con una estrella del rock en decadencia (Mick Jagger), en un misterioso caserón de Notting Hill. Si Julio Cortázar estaba en el origen de BIowUp, aquí el punto de partida parece ser Jorge Luis Borges, de quien Jagger lee unas cuantas líneas antes de que uno de sus libros caiga al suelo y cuyo rostro aparece en el collage final. Pero tampoco hay que olvidar Persona (Ingmar Bergman, 1966), citada explícitamente en determinadas fusiones de rostros, o los cuentos de Edgar Allan Poe (Roeg había fotografiado La máscara de Ia muerte roja; Roger Corman, 1964), hasta el punto de que podría tratarse de una adaptación muy particular de La caída de la casa L.Isher. Sea como fuere, Performance es una película pop en el sentido más puro de la expresión, pues no sólo indaga en los subterráneos de la cultura del Swíngíng London, sino que se va haciendo a sí misma a partir de materiales preexistentes que se dedica a reconfigurar y moldear, encajándolos finalmente en una narración anticlimática. donde la discontinuidad del montaje y la agresividad de la planificación aparecen concebidas como un bombardeo constante sobre los hábitos perceptivos del espectador. Hay, entonces, una especie de viaje -también en e l sentido psicotrópico de la expresión- que conduce de arriba abajo, de lo que queda de la gran Inglaterra victoriana a las nuevas formas de vida contraculturales. matones y hombres de negocios Al inicio, Fox se mueve entre matones y hombres de negocios, cortes judiciales y despachos siniestros. En la segunda mitad, aparece Mick Jagger en la piel de Turner, una estrella de rock en decadencia encerrado en el sótano de una gran mansión, donde personajes extravagantes y ambientes psicodélicos se encargarán de poner en duda su identidad. Pero ¿ha cambiado algo? Película sobre la decadencia, Performance se ofrece también como un retrato dual cuyas dos caras se revelan idénticas: Fox y Jagger pero igualmente el viejo mundo que se extingue y el nuevo mundo que nunca llegará a florecer, pues la imagen del Londres underground se revela tan oscura y mortecina como la tradición de la que procede. La película de Roeg y Cammell es un comentario sarcástico sobre las presuntas “revoluciones” de la época, a la vez que una propuesta extrema que el cine moderno no podrá asumir, una desintegración de texturas y conceptos que se declara incapaz de ir más allá. Y por eso, aunque ambos cineastas resulten básicos para el cine contemporáneo, su obra nunca ha podido alcanzar la homogeneidad suficiente como para obtener una presencia continuada en sus idas y venidas. Quizá por ello la desintegración progresiva de formas e identidades que propone Performance también pueda aplicarse a sus responsables, lo cual la hace aún más fascinante. (Publicado en la revista Cahiers du Cinema. Especial número 10) Hoy, a las 22.30 h. Cines Centro Sala 4. Repite mañana a las 20.00 h. en Yelmo 6. Página { 8 } / 47FICXixón CICLOS Llendes L’ ÉPINE DANS LE COEUR Michael Gondry, Francia, 2009, 86 min. Por Carlos Losilla Michel Gondry ye un casu mui especial nel cine de güei. Francés que nun quier ser francés, pero que cuando ye francés ye más francés que naide, el so territoriu ye’l de Spike Jonze y Charlie Kauffmanpor cierto, nun dexen de ver Synecdoche, New York, una de les grandes películes norteamericanes de los caberos años-, pero la so procedencia cultural revélase europea. ¿Quién, sinon, diba ser quien a consiguir que Jim Carrey fuera’l protagonista d’una película de Alain Resnais fecha en Hollywood, como ye ¡Olvídame!? ¿Y quién podría tener pensao una fábula a lo Frank Capra con ecos del costumismu parisín de Jacques Becker o Marcel Pagnol, pasáu pola peñera de lo friki, como fizo’l nuestru home en Rebobine, por favor?. La materia de les películes ye’l tiempu, la mesma materia de la que ta fecha’l cine. Y por eso L’épine dans le coeur, un bixu del arte d’andar pela cuerda floxa, nun podía ser otro qu’un documental sobre’l Esbilla Patrocinado por: so pasáu, o más bien el de la so familia: una tía que foi mayestra escuela ente 1952 y 1986, años nos que percorrió una Francia rural qu’agora apaez estrozada y desfecha. Lloñe de cualquier tipu de señaldá, Gondry diz que’l pasáu ye un terrén esbariosu, paralelu al presente, siempres vivu y baltiante, que pue tapecer ambigüedaes apostemantes, como demuestren les esmolecedores películes en Súper 8 rodaes pol fíu la mayestra. Pero al tiempu preséntase tienru y murniu, graba árboles y cases d’aldea como si fuera la primer vegada y trespasa de siguío les llendes ente realidá y ficción al convertir la familia n’otru más de los sos universos llaberínticos, como si saliera de la mente de los Jim Carrey o Jack Black de les sos películes primeres. L’épine dans le coeur, en fin, ye una película pa tastiar como si tuvieramos en casa una tarde de domingu a vueltes coles grabaciones familiares. Pero equí hai más retranca y dobles intenciones, menos llarimines pol tiempu perdíu y más reflexón sobre lo que de verdá significó. Que naide nun s’engañe: nes películes de Michel Gondry, el tiempu escuende munches más coses de les qu’amuesa. Güei a les 20 hores nos Cines Centro Sala 3. Repite mañana a les 19.45 hores en Cines Centro Sala 1. Rocksteady: The Roots of Reggae Stascha Bader, Suiza/Canadá, 2009, 95 min. Por Alejandro Díaz Castaño Si bien ye verdá que’l reggae ye un estilu de música enforma popular, y qu’entá güei lu siguen (en bien de casos con adoración) en tol planeta al traviés, en bona midida, de la figura arquetípica del gran Bob Marley, el so precedente más direutu nun ye tan conocíu, el rocksteady, soníu que xurdió en Xamaica metanes la década de los 60. Hasta entós, el ska yera’l ritmu de moda, qu’alloriaba a los habitantes de la islla coles sos aceleraes melodíes. Poro, nun determináu momentu el tempo de los cantares faise más sele, lo que dará llugar al rocksteady, y depués al reggae. Dalgunes fontes dicen que les altes temperatures que se vivíen daquella, pues una fola de calor solmenaba’l país caribeñu, son les responsables del descensu de velocidá de les melodíes, pero l’únicu fechu probáu ye que’l rapáz (quenamái tenía dieciséis años daquella) Hopeton Lewis quixo aplicar esti nuevu conceutu aseláu a Take it Easy, un tema pensáu de mano colos parámetros del ska. Por embargu, otres versiones falen de que la canción Get Ready to Rocksteady, interpretada por Alton Ellis, foi la primer muestra “oficial” del nuevu soníu. Lo verdaderamente trescendente ye que, alderiques aparte, l’ésitu de la fórmula que taba naciendo disoe darréu, asina que munches otres bandes tamién se la usaron pa consiguir calistrar no más fondero del espíritu de la cultura popular xamaicana. La película roblada por Stascha Bader recueye l’aconcetamientu, delles décades depués, de munchos de los supervivientes del rocksteady, convocaos por mor de la grabación d’un álbum recopilatoriu del movimientu. Una ocasión única pa ver n’aición a artistes como Hux Brown, Scully Simms, Ken Boothe, Judy Mowatt, The Tamblins o al mesmu Hopeton Lewis, que certifiquen que’l movimientu, lloñe de morrer o escosar, caltiénse más vivu nunca, y la so música tien la mesma vixencia d’antaño, y amás, como los bonos vinos, ganó colos años. Rocksteady: The Roots of Reggae ufre una perbona oportunidá pa somorguiase nuna de les corrientes musicales más granibles y apasionantes de la música moderno, diendo amás al raigañu del movimientu, a la so primer fuercia. A la nómina d’artistes que yça mentamos, hai qu’añadir otros munchos, cola apaición especial de Rita Marley. Emocionada, la vilba del mitu, qu’entá guarda fidelidá dafechu a los postulaos del movimientu Rastafari, va recuperar impagables alcordances d’aquella dómina gloriosa, y tamién de la vida xunto a Bob (quién por ciertu, llegó a grabar un cantar tituláu como’l propiu xéneru, Rocksteady). Amás, interpreta ella mesma (porque, magar que nun ye dalgo conocío, tien con una carrera musical propia) dalgunos cantares pa la ocasión, completando una propuesta que, a lo llargo d’un metraxe que se fai mui curtiu, nun para de tresmitir relaxantes y positives vibraciones, mui d’agradecer nel aventáu y ruidosu mundu d’anguaño. Güei a les 22.30 hores nos Cines Centro Sala 3. Repite mañana a les 17 hores en Cines Centro Sala 1. 47FICXixón / Página { 9 } Exposición UNORDINARY PEOPLE Por Lola Bonet Mientras que en la pantallas de cine, el ciclo This is England recrea, a través de doce películas, el devenir de las corrientes alternativas, desde los años 60, de los jóvenes ingleses, las sesenta y seis fotografías de la exposición Unordinary People son el testimonio real de esos movimientos que abanderaron la profunda metamorfosis social de los últimos 50 años. La exposición Unordinary People, que se puede visitar hasta el 29 de noviembre en el centro de Cultura del Antiguo Instituto, se erige pues en aditivo perfecto para el ciclo This is England que tanto interés ha despertado en el 47 FICXixón. La muestra, organizada por la Fundación Municipal de Cultura, Educación y la Universidad Popular en colaboración con el Festival Internacional de Cine, es un proyecto del Photographic Youth Music Culture Archive, PYMCA, fototeca con sede en Londres, especializada en fotografías de la cultura juvenil, que tal y como manifiesta James Lange, comisario de la exposición y encargado del archivo de la institución inglesa, tiene como propósito documentar la historia, el estilo de vida, las modas, la música y movimientos subculturales de los jóvenes de su país desde la segunda mitad del siglo XX. “La finalidad del proyecto”, manifiesta Lange, “es ordenar en una línea en el tiempo las décadas, desde los años 60 hasta la actualidad, a través de las fotos que reflejan los movimientos juveniles del último medio siglo”. Unordinary People, documenta con instantáneas de fuerte impacto visual, la esencia de las tribus urbanas, inmortalizando a mods, hippies, punks, skinheads, grunges, indies y la mezcla posmodernista actual, para convertir una colección de bellísimas e imponentes imágenes, en un filón de conocimiento sobre el protagonismo de esos jóvenes en el cambio y la evolución social. Para James Lange, este aspecto sobresale de una forma especial en el paso de la exposición por Gijón como complemento de un ciclo dedicado al mismo tema. “Estamos muy contentos de estar en Gijón. Para nosotros es esencial expandir las relaciones del archivo a un ámbito europeo e internacional y no sólo como archivo fotográfico sino como una fuente de material para fines pedagógicos y de investigación”. . Acredita la calidad de la muestra y el prestigio del PYMCA, institución privada e independiente que se financia a través de la explotación de los copyright de sus archivos, que las fotos que se pueden ver en el Antiguo Instituto han formado parte de una exposición colgada en las reconocidas salas del Royal Albert Hall de Londres. Aunque la colección que visita Asturias en mucho más completa, ya que hablamos de una exhibición viva que se alimenta con el paso del tiempo. “La amplitud del contenido de la exposición que presentamos aquí”, aclara Lange, “es la máxima ya que incluye fotografías de comienzos de los 60 hasta ahora, ya que la última fue tomada en abril de este mismo año”. En definitiva, la exposición destapa la esencia de los movimientos juveniles que desde las Islas Británicas impregnaron el mundo y en un vertiginoso cambio cultural, actuaron como motor para protagonizar las más grandes revoluciones de nuestro tiempo, hasta conducirnos, en una transformación sin precedentes, a la sociedad que ahora conocemos. Tal y como reflejan algunos de los textos que acompañan a la Exposición, la Gente Corriente –Ordinary People– se convirtió en Gente Poco Corriente –Unordinary People– para cambiar el mundo, y esta muestra se hace imprescindible para entender como ocurrió: “…la Cultura, anteriormente siempre escrita con la letra mayúscula C y siempre exclusiva de las clases superiores, dio paso a una cultura popular que, bullendo desde y para la gente, ensalza sus orígenes humildes con un cambio democrático hacia la letra minúscula c. El modo en que la gente corriente se convirtió en poco corriente y, a su manera, extraordinaria, estaba en el proceso y fue central para esta transformación”. Durante el Festival, en el Centro de Cultura Antiguo Instituto. Horario: lunes a domingo de 11 h. a 14 h. y de 18 h. a 21h. Página { 10 } / 47FICXixón Edición 2009 Los menús Comienzan hoy diez días para degustar un sabroso menú que les hemos preparado. Habrá aperitivos, primer plato, segundo plato y postre. Y además, .... ¡se puede repetir¡ Habrá cine. Mucho cine. Para grandes. Para pequeños. Para medianos. Para llorar. Para reír. Para reflexionar. Para evadirse. Para gritar. Para mascar silencios. Para soñar. Para todo. Para todos. Compartiremos sala y butaca con directores, actores, guionistas, escritores, periodistas. Veremos cine. Hablaremos de cine. Pensaremos en cine. En blanco y negro. En color. PARA EMPEZAR Como es habitual en nuestro Festival, cada día se celebrarán Ruedas de Prensa. Son por la mañana. Comenzamos a las doce y cuarto y nos vamos a la hora de comer. Nuestros compañeros, los periodistas locales, regionales, nacionales e internacionales que cada año acuden puntualmente a estas citas, saben muy bien de qué hablamos. Ellos son los que someten a directores de cine, actores, productores, guionistas, a interrogatorios intensos acerca de sus trabajos. Fatih Akin, Matthias Müller y Christoph Girardot, Aleksey Balabanov y Harmonie Korine, directores homenajeados de este año, comparecerán ante los medios de comunicación. Junto a ellos los realizadores Álvaro Brechner, Bobby Paunescu, Lynn Shelton, Alain Guiraudie, Babak Jalali, Joshua y Benny Safdie, Masahiro Kobayasi, Dagur Kari, Joao Pedro Rodrigues, Cruz Ángeles, Barney Platt-Mills, Horace Ove, Vimukthi Jayasundara y Alex Van Varmerdam. Actores, actrices, productores, escritores y guionistas también tendrán un espacio en estos encuentros matutinos. Asimismo, se presentarán los libros Fatih Akin. El hogar errante, de Violeta Kovacsics, y Aleksey Balabanov. Un cine para la nueva Rusia, de Jesús Palacios. Será en el salón de actos del Centro de Cultura Antiguo Instituto. Las sesiones se inician a las 12.15 horas, a las 12.45 y a las 13.15 horas. AL MEDIODIA A las cuatro de la tarde, cuando llega la hora del café, nosotros lo tomamos en compañía, en muy buena compañía. Compartimos mesa con muchos de nuestros protagonistas. Nos adentramos de lleno en Meeting Point. Directores y actores, hablarán de los trabajos que nos ofrecerán a lo largo de estos diez días. De sus proyectos. De su paso por el festival. De la fiesta de la noche anterior. Nos acompañarán Lucinda Torre, Laurent Perreau, Natalia Armada, Alberto Arce, Sara Leonor, Eugene Green, Henrik Hellström. Además, celebraremos un encuentro con la delegación Nikotoko Island y departiremos sobre el Día d’Asturies. Será en la segunda planta del Centro Comercial San Agustín, frente a los Cines Centro, a las cuatro de la tarde. DE NOCHE Durante el Festival el día no termina... y la noche tampoco. Hasta que el cuerpo aguante. Muchos son los que disfrutan de fiestas y conciertos que ofrecemos cada jornada. Durante estos días no han podido resistirse a venir muchos grupos musicales en pleno apogeo. Y les hemos dicho que sí. Y es que la programación musical del ciclo gijonés congrega tendencias indie, formaciones consagradas. Martes 24 de noviembre de 2009, a las 20.30 h. en el Teatro de la Laboral | Precio 15 € Pero uno de los platos fuertes musicales será, indudablemente, el concierto que ofrecerá Dean & Britta (Dean Wareham y Britta Phillips) en el Teatro de Laboral. El espectáculo pone música a trece de los Screen Tests que rodó el artista Andy Warhol entre 1964 y 1966. La iniciativa del genio del Pop Art consistió en filmar en silencio pequeños cortometrajes con una cámara de 16 mm y una duración de cuatro minutos retratos de figuras como Lou Reed, Dennis Hopper y Nico. 13 Most Beautiful... Songs for Andy Wharhol´s Screen Tests es la primera edición autorizada en dVD de las películas de Warhol. Les esperamos y os esperamos a todos en la Sala Acapulco del Casino de Asturias, en la Sala Albéniz y en LABCafé. Ah y claro, y sesiones peliculeras toda la jornada. Feliz festival. A disfrutar. "The collection of The Andy Warhol Museum, Pittsburgh" "All films ©2009 The Andy Warhol Museum, Pittsburgh, PA, a museum of Carnegie Institute. All rights reserved". 47FICXixón / Página { 11 } Edición 2009 LOS ROSTROS En sus manos reconocimiento No todos pueden ganar. Y para elegir a los mejores, están ellos. El Jurado. Ellos son los que tienen la última palabra. Este año nos acompañan: la directora Lucía Puenzo ( XXY y El niño pez), el escritor Kiko Amat (Rompepistas), el director Lenny Abrahamson (Garage y Adam & Pul), el actor Andrés Gertrudix y la directora del Crossing Europe Film Festival, Christine Dollholfer, para Largos de la Sección Oficial; la periodista Silvia Grijalba, el realizador Pablo Agüero (77 Doronship) y el actor Alberto Ferreiro, para Cortos de la Sección Oficial, y la periodista Elizabet Cabeza, el escritor Ricardo Menéndez Salmón y Gabe Klinger, No ficción y documental. Alberto Ferreiro Andrés Gertrudix FIPRESCI Blagoj Kunovski, crítico cinematográfico, fundó el primer el primer cine de Arte y ensayo en Skopje, capital de la República de Macedonia. Oscar Peyrou, escritor, periodista y crítico de cine, preside la Asociación Española de la Prensa Cinematográfica. Thomas Rothschild, escribe para varios medios en Alemania y Austria sobre cine, música y teatro y es miembro de la Asociación Alemana de Críticos de Cine y de FIPRESCI. Lenny Abrahamson Además, el Festival de Cine entrega, por octavo año consecutivo, el Premio Nacional de Cinematografía Nacho Martínez, concedido en memoria del actor asturiano fallecido en 1996. Este año, la cotizada escultura realizada por el artista Jaime Herrero ha sido concedida a la actriz madrileña Ángela Molina, que recibirá el galardón durante la gala inaugural. SALAS Elizabet Cabeza Christine Dollholfer Ricardo Menéndez Lucía Puenzo El cierre por reforma del Teatro Jovellanos, escenario principal de sus galas, proyecciones y encuentros, nos ha obligado a llevar a cabo cambios en nuestras ubicaciones de siempre. Para ello, añadirá a sus sedes habituales (Cines Centro, Antiguo Instituto, Centro Gijón Sur y, por segunda vez, teatro de la Laboral) los multicines Yelmo, en La Calzada. Las proyecciones de la sección oficial se celebrarán en los Centro, y la Laboral concentrará todas las Proyecciones del ciclo para niños y jóvenes Enfants Terribles. En todas esas sedes se podrán visionar los más de 200 títulos que se proyectarán este año. Publicaciones Dos libros serán los que se presenten este año en el Festival de Gijón. Fatih Akin. El hogar errante, de Violeta Kovacsics, y Aleksey Balabanov. Un cine para la nueva Rusia, de Jesús Palacios. Pablo Agüero Gabe Klinger Kiko Amat Silvia Grijalba Página { 12 } / 47FICXixón Edición 2009 LOS DATOS entradas Las entradas para las sesiones del 47 Festival Internacional de Cine de Gijón se pueden adquirir en www.gijonfilmfestival.com, www.teatrojovellanos.com online - Venta telefónica CajAstur TiquExpress: 902 106 601 (24h) - Red de cajeros CajAstur Para todas estas opciones es necesario recoger la entrada física en cualquiera de los cajeros de la red CajAstur TiquExpress, dispensadores automáticos; o en cualquiera de las taquillas del Festival de Cine excepto Gijón Sur. (imprescindible presentación de la tarjeta con la que se ha realizado la compra) A partir del día 19 de noviembre, también: - Venta en taquillas. TAQUILLAS Y HORARIOS Autobuses El Festival Internacional de Cine de Gijón cambia este año algunas de sus sedes de proyección debido a las obras de Teatro Jovellanos. Para asistir a los Yelmo Cines y al Teatro de la Laboral podrás utilizar los servicios habituales de las líneas de EMTUSA que unen La Calzada y Cabueñes con el centro de Gijón. Las líneas de bus que unen el centro de Gijón con el barrio de Cabueñes (Universidad Laboral), el barrio de La Calzada (Yelmo Cines) y el barrio de Pumarín (CMI Pumarín Gijón-Sur) son: - - - Teatro de la Laboral: para ir desde los Cines Centro hasta la sala de cine del Teatro de la Laboral puedes coger la línea 4 desde la parada de la calle Capua ( justo delante del Centro Comercial San Agustín) que pasa cada 15 minutos. Puedes utilizar también las líneas 1 y 18 que tienen parada en el Paseo de Begoña, frente al Hotel Begoña. Yelmo Cines: para ir desde los Cines Centro hasta las salas de cine de los Yelmo Cines Ocimax 3D puedes coger la línea 4 desde la Plazuela San Miguel que pasa cada 15 minutos. Puedes utilizar también la línea 1 que tiene parada en el Paseo de Begoña, frente a la iglesia de los Carmelitas, y la línea que tiene parada en la Plaza del Humedal. CMI Pumarín Gijón Sur: para ir desde los Cines Centro hasta la sala de cine de CMI Pumarín Gijón-Sur puedes coger la línea 10 desde la Plazuela San Miguel que pasa cada 10-15 minutos. Puedes utilizar también las líneas 15 y 18 que tienen parada en el Paseo de Begoña, frente al Hotel Begoña. Yelmo Cines Todos los días desde el 20 al 28 de noviembre tendrás un bus disponible a las 00:45h. C/ Los Andes – Centro – Contrueces – Pumarín – Roces. Recorrido: C/ Los Andes, C/ Paraguay, Avda. de Juan Carlos I, C/ Marqués de San Esteban, C/ Pedro Duro, Gota de Leche, Avda. de la Costa (Hotel Begoña), C/ 17 de agosto, Avda. del Llano, C/ Pérez de Ayala, Avda. Schulz, Ctra. Carbonera, Ctra. del Obispo, C/ Río Cares, C/ General Gutiérrez Mellado, C/ Antonio Machado, Glorieta de las Brigadas internacionales, Ctra. Carbonera, Avda. Salvador Allende. Se harán las paradas de EMTUSA que se encuentren dentro del recorrido. La salida del autobús será a las 00:45h en punto. Teatro de la Laboral El 19 de noviembre tendrás un bus disponible a las 23:30h. (servicio especial para la gala de inauguración). El veintiuno habrá un bus disponible a las 00:30 y el 28 habrá un bus disponible a las 00:30, servicio especial para la gala de clausura. Universidad Laboral – Plaza del Humedal - Cerillero. Recorrido: Universidad Laboral, Molinón, Les Mestes, El Parque, Plaza de Toros, Parque les Cocheres, Continental, Los Campos, Begoña, La Plaza Europa, L’Humedal, Pedro Duro, La Playa Poniente, Acuario, Comisaría, Plaza L’Habana, Cortes de Cádiz, Móstoles, Santolaya, Cuatro Caminos, Uruguay, Fátima, Martín, Barros. El precio del billete del bus es de uno punto uno euros y se admiten las tarjetas de transporte en todos los servicios. Saldrán a la venta 48 horas antes de su celebración y solamente podrán ser adquiridas en la Taquilla de Campinos en los horarios de 12h a 14h y 17:30h a 20h. (de 16h a 20h en el caso de Clausura). Máximo de 4 entradas por persona. sección Enfants Terribles Las entradas para sesiones de la sección en horario matinal, solamente podrán ser adquiridas en el mismo día y exclusivamente en la taquilla de la sede donde tenga lugar la proyección. Estas proyecciones están destinadas a centros educativos, por lo que tendrán prioridad a la hora de acomodarse en las salas. bonos de 10 películas Taquilla Los Campinos Pza. Los Campinos esq. c/Cabrales Desde el 12 hasta el 18 de noviembre. Canje de venta online, telefónica y cajeros. De 12h a 14h y de 17:30h a 20h Desde el 19 al 28 noviembre. De 12h a 14h: Entradas para cualquier sesión de cualquier sala, cualquier día. De 16h a 20h: Exclusivamente entradas de cualquier sala para el mismo día. El bono permite el acceso, canjeando en taquilla por la entrada correspondiente, a todos los pases del Festival de Cine excepto inauguración y clausura. También se podrá acceder a los pases de Prensa y Acreditados, si el aforo de la sala lo permite, presentando el bono al responsable de la sala, que recogerá la pestaña correspondiente. En estas sesiones tendrán preferencia los acreditados. Puntos de venta: Taquilla Cines Centro Centro Comercial San Agustín - Taquilla Los Campinos Venta online: Desde el 19 al 28 noviembre - De 10h a 14h: Entradas para cualquier sesión de cualquier sala, cualquier día. De 16h a inicio de última sesión: Exclusivamente entradas de cualquier sala para el mismo día. www.gijonfilmfestival.com, www.teatrojovellanos.com - Venta telefónica CajAstur TiquExpress: 902 106 601 (24h) - Red de cajeros CajAstur. Una vez realizada la compra se podrá retirar el bono en la taquilla de Campinos. (imprescindible presentación de la tarjeta con la que se ha realizado la compra) Taquilla Centro Cultura Antiguo Instituto C/Jovellanos 21 Desde el 19 noviembre al 28 noviembre Desde media hora antes del inicio de la primera sesión a inicio de última sesión: Exclusivamente entradas de cualquier sala para el mismo día. Además, se habilitarán líneas especiales de EMTUSA después de la última sesión de cine desde los Yelmo Cines y desde el Teatro de la Laboral. Líneas especiales inauguración y clausura Taquilla C.M.I. Gijón Sur - A partir del 19 de noviembre también se pueden adquirir en todas las taquillas del Festival. Precio: 25 € PASE DE SECCIÓN OFICIAL: Permitirá acceder a las sesiones de SECCIÓN OFICIAL, excepto inauguración y clausura, incluidos los pases de Prensa y Acreditados. C/Ramón Areces, 7 Se podrá adquirir: - A través de la web: www.gijonfilmfestival.com Desde el 22 al 29 noviembre. Desde media hora antes del inicio de la primera sesión a inicio de última sesión: exclusivamente entradas de esta misma sala para el mismo día. Taquilla Teatro de La Laboral - En las oficinas del Festival de Cine (c/ Cabrales, 82) Horario: 10h-14h / 16:30h-19h Los pases se pagarán al recogerlos en las oficinas del Festival de Cine. Precio: 25€ (Laboral Ciudad de la Cultura) Desde el 19 noviembre al 28 noviembre. Desde media hora antes del inicio de la primera sesión a inicio de la última. Exclusivamente entradas de cualquier sala para el mismo día. Taquilla Yelmo Cines Ocimax 3D PRECIOS: Precio entrada: 3’5 € Precio Inauguración/Clausura: 6 € C/maestro Amado Morán s/n Precio Concierto: “13 Most Beautiful… Songs for Andy Warhol’s Screen Tests”): 15 € Precio bono de 10 películas: 25 € Desde el 19 noviembre al 28 noviembre. Desde media hora antes del inicio de la primera sesión a inicio de última sesión: Exclusivamente entradas de cualquier sala para el mismo día. Normas y recomendaciones Recomendamos que el espectador adquiera o canjee (venta online, telefónica o cajero) su entrada con la mayor antelación posible para evitar colas y la pérdida del derecho a acceso por el eventual retraso a causa de la espera. Ser portador de una entrada no da derecho al acceso a la sala una vez comenzada la sesión. Por respeto al resto de espectadores no se permitirá el ingreso una vez iniciada la proyección. Comprueben bien los datos de su entrada al adquirirla. No se admiten devoluciones. Para las sesiones de Entrada Libre es imprescindible retirar la entrada en la taquilla de la sala donde ésta se celebre, exclusivamente durante el mismo día de la proyección (límite de 4 entradas por persona). Precio pase de Sección Oficial: 25 € Precio Concierto Sábado 21 “The Fiesta”: 25 € anticipada - 28 € taquilla Precio Fiesta de Clausura: 10 € PUBLICACIONES venta en Oficinas Festival y en Cines Centro Artefactos de lectura: - Fatih Akin. El Hogar Errante: 10 € - Aleksey Balabanov, Un Cine Para la Nueva Rusia: 10 € - Catálogo: 6 € - Pack completo: 20 € 47FICXixón / Página { 13 } EDUCACIÓN PARA LA CINEMATOGRAFÍA Desaparecidas las asignaturas cinematográficas de Ortodoxia en el Séptimo Arte que Va a Misa o sus optativas (Cámara Ética, Mandamiento Dogma y Cuadernos de Cine es Uno y Trino) llega a las aulas Educación para la Cinematografía. Más allá de una asignatura al uso, Educación para la Cinematografía pretende ser una actividad performativa de aprendizaje asimilado mediante lo lúdico a la vez que una interactuación pedagógica integrada en un contexto no repertoriado. Se trata, pues, de una materia aunadora y protoreflexiva donde desde el compromiso integrador y su consecuente socialización positivista, capacite a nivel tanto personal como profesional a los chicos y chicas que serán los directores y directoras del mañana / mañano. Así, se pretende educar en una cinematografía que sepa desterrar gratuidades sexistas, xenófobas, parafóbicas, homofóbicas, retrofóbicas o criptofóbicas; que quiera crear desde el respeto; desde la integridad y sin caer en fáciles banalizaciones del mal, mensajes equívocos o hagiografías sociopáticas. En definitiva, una experiencia multidisciplinar para la elaboración y gestión de materiales fílmicos sobre valores éticocivicos. PRIMER SUPUESTO EJERCITORIADO: Teoría Interactuada y Muestra de Praxis 1) Teoría interactuada desde un propósito de resolución fílmica multidireccional Proyección para una clase de 4º de ESO del filme Centauros del Desierto del director americano John Ford. Se trata de un largometraje perteneciente al llamado género western, también denominado de “indios y vaqueros”. El argumento desarrolla una historia de venganza contra una tribu india que lleva a cabo un amargado pistolero en compañía de un joven protegido suyo. Tras la contemplación del mismo se formula un diálogo multidireccional a fin de que los adolescentes y adolescentas construyan reflexiones sobre el mismo y a la vez accedan a hábitos pedagógicos oralizantes. Así, desde una vertiente identificatoria del pensamiento razonado se abrirá un debate intercambial sensitivo y adecuacionalmente potenciado hacia una praxis dual de precognición / cognición. 2) Muestra de praxis no editada de dialogación debatida “La película me moló bastante, está muy bien porque se ve muy rápido y es muy espídica y los protas están muy bien. Pero, no se, me da un poco de pena cuando el chico joven que va con el señor mayor a buscar a la niña que se llevaron los indios con ellos, pues le da una patada a una señora que es india. Me parece que es de maltrato, porque ella es buena y los está ayudando, pero bueno, igual es que como es así, como un poco gorda y es un poco fea y igual por eso le dan la patada... y, bueno, ademas es que el señor mayor se ríe y no le riñe al chico por eso ni le dice que está mal pegar a una mujer aunque sea india y un poco gorda” “No me gustó porque no respeta a los indios. Les hacen burla y además abren la tumba de un muerto de los indios y les tiran con una pistola a los ojos y entonces, el actor viejo que es muy rencoroso y yo opino que es bastante de derechas, les dice que si les estropean los ojos a los indios no pueden entrar en el cielo de ellos, que es un cielo que hay caballos y búfalos y están todo el día por allí en la pradera y el dios de ellos se llama Manitú. Y hay que respetar los otros dioses porque aunque no sean de verdad como el nuestro pues tienen derecho a rezarle” “A mi me parece que el señor grande mayor, que es un actor muy importante que se llama John Wayne y que en su país es un Duque, pues está así como enamorado de su cuñada que se llama Marta y que están todos como hablando siempre de ella, es como la persona más importante de la película aunque la maten los indios al principio. Me gustó mucho cuando Marta le coge el abrigo a John Wayne que llega a casa de ella de repente y lo dobla y se nota que ella también siente algo por él” “Yo a la señora esa que la llaman la tía Marta la noto como muy estirada, como en plan señorita Rotemeyer, muy finolis porque cuando están cenando todos juntos ella coge la taza así como estirando mucho los dedos y se ve que tiene mucha educación en los modales y que sabe coger los cubiertos, y siempre está riñendo a los hijos porque no se comportan bien o dicen cosas que no convienen. La veo así como reprimida para adentro. Me gusta más la otra señora, la que es grandona y es la madre de la chica joven que quiere casarse con el prota joven que va con John Wayne, es que parece una abuela porque es como muy cariñosa y la casa de ella es blanca y mas alegre que la de Marta que es muy oscura y da como cosa” “Pasé mucho miedo al principio de la peli, cuando van a atacar los indios y es como cuando notas que hay algo que va mal y estás como nervioso y te da como respingo. Y cuando la niña pequeña está escondida y enseñan al indio pues, uff, fue increíble, fue de dar mucho miedo, pero también como si al ver al jefe guerrero pues ya supieras quien es el malo y que cara tiene y entonces pues quedas como más tranquilo” “A mi los indios me parecen muy machistas porque a sus mujeres las tienen para cargar cosas y si se van con otro indio pues les cortan la nariz y eso no está bien porque es maltrato de género. Y los otros, los vaqueros, pues hacen mas caso a sus señoras y a mi me parece que ellas mandan mucho porque la señora Marta es como la reina de la casa y todos están como alrededor de ella. Y la otra señora mayor de la película y la hija pues también mandan más que el marido y cuando reciben una carta, el marido de la señora grande que es muy simpático y muy buena persona, pues le pide a la hija que la lea y a mi me da que es porque él no sabe leer” “Cuando los indios cruzan el río para atacar a los vaqueros fue una pasada, bufff, fue un subidón¡¡¡. Y se veían las mantas que llevaban en los caballos que los indios no tienen silla en los caballos, ellos van sobre unas mantas que tienen unos dibujos superguapos y unos colores así como rojo muy fuerte y amarillo que son una pasada. Pero luego tuve mucha pena al final porque acaba como de bajona porque el Wayne se queda afuera, él no entra con todos los demás en la casa y se queda como mirándolos. Y ellos están todos juntos y con mucho cariño y parecen una familia feliz, y el tiene como un poco de envidia y podría entrar pero es como cuando uno sabe que hay un sitio que le gustaría estar pero como que sabe que no encaja en él” Página { 14 } / 47FICXixón Edición 2009 Los Conciertos The Sunday Drivers La música volverá a tener un papel fundamental en la gran cita española con el cine independiente. Entre el 19 y el 28 de noviembre, cerca de una veintena de grupos nacionales e internacionales pondrán la banda sonora a las noches del 47 Festival Internacional de Cine de Gijón en distintos escenarios de la ciudad. La sala Acapulco del Casino de Asturias acogerá el rock fronterizo de Tito y Tarántula, esenciales en Desperado y Abierto hasta el amanecer, y que ahora vienen con nuevo disco bajo el brazo, “Back into the darkness”. Junto a ellos actuará la banda pamplonica Las Culebras, arrasando con su rock and roll a lo New York Dolls o Mc5. El soul elegante de Mayer Hawthorne, aportará una nueva vida al sonido Detroit, y Evan Dando dará una vuelta de tuerca a Lemonheads con su Lemonheads “acoustic show”: Evan Dando&Chris Brokaw, en un formato más íntimo con la compañía de Chris Brokaw (Codeine, Come). Recuperando otro sonido imprescindible de los 90, el trip hop, Skye Edwards, la voz de Morcheeba, vendrá presentando en España su segundo álbum, resultado de una incesante búsqueda de nuevos sonidos y experimentaciones, siempre dentro de la elegancia jazz y electrónica que le caracteriza Tampoco podía dejar de estar presente el powerpop de las Baby Shakes, ni el punk rock adolescente y enérgico de los suecos The Kendolls. La canción de autor marciana tendrá su representación con La Bien Querida, que presenta su primer disco “Romancero” con cinco canciones nuevas añadidas a las siete de la maqueta que le valió a la joven debutante revelación el reconocimiento de varias publicaciones especializadas y más de 125.000 escuchas en su página de myspace. El indie-rock bailable y adictivo de Estereotypo compartirá espacio en la 47 el pop delicado The Magic Room o la propuesta de Lady Dottie & The Diamons, en la que la alegre sexagenaria Dorothi Mae “Lady Dottie” da una verdadera lección de soul, blues, funk, boggie y rock and roll junto con su banda de jovenzuelos macarras de San Diego. Además, el 21 de noviembre el LABcafé de Laboral Centro de Arte y Creación Industrial acogerá una de las propuestas musicales más relevantes de todo el Festival. The Fiesta reunirá las voces y la música de cinco de los grupos más destacados de la escena nacional e La Bien Querida Skye internacional. Sidonie, hará que la noche gijonesa entre en calor con los temas de su último disco, “El incendio”, quinto disco de estudio de la banda en once años de carrera. Junto al trío barcelonés actuarán los toledanos The Sunday Drivers. En plena gira de invierno, los antaño teloneros de Wilco, aterrizan en la ciudad con su último álbum bajo el brazo “The End of Maiden Trip”, en el que intentan superar el éxito del conocido Tiny Telephone. El cartel sigue con la pareja de Djs belgas, Mo y Benoelie, The Glimmers, una formación que inició su andadura en los 80 y que en la actualidad se caracteriza por remezclar éxitos de grandes nombres de la escena musical como The Bloc Party, Deus, The Killers o Roxy Music, de una forma más que divertida y bizarra. Los barceloneses Mendetz, que no han querido perderse la cita, son una banda relativamente joven a los que la crítica describe como “artesanos de lo robótico y conservadores del toque humano manejando sonidos electrónicos”. Y por último, los madrileños Layabouts, sacando el rock a las pistas de baile al modo de Rapture o Bloc Party con temas como “Stop the Replan” o “Rat in a Lab”. noche sol música Rozando ya la despedida de la 47 llegará la consolidada Noche Sol Música, que este año contará con la presencia de dos bandas nacionales. Por una parte, los veteranos Niños Mutantes y sus influencias de artistas como Wilco, Dylan o Stone Roses, y la última hornada de pop fresco y desenfadado español de la mano de Super Submarina. Un ambicioso y exquisito menú musical que tendrá sus guindas con la actuación de la gala de clausura del Festival de la mano de DJ Amable en un repaso a la escena alternativa internacional desde los sonidos de las bandas de Brooklyn hasta el electro pop australiano. Además, y como siempre, el FICXixón sigue apoyando a los grupos asturianos a través de la ya frecuente colaboración con los 40 Principales y el veterano concurso de rock que organiza junto con el Instituto Asturiano de la Juventud. En esta ocasión, el cartel incluirá las actuaciones de Muñeco Vudú y Paperbacks. Dean & Britta 47FICXixón / Página { 15 } MEETING POINT Por fin tenemos un punto de encuentro en el festival, por fin tenemos un lugar, un bar, donde pararse a tomar un café, un pincho, una cerveza entre película y película, o donde quedarse a discurrir sobre lo visto durante la jornada, discutir con cualquiera, amigos, conocidos o completamente desconocidos, planear lo que podría aún verse, hacerse un croquis para el día siguiente o simplemente tumbarse a la bartola a descansar en uno de sus acogedores sofás. Por fin, un área de esparcimiento propia del festival, activa durante las horas de proyección. Es importante, cómodo, conveniente. Fomentará el intercambio entre el público y los invitados, y será seguramente origen de nuevas amistades. Señoras, señores, chicos y chicas, ¡por fin tenemos un Meeting Point! Muy amplio local situado en la segunda planta del centro comercial San Agustín, justo enfrente de la entrada de los Cines Centro. No habrá escapatoria: al llegar o al salir del cine, allí nos estarán esperando viandas y bebidas reconstituyentes para seguir devorando luces por las salas del Festival. Pero no sólo, abierto todos los días entre las 12 h. y las 23 h. (menos el jueves 19, que abrirá a las 15 h.), el programa que ofrece será variado. Acogerá, por ejemplo, los “Cafés con...”, charlas informales con diferentes invitados que presentarán sus trabajos, siempre a las 16 h. El sábado 21 Lucinda Torre tratará de Alegría, su último proyecto; al día siguiente, el domingo 22, Laurent Perreau hablará de L’insurgée, su película presente en la sección competitiva Rellumes; el lunes 23 les tocará a los japoneses Takashi Miura y Takuya Daikiri, jóvenes directores de Nikotoko Island, también incluida en la sección Rellumes; el martes 24 será el turno de los realizadores del primer programa de cortos del Día d’Asturies; el miércoles 25 tendremos ración doble con nada menos que la premiada en Sundance Natalia Almada, directora de El General, y el gijonés Alberto Arce, director de To shoot an Elephant y recientemente ganador del premio al Mejor Director en el Festival dei Popoli de Florencia; y, para terminar, al día siguiente, los directores asturianos del segundo programa del Día d’Asturies nos hablarán de sus trabajos. RUEDAS DE PRENSA LUGAR: SALÓN DE ACTOS DEL CENTRO DE CULTURA ANTIGUO INSTITUTO Viernes 20 Lunes 23 13:15 hrs. 12:15 hrs. 12:15 hrs. Ángela Molina, galardonada con el premio NACHO MARTÍNEZ del Festival. Vimukthi Jayasundara director de la película Between two worlds Idioma: español Idioma: Inglés RECEPCIÓN (VINO ESPAÑOL) con la Consejera de Cultura y Turismo MERCEDES ÁLVARES y los representantes de la Film Commission 12:45 hrs. Idioma: Español Alain Guiraudie director de la película Le Roi de L’Evasion Viernes 27 12:45 hrs. Fatih Akin, director homenajeado. Se presentará el libro Fatih Akin. El Hogar Errante de la autora Violeta Kovacsics. Idioma: Francés 13:15 hrs. 12:15 hrs. Dagur Kari director de la película The Good Heart Sábado 21 Dean Wareman y Britta Phillips presentarán su trabajo 13 Most Beautiful… songs for Andy Warhol’s Screen Tests 12:15 hrs. Idioma: Inglés Álvaro Brechner, director de Mal día para pescar, el actor Gary Piquer y el productor Tomás Cimadevilla. Martes 24 Idioma: Inglés Idioma: Español 12:45 hrs. Bobby Paunescu director de la película Francesca; con la presencia de la actriz Monica Birladeanu Las últimas horas de las tardes festivaleras, a partir de las 19 h., serán animadas todos los días por variados e ilustres djs, algunos de los cuales también protagonistas en las salas de proyección durante la semana. Se arranca el viernes 20 con Robla A.K.A. ANTI DJ, que pinchará en honor de Fatih Akin y las músicas de sus películas. El reggae (Rocksteady: The Roots of Reggae) nos llegará el sábado 21 de la mano de DJ Gaby. Alexis Dos Santos, director del largometraje Unmade beds (Enfants terribles) aparecerá el domingo 22 cargado esta vez con su música. Kiko Amat, insigne componente del Jurado Internacional, escritor ocasional, profesional apasionado del pop, nos deleitará el lunes 23, junto con Miguel Lozano, con descargas de Northern Soul a mayor gloria del ciclo “This is England”. Idioma: Inglés El martes y el miércoles son de nuevo para Robla A.K.A. ANTI DJ: el primer día bajo el nombre “Retrosfilmer”, puras bandas sonoras originales, y el segundo con un homenaje al gran Villalobos, mítico chileno-berlinés, presente en Gijón a través de la película homónima de Romuald Karmakar. DJ Gaby vuelve el jueves con dub dedicado a Babylon (“This is England”). Y el viernes 27, Pablo Culebro Dj tomará a Harmony Korine y sus películas como pretexto para entonar la velada. THIS IS ENGLAND asistirán Barney Platt-Mills director de Bronco Bullfrog; Horace Ove, director de Pressure; Kevin Sampson, escritor y guionista de Awaydays. Decorado con cinematográficos estarcidos del Sr. X y con carteles históricos de pasadas ediciones del festival, algunas realmente muy pasadas, el Meeting Point albergará también una exposición de fotografías de Adriá Garriga denominada “El juego de las películas”. 12:45 hrs. Allí nos veremos todos, por allí pasaremos todos, quien sólo dos minutos para poco más que un pincho y un café, quien para el tiempo que haga falta entre una proyección y otra, cerveza en mano y cara de concentración. Idioma: Inglés 18:45 hrs. (CInes Centro 4) Lynn Shelton directora de la película Humpday Idioma: Inglés Domingo 22 12:15 hrs. Idioma: Inglés Matthias Müller, director homenajeado junto a su colaborador habitual Christoph Girardet Idioma: Inglés 12:45 hrs. Joao Pedro Rodrigues director de la película Morrer como um homem Idioma: Inglés 12:15 hrs. 16:00 h. Babak Jalali director de la película Frontier Blues Harmony Korine director homenajeado. En la rueda estará presente el crítico Alex Medibil Idioma: Inglés Miércoles 25 Sábado 28 12:15 hrs. 12:05 hrs. Joshua y Benny Safdie directores de la película Go get some Rosemary Alex Van Varmerdam director de la película The last days of Emma Blank (le acompañará la actriz Annet Malherbe y el director de fotografía Tom Erisman) Idioma: Inglés 12:45 hrs. Aleksey Balabanov director homenajeado. Se presentará el libro Aleksey Balabanov. Un Cine para la nueva Rusia del autor Jesús Palacios Idioma: Inglés 12:30 hrs. Idioma: Ruso Cruz Ángeles, director de la película Don’t let me drown (Sección Oficial – No Competición) Jueves 26 Idioma: Inglés 12:15 hrs. 13:00 hrs. Idioma: Japonés ATENCIÓN: ESTA RUEDA DE PRENSA COMIENZA A LAS 13:00 HRS. DELIBERACIÓN DEL JURADO 12:45 hrs. Idioma: Inglés / Español Masahiro Kobayashi director de la película Wakaranai Sarah Leonor, directora de la película Au Voleur Idioma: Francés Página { 16 } / 47FICXixón PARA AYUDARLES En la red Redacción: Susana Tejedor, Alejandro Díaz Castaño, Elena Duque, Ricardo Apilánez, Isabel Lueje En persona Facebook: es-la.facebook.com/group.php?gid=157208622482 Fotografía: Isabel Permuy, Palmira Escobar Festival Internacional de Cine de Gijón flickr: www.flickr.com/photos/gijonfilmfestival Cabrales, 82. 33201 - Gijón, Spain Myspace: www.myspace.com/gijonfilmfestival Tel. (34) 985 18 29 40. Fax. (34) 985 18 29 44. Youtube: www.youtube.com/gijonfilmfestival E-mail: [email protected] Blog: gijonfilmfestivalenfants.wordpress.com Diseño: www.marcorecuero.es Traducciones: María Xosé Rodríguez Imprime: El Comercio Web: www.gijonfilmfestival.com HOY JUEVES 19 MAÑANA VIERNES 20 ANTIGUO INSTITUTO ANTIGUO INSTITUTO 19:45 h. THIS IS ENGLAND 19:45 h. “Quadrophenia” 120’ LABORAL 20:30 h. ENCUENTRO DÍA D’ASTURIES MÜLLER / GIRARDET MUESTRA 19:45 h. 22:15 h. LLENDES / COMPET DOCU “Here” 86’ LABORAL 09:30 h. 12:15 h. 12:30 20:00 h. OFICIAL COMPET YELMO 6 20:00 h. 17:00 THIS IS ENGLAND “Quadrophenia” 120’ COMPETICIÓN DOCUMENTAL “L’épine dans le coeur” 86’ POST-BURLESQUE “Guitar Mongoloid” 89’ 22:30 ENCUENTRO EN COLABORACIÓN CON 22:30 h. BALABANOV “Amnistía Internacional” “Cargo 200” 89’ OFICIAL COMPET “Francesca” 97’ ESBILLA YELMO 7 “Rocksteady: The roots of Reggae” 95’ CINES CENTRO SALA 4 20:00 THIS IS ENGLAND ESBILLA 20:00 h. HARMONY KORINE “Mister Lonely” 112’ CINES CENTRO SALA 4 17:00 h. 22:30 h. “Performance” 102’ CINES CENTRO SALA 5 CINES CENTRO SALA 1 17:00 h. PRENSA Y ACREDITADOS “Francesca” 97’ POST-BURLESQUE “Dark Horse” 109’ THIS IS ENGLAND PRENSA Y ACREDITADOS OFICIAL COMPET BALABANOV “Cargo 200” 89’ 17:00 h. ENFANTS TERRIBLES “C’est pas moi, je le jure!” 110’ “Performance” 102’ 22:30 h. “Les beaux gosses (French Kissers)” 90’ ENFANTS TERRIBLES POST-BURLESQUE CINES CENTRO SALA 3 20:00 h. PRENSA Y ACREDITADOS “Jasper, viaje al fin del mundo” 86’ “Dark Horse” 109’ 22:30 10:00 OFICIAL COMPET “Les beaux gosses (French Kissers)” 90’ 20:00 CINES CENTRO SALA 3 HARMONY KORINE “Mister Lonely” 112’ ENFANTS TERRIBLES ENFANTS TERRIBLES “Zombie Girl” 91’ CINES CENTRO SALA 2 22:15 h. 22:15 h. “My Suicide” 110’ ENFANTS TERRIBLES “C’est pas moi, je le jure!” 110’ COMPET ESPECIAL “The Wolberg Family” 82’ “Soul Kitchen” 98’ CINES CENTRO SALA 1 ENTRADA LIBRE Programa 1 - 67’ (*) FATIH AKIN 19:45 h. 17:00 h. GALA INAUGURACIÓN OFICIAL NO COMPET. 22:15 h. ENTRADA LIBRE CINES CENTRO SALA 2 20:00 h. BALABANOV “Dead Man’s Bluff” 106’ 22:30 h. ENCUENTRO ESBILLA EN COLABORACIÓN CON “Rocksteady: The roots of Reggae” 95’ “Amnistía Internacional” “Francesca” 97’ OFICIAL NO COMPET. FATIH AKIN “Soul Kitchen” 98’ 19:45 h. ESBILLA - COMPET DOCU “L’épine dans le coeur” 86’ FATIH AKIN “Corto y con filo” 100’ 22:15 h. 19:45 h. POST-BURLESQUE “Eldorado” 80’ CINES CENTRO SALA 5 17:00 h. FATIH AKIN “Corto y con filo” 100’ 22:15 h. ENTRADA LIBRE ENCUENTRO 19:45 h. “Gummo” 88’ EN COLABORACIÓN CON “Conseyu de la Mocedá de Xixón” THIS IS ENGLAND “Pressure” 120’ HARMONY KORINE 22:15 h. ENCUENTRO OFICIAL NO COMPET FATIH AKIN “Soul Kitchen” 99’