3,3 MB - Gijón

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3,3 MB - Gijón
FESTIVAL
INTERNACIONAL
DE CINE
DE GIJÓN
JUEVES 19
DE NOVIEMBRE
DE 2009
Nº. 1
Página { 2 } / 47FICXixón
Inauguración
Los Nombres
Juanma Castaño & Raquel Sánchez-Silva
Evan Dando y Chris Brokaw
Evan Dando es algo más que una estrella del grunge, frontman
de los Lemonheads y terror de las nenas (hoy treintañeras) de los
90. Y así lo demuestra el buen puñado de canciones memorables
que se han ganado un puesto de honor en nuestros corazones (y
también en los de los directivos de la General Motors, que han
fusilado su It´s a shame about Ray para uno de sus anuncios). Esta
vez en un formato más íntimo, que saca a la luz una vertiente
algo más melancólica de nuestro (anti)héroe, aúna fuerzas con
Chris Brokaw, quien fuera miembro de grupos como Codeine,
The New Year y, fundamentalmente, de los intensos Come.
El talento a la guitarra de Brokaw acompañará un repertorio
que propinará dosis de Dando para todos los gustos: desde las
míticas canciones de los Lemonheads primigenios, pasando
por sus incursiones en solitario, hasta llegar a los Lemonheads
reflotados en cuyo último disco, Varshons, reinterpreta temas de
Leonard Cohen, Gram Parsons, Townes Van Zandt, Wire y de
(oír para creer) Christina Aguilera.
Juan Manuel Castaño Menéndez, más conocido como Juanma
Castaño, será uno de los encargados de conducir la gala inaugural de
la edición 47 de FICXixón. El gijonés ha alcanzado en los últimos
años una formidable popularidad, unida a un merecido prestigio,
como periodista en el mundo del deporte. Sus comienzos tuvieron
lugar en la cadena SER, donde estuvo ligado a varios programas y se
convirtió en la voz habitual en las retransmisiones de los partidos del
Real Sporting de Gijón. Actualmente, y tras muchos años de trabajo,
es el subdirector del ya clásico Carrusel Deportivo, y una de las voces
habituales de El larguero. En cuanto a su labor televisiva, desarrollada
dentro de la cadena Cuatro, comienza con su participación en el
programa futbolístico Maracaná, y concluye, por el momento, como
presentador de la sección de Deportes de Noticias Cuatro, a la que tanto
él como sus compañeros Nico Abad y Manu Carreño han conseguido
dotar de un estilo particularmente ameno y desenfadado. Junto al
mencionado Carreño ha escrito el libro Podemos, dedicado al triunfo de
la Selección Española de Fútbol en la pasada Eurocopa de 2008, evento
que fue vivido por Castaño a pie de campo. Su más reciente proyecto
en Cuatro es la resurrección del mítico programa El día después, que
co-presenta a día de hoy junto a Santi Cañizares.
La otra presencia encargada de poner en marcha la avalancha de cine
en Gijón será la igualmente popular presentadora extremeña Raquel
Sánchez-Silva, otro de los rostros más reconocibles y admirados de la
cadena Cuatro, cuya presencia en un proyecto suele ser sinónimo de
éxito. Después de desempeñar labores como reportera deportiva en
TVE, la cacereña se estableció temporalmente en Canal + a mediados
de la presente década, y allí presentó La hora Wiki, así como el programa
Magacine, dedicado a la actualidad cinematográfica. También fue la
enviada especial al pie de la alfombra roja durante varias ediciones de
La noche de los Oscars. En 2005 da el salto a Cuatro para hacerse cargo
del magacín Noche Cuatro y, posteriormente, del programa Supernanny.
Durante los años siguientes, Raquel ha sido la encargada de conducir
diversos espacios en la cadena, como Superhuman, Oído cocina, S.O.S.
Adolescentes, Visto y oído o Ajuste de cuentas. Además, ha viajado a Estados
Unidos para grabar varios especiales dedicados a algunas de las series
recientes de mayor repercusión internacional, como House, Anatomía
de Grey, Cinco hermanos o LOST (Perdidos). Actualmente conduce en
Cuatro, entre otros, el programa Pekín Express, ganador del premio TP
de Oro al mejor reality show en 2008.
ÁNGELA MOLINA
Sus más de tres décadas rodando a las órdenes de directores como Luis
Buñuel, Luigi Comencini, José Luis Borau, Marco Bellocchio, Manuel
Gutiérrez Aragón, Jaime Camino, Bigas Luna, Pedro Almodóvar,
Ridley Scott, los hermanos Taviani o Lina Wertmüller, avalan una de
las trayectorias cinematográficas más solidas y privilegiadas del cine
español. Hija del actor y cantante Antonio Molina, Ángela nace en
Madrid en 1955 y tras estudiar ballet clásico, danza española y arte
dramático, su primer papel en el cine llega en 1974 con la película
de César Ardavín No matarás. Son los años de la Transición y el cine
español se “destapa” tanto si el guión lo exige como si no. Ángela
Molina margina su carrera de esta coyuntura carnosa para vincularse
a proyectos donde la calidad va unida a un claro contenido social y
político. Así, rechaza a Vicente Aranda para Cambio de sexo (1976) y
acepta, en cambio La Ciutat cremada (Antoni Ribas, 1976)), Las largas
vacaciones del 36 ( Jaime Camino, 1976), Camada negra (Manuel Gutiérrez
Aragón, 1977), Los restos del naufragio (Ricardo Franco, 1978), La Sabina
( José Luis Borau, 1979) ...
En 1977 Luis Buñuel firma su testamento cinematográfico. Se titula
Ese oscuro objeto de deseo y la última genialidad del maestro requiere dos
actrices relevándose en la encarnación de la protagonista femenina.
Carole Bouquet es una, la otra es una elección personal de Buñuel, una
apuesta encaprichada, un acierto absoluto: Ángela Molina porque en
palabras del director “posee el rostro de una virgen pagana”. Tras Ese
oscuro objeto del deseo (nominada al Oscar a la Mejor Película Extranjera)
Ángela salta al cine internacional para rodar con Luigi Comencini (El
gran atasco, 1978), Elio Petri (La buone notizie, 1979), Marco Bellocchio
(Gli occhi, la bocca, 1982), Lina Wertmüller (Camorra: contacto en Nápoles,
1986), Alain Tanner (El hombre que perdió su sombra, 1991), Ridley Scott
(1492: La conquista del paraíso, 1992), Alejandro Agresti (El viento se llevó
lo que, 1998), Giuseppe Tornatore (La desconocida, 2006) o con Paolo y
Vittorio Taviani (El destino de Nunik, 2007)
1977 es también el año en que inicia su relación profesional con
Manuel Gutiérrez Aragón, el año de Camada negra, primera de las
cuatro películas que rodaron juntos. Seguirían El corazón del bosque
(1979), Demonios en el jardín (1982) y La mitad del cielo en 1986 y con
la que obtendría la Concha de Plata a la Mejor Actriz en el Festival
de San Sebastián. Con este corpus fílmico, fundamental en la historia
del cine español, Ángela Molina se convierte no solo en el rostro por
excelencia de nuestras pantallas sino también en la preferida por la
crítica. Sobre ellas afirma la actriz: “Esas películas marcaron mi alma y
mi forma de trabajar”.
El reconocimiento y los premios llegan también desde Nueva York e
Italia: los críticos neoyorkinos le conceden su Gran Premio en 1985 y
en 1986 se convierte en la primera actriz extranjera en recibir el David
de Donatello, otorgado por la Academia Italiana de Cine.
Es en esta época donde Ángela hace caso por fin a su herencia musical:
graba un disco (Con las defensas rotas), forma dúo con Georges Moustaki
en la canción Muertos de amor y canta y baila -bordándolo- en las dos
entregas de Las cosas del querer ( Jaime Chávarri, 1989 / 1995).
En 1997 Pedro Almodóvar consigue por fin que Ángela Molina le de
el sí quiero para Carne Trémula y de nuevo para interpretar a la madre
de Penélope Cruz en Los abrazos rotos (2009).
El teatro ha sido y es otra de sus pasiones interpretativas y así, en 2002,
debuta en el Festival de Teatro Clásico de Mérida con Troya, siglo XXI;
en 2005 se mete en la piel de la mítica Mrs Robinson para el montaje
de El graduado (dirección de Andrés Lima) y en 2008 pone en escena La
dama del mar, la adaptación que Susan Sontag realizó sobre el clásico de
Henrik Ibsen.
Sus últimos trabajos incluyen, además de Los abrazos rotos, Diario de una
ninfómana (adaptación cinematográfica del escándalo literario europeo
de la década), Baaria (Giuseppe Tornatore) y Barbarossa de Renzo
Martinelli.
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Inauguración
La película
Soul Kitchen
Película completamente alemana, Soul kitchen es una historia sobre
migración en Hamburgo que no se encuentra a caballo entre Estambul y
Hamburgo, como en Contra la pared o Al otro lado, sino que se concentra
exclusivamente en Alemania. El director alemán de origen turco, de 35
años, ha vuelto a rodar con su elenco favorito: Adam Bousdoukos, que
ya participó en varias películas de Akin con papeles secundarios y que
es también coguionista del filme. Además, Bousdoukos es, en la vida
real, dueño de una taberna de comida griega en el barrio hamburgués
de Ottensen, y encarna en la película su propio papel. De ascendencia
griega, tiene 34 años, es amigo de Akin, crecieron en el mismo barrio
y fueron juntos a la escuela. Junto a él, Moritz Bleibtreu y Birol Ünel
(el desquiciado protagonista de Contra la pared, entre otros.
Soul Kitchen es una desternillante comedia basada en la vida de Zinos,
un joven propietario de un restaurante popular en el que la calidad de
la cocina brilla por su ausencia, y que no tiene buena suerte en la vida.
Su novia, Nadine, se ha mudado a Shanghai, los clientes de su Soul
Kitchen están boicoteando a su nuevo chef y encima está padeciendo
problemas de espalda.
Las cosas empiezan a ir mejor cuando la gente de moda acepta su
renovado concepto culinario, aunque esto no consigue solucionar
sus problemas amorosos. Zino decide ir a China a buscar a Nadine y
deja a cargo del restaurante a su hermano Illias, un ex convicto poco
de fiar. Una camarera que en realidad es una artista, un cocinero loco
y brillante y un ex compañero de colegio convertido en un tiburón
inmobiliario. El resultado de estas decisiones será desastroso: Illias
pierde el restaurante al apostarlo con un sucio agente inmobiliario y
Nadine ya ha encontrado un nuevo amor. Sin embargo, puede que
los hermanos Zinos e Illias aun tengan una última oportunidad para
recuperar el Soul Kitchen si consiguen dejar de discutir y empezar a
trabajar como un equipo.
Soul Kitchen recoge el testigo de películas como Deliciosa Martha (2001)
o Kebab connection (2004), y se lanza al mundo de la gastronomía con
una historia muy bien contada y con momentos brillantes.
Un guión redondo en una estructura
convencional
Con un guión muy bien construido y una estructura bastante
convencional, Akin demuestra que sabe hacer mucho más que duros
dramas y saca adelante una comedia sin grandes sorpresas pero con una
factura impecable. “Es el guión más difícil que he hecho en mi vida”,
reconoció el director de historias tan tremendas como Contra la pared,
ganadora del Oso de Oro en Berlín en 2004.
En su opinión, es mucho más difícil hacer una comedia que un drama
y lo más complicado en su caso fue poner toda la estructura en orden,
para lo que tuvo que trabajar durante muchos meses, incluidas muchas
noches en vela. “En mis películas anteriores no he utilizado los
convencionalismos cinematográficos y en ésta sí”, dijo el realizador,
que agregó que es “más difícil respetar las convenciones que saltárselas”.
Aparte del guión, el mayor acierto del filme es, sin duda, el reparto, con
unos actores que cumplen su cometido a la perfección y sin caer en excesos
ni histrionismos.
Akin ha manifestado que tenía a los dos protagonistas, los hermanos
Kazantsakis-Bousdoukos y Moritz Bleibtreu- en la cabeza mientras
escribía la historia, así como a Anna Bederke, una joven estudiante de
cinematografía, sin ninguna experiencia como actriz y que da el tono
perfecto de camarera artista que buscaba el realizador. “Es una declaración
de amor a Hamburgo, y por eso le dediqué el premio de Venecia a la
ciudad y a Monica Bleibtreu, que murió después de actuar en la película”.
La carrera de Moritz Bleibtreu después de Corre, Lola, corre, ha sido
como la de su compañera de reparto en la película, Franka Potente, una
mezcla de títulos taquilleros con un puñado de papeles más interesantes.
En el caso de Moritz, se le ha podido ver en Munich, The Walker o, más
recientemente, en Speed Racer. Se ha sumado al equipo de Fatih Akin para
la que es su tercera colaboración con el director alemán. Birol Unel, que
también actuaba en Contra la pared, tiene un papel en este nuevo título.
Y es que Soul Kittchen es una historia que le estuvo rondando a Akin
en la cabeza durante cierto tiempo pero que no se atrevía a poner en
marcha porque, como señaló, era un poco “esclavo” de su propio éxito
y creía que debía hacer “algo serio”. Cuando murió su productor,
comprendió que “reír forma parte de la vida y del cine”, se liberó y
decidió hacer lo que le apetecía, que era una comedia. “Como director,
quiero experimentar y no repetirme”, aseveró.
Y desde luego lo ha logrado con este filme que ha sorprendido en
Venecia y en el que la música es casi un personaje más de la historia, con
una banda sonora muy cuidada que incluye música instrumental soul de
los 70 y composiciones de Quincy Jones o Kool & The Gang. Además
de Louis Armstrong y dos versiones diferentes de la tonadilla popular La
paloma, canción que aparece y desaparece a lo largo del filme.
Cambio de registro sin mordacidad
Akin se había distinguido hasta ahora por sus densas tragedias, habitadas
por familias turcas en Alemania cuyos atormentados hijos no acaban
de encontrar su lugar en el mundo, un universo que encontró la mejor
expresividad en Contra la pared. En Soul Kitchen el siempre intenso y
dramático Akin se ha propuesto cambiar de registro y hacer una comedia.
Akin logra hacerte sonreír y reír en bastantes momentos, aunque el guión
no se distinga por la sutileza ni la mordacidad. los personajes tienen cierto
encanto y los buenos sentimientos no resultan cargantes.
Fatih Akin le ha dado un giro a su carrera con esta película que ha
despertado el interés de prensa y público. El director alemán aprovecha
esta historia para volver a dar una nueva visión de la actual sociedad
de su país. “¿Por qué será que el humor está casi mal visto, no sólo en
Alemania?” No importa, la película se ha ganado el favor de la mayoría.
Hoy, a las 20.30 horas, Laboral y a las 17.00 en Cines Centro Sala 5.
Repite mañana a las 22.15 horas en Cines Centro Sala 5, con Encuentro
con el Director.
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CICLOS
Alexei Balabanov
Fatih Akin
En colaboración con:
Institut Valenciá de Cinematografía Ricardo Muñoz Suay, Centro Galego de artes da Imaxe, Filmoteca Regional de Cantabria
Corto y con filo
Alemania, 1998, 100 min.
Cargo 200
Rusia, 2007, 89 min.
El estreno ruso de Cargo 200 provocó un inmediato
furor nacional. Esta despiadada película de Alexei
Balabanov, su décimo primer film, gira en torno
al capitán Zhurov (Alexei Poluyan), un oficial
de policía en la Rusia soviética de 1984 que
usa su posición de autoridad para, básicamente,
institucionalizar la violación, el maltrato de
prisioneros, las mutilaciones, la ejecución.
Cargo 200 era un término militar que se refería al
transporte de los cuerpos de los soldados muertos
en Afganistán, lo cual resume a la perfección el
tono de la película: relato estremecedor, pero
también sorprendentemente elegante.
En una escena tremenda, y que justifica el título,
el capitán Zhurov arroja el cadáver de un soldado
(llegado de Afganistán en un cargo 200) sobre la
cama a la que está encadenada su antigua novia, que
el propio Zhurov mantiene secuestrada en su casa,
mientras lee las cartas de amor del joven muerto.
Balabanov es buen conocedor de la zona en la que
está ambientada la película y donde sucedieron
realmente los hechos que se cuentan. Vivió en
primera persona el contexto en el que se desarrolla,
sirvió en el ejército entre 1981 y 1983, y en esa
época, recuerda, los ataúdes provenientes de
Afganistán desaparecían constantemente sin que
nadie supiera adónde iban a parar. Tampoco es
casual el año 1984 como marco del relato: fue
el último del presidente Chernenko, anterior
a Gorbachov, con quien empezaron cambios
que harían desaparecer poco a poco las viejas
estructuras de la Unión Soviética. Cargo 200 puede
leerse como una terrible metáfora sobre la muerte
del totalitarismo, ambientada en el momento en el
que rozaba su ápice.
Decadencia y desolación
La mayor parte de la historia se sitúa en la
ciudad industrial de Leninsk, un pozo negro de
decadencia y putrefacción. Edificios inmundos, a
punto de desmoronarse resquebrajados, de tejados
hundidos, llenos de goteras y cubiertos de capas de
pintura pelada. Perfecto reflejo de la abyección del
despiadado protagonista y del ambiente en el que
se mueve. Pero los hechos escalofriantes que relata Balabanov
no resultan intolerables por obscenos. La cámara
no exhibe, no estiliza lo cruento, desplazándose
innecesariamente como un fisgón lascivo, y nunca
se demora en ello más de lo necesario. Hoy, a las 20 horas en la sala 4 de los Cines Centro. Repite
mañana a las 22:30 h en la sala 6 de los Yelmo.
Por Elena Duque Viña
En los tiempos que corren, donde la impostura y la
falsedad están a la orden del día, se echan en falta las
películas auténticas. Esta autenticidad no se refiere
al realismo de los decorados, o a las actuaciones
de Oscar, sino a la que mana por sí misma de las
historias que tienen algo que ver con quienes las
dirigen. Porque, no nos engañemos, incluso los
cineastas más grandes de la historia pueden pasarse
40 años rodando películas para poder explicar uno
o dos temas, a lo sumo. Somos quienes somos, y
ninguna película puede tener alma si no nace de
una obsesión o de una identidad real.
Tres tristes tigres
Es por eso que Corto y con filo vale la pena, y por
lo que la labor de Fatih Akin es encomiable.
Aunque ésta es su ópera prima, rodada con crudeza
y trazo nervioso (también frescura), ya se ve en
ella a un director que se conoce y se autoafirma
con fuerza, creando sus propios moldes. Uno se
puede imaginar a un Akin joven un poco como a
los protagonistas de la película: vagando por las
calles de Hamburgo- Altona, con sus compinches
de toda la vida, y con los problemas y vicisitudes
que se puede encontrar cualquiera que haya crecido
en un barrio de inmigrantes, con la marginación y
la mezcla cultural que esto conlleva.
Efectivamente, la película va de tres amigos.
Gabriel, de origen turco, acaba de salir de la cárcel
y no quiere saber nada de las chapuzas al margen
de la ley a las que se dedicaba, pues está decidido a
encargarse del taxi de su hermano. Pero cuando se
reencuentra con Costa (ascendencia griega) y con
Bobby (familia Serbia), la cosa se le pone difícil.
Costa es un ladronzuelo de poca monta asociado
con Bobby, que le vende la mercancía. Pero cuando
Gabriel le echa el ojo a la novia de Bobby, y Bobby
empieza a hacer oposiciones para mafioso, parece
imposible salvar la situación sin mancharse las
manos de sangre. Porque los amigos son los amigos,
y eso es algo que todos llevan grabado a fuego.
Sin embargo, la intención de Akin no es expresar
las carencias de un colectivo, ni hacer cine social
(ése es el prejuicio que despierta la temática), sobre
todo si esta cualidad de “social” implica tratar el
asunto del que se habla como un mero objeto de
estudio al que se investiga como si fuese un insecto
raro. Ante todo, Corto y con filo es una película sobre
la amistad, y Akin se limita a hablar de su entorno
con la naturalidad de quien ha convivido con él
toda la vida. A pesar de la brusquedad de la trama
y la violencia de los acontecimientos, donde reside
el valor de Corto y con filo es en los momentos más
triviales. Pasear por la noche, o quedarse dormidos
viendo una cinta de vídeo es algo que, bien
reflejado en la pantalla, puede tener significado a
muchos niveles. No es fácil de conseguir, pero de
alguna manera termina reflejándose en la pantalla
cuando quien filma se está dejando la piel en ello.
Hoy a las 19.45. Cines Centro Sala 5. Repite mañana
a las 17 horas en Cines Centro Sala 5, y el sábado a las
20 horas en Yelmo 6.
47FICXixón / Página { 5 }
CICLOS
Harmony Korine
Enfants Terribles
Organizado por:
En colaboración con:
Fundación Municipal de Cultura, Educación y Universidad Popular, Valnalón, Conseyu
de la Mocedá del Principáu D’asturies,Conseyu de Mocedá de Xixón.
Mr. Lonely
Reino Unido, Francia, Irlanda, Estados Unidos, 2007,
112 min.
Por Elena Duque Viña
Harmony Korine ye un cineasta de la emoción.
Habrá quien eche les manes a la cabeza ente esta
afirmación camentando en Gummo, pero ye asina
porque trabaya con estaos d’ánimu y afalantes
imáxenes en cuenta de con argumentos y trames.
Al ver Mr. Lonely pue pensase qu’esta ye una
versión domesticada de Korine, porque nos ufierta,
por primer vegada, una historia a la que se garrar
y secuencies que nun tán plagaes de repunantes
estampes. Pero rescuriando un poco la superficie,
pue vese que’l Korine que conocemos sigue intactu
pesie los años d’ostracismu.
Mr Lonely cuenta la historia d’un impersonator de
Michael Jackson (Diego Luna), que coincide nun
casting con una imitadora de Marilyn Monroe
(Samantha Morton) que lu invita a dir con ella al so
abellugu, una islla na qu’hai una especie de comuña
d’imitadores. Ellí viven Charles Chaplin, Shirley
Temple, el Papa, la Reina d’Inglaterra, Sammy
Davis Jr, Buckweath, Abraham Lincoln, Madonna
y Capiellina Colorada.
Un plan perfeutu
Pa crear el personaxe de Diego Luna, inspiróse nun
casu que vivió en París. Korine tenía una pistola de
petardos, que disparó xusto al llau d’un imitador
de Jacko que baillaba na cai, y que al oyir el ruidu
tiróse al suelu pa protexese. Korine fue a ayudalu, y
terminó faciéndose amigu del home, de nacionalidá
alemana, que-y esplicó que tenía una prótesis pola
pierna que perdió en Vietnam, y que nel momentu
del tiru tuvo un flashback de la guerra. Asina nació
la so curiosidá polos falsos Michael Jackson, y el
proyeuto de película.
C’est pas moi, je
le jure!
Otra anécdota fizolu dar col nome del film: tando
Korine nun restaurante, un home empapizóse
con un pepiniyu, y tuvieron qu’ayudalu cola
maniobra de Heimlich. Mientres, sonaba de fondo
Mr. Lonely de Bobby Vinton. Como Lynch en
Blue Velvet, descubrió’l potencial alegóricu que
pue llegar a tener esti cantante de la perfeuta
(n’apariencia) y feliz (a la fuercia) América de los 50.
Namás falta meter na coctelera dalgunes imáxenes
que-y andaben rondando pela cabeza dende diba
tiempu. Porque ser cineasta ye un poco como
tener un xeniu de la llámpara al que se-y pue pidir
cualesquier cosa, da igual si ye ver a Sammy Davis
Jr llavando calcetos, o facer saltar a unes monxes
d’un helicópteru conducíu por Werner Herzog.
Por Elena Duque Viña
Pero p’allá de anécdotes, Mr Lonely ye una película
que fala de la trescendencia, de ser diferente a los
demás y de ser un soñador pal que la realidá nun
ye abondo. Por eso los sos protagonistes tienen de
crear un mundu a midida col glamour y el carisma
de les estrelles, un llugar especial onde tol mundu
ye famosu. Porque pesie la mayor accesibilidá de
Mr Lonely, Korine sigue dirixiendo films que son
como noveles a les que-yos falten páxines. Ye xera
de cada espeutador rellenales como-yos pete.
Güei, a les 19.45 hores nos Cines Centro Sala 2. Repite
mañana a les 20 hores en Yelmo 7 y el Llunes 23 a les 17
hores en Cines Centro Sala 3.
Philippe Falardeau, Canadá, 2008, 108 min.
Ye d’agradecer una película-con-neñu que nun se
dedica a ser una mirada señardosa de la neñez del
direutor. Pela cueta, C’es pa moi, je le jure! (basada nel
llibru de Bruno Hébert) ye una película que retrata
a Léon, de 10 años, como lo fadría con cualquier
persona somorguiada nun momentu de truena
emocional. Ye dicir, como dalguién normal y non
como esos espantayos hipersensibles que nun s’enteren
de nada, que ye lo que nos quieren facer creyer que
son los neños. Y, amás, failo al traviés d’una historia
adobada con una tapa d’animalaes desconamadamente
cómiques productu de la calentuza imaxinación del
so protagonista.
Tampoco esto ye una semeya de pequeños
delincuentes, nin de mozos espabilaos que busquen
la vida. A la familia de León va-y bien y vive en
1968 nuna urbanización de clase media nel Canadá
francés. Tien una bici y unos prismáticos y sabe tocar
el pianu. El pá ye políticu y la ma ye un ama de casa
hippy, d’eses qu’entamen les mermuraciones de les
llinguateres llocales. La so familia nun ye “normal” pa
los cafiantes de los vecinos. Lo qu’apolmona a Jerome,
l’hermanu mayor, León vívelo con naturalidá: tener
un ma folixera, que-yos enseña coses como que “ye
malo dicir mentires, pero peor ye diciles mal”.
Patrocinado por:
A tiempos desesperaos, midíes
desesperaes
Léon nun ye nengún santu. Pero, según va habiendo
más tensión en casa, les sos sanxuanaes van faciendose
cada vegada más esparataes. Cola la prudencia por
montera, toma la vida col cuayu d’a quien nun-y
importa un res que les coses que fai (incluyíos
los sos “suicidios accidentales”) tengan dalguna
consecuencia. Y, cuando a la fin la ma cola de casa
pa refacer la vida en Grecia, lo que yeren rapazaes
que facíen sorrir, tórnense tochaes dafechu que faen
llorar ente los bastigazos de la carcaxada. Porque ye
un criminal con estilu: magar que mexe n’abrigos de
piel, afuraque cristales o prenda fueos, failo siempres
como quien llava la boca. Y cuando topa con un alma
ximielga que lu ayuda a redimise, la so vecina Léa, les
idees de bomberu que lu carautericen yá nun tienen
llende.
Con too y con eso, Philippe Falardeau nun dexa
aparte la poesía, como la que fai colos blancos y
azules de la Grecia pa la que coló la ma (a la que,
por cierto, nun quier demonizar), o cola naturaleza
y la lluz de les viesques y los maizales canadienses.
Tien l’habilidá d’añadir una cuyarada de zucre a los
momentos más amargos, lo xusto pa nun repunar,
y de falar de momentos dolorosos faciendo rir, y
muncho. Y, sobre too, fai que queramos a Léon
ensin xustificalu. Porque, como diz nun momentu
el pá, “normal” nun esiste.
Güei a les 22.15 hores nos Cines Centro Sala 1. Repite
mañana a las 12.30 hores en Cines Centro Sala 3 y
Martes 24, a les 9.30 hores na Llaboral.
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CICLOS
Post Burlensque
la nueva farsa en el cine europeo
Dark Horse
Dagur Kári, Dinamarca/Islandia, 2005, 109 min.
Segunda película de Dagur Kári, director de la
exitosa Noah el Albino. Comedia amarga ésta sobre
jóvenes que pasan la vida haciendo lo mínimo
posible por comprometerse. Daniel se gana
cuatro duros pintando por encargo declaraciones
de amor por las paredes de Copenhague. Franc
es una encantadora y lisérgica dependienta de
confitería. Cuando el gordo Roger, pre-árbitro
de fútbol, se la descubre a Daniel, un hermoso
mozo, éste no tarda en birlársela y enamorarse
de ella. Los dos se entienden casi sin hablarse,
utilizan la misma frecuencia, se ríen entre tímidos
y satisfechos por lo mucho que se gustan y por lo
mucho que se van a gozar. Las preocupaciones que
rigen la existencia de la mayoría de las personas
no parecen ir con ellos.
Dejándose llevar, sus días transcurren por un
limbo del que no esperan salir. Pero la vida se les
acaba colando por donde menos se lo esperan.
Complicaciones. Pánico. Huidas. Miedo a hacerse
mayor, a envejecer. El caballo oscuro, que puede
ser el instinto, se desboca en un momento de
pausa, justo cuando parece que todo va a volver
a la normalidad monótona. Uno monta a ciegas
ese caballo o no lo monta en absoluto. Daniel y
Franc se lanzan a galope tendido sin saber lo que
les espera.
Jarmusch estaría orgulloso de este director islandés
que tanto le debe. Blanco y negro desaliñado, puesta
en escena inmediata, una indefinible sensación de
libertad y frescura que acompaña cada escena, el
uso discreto y efectivo de la música incidental y
esos personajes tan absurdos como creíbles.
Jueves 19 a las 22:15 h. en la sala 2 de los Cines Centro.
Repite el viernes 20 de noviembre a las 22:30 en la sala
7 de los Yelmo.
Eldorado
Bouli Lanners, Bélgica, Francia, 2008, 80 min.
Por Alejandro Díaz Castaño
Philippe “Bouli” Lanners es un artista
multidisciplinar belga presente desde hace
muchos años en el mundo del cine y la
televisión como actor y, posteriormente,
como guionista y director, y que además
desempeña otras actividades artísticas entre
las que destaca su poco difundida dedicación a
la pintura. El primer largometraje en el que se
colocó tras la cámara, Ultranova, obtuvo, entre
otros, un galardón en la Berlinale y el Premio
Principado de Asturias al Mejor Largometraje
en la edición de 2005 del Festival de Gijón.
Generalmente su figura suele ser asociada al
género de la comedia (ha interpretado papeles
en películas como Astérix en los juegos Olímpicos
o Louise-Michel, cinta que también podrá verse
en la sección Post Burlesque), si bien es justo
reconocer que sus películas como director
suelen transitar un terreno más bien movedizo
en lo que respecta a su clasificación dentro de
los géneros cinematográficos “clásicos”.
existencia no parece que se divisen horizontes
demasiado halagüeños o ilusiones que vayan
más allá del aburrimiento cotidiano. Un día
como otro cualquiera, regresa a su hogar y se
topa con la sorpresa de que éste ha sido allanado
por un joven llamado Elie, al que sorprende
in fraganti en plena faena. Sin embargo, Yvan
evita la reacción esperable y decide llevarse
al recién conocido zagal de viaje a casa de
sus padres. A partir de esta sencilla premisa,
Lanners construye una película de carretera
de fuerte sabor americano, a lo que ayudan
elementos como el modelo coche que Yvan
conduce por las llanuras belgas (un genuino
Chevrolet) o la selección musical con la que se
acompañan las andanzas de la singular pareja.
Durante su insólito periplo, Yvan y
Elie irán estrechando su relación poco a
poco, en la medida de lo que permiten las
diferencias sociales y generacionales, y juntos
atravesarán multitud de situaciones de lo
más sorprendentes (algunas rayanas con el
surrealismo) con el denominador común de
un humor absurdo y/o bizarro.
Es el caso de Eldorado, que aunque no tenga
demasiado que ver temáticamente con la casi
homónima obra maestra de Howard Hawks,
ofrece una historia en la que, sin perder de
vista en ningún momento el componente
satírico, Lanners transita el arduo camino
que conduce del bombardeo masivo de
sketches humorísticos de la parte inicial, a una
vertiente dramática que irá introduciendo
paulatinamente a medida que transcurre el
metraje.
Por otra parte, muchos de los diálogos
que compartirán resultan particularmente
inspirados y revelan un peculiar ingenio en
su construcción, así como en su ejecución
(las interpretaciones pueden considerarse
uno de los puntos más atrayentes del film).
Sin llegar a enfangarse nunca en el moralismo
aleccionador, Eldorado se mantiene fiel, desde
la modestia, a una mirada descreída sobre la
sociedad occidental, vista como un espacio en
el que los valores humanos más añorados por
sus ciudadanos resultan difíciles de encontrar,
y aún más de recuperar.
El planteamiento del film, escrito e
interpretado por el propio realizador, nos
presenta a un personaje llamado Yvan, en cuya
Hoy a las 22.15 horas en Cines Centro Sala 5. Repite
el domingo 22 a las 17 horas en Cines Centro Sala 3 y el
Martes 24, a las 22.15 en Gijón Sur.
47FICXixón / Página { 7 }
CICLOS
This is England
Performance
Nicolas Roeg y Donald Cammel, Reino Unido, 1970,
105 min.
Por Carlos Losilla
QUADROPHENIA
Franc Roddam, Reino Unido, 1979, 120 min.
Por Gonzalo de Lucas
Quadrophenia no es un film cobarde ni ventajista,
que haya aprovechado una moda o un estilo de cine
en boga. Más bien al contrario, se aventura (y lo
hace con bastante ímpetu) en el propósito de captar
los síntomas de una época mediante la recreación
de otra: su gran sustrato es la energía precipitada
que despliegan los jóvenes actores, y su defecto que
el director los envases en planos de litro y medio.
Desde finales de los años setenta casi todos los
cineastas ingleses han filmado la sociedad del
presente como si fuera un plató naturalista
(quizás por eso, los mejores filmes ingleses desde
entonces han sido memorias autobiográficas,
como los de Bill Douglas, Terence Davies o John
Burgan) . Quadrophenia es también una búsqueda
retrospectiva de ver el presente recobrando el
pasado y los propios recuerdos, pero, más allá de
su fondo naturalista de localizaciones y vestuarios,
concede demasiado interés a una intriga que es
una síntesis de personajes con explícitos conflictos
psicológicos y un fondo de secundarios chillones.
Si bien Roddam consigue escanciar una época a
partir de su estética, al filmar la ira y la rabia juvenil
sólo se le ocurren planos pulcros y estudiados,
cuando el realismo es una grieta que el modo
de rodar abre en los temas filmados. El rock es
interesante para el cine porque permite espejar a
uno en el otro: a veces, mediante la contención,
la elegancia o el artificio coreográfico (la creación
de un personaje o una actitud), otras mediante la
calidez imprevisible de la interpretación en vivo,
sea haciendo visible la monotonía de los ensayos (la
música en proceso) o el directo liberado.
Si podemos abstraer Quadrophenia de los efectos
retóricos derivados de un relato tan tópico, que
va perdiendo gas hasta quedarse en la cuneta,
veremos que no es en su realismo de docudrama,
sino en los clichés y estereotipos, en su fuerza de
film-icono, póster o portada de disco, adherida a
la estética mod, donde la película deja sus buenos
recuerdos generacionales, en parte porque su otra
gran aportación pasa por no olvidar que el cine
también se hace con los oídos, y que puede ser una
profundización dramática en el lenguaje.
El film trabaja con tanta variedad las jergas y los
usos del idioma inglés que acaba por encontrar su
ligereza y sus mejores efectos en los sonidos y en
las palabras, en las veloces frases y en las canciones
integradas en el lenguaje ordinario: sonidos que
pegamos a una foto fija de mods, quizás porque
Quadrophenia supo crear imágenes, pero no
movimientos de imágenes.
(Publicado en la revista Cahiers du Cinema. Especial
número 10)
Hoy, a las 19.45 h. Antiguo Instituto. Repite mañana a
las 17.00 h., en Cines Centro Sala 3.
En el fondo, la tradición realista británica siempre
tuvo un punto de alucinación. Esta tendencia adoptó
sus mejores formas en el Free Cinema, algunas
de cuyas muestras mayores parecen concebidas
desde las cabezas de sus protagonistas, allá donde
los distintos elementos del mundo exterior
establecen extrañas conexiones entre sí. Richard
Harris en El ingenuo salvaje (Lindsay Anderson,
l963) o Albert Finney en Sábado noche, domingo
mañana (Karel Reisz, 1960), en este sentido,
podrían ser los precedentes de Performance, el
debut en el largometraje de Nicolas Roeg junto a
Donald Cammell, culminación conceptual de esos
desdoblamientos y disoluciones. Y en ese camino
podría cruzarse también Michelangelo Antonioni,
que había pasado por Londres en 1966 para rodar
BIow-Up, donde lo visible se desmorona y sólo
quedan manchas, rostros, vacíos.
Por ello no es de extrañar que el paso al cine
americano de cineastas como el propio Reisz o Tony
Richardson acabara escorándose hacia una apología
de la desaparición: desde el James Caan de El jugador
(1974) hasta el Jack Nicholson de La frontera (1982),
toda esa serie de movimientos por la cuerda floja
terminan difuminando la propia figura.
En esa genealogía de imágenes, Performance
desempeña un papel fundamental, como si los
angry young men de los años sesenta hubieran
degenerado en la figura de ese matón de poca
monta ( James Fox) que vivirá su progresiva
extinción en contacto con una estrella del rock en
decadencia (Mick Jagger), en un misterioso caserón
de Notting Hill.
Si Julio Cortázar estaba en el origen de BIowUp, aquí el punto de partida parece ser Jorge Luis
Borges, de quien Jagger lee unas cuantas líneas
antes de que uno de sus libros caiga al suelo y cuyo
rostro aparece en el collage final. Pero tampoco
hay que olvidar Persona (Ingmar Bergman, 1966),
citada explícitamente en determinadas fusiones de
rostros, o los cuentos de Edgar Allan Poe (Roeg
había fotografiado La máscara de Ia muerte roja;
Roger Corman, 1964), hasta el punto de que
podría tratarse de una adaptación muy particular
de La caída de la casa L.Isher.
Sea como fuere, Performance es una película pop
en el sentido más puro de la expresión, pues no
sólo indaga en los subterráneos de la cultura del
Swíngíng London, sino que se va haciendo a sí
misma a partir de materiales preexistentes que se
dedica a reconfigurar y moldear, encajándolos
finalmente en una narración anticlimática. donde
la discontinuidad del montaje y la agresividad
de la planificación aparecen concebidas como un
bombardeo constante sobre los hábitos perceptivos
del espectador. Hay, entonces, una especie de
viaje -también en e l sentido psicotrópico de la
expresión- que conduce de arriba abajo, de lo que
queda de la gran Inglaterra victoriana a las nuevas
formas de vida contraculturales.
matones y hombres de
negocios
Al inicio, Fox se mueve entre matones y hombres
de negocios, cortes judiciales y despachos siniestros.
En la segunda mitad, aparece Mick Jagger en la
piel de Turner, una estrella de rock en decadencia
encerrado en el sótano de una gran mansión, donde
personajes extravagantes y ambientes psicodélicos
se encargarán de poner en duda su identidad. Pero
¿ha cambiado algo? Película sobre la decadencia,
Performance se ofrece también como un retrato
dual cuyas dos caras se revelan idénticas: Fox y
Jagger pero igualmente el viejo mundo que se
extingue y el nuevo mundo que nunca llegará a
florecer, pues la imagen del Londres underground
se revela tan oscura y mortecina como la tradición
de la que procede.
La película de Roeg y Cammell es un comentario
sarcástico sobre las presuntas “revoluciones” de la
época, a la vez que una propuesta extrema que el
cine moderno no podrá asumir, una desintegración
de texturas y conceptos que se declara incapaz de
ir más allá. Y por eso, aunque ambos cineastas
resulten básicos para el cine contemporáneo, su
obra nunca ha podido alcanzar la homogeneidad
suficiente como para obtener una presencia
continuada en sus idas y venidas. Quizá por ello la
desintegración progresiva de formas e identidades
que propone Performance también pueda aplicarse
a sus responsables, lo cual la hace aún más
fascinante.
(Publicado en la revista Cahiers du Cinema. Especial
número 10)
Hoy, a las 22.30 h. Cines Centro Sala 4. Repite
mañana a las 20.00 h. en Yelmo 6.
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CICLOS
Llendes
L’ ÉPINE DANS LE
COEUR
Michael Gondry, Francia, 2009, 86 min.
Por Carlos Losilla
Michel Gondry ye un casu mui especial nel cine de
güei. Francés que nun quier ser francés, pero que
cuando ye francés ye más francés que naide, el so
territoriu ye’l de Spike Jonze y Charlie Kauffmanpor cierto, nun dexen de ver Synecdoche, New York,
una de les grandes películes norteamericanes de
los caberos años-, pero la so procedencia cultural
revélase europea. ¿Quién, sinon, diba ser quien
a consiguir que Jim Carrey fuera’l protagonista
d’una película de Alain Resnais fecha en
Hollywood, como ye ¡Olvídame!? ¿Y quién podría
tener pensao una fábula a lo Frank Capra con ecos
del costumismu parisín de Jacques Becker o Marcel
Pagnol, pasáu pola peñera de lo friki, como fizo’l
nuestru home en Rebobine, por favor?.
La materia de les películes ye’l tiempu, la mesma
materia de la que ta fecha’l cine. Y por eso L’épine
dans le coeur, un bixu del arte d’andar pela cuerda
floxa, nun podía ser otro qu’un documental sobre’l
Esbilla
Patrocinado por:
so pasáu, o más bien el de la so familia: una tía
que foi mayestra escuela ente 1952 y 1986, años
nos que percorrió una Francia rural qu’agora
apaez estrozada y desfecha. Lloñe de cualquier
tipu de señaldá, Gondry diz que’l pasáu ye un
terrén esbariosu, paralelu al presente, siempres
vivu y baltiante, que pue tapecer ambigüedaes
apostemantes, como demuestren les esmolecedores
películes en Súper 8 rodaes pol fíu la mayestra.
Pero al tiempu preséntase tienru y murniu, graba
árboles y cases d’aldea como si fuera la primer
vegada y trespasa de siguío les llendes ente realidá y
ficción al convertir la familia n’otru más de los sos
universos llaberínticos, como si saliera de la mente
de los Jim Carrey o Jack Black de les sos películes
primeres.
L’épine dans le coeur, en fin, ye una película pa tastiar
como si tuvieramos en casa una tarde de domingu
a vueltes coles grabaciones familiares. Pero equí hai
más retranca y dobles intenciones, menos llarimines
pol tiempu perdíu y más reflexón sobre lo que
de verdá significó. Que naide nun s’engañe: nes
películes de Michel Gondry, el tiempu escuende
munches más coses de les qu’amuesa.
Güei a les 20 hores nos Cines Centro Sala 3. Repite
mañana a les 19.45 hores en Cines Centro Sala 1.
Rocksteady: The
Roots of Reggae
Stascha Bader, Suiza/Canadá, 2009, 95 min.
Por Alejandro Díaz Castaño
Si bien ye verdá que’l reggae ye un estilu de música
enforma popular, y qu’entá güei lu siguen (en bien
de casos con adoración) en tol planeta al traviés,
en bona midida, de la figura arquetípica del gran
Bob Marley, el so precedente más direutu nun ye
tan conocíu, el rocksteady, soníu que xurdió en
Xamaica metanes la década de los 60. Hasta entós,
el ska yera’l ritmu de moda, qu’alloriaba a los
habitantes de la islla coles sos aceleraes melodíes.
Poro, nun determináu momentu el tempo de
los cantares faise más sele, lo que dará llugar al
rocksteady, y depués al reggae. Dalgunes fontes dicen
que les altes temperatures que se vivíen daquella,
pues una fola de calor solmenaba’l país caribeñu,
son les responsables del descensu de velocidá de les
melodíes, pero l’únicu fechu probáu ye que’l rapáz
(quenamái tenía dieciséis años daquella) Hopeton
Lewis quixo aplicar esti nuevu conceutu aseláu
a Take it Easy, un tema pensáu de mano colos
parámetros del ska. Por embargu, otres versiones
falen de que la canción Get Ready to Rocksteady,
interpretada por Alton Ellis, foi la primer muestra
“oficial” del nuevu soníu.
Lo verdaderamente trescendente ye que, alderiques
aparte, l’ésitu de la fórmula que taba naciendo
disoe darréu, asina que munches otres bandes
tamién se la usaron pa consiguir calistrar no
más fondero del espíritu de la cultura popular
xamaicana. La película roblada por Stascha Bader
recueye l’aconcetamientu, delles décades depués,
de munchos de los supervivientes del rocksteady,
convocaos por mor de la grabación d’un álbum
recopilatoriu del movimientu. Una ocasión única
pa ver n’aición a artistes como Hux Brown, Scully
Simms, Ken Boothe, Judy Mowatt, The Tamblins
o al mesmu Hopeton Lewis, que certifiquen que’l
movimientu, lloñe de morrer o escosar, caltiénse
más vivu nunca, y la so música tien la mesma
vixencia d’antaño, y amás, como los bonos vinos,
ganó colos años.
Rocksteady: The Roots of Reggae ufre una perbona
oportunidá pa somorguiase nuna de les corrientes
musicales más granibles y apasionantes de la música
moderno, diendo amás al raigañu del movimientu,
a la so primer fuercia. A la nómina d’artistes que
yça mentamos, hai qu’añadir otros munchos, cola
apaición especial de Rita Marley. Emocionada, la
vilba del mitu, qu’entá guarda fidelidá dafechu a los
postulaos del movimientu Rastafari, va recuperar
impagables alcordances d’aquella dómina gloriosa,
y tamién de la vida xunto a Bob (quién por ciertu,
llegó a grabar un cantar tituláu como’l propiu
xéneru, Rocksteady). Amás, interpreta ella mesma
(porque, magar que nun ye dalgo conocío, tien
con una carrera musical propia) dalgunos cantares
pa la ocasión, completando una propuesta que, a
lo llargo d’un metraxe que se fai mui curtiu, nun
para de tresmitir relaxantes y positives vibraciones,
mui d’agradecer nel aventáu y ruidosu mundu
d’anguaño.
Güei a les 22.30 hores nos Cines Centro Sala 3. Repite
mañana a les 17 hores en Cines Centro Sala 1.
47FICXixón / Página { 9 }
Exposición
UNORDINARY PEOPLE
Por Lola Bonet
Mientras que en la pantallas de cine, el ciclo This is England recrea,
a través de doce películas, el devenir de las corrientes alternativas,
desde los años 60, de los jóvenes ingleses, las sesenta y seis fotografías
de la exposición Unordinary People son el testimonio real de esos
movimientos que abanderaron la profunda metamorfosis social de
los últimos 50 años. La exposición Unordinary People, que se puede
visitar hasta el 29 de noviembre en el centro de Cultura del Antiguo
Instituto, se erige pues en aditivo perfecto para el ciclo This is England
que tanto interés ha despertado en el 47 FICXixón.
La muestra, organizada por la Fundación Municipal de Cultura,
Educación y la Universidad Popular en colaboración con el Festival
Internacional de Cine, es un proyecto del Photographic Youth Music
Culture Archive, PYMCA, fototeca con sede en Londres, especializada
en fotografías de la cultura juvenil, que tal y como manifiesta James
Lange, comisario de la exposición y encargado del archivo de la
institución inglesa, tiene como propósito documentar la historia, el
estilo de vida, las modas, la música y movimientos subculturales de los
jóvenes de su país desde la segunda mitad del siglo XX. “La finalidad
del proyecto”, manifiesta Lange, “es ordenar en una línea en el tiempo
las décadas, desde los años 60 hasta la actualidad, a través de las fotos
que reflejan los movimientos juveniles del último medio siglo”.
Unordinary People, documenta con instantáneas de fuerte impacto
visual, la esencia de las tribus urbanas, inmortalizando a mods, hippies,
punks, skinheads, grunges, indies y la mezcla posmodernista actual,
para convertir una colección de bellísimas e imponentes imágenes,
en un filón de conocimiento sobre el protagonismo de esos jóvenes
en el cambio y la evolución social. Para James Lange, este aspecto
sobresale de una forma especial en el paso de la exposición por Gijón
como complemento de un ciclo dedicado al mismo tema. “Estamos
muy contentos de estar en Gijón. Para nosotros es esencial expandir las
relaciones del archivo a un ámbito europeo e internacional y no sólo
como archivo fotográfico sino como una fuente de material para fines
pedagógicos y de investigación”. .
Acredita la calidad de la muestra y el prestigio del PYMCA, institución
privada e independiente que se financia a través de la explotación de
los copyright de sus archivos, que las fotos que se pueden ver en el
Antiguo Instituto han formado parte de una exposición colgada en las
reconocidas salas del Royal Albert Hall de Londres. Aunque la colección
que visita Asturias en mucho más completa, ya que hablamos de una
exhibición viva que se alimenta con el paso del tiempo. “La amplitud del
contenido de la exposición que presentamos aquí”, aclara Lange, “es la
máxima ya que incluye fotografías de comienzos de los 60 hasta ahora,
ya que la última fue tomada en abril de este mismo año”.
En definitiva, la exposición destapa la esencia de los movimientos
juveniles que desde las Islas Británicas impregnaron el mundo y en un
vertiginoso cambio cultural, actuaron como motor para protagonizar
las más grandes revoluciones de nuestro tiempo, hasta conducirnos,
en una transformación sin precedentes, a la sociedad que ahora
conocemos. Tal y como reflejan algunos de los textos que acompañan
a la Exposición, la Gente Corriente –Ordinary People– se convirtió en
Gente Poco Corriente –Unordinary People– para cambiar el mundo,
y esta muestra se hace imprescindible para entender como ocurrió:
“…la Cultura, anteriormente siempre escrita con la letra mayúscula
C y siempre exclusiva de las clases superiores, dio paso a una cultura
popular que, bullendo desde y para la gente, ensalza sus orígenes
humildes con un cambio democrático hacia la letra minúscula c. El
modo en que la gente corriente se convirtió en poco corriente y, a
su manera, extraordinaria, estaba en el proceso y fue central para esta
transformación”.
Durante el Festival, en el Centro de Cultura Antiguo Instituto.
Horario: lunes a domingo de 11 h. a 14 h. y de 18 h. a 21h.
Página { 10 } / 47FICXixón
Edición 2009
Los menús
Comienzan hoy diez días para degustar un sabroso menú que les hemos preparado. Habrá aperitivos,
primer plato, segundo plato y postre. Y además, .... ¡se puede repetir¡ Habrá cine. Mucho cine. Para
grandes. Para pequeños. Para medianos. Para llorar. Para reír. Para reflexionar. Para evadirse. Para
gritar. Para mascar silencios. Para soñar. Para todo. Para todos. Compartiremos sala y butaca con
directores, actores, guionistas, escritores, periodistas. Veremos cine. Hablaremos de cine. Pensaremos en
cine. En blanco y negro. En color.
PARA EMPEZAR
Como es habitual en nuestro
Festival, cada día se
celebrarán
Ruedas
de Prensa. Son
por la mañana.
Comenzamos
a las doce y
cuarto y nos
vamos a la hora de
comer. Nuestros
compañeros,
los
periodistas
locales,
regionales, nacionales e
internacionales que cada
año acuden puntualmente a
estas citas, saben muy bien
de qué hablamos. Ellos son
los que someten a directores
de cine, actores, productores,
guionistas, a interrogatorios
intensos acerca de sus trabajos.
Fatih Akin, Matthias Müller y
Christoph
Girardot, Aleksey Balabanov y
Harmonie Korine,
directores homenajeados de este año, comparecerán ante los medios de
comunicación. Junto a ellos los realizadores Álvaro Brechner, Bobby
Paunescu, Lynn Shelton, Alain Guiraudie, Babak Jalali, Joshua y
Benny Safdie, Masahiro Kobayasi, Dagur Kari, Joao Pedro Rodrigues,
Cruz Ángeles, Barney Platt-Mills, Horace Ove, Vimukthi Jayasundara
y Alex Van Varmerdam. Actores, actrices, productores, escritores y
guionistas también tendrán un espacio en estos encuentros matutinos.
Asimismo, se presentarán los libros Fatih Akin. El hogar errante, de
Violeta Kovacsics, y Aleksey Balabanov. Un cine para la nueva Rusia, de
Jesús Palacios.
Será en el salón de actos del Centro de Cultura Antiguo Instituto. Las sesiones
se inician a las 12.15 horas, a las 12.45 y a las 13.15 horas.
AL MEDIODIA
A las cuatro de la tarde, cuando llega la hora del café,
nosotros lo tomamos en compañía, en muy buena
compañía. Compartimos mesa con muchos de
nuestros protagonistas. Nos adentramos de lleno en
Meeting Point. Directores y actores, hablarán de los
trabajos que nos ofrecerán a lo largo de estos diez
días. De sus proyectos. De su paso por el festival.
De la fiesta de la noche anterior. Nos acompañarán
Lucinda Torre, Laurent Perreau, Natalia Armada,
Alberto Arce, Sara Leonor, Eugene Green,
Henrik Hellström. Además, celebraremos un
encuentro con la delegación Nikotoko Island y
departiremos sobre el Día d’Asturies.
Será en la segunda planta del Centro Comercial
San Agustín, frente a los Cines Centro, a las
cuatro de la tarde.
DE NOCHE
Durante el Festival el día no termina... y
la noche tampoco. Hasta que el cuerpo
aguante. Muchos son los que disfrutan de
fiestas y conciertos que ofrecemos cada
jornada. Durante estos días no han podido
resistirse a venir muchos grupos musicales
en pleno apogeo. Y les hemos dicho que
sí. Y es que la programación musical del
ciclo gijonés congrega tendencias indie,
formaciones consagradas.
Martes 24 de noviembre de 2009, a las 20.30 h. en el Teatro de la Laboral | Precio 15 €
Pero uno de los platos fuertes musicales
será, indudablemente, el concierto que
ofrecerá Dean & Britta (Dean Wareham y
Britta Phillips) en el Teatro de Laboral. El
espectáculo pone música a trece de los Screen
Tests que rodó el artista Andy Warhol entre
1964 y 1966. La iniciativa del genio del Pop
Art consistió en filmar en silencio pequeños
cortometrajes con una cámara de 16 mm y
una duración de cuatro minutos retratos de
figuras como Lou Reed, Dennis Hopper
y Nico. 13 Most Beautiful... Songs for
Andy Wharhol´s Screen Tests es la primera
edición autorizada en dVD de las películas
de Warhol.
Les esperamos y os esperamos a todos en la Sala
Acapulco del Casino de Asturias, en la Sala
Albéniz y en LABCafé.
Ah y claro, y sesiones peliculeras toda la jornada.
Feliz festival. A disfrutar.
"The collection of The Andy Warhol Museum, Pittsburgh"
"All films ©2009 The Andy Warhol Museum, Pittsburgh, PA, a museum of Carnegie Institute. All rights reserved".
47FICXixón / Página { 11 }
Edición 2009
LOS ROSTROS
En sus manos
reconocimiento
No todos pueden ganar. Y para elegir a los mejores, están ellos. El
Jurado. Ellos son los que tienen la última palabra. Este año nos
acompañan: la directora Lucía Puenzo ( XXY y El niño pez), el
escritor Kiko Amat (Rompepistas), el director Lenny Abrahamson
(Garage y Adam & Pul), el actor Andrés Gertrudix y la directora del
Crossing Europe Film Festival, Christine Dollholfer, para Largos de
la Sección Oficial; la periodista Silvia Grijalba, el realizador Pablo
Agüero (77 Doronship) y el actor Alberto Ferreiro, para Cortos de
la Sección Oficial, y la periodista Elizabet Cabeza, el escritor Ricardo
Menéndez Salmón y Gabe Klinger, No ficción y documental.
Alberto Ferreiro
Andrés Gertrudix
FIPRESCI
Blagoj Kunovski, crítico cinematográfico, fundó el primer el
primer cine de Arte y ensayo en Skopje, capital de la República
de Macedonia.
Oscar Peyrou, escritor, periodista y crítico de cine, preside la
Asociación Española de la Prensa Cinematográfica.
Thomas Rothschild, escribe para varios medios en Alemania
y Austria sobre cine, música y teatro y es miembro de la
Asociación Alemana de Críticos de Cine y de FIPRESCI.
Lenny Abrahamson
Además, el Festival de Cine entrega, por octavo año consecutivo, el
Premio Nacional de Cinematografía Nacho Martínez, concedido en
memoria del actor asturiano fallecido en 1996. Este año, la cotizada
escultura realizada por el artista Jaime Herrero ha sido concedida a la
actriz madrileña Ángela Molina, que recibirá el galardón durante la
gala inaugural.
SALAS
Elizabet Cabeza
Christine Dollholfer
Ricardo Menéndez
Lucía Puenzo
El cierre por reforma del Teatro Jovellanos, escenario principal de
sus galas, proyecciones y encuentros, nos ha obligado a llevar a cabo
cambios en nuestras ubicaciones de siempre. Para ello, añadirá a sus
sedes habituales (Cines Centro, Antiguo Instituto, Centro Gijón
Sur y, por segunda vez, teatro de la Laboral) los multicines Yelmo,
en La Calzada. Las proyecciones de la sección oficial se celebrarán en
los Centro, y la Laboral concentrará todas las Proyecciones del ciclo
para niños y jóvenes Enfants Terribles. En todas esas sedes se podrán
visionar los más de 200 títulos que se proyectarán este año.
Publicaciones
Dos libros serán los que se presenten este año en el Festival de Gijón.
Fatih Akin. El hogar errante, de Violeta Kovacsics, y Aleksey Balabanov.
Un cine para la nueva Rusia, de Jesús Palacios.
Pablo Agüero
Gabe Klinger
Kiko Amat
Silvia Grijalba
Página { 12 } / 47FICXixón
Edición 2009
LOS DATOS
entradas
Las entradas para las sesiones del 47 Festival Internacional de Cine de Gijón se pueden adquirir en www.gijonfilmfestival.com, www.teatrojovellanos.com
online
-
Venta telefónica CajAstur TiquExpress: 902 106 601 (24h)
-
Red de cajeros CajAstur
Para todas estas opciones es necesario recoger la entrada física
en cualquiera de los cajeros de la red CajAstur TiquExpress,
dispensadores automáticos; o en cualquiera de las taquillas del
Festival de Cine excepto Gijón Sur. (imprescindible presentación de
la tarjeta con la que se ha realizado la compra)
A partir del día 19 de noviembre, también:
-
Venta en taquillas.
TAQUILLAS Y HORARIOS
Autobuses
El Festival Internacional de Cine de Gijón cambia este año algunas de sus
sedes de proyección debido a las obras de Teatro Jovellanos. Para asistir
a los Yelmo Cines y al Teatro de la Laboral podrás utilizar los servicios
habituales de las líneas de EMTUSA que unen La Calzada y Cabueñes
con el centro de Gijón.
Las líneas de bus que unen el centro de Gijón con el barrio de Cabueñes
(Universidad Laboral), el barrio de La Calzada (Yelmo Cines) y el barrio
de Pumarín (CMI Pumarín Gijón-Sur) son:
-
-
-
Teatro de la Laboral: para ir desde los Cines Centro hasta la sala de
cine del Teatro de la Laboral puedes coger la línea 4 desde la parada
de la calle Capua ( justo delante del Centro Comercial San Agustín)
que pasa cada 15 minutos. Puedes utilizar también las líneas 1 y 18
que tienen parada en el Paseo de Begoña, frente al Hotel Begoña.
Yelmo Cines: para ir desde los Cines Centro hasta las salas de cine de
los Yelmo Cines Ocimax 3D puedes coger la línea 4 desde la Plazuela
San Miguel que pasa cada 15 minutos. Puedes utilizar también la
línea 1 que tiene parada en el Paseo de Begoña, frente a la iglesia de
los Carmelitas, y la línea que tiene parada en la Plaza del Humedal.
CMI Pumarín Gijón Sur: para ir desde los Cines Centro hasta la sala
de cine de CMI Pumarín Gijón-Sur puedes coger la línea 10 desde
la Plazuela San Miguel que pasa cada 10-15 minutos. Puedes utilizar
también las líneas 15 y 18 que tienen parada en el Paseo de Begoña,
frente al Hotel Begoña.
Yelmo Cines
Todos los días desde el 20 al 28 de noviembre tendrás un bus
disponible a las 00:45h.
C/ Los Andes – Centro – Contrueces – Pumarín – Roces.
Recorrido: C/ Los Andes, C/ Paraguay, Avda. de Juan Carlos
I, C/ Marqués de San Esteban, C/ Pedro Duro, Gota de Leche,
Avda. de la Costa (Hotel Begoña), C/ 17 de agosto, Avda. del
Llano, C/ Pérez de Ayala, Avda. Schulz, Ctra. Carbonera, Ctra.
del Obispo, C/ Río Cares, C/ General Gutiérrez Mellado, C/
Antonio Machado, Glorieta de las Brigadas internacionales,
Ctra. Carbonera, Avda. Salvador Allende. Se harán las paradas de
EMTUSA que se encuentren dentro del recorrido. La salida del
autobús será a las 00:45h en punto.
Teatro de la Laboral
El 19 de noviembre tendrás un bus disponible a las 23:30h.
(servicio especial para la gala de inauguración). El veintiuno habrá
un bus disponible a las 00:30 y el 28 habrá un bus disponible a las
00:30, servicio especial para la gala de clausura.
Universidad Laboral – Plaza del Humedal - Cerillero.
Recorrido: Universidad Laboral, Molinón, Les Mestes, El
Parque, Plaza de Toros, Parque les Cocheres, Continental, Los
Campos, Begoña, La Plaza Europa, L’Humedal, Pedro Duro, La
Playa Poniente, Acuario, Comisaría, Plaza L’Habana, Cortes de
Cádiz, Móstoles, Santolaya, Cuatro Caminos, Uruguay, Fátima,
Martín, Barros.
El precio del billete del bus es de uno punto uno euros y se admiten las tarjetas de
transporte en todos los servicios.
Saldrán a la venta 48 horas antes de su celebración y solamente podrán
ser adquiridas en la Taquilla de Campinos en los horarios de 12h a 14h
y 17:30h a 20h. (de 16h a 20h en el caso de Clausura). Máximo de 4
entradas por persona.
sección Enfants Terribles
Las entradas para sesiones de la sección en horario matinal, solamente
podrán ser adquiridas en el mismo día y exclusivamente en la taquilla
de la sede donde tenga lugar la proyección. Estas proyecciones están
destinadas a centros educativos, por lo que tendrán prioridad a la hora de
acomodarse en las salas.
bonos de 10 películas
Taquilla Los Campinos
Pza. Los Campinos esq. c/Cabrales
Desde el 12 hasta el 18 de noviembre. Canje de venta online,
telefónica y cajeros. De 12h a 14h y de 17:30h a 20h
Desde el 19 al 28 noviembre. De 12h a 14h: Entradas para cualquier
sesión de cualquier sala, cualquier día.
De 16h a 20h: Exclusivamente entradas de cualquier sala para el
mismo día.
El bono permite el acceso, canjeando en taquilla por la entrada
correspondiente, a todos los pases del Festival de Cine excepto
inauguración y clausura. También se podrá acceder a los pases de Prensa
y Acreditados, si el aforo de la sala lo permite, presentando el bono al
responsable de la sala, que recogerá la pestaña correspondiente. En estas
sesiones tendrán preferencia los acreditados.
Puntos de venta:
Taquilla Cines Centro
Centro Comercial San Agustín
-
Taquilla Los Campinos
Venta online:
Desde el 19 al 28 noviembre
-
De 10h a 14h: Entradas para cualquier sesión de cualquier sala,
cualquier día. De 16h a inicio de última sesión: Exclusivamente
entradas de cualquier sala para el mismo día.
www.gijonfilmfestival.com, www.teatrojovellanos.com
-
Venta telefónica CajAstur TiquExpress: 902 106 601 (24h)
-
Red de cajeros CajAstur. Una vez realizada la compra se podrá
retirar el bono en la taquilla de Campinos. (imprescindible
presentación de la tarjeta con la que se ha realizado la compra)
Taquilla Centro Cultura Antiguo Instituto
C/Jovellanos 21
Desde el 19 noviembre al 28 noviembre
Desde media hora antes del inicio de la primera sesión a inicio de
última sesión: Exclusivamente entradas de cualquier sala para el
mismo día.
Además, se habilitarán líneas especiales de EMTUSA después de la última
sesión de cine desde los Yelmo Cines y desde el Teatro de la Laboral.
Líneas especiales
inauguración y clausura
Taquilla C.M.I. Gijón Sur
- A partir del 19 de noviembre también se pueden adquirir en todas
las taquillas del Festival. Precio: 25 €
PASE DE SECCIÓN OFICIAL:
Permitirá acceder a las sesiones de SECCIÓN OFICIAL, excepto
inauguración y clausura, incluidos los pases de Prensa y Acreditados.
C/Ramón Areces, 7
Se podrá adquirir:
- A través de la web: www.gijonfilmfestival.com
Desde el 22 al 29 noviembre. Desde media hora antes del inicio de
la primera sesión a inicio de última sesión: exclusivamente entradas
de esta misma sala para el mismo día.
Taquilla Teatro de La Laboral
- En las oficinas del Festival de Cine (c/ Cabrales, 82)
Horario: 10h-14h / 16:30h-19h
Los pases se pagarán al recogerlos en las oficinas del Festival de
Cine. Precio: 25€
(Laboral Ciudad de la Cultura)
Desde el 19 noviembre al 28 noviembre. Desde media hora antes
del inicio de la primera sesión a inicio de la última. Exclusivamente
entradas de cualquier sala para el mismo día.
Taquilla Yelmo Cines Ocimax 3D
PRECIOS:
Precio entrada: 3’5 €
Precio Inauguración/Clausura: 6 €
C/maestro Amado Morán s/n
Precio Concierto: “13 Most Beautiful… Songs for Andy Warhol’s
Screen Tests”): 15 €
Precio bono de 10 películas: 25 €
Desde el 19 noviembre al 28 noviembre. Desde media hora
antes del inicio de la primera sesión a inicio de última sesión:
Exclusivamente entradas de cualquier sala para el mismo día.
Normas y recomendaciones
Recomendamos que el espectador adquiera o canjee (venta online,
telefónica o cajero) su entrada con la mayor antelación posible para evitar
colas y la pérdida del derecho a acceso por el eventual retraso a causa de
la espera. Ser portador de una entrada no da derecho al acceso a la sala
una vez comenzada la sesión. Por respeto al resto de espectadores no se
permitirá el ingreso una vez iniciada la proyección. Comprueben bien los
datos de su entrada al adquirirla. No se admiten devoluciones.
Para las sesiones de Entrada Libre es imprescindible retirar la entrada en la
taquilla de la sala donde ésta se celebre, exclusivamente durante el mismo
día de la proyección (límite de 4 entradas por persona).
Precio pase de Sección Oficial: 25 €
Precio Concierto Sábado 21 “The Fiesta”: 25 € anticipada - 28 € taquilla
Precio Fiesta de Clausura: 10 €
PUBLICACIONES
venta en Oficinas Festival y en Cines Centro
Artefactos de lectura:
- Fatih Akin. El Hogar Errante: 10 €
- Aleksey Balabanov, Un Cine Para la Nueva Rusia: 10 €
- Catálogo: 6 €
- Pack completo: 20 €
47FICXixón / Página { 13 }
EDUCACIÓN PARA LA CINEMATOGRAFÍA
Desaparecidas las asignaturas cinematográficas de Ortodoxia en el Séptimo Arte que Va a Misa o
sus optativas (Cámara Ética, Mandamiento Dogma y Cuadernos de Cine es Uno y Trino) llega
a las aulas Educación para la Cinematografía. Más allá de una asignatura al uso, Educación para
la Cinematografía pretende ser una actividad performativa de aprendizaje asimilado mediante lo
lúdico a la vez que una interactuación pedagógica integrada en un contexto no repertoriado. Se
trata, pues, de una materia aunadora y protoreflexiva donde desde el compromiso integrador y su
consecuente socialización positivista, capacite a nivel tanto personal como profesional a los chicos
y chicas que serán los directores y directoras del mañana / mañano. Así, se pretende educar en
una cinematografía que sepa desterrar gratuidades sexistas, xenófobas, parafóbicas, homofóbicas,
retrofóbicas o criptofóbicas; que quiera crear desde el respeto; desde la integridad y sin caer en
fáciles banalizaciones del mal, mensajes equívocos o hagiografías sociopáticas. En definitiva, una
experiencia multidisciplinar para la elaboración y gestión de materiales fílmicos sobre valores
éticocivicos.
PRIMER SUPUESTO EJERCITORIADO: Teoría Interactuada y
Muestra de Praxis
1) Teoría interactuada desde un propósito de resolución fílmica multidireccional
Proyección para una clase de 4º de ESO del filme Centauros del Desierto del director americano John
Ford. Se trata de un largometraje perteneciente al llamado género western, también denominado de
“indios y vaqueros”. El argumento desarrolla una historia de venganza contra una tribu india que
lleva a cabo un amargado pistolero en compañía de un joven protegido suyo. Tras la contemplación
del mismo se formula un diálogo multidireccional a fin de que los adolescentes y adolescentas
construyan reflexiones sobre el mismo y a la vez accedan a hábitos pedagógicos oralizantes. Así,
desde una vertiente identificatoria del pensamiento razonado se abrirá un debate intercambial
sensitivo y adecuacionalmente potenciado hacia una praxis dual de precognición / cognición.
2) Muestra de praxis no editada de dialogación debatida
“La película me moló bastante, está muy bien porque se ve muy rápido y es muy espídica y los
protas están muy bien. Pero, no se, me da un poco de pena cuando el chico joven que va con el señor
mayor a buscar a la niña que se llevaron los indios con ellos, pues le da una patada a una señora que
es india. Me parece que es de maltrato, porque ella es buena y los está ayudando, pero bueno, igual
es que como es así, como un poco gorda y es un poco fea y igual por eso le dan la patada... y, bueno,
ademas es que el señor mayor se ríe y no le riñe al chico por eso ni le dice que está mal pegar a una
mujer aunque sea india y un poco gorda”
“No me gustó porque no respeta a los indios. Les hacen burla y además abren la tumba de un muerto
de los indios y les tiran con una pistola a los ojos y entonces, el actor viejo que es muy rencoroso
y yo opino que es bastante de derechas, les dice que si les estropean los ojos a los indios no pueden
entrar en el cielo de ellos, que es un cielo que hay caballos y búfalos y están todo el día por allí en la
pradera y el dios de ellos se llama Manitú. Y hay que respetar los otros dioses porque aunque no sean
de verdad como el nuestro pues tienen derecho a rezarle”
“A mi me parece que el señor grande mayor, que es un actor muy importante que se llama John
Wayne y que en su país es un Duque, pues está así como enamorado de su cuñada que se llama Marta
y que están todos como hablando siempre de ella, es como la persona más importante de la película
aunque la maten los indios al principio. Me gustó mucho cuando Marta le coge el abrigo a John
Wayne que llega a casa de ella de repente y lo dobla y se nota que ella también siente algo por él”
“Yo a la señora esa que la llaman la tía Marta la noto como muy estirada, como en plan señorita
Rotemeyer, muy finolis porque cuando están cenando todos juntos ella coge la taza así como
estirando mucho los dedos y se ve que tiene mucha educación en los modales y que sabe coger los
cubiertos, y siempre está riñendo a los hijos porque no se comportan bien o dicen cosas que no
convienen. La veo así como reprimida para adentro. Me gusta más la otra señora, la que es grandona
y es la madre de la chica joven que quiere casarse con el prota joven que va con John Wayne, es que
parece una abuela porque es como muy cariñosa y la casa de ella es blanca y mas alegre que la de
Marta que es muy oscura y da como cosa”
“Pasé mucho miedo al principio de la peli, cuando van a atacar los indios y es como cuando notas
que hay algo que va mal y estás como nervioso y te da como respingo. Y cuando la niña pequeña está
escondida y enseñan al indio pues, uff, fue increíble, fue de dar mucho miedo, pero también como
si al ver al jefe guerrero pues ya supieras quien es el malo y que cara tiene y entonces pues quedas
como más tranquilo”
“A mi los indios me parecen muy machistas porque a sus mujeres las tienen para cargar cosas y si se
van con otro indio pues les cortan la nariz y eso no está bien porque es maltrato de género. Y los
otros, los vaqueros, pues hacen mas caso a sus señoras y a mi me parece que ellas mandan mucho
porque la señora Marta es como la reina de la casa y todos están como alrededor de ella. Y la otra
señora mayor de la película y la hija pues también mandan más que el marido y cuando reciben una
carta, el marido de la señora grande que es muy simpático y muy buena persona, pues le pide a la
hija que la lea y a mi me da que es porque él no sabe leer”
“Cuando los indios cruzan el río para atacar a los vaqueros fue una pasada, bufff, fue un subidón¡¡¡.
Y se veían las mantas que llevaban en los caballos que los indios no tienen silla en los caballos, ellos
van sobre unas mantas que tienen unos dibujos superguapos y unos colores así como rojo muy
fuerte y amarillo que son una pasada. Pero luego tuve mucha pena al final porque acaba como de
bajona porque el Wayne se queda afuera, él no entra con todos los demás en la casa y se queda como
mirándolos. Y ellos están todos juntos y con mucho cariño y parecen una familia feliz, y el tiene
como un poco de envidia y podría entrar pero es como cuando uno sabe que hay un sitio que le
gustaría estar pero como que sabe que no encaja en él”
Página { 14 } / 47FICXixón
Edición 2009
Los Conciertos
The Sunday Drivers
La música volverá a tener un papel fundamental en la gran cita española
con el cine independiente. Entre el 19 y el 28 de noviembre, cerca de
una veintena de grupos nacionales e internacionales pondrán la banda
sonora a las noches del 47 Festival Internacional de Cine de Gijón en
distintos escenarios de la ciudad.
La sala Acapulco del Casino de Asturias acogerá el rock fronterizo de
Tito y Tarántula, esenciales en Desperado y Abierto hasta el amanecer,
y que ahora vienen con nuevo disco bajo el brazo, “Back into the
darkness”. Junto a ellos actuará la banda pamplonica Las Culebras,
arrasando con su rock and roll a lo New York Dolls o Mc5.
El soul elegante de Mayer Hawthorne, aportará una nueva vida al
sonido Detroit, y Evan Dando dará una vuelta de tuerca a Lemonheads
con su Lemonheads “acoustic show”: Evan Dando&Chris Brokaw, en un
formato más íntimo con la compañía de Chris Brokaw (Codeine,
Come). Recuperando otro sonido imprescindible de los 90, el trip
hop, Skye Edwards, la voz de Morcheeba, vendrá presentando en
España su segundo álbum, resultado de una incesante búsqueda de
nuevos sonidos y experimentaciones, siempre dentro de la elegancia
jazz y electrónica que le caracteriza
Tampoco podía dejar de estar presente el powerpop de las Baby Shakes,
ni el punk rock adolescente y enérgico de los suecos The Kendolls.
La canción de autor marciana tendrá su representación con La Bien
Querida, que presenta su primer disco “Romancero” con cinco
canciones nuevas añadidas a las siete de la maqueta que le valió a la
joven debutante revelación el reconocimiento de varias publicaciones
especializadas y más de 125.000 escuchas en su página de myspace.
El indie-rock bailable y adictivo de Estereotypo compartirá espacio en
la 47 el pop delicado The Magic Room o la propuesta de Lady Dottie
& The Diamons, en la que la alegre sexagenaria Dorothi Mae “Lady
Dottie” da una verdadera lección de soul, blues, funk, boggie y rock
and roll junto con su banda de jovenzuelos macarras de San Diego.
Además, el 21 de noviembre el LABcafé de Laboral Centro de
Arte y Creación Industrial acogerá una de las propuestas musicales
más relevantes de todo el Festival. The Fiesta reunirá las voces y la
música de cinco de los grupos más destacados de la escena nacional e
La Bien Querida
Skye
internacional.
Sidonie, hará que la noche gijonesa entre en calor con los temas de su
último disco, “El incendio”, quinto disco de estudio de la banda en
once años de carrera. Junto al trío barcelonés actuarán los toledanos
The Sunday Drivers. En plena gira de invierno, los antaño teloneros
de Wilco, aterrizan en la ciudad con su último álbum bajo el brazo
“The End of Maiden Trip”, en el que intentan superar el éxito del
conocido Tiny Telephone. El cartel sigue con la pareja de Djs belgas,
Mo y Benoelie, The Glimmers, una formación que inició su andadura
en los 80 y que en la actualidad se caracteriza por remezclar éxitos de
grandes nombres de la escena musical como The Bloc Party, Deus, The
Killers o Roxy Music, de una forma más que divertida y bizarra. Los
barceloneses Mendetz, que no han querido perderse la cita, son una
banda relativamente joven a los que la crítica describe como “artesanos
de lo robótico y conservadores del toque humano manejando sonidos
electrónicos”. Y por último, los madrileños Layabouts, sacando el rock
a las pistas de baile al modo de Rapture o Bloc Party con temas como
“Stop the Replan” o “Rat in a Lab”.
noche sol música
Rozando ya la despedida de la 47 llegará la consolidada Noche Sol
Música, que este año contará con la presencia de dos bandas nacionales.
Por una parte, los veteranos Niños Mutantes y sus influencias de
artistas como Wilco, Dylan o Stone Roses, y la última hornada de pop
fresco y desenfadado español de la mano de Super Submarina.
Un ambicioso y exquisito menú musical que tendrá sus guindas con la
actuación de la gala de clausura del Festival de la mano de DJ Amable
en un repaso a la escena alternativa internacional desde los sonidos de
las bandas de Brooklyn hasta el electro pop australiano.
Además, y como siempre, el FICXixón sigue apoyando a los
grupos asturianos a través de la ya frecuente colaboración con los 40
Principales y el veterano concurso de rock que organiza junto con el
Instituto Asturiano de la Juventud. En esta ocasión, el cartel incluirá
las actuaciones de Muñeco Vudú y Paperbacks.
Dean & Britta
47FICXixón / Página { 15 }
MEETING POINT
Por fin tenemos un punto de encuentro en el festival, por fin tenemos un lugar,
un bar, donde pararse a tomar un café, un pincho, una cerveza entre película y
película, o donde quedarse a discurrir sobre lo visto durante la jornada, discutir
con cualquiera, amigos, conocidos o completamente desconocidos, planear lo que
podría aún verse, hacerse un croquis para el día siguiente o simplemente tumbarse a
la bartola a descansar en uno de sus acogedores sofás.
Por fin, un área de esparcimiento propia del festival, activa durante las horas de
proyección. Es importante, cómodo, conveniente. Fomentará el intercambio entre
el público y los invitados, y será seguramente origen de nuevas amistades. Señoras,
señores, chicos y chicas, ¡por fin tenemos un Meeting Point! Muy amplio local
situado en la segunda planta del centro comercial San Agustín, justo enfrente de
la entrada de los Cines Centro. No habrá escapatoria: al llegar o al salir del cine,
allí nos estarán esperando viandas y bebidas reconstituyentes para seguir devorando
luces por las salas del Festival. Pero no sólo, abierto todos los días entre las 12 h. y las
23 h. (menos el jueves 19, que abrirá a las 15 h.), el programa que ofrece será variado.
Acogerá, por ejemplo, los “Cafés con...”, charlas informales con diferentes invitados
que presentarán sus trabajos, siempre a las 16 h.
El sábado 21 Lucinda Torre tratará de Alegría, su último proyecto; al día siguiente,
el domingo 22, Laurent Perreau hablará de L’insurgée, su película presente en la
sección competitiva Rellumes; el lunes 23 les tocará a los japoneses Takashi Miura y
Takuya Daikiri, jóvenes directores de Nikotoko Island, también incluida en la sección
Rellumes; el martes 24 será el turno de los realizadores del primer programa de
cortos del Día d’Asturies; el miércoles 25 tendremos ración doble con nada menos
que la premiada en Sundance Natalia Almada, directora de El General, y el gijonés
Alberto Arce, director de To shoot an Elephant y recientemente ganador del premio
al Mejor Director en el Festival dei Popoli de Florencia; y, para terminar, al día
siguiente, los directores asturianos del segundo programa del Día d’Asturies nos
hablarán de sus trabajos.
RUEDAS DE PRENSA
LUGAR: SALÓN DE ACTOS DEL CENTRO DE CULTURA ANTIGUO INSTITUTO
Viernes 20
Lunes 23
13:15 hrs.
12:15 hrs.
12:15 hrs.
Ángela Molina, galardonada con el
premio NACHO MARTÍNEZ del
Festival.
Vimukthi Jayasundara director de la
película Between two worlds
Idioma: español
Idioma: Inglés
RECEPCIÓN (VINO ESPAÑOL)
con la Consejera de Cultura y
Turismo MERCEDES ÁLVARES
y los representantes de la Film
Commission
12:45 hrs.
Idioma: Español
Alain Guiraudie director de la
película Le Roi de L’Evasion
Viernes 27
12:45 hrs.
Fatih Akin, director homenajeado. Se
presentará el libro Fatih Akin.
El Hogar Errante de la autora Violeta
Kovacsics.
Idioma: Francés
13:15 hrs.
12:15 hrs.
Dagur Kari director de la película
The Good Heart
Sábado 21
Dean Wareman y Britta Phillips
presentarán su trabajo 13 Most
Beautiful… songs for Andy Warhol’s
Screen Tests
12:15 hrs.
Idioma: Inglés
Álvaro Brechner, director de Mal día
para pescar, el actor Gary Piquer y el
productor Tomás Cimadevilla.
Martes 24
Idioma: Inglés
Idioma: Español
12:45 hrs.
Bobby Paunescu director de la
película Francesca; con la presencia de
la actriz Monica Birladeanu
Las últimas horas de las tardes festivaleras, a partir de las 19 h., serán animadas todos
los días por variados e ilustres djs, algunos de los cuales también protagonistas en las
salas de proyección durante la semana. Se arranca el viernes 20 con Robla A.K.A.
ANTI DJ, que pinchará en honor de Fatih Akin y las músicas de sus películas. El
reggae (Rocksteady: The Roots of Reggae) nos llegará el sábado 21 de la mano de DJ
Gaby. Alexis Dos Santos, director del largometraje Unmade beds (Enfants terribles)
aparecerá el domingo 22 cargado esta vez con su música. Kiko Amat, insigne
componente del Jurado Internacional, escritor ocasional, profesional apasionado del
pop, nos deleitará el lunes 23, junto con Miguel Lozano, con descargas de Northern
Soul a mayor gloria del ciclo “This is England”.
Idioma: Inglés
El martes y el miércoles son de nuevo para Robla A.K.A. ANTI DJ: el primer día
bajo el nombre “Retrosfilmer”, puras bandas sonoras originales, y el segundo con
un homenaje al gran Villalobos, mítico chileno-berlinés, presente en Gijón a través
de la película homónima de Romuald Karmakar. DJ Gaby vuelve el jueves con dub
dedicado a Babylon (“This is England”). Y el viernes 27, Pablo Culebro Dj tomará a
Harmony Korine y sus películas como pretexto para entonar la velada.
THIS IS ENGLAND asistirán Barney
Platt-Mills director de Bronco
Bullfrog; Horace Ove, director de
Pressure; Kevin Sampson, escritor y
guionista de Awaydays.
Decorado con cinematográficos estarcidos del Sr. X y con carteles históricos de
pasadas ediciones del festival, algunas realmente muy pasadas, el Meeting Point
albergará también una exposición de fotografías de Adriá Garriga denominada “El
juego de las películas”.
12:45 hrs.
Allí nos veremos todos, por allí pasaremos todos, quien sólo dos minutos para
poco más que un pincho y un café, quien para el tiempo que haga falta entre una
proyección y otra, cerveza en mano y cara de concentración.
Idioma: Inglés
18:45 hrs. (CInes Centro 4)
Lynn Shelton directora de la película
Humpday
Idioma: Inglés
Domingo 22
12:15 hrs.
Idioma: Inglés
Matthias Müller, director
homenajeado junto a su colaborador
habitual Christoph Girardet
Idioma: Inglés
12:45 hrs.
Joao Pedro Rodrigues director de la
película Morrer como um homem
Idioma: Inglés
12:15 hrs.
16:00 h.
Babak Jalali director de la película
Frontier Blues
Harmony Korine director
homenajeado. En la rueda estará
presente el crítico Alex Medibil
Idioma: Inglés
Miércoles 25
Sábado 28
12:15 hrs.
12:05 hrs.
Joshua y Benny Safdie directores de la
película Go get some Rosemary
Alex Van Varmerdam director de
la película The last days of Emma
Blank (le acompañará la actriz Annet
Malherbe y el director de fotografía
Tom Erisman)
Idioma: Inglés
12:45 hrs.
Aleksey Balabanov director
homenajeado. Se presentará el libro
Aleksey Balabanov. Un Cine para la
nueva Rusia del autor Jesús Palacios
Idioma: Inglés
12:30 hrs.
Idioma: Ruso
Cruz Ángeles, director de la película
Don’t let me drown (Sección Oficial
– No Competición)
Jueves 26
Idioma: Inglés
12:15 hrs.
13:00 hrs.
Idioma: Japonés
ATENCIÓN: ESTA RUEDA DE
PRENSA COMIENZA A LAS
13:00 HRS. DELIBERACIÓN DEL
JURADO
12:45 hrs.
Idioma: Inglés / Español
Masahiro Kobayashi director de la
película Wakaranai
Sarah Leonor, directora de la película
Au Voleur
Idioma: Francés
Página { 16 } / 47FICXixón
PARA AYUDARLES
En la red
Redacción: Susana Tejedor, Alejandro Díaz Castaño, Elena
Duque, Ricardo Apilánez, Isabel Lueje
En persona
Facebook: es-la.facebook.com/group.php?gid=157208622482
Fotografía: Isabel Permuy, Palmira Escobar
Festival Internacional de Cine de Gijón
flickr: www.flickr.com/photos/gijonfilmfestival
Cabrales, 82. 33201 - Gijón, Spain
Myspace: www.myspace.com/gijonfilmfestival
Tel. (34) 985 18 29 40. Fax. (34) 985 18 29 44.
Youtube: www.youtube.com/gijonfilmfestival
E-mail: [email protected]
Blog: gijonfilmfestivalenfants.wordpress.com
Diseño: www.marcorecuero.es
Traducciones: María Xosé Rodríguez
Imprime: El Comercio
Web: www.gijonfilmfestival.com
HOY JUEVES 19
MAÑANA VIERNES 20
ANTIGUO INSTITUTO
ANTIGUO INSTITUTO
19:45 h.
THIS IS ENGLAND
19:45 h.
“Quadrophenia” 120’
LABORAL
20:30 h.
ENCUENTRO
DÍA D’ASTURIES
MÜLLER / GIRARDET
MUESTRA
19:45 h.
22:15 h.
LLENDES / COMPET DOCU
“Here” 86’
LABORAL
09:30 h.
12:15 h.
12:30
20:00 h.
OFICIAL COMPET
YELMO 6
20:00 h.
17:00
THIS IS ENGLAND
“Quadrophenia” 120’
COMPETICIÓN DOCUMENTAL
“L’épine dans le coeur” 86’
POST-BURLESQUE
“Guitar Mongoloid” 89’
22:30
ENCUENTRO
EN COLABORACIÓN CON
22:30 h.
BALABANOV
“Amnistía Internacional”
“Cargo 200” 89’
OFICIAL COMPET
“Francesca” 97’
ESBILLA
YELMO 7
“Rocksteady: The roots of Reggae” 95’
CINES CENTRO SALA 4
20:00
THIS IS ENGLAND
ESBILLA
20:00 h.
HARMONY KORINE
“Mister Lonely” 112’
CINES CENTRO SALA 4
17:00 h.
22:30 h.
“Performance” 102’
CINES CENTRO SALA 5
CINES CENTRO SALA 1
17:00 h.
PRENSA Y ACREDITADOS
“Francesca” 97’
POST-BURLESQUE
“Dark Horse” 109’
THIS IS ENGLAND
PRENSA Y ACREDITADOS
OFICIAL COMPET
BALABANOV
“Cargo 200” 89’
17:00 h.
ENFANTS TERRIBLES
“C’est pas moi, je le jure!” 110’
“Performance” 102’
22:30 h.
“Les beaux gosses (French Kissers)” 90’
ENFANTS TERRIBLES
POST-BURLESQUE
CINES CENTRO SALA 3
20:00 h.
PRENSA Y ACREDITADOS
“Jasper, viaje al fin del mundo” 86’
“Dark Horse” 109’
22:30
10:00
OFICIAL COMPET
“Les beaux gosses (French Kissers)” 90’
20:00
CINES CENTRO SALA 3
HARMONY KORINE
“Mister Lonely” 112’
ENFANTS TERRIBLES
ENFANTS TERRIBLES
“Zombie Girl” 91’
CINES CENTRO SALA 2
22:15 h.
22:15 h.
“My Suicide” 110’
ENFANTS TERRIBLES
“C’est pas moi, je le jure!” 110’
COMPET ESPECIAL
“The Wolberg Family” 82’
“Soul Kitchen” 98’
CINES CENTRO SALA 1
ENTRADA LIBRE
Programa 1 - 67’ (*)
FATIH AKIN
19:45 h.
17:00 h.
GALA INAUGURACIÓN
OFICIAL NO COMPET.
22:15 h.
ENTRADA LIBRE
CINES CENTRO SALA 2
20:00 h.
BALABANOV
“Dead Man’s Bluff” 106’
22:30 h.
ENCUENTRO
ESBILLA
EN COLABORACIÓN CON
“Rocksteady: The roots of Reggae” 95’
“Amnistía Internacional”
“Francesca” 97’
OFICIAL NO COMPET.
FATIH AKIN
“Soul Kitchen” 98’
19:45 h.
ESBILLA - COMPET DOCU
“L’épine dans le coeur” 86’
FATIH AKIN
“Corto y con filo” 100’
22:15 h.
19:45 h.
POST-BURLESQUE
“Eldorado” 80’
CINES CENTRO SALA 5
17:00 h.
FATIH AKIN
“Corto y con filo” 100’
22:15 h.
ENTRADA LIBRE
ENCUENTRO
19:45 h.
“Gummo” 88’
EN COLABORACIÓN CON
“Conseyu de la Mocedá de Xixón”
THIS IS ENGLAND
“Pressure” 120’
HARMONY KORINE
22:15 h.
ENCUENTRO
OFICIAL NO COMPET
FATIH AKIN “Soul Kitchen” 99’

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