competencia oficial documental - Festival Internacional de Cine de

Transcripción

ÍNDICE
INDEX
12
34
40
EDITORIALES
APERTURA Y CLAUSURA
JURADO
EDITORIALS
OPENING AND CLOSING FILMS
JURY
52
76
100
COMPETENCIA
OFICIAL FICCIÓN
OFFICIAL DRAMATIC
COMPETITION
COMPETENCIA
OFICIAL DOCUMENTAL
COMPETENCIA OFICIAL
CINE COLOMBIANO
OFFICIAL DOCUMENTARY
COMPETITION
COLOMBIAN CINEMA OFFICIAL
COMPETITION
140
156
124
COMPETENCIA
OFICIAL CORTOMETRAJE
GEMAS
NUEVOS
CREADORES
GEMS
SHORT FILM COMPETITION
NEW TALENTS
172
184
202
TRIBUTO
BRILLANTE MENDOZA
TRIBUTO
LUIS OSPINA
TRIBUTO
SUSAN SARANDON
BRILLANTE MENDOZA TRIBUTE
LUIS OSPINA TRIBUTE
SUSAN SARANDON TRIBUTE
212
220
232
GALAS
CINE BAJO
LAS ESTRELLAS
SPECIAL PRESENTATIONS
CINE DE MEDIANOCHE
MIDNIGHT CINEMA
CINEMA UNDER THE STARS
240
252
264
EL SÉPTIMO
Y OTROS TRES
RETROSPECTIVA
SHARUNAS BARTAS
RETROSPECTIVA
GASPAR NOÉ
THE SEVENTH AND THREE OTHERS
SHARUNAS BARTAS RETROSPECTIVE
GASPAR NOÉ RETROSPECTIVE
274
PROGRAMAS
ESPECIALES
SPECIAL PROGRAMS
300
CINE EN
LOS BARRIOS
324
PUERTO
FICCI
340
PREMIOS
INDIA CATALINA
INDIA CATALINA AWARDS
ORGANIZACIÓN FICCI 56
JUNTA DIRECTIVA
Presidente Junta Directiva
Hernán Guillermo Piñeres
Vicepresidente Junta Directiva
Juan Manuel Buelvas Díaz
Tesorero
Manuel del Cristo Pareja
Secretario
Narciso Castro Yanes
Miembros Principales
Salvatore Basile Ferrara
Gerardo Núñez Piñeres
Manuel Domingo Rojas Salgado
RCN Televisión / Hans Londoño
Cámara de Comercio de Cartagena /
María Claudia Páez
Miembros Suplentes
Manuel del Cristo Pareja
Narciso Castro Yanes
María Teresa Del Castillo
Cecilia Restrepo de Bustamante
Unicolombo / Mario Ramos Vélez
Hernán Urbina Joiro
Ricardo Vélez Pareja
Miembros Honorarios
Carlos Julio Ardila Gaviria
Martín Nieto
Gerardo Nieto
Mary Luz Milanés de Nieto
Asesores
Yolanda Pupo de Mogollón
Raimundo Angulo Pizarro
Jaime Abello Banfi
ORGANIZACIÓN
Directora General
Lina Rodríguez Fernández
Directora Artística
Diana Bustamante Escobar
Jefe de Programación
Pedro Adrián Zuluaga
Coordinadores de Programación
Blanca Granados, Daniel D. Flórez
Programador Cortos
Jorge Navas, Jorge Forero
Programador Nuevos Creadores
Jorge Forero
Asistente de programación
Andrés Suárez
Programador Cine en los Barrios
David Covo
Coordinadora Cine en los Barrios
Ángela Bueno
PUERTO FICCI
Jefe de Industria Puerto FICCI
Blanca Granados
Productora Puerto FICCI
Laura Lozano
Coordinadora Video Librería
Sandra Medina
Coordinadora Académica/Salón FICCI
Juliana Saa
Asistencia General Salón FICCI
Nathaly Ceballos
Taller Documental
Jorge Caballero y Marta Andreu
Taller Crítica y Periodismo Cultural
Diego Lerer
PRODUCCIÓN
Jefe Técnica
Carolina Barrera
Coordinadora Producción
Angélica Ramos Bohórquez
Coordinador de proyectos digitales
José Luis Castiblanco
Coordinación Acreditaciones
Kellys García Contreras
Coordinadora de Practicantes
Joyce Moreno del Toro
Productor de Salas
Javier Mateos Martínez
Productor de Montajes
Luiz Johanan Pérez Ortega
Productora de Eventos Especiales
Adriana Martínez
Productor de Permisos y Citybranding
Arnold Mendoza
Tráfico de materiales
Laura Gónima
Coordinador de Sede AECID
Carlos Castro Macea
Coordinador Sede SENA Casa del Marqués
Ricardo Contreras
Coordinador de Sala TAM
Carlos Acevedo
Coordinador Cine Colombia Plaza
Bocagrande
Javier Armirola Garcés
Coordinadora Cine Colombia Caribe Plaza
Sasha Valdés
Coordinadora Cine Colombia Castellana
Yolanda Ortiz
Cine Bajo las Estrellas
Coordinador Universidad de Cartagena
Juan Francisco Pérez
Coordinador Centro Convenciones Patio de Banderas
Cristian López
Soporte DCP Y Proyecciones Digitales
Jaime Daniel Rodríguez Hernández
Proyeccionista Digital
Oscar Barrios, Oswaldo Hincapié
Coordinador Puente de Proyección
Juan Sebastián Navarro
Traducción Subtítulos
Mei Laboratorio Digital, Andrea Pineda,
Ana María Nieto
Jefe de Prensa
Sada Janneth Sánchez Martínez
Agencia de Diseño
Mottif
Coordinadora de Medios
Silvana Stein Aguilar
Diseño
Juan Esteban Duque
MERCADEO
Coordinadora de Contenidos
María Alejandra Santamaría
Director Proyecto digitales
Mario Forero
Oficina y Acreditaciones
Prensa Felipe Vásquez Porras
Ingeniero de sistemas jefe
Leonardo Cortés
Productor de Comunicaciones
Emmanuel Cely Palencia
Diseñador impresos
Nicolás Pérez
Prensa Local
Victoria Escobar
Diagramación
Chiri Gaviria
Comité Creativo
Juan Manuel Betancourt, Sebastián Hernández
Comunicadora
Luisa González
Director Canal FICCI
Carlos Alberto Hernández Peñuela
Ingeniero de Sistemas Web Sites
y Aplicaciones
Pilar Villamil
Directora Administrativa y Mercadeo
Lorena Ordosgoitia
Ejecutiva de cuenta
Gloria Cardona, Josefina Insua
Cuentas Privadas
Milena Guzmán
Productor de Arte y Mercadeo
Ricardo Camacho
Diseñadora In House
Butaca Creativa
Ejecutiva de Cuenta y Comunicaciones
Gloria Cardona
Ejecutiva de Cuenta Institucional
Gisela Pérez
Coordinadora de Acreditaciones
Mercadeo María Angélica Mosquera
OFICINA DE INVITADOS
Jefe Oficina de Hospitalidad
Laura Páez
Coordinación Oficina de Invitados
Santiago Durán
Geraldine Durand
Eliana González Sejín
Coordinación Invitados especiales
Juliana Rojas Román
Apoyo logístico de invitados
Khatleen Slinger, Mónica Cuesta
Coordinador de transporte
Roberto Ávila
Producción Canal FICCI
Casa Productora
Productora Canal FICCI
Lina Sampedro
ORGANIZACIÓN XI ENCUENTRO
INTERNACIONAL DE PRODUCTORES
Coordinador de Fotografía
Sergio Rodríguez Ortega
Ministerio De Cultura
Cuña Radialvoz Femenina
Alejandra Rocha,
voz Masculina
Daniel Faura
Ingeniero de mezcla
Cesar Augusto Rocha.
Estudio: RCN Radio
Comité de Diseño e Imagen
Juan Manuel Buelvas
Juan Manuel Betancourt
Diana Bustamante
Sebastián Hernández
Jaime Manrique
Coordinadora de Protocolo
Alexandra Flórez
Video Oficial, Clausura y Tributos
Equipo de Protocolo
Lucy Arrieta
Sylvanna Cassalins
María Alejandra Quintero
Yara Puente
Graficación y Diseño
Juan M. Betancourt
Relaciones Públicas Internacionales
Daniel Kandell
Editor
Sebastián Hernández
Ediciones Adicionales
Gustavo Vasco
Asistente Editorial
Marcela Quiroz
PREMIOS INDIA CATALINA
Coordinador General Premios India
PUBLICACIONES
Catalina
Henry Palencia Martínez
Coordinadora Editorial
Giovanna Hernández
Coordinación Gráfica Y Publicitaria
Premios India Catalina
Mónica Pérez
Textos
Giovanna Hernández
Diana Bustamante
Daniel D. Flórez
Juan Sebastián Mora
Andrés Suárez
Camilo Villamizar Plazas
Asistente de Producción de Invitados
y votaciones Premios India Catalina
Dayana Jiménez Caraballo
PRENSA Y COMUNICACIONES
Agencia Comunicaciones
Velvet Voice, Laboratorios Blackvelvet
Director de comunicaciones
Jaime E. Manrique
Fotografías Afiche y Piezas
Eduardo “La Rata” Carvajal
Traducciones
Alison Stewart, LinguaViva
Ministra de Cultura
Mariana Garcés Córdoba
Secretario General y Viceministro Encargado
Enzo Rafael Ariza Ayala
Directora Cinematografía
Adelfa Martínez Bonilla
Proimágenes Colombia
Directora
Claudia Triana de Vargas
Directora Comisión Fílmica y Promoción
Silvia Echeverri Botero
Directora de Planeación y Proyectos
Juliana Ortiz García
Ejecutiva de Promoción
Juliana Arias Ardila
Directora Administrativa y Financiera
Yolanda Aponte Melo
Subdirectora de Operaciones
Carol Jaime Morales
AGENCIA DE HOSPITALIDAD
Gema Tours
Gerente General
Diana Gedeón Juan
Gerente Gema Tours
Gabriela Londoño
Coordinadora General Gema Tours
Marcela Ayazo
Coordinadora Tiquetes Aéreos
Elena Reyes
Coordinadora de Operaciones
Leticia Castellón
Asesora Dirección de Cinematografía
Adriana González Hässig
Coordinadora de Boletería
Sugey Pájaro Rosario
Natalia Cantillo Gutiérrez
Asesor en Producción y Asuntos
Internacionales – Gerente Encuentro
Internacional de Productores
Pablo Arturo Ossa Morales
OFICINA FICCI
Asesora Análisis Económico, Financiero
y de Mercado - Jefe Publicaciones
y Comunicaciones del Encuentro
Katherine Ávila Guevara
Coordinador General Encuentro
Juan Pablo Solano Vergara
Productora General Encuentro
Victoria Lotero Tangarife
Asesora Circulación y Formación
de Públicos – Coordinadora General
Plataforma Retina Latina
Yenny Alexandra Chaverra Gallego
de Públicos – Plataforma Retina Latina
Ana Isabel Lopera Agudelo
de Públicos – Micineaccesible
María Angélica Cáceres Moya
Revisor Fiscal
Dimas Rodríguez
Contabilidad
José Manotas
Asistente General
Eline Garcés
Servicios Generales
Rosiris Torreglosa, Betty Torreglosa
BENEFACTORES
Andrés Felipe Vásquez
Benjamín Román
Daniela Goggel
Gabriel Goodenough
Juan Carlos Ochoa Daza
Juan José Riaño Suarez
Juliana Alvarado Suarez
Johnattan Rodríguez Giraldo
Apoyo Técnico Plataforma Retina Latina
Cristina Arévalo Yandar
Michael Street
Asesora Administrativa
Samar Charif Rincón
Osman Armando Urrea Martinez
Asistente Administrativa
Leticia Ordoñez Villamil
Rosa García Murphy
Virgilio Aray
JUAN MANUEL
SANTOS
JUAN MANUEL
SANTOS
PRESIDENTE DE LA REPÚBLICA
PRESIDENT OF THE REPUBLIC
Colombia respira cine y vibra con el cine, y esto se siente –cómo no– en el festival del séptimo
arte más antiguo del continente: el Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias,
que llega a su edición número 56.
Colombia breathes and resonates with cinema, something clearly visible here, in the oldest
film festival of the continent: the Cartagena de Indias International Film Festival, which
today celebrates its 56th edition.
Se celebra este festival en un momento excepcional para nuestra industria nacional cuando
las producciones colombianas son reconocidas en los eventos más importantes del mundo.
This festival takes place at an exceptional point in time for our national film industry,
in which Colombian productions are being praised in the world’s most prominent events.
Las nuevas generaciones de cineastas, como César Acevedo, cuya película La tierra y la sombra
ganó la Cámara de Oro en Cannes, o Ciro Guerra, cuya obra El abrazo de la serpiente es el
primer filme nacional que recibe una nominación al Oscar como mejor película extranjera,
recogen los frutos del trabajo y el camino recorrido por creadores como Luis Ospina, gran
exponente del llamado Grupo de Cali, a cuya vida y obra se rinde homenaje en el FICCI 56.
A new generation of filmmakers, such as César Acevedo, whose movie Land and Shade won the
Golden Camera at the Cannes Film Festival, or Ciro Guerra, whose film Embrace of the Serpent
became the first Colombian feature film ever to be nominated for an Academy Award for Best
Foreign Language Film, is reaping the fruits of the hard work of other creators who paved the way,
such as Luis Ospina, a key member of the group known as the ‘Cali Group’, to whose life and work
the 56th FICCI will be paying tribute.
En los meses recientes, un documental, producido y filmado en nuestro país, Colombia: magia
salvaje, rompió el récord de taquilla para una película nacional, con millones de espectadores
emocionados hasta las lágrimas por la imponencia y belleza de nuestra naturaleza. Y cada vez
más producciones internacionales se ruedan en nuestro suelo, alentadas por los estímulos
que les da nuestra ley.
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In recent months, a documentary produced and filmed in our country, Colombia: Wild Magic, broke
box office records becoming the highest grossing domestic film in Colombian history, moving millions
of audiences to tears with the beauty and grandeur of our nature. A growing number of international
productions are being shot in our country, motivated by the incentives offered by our film law.
Algo está pasando con el cine en Colombia, y no es gratuito: es el producto de una política
de Estado para promover la actividad cinematográfica y, por supuesto, del talento, el trabajo
y la visión de los creadores, los artistas y los técnicos de nuestro país.
Something is happening in Colombian cinema, and it is no accident. It is the result of a State public
policy aimed at promoting filmmaking and, of course, of the talent, hard work and vision of our
creators, artists and technicians.
En este buen momento, nos alegra dar la bienvenida a Cartagena a los invitados y participantes
de América Latina y del mundo entero que, como cada año, nos traen producciones que
nos cuentan historias, nos entretienen, nos ponen a pensar… ¡y nos hacen soñar!
At this great moment, we are pleased to welcome all our guests and attendees from Latin America
and the world to Cartagena, who, year after year, bring us productions that tell us stories, entertain
us, make us think… and dream!
festival internacional de cine
de cartagena de indias - ficci -
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MARIANA
GARCÉS CÓRDOBA
MARIANA
GARCÉS CÓRDOBA
MINISTRA DE CULTURA DE COLOMBIA
MINISTER OF CULTURE OF COLOMBIA
El 2015 quedará registrado como un año sin precedentes en la historia del cine colombiano: 36 estrenos
nacionales, que llevaron a las salas a 3.450.000 asistentes de un total de 60 millones de espectadores,
un crecimiento de 14 millones respecto al 2014; tres películas presentes en el Festival de Cannes,
en donde una fue premiada como mejor película de la Quincena de Realizadores y otra recibió
la Cámara de Oro, el galardón más importante jamás recibido por una obra colombiana. Nuestro
cine, diverso, audaz, ha sido recibido en los escenarios mundiales más exigentes, como las selecciones
oficiales de Sundance, Clermont-Ferrand, Berlín, Annecy, Toronto, International Documentary Filmfestival
Amsterdam -IDFA- y Busán, por nombrar algunos.
2015 will be recorded in the History of Colombian cinema as an unprecedented year: 36 domestic movies
premiered, bringing 3.450.000 spectators to film theaters out of a total audience of 60 million, a growth
of 14 million compared to 2014. Three movies were screened at the Cannes Film Festival, out of which
one won the Director’s Fortnight award for best film, and another won the Golden Camera award,
the most important prize ever to be awarded to a Colombian film. Our cinema, diverse and audacious,
has been featured in the most distinguished festivals in the world, such as the official selections of Sundance,
Clermont-Ferrand, Berlin, Annecy, Toronto, the International Documentary Film Festival Amsterdam (IDFA)
and the Busan film festival, just to name a few.
Hace un año celebrábamos la Palma de Oro al mejor cortometraje, obtenida en 2014 por un colombiano,
en el 2015 fue la Cámara de Oro y el 2016 arranca con la excelente noticia de la nominación de El abrazo
de la serpiente a un premio Oscar como mejor película extranjera, que nos permite afirmar desde ya, que
el 2016 también será un año histórico en nuestra cinematografía. Compartimos la alegría del director, la
productora y todos sus colaboradores, responsables de este motivo de orgullo para Colombia. Desde el
Gobierno Nacional y el Consejo Nacional de las Artes y la Cultura en Cinematografía –CNACC-, hemos
acompañado el talento y el empeño de los cineastas con una política pública consistente y administrada
con altos estándares gracias a Proimágenes Colombia. Para nosotros, el momento presente es el tiempo de
cosechar frutos que se vienen cultivando desde la Ley de Cine de 2003, gracias a los aportes y la experiencia
de todos los implicados en la cadena y de muchísimas personas que han contribuido a su consolidación.
A year ago we celebrated the Short Film Palme d’Or, awarded to a Colombian filmmaker in 2014; in 2015
it was the Golden Camera, and we kicked off 2016 with the wonderful news of Embrace of the Serpent’s
nomination to an Academy Award. We can already say that 2016 will also be a historic year for our film
industry. We join the director, producer, cast and the rest of the crew in their celebration, they have made
Colombia proud. The National Government and the National Council for Film Arts and Culture (CNACC)
have accompanied the talent and devotion of film makers with a consistent public policy managed with the
highest standards, thanks to Proimágenes Colombia. Now is the time to reap the fruits that we have sown
since the creation of the first Law of Cinema in 2003, thanks to the contributions and experience of everyone
involved in the cinematic chain, and the many many people who contributed to its consolidation.
La política pública cinematográfica aún presenta retos y aspectos por mejorar. Gracias a los avances
en tecnología digital se pueden propiciar mejores y mayores espacios para la exhibición de películas
nacionales en las salas comerciales. El compromiso decidido de todo el sector cinematográfico y del
Gobierno Nacional para seguir impulsando el cine colombiano dentro y fuera de Colombia, es la mejor
herramienta con la que contamos para lograrlo. Otra gran noticia que presentaremos en el marco
del Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias -FICCI-, es el lanzamiento de Retina Latina,
plataforma de cine latinoamericano desarrollada por seis entidades cinematográficas de América
Latina: Consejo Nacional del Cine -CONACINE- de Bolivia, Consejo Nacional de Cinematografía
de Ecuador -CNCINE-, Ministerio de Cultura de Perú, Instituto Mexicano de Cine de Cinematografía
-IMCINE- y Dirección del Cine y Audiovisual Nacional del Uruguay -ICAU-, liderada por la Dirección
de Cinematografía del Ministerio de Cultura de Colombia. Esta plataforma se constituye en una nueva
ventana para la circulación del cine de la región.
Bienvenidos una vez más al Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias, que se ha convertido
en una cita ineludible, un punto de encuentro cultural y profesional, y la puerta de entrada hacia
la cinematografía colombiana, gracias al trabajo comprometido y dedicado de sus organizadores. 14
Our public policy on film still poses a series of challenges and opportunities for improvement. The advances
of digital technology allow us to foster the development of more and better spaces for the screening of
domestic films in commercial movie theaters. The National Government and the entire film industry’s
decided commitment to continue promoting Colombian cinema both domestically and abroad is our best
tool to achieve that goal. Another great news that we will be announcing in the context of the Cartagena
International Film Festival (FICCI) is the launch of Retina Latina, a platform for Latin American film developed
by six Latin American film institutions, included: the Bolivia Film Commission (CONACINE), the National
Cinematography Council of Ecuador (CNCINE), the Ministry of Culture of Peru, the Mexican Institute
of Cinematography (IMCINE) and the Uruguay Film Commission (ICAU), who were led by the
Cinematography Office of the Ministry of Culture of Colombia. This platform constitutes a new
opportunity to disseminate the cinema of our region.
Once again, welcome to the Cartagena de Indias International Film Festival, an event not to be missed,
a cultural and professional meeting point, a gateway to Colombian cinema, and the result of the committed
and devoted work of its organizers. festival internacional de cine
15
DUMEK
TURBAY PAZ
DUMEK
TURBAY PAZ
GOBERNADOR DEL DEPARTAMENTO DE BOLÍVAR
GOVERNOR OF THE DEPARTMENT OF BOLIVAR
No podían encenderse de mejor manera la luces de le edición 56 del Festival Internacional de Cine
de Cartagena de India, FICCI, hoy que aún celebramos el reconocimiento que han ganado con justicia
nuestras producciones en la industria del cine mundial.
El culmen de esas distinciones fue la nominación a los Oscar de El abrazo de la serpiente, como mejor
película extranjera. O la película La tierra y la sombra, premiada con la Cámara de Oro
en Cannes. La lista de buena y exitosas películas se haría extensa si de mencionar a todas se tratara.
Películas que además de toda su riqueza creativa y técnica nos han permitido descubrir nuestro país
a través del lente ingenioso y agradable del cine. Que nos muestra, con libertad y sin censura,
el extraño escenario de belleza y pobreza de la Amazonía o de las zonas rurales de nuestro país.
Esos reconocimientos, entendemos, no nacen de la nada. Ni son mérito absoluto de quienes provistos
de un inmenso talento y una mente ingeniosa han logrado portentosas obras del cine iberoamericano
y mundial, dignas de los mejores elogios de la crítica
Todo ese camino de logro ha sido el resultado del trabajo de un colectivo de personas abnegadas que
durante más de medio siglo, desde la Corporación Internacional de Cine de Cartagena, fundada por la
mente visionaria de Víctor Nieto, han sido forjadores minuto a minuto en el crecimiento de nuestro cine.
Tiene toda la razón la directora del Festival, Lina Rodríguez, cuando afirma que hoy somos el resultado
de lo que fuimos. Que interiorizarlo y entenderlo ha sido la mejor de las claves para transcender
y reinventarse constantemente.
Desde la esquina del servidor público, que soy, crece más mi admiración cuando veo el contenido
de nuestras producciones, resistente a la rutina comercial que impone el mercado, para mostrar,
desde una perspectiva universal, ese cine inteligente y creativo.
Bolívar es aliado del festival y seguirá siéndolo. Nuestros municipios, con sus escenarios naturales,
dibujados por la mano de Dios, los esperan con la sonrisa grande y el abrazo sincero del bolivarense.
Espero que el Festival regrese al Carmen de Bolívar y en especial a su pequeño teatro, que tiene como
techo el cielo, la luna y las estrellas, y que un buen día, un día de magia, mis mayores llevaron a mi pueblo.
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The lights on the 56th Cartagena de Indias International Film Festival, FICCI, could not be turned on in a
better way as we are still celebrating the recognition justly earned by our productions in the world film industry.
The culmination of these distinctions was the Academy Award nomination of The Embrace of the Serpent,
as Best Foreign Language Film, together with the Golden Camera earned by Land and Shade in Cannes.
The list of good and successful films would be too long if we were to mention all of them.
In addition to all their creative and technical richness, these films have enabled us to discover our country
through the ingenious and friendly lens of cinema. They show us, freely and without censorship, the eerie
setting of beauty and poverty of the Amazon or of the rural areas of our country.
We understand that these recognitions do not appear out of the blue. Nor are they the exclusive merit of those
who, with immense talent and inspired minds, have created masterpieces of Ibero-American and world cinema,
worthy of the best critical acclaim.
This whole series of achievements is the result of the work of a group of dedicated people who, for over half
a century, since the International Film Corporation of Cartagena – founded by the visionary mind of Victor
Nieto – have tirelessly forged the growth of our cinema.
Lina Rodriguez, the director of the Festival, is right to say that today, we are the result of what we were. Internalizing
and understanding this has been the best way to transcend and reinvent ourselves on a permanent basis.
As a civil servant, my admiration grows even more when I see the content of our productions, that resist the
commercial routine imposed by the market, to show intelligent, creative films from a universal perspective.
The Department of Bolívar has long been an ally of the festival and will continue to be. Our municipalities and
their natural landscapes drawn by the hand of God, are awaiting you with the larger-than-life smiles and sincere
embrace of our people. I hope that the Festival will soon return to Carmen de Bolívar, and especially to its small
theater, with nothing but the starlit sky for a roof, where one fine day, one magical day, not so long ago, it
passed and left indelible memories.
17
MANUEL VICENTE
DUQUE VÁSQUEZ
MANUEL VICENTE
DUQUE VÁSQUEZ
ALCALDE MAYOR DE CARTAGENA
MAYOR OF CARTAGENA
El cine es una de las actividades artísticas más populares que tiene el ser humano para entretenerse,
y al mismo tiempo, una de las más persuasivas a la hora inculcar valores, principios y normas de
comportamiento. Sin darnos cuenta, cada película va transformando fragmentos de nuestra vida.
Cinema is one of the most popular artistic activities available to human beings for entertainment,
and at the same time, it is one of the most persuasive when it comes to instilling values, principles
and standards of behavior. Without realizing it, each film transforms fragments of our life.
El cine toma parte de esa cotidianidad, la organiza de manera estética y luego la regresa al público.
Es en ese momento cuando el séptimo arte entra en contacto con los espectadores y se convierte en
una experiencia individual, en una historia producto de un esfuerzo colectivo que empieza a cambiar
nuestra percepción del mundo e incluso a nosotros mismos.
Film is a part of that everyday life, it organizes it in an aesthetic manner and then returns it to
the public. It is at that moment when film comes into contact with the audience and becomes an
individual experience, a story resulting from a collective effort that begins to change our perception
of the world and even of ourselves.
En nuestro gobierno somos conscientes de ese valor y poder que tiene el cine, por eso le estamos
apostando no solo desde este emblemático festival, sino también como una herramienta formativa y
creadora para motivar al cambio que estamos desarrollando.
In our government, we are aware of the value and power of film, which is why we are striving for it
not only through this emblematic Festival, but also as an educational and creative tool to motivate
the change we are building.
En la apuesta cultural de nuestro programa Primero la gente, la cinematografía es y será una pieza
clave de formación para llegar a nuestros nóveles realizadores y al público. Vamos a utilizar el cine
para llegar a los jóvenes en riesgo de Cartagena, queremos que nuestros creadores se acerquen
aún más a las historias que se viven a diario en los diferentes sectores de la ciudad para establecer
un diálogo permanente entre los artistas, la comunidad, y que este intercambio nos permita borrar
las diferencias sociales que nos separan.
In the cultural part of our government plan “People First”, cinema is and will be a key part of
education to reach our novel directors and the audience. We are going to use film to reach the at-risk
youth of Cartagena. We want our creators to move ever more closely to the stories that are experienced
on a daily basis in the different sectors of the city to establish a permanent dialog between artists and
the community, and for that exchange to enable us to erase the social differences that separate us.
Desde 1960 este es, sin duda, el más grande evento cultural de la ciudad. Durante más de cinco
décadas, el FICCI nos ha ayudado a ver y a entender que las ciudades de nuestro continente tienen
muchas coincidencias, compartimos realidades y enfrentamos la cotidianidad de formas similares.
Doy las gracias a la Junta Directiva del Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias, a su
directora general Lina Rodríguez por mantener vivo el FICCI, por pensar en la gente, en los barrios,
en los procesos de formación de los jóvenes del país, e igualmente les digo a todos los que nos
visitan por estos días: Bienvenidos, disfruten el Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias
en su versión 56, y dejen lo mejor de ustedes en esta fiesta.
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Since 1960, this is without doubt the largest cultural event in the city. For more than five decades,
the FICCI has helped us see and understand that the cities of our continent have many coincidences;
we share realities and deal with everyday life in similar ways.
I would like to thank the Board of Directors of the Cartagena Film Festival, its general director,
Lina Rodriguez, for keeping the FICCI alive, for thinking of the people, the neighborhoods, the
educational processes of the country’s youth, and also, I would like to say to all of you visiting us
this week: Welcome, enjoy the 56th Cartagena International Film Festival and share with us all the
best things you have.
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HERNÁN
GUILLERMO PIÑERES
HERNÁN
GUILLERMO PIÑERES
PRESIDENTE JUNTA DIRECTIVA FICCI 56
PRESIDENT OF THE BOARD OF DIRECTORS – FICCI 56
El Festival Internacional de Cine Cartagena de Indias es una oportunidad donde los amantes y
espectadores del séptimo arte comparten un mismo escenario con quienes producen y recrean
las historias para la gran pantalla. Encuentros llenos de magia y color que acogen a cientos de
participantes a nivel nacional e internacional.
The Cartagena de Indias International Film Festival is an opportunity for film lovers and spectators
to share the scene with the people who produce and create stories for the big screen; a series
of colorful and magical encounters that bring together hundreds of national and international
participants.
Durante 56 años nuestra ciudad ha sido el espacio responsable para la difusión del cine, de
episodios de nuestra memoria y de la unión de los diferentes públicos, aceptando y respetando
lo que otros sienten y han vivido a través de las distintas películas.
For 56 years, our city has served as a platform to promote cinema, disseminate chapters of our
memory, and unite diverse audiences, always accepting and respectful of people’s feelings and the
different ways they experience the films being screened.
Un evento construido por un equipo tan numeroso, no puede más que representar lo que ha
sido su día a día cada año, la colaboración y unión de distintas organizaciones y personas para
lograr un Festival lleno de encanto.
This event, organized by a team made up of numerous members, is none other but the evidence of
their day-to-day efforts, the collaborative and joint work of several organizations and individuals who
together have created a festival full of charm.
Cartagena de Indias abre las puertas para recibir a todos nuestros invitados, a vivir el sueño
de nuestro inspirador Víctor Nieto, nuevamente un festival lleno de oportunidades para
los diferentes públicos, cargado de cine, experiencias y fiesta, una semana donde lo más
importante es dejarse deleitar por el trabajo de esta maravillosa industria y disfrutar de todos
los escenarios que la ciudad colonial tiene para ofrecernos.
Cartagena de Indias opens its gates to welcome all of our guests and invites them to live our founder
Victor Nieto’s dream: a festival full of opportunities for diverse audiences, loaded with movies,
experiences, celebrations; a week to savor the work of this wonderful industry and enjoy all of the
events that this colonial city has to offer.
FICCI 56 le apuesta a reunir a miles de espectadores en un solo escenario con la fascinante
programación que tenemos preparada para este año, encontrarnos con todas las realidades,
aceptarlas y comprenderlas desde nuestra experiencia y así convocar a todo el público a
vivir la PAZ, a sentirla y creer en ella como la única forma de conseguir una real y verdadera
transformación cultural.
FICCI 56 seeks to bring together thousands of spectators in a single stage through the fascinating
program prepared for this year’s edition, giving them a chance to discover different realities, accept
and understand them according to their own experience, thus inviting all audience members to live
in PEACE, to feel it and believe in it as the only means to achieve true cultural transformation.
Welcome.
Bienvenidos.
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LINA RODRÍGUEZ
LINA RODRÍGUEZ
DIRECTORA GENERAL
GENERAL DIRECTOR
En 2016 el baile continúa para celebrar la voz propia del cine de Iberoamérica y el feliz momento tras un año
de logros sin precedentes para la cinematografía nacional. Continuaremos honrando la memoria del pasado,
la construcción de una cinematografía atravesada por generaciones, procesos históricos, grandes avatares
y notables victorias recientes, en donde a lo largo de más de cinco décadas hemos sido protagonistas.
En un año de grandes retos para Colombia, el Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias
-FICCI- ha capitalizado alianzas y aprendizajes para adaptarse, reinventarse y madurar en el tiempo,
convirtiéndose en símbolo de templanza y resiliencia en su dimensión cultural y económica.
The dance goes on in 2016 to celebrate the voice of Ibero-American cinema and the good moment it is going
through after an unprecedented year for our national industry. We will continue honoring the memory of the
past and the construction of our cinema through the efforts of several generations, historic processes, great
characters and remarkable recent victories in which we have played our part.
In a year of great challenges for Colombia, the Cartagena de Indias International Film Festival (FICCI) has
capitalized on alliances and lessons learnt in order to evolve, reinvent itself and improve over time, becoming a
symbol of economic and cultural temperance and resilience.
Historia y memoria del festival no serían posibles sin nuestros grandes socios, aliados y patrocinadores.
A la Organización Ardila Lülle, en calidad de Socios Principales, no cesaremos de darles gracias por su
permanencia y compromiso con Cartagena.
The history and memories of the festival would not be possible without our great partners, allies and patrons.
We are deeply grateful to the Organización Ardila Lülle, our Main Partner, for their permanence and
commitment to Cartagena.
Por su parte, en #ficci56 la sombrilla institucional se robustece gracias al Ministerio de Cultura, nuestro
socio histórico por propiciar espacios de intercambio profesional y cultural, como el Encuentro de
Productores que durante once años ha visto nacer, crecer y emerger proyectos de relevancia para el
cine colombiano que han pasado por la pantalla grande del FICCI y de los principales festivales del
mundo, entre ellos, Los colores de la montaña, Los viajes del viento, El vuelco del cangrejo, Roa, Mateo y
Gente de bien. Igualmente, agradecemos el respaldo del Ministerio de Tecnologías de la Información y
las Comunicaciones -MinTIC-, que junto al festival, fortalece su apuesta de inclusión de personas con
discapacidad visual y auditiva, quienes podrán disfrutar de esta emblemática fiesta nacional a través
de Cine para Todos, que en esta edición se toma la competencia de Cine Colombiano. En este FICCI
56, el SENA se suma como socio institucional, convirtiéndose en sede oficial del evento y aportando
su plataforma educativa donde instructores y aprendices, tendrán participación activa a través de la
transferencia de conocimiento en la ejecución del #eleganteficci56.
For #ficci56, our institutional framework is strengthened thanks to the Ministry of Culture, our historic partner,
who fosters spaces for professional and cultural exchange like the Producer’s Meeting that, for eleven years, has
witnessed the birth, growth and emergence of very significant Colombian films, many of which have made it to
the silver screen at the FICCI and other key festivals worldwide: The Colors of the Mountain, The Wind Journeys,
Crab Trap, Roa, Mateo and Gente de Bien. We also express our gratitude to the Ministry of Communications
and Information Technologies (MinTIC) who partnered with the festival to improve the inclusion of visually
and hearing impaired people. This year, thanks to the Cine para Todos program, they will have the possibility
to enjoy this emblematic national fest and all the films competing for the Colombian Cinema award. FICCI 56
also welcomes the National Learning Service (SENA) as an institutional partner. Official headquarters of the
event, the SENA will also open their educational platform so that instructors and trainees may take an active
part in knowledge transfer and implementation activities during the #eleganteficci56.
Nuestro programa social tiene los mejores aliados, la Alcaldía de Cartagena y su gobierno ¡Primero la
Gente!, que desde su visión cercana a las comunidades ha comprendido que el cine es un instrumento
de movilización social que contribuye a la transformación cultural de la ciudad; y a nivel departamental,
la Gobernación de Bolívar nos permite consolidar una oferta audiovisual permanente y descentralizada
en más de quince municipios.
En el marco de la paz, el FICCI celebra la vinculación de la Unidad para las Víctimas con el programa
Ruta Unidos, plataforma que nace para encontrar nuevos lenguajes y herramientas de comunicación
audiovisual para acercar a la sociedad civil a procesos de reparación simbólica a través del arte y la cultura.
Nuestros créditos cada año son también para los Patrocinadores Oficiales: Cine Colombia, esencial
por su extraordinaria infraestructura de trece salas de cine a disposición de nuestros espectadores y,
Volkswagen, quienes durante cuatro años han respaldado al festival elevando el servicio de calidad y
hospitalidad con sus vehículos.
Agradecemos el apoyo de embajadas e institutos de cine, fundamentales para contar con la presencia de
39 países en nuestro programa y, a la AECID y el Centro de Formación de la Cooperación Española por su
continuo e importante respaldo.
Our social program is supported by incredible partners: the Cartagena Mayor’s Office and his ¡People First!
government program whose interest in community development includes cinema as a tool for the city’s social
awareness and cultural transformation ; and at the regional level, the State Government of Bolívar has allowed
us to consolidate a permanent and decentralized audiovisual offer in over fifteen municipalities.
As peace is under way, the FICCI is very proud to launch an alliance with the Victims Unit and the Ruta
Unidos program, a new platform that will look for innovative audiovisual discourses and communication tools
to connect civil society to symbolic compensation processes through arts and culture.
We also express our appreciation to our Official Partners: Cine Colombia, for its unique infrastructure of
thirteen theaters that will be open to our spectators, and Volkswagen, whose beautiful vehicles have brought a
high standard of quality to our festival’s hospitality services.
Lastly, we would like to thank the Embassies and National Film Institutes for their support in the inclusion
of productions from 39 countries in our program, and the Spanish Agency for International Development
Cooperation (AECID) and its Spanish Cooperation Training Center for its constant and valuable support.
And to the FICCI team, to our army of volunteers and collaborators: Thank You for your love and passion for
this Colombian cultural heritage.
Al colectivo FICCI, al ejército de voluntarios y colaboradores, gracias por su profunda convicción y amor
por este patrimonio de los colombianos.
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Foto: Salvatore Salomone
DIANA
BUSTAMANTE
DIANA
BUSTAMANTE
DIRECTORA ARTÍSTICA
ARTISTIC DIRECTOR
Volver sobre el pasado, ese camino que nos forma, es un privilegio humano. Re-visitamos la historia
para guardar y redefinir… quizá para olvidar. ¿Recuerdo o reconstrucción? Reconstrucción se antoja
una palabra más acertada. Creamos películas y cuestionamos el porqué de lo que estamos haciendo;
en el cine nos despojamos, y encontramos lo que somos. Nuestras vidas impregnadas de sus entornos,
de un contexto latinoamericano convulso y contradictorio pero enriquecido por esa premisa heredada
que se esconde en nuestro inconsciente colectivo: “…América, la esperanza del mundo…”
Dwelling on the past, that path that shapes our lives, is a human privilege. Revisiting history to keep parts of it
and redefine others… maybe also to forget. ¿Memory or reconstruction? Reconstruction sounds more accurate.
We create films and question why we do what we do. Through cinema, we strip ourselves bare and grasp
what we really are. Our lives, permeated by our environments, by a Latin American context, turbulent and
contradictory, but also enriched by this inherited premise that lives deep down in our collective unconscious:
“… America, the hope of the world…”
La muerte nos recuerda que el cine es una posibilidad de perpetuarnos, de no desaparecer; pero en
las películas también la vemos actuar. Siempre se filma el trabajo de la muerte. Como la historia misma,
que contiene el recuerdo y la idea del futuro. Un futuro siempre ligado a cada recuerdo del pasado.
Un pasado que nos interpela en el presente, en diferentes contextos y de diversas maneras.
Death reminds us that cinema is a way to perpetuate our existence, to escape our certain disappearance,
but in our films, we see death in action. What is filmed is always the work of death. Just like history itself
contains memories and an idea of the future, a future always linked to past memories. A past that, in turn,
challenges us in the present, in different contexts and different ways.
Hoy, una generación visiblemente distanciada del pasado, recurre cada vez más a un blanco y negro
que pone de manifiesto la distancia entre lo real y el artificio. Vemos a color, pero ¿cómo discurrimos
y nos pensamos en relación con la historia? Podría decirse que el color nos ha abandonado, pero
la necesidad de memoria nos apremia. Esa parece ser una de las claves de la cosecha cinematográfica
de este año, sumada a una profunda ternura, que se hace posible hasta en los contextos más áridos
e inesperados. Enfrentamos a los personajes con respeto, con un amoroso entendimiento de su
fragilidad y de su imperfección. El cine iberoamericano encuentra cada vez una voz más propia, que no
se parece ni siquiera a esa misma voz en el pasado, pero que no puede vivir sin su recuerdo. Tenemos un
presente que nos habla desde múltiples lugares. Este es el cine que el FICCI 56 busca destacar a través
de su programación. Un cine que sistemáticamente indaga en su pasado, estético, narrativo y formal.
Una representación que va y vuelve, y lleva consigo la idea de la muerte, como hecho absoluto del cual
parecemos huir a través del cine mismo. Quizás lo más emocionante de este panorama cinematográfico
es la madurez y diversidad con que se afronta, no solo la inefable muerte, sino la vida misma. Color,
blanco y negro, amor, sexualidad, fantasía, realidad, mundos que parecen disolverse o perder sus límites,
y ante todo, un cúmulo de humanidad entre el pietaje de las 154 películas que este año los encontrarán
en las salas de cine, parques, paredes y esquinas de Cartagena.
Lately, a generation that is clearly distancing itself from the past is turning increasingly to a black and white
image that reveals the distance between reality and artifice. We see in color, but how do we build our discourses
and think ourselves in relation to history? One could say that color has abandoned us, but our need for
memory is imperious. This seems to be one of the keys of this year’s crop of films, together with a deep kindness
arising from the most barren and unexpected contexts. We treat our characters with respect, with a loving
understanding of their fragility and imperfection. Ibero-American cinema is gradually finding its own voice,
one that is different even from its own past tone, and yet that cannot live without the memory of it.
Our present speaks to us from multiple places. This is the cinema that the program of FICCI 56 wishes to
highlight. A cinema that systematically explores its past: its aesthetic, its narratives, its forms. A representation
that comes and goes, and brings about the idea of death as an absolute fact that we try to escape through
cinema itself. The most exciting part of this picture is maybe the maturity and diversity with which it confronts
not only the unspeakable death, but also life itself. Color, black, white, love, sex, fantasy, reality, worlds that
seem to dissolve and blur their limits, and, most of all, a wealth of humanity is what you will find in the 161
films that will be presented this year in the theaters, parks, walls and street corners of Cartagena.
Desde el profundo respeto y amor que nos une al cine, traemos más de 184 horas de programación;
más que un número, es un tiempo condensado de experiencias y sensaciones, de percepciones y
miradas que se vuelcan a la historia y sus márgenes, abriendo nuevas puertas desde lo formal y lo
narrativo. Un cine que provoca, reflexiona y abstrae -como un caleidoscopio que organizadamente
construye y deconstruye esas bellezas geométricas de los pisos de tantas casas y claustros de Cartagena-,
belleza que finalmente encuentra su orden y estabilidad a través de quien la mira.
Con la bella Vicky Hernández bailando con Luis Fernando Montoya, en una fotografía de Eduardo
“La Rata” Carvajal, del tras escena de La Mansión de Araucaíma, que hoy conmemora 30 años. Con cada
una de estas obras, entre cortos, nuevos creadores, documentales, retrospectivas, largometrajes de
ficción nacionales, iberoamericanos y del mundo, el FICCI se nos ofrece este año lleno de amor, de
memoria, de nostalgia pero también, de constante evolución. Un festival que en sus 56 años, es como
el vino “viejito”: cada vez se pone mejor.
With profound respect, and true to our love for cinema, we bring you over 184 hours of film. More than
a number, it is a condensed period of experiences and feelings, of perceptions and visions that turn to history
and its margins, opening new doors through forms and narratives. A provocative and thoughtful cinema that
abstracts beauty – like a kaleidoscope that methodically assembles and dismantles the geometrical beauty
of the many tiled floors so typical of Cartagena’s houses and cloisters – a beauty that finally finds its order
and stability in the eyes of those who look at it.
Through the beauty of Vicky Hernández dancing with Luis Fernando Montoya in a behind the scenes
photograph taken by Eduardo “La Rata” Carvajal on the set of La mansión de Araucaíma, thirty years
ago; through each one of these works – shorts, new creators, documentaries, retrospectives, feature films
from Colombia, Ibero-America and the world – this year’s FICCI is full of love, memories, nostalgia but also
of constant evolution. At 56, the festival is like an old wine: it gets better with age.
To you all, our eternal gratitude, and welcome to this festival who definitely wants to keep on dancing.
Por siempre gracias y bienvenidos a este el festival que quiere decididamente seguir bailando.
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MERCEDES FLÓREZ
MERCEDES FLÓREZ
DIRECTORA
CENTRO DE FORMACIÓN DE LA COOPERACIÓN ESPAÑOLA
CARTAGENA DE INDIAS, COLOMBIA
DIRECTOR
SPANISH COOPERATION TRAINING CENTER
CARTAGENA DE INDIAS, COLOMBIA
El Centro de Formación de la Cooperación Española se complace en acoger la versión 56
del Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias –FICCI-, el espacio donde cineastas
y directores se proyectan y muestran los avances de la industria cinematográfica de toda
Iberoamérica.
The Spanish Cooperation Training Center is pleased to host the 56th Cartagena de Indias International
Film Festival - FICCI, the place where filmmakers and directors present their work and show the progress
of the film industry throughout Ibero-America.
Para la Cooperación Española es motivo de orgullo ser aliado de uno de los festivales más
antiguos y consolidados, más ahora que el cine colombiano atraviesa uno de sus mejores
momentos, tras un año sin precedentes para la cinematografía nacional. El 2016 será
recordado por la nominación a los Premios Oscar del largometraje colombiano El abrazo
de la serpiente, de Ciro Guerra.
El FICCI nos invita a una celebración para valorar a los cineastas, personajes y producciones
que contribuyeron a la historia del cine colombiano.
Seremos sede de PUERTO FICCI, que alberga todas las actividades de la industria como
el XI Encuentro Internacional de Productores, donde se fortalecen y preparan proyectos
cinematográficos que compiten con la oferta existente en el mercado audiovisual del mundo.
Tendremos Salón FICCI, el espacio académico y de formación ofrecido al público general,
y a la industria local, nacional e internacional. Salón FICCI es el escenario de diálogo
e intercambio de conocimiento, donde se reúnen destacados guionistas, productores,
cineastas y demás personalidades del cine.
También PuertoLab y sus proyectos iberoamericanos en competencia (Work in Progress);
el X Taller de Crítica y Periodismo Cinematográfico, abierto a la reflexión, la formación de
audiencias y fomento a la discusión y el debate alrededor del séptimo arte; el VII Taller
Documental y otras actividades alrededor del cine como la Videolibrería y el Networking Time.
Por todo esto es un inmenso placer unirnos a esta celebración, porque compartimos el sueño
de hacer del cine una herramienta para el desarrollo y la proyección de un país. No en vano,
el Plan Director de la Cooperación Española 2013-2016 enfatiza en la importancia del acceso
a la cultura, la diversidad cultural y el apoyo a las industrias culturales y creativas como
Bienes Públicos Universales fundamentales para el desarrollo.
The Spanish Cooperation is proud to be an ally of one of the oldest and most consolidated festivals,
even more so now that Colombian film is going through one of its best moments, after an unprecedented
year for national cinematography. 2016 will be remembered for the Academy Awards nomination
of Colombian feature film “The Embrace of the Serpent”, by Ciro Guerra.
The FICCI invites us to a celebration to value the filmmakers, characters and productions that
contributed to the history of Colombian film.
We will be the venue of PUERTO FICCI, which hosts all the industry activities, such as the 11th
International Producers Meeting, where film projects competing with the existing offer on the world
audiovisual market are strengthened and prepared.
We will have the Salón FICCI, the academic and training space offered to the general public and
the local, national and international industry. Salón FICCI is the backdrop for dialog and the exchange
of knowledge that brings together prominent writers, producers, filmmakers and other personalities
from the world of film.
Also PuertoLab and its Iberoamerican Works in Progress; the 10th Film Critique and Journalism
Workshop, open to reflection, the training of audiences and promoting discussion and debate about
the seventh art; the 6th Documentary Workshop and other activities about film, such as Videolibrería
and Networking Time.
For all these reasons, it is a great pleasure to be a part of this celebration, because we share the dream
of making film a tool for the development and projection of a country. It is not in vain that the Master
Plan for Spanish Cooperation 2013-2016 emphasizes the importance of access to culture, cultural diversity
and support for cultural and creative industries as essential Universal Public Goods for development.
We have days of fruitful work, valuable contacts, knowledge and pleasant new impressions of this
wonderful FICCI ahead of us.
Nos esperan días de trabajo fructífero, de contactos valiosos, de conocimiento y de nuevas
y agradables impresiones de este maravilloso FICCI.
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ORGANIZACIÓN ARDILA LÜLLE
2016, un año para dejarse sorprender
2016, a year of astonishment
Colombia está en los ojos del mundo, el 2016 es un año que inició con muy buenas noticias para
el cine colombiano, celebramos una histórica y emocionante nominación en los Premios Oscar,
que llena de orgullo a todos los colombianos y que corrobora la fuerza e internacionalización
de una industria que hemos apoyado con entusiasmo y convicción durante muchos años.
The eyes of the world are on Colombia. 2016 began with great news for Colombian cinema:
we celebrate a historical and exciting Academy Award nomination that makes our nation proud
and goes to show the strength and internationalization of an industry we have been decidedly
and enthusiastically supporting for many years.
Porque creemos en el cine de nuestro país, en nuestros realizadores, en el talento y en todo lo
bueno que el 2016 trae para la industria cinematográfica colombiana, queremos darles una vez
más la bienvenida al Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias en su versión número
56. Para la Organización Ardilla Lülle, es un honor ser partícipe y testigo de la historia, el desarrollo
y la consolidación de un Festival que trabaja incansablemente por compartir, durante seis días, las
nuevas tendencias del cine mundial y nacional, y que además cada año se afianza como una de las
vitrinas más importantes de exhibición y reconocimiento para los realizadores colombianos.
Because we believe in our country’s film industry, our filmmakers, our talent and all the positive
things that 2016 will bring to the Colombian film industry, we wish to welcome you once again to
the 56th edition of the Cartagena International Film Festival. For the Ardila Lülle Organization,
it is an honor to be both part of and a witness to the history, growth and consolidation of a
Festival that works tirelessly to share, for a span of six days, the new film trends from Colombia
and the world. With each passing year, the festival has increasingly established itself as one of the
most important platforms for the exhibition and recognition of Colombian filmmakers.
Este año nuevamente el FICCI se convierte en una fuente de beneficios para todos aquellos que
están interesados en el mundo audiovisual. Por eso amplío el número de salas de proyección,
programó nuevamente actividades enriquecedoras como Cine en los barrios, que propicia el
encuentro entre la comunidad y el séptimo arte y apoyó iniciativas para la industria como Puerto
FICCI, PuertoLab, tributos nacionales e internacionales, retrospectivas, talleres y encuentros que
tienen como objetivo abrir las puertas a un intercambio de ideas, demostrando que en el Festival
de Cine de Cartagena, la premisa es dejarse sorprender.
Bienvenidos cineastas, productores, actores, prensa, invitados especiales, invitados
internacionales y amantes del arte, que llegan a la ciudad amurallada y que están ansiosos por
nutrirse con la excelente y cuidadosa selección de cine que el Festival tiene preparado. Cartagena
desplegó su alfombra roja y ustedes tendrán la maravillosa oportunidad de conocer, de primera
mano, los proyectos audiovisuales que están construyendo la historia, patrimonio y mercado
audiovisual del mundo.
Gracias al FICCI por consolidar a Cartagena y a Colombia como un destino turístico y cultural,
que fortalece la economía y alimenta el espíritu. Ahora solo tomen asiento, que se apaguen las
luces y comience la fiesta de cine más grande de nuestro país.
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ARDILA LÜLLE ORGANIZATION
festival internacional
intenacional de
decine
cine
Once again this year, the FICCI has a lot to offer to all those interested in the audiovisual world:
more venues, inspiring activities such as Cine en los barrios, which brings cinema to communities,
national and international tributes, retrospectives, industry-oriented initiatives such as Puerto
FICCI, and PuertoLab, workshops and conferences that foster the exchange of ideas and prove
that the Cartagena Film Festival is all about astonishment.
Greetings to all the filmmakers, producers, actors, press, special guests, international guests and
art lovers, and welcome to this fortified city where you will get a chance to quench your thirst for
film with the excellent and careful selection that the Festival has prepared for you. Cartagena
has put out the red carpet so that you may have the privilege to discover, first-hand, audiovisual
projects that are making audiovisual history, building its heritage and market around the world.
Many thanks to the FICCI for establishing Cartagena and Colombia as touristic and cultural
destinations, which strengthens the economy and nurtures our spirits. For now, please take
a seat, turn off the lights, and let Colombia’s most important film celebration begin.
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APERTURA
Y CLAUSURA
clausura / closing film
apertura / opening film
LOS NADIE
ÓPERA PRIMA / DEBUT
ESTRENO MUNDIAL / WORLD PREMIERE
EL REY DEL ONCE
ESTRENO IBEROAMERICANO
IBERO-AMERICAN PREMIERE
THE NOBODIES
Colombia
2016 – 84 min. – Digital
JUAN SEBASTIÁN
MESA
Colombia, 1989
Estudió Comunicación Audiovisual
y Multimedial en la Universidad de
Antioquia. Participó en diferentes
cortometrajes, videoclips
y experimentales, entre los cuales
sobresalen Maquillando el silencio,
Mr. Disco, Pez-Bailarina,
Está en la mente (simplemente
fútbol) y Kalashnikov, su proyecto de
grado. Hace parte de Monociclo Cine,
productora de su ópera
prima Los Nadie.
Mesa holds a degree in Audiovisual
and Multimedia Communication
from the University of Antioquia
(Medellin). He worked on several
shorts, clips and experimental projects,
notably on Maquillando el silencio, Mr.
Disco, Pez-Bailarina, Está en la mente
(simplemente fútbol) and Kalashnikov,
his graduation project. He is part of
Monociclo Cine, who produced his film
debut Los Nadie.
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Idioma / Language Español con subtítulos en inglés - Spanish with English subtitles Director Juan Sebastián
Mesa Bedoya Productor / Producer Alexander Arbeláez y José Manuel Duque Guion / Screenplay
Juan Sebastián Mesa Bedoya Editor Isabel Otálvaro Fotografía / Photography David Correa Franco
Reparto / Cast María Angélica Puerta, Luis Felipe Alzate, María Camila Castrillón, Alejandro Pérez Ceferino,
Esteban Alcaraz Contacto / Contact Monociclo Cine, [email protected]
Camilo, Mechas, Manu, Ana y Pipa son cinco
amigos que pasan por ese trance de intenso
malestar, capacidad de asombro, ternura
contenida y rabia manifiesta que caracteriza el
fin de la adolescencia. Sobreviven en los bordes,
físicos o simbólicos de una ciudad, Medellín,
que los atrae y los expulsa, que los mima con
sus promesas y los rechaza con su hostilidad,
pero que hacen suya transformando las lógicas
imperantes del miedo que vienen de arriba, del
poder, de los padres. La música, el arte callejero,
la amistad son las armas con las que resisten y
esperan la llegada de un viaje, un rito de paso que
los convierta en otros. La ópera prima de Juan
Sebastián Mesa desborda de energía y mide el
pulso palpitante de una generación que, pese al
discurso apabullante de las mayorías, cree en el
futuro y lo construye. ¡Esa es su esencial rebeldía!
El blanco y negro, en vez de distanciarnos de
ese mundo, nos lo devuelve en una sencillez
entrañable aunque a veces siniestra, como la
vieja foto de un álbum familiar habitada por la
presencia de un extraño: ¿la pólvora o la bala?
El realismo de los cuerpos y los lugares, de las
relaciones y los diálogos, no ahoga la inédita
ternura con la que estos personajes y entornos
son retratados. Los Nadie escarba sus raíces en la
tradición del cine colombiano sobre la juventud,
de Pepos a Rodrigo D. No futuro, o de Apocalipsur
a Los hongos, pero en el fondo de esa continuidad
hay un gesto nuevo, firme y seguro, una visión
obstinada del porvenir.
Camilo, Mechas, Manu, Ana and Pipa are five
friends going through that blended trance of intense
unrest, sense of astonishment, contained tenderness
and manifest rage typical of the end of adolescence.
They survive at the edge, both physical and symbolic,
of a city, Medellin, that attracts and excludes them,
that lures them with promises but rejects them with
hostility, but which they embrace by transforming
the dominant logics of fear that come from above,
from the powers that be and from their parents.
Music, street art and friendship are their weapons
of resistance, and fuel their hope for a journey, a rite
of passage that will convert them into someone else.
Juan Sebastian Mesa’s film debut overflows with
energy and takes the pounding pulse of a generation
that, despite the overwhelming discourse of the
majority, believes in the future and builds it. And
here lies its essential rebelliousness! Filming in black
and white, far from separating us from this world,
brings it forth with an endearing, and sometimes
sinister, simplicity, like and old photograph of a
family album haunted by the presence of a stranger:
fireworks or gunshot? The realistic treatment of
the bodies and places, of the relationships and
dialogues, does not overshadow the unexpected
kindness in the portrayal of the characters and their
environment. The Nobodies is deeply rooted in the
tradition of Colombian cinema about youth, from
Pepos to Rodrigo D: No Future, or from Apocalipsur
to Los Hongos, but behind this continuity lies a new
gesture, firm and assured, and an obstinate vision of
the future.
Idioma / Language Español con subtítulos en inglés - Spanish with English subtitles Director Daniel Burman
Productor / Producer Diego Dubcovsky, Bárbara Francisco, Daniel Burman Guion / Screenplay Daniel
Burman Editor Andrés Tambornino Fotografía / Photography Daniel Ortega Reparto / Cast Alan
Sabbagh, Julieta Zylberberg, Usher, Elvira Onetto, Adrián Stoppelman, Dan Breitman, Elisa Carricajo Contacto /
Contact BD Cine, [email protected]
¿Cuántos hombres se necesitan para cargar
el ataúd de un judío? Esa es la pregunta que
siempre se hace Ariel, quien vive muy bien en
Nueva York, en una supuestamente estable
relación de pareja y que regresa años después
al barrio de su infancia en Buenos Aires al
encuentro de Usher, su padre, el de la inagotable
energía, él, que minutos antes de tomar el avión,
le recuerda esa acuciante e insistente forma de
ser, al llamarlo una y otra y otra vez, preguntando
si pudo comprar unas zapatillas con velcro,
para una de las tantas obras de caridad que
realiza desde la fundación que ha sido su vida,
ubicada en la populosa zona comercial del Once,
residencia de miles de judíos. Una trepidante e
inteligente historia en tono de comedia sobre
el distanciamiento creado por Ariel hacia su
comunidad, fe y costumbres en las que creció y
hacia un padre que toda la vida ha dedicado más
tiempo a los otros que a su familia y que, aun
así, ha dejado una fuerte marca, una presencia
invisible y sabia que va despojando a Ariel de su
adquirida vida para lentamente hacerle entender
que lo que buscaba afuera está allí donde
siempre estuvo y, con alegría, reconciliarse en esa
espiritualidad que finalmente le hará entender el
significado de su pregunta.
How many men does it take to carry a Jew’s coffin?
This is the question Ariel always asks himself, he who
lives a great life in New York, in a supposedly stable
love relationship, and who, years later, returns to his
childhood neighborhood in Buenos Aires in order to
meet Usher, his father, a man of unremitting energy,
the man who, minutes before Ariel boards the
plane to leave, reminds him of that compelling and
insistent way of being, calling him again and again,
asking him if he could buy velcro sneakers for one
of the many charities to which Usher has dedicated
his life through the foundation he created in the
working-class commercial district of El Once, home
to thousands of Jews. An hectically paced, intelligent
story in a comical tone about the estrangement felt
by Ariel towards his community, towards the faith
and customs in which he grew up, as well as towards
a father who has dedicated more time to others than
to his own family, and who, nonetheless, has left a
strong mark, an invisible and wise presence which
gradually strips Ariel from the life he has built and
gradually makes him understand that all he was
looking for elsewhere is right here where he always
was, and so with joy, reconnect with the spirituality
that will finally make him understand the meaning
of his initial question.
Argentina
2016- 90 min. -Digital
DANIEL BURMAN
Argentina, 1973
Director y guionista. Dirigió
los largometrajes Un crisantemo
estalla en cinco esquinas (1998),
Esperando al Mesías (2000),
Todas las azafatas van al cielo (2002).
En 2004 coescribió junto a Marcelo
Birmajer, El abrazo partido (2004),
una de sus obras más reconocidas
y posteriormente realizó Derecho de
familia (2006), El nido vacío (2008),
Dos hermanos (2010), La suerte en
tus manos (2012) y El misterio de
la felicidad en 2013.
Director and screenwriter. Directed
the feature films A Chrysanthemum
Burst in Cinco Esquinas (1998),
Waiting for the Messiah (2000),
and Every Stewardess Goes to Heaven
(2002). In 2004 he co-wrote, with
Marcelo Birmajer, Lost Embrace (2004),
one of his most renowned works. Later,
he directed Family Law (2006), Empty
Nest (2008), Dos Hermanos (2010),
La Suerte en Tus Manos (2012) and
The Mystery of Happiness in 2013.
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JURADOS
COMPETENCIA
OFICIAL DOCUMENTAL
OFFICIAL DRAMATIC COMPETITION
OFFICIAL DOCUMENTARY COMPETITION
MICHEL FRANCO
jury
jurado
COMPETENCIA
OFICIAL FICCIÓN
GIONA A. NAZZARO
México / Mexico
Suiza / Switzerland
Mediante una rigurosa y diversa carrera como director, guionista y productor, Michel Franco se ha
destacado con sus películas Chronic (2015), nominada a la Palma de Oro y ganadora a Mejor Guión
en el Festival de Cannes en 2015 y Después de Lucía (2012), reconocida con el premio a Mejor Película
en Un Certain Regard del Festival de Cannes 2012. Como productor de una especial agudeza, llevó a cabo
600 Millas (2015) dirigida por Gabriel Ripstein, Mejor Ópera Prima en el Festival de Berlín, y Desde Allá
(2015) dirigida por Lorenzo Vigas ganadora al León de Oro en el Festival de Venecia en 2015.
Es Delegado General de la Semana de la Crítica en el Festival Internacional de Cine de Venecia y miembro
de la Unión de Críticos de Cine de Italia -SNCCI-. Como crítico y periodista, escribe regularmente en el
diario Il manifesto, en Film TV y, es miembro del comité editorial de Filmcritica. También colabora en los
sitios web Filmidee, MicroMega.it y Film parlato. Su primera colección de cuentos cortos de ficción fue
publicada en 2010. Ha sido miembro del comité de selección del Festival de Cine de Turín, programador
del Festival dei Popoli en Florencia, programador y comisario de Visions du Réel y perteneció al comité
de selección del Festival Internazionale del Film di Roma. Trabaja para el Festival de Cine de Locarno y es
director del Gender DocuFilm Fest de Roma.
Michel Franco boasts a rigorous and eclectic career as a director, screenwriter and producer. As a director he
has made a name for himself with films like Chronic (2015), nominated for the Palme d’Or and winner of Best
Screenplay at Cannes in 2015, and Después de Lucía (2012), winner of Best Picture in the Un Certain Regard
section of Cannes in 2012. As a producer, he has a special talent for choosing winners like Gabriel Ripstein’s 600
Millas (2015), voted Best First Film at the Berlin Festival, and Lorenzo Vigas’ Desde Allá (2015), which took
home a Golden Lion at Venice in 2015.
MIKE DOWNEY
Delegate-general of Venice Critics’ Week and member of the Italian Film Critics Union (SNCCI), as a critic and
journalist Nazzaro regularly contributes to the daily Il manifesto and Film TV. He is a member of the Filmcritica
editorial committee and also contributes to the websites Filmidee, MicroMega.it and Film parlato. In 2010,
he published his first collection of short fiction stories. He has been a member of the Turin Festival’s selection
committee, programmer of the Festival dei Popoli documentary festival in Florence, programmer and commissioner
of the Visions du Réel documentary festival and sat on the selection committee of the Rome International Film
Festival. He currently works for the Locarno Festival and is director of the Rome Gender DocuFilm Fest.
Reino Unido / United Kingdom
Es fundador, productor y director ejecutivo de Film and Music Entertainment -F&ME-, con la cual ha
producido más de cincuenta películas multipremiadas en los principales eventos cinematográficos del
mundo, entre ellas Before the Rain (1994) nominada al Premio Oscar como Mejor Película Extranjera.
Miembro de Junta de la Academia de Cine Europeo desde 2004. Tres veces miembro del Consejo de la
Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión - BAFTA -. Es fundador y Presidente
del Festival de Cine de Motovun y Director Artístico del Festival Nacional de Cine Pula, ambos en
Croacia. Asesor Artístico del Festival de Cine de Zagreb y del Casanovafest. Crítico, docente y editor de
publicaciones sobre cine. Ha sido jurado en los festivales de Río de Janeiro, Sofía, Transilvania, Cottbus,
Montreal, Zagreb, Motovun, Róterdam, Carcovia Tbilisi y Varsovia.
LUIS GONZÁLEZ ZAFFARONI
Uruguay
Director ejecutivo de DocMontevideo desde el 2009 y, Director del Encuentro Internacional de
Documental de Sao Paulo, -DOCSP-. Estudió en la Escuela de Cine de Uruguay y realizó el Máster
en Documental de Creación en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona. Fue Coordinador de la
convocatoria de documentales Viewfinder América Latina de la cadena Al Jazeera English y asesor de
contenidos en TevéCiudad, TV Pública de Montevideo. Ha sido jurado en diversos festivales y fondos.
Mike Downey is founder, producer and executive director of Film and Music Entertainment (F&ME), with which
he has produced over 50 multi-award-winning films, including Before the Rain (1994), which was nominated
for an Oscar in the Best Foreign Film category. A member of the European Film Academy board since 2004, he
has sat on the BAFTA board three times. He is founder and president of the Motovun Film Festival and artistic
director of the Pula Film Festival, both in Croatia, and artistic advisor to the Zagreb Festival and Casanovafest.
Film critic, teacher and editor, he has been invited to participate in the Río de Janeiro, Sofia, Transylvania,
Cottbus, Montreal, Zagreb, Motovun, Rotterdam, Cracow Tbilisi and Warsaw festivals as a juror.
Executive director of DocMontevideo since 2009 and director of the Sao Paulo International Documentary
Festival (DOCSP), Luis González studied at the Escuela de Cine de Uruguay and took a Master’s in Documentary
Filmmaking at the Universidad Pompeu Fabra in Barcelona.He iwas coordinator of the Viewfinder Latin America
documentary competition run by the Al Jazeera English media network and contents advisor at TevéCiudad,
Montevideo’s public broadcasting network. As a juror, he has participated in numerous festivals and funds.
AILÍN SALAS
Estados Unidos / United States
LESLI KLAINBERG
Brasil / Brazil
Reconocida actriz brasileña radicada en Argentina. Ha participado en más de veinte producciones,
actuando desde muy pequeña en películas de destacados directores como XXY (2007) y El niño pez
(2009), de Lucía Puenzo, La mirada invisible (2010) de Diego Lerman, Dromómanos (2012) de Luis
Ortega, Al desentendido de Mauricio Escobar Durán, Eva no duerme (2015) de Pablo Agüero, Hija única
(2015) de Santiago Palavecino y La helada negra (2016) de Maximiliano Schonfeld.
Brazilian actress Ailín Salas lives in Argentina and has been treading the boards from a young age. She has
appeared in over 20 films by acclaimed directors, such as XXY (2007) and El niño pez (2009) by Lucía Puenzo,
Diego Lerman’s La mirada invisible (2010), Dromómanos (2012) by Luis Ortega, Al desentendido (2014) by
Mauricio Escobar Durán, Eva no duerme (2015) by Pablo Agüero, Hija única (2015) by Santiago Palavecino
and Maximiliano Schonfeld’s La helada negra (2016).
42
Es la Directora Ejecutiva de la Film Society of Lincoln Center. Ha sido productora y directora de destacados
documentales y mini series, entre ellas Indie Sex, Fabulous! The Story of Queer Cinema (2006),y de varias
películas como A Place At The Table (2012), Beware of Mr. Baker (2012), Paul Monette: The Brink Of Summer’s
End, ganadora en Sundance. Fue la Directora General y productora del Festival de Cine de Nueva York y del
2008 al 2011 se desempeñó como Directora Ejecutiva de NewFest. Fue miembro de la Junta Directiva de
GLAAD, Outfest y NewFest, y ha participado como jurado y panelista en festivales de cine de Estados Unidos.
Executive director of the Lincoln Center Film Society, Lesli Klainberg has produced and directed critically
acclaimed documentaries and mini-series like Indie Sex, Fabulous! The Story of Queer Cinema (2006) and films
like A Place At The Table (2012), Beware of Mr. Baker (2012) and Paul Monette: The Brink Of Summer’s End,
which took home an award at Sundance. Former director-general and producer of the New York Film Festival,
from 2008 through 2011 she was executive director of NewFest. She has been a board member of GLAAD,
Outfest and NewFest, and has served as a juror and panelist at film festivals in the United States.
43
OFFICIAL COLOMBIAN CINEMA COMPETITION
ALESSANDRO RAJA
ALONSO AGUILAR CASTILLO
México / Mexico
Programador del Festival de Cine de Sarajevo y director de Festival Scope, la plataforma en línea creada
hace seis años junto a Mathilde Henrot, la cual permite a los profesionales de la industria visualizar las
selecciones de los mejores festivales del mundo. Con una amplia trayectoria profesional en los diferentes
sectores de la industria del cine, Alessandro Raja estuvo vinculado al grupo de cinemas londinense
The Everyman; trabajó en el área de distribución con The Coproduction Office en París y con Artificial Eye,
y en ventas y adquisiciones internacionales del 2005 al 2009 en Celluloid Dreams. Sus iniciativas en pro
de la distribución y acceso del cine a nivel mundial han marcado un diferencial para el cine de autor. Desde 2012 es el Director del Festival Internacional de Cine de Los Cabos en México. Se ha desempeñado
como guionista y Jefe de escritores para la agencia latinoamericana de MTV News, así como Gerente
de Contenidos de Televisa y Editor de Guion para numerosos proyectos de cine y televisión en
Canadá y México. Fue Coordinador Ejecutivo del Festival Internacional de Cine Contemporáneo de la
Ciudad de México –FICCO-, Director de la Semana de Cine Español en Vancouver, y colaborador en el
Festival Internacional de Cine de Vancouver –VIFF-. A través de su trayectoria profesional, se ha enfocado
en la construcción de puentes entre el cine latinoamericano y el mercado internacional.
NATALIA SMIRNOFF
Alonso Aguilar has been directing the Los Cabos Film Festival in Mexico since 2012 and has worked as
screenwriter and head writer for MTV News Latin America, contents manager for Televisa and script editor for
numerous film and television projects in Canada and Mexico. He was executive coordinator of the Mexico City
International Festival of Contemporary Film (FICCO), director of the Vancouver Festival’s Spanish Film Week
and worked on the Vancouver International Film Festival (VIFF) itself. Throughout his career, he has focused
on building bridges between Latin American cinema and the international market.
LAURENT CROUZEIX
Argentina
Francia / France
Graduada como Directora de Cine en la Fundación Universidad del Cine -FUC-, trabajó como directora
de casting en veinte largometrajes y como asistente de dirección en Cama adentro, Nacido y criado,
Un mundo menos peor y Valentín. Es directora y guionista de la ópera prima Rompecabezas, nominada
al Oso de Oro en el Festival de Berlín en 2010, ganadora en el Festival Internacional de Cine de
Cartagena de Indias en 2011 del Premio Especial a Mejor guion y Premio FIPRESCI a Mejor Ópera
Prima en Guadalajara, entre varios reconocimientos. Su segundo largometraje, El cerrajero,
ha participado en diferentes festivales, entre ellos Cartagena y Sundance.
Programador para la Competencia Internacional del Festival de Cortometrajes de Clermont-Ferrand desde
2001 y Coordinador de Euro Connection, el mercado de coproducción para cortometrajes, con más de 60
proyectos finalizados desde 2009. Es gerente de theshortfilmdepot.com, la plataforma en línea que creó
desde 2004 junto a Roger Gonin y que es compartida por 60 festivales de cortos de todo el mundo.
Es miembro del Consejo de L’Agence du métrage corte. Actualmente desarrolla una película de animación
y una muestra de cortometrajes de Colombia para Clermont-Ferrand ISFF 2017.
Natalia Smirnoff graduated from the Fundación Universidad del Cine (FUC) with a degree in Film Directing
and has worked as casting director on 20 feature films and assistant director on Cama Adentro, Nacido y
Criado, Un mundo menos peor and Valentín. She wrote and directed her own first feature film, Rompecabezas,
which was nominated for the Golden Bear at the 2010 Berlin Film Festival, won the Special Prize for Best
Screenplay at the 2011 Cartagena Film Festival and the FIPRESCI Prize for Best First Film at the Guadalajara
Film Festival, among other awards. Her second feature film, El cerrajero, has participated in various festivals,
including Cartagena and Sundance.
NICOLAS AZALBERT
Francia / France
Nicolas Azalbert, es crítico de cine en la revista francesa Cahiers du Cinéma desde el año 2000 y,
desde 2009, hace parte del Consejo de Redacción de esta misma publicación imprimiéndole un
renovado y sencillo estilo que ha permitido acercar a más lectores de todo el mundo. Es miembro
del comité de selección del Festival de Biarritz América Latina desde 2013 y ha dirigido cuatro películas,
Si no me ahogo (2003), Si fuera yo un helecho (2005), La Brasa Las Cenizas (2015) y La libertad de los
fantasmas (2015).
Nicolas Azalbert has been a film critic with the French magazine Cahiers du Cinéma since 2000 and a member
of its editorial board since 2009. His more modern, unassuming style has attracted new readers from all over
the world. A member of the selection committee for the Biarritz Festival of Latin American Cinema since 2013,
he has directed four films: Si no me ahogo (2003), Si fuera yo un helecho (2005), La Braise Les Cendres (2015)
and La libertad de los fantasmas (2015).
OFFICIAL SHORT FILM COMPETITION
Italia / Italy
Alessandro Raja is programmer of the Sarajevo Festival and director of Festival Scope, an online platform he
and Mathilde Henrot created six years ago to enable industry professionals to visualize the selections of the
world’s most prestigious festivals. His wide experience in various sectors of the film industry includes links to the
London cinema group The Everyman. He has worked in the distribution areas of The Coproduction Office in
Paris and Artificial Eye, and in international sales and acquisitions at Celluloid Dreams from 2005 to 2009.
His efforts to promote film distribution and access worldwide have had a tangible impact on auteur cinema.
44
COMPETENCIA
OFICIAL CORTOMETRAJE
jury
jurado
COMPETENCIA OFICIAL
CINE COLOMBIANO
Programmer of the Clermont-Ferrand Short Film Festival’s International Competition since 2001, Laurent
Crouzeix also coordinates Euro Connection, a short film coproduction initiative that has completed over 60
projects since it was set up in 2009. He is a manager of theshortfilmdepot.com, an online platform he and
Roger Gonin created in 2004 and that is shared by some 60 short film festivals around the world, and sits
on the board of L’Agence du métrage corte. Current projects include an animated film and a sample
of short films by Colombian directors for the 2017 Clermont-Ferrand Festival.
SANDRA GÓMEZ
México / Mexico
Fundadora y directora de la empresa de distribución y producción, Interior XIII. Es productora
ejecutiva de las películas: Paraísos artificiales (2011) de Yulene Olaizola, Los mejores temas (2012),
El palacio (2013), Matar extraños (2013) y Minotauro (2015) de Nicolás Pereda y Te prometo anarquía
(2015) de Julio Hernández Cordón. Editó bajo el sello Interior XIII, los libros Desde el cuarto oscuro.
El cine manufracturado de Peter Tscherkassky y Matías Piñeiro:Los juegos del tiempo. Actualmente dirige
RivieraLab, plataforma de industria y laboratorio creativo de Riviera Maya Film Festival –RMFF-.
Founder and director of the distribution and production company Interior XIII, Sandra Gómez has worked
as executive producer on: Paraísos artificiales (2011) by Yulene Olaizola, the Nicolás Pereda films Los mejores
temas (2012), El palacio (2013), Matar Extraños (2013) and Minotauro (2015), and Te prometo anarquía
(2015) by Julio Hernández Cordón. Under the Interior XIII imprint, she has published Desde el cuarto oscuro.
El cine manufracturado de Peter Tscherkassky and Matías Piñeiro: Los juegos del tiempo. She currently directs
RivieraLab, an industry platform and creative lab run by the Riviera Maya Film Festival (RMFF).
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FIPRESCI
GEMS
FIPRESCI
JEAN-CHRISTOPHE BERJON
jury
jurado
GEMAS
BARBARA LOREY DE LACHARRIERE
Francia / France
Alemania / Germany
Director Artístico de la Semana de la Crítica del Festival de Cannes entre 2004 y 2011 y del Festival de
Biarritz-Cine y Cultura de América Latina del 2008 al 2011. Actualmente reside en México donde fue
Agregado Audiovisual de la Embajada de Francia. Es asesor de los festivales de Morelia y Lima. Ha sido
director de teatro, docente, creador y conductor de programas para la web y televisión, corresponsal y
crítico de cine. Dirigió la enciclopedia L’Annuel du Cinéma y la revista Les Fiches du Cinéma. Colaborador
de L’Avant-Scène Cinéma, Le Film Français, Virgin!, Télérama, Ciné-regards y Cine-Premiere. Fue Secretario
General de la Federación Francesa de Críticos de Cine -SFCC- y es miembro del Consejo Académico
de la Cátedra Ingmar Bergman de la UNAM.
Crítica de cine, curadora y asesora artística de varios festivales de cine y periodista independiente.
Como miembro de FIPRESCI, organiza la presentación de programas especiales en festivales de todo
el mundo con las películas ganadoras de este premio. Ha sido jurado en más de una veintena de
los principales festivales de cine como Venecia, Cannes, Karlovy Vary, Palm Springs, San Sebastián,
Guadalajara y El Cairo. Es miembro de la Academia de Cine Europeo.
Artistic director of Cannes Critics’ Week (2004-2011) and the Biarritz Festival of Latin American Film and
Culture (2008-2011), Jean-Christophe Berjon currently lives in Mexico,éves in lves in t tinae 2004 yir constraints
by where he was posted as Audiovisual Attaché to the French embassy. He currently acts as a consultant to
the Morelia and Lima film festivals and has worn many hats, from theater director, teacher, creator and host
of Internet and television programs to correspondent and film critic. He managed the encyclopedia project
L’Annuel du Cinéma, was director of the magazine Les Fiches du Cinéma and has contributed to the film
publications L’Avant-Scène Cinéma, Le Film Français, Virgin!, Télérama, Ciné-regards and Cine-Premiere.
This former secretary-general of the French Federation of Film Critics (SFCC) is a member of the academic
board of the Ingmar Bergman course at the UNAM.
NICOLE GUILLEMET
Francia / France
Durante más de veinte y cinco años se ha desempeñado en puestos clave en la industria del cine.
Fue vicepresidente del Instituto Sundance y Codirectora del Festival de Cine de Sundance. Entre 2002 y 2007,
fue la Directora del Festival Internacional de Cine de Miami y creó Miami Encuentros, un programa para ayudar a
los productores emergentes iberoamericanos. En los últimos nueve años, ha sido consultora ejecutiva de varios
festivales internacionales, entre ellos, el Festival de Cine Internacional de Costa Rica y el Festival de Cine Global
Dominicano, en este último como Directora de Programación. Es la productora ejecutiva de Dhamma Brothers
(2008) de Jenny Philips, y de la nominada al Oscar, The Square (2013) de Jehane Noujaim. En 2005
fue galardonada con la orden Chevalier des Arts et des Lettres del Ministerio de Cultura de Francia.
Over the last 25 years, Nicole Guillemet has held key positions in the film industry, including vice-president of the
Sundance Institute and co-director of the Sundance Film Festival. As director of the Miami Film Festival (2002-2007),
she created the Miami Encuentros program to help emerging Ibero-American producers. For the last nine years, she
has been an executive consultant to several international festivals, such as the Costa Rica International Film Festival
and the Dominican Festival of World Cinema, of which she is programminvale-American val cs g director. She was
the executive producer on Jenny Philips’ Dhamma Brothers (2008) and Jehane Noujaim’s Oscar-nominated film The
Square (2013). In 2005, the French Ministry of Culture presented her with the order of Chevalier des Arts et des Lettres.
ÁNGEL UNFRIED
Colombia
Director de la revista El Malpensante y del sello editorial homónimo. Periodista cultural y editor.
Ha publicado crónicas, entrevistas y reseñas sobre cine, música y literatura en medios como
El Heraldo, Diners, Shock, La República y El Malpensante. Ha sido tallerista y relator de varios seminarios
de la Fundación Nuevo Periodismo Iberoamericano. En 2014 fue jurado del Festival de Cine Francés. Independent journalist, film critic, curator and artistic advisor to several film festivals, as a FIPRESCI member
Barbara Lorey de Lacharriere organizes special programs for FIPRESCI winners at international festivals.
She has sat on the juries of over 20 prestigious festivals, including Venice, Cannes, Karlovy Vary, Palm Springs,
San Sebastián, Guadalajara and Cairo, and is a member of the European Film Academy.
ERNESTO DIEZMARTÍNEZ GUZMÁN
México / Mexico
Es miembro de FIPRESCI y colaborador del sitio estadounidense CriticWire de IndieWire. Ha sido jurado
FIPRESCI y oficial en varios festivales nacionales e internacionales. Es profesor del Tec de Monterrey,
Campus Sinaloa. Escribe sobre cine de manera ininterrumpida en diversos diarios y revistas desde
fines de los años 80 y, es columnista de cine en el diario Reforma desde hace veinte años y desde hace
veinticinco en el Noroeste. El libro Vértigo: veinte años de crítica cinematográfica, publicado en diciembre
de 2009, recoge una antología de sus textos críticos que también pueden leerse en el blog cinevertigo.
blogspot.mx. Actualmente trabaja en una investigación sobre la producción fílmica de México en los años
80, que será publicada próximamente.
FIPRESCI member and contributor to the American website CriticWire-IndieWire, Ernesto Diezmartínez has been
a FIPRESCI juror and official at national and international festivals. He is a professor at the Sinaloa campus of the
Tec de Monterrey and, since the late Eighties, has been writing film criticism for various dailies and magazines such
as the daily Reforma, for which he has written a column for the last 20 years, and the daily Noroeste, which he has
been contributing to for the last 25 years. His book, Vértigo: Veinte Años de Crítica Cinematográfica, published in
December 2009, is a collection of his criticism and can also be found on the blog cinevertigo.blogspot.mx. He is
currently researching another book on film production in Mexico during the Eighties, which will be published shortly.
GERALD PEARY
Crítico de cine en el sitio web The Arts Fuse. Es profesor de cine en Boston y autor de nueve libros
sobre cine. Escribió y dirigió los documentales, For the Love of Movies: the Story of American Film Criticism
(2009) y Archie’s Betty (2015). Ha sido jurado en numerosos festivales de cine alrededor del mundo.
Hizo su debut como actor en la película Computer Chess (2013) dirigida por Andrew Bujalski.
A critic for the Arts Fuse website, Gerald Peary is a professor of film in Boston and the author of nine books
on the subject. He wrote and directed the documentaries For the Love of Movies: The Story of American
Film Criticism (2009) and Archie’s Betty (2015). He has served as a juror at numerous international film
festivals and made his debut as an actor in Andrew Bujalski’s Computer Chess (2013).
Director of the magazine El Malpensante and the homonymous publishing imprint, Ángel Unfried is a cultural
journalist and editor by profession whose chronicles, interviews and critiques of films, music and literature have been
published by media like El Heraldo, Diners, Shock, La República and El Malpensante. He has given workshops and
seminars for the New Ibero-American Journalism Foundation and served as a juror at the 2014 French Film Festival.
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PUERTO LAB
NEW TALENTS
PUERTO LAB
DIANA TRUJILLO
jury
jurado
NUEVOS CREADORES
MARK PERANSON
Colombia
Canadá / Canada
Arquitecta, fotógrafa, diseñadora de producción y directora de arte, ha participado en trece largometrajes
entre ellos, The 33 (2014), Que viva la música (2014) y Roa (2012), que le valió el Premio Macondo a Mejor
Dirección de Arte en 2013. Fue la diseñadora de producción de la serie Narcos en Colombia y también ha
sido directora de arte en series de televisión, cortometrajes y comerciales. Ha incursionado en el mundo de
la fotografía y el diseño bidimensional a través del arte. Trabajó durante ocho años en el campo de Styling
y producción de fotografía para portadas editoriales de medios impresos de cultura, arquitectura y moda.
Director de Programación del Festival del Cine de Locarno desde 2013, fue miembro del comité
seleccionador de dicho festival entre 2010 y 2012 y, es Programador Asociado del Festival de Cine
de Vancouver desde el año 1999. Es redactor y editor de la revista Cinema Scope; sus textos han sido
publicados en The Village Voice, Cahiers du Cinéma, Sight and Sound, Revolver, El Amante, The Globe
and Mail y Film Comment. Su primer largometraje, Waiting for Sancho (2008) fue exhibido en más
de 25 festivales en todo el mundo. Actuó en la película El cant dels ocells (2008) y codirigió junto
con Raya Martin, La última película (2013).
Architect, photographer, production designer and art director Diana Trujillo has worked on 13 feature films,
including The 33 (2014), Que viva la música (2014) and Roa (2012), which won her the Macondo Prize
for Best Art Direction in 2013. She was production designer on the Colombian series Narcos and has worked as
art director on television series, short films and commercials. It was through art that she came into contact with
photography and bi-dimensional design. For eight years, she worked in the areas of styling and photo production
for the covers of culture, architecture and fashion publications.
Programming director of the Locarno Film Festival since 2013, Mark Peranson was a member of the selection
committee of the same festival from 2010 to 2012. Since 1999, he has been associate programmer of the
Vancouver Film Festival. He is editor of the film magazine Cinema Scope and his articles have been published
in The Village Voice, Cahiers du Cinéma, Sight and Sound, Revolver, El Amante, The Globe and Mail and
Film Comment. His first feature film, Waiting for Sancho (2008), was shown at over 25 festivals worldwide.
He had a part in El cant dels ocells (2008) and co-directed La última película (2013) along with Raya Martin.
THIERRY LENOUVEL
Francia / France
Estudió Literatura Moderna y Cine. En 1993 fundó Cine-Sud Promotion con el fin de promover el cine de
autor y desde el 2001 ha producido y coproducido treinta películas, con las cuales ha ganado más de 200
premios alrededor del mundo, entre varias: Tirana, Year Zero (2002), Moolaade (2004), La Sirga (2012),
Flapping In The Middle Of Nowhere (2014) y, La tierra y la sombra (2015). Fue cofundador y Delegado General
del Festival de Cine del Mediterráneo en Montpellier (1980-1995), fundador y organizador del Fondo de
Desarrollo de Guion del Festival de Cine de Amiens, cofundador de Cinema in Motion en el Festival de Cine
de San Sebastián y de Final Cut en Venecia. Ha sido jurado en diferentes festivales alrededor del mundo.
Thierry Lenouvel has an academic background in Modern Literature and Film. In 1993, he founded Cine-Sud
Promotion to promote auteur cinema and since 2001 has produced and co-produced 30 films that have taken
home over 200 awards between them: Tirana, Year Zero (2002), Moolaade (2004), La Sirga (2012), Flapping
In The Middle Of Nowhere (2014) and La tierra y la sombra (2015). He co-founded and was delegate-general
of the Montpellier Festival of Mediterranean Film (1980-1995), founded and organized the Amiens Festival’s
Screenplay Development Fund, and co-founded Cinema in Motion at the San Sebastián Festival and Final Cut
at Venice. He has been invited to sit on the juries of numerous festivals.
VÂNIA CATANI
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RÉMI BONHOMME
Francia / France
Es Director de Programación la Semana de la Crítica del Festival de Cannes desde el 2009 y programador
en el Metropolis Art Cinema de Beirut. Es cofundador de la compañía MC Distribution, cuyo objetivo es
apoyar el cine independiente libanés y del Medio Oriente. Fue productor asociado del largometraje Cha
que jour est une fête (2010). Ha sido asesor en los festivales de Doha, Tribeca y Bird’s Eye View en Londres
y jurado en los festivales de Busan, Morelia, Tesalónica y Buenos Aires. Graduado en Ciencias Políticas y
Gestión cultural en Francia y Alemania, vive entre París y Beirut.
Programming director of Cannes Critics’ Week since 2009 and programmer at Metropolis Art Cinema of
Beirut, Rémi Bonhomme is co-founder of MC Distribution, which supports independent Lebanese and MiddleEastern cinema. He was associate producer of the feature film Chaque jour est une fête (2010), and an advisor
to the Doha and Tribeca festivals and at Bird’s Eye View in London. He has also served as a juror at the
Busan, Morelia, Thessalonica and Buenos Aires festivals. He holds degrees in Political Sciences and Cultural
Management from universities in France and Germany and divides his time between Paris and Beirut.
NASLY BOUDE
Brasil / Brazil
Colombia
Productora y fundadora de Bananeira Filmes en Río de Janeiro, compañía que desde 2000, desarrolla,
produce y estrena audaces proyectos independientes de gran calidad artística. Sus películas se han exhibido
en 250 festivales, 40 países y han recibido 149 premios hasta la fecha. Ha producido más de veinte películas
entre las que se encuentran, A Festa da Menina Morta (2008) dirigida por Matheus Nachetergaele, O Palhaço
(2011), de Selton Mello, La Playa D.C., (2012) de Juan Andrés Arango, El Ardor (2014), de Pablo Fendrik, y
Mate-me por favor (2015) de Anita da Rocha Silveira. Actualmente finaliza Sama de Lucrecia Martel.
Es la Directora de Contenido Alternativo y Cine Arte en Cine Colombia. Comunicadora social especializada
en gestión y producción de proyectos culturales. Se ha desempeñado como productora y programadora
de festivales de cine, muestras internacionales de video y nuevas tecnologías. Fue Coordinadora del Salón
FICCI del Festival Internacional de Cine de Cartagena entre 2011 y 2013. Directora de Programación
y Contenido, de Mercadeo y Publicidad y de Exhibición en Babilla Ciné entre 2006 y 2013 y fue Adjunta
de la Oficina Audiovisual para Países Andinos de la Embajada de Francia del 2002 al 2006.
Founder of the Rio-based Bananeira Filmes production company, since 2000 Vânia Catani has been developing
and producing bold independent projects of the highest artistic standard. Her productions have been screened
at 250 festivals in 40 countries and have won a total of 149 awards to date. As a producer, has over 20 films
under her belt, including Matheus Nachetergaele’s A Festa da Menina Morta (2008), Selton Mello’s O Palhaço
(2011), Juan Andrés Arango’s La Playa D.C. (2012), El Ardor (2014) by Pablo Fendrik and Mate-me por favor
(2015) by Anita da Rocha Silveira. She is currently finishing Sama by Lucrecia Martel.
Nasly Boude is director of alternative content and art films at Cine Colombia. A social communicator
by profession, her area of expertise is the management and production of cultural projects. She has worked
as a producer and programmer of international film, video and new technology festivals. Other positions she
has held include coordinator of Salon FICCI at the Cartagena International Film Festival (2011-2013), director
of programming, content and marketing, publicity and exhibition at Babilla Ciné (2006 and 2013), and attaché
to the French embassy’s Audiovisual Office for Andean Countries (2002-2006).
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Premio CINE COLOMBIA a Mejor Película:
USD 15.000
CINE COLOMBIA Award for Best Film:
USD$15,000
official dramatic competition
competencia oficial ficción
AQUÍ NO HA
PASADO NADA
MUCH ADO ABOUT NOTHING
Chile
En 2013, el hijo de un exsenador chileno atropelló a un hombre
mientras conducía borracho. Fernández Almendras cambia
los nombres de los protagonistas y modifica algunas de sus
circunstancias, pero se mantiene fiel al significado profundo
de un caso que indignó a la sociedad chilena. Aquí no ha pasado
nada, seleccionado en los recientes festivales de Sundance
y Berlín, fue filmado en pocos días y financiado gracias al sistema
de crowdfunding. El director de Matar a un hombre, vuelve sobre
el tema de la justicia y transmite con su ritmo nervioso y un repertorio
de recursos estilísticos que no teme reinventarse en el camino,
las entrañas de un mundo de ligereza, corrupción, impunidad
y desmemoria. Vicente, el personaje de ficción en el que se centra
esta versión de los hechos, es acusado como responsable de un
accidente del cual no sabe ni recuerda nada, mientras trata de
mantenerse a flote entre los fracasos sentimentales, la traición
de sus amigos y el reconocimiento de su entorno, que necesita
de un chivo expiatorio. Un mundo de “niños” ricos mostrado en
su frialdad y falta de horizonte, en el cual los padres deciden por
ellos sustrayéndoles cualquier sentido de la responsabilidad moral.
In 2013, the son of a former Chilean senator ran over a man while
drunk driving. Fernández Almendras changes the names and alters the
backgrounds of his protagonists, but remains true to the deeper meaning
of a case that outraged Chilean society. Aquí no ha pasado nada, recently
selected to compete at Sundance and Berlin, was filmed in just a few days
and financed via a crowdfunding mechanism. The director of Matar a un
hombre revisits the theme of justice, depicting, with his jittery rhythm and
a repertoire of stylistic recourses that isn’t afraid to reinvent itself along the
way, the workings of an unconscionable world of corruption and impunity
where nothing is taken seriously. Vicente, the fictional character this
version of the facts revolves around, is charged with causing an accident
he has no recollection of, while he attempts to stay afloat in a sea of
sentimental letdowns, betrayal by his friends and the realization that his
own are in need of a scapegoat —a world of “rich kids” shown in all its
indifference and narrowmindedness, where the parents are the ones who
make the decisions, relieving their children of any moral responsibility.
ALEJANDRO FERNÁNDEZ ALMENDRAS
Chile, 1971
Idioma / Language
Español con subtítulos en inglés
Spanish with English subtitles
Director
Alejandro Fernández Almendras
Productor / Producer
Augusto Matte
Guion / Screenplay
Alejandro Fernández Almendras, Jerónimo
Rodríguez
54
Editor
Soledad Salfate, Alejandro Fernández Almendras
Fotografía / Photography
Inti Briones
Reparto / Cast
Agustín Silva, Paulina García, Alejandro Goic,
Luis Gnecco, Daniel Alcaíno, Samuel Landea,
Augusto Schuster
Contacto / Contact
Film Factory Entertainment, Manon Barat,
[email protected]
Director, guionista, crítico de cine, fotógrafo y periodista. Cursó estudios en
la Escuela de Periodismo de la Universidad de Chile. Dirigió los largometrajes
Huacho (2009), Sentados frente al fuego (2011) y Matar a un hombre (2013),
con el cual ganó el Premio Especial del Jurado en Sundance y el premio a Mejor
Director en el Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias (2014).
Director, screenwriter, film critic, photographer and journalist, Alejandro Fernández
Almendras studied Journalism at the University of Chile. Prior to Aquí no ha pasado
nada, he directed the feature films Huacho (2009), Sentados frente al fuego (2011)
and Matar a un hombre (2013), which won him the Special Jury Prize at Sundance
and Best Director at the 2014 Cartagena Film Festival.
55
BOI NEON
NEON BULL
Brasil / Uruguay / Holanda - Brazil / Uruguay / Holland
Iremar es hombre, joven y con la fuerza necesaria para organizar
a los toros que serán derribados durante las Vaquejadas pero, su
sueño es diseñar y confeccionar ropa de mujer. Galega, por su parte,
es la joven madre de Cacá y bailarina pero, es la conductora
y mecánica del camión que les sirve de hogar y transporta a su
nómade equipo de trabajo por un áspero y cálido Brasil noreste. En su
segundo largometraje, Gabriel Mascaro con una fotografía mediante
la cual las propias tonalidades del entorno fortalecen la narrativa
y donde la correcta distancia nos hace olvidar de su presencia,
toma la realidad estereotipada, muy marcada en nuestro contexto
latinoamericano del macho, en el que las mujeres deben cumplir
como género, en el que asumimos y damos por hecho lo no evidente
y, la deconstruye con cálida ironía mediante inesperados contrastes
en las asignaciones de labores, en la rudeza y la ternura, la seriedad
y el humor y en la expresión de una corporeidad sensual, sexual y,
tan natural como el instinto compartido con los animales. Boi Neon
es una descarga eléctrica que varía por instantes pero que nos lleva
hasta su final en un aura de disfrute que permanece por largo tiempo.
Premio Especial del Jurado, Sección Horizontes en el Festival
de Cine de Venecia, 2015
Iremar is a young man with the physical strength it takes to organize
the bulls that will be taken down during the Vaquejadas, but his dream
is to design and make women’s clothes. Galega, Cacá’s young mother,
is a dancer, but she also drives and repairs the truck that is a home from
home to her nomadic troupe that performs in the rugged Northeast region
of Brazil. An adroit photography uses the hues of the natural environment
to reinforce the narrative, while the camera keeps just the right distance
to make us forget its presence. This is Gabriel Mascaro’s second feature
film, in which he takes the ingrained male and female Latin American
stereotypes we take for granted and deconstructs them with a sympathetic
hint of irony, alternating toughness and tenderness, seriousness and humor
with the expression of a sensual, sexual corporality that is as natural as our
animal instincts. Boi Neon is an electrical charge whose voltage varies,
but that carries us to the end in a rush of enjoyment that continues to
make us buzz for a long time afterwards.
Special Jury Prize in the Orizzonti section of the 2015 Venice Film Festival
Honorable Mention at the 2015 Toronto International Film Festival
Mención de Honor en el Festival Internacional de Cine de Toronto, 2015
GABRIEL MASCARO
Brasil / Brazil, 1983
Idioma / Language
Portugués con subtítulos en español e inglés
Portuguese with Spanish and English subtitles
Director
Gabriel Mascaro
Rachel Ellis
Guion / Screenplay
Gabriel Mascaro
Editor
Fernando Epstein, Eduardo Serrano
56
Diego García
Reparto / Cast
Juliano Cazarré, Maeve Jinkings, Alyne Santana,
Vinícius de Oliveira, Josinaldo Alves, Carlos Pessoa
Contacto / Contact
Memento Films, Sata Cissokho,
[email protected]
Director de cine y artista visual. Su primer largometraje, Ventos de agosto (2014),
se estrenó en competición en Locarno en 2014 y fue galardonado con una
mención especial. Sus documentales anteriores y video instalaciones se han
proyectado en importantes festivales de cine y eventos artísticos, incluyendo
Rotterdam (IFFR), Ámsterdam (IDFA), Oberhausen, Clermont Ferrand, Leipzig,
BFI de Londres, el Guggenheim, Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona,
el MoMA y la Bienal de São Paulo.
Filmmaker and visual artist Gabriel Mascaro made his directorial debut with Ventos
de Agosto (2014), which premiered at the Locarno Film Festival in 2014 with a special
mention. Prior to this, his documentary films and video installations had been shown at
major film festivals and artistic events such as Rotterdam (IFFR), Amsterdam (IDFA),
Oberhausen, Clermont Ferrand, Leipzig, the BFI London Film Festival, the Guggenheim,
the Barcelona Museum of Contemporary Art, MoMA and the São Paulo Biennial.
57
CARTAS DA GUERRA
LETTERS FROM WAR
Portugal
2016 – 105 min.– Digital
Palabra e imagen se dan la mano en esta adaptación de la
correspondencia que, desde el frente de batalla en la guerra de Angola
(1961-1974), le envió el aún muy joven escritor y médico portugués
António Lobo Antunes a su mujer. El peso de la historia colonial de
su país, de la que poco a poco el futuro gran escritor va tomando
conciencia, se mezcla con un exaltado romanticismo para definir
la textura emocional de la película. Un hermoso blanco y negro y
el recurso reiterado de la lectura de las cartas, cubren a la película
de Ferreira de un halo de melancolía. Esa intraducible saudade que
puede verse como el resultado de la distancia de los amantes o del
absurdo de las guerras imperiales, o simplemente como el estado de
ánimo necesario para descubrirse como artista ante la inmensidad
de la falta, en su doble sentido de culpa y ausencia. La coincidencia
en algunas decisiones estéticas y el empleo de temas y recursos
narrativos parecidos, hacen ineludible la comparación con el cine de
Miguel Gomes, especialmente Tabú, con la que comparte además a
su pareja de productores. Pero Cartas da guerra, que tuvo su estreno
en la competencia oficial del reciente Festival de Berlín, es sobre todo
la película de un presente que no puede entenderse sin volver la vista
atrás para examinar el trayecto recorrido y su sentido aquí y ahora.
Word and image go hand-in-hand in this adaptation of the letters a very
young Portuguese doctor sends home to his wife from the frontline during
the Angolan War of Independence (1961-1974). Budding writer António
Lobo gradually becomes aware of the weight of his country’s colonial
history, which, together with a heightened sense of romanticism defines
the film’s emotional texture. Stunning black and white photography and
the repeated use of the letter-reading recourse lend Cartas da Guerra
an aura of melancholy—that untranslatable saudade of parted lovers,
accentuated by the absurdity of imperial war or simply a lack of creative
inspiration brought on by the overwhelming guilt and loneliness the
protagonist feels. Aesthetically, a comparison with the films of Miguel
Gomes is inevitable, especially Tabú, with which it not only shares themes
and narrative recourses but producers. Yet Cartas da guerra, which
premiered at the Official Competition of the recent Berlin Film Festival,
is essentially about a present, a here and now that cannot be understood
without looking back over our shoulders at the road already traveled.
IVO FERREIRA
Portugal, 1975
Idioma / Language
Portugués con subtítulos en español
Portuguese with Spanish subtitles
Director
Ivo Ferreira
Sandro Aguilar, Luís Urbano
Guion / Screenplay
Ivo Ferreira, Edgar Medina, António Lobo
Antunes (cartas)
58
Editor
Sandro Aguilar
João Ribeiro
Reparto / Cast
Miguel Nunes, Margarida Vila-Nova
Contacto / Contact
Sergi Steegmann,
[email protected]
Director y guionista nacido en Lisboa. Dirigió los cortos Na Escama do Dragão
(2012) y O Estrangeiro (2010), entre otros, y los largos Em Volta (2002), Águas Mil
(2009) y Cartas da Guerra (2016), la cual fue seleccionada para la competencia
oficial de la Berlinale 2016.
Director and screenwriter Ivo Ferreira was born in Lisbon. He directed the short films
Na Escama do Dragão (2012) and O Estrangeiro (2010), and the feature films Em
Volta (2002), Águas Mil (2009) and Cartas da Guerra (2016), which was selected for
the Official Competition of the 2016 Berlin Film Festival.
59
EL MOVIMIENTO
THE MOVEMENT
Argentina / Corea del Sur - Argentina / South Corea
1835. La anarquía reina en los vastos y disputados territorios de la
Pampa, otrora habitación de los indígenas naturales pobladores de
la región, donde los bandos posindependentistas de una Argentina
en elaboración van sin rumbo buscando ignorantes adeptos que
se sumen y los apoyen con lo poco que tengan, bajo su voluntad o
sometidos a la fuerza. Entre ellos, El Movimiento, liderado por El
Señor, un delirante mesías con ilimitadas ansias de poder que se
abroga la salvación, la imponencia de un nuevo orden y que con su
luz, someterá la oscuridad. Benjamín Naishtat, es este, su segundo
largometraje continúa su impecable búsqueda tanto en su estética,
con cuadrados encuadres, una muy precisa y significativa fotografía en
blanco y negro y con temas que ayuden a entender la cíclica repetición
de las situaciones y personajes que han gobernado y gobiernan su
país: ”…en lugar de crear un terreno estrictamente histórico, fui al
pasado sólo para armar ciertos personajes cuyas motivaciones son
absolutamente contemporáneas porque después de todo, como dice
Faulkner, el pasado nunca está muerto. Ni siquiera es pasado”.
1835. Anarchy reigns on the vast, disputed lands of La Pampa in a newly
independent Argentina that is still in the making. Once populated by
indigenous peoples, it is now roamed by factions seeking out unwitting
followers to support their cause with what little they have, be it of their
own free will or by force. One such group, The Movement, is led by
El Señor, a man with a Messiah complex and an insatiable thirst
for power who promises to bring salvation, impose a new order and
banish the darkness with his light. In this, his second feature film to
date, Benjamín Naishtat once again offers the spectator an impeccable
aesthetic experience, with square frames and precise, thoughtful black
and white photography, and a story that sheds light on the cyclical
repetition of situations and characters in Argentina’s political history.
“…instead of creating a strictly historical setting, I looked to the past
merely for inspiration for certain characters whose motivations are
completely contemporary because after all, as Faulkner says, the past
is never dead. It’s not even past.”
Best Argentinean Picture at the 2015 Mar del Plata Film Festival
Mejor Película Argentina, Festival de Cine de Mar del Plata 2015
BENJAMÍN NAISHTAT
Argentina, 1986
Idioma / Language
Director
Benjamin Naishtat
Jeonju Cinema Project, Federico Eibuszyc,
Barbara Sarasola Day
Guion / Screenplay
Benjamin Naishtat
60
Editor
Andres Quaranta
Soledad Rodríguez
Reparto / Cast
Pablo Cedron, Francisco Lumerman,
Marcelo Pompei
Contacto / Contact
Pucará Cine, Benjamin Naishtat,
[email protected]
Estudió en la Universidad del Cine en Argentina y un posgrado en Artes
Contemporáneas en Le Fresnoy, Francia Ha realizado cortos de ficción
y experimentales, como El Juego (2010) e Historia del Mal (2011). Su ópera
prima Historia del Miedo, se estrenó en la Competencia de Berlín en 2014
y ganó premios en Jeonju, San Francisco y Wroclaw New Horizons, para luego
ser proyectada en más de cuarenta festivales.
Benjamín Naishtat graduated from the Universidad del Cine in Argentina and took
a postgraduate in Contemporary Arts at Le Fresnoy, France. He has directed short
fictional and experimental films like El Juego (2010) and Historia del Mal (2011).
His first feature film, Historia del Miedo, premiered at the Official Competition
of the 2014 Berlin Film Festival, went on to win awards at Jeonju, San Francisco
and Wroclaw New Horizons and was screened at another 40 festivals.
61
HISTORIAS DE DOS
QUE SOÑARON
TALES OF TWO WHO DREAMT
México / Canadá - Mexico / Canada
2015 – 82 min. – DCP
La imagen inicial de Historias de dos que soñaron, es un plano estático
sobre la cóncava fachada en grises de un gran edificio multifamiliar
que, cual Torre de Babel, ocupa completa la pantalla mientras
se escucha lejano, un melancólico canto cardenche mexicano y
ocurre la metamorfosis de un niño que gradualmente, siente la
transformación de su boca en pico y de su piel en plumas. Una pareja
de padres, inmigrantes húngaro-romaníes viven la larga pero nunca
evidente incertidumbre, de una cita en la Oficina de Inmigración
para poder reunificar a su familia en Toronto. Andrea Bussmann y
Nicolás Pereda confluyen sus dos miradas, singulares e inusuales,
sobre cómo son habitados allí, esos edificios de interminables
pasillos y apartamentos, y cómo la gente que reside en ellos, vive
y cuenta la realización de esta película. Nicolás Pereda, en su
duodécimo largometraje cambia de contexto, a sus habituales actores,
y se va a un blanco y negro que mantiene su poética, sus repeticiones
y sus arriesgadas puestas en escena.
Historias de dos que soñaron opens with a static shot of the gray, concave
façade of a rambling housing block. This massive Tower of Babel takes up
the entire screen, while the strains of a melancholic Mexican folk song can
be heard in the distance, accompanying the gradual metamorphosis of a
boy into a bird. As his mouth turns into a beak and his skin transmutes
into feathers, a couple of Hungarian-Romani immigrants wait anxiously
for an appointment at the immigration office in the hopes their family can
be reunited in Toronto. Andrea Bussmann and Nicolás Pereda bring their
unique and highly original perspectives to this film about the people who
inhabit these impersonal apartment buildings, told in their own voices.
This is Nicolás Pereda’s twelfth feature and while it marks a change of
context and doesn’t feature his habitual actors, the poetry, repetition and
risqué montages he is known for are still present in this black and white
production.
ANDREA BUSSMANN
Canadá / Canada, 1980
Master en Antropología Social y MFA en producción de cine. Dirigió
el cortometraje documental, Aquel cuyo rostro no irradie luz (2011).
Bussmann holds a Master’s in Social Anthropology and an MFA in Film Production.
She directed the short documentary film Aquel cuyo rostro no irradie luz (2011).
NICOLÁS PEREDA
México / Mexico, 1982
Idioma / Language
Húngaro e inglés con subtítulos en español
Hungarian and English with Spanish subtitles
Director
Andrea Bussmann, Nicolás Pereda
Andrea Bussmann, Nicolás Pereda,
Dan Montgomery
Guion / Screenplay
Andrea Bussmann, Nicolás Pereda
62
Editor
Andrea Bussmann
Noé Rodríguez
Reparto / Cast
Sandorné Laska, Sandor Laska, Timea Laska,
Alexander Laska, Viki Laska
Contacto / Contact
Interior XIII Sandra Gómez,
[email protected]
Sus películas ¿Dónde están las historias? (2007), Entrevista con la tierra (2008),
Juntos (2009), Perpetuum Mobile (2009), Todo, en fin, el silencio lo ocupaba (2010),
Verano de Goliath (2010), Premio Orizzonti en el Festival de Cine de Venecia, Los
mejores temas (2012), Matar extraños (2013), El palacio (2013), Los ausentes (2014),
El aula vacía (2015), Minotauro (2015) se han exhibido en retrospectivas y en los
festivales de cine de Rotterdam, San Sebastián, Toronto, Venecia y Cartagena.
His films, ¿Dónde están las historias? (2007), Entrevista con la tierra (2008), Juntos
(2009), Perpetuum Mobile (2009), Todo, en fin, el silencio lo ocupaba (2010), Verano
de Goliath (2010), which won the Orizzonti Prize at the Venice Film Festival, Los
mejores temas (2012), Matar extraños (2013), El palacio (2013), Los ausentes (2014),
El aula vacía (2015) and Minotauro (2015), have been screened at retrospectives and
at the Rotterdam, San Sebastián, Toronto, Venice and Cartagena festivals.
63
LA ÚLTIMA TIERRA
THE LAST LAND
Paraguay / Chile / Holanda - Paraguay / Chile / Holland
Tras atender pacientemente las últimas horas de una intensa
y dilatada agonía, Amancio, un viejo campesino, debe resolver
el duelo provocado por la muerte de su mujer, un suceso que lo
dejará completamente abandonado en una lejana y colosal serranía
paraguaya que parece haber sido conquistada solamente por él y su
esposa. La preparación del cuerpo y de la tumba se convierte para este
hombre en un ritual que lo obliga a transitar por aquella tierra, cuyo
curso, aunque lento y natural, se mantiene de forma ininterrumpida y
va colmando suavemente el gran abismo de su silencio, ese dolor que
no encuentra destinatario y que finalmente termina por desbordarlo.
Una obra en torno a la paradójica persistencia de la vida después de la
muerte; una fábula sobre la insoportable inmortalidad del mundo que
abruma la existencia efímera del ser humano. La ópera prima de Pablo
Lamar es una película llena de lirismo que conjuga la plasticidad de la
imagen con un expresivo diseño sonoro, que la hicieron merecedora
del Premio Especial del Jurado en la más reciente edición del Festival
de Cine de Rotterdam.
After patiently nursing his wife through her long and agonizing death,
Amancio finds himself completely alone on a remote mountain in
Paraguay whose immensity appears to have been conquered only by this
old farmer and his spouse. The grieving process begins with the ritualistic
preparation of the corpse and the grave, forcing Amancio to face his pain,
slowly, naturally, but relentlessly and silently. A pain so great it finally
overwhelms him. Pablo Lamar makes his directorial debut with this lyrical
film about the paradoxical persistence of life after death; a fable about
the unbearable immortality of the world that overshadows our ephemeral
human existence. Artful photography and an expressive sound design
earned La última tierra the Special Jury Prize at this year’s edition
of the Rotterdam Film Festival.
Special Jury Prize, Tiger Awards Competition, 2016 Rotterdam
Film Festival
Premio Especial del Jurado, Tiger Awards Competition, Festival de
Rotterdam, 2016
PABLO LAMAR
Paraguay, 1984
Idioma / Language
Director
Pablo Lamar
Ilse Hughan, Wiebke Toppel, Pablo Lamar
Guion / Screenplay
Pablo Lamar
64
Editor
Felipe Gálvez
Paolo Girón
Reparto / Cast
Ramón del Río, Vera Valdez
Contacto / Contact
Pablo Lamar [email protected]
Radicado en Buenos Aires y egresado de la Fundación Universidad del Cine-FUC-.
Director de los cortometrajes Noche adentro (Semana de la Crítica de Cannes,
2009) y Ahendu Ode Sapukai (Mejor Cortometraje BAFICI, 2008). En 2012 fue
uno de los socios fundadores de la productora Entre Filmes (Belo Horizonte,
Brasil), donde se ha desempeñado principalmente como sonidista y diseñador
sonoro de cortometrajes como Tremor (Festival de Cine de Locarno, 2013). Aún
en etapa de desarrollo, con La última tierra participó en el Atelier de Cannes
(2012), el Torino Film Lab (2011) y el Buenos Aires Lab-BAL (2010).
A graduate of the Fundación Universidad del Cine (FUC), Pablo Lamar lives in Buenos
Aires. He directed the short films Noche adentro (Cannes Critics’ Week, 2009) and Ahendu
Ode Sapukai (Best Short Film, BAFICI, 2008). In 2012, he co-founded the production
company Entre Filmes (Belo Horizonte, Brazil), to which he has contributed mainly as
a sound technician and sound designer on short films like Tremor (2013 Locarno Film
Festival, 2013). La última tierra participated in L’Atelier at Cannes (2012), the Torino Film
Lab (2011) and Buenos Aires Lab-BAL (2010) when it was at the development stage.
65
MATE-ME
POR FAVOR
KILL ME PLEASE
Brasil / Brazil
2015 – 104 min. – DCP
En el barrio Tijuca, uno de tantos desarrollos urbanísticos que
proliferan en la periferia de Río de Janeiro, Bia, de quince años,
encuentra el cuerpo de una joven moribunda y, establece en medio
de una sensual atmósfera, su primer contacto con la muerte. Esta,
antes lejana, se hace cada más cercana e inquietantemente acechante,
creando en ella una fascinación obsesiva, mezclando de manera
frenética miedo con sexo y, en la medida que aparece un nuevo
cadáver, producto de un asesino serial que elige su vecindario para
cometer los crímenes, su deseo debe ser satisfecho de inmediato,
pero su novio evangélico lo reprime, lo que la hace desafiar sus
propios límites físicos y mentales en medio de un entorno en el que
sus padres no están ni se sienten y donde su único hermano encarna
las características de ciertos sociópatas actuales, solitarios inmersos
en las redes sociales a la caza de la vida de los otros. En esta, su ópera
prima, selección Sección Horizontes del Festival de Cine de Venecia
2015, Anita Rocha Da Silveira mantiene la continuidad temática
y estética que imprimió su sello personal en los cortometrajes
precedentes, como en Los muertos vivos, seleccionada para la
Quincena de Realizadores del Festival de Cannes en 2012.
In Tijuca, in the suburbs of Río de Janeiro, 15-year-old Bia comes across
a young woman in the grips of death. The atmosphere is impregnated
with sensuality and after this first contact, death, once a distant specter,
becomes increasingly and menacingly familiar, to the point where her
fascination with it turns into an obsession associated with fear and
sex. It turns out a serial killer is on the loose in her neighborhood and
when another body appears, she becomes aroused and seeks immediate
satisfaction, but her religious boyfriend represses her, causing her to
defy her own physical and mental limits in the absence of a solid family
structure—her parents are never around and her only brother is a solitary
sociopath who spends his days surfing the Internet, preying on the lives of
others. Selected for the Horizontes section of the 2015 Venice Film Festival,
this is Anita Rocha Da Silveira’s debut feature, but remains true to the
very personal themes and aesthetics of her previous short films like Los
muertos vivos, which was selected for Cannes Directors’ Fortnight in 2012.
ANITA ROCHA DA SILVEIRA
Idioma / Language
Portugués con subtítulos en español e inglés
Portuguese with Spanish and English subtitles
Director
Anita Rocha da Silveira
Vania Catani
Guion / Screenplay
Anita Rocha da Silveira
66
Editor
Marilia Moraes
João Atala
Reparto / Cast
Valentina Herszage, Julia Roli, Dora Freind,
Mariana Oliveira, Carol Baptista, Bernardo
Marinho
Especialista en cine de la Universidad Pontificia Católica de Río de Janeiro en
2008. Escritora, directora y editora de sus cortometrajes, Vampiro de mediodía
(2008), Balonmano (2010) ganador al Premio FIPRESCI en el 57 Festival
Internacional de Cortometrajes de Oberhausen, y Los muertos vivos (2012)
selección de la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes en 2012.
Anita Rocha da Silveira graduated from the Universidad Pontificia Católica in Río de
Janeiro in 2008 with a specialty in Film. She wrote, directed and edited her own short
films Vampiro de mediodía (2008), Balonmano (2010), which won the FIPRESCI
Prize at the 57th Oberhausen International Short Film Festival, and Los muertos vivos
(2012), which was selected for Cannes Directors’ Fortnight in 2012.
Contacto / Contact
Bananeira Films, Vania Catani,
[email protected]
67
LA ACADEMIA
DE LAS MUSAS
THE ACADEMY OF THE MUSES
España / Spain
2015 – 92 min. – DCP
Rafaelle Pinto profesor italiano de filología en una universidad de
Barcelona, rescata un concepto actualmente desestimado que es
el de la figura de las musas y su influencia, específicamente la de
Beatriz Portinari en Dante. Basado en la vida real, Pinto seduce a
sus alumnas a través de la poesía y las palabras que emanan de su
profundo conocimiento, de manera tan sensual y poderosa, que
genera entre ellas una fuerte atracción hacia él, basada inicialmente
en la metamorfosis de las palabras que van derivando hacia el deseo.
Lo que inicialmente Guerín presenta en los primeros planos como el
clásico registro documental de las clases de maestría, desencadena
la rivalidad y competencia de las vanidosas alumnas, ahora en pose
de musas alrededor del profesor, luchando por ser ellas ese objeto de
atracción, excitación e inspiración que se propone, donde finalmente el
profesor, es el real inspirador. Para José Luis Guerín, lo más fascinante
de La Academia de las musas fue, primero, el poder de la palabra y, luego,
filmar aquello que es lo más difícil de todo en el cine, el pensamiento.
Rafaelle Pinto, an Italian professor of philology at the University of
Barcelona, revives the concept of the muse, whose influence has been
dismissed by modern society, specifically Beatriz Portinari, who was
Dante’s muse. Based on real life, Pinto seduces his students with poetry
and words of wisdom so sensual and powerful they come to find him
irresistible. Initially, the film portrays the professor’s classes in a classic
documentary style, which gradually gives way to rivalry and competition
among his vain students, all striving to become that object of desire and
inspiration that is the muse, when in reality this is the role played by their
professor. The most fascinating aspect of L’Accademia delle muse has to
be the power of words, not to mention the cinematic difficulties of filming
something as intangible as thought.
ESTRENO LATINOAMERICANO
LATIN AMERICAN PREMIERE
JOSÉ LUIS GUERÍN
España / Spain, 1960
Idioma / Language
Español, italiano y catalán con subtítulos en inglés
Spanish, Italian and Catalan with English subtitles
Reparto / Cast
Raffaele Pinto, Emanuela Forgetta, Rosa Delors Muns,
Mireia Iniesta, Patricia Gil, Carolina Llacher
Director
José Luis Guerín
Contacto / Contact
Orfeo Films, Federico Delpero Bejar
[email protected]
José Luis Guerín, Orfeo Films
Editor
José Luis Guerín
68
Director de cine siempre en busca de nuevas formas de narrativa y dramaturgia en
la frontera de la ficción y no-ficción. Los motivos de Berta (1983), Souvenir (1986),
Innisfree (1990), Tren de sombras / El espectro de Le Thuit (1997), En construcción
(2000), En la ciudad de Sylvia (2007), Guest (2010) Correspondencias Jonas Mekas
– J.L. Guerín (2011), Recuerdos de una mañana (2011) y Le Saphir de Saint-Louis
(2015). En 2001, recibió el Premio Nacional de Cinematografía Española.
A director forever in search of new narrative and dramatic forms that walk the line
between fiction and non-fiction, Guerin’s filmography includes Los motivos de Berta
(1983), Souvenir (1986), Innisfree (1990), Tren de sombras / El espectro de Le
Thuit (1997), En construcción (2000), En la ciudad de Sylvia (2007), Guest (2010)
Correspondencias Jonas Mekas – J.L. Guerin (2011), Recuerdos de una mañana (2011)
and Le Saphir de Saint-Louis (2015). In 2001, he was awarded the National Prize for
Spanish Filmmaking
69
Esta película también participa en Competencia Oficial Cine Colombiano
This film also participates in Colombian Cinema Official Competition
OSCURO
ANIMAL
Colombia / Argentina / Holanda / Alemania / Grecia - Colombia / Argentina / Holland / Germany / Greece
Ninguna de las muchas películas sobre el conflicto armado en Colombia
había enfocado su mirada de forma tan decidida al escenario primero donde
toda guerra ocurre: el cuerpo de sus protagonistas. Oscuro animal sigue a tres
mujeres obligadas a abandonar su entorno familiar, para protegerse a ellas
mismas y recomenzar, en otro lugar, una nueva vida posible. En este primer
largo de ficción de Felipe Guerrero la materialidad del cine (sonidos e imágenes),
que obsesiona al director, está puesta al servicio del registro de la materialidad
de la vida: el temor y temblor de unos cuerpos acosados por lo inminente de
la violencia, la sexualidad, la supervivencia, el rechazo, el asco, la solidaridad.
Sin apenas diálogos y con una intensa concentración en gestos y miradas, esta
película muestra el surgimiento de una esperanza en medio de ese oscuro
animal que la guerra ha instalado en el inconsciente colectivo y en el cuerpo
social de un país.
Of the plethora of films on the armed conflict in Colombia, none has focused so
resolutely on the primary battlefield where every war takes place—the bodies of its
protagonists. In Oscuro animal, three women are forced to abandon their homes and
begin a new life elsewhere. This is Felipe Guerrero’s first fictional feature in which
the substance of film, the sounds and images the director is so obsessed with, are
used to document the substance of life itself; bodies that tremble with fear at the
prospect of imminent violence, rejection and repulsion, sexuality and the need for
survival, solidarity... Dialogue is sparse, with body language and facial expressions
serving as more effective vehicles for conveying the emergence of hope in the face of
the dark animal of war that has taken up residence in the collective unconscious and
permeated the social fabric of an entire country.
FELIPE GUERRERO
Colombia, 1975
Idioma / Language
Director
Felipe Guerrero
Gema Juárez Allen, Felipe Guerrero
Guion / Screenplay
Felipe Guerrero
70
Editor
Eliane Katz
Fernando Lockett
Reparto / Cast
Marleyda Soto, Luisa Vides,
Jocelyn Meneses
Contacto / Contact
Gema Juárez Allen
[email protected]
Director, montajista y productor. Se graduó como tecnólogo en Cine y Fotografía
de la Escuela de Cine Unitec de Bogotá y cuatro años después, en el Centro
Sperimentale di Cinematografia de Roma, obtuvo su diploma en montaje,
profesión a la que se dedica actualmente. Entre sus trabajos como montajista
se destaca su participación en El vuelco del cangrejo (2010), El Páramo (2011), La
Playa D.C. (2012) y 327 cuadernos (2015). Dirigió los documentales Paraíso (2006)
y Corta (2012) y el cortometraje Nelsa (2014).
Director, editor and producer, Guerrero studied Film and Photography at the Unitec
Film School in Bogota. Four years later, he took a diploma in Film Editing at the
Centro Sperimentale di Cinematografia in Rome. Some of the films he has worked on
as an editor -his current profession of choice- include El vuelco del cangrejo (2010), El
Páramo (2011), La Playa D.C. (2012) and 327 cuadernos (2015). He also directed the
documentaries Paraíso (2006) and Corta (2012), and the short film Nelsa (2014).
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TE PROMETO
ANARQUÍA
I PROMISE YOU ANARCHY
México / Alemania - Mexico / Germany
2015 – 89 min.- Digitall
Julio Hernández Cordón en su cuarto largometraje se reinventa con
una refrescante gramática visual, a través de inesperados planos en
locaciones de Ciudad de México que se convierten en el escenario
natural de sus personajes, skaters conseguidos a través de una
convocatoria en redes sociales y crea una película paradójica porque,
desde su rol de director dirige, pero también es un espectador que
observa contemplativo y sin prejuicios la profunda relación existente
entre dos amigos que se criaron juntos en la misma casa, siendo
uno el hijo del dueño y el otro, el hijo de la empleada. Una relación
de amistad, impregnada por una gran ternura y amor pero también,
por las pulsiones de sus cuerpos y sus mentes con una sexualidad
convulsa entre el homosexualismo y el bisexualismo, entre los celos
y la tolerancia, que toma un giro inesperado y anárquico por la
equivocación albergada en la ambición ingenua de creer que pueden
transitar impunemente las oscuras mafias que manejan el mercado
negro del comercio de sangre en la ciudad.
In this, his fourth feature film to date, Julio Hernández Cordón reinvents
his style with a refreshing visual language incorporating shots on location
in Mexico City that provide a natural backdrop for his characters— a
couple of skaters recruited via the social media. The paradox is that he
is at once director and an impartial observer of the relationship between
these two friends who grew up in the same household, one the son of the
owner, the other the son of the domestic employee. It is a friendship of
great love and tenderness, but one with overtones of a confused sexuality
driven by physical and mental urges that oscillate between homosexuality
and bisexuality, jealousy and tolerance. Things take an unexpected,
anarchic twist when their ambition gets the better of them and they come
to -mistakenly- believe they can dupe the ruthless mafias that run the
city’s black market for blood and escape unscathed.
JULIO HERNÁNDEZ CORDÓN
Estados Unidos - Guatemala /
United States - Guatemala, 1975
Idioma / Language
Director
Julio Hernández Cordón
Sandra Gómez, Maximiliano Cruz, Julio
Hernández Cordón
Guion / Screenplay
Julio Hernández Cordón
Editor
Lenz Claure
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María Secco
Reparto / Cast
Diego Calva Hernández, Eduardo Martínez Peña,
(Pelukaz), Shvasti Calderón, Gabriel Casanova,
Milkman, Diego Escamilla, Sarah Minter,
Martha Claudia Moreno, Juan Pablo Escalante
(Nito), Erwin Jonathan, Daniel Adrián, Mario
Alberto, Yair Domínguez, Francisco Kjeldson,
Ashauri López
Contacto / Contact
Interior XIII Sandra Gómez,
[email protected]
Director y guionista. Criado entre Guatemala, México, y Costa Rica.
Estudió Ciencias de la Comunicación en Guatemala y Realización
Cinematográfica en el Centro de Capacitación Cinematográfica –CCCen México. Dirigió el cortometraje KM 31 (2003), Gasolina (2008) Premio
Horizontes en el Festival de Cine de San Sebastián del mismo año,
Las marimbas del infierno (2010) Premio del Gran Jurado en el Festival
de Cine de Miami, Hasta el sol tiene manchas (2012) y Polvo (2012).
Director and screenwriter Hernández Cordón was raised in Guatemala, Mexico,
and Costa Rica. He studied Communications Sciences in Guatemala and Filmmaking
at the Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) in Mexico City. After the short
film Km 31 (2003), he directed his first feature, Gasolina (2008), which won the
Horizontes Prize at the San Sebastián Film Festival that same year. He then went
on to direct Las marimbas del infierno (2010), which won the Grand Jury Prize
at the Miami Film Festival, Hasta el sol tiene manchas (2012) and Polvo (2012).
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official documentary competition
competencia oficial documental
ARACATI
Brasil / Brazil
Este documental sigue la ruta del viento, de la costa al interior del
nordeste brasileño, pero también del progreso y la tecnología al
corazón de los mitos que sostienen lo que queda de una comunidad
tradicional. Las dos directoras conversan con gente que recuerda
cómo eran las cosas antes de que las líneas eléctricas, los embalses
o los nuevos edificios renovaran el paisaje. En una vieja población
las casas se han venido abajo y son solo una huella en medio de las
modernas construcciones. Una cruz, como venida del pasado, se
asoma en la superficie del agua. Una mujer y un niño se sientan a
la orilla de lo que antes fue un camino. Un hombre busca una vaca
perdida. Un anciano habla del viento que impulsa a los molinos,
mueve los árboles y levanta el polvo en la tierra reseca. El viento que
tarda de tres a cuatro horas en recorrer la distancia de Aracati a Icó.
Pero estos tiempos están cambiando y nadie sabe por qué, dice el
anciano. Aracati revela la comunión entre el ser humano y su entorno,
con una mirada mágica y poética sobre una realidad donde todo se
transforma pero permanecen las historias.
Aracati follows the course of the wind, from the coast to the heartlands of
northeast Brazil, but it also bears witness to how progress and technology
have affected a traditional community that now survives on the stuff of
myths. Directors Aline Portugal and Julia De Simone talk to locals who
remember what life was like here before the power lines, reservoirs and
new buildings reshaped the skyline. The old houses have been torn down
to leave way for more modern ones. A cross, like a relic from the past, juts
out of the water. A woman and a boy sit on the bank of what used to be
a road. A man looks for a lost cow. The wind takes three to four hours to
travel from Aracati to Icó, but this is changing and no one knows why, says
an old man who talks of the wind that propels the windmills, sways the
trees and raises dust clouds. Aracati is a magical, poetic portrayal of the
communion between human beings and their environment. A film about
a constantly changing reality shored up by stories that live on intact.
ALINE PORTUGAL
Brasil / Brazil
Directora, guionista y productora. Codirigió con Julia Simone los cortometrajes
Symphony (2010) y Study for the wind (2011). Escribió y dirigió Phryne (2012). Fue
guionista de Romance de Formação (2012). Aracati es su ópera prima.
Director, screenwriter and producer Aline Portugal co-directed the short films
Symphony (2010) and Study for the wind (2011) with Julia De Simone. She wrote and
directed Phryne (2012) and wrote the documentary Romance de Formação (2012).
Aracati is her first feature film.
JULIA DE SIMONE
Idioma / Language
e inglés - Portuguese with Spanish and
English subtitles
Director
Aline Portugal, Julia De Simone
Julia De Simone, Aline Portugal,
Carol Louise y Pedro Diógenes
Guion / Screenplay
Aline Portugal, Julia De Simone
Editor
Clarissa Campolina, Luiz Pretti
Victor Melo
Contacto / Contact
Aline Portugal,
[email protected]
Brasil / Brazil
Máster en Documental Creativo del Observatorio de Cine, de Barcelona.
Directora, guionista y productora. En 2012 estrenó su ópera prima, el documental
Romance de Formação. Aracati es su segundo largometraje. Escribió, dirigió
y produjo los cortos Enchantment (2007) y The Harbor (2013) y, codirigió con
Aline Portugal, los cortometrajes Symphony (2010) y Study for the wind (2011).
De Simone holds a Master’s in Creative Documentary Filmmaking from Barcelona’s
Observatorio de Cine. A director, screenwriter and producer, she made her debut in 2012
with the documentary Romance de Formação. Aracati is her second feature film. She wrote,
directed and produced the short films Enchantment (2007) and The Harbor (2013) and codirected the short films Symphony (2010) and Study for the wind (2011) with Aline Portugal.
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CASA BLANCA
México / Cuba / Polonia - Mexico / Cuba / Poland
En Casa Blanca, un poblado pesquero en la bahía de La Habana,
pasan sus días Nelsa, una anciana de 76 años y su hijo Vladimir,
que tiene Síndrome de Down. Viven juntos en un pequeño cuarto de
un edificio multifamiliar, con apenas lo básico para la subsistencia.
Desafiando la precariedad material y dentro de los límites que las
condiciones les imponen, se cuidan el uno al otro. Vladimir consiente
y protege a su madre, pero también le reclama libertad. Para afirmarse
como hombre, ayuda a los pescadores, bebe con ellos y se mete en
problemas. El documental observa, con una cercanía y autenticidad
milagrosas, la relación que ambos comparten, las tensiones de
la convivencia y la ternura que los redime. Las derivas de los dos
personajes por las calles del lugar permiten ver también valiosos
trazos de una comunidad singular, como suspendida en el tiempo,
pero donde ganan sentido la solidaridad y el significado de ser vecino,
madre o hijo, y de responsabilizarse por los otros.
Seventy-six-year-old Nelsa and her son Vladimir, who has Down syndrome,
live in a fishing village in the Bay of Havana. Their home is a small room
in an apartment block, where they survive on the bare minimum,
but despite the precariousness of their financial situation, they have
one another. Vladimir protects his mother and pampers her, but he also
clamors for his freedom. To reassert his manhood, he helps the local
fishermen and drinks with them, sometimes getting into trouble as a
result. Casa Blanca observes with incredible intimacy and authenticity
the relationship between mother and son, the tensions of their daily life
and the love that redeems them. We also get a valuable portrait of a
community where time appears to have come to a standstill and where
a sense of solidarity and neighborliness still exists.
Premio a Mejor Documental en el Festival de Cine de La Habana 2015
Best Documentary at the 2015 Havana Film Festival
Caballo de Oro por Mejor Filme Polaco y Cuerno de Plata por Mejor
Mediometraje Internacional en el Festival de Cine de Cracovia, Polonia 2015
Golden Horse for Best Polish Film and Silver Horn for Best Mediumlength International Film at the 2015 Krakow Film Festival, Poland
Idioma / Language
Director
Aleksandra Maciuszek
ALEKSANDRA MACIUSZEK
Polonia / Poland
Realizó estudios de dirección de documental en la Escuela Internacional de
Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, Cuba. Su cortometraje Escenas
Previas (2012) recibió las menciones de Mejor Cortometraje en Visions du Réel
y en el Festival Internacional de San Sebastián, Mejor Documental Extranjero en
el Festival Internacional de Cine de la Habana y el Dragón de Oro en el Festival
de Cine de Cracovia. Casa Blanca es su ópera prima documental.
Anna Gawlita
Guion / Screenplay
Aleksandra Maciuszek
Javier Labrador Deulofeu
Reparto / Cast
Nelsa Nidia García Gómez,
Vladimir Martínez García
Contacto / Contact
Alfredo Calvino,
[email protected]
Editor
Lorenzo Mora Salazar
Maciuszek studied Documentary Film Directing at the San Antonio de los Baños
film and television school in Cuba. His short film Escenas Previas (2012) received a
mention as Best Short Film at the Visions du Réel and San Sebastián festivals, Best
Foreign Documentary at the Havana Film Festival and a Golden Dragon at the
Krakow Film Festival. Casa Blanca is his first documentary.
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EL MUNDO
DE CAROLINA
CAROLINA’S WORLD
Uruguay
Carolina es una joven con síndrome de Down y Mariana, una directora
de documentales uruguaya. Entre las dos mujeres surge un diálogo
franco que pasa por distintos temas y que, la mayor parte del tiempo,
vemos en un mismo plano de Carolina alrededor de una mesa,
en su entorno doméstico. Carolina está dando sus primeros pasos
para ganar autonomía e independencia y desarrollarse como mujer
y persona, al contacto con experiencias como el amor y la
sexualidad. El paso de los días y los meses va afianzando el vínculo
de complicidad entre estas dos mujeres, y revelando detalles y
motivaciones íntimas de cada una, que surgen con total naturalidad
de la situación que comparten. Más que a una documentalista
y al sujeto que es filmado, esta película muestra una amistad que
crece con la mediación de una cámara que confía en el misterio
y la profundidad de lo que está ocurriendo delante y detrás de ella.
Carolina is a young woman with Down syndrome and Mariana
a Uruguayan documentary filmmaker. Throughout most of the film we
see Carolina sitting at the table in her home, where the two women speak
openly about a variety of topics. Carolina is just starting out on the path
to independence and is discovering who she is as a person and a woman
as she experiences new emotions like love and physical attraction. As the
days turn into months, their bond of complicity strengthens, revealing,
with complete naturalness, intimate information and the personal
motivations of each. More than a woman making a documentary and
another being filmed, this is the story of a friendship that grows with
the intermediation of a camera that trusts in the mystery and deep
significance of what is unfolding on either side of it.
MARIANA VIÑOLES
Idioma / Language
Uruguay, 1976
Director
Mariana Viñoles
Egresada de la Escuela de Cine (IAD) de Lovaina, Bélgica. En 2004 crea junto a
Stefano Tononi la empresa Cronopio Film. Ese mismo año filma y codirige con
Stefano Tonini el largo documental Crónica de un sueño. Otros documentales
suyos son Los uruguayos (2006), La Tabaré, rocanrol y después (2008), también en
codirección con Tononi y Los exiliados (2011).
Stefano Tononi
Guion / Screenplay
Mariana Viñoles
Editor
Damián Plandolit
Mariana Viñoles
Reparto / Cast
Carolina Falciani
Contacto / Contact
Cronopio Film, Stefano Tononi,
[email protected]
A graduate of the Institut des arts de diffusion (IAD) in Louvain, Belgium, Viñoles
founded Cronopio Film in 2004 along with Stefano Tononi, with whom she filmed and
co-directed the documentary feature Crónica de un sueño that same year. Her other
documentaries include Los uruguayos (2006), La Tabaré, rocanrol y después (2008)
-also co-directed with Tononi- and Los exiliados (2011).
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EL RASTREADOR
DE ESTATUAS
THE MONUMENT HUNTER
Chile
Esta es la historia de un hombre obsesionado con una imagen,
o lo que es lo mismo, con una vivencia del pasado. A Jorge, un
cineasta chileno que vive en Nueva York, la imagen del neurólogo
portugués Egas Moniz, en un documental, le aviva el recuerdo de
una estatua que cree haber visto en Santiago, en compañía de su
padre, un neurocirujano exiliado por la dictadura de Pinochet y ya
fallecido. Es el comienzo de una pesquisa que lleva a Jorge, a quien
en realidad nunca vemos, a la confrontación con pensamientos,
asociaciones imprevistas, dudas, ruinas escultóricas, pistas falsas
y evidencias ambiguas. ¿Era en realidad una placa o un busto?
¿Estaba en Chile o en Lisboa? En la búsqueda el narrador recorre
países, parques y plazas y explora zonas inciertas de su memoria.
El documental se vuelve entonces como un cruce de caminos
entre los recuerdos personales de Jorge y la historia de su país.
El rastreador de estatuas es una película libre y ensayística,
política y lúdica, autobiográfica pero contada en tercera persona.
Un acercamiento al funcionamiento de ese misterio que no nos
ponemos de acuerdo en llamar cerebro, alma o memoria.
This is the story of a man obsessed with an image or a past experience,
which is basically the same thing. When he sees the Portuguese neurologist
Egas Moniz in a documentary, Jorge, a Chilean filmmaker who lives
in New York, is reminded of a statue he thinks he recalls having seen
in Santiago with his late father, a neurosurgeon who was exiled by the
Pinochet dictatorship. This marks the beginning of a quest that forces
Jorge—who we never actually see—to confront his thoughts, unexpected
associations, doubts, remains of sculptures, false leads and ambiguous
evidence. Was it a plaque or a bust he’d seen? Were they in Chile or Lisbon
at the time? Our invisible narrator visits countries, parks and squares and
explores shady recesses of his own mind in a documentary where
his personal recollections and the history of his country merge. Rastreador
de estatuas is at once a free-form and essay type film, political, but
entertaining, autobiographical, yet told in the third person. A study of
the workings of that unresolved mystery some of us call memory,
but that others refer to as the mind or soul.
Idioma / Language
Director
Jerónimo Rodrígue
JERÓNIMO RODRÍGUEZ
Chile
Rodríguez fue consultor de guion y edición de Huacho (2009) y Matar
a un hombre (2014), ambas de Alejandro Fernández Almendras. Fue editor
de Sentados frente al fuego (2011) y coprodujo La princesa de Francia (2014),
de Matías Piñeiro. También ha sido crítico y programador. El rastreador de
estatuas es su ópera prima.
Jerónimo Rodríguez
Editor
Jorge Aguilar, Jerónimo Rodríguez
Contacto / Contact
Jerónimo Rodríguez,
[email protected]
Guion / Screenplay
Rodríguez acted as editing and script consultant on the Alejandro Fernández
Almendras films Huacho (2009) and Matar a un hombre (2014). He edited
Sentados frente al fuego (2011) and co-produced La princesa de Francia (2014)
by Matías Piñeiro. Film critic and festival programmer, Rastreador de estatuas
marks his debut as a director.
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EL VIENTO SABE
QUE VUELVO A CASA
THE WIND KNOWS I’M COMING BACK HOME
Chile
En la década de 1980, una joven pareja desapareció en Chiloé, sur
de Chile. Este hecho misterioso desencadenó un mito en la región
y sirvió de inspiración para un proyecto documental del reconocido
cineasta chileno Ignacio Agüero. Años después, Agüero viaja a Chiloé
en busca de locaciones y actores para una película de ficción. El
contacto con la gente y con el paisaje modifica su propia noción de
la posible película por hacer y de la leyenda en torno a aquella trágica
historia de amor. El viento sabe que vuelvo a casa, que se estrenó
en el Festival de Rotterdam, toma su título de un poema de Jorge
Teillier. Torres Leiva inscribe con plena naturalidad su documental
en la tradición del cine dentro del cine y se mantiene dentro de su
reconocida manera de hacer películas: rodear amorosamente un
paisaje, descubrir sus historias y personajes y mostrar los vínculos
entre los pequeños relatos y los grandes traumas sociales y políticos.
Con la presencia de Agüero dentro del documental, Torres Leiva
reconoce así mismo los vínculos que lo unen a las generaciones
precendentes del cine chileno, en un hermoso gesto de gratitud.
In the Eighties, a young couple disappears in Chiloé in South Chile. The
myth surrounding their disappearance inspires the acclaimed Chilean
director Ignacio Agüero to make a documentary on it. Years later, Agüero
travels to Chiloé in search of locations and actors for a fictional film, but
contact with the locals and the landscape changes his preconceived notions
of the film he wants to make and the tragic love story that inspired it. El
viento sabe que vuelvo a casa, which made its debut at the Rotterdam
Film Festival, borrows its title from a poem by Jorge Teillier. Torres Leiva’s
documentary fits naturally into the film-within-a-film tradition, while
retaining the director’s distinctive style of filmmaking: sensitively shooting
a landscape, discovering its stories and characters and revealing the
connection between small events and major social and political traumas.
By featuring Agüero in his documentary, Torres Leiva acknowledges his
debt to foregoing generations of Chilean directors in what can only be
described as a beautiful gesture of gratitude.
Idioma / Language
Director
José Luis Torres Leiva
JOSÉ LUIS TORRES LEIVA
Chile, 1975
Director, guionista y productor. Se ha movido con libertad y riesgo entre
el documental y la ficción. Entre los títulos destacados de su filmografía están
Ningún lugar en ninguna parte (2004), Obreras saliendo de la fábrica (2005),
El tiempo que se queda (2007), El cielo, la tierra y la lluvia (2008), Tres semanas
después (2010) y Verano (2010).
Catalina Vergara
Guion / Screenplay
Editor
Cristian Soto
Contacto / Contact
Globo Rojo Producciones,
Catalina Vergara,
[email protected]
Director, screenwriter and producer Torre Leiva moves freely and audaciously
between the documentary and fiction. Highlights of his filmography include
Ningún lugar en ninguna parte (2004), Obreras saliendo de la fábrica (2005),
El tiempo que se queda (2007), El cielo, la tierra y la lluvia (2008), Tres semanas
después (2010) and Verano (2010).
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ESTRENO MUNDIAL
WORLD PREMIERE
LA BALADA DEL
OPPENHEIMER PARK
THE BALLAD OF OPPENHEIMER PARK
México / Mexico
En el Parque Oppenheimer, centro de Vancouver, un grupo
de nativos canadienses exiliados de las reservaciones asignadas
como resultado del proceso de colonización, se reúne para beber.
Este parque, al que van todos los días, se convierte también en el
lugar desde el cual crean una película, apropiándose de los códigos
e imaginarios del género Western. El parque no solo es un punto
de un encuentro sino un espacio sagrado, un pedazo de tierra
indígena que las comunidades nativas defienden de la policía y
de la intromisión blanca. Los indígenas reviven allí, mediante una
celebración desafiante, su larga historia de opresión pero también de
resistencia frente a la ley y el orden. El viejo llamado del mundo de
los antepasados cobra nueva vida entre los signos exteriores de una
identidad indígena transformada por el progreso. La vida cotidiana
de estos indígenas, que vista desde afuera solo puede señalar la
degradación de los valores tradicionales, se llena de un sentido de
rebeldía y conciencia de la historia, en donde el propio cine tiene su
lugar no solo como técnica colonizadora y de intromisión, sino como
vehículo de liberación.
A group of Native American Indians exiled from the reservations meets
in Oppenheimer Park in downtown Vancouver to drink. They come
here every day, to this sacred land, this piece of indigenous soil that they
vigilantly protect from the police and their white colonizers. Here they
celebrate a long history of oppression and resistance to the forces of law
and order by making their own film that appropriates all the trappings of
the Western. The call of their ancestors takes on new life amid the external
signs of an indigenous identity transformed by progress. At first glance,
the lives of these Indians would seem to be void of traditional values, but
a closer look reveals a strong sense of rebellion and historical awareness,
where cinema has its place, not just as a mechanism of colonization and
encroachment, but a vehicle of liberation.
JUAN MANUEL SEPÚLVEDA
México / Mexico
Documentalista y director de fotografía. Entre sus trabajos documentales
se destacan los cortos Extraño rumor de la tierra cuando se abre un surco (2011)
y Bajo la tierra (2004) y el largometraje Lecciones para una guerra (2011).
Con su ópera prima La frontera infinita (2008), participó en la selección oficial
del Festival Internacional de Cine de Berlín y ganó el premio Joris Ivens
en el Festival Internacional de Cine Documental Cinéma du Réel. Fue director
de fotografía de Año Bisiesto (2010), ganadora de la Cámara de Oro en Cannes.
La balada del Oppenheimer Park es su tercer largometraje.
Documentary filmmaker and cinematographer Juan Sepúlveda directed the
croachment colonizint as a i ocouver to drinkt short films Extraño rumor de la tierra
cuando se abre un surco (2011) and Bajo la tierra (2004), and the feature film
Lecciones para una guerra (2011). His first feature-length documentary, La frontera
infinita (2008), was screened at the Official Selection of the Berlin Film Festival
and won the Joris Ivens Award at the Cinéma du Réel festival. He was director
of photography on Año Bisiesto (2010), which won the Golden Camera at Cannes.
La balada del Oppenheimer Park is his third feature film.
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Idioma / Language
Inglés con subtítulos en español
English with Spanish subtitles
Editor
Isidore Bethel, León Felipe González,
Juan Manuel Sepúlveda
Director
Juan Manuel Sepúlveda, Elsa Reyes,
Isidore Bethel
Reparto / Cast
Harley Prosper, Janet Brown,
Marcus Raweater
Guion / Screenplay
Juan Manuel Sepúlveda, David
Cunninghman
Contacto / Contact
Fragua Cinematografía,
Juan Manuel Sepúlveda,
[email protected]
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O FUTEBOL
ON FOOTBALL
España / Brasil - Spain / Brazil
O futebol es el viaje interior de un papá y un hijo en busca de un
reencuentro personal; un tiempo compartido donde, como en un
partido de fútbol, todo es azaroso. Cuando era un niño, Sergio veía
los juegos con Simão, su padre. Después de una separación de veinte
años, padre e hijo organizan un plan para ver juntos los partidos
de la Copa del Mundo 2014, de la que Brasil es sede. Con esa idea
en mente, Sergio, el director del documental, regresa a São Paulo.
Mientras en los estadios se vive la pasión y el nerviosismo de los
partidos, Sergio y Simão se entregan a un ritual más íntimo hilvanado
con tímidas preguntas y acuciantes recuerdos, y donde el calendario
del mundial marca el paso del tiempo, su linealidad irrefutable.
El interior de un carro, las calles desoladas de la ciudad o la intimidad
del taller o la casa, son los escenarios de esta película de una ternura
entrañable y melancólica. O futebol transita por zonas inestables entre
el documental y la ficción, entre el imprevisto cotidiano registrado
por la cámara y la situación provocada pero, al fin, incontrolable.
When he was a boy, Sergio would go to soccer matches with his father,
Simão. After 20 years apart, they agree to watch the 2014 World Cup in
Brazil together. So Sergio returns to São Paulo to direct a documentary
on the reencounter between father and son; a time spent together, where,
like in a soccer match, the outcome depends on chance. As the stadiums
heave with passion and excitement, Sergio and Simão engage in a more
personal ritual, strung together with cautious questions and powerful
memories, the passage of time, its inexorable linearity marked out by the
schedule of World Cup matches. Shot inside cars, on empty city streets,
in the privacy of a workshop or home, O futebol is a film of melancholic
gentleness that dribbles the ball through uncertain zones of fact and fiction,
the unpredictability of daily life caught on camera and staged situations
that, at the end of the day, turn out to be uncontrollable.
SERGIO OKSMAN
Estudió periodismo en São Paulo y cine en Nueva York. Vive en Madrid desde
1999. En España ha producido documentales y fundó Dok Films. Dirigio los
cortos Notes on the Other (2009) y Una historia para los Modlin (2012), que ganó
el Goya a mejor cortometraje documental en 2013. Dirigió también los largos
documentales A Esteticista (2004) y Goodbye, America (2007).
Oksman studied Journalism in São Paulo and Film in New York. Since 1999, he has
been living in Madrid, Spain, where he founded Dok Films and has produced a series
of documentaries. He directed the short films Notes on the Other (2009) and Una
historia para los Modlin (2012), which won a Goya for Best Short Documentary Film
in 2013. He also directed the feature documentaries A Esteticista (2004) and Goodbye,
America (2007).
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Idioma / Language
e inglés - Portuguese with Spanish and
English subtitles
Director
Sergio Oksman
Guadalupe Balaguer Trelles,
Sergio Oksman
Guion / Screenplay
Carlos Muguiro, Sergio Oksman
Editor
Carlos Muguiro, Sergio Oksman
André Brandão
Reparto / Cast
Simão Oksman, Aílton Braga,
Sergio Oksman
Contacto / Contact
Patra Spanou
[email protected]
91
PACIENTE
PATIENT
Colombia
Nubia cuida de su hija Leidy Johana, enferma de cáncer. Paciente
borra la presencia del equipo de realizadores y observa cómo madre
e hija entran a formar parte de un universo paralelo que funciona con
lógicas propias. Es el sistema de salud en Colombia, donde
todo parece estar diseñado para que el dolor sea secundario
y prime una compleja red de procedimientos burocráticas.
La madre viene y va por pasillos, cuartos de hospital y oficinas
tratando de descifrar no solo la maraña de reglas que parece
reinventarse a cada paso sino sus propios sentimientos. Al no
mostrar nunca a la hija enferma, el documental le gana la partida
al exhibicionismo o la manipulación sentimental, y lleva a que el
espectador se pregunte quién es el paciente o qué es la paciencia
y cuáles son sus límites. Como en sus trabajos anteriores, Bagatela
(2008) y Nacer, diario de maternidad (2012), en Paciente vemos cómo
la mirada nunca invasiva de Jorge Caballero examina críticamente
las instituciones y revela una profunda solidaridad y empatía con los
individuos, en este caso con la admirable fuerza de una madre para
quien amar es cuidar aquello que se ama.
The presence of the film crew is virtually imperceptible in Paciente,
a documentary about a mother and her sick daughter who are forced to
navigate the Colombian health system, a parallel universe where physical
suffering takes second place to a complex set of bureaucratic rules that
appear to change at random. Nubia spends her days in hospital rooms,
corridors and offices, attempting to unravel the internal logic
of this system and come to grips with her own feelings in the process.
Her daughter, Leidy Johana, has cancer, but because we never actually see
her, the elements of sensationalism and sentimentalism are downplayed,
inviting the spectator to ask who the patient is, what exactly patience is
and what its limits are. As in his previous documentaries, Bagatela (2008)
and Nacer, diario de maternidad (2012), in Paciente Jorge Caballero
takes a critical look at the country’s health institutions, revealing with
his non-invasive camera a deep sense of solidarity and empathy with the
individual—in this case a mother whose definition of love is to care for
those she loves.
JORGE CABALLERO RAMOS
Colombia, 1979
Realizador, montajista y productor, quien vive y trabaja entre
Bogotá y Barcelona. Es socio de Gusano Films. Entre sus trabajos
documentales se destacan Bagatela (2008) y Nacer, diario de
maternidad (2012). Paciente es parte de un ambicioso proyecto
multimedia que reflexiona sobre el sistema de salud en Colombia.
Su interés por este tipo de proyectos en nuevas plataformas ya había
dado como resultado reciente el documental interactivo V.O.S.E
(2014). Ha sido ganador del Premio Nacional de Documental de
Colombia en dos ocasiones.
Idioma / Language
Director
Jorge Caballero Ramos
Jorge Caballero Ramos, Rosa Ramos
Lukas Jaramillo
Reparto / Cast
Nubia Martínez, Leidy Johana Ortegón
Contacto / Contact
Diana Karklin,
[email protected]
Guion / Screenplay
Carol Ann Figueroa
Editor
Iván Guarnizo, Jorge Caballero Ramos
Director, editor and producer, Caballero is a partner in Gusano Films
and divides his time between Bogota and Barcelona. Two-time winner
of Colombia’s National Documentary Prize, his most highly acclaimed
films include Bagatela (2008) and Nacer, diario de maternidad (2012).
Paciente is part of an ambitious multimedia project that examines
Colombia’s health system. The director’s interest in this type of project
has led him to explore new platforms, resulting in the recent release
of the interactive documentary V.O.S.E (2014).
92
93
TEMPESTAD
México / Mexico
Un viaje del norte al sur de México guiado por la voz dulce
y enigmática de una mujer que fue llevada injustamente a prisión,
en uno de los tantos casos de fabricación de culpables en ese país.
En la cárcel, conoció un infierno insondable y vivió los abismos
de la maldad y las consecuencias de la violencia y la corrupción.
Aunque también fue conmovida por gestos aislados de solidaridad,
que brillan como restos de esperanza en medio de una humanidad
degradada. El pan que se comparte, la inocencia en unos ojos antes
de la muerte. En el viaje, la cámara encuentra paisajes y personajes,
otras mujeres que resisten como pueden para que la violencia no
domine sus vidas y para no heredar a sus hijos el miedo.
El documental nos hace sentir que la violencia no le ocurre a una sola
mujer o a unas pocas, les compete a todas. El segundo largometraje
de Tatiana Huezo vuelve sobre los temas que constituyen el centro
de su obra: ausencias, desapariciones, paisajes devastados por los
efectos de las guerras en Centroamérica y México, una sociedad
aterrada. Pero sobre todo, reivindica las luchas de sus personajes
por preservar la dignidad de la vida.
A journey from the north to the south of Mexico, guided by the sweet,
enigmatic voice of a woman who, like so many others in her country, has
been sent to prison on fabricated evidence. Behind bars she experiences a
living hell, evil beyond the imagination and the consequences of violence
and corruption. But she also experiences moving, albeit isolated gestures
of solidarity, glimmers of hope that shine through a sullied humanity. The
sharing of bread, the innocence of a pair of eyes before life fades from
them. The camera comes across people and places on the way, other
women who do what they can to resist, to stop violence ruling their lives
and not pass their fear onto their children. We get the impression it isn’t
just one or even a handful of women who are exposed to violence, but all
women. In this, her second feature-length documentary, Tatiana Huezo
revisits topics central to her work: absence, disappearance, the war-ravaged
landscapes of Central America and Mexico, terrified societies. But above
all, she vindicates her characters’ struggle to preserve their dignity.
TATIANA HUEZO
El Salvador, 1970
Estudió en el Centro de Capacitación Cinematográfica, México, y en la
Universidad Pompeu Fabra, Barcelona. Su filmografía como directora, montajista
y directora de fotografía incluye documentales y cortos de ficción.
Su primer largometraje documental El lugar más pequeño (2011) recibió más
de 40 premios. Entre su filmografía también se destacan El ombligo del mundo
(2001), Tiempo cáustico (1997) y Ausencias (2015).
Idioma / Language
Editor
Lucrecia Gutiérrez Maupome, Tatiana
Huezo
Director
Tatiana Huezo
Ernesto Pardo
Nicolás Celis, Sebastián Celis
Contacto / Contact
Pimienta Films, Oriana Contreras,
[email protected]
Guion / Screenplay
Tatiana Huezo
Tatiana Huezo studied at the Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC)
in Mexico and the Universidad Pompeu Fabra in Barcelona. As a director, editor
and director of photography, her filmography includes documentaries and short
fictional films like El ombligo del mundo (2001), Tiempo cáustico (1997) and
Ausencias (2015). Her first feature-length documentary El lugar más pequeño
(2011) won more than 40 awards.
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TODO COMENZÓ
POR EL FIN
IT ALL STARTED AT THE END
Colombia
La historia de una pandilla pícara y desafiante, a lo largo de cuatro
décadas. Una banda para la cual las películas fueron medio y fin, algo
muy serio que podía estar al servicio del juego, la fiesta, la celebración
de los sentidos y la transgresión. El Grupo de Cali, en el que
coincidieron escritores, artistas plásticos y cineastas, cambió la forma
de mirar la ciudad en el arte colombiano y deshizo las fronteras entre
alta cultura, cultura popular y cultura de masas. Todo comenzó por
el fin se centra en dos de sus figuras mayores: el escritor Andrés
Caicedo y el director de cine Carlos Mayolo. Y en el propio realizador,
Luis Ospina, quien al momento de emprender este testamento
audiovisual cae gravemente enfermo, lo que sirve de material para el
prólogo y el epílogo. Alrededor de ellos brillan, con matices propios,
los amigos, con historias y testimonios que convierten al documental
en un relato coral brillantemente comentado por el material de
archivo. Drogas, sexo, música y un país a la deriva. Ospina, notario
privilegiado del grupo, actualiza el tono de un desenfado expresado
en creatividad y nos descubre unas vidas atravesadas de principio
a fin por el cine y la amistad.
A documentary about a group of writers, artists and filmmakers for whom
motion pictures were a means and an end, something to be taken seriously,
something that encompassed play, fun, a celebration of the senses and
transgression. For four decades the Cali Group defied convention, changing
the way the city was portrayed in Colombian art and straddling the fence
between elite and mass culture. Todo comenzó por el fin focuses on three
of the group’s main figures—the writer Andrés Caicedo, the filmmaker
Carlos Mayolo and the director himself, Luis Ospina, who fell seriously
ill while making the film, providing material for its prologue and epilogue.
The stories and testimonies of those who knew them turn this into an
ensemble piece brilliantly complemented with archive material. Ospina
chronicles these days of drugs, sex and music in a country that had lost
its way with the same creative boldness the Cali Group demonstrated in
its day, offering the spectator a portrait of lives that were dominated from
beginning to end by films and friends.
LUIS OSPINA
Colombia, 1949
Director, montajista, productor y actual director del Festival de Cine de Cali.
Formó parte del Cine Club de Cali y de su emblemática revista Ojo al cine.
En la década de 1970, en codirección con Carlos Mayolo realizó clásicos
del documental colombiano como Oiga Vea (1972) y Agarrando pueblo (1978).
Dirigió los largos de ficción Pura sangre (1982) y Soplo de vida (1999). De su
reciente trabajo en el cine documental se destacan Un tigre de papel (2007)
y La desazón suprema, retrato incesante de Fernando Vallejo (2003), ambas
ganadoras del Premio Nacional Documental del Ministerio de Cultura de
Colombia, entidad que en 2010 le entregó también el premio “Toda una vida
dedicada al cine”.
Filmmaker, editor and director of the Cali Film Festival, Ospina was a member
of the Cali Film Club and contributed to its emblematic magazine Ojo al cine.
In the Seventies, he and Carlos Mayolo co-directed classic Colombian documentaries
such as Oiga Vea (1972) and Agarrando pueblo (1978). His more well-known fiction
feature films include Pura sangre (1982) and Soplo de vida (1999), while his most
recent documentaries, Un tigre de papel (2007) and La desazón suprema, retrato
incesante de Fernando Vallejo (2003), both won the National Documentary Prize
presented by Colombia’s Ministry of Culture, which presented Ospina with a lifetime
achievement award in 2010.
96
Idioma / Language
Director
Luis Ospina
Luis Ospina
Guion / Screenplay
Luis Ospina
Editor
Gustavo Vasco, Luis Ospina
Reparto / Cast
Andrés Caicedo, Carlos Mayolo,
Luis Ospina, Patricia Restrepo,
Eduardo Carvajal, Sandro Romero,
Rosario Caicedo, Beatriz Caballero,
Lina González, Vicky Hernández,
Karen Lamassonne, Ramiro Arbeláez,
Ricardo Duque, Clarisol Lemos,
Guillermo Lemos
Contacto / Contact
Luis Ospina,
[email protected]
Francisco Medina
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Premio CINECOLOR a Mejor Película Colombiana:
USD 11.000 en Deliveries.
CINE COLOMBIA Award for Best Colombian Film:
USD$11,000 in Deliveries.
Premio HANGAR FILMS a Mejor Director Colombiano:
USD 35.000 en equipos para rodaje de la siguiente película.
HANGAR FILMS Award for Best Colombian Director:
USD$35,000 in filming equipment for the winner’s next movie.
Premio del PÚBLICO EGEDA: $25.000.000 en efectivo
a la película ganadora.
PÚBLICO EGEDA Award:
$25,000,000 in cash to the winning movie.
Premio HEINEKEN a la Mejor Película de Cine Colombiano:
$30.000.000 en efectivo.
HEINEKEN Award for Best Colombian Film:
$30,000,000 in cash.
official colombian cinema competition
competencia oficial cine colombiano
ANNA
JACQUES TOULEMONDE VIDAL
Colombia, 1983
Colombia / Francia - Colombia / France
Anna es una atractiva pero inestable joven colombiana que vive en
París. Ella sueña con volver a Colombia, convertir la casa familiar
de la playa en un hotel donde pueda atender a los turistas, estar con
su nuevo novio (un alcohólico lleno de deudas) y pasar más tiempo
con Nathan, su pequeño hijo, al que solo puede ver dos veces por
semana. Pero el amor de Anna no reconoce límites y su abrazo salvaje
puede destruir a los que toca. Desafiando las prohibiciones, el sentido
común y la desconfianza de Philippe, su exesposo y padre de Nathan,
Anna emprende con el novio y el niño el anhelado viaje de regreso.
El segundo largo de Toulemonde se aventura en los terrenos
del drama psicológico y el road movie y por esos caminos lleva
al espectador a una montaña rusa de emociones, solidaridades
y antipatías, miedos y certezas. Una película de tres personajes
a la deriva entre dos lenguas, dos países, dos tipos de amor.
Y a la vez una única pregunta sobre los afectos y la identidad,
cuya respuesta solo es posible encontrar en y con otros.
102
Anna is an attractive, but unstable young woman living in Paris.
She dreams of going back to her native Colombia with her new boyfriend
(a debt-ridden alcoholic), turning the family beach home into a hotel for
tourists and spending more time with her ten-year-old son Nathan, who
she only gets to see twice a week. But Anna’s love knows no limits and
her embrace suffocates all it comes into contact with. Defying the law,
common sense and Philippe, her mistrusting ex-husband and Nathan’s
father, Anna sets out on the journey back with her boyfriend and son in
tow. Toulemonde’s second feature takes the form of a road movie of sorts,
venturing into the terrain of psychological drama that takes the spectator
on a rollercoaster ride of emotions, solidarities and antagonisms, fears
and certainties. Three people adrift between two countries, two languages
and two kinds of love, but just one question about bonds and identity
whose answer can only be found in and with others.
Guionista, director y productor. Estudió Ciencias Humanas y posteriormente Literatura
en La Sorbona. En Francia participó también en varios proyectos de la escuela de cine
La Fémis. Fue asistente de dirección en Los viajes del viento (2009), La sociedad del semáforo
(2010) y el corto Como todo el mundo (2007). Dirigió el cortometraje Un juego de niños
(2010) y el largometraje Dérive (A la deriva, 2008). Coescribió con Ciro Guerra el guion
de El abrazo de la serpiente (2015).
Screenwriter, director and producer, Toulemonde studied Human Sciences and later Literature
at the Sorbonne in France, where he participated in several projects at the La Fémis Film School.
He was assistant director on Los viajes del viento (2009), La sociedad del semáforo (2010) and
the short film Como todo el mundo (2007), and directed the short film Un juego de niños (2010)
and the feature film Dérive (2008). He also co-wrote the screenplay for El abrazo de la serpiente
(2015) with Ciro Guerra.
Idioma / Language Español, francés e inglés con subtítulos en inglés - Spanish,
French and English with English subtitles Director Jacques Toulemonde Vidal
Productor / Producer Diana Ramos Medina, Julien Naveau Guion /
Screenplay Jacques Toulemonde Vidal Editor Mauricio Lleras Fotografía /
Photography Paulo Andrés Pérez Reparto / Cast Juana Acosta, Kolia Abiteboul
Dossetto, Bruno Clairefond, Augustin Legrand, Alexandre Toulemonde, Audrey
Bastien Contacto / Contact Janus Films, Diana Ramos, [email protected]
103
ESTRENO INTERNACIONAL
INTERNATIONAL PREMIERE
DÍAS EXTRAÑOS
STRANGE DAYS
JUAN SEBASTIÁN QUEBRADA
Colombia, 1987
Estudió dirección en la Universidad del Cine de Buenos Aires, realizó un intercambio
en FAMU, Praga, y un posgrado de edición en la ESCAC,Barcelona. En 2010 dirigió
el corto Hogar y actualmente desarrolla Noche espesa, ganador del estímulo de realización
de cortometrajes del FDC en 2015.
Colombia / Argentina
El y ella, los jóvenes protagonistas de esta potente y sensual película,
parecen cuerpos en estado puro. Son colombianos y viven en una
Buenos Aires atípica, sin argentinos, buscando cómo resolver
y lidiar, cada día, con su inmediato destino. No hay grandes dilemas,
salvo sostener una pasión que es su bien más preciado. Deseo de
la ciudad y sus promesas, las derivas y las fiestas, los cuerpos y las
experiencias. Y donde hay pasión hay juego, y celos, y engaños, y furia,
y aprendizaje. Con esta película vagabunda y en un blanco y negro que
profundiza su extrañeza, se reveló un grupo de jóvenes colombianos
en Argentina, empeñados en extender las fronteras y los límites
de un “cine nacional”. El “chico encuentra chica” y su consecuente
lucha de sexos, un tema extenuado por la comedia romántica
o la Nouvelle vague, logra en Días extraños una explosiva carga
de presente y renovación.
104
The young Colombian man and woman who star in this powerfully
sensual film take the form of bodies in a pure state. There are no great
dilemmas to be solved, other than dealing with the immediate demands
of daily life and keeping alive a passion that is their most prized possession.
Lust for the city and the promises it holds, days spent drifting and nights
spent partying, bodies and experiences. And where there is passion, there
is game-playing, jealousy, betrayal, rage and lessons to be learned. Shot in
black and white, these young Colombians resident in an atypical Buenos
Aires void of Argentineans are determined to push back the final frontiers
of a “national cinema”. A strange film by all accounts, one that ushers the
boy-meets-girl formula and the ensuing battle of the sexes—a theme worn
thin by the romantic comedy and the Nouvelle Vague movement—into
the modern era with a bang.
Quebrada studied Film Directing at the Universidad del Cine in Buenos Aires. He then
participated in a FAMU exchange program in Prague and went on to take a postgraduate in
Film Editing at ESCAC in Barcelona. In 2010, he directed the short film Hogar and is currently
working on Noche espesa, which won the FDC short film grant in 2015.
Idioma / Language Español con subtítulos en inglés - Spanish with English subtitles
Director Juan Sebastián Quebrada Productor / Producer Juan Villegas, Rodrigo
Moreno, Juan Sebastián Quebrada, Milena Figueras Pacheco Guion / Screenplay
Juan Sebastián Quebrada Editor Mauro Caporossi, Juan Sebastián Quebrada
Fotografía / Photography Mauricio Reyes Serrano Reparto / Cast Juan Lugo
Quebrada, Luna Acosta, Magdalena Nin Ott, Cai Weixiang Contacto / Contact
Montañero Cine, Juan Sebastián Quebrada, [email protected]
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ESTRENO MUNDIAL
WORLD PREMIERE
HOME - EL PAÍS DE LA ILUSIÓN
HOME- THE COUNTRY OF ILLUSION
JOSEPHINE LANDERTINGER FORERO
Colombia, 1983
Directora cinematográfica, productora y periodista. Estudió Comunicación en la
Universidad Libre de Berlín y realizó un taller de guion cinematográfico en la EICTV, Cuba.
Es directora y productora creativa de la serie documental Orte der Demokratie (2010), el
corto documental Grenzenlos (2011) y Home: El país de la ilusión, su primer largometraje.
Colombia / Portugal
Portugal es el último hogar de Lilia, una mujer de nacionalidad
colombiana que ha llegado a sus 67 años, en una vida marcada
por una continua migración. Josephine, la directora del documental,
le ofrece a su madre un instrumento, el cine, para armar el relato
de una vida fragmentada. A través de un seguimiento minucioso se
hace visible la melancolía de Lilia, pero también su extraña fortaleza,
la relación con los espacios y entornos que habita, la incomodidad
hacia los lugares del pasado y el sentido de las decisiones que tomó.
El encuentro entre la madre y la hija, mediado por el dispositivo
cinematográfico, se llena de resonancias universales y se transforma
en un diálogo revelador entre dos personas en tránsito: una mujer
adulta y otra joven, un sujeto que es filmado y el documentalista
que filma. Las tensiones que se generan al volver sobre la historia
familiar y al confrontar las experiencias de la madre, abren grandes
preguntas acerca de la libertad, la soledad y las ideas de patria
y hogar. Home-El país de la ilusión muestra todo lo que hay en juego
en la relación más determinante de todo ser humano: la que lo
vincula a su propia madre.
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Lilia is a 67-year-old Colombian woman who has made Portugal her
last home after a life on the move. Josephine, the film’s director, offers
her mother the vehicle of the documentary with which to tell the story
of her fragmented life. As the camera follows her, Lilia’s melancholy
becomes obvious, but so does her strange fortitude, the way she relates
to the spaces and environments she inhabits, her unease toward places
from the past and her reasons for making certain decisions. The camera
mediates this encounter between mother and daughter, which develops
into a revealing dialogue with universal overtones between two people
undergoing a transition: a mature woman and a young one, the person
being filmed and the filmmaker. Tensions emerge as Lilia recalls her life
experiences and the family history, raising fundamental questions about
freedom, solitude and notions of home and country. Home illustrates
just what is at stake in the most important relationship in any
individual’s life—the bond with our own mother.
Director, producer and journalist Josephine Landertinger studied Communications at the
Free University of Berlin (FU) and took a screenwriting workshop at the EICTV in Cuba.
She directed and was the creative producer of the documentary series Orte der Demokratie
(2010), the short documentary film Grenzenlos (2011) and Home: El país de la ilusión,
her first feature-length documentary.
Idioma / Language Español, portugués e inglés con subtítulos en español Spanish, Portuguese and English with Spanish subtitles Director Josephine
Landertinger Forero Productor / Producer Josephine Landertinger Forero,
Pedro Neves Guion / Screenplay Josephine Landertinger Forero Editor
Gabriel Baudet Vivanco Fotografía / Photography Josephine Landertinger
Forero Reparto / Cast Lilia Forero Arenas, Josephine Landertinger Forero, Maria
Silvina Neves, José Ferreira Neves Contacto / Contact Josephine Landertinger
Forero: [email protected]
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ESTRENO MUNDIAL
WORLD PREMIERE
LOS NADIE
THE NOBODIES
JUAN SEBASTIÁN MESA
Colombia, 1989
Colombia
Camilo, Mechas, Manu, Ana y Pipa son cinco amigos que pasan
por ese trance de intenso malestar, capacidad de asombro, ternura
contenida y rabia manifiesta que caracteriza el fin de la adolescencia.
Sobreviven en los bordes, físicos o simbólicos de una ciudad,
Medellín, que los atrae y los expulsa, que los mima con sus promesas
y los rechaza con su hostilidad, pero que hacen suya transformando
las lógicas imperantes del miedo que vienen de arriba, del poder, de
los padres. La música, el arte callejero, la amistad son las armas
con las que resisten y esperan la llegada de un viaje, un rito de paso
que los convierta en otros. La ópera prima de Juan Sebastián Mesa
desborda de energía y mide el pulso palpitante de una generación
que, pese al discurso apabullante de las mayorías, cree en el futuro
y lo construye. ¡Esa es su esencial rebeldía! El blanco y negro, en vez
de distanciarnos de ese mundo, nos lo devuelve en una sencillez
entrañable aunque a veces siniestra, como la vieja foto de un álbum
familiar habitada por la presencia de un extraño: ¿la pólvora o la
bala? El realismo de los cuerpos y los lugares, de las relaciones y los
diálogos, no ahoga la inédita ternura con la que estos personajes y
entornos son retratados. Los Nadie escarba sus raíces en la tradición
del cine colombiano sobre la juventud, de Pepos a Rodrigo D. No futuro,
o de Apocalipsur a Los hongos, pero en el fondo de esa continuidad hay
un gesto nuevo, firme y seguro, una visión obstinada del porvenir.
108
Camilo, Mechas, Manu, Ana and Pipa are five friends going through
that blended trance of intense unrest, sense of astonishment, contained
tenderness and manifest rage typical of the end of adolescence. They
survive at the edge, both physical and symbolic, of a city, Medellin, that
attracts and excludes them, that lures them with promises but rejects
them with hostility, but which they embrace by transforming the
dominant logics of fear that come from above, from the powers that be
and from their parents. Music, street art and friendship are their weapons
of resistance, and fuel their hope for a journey, a rite of passage that
will convert them into someone else. Juan Sebastian Mesa’s film debut
overflows with energy and takes the pounding pulse of a generation that,
despite the overwhelming discourse of the majority, believes in the future
and builds it. And here lies its essential rebelliousness! Filming in black
and white, far from separating us from this world, brings it forth with an
endearing, and sometimes sinister, simplicity, like and old photograph of a
family album haunted by the presence of a stranger: fireworks or gunshot?
The realistic treatment of the bodies and places, of the relationships and
dialogues, does not overshadow the unexpected kindness in the portrayal
of the characters and their environment. The Nobodies is deeply rooted in
the tradition of Colombian cinema about youth, from Pepos to Rodrigo D:
No Future, or from Apocalipsur to Los Hongos, but behind this continuity
lies a new gesture, firm and assured, and an obstinate vision of the future.
Estudió Comunicación Audiovisual y Multimedial en la Universidad de Antioquia.
Participó en diferentes cortometrajes, videoclips y experimentales, entre los cuales
sobresalen Maquillando el silencio, Mr. Disco, Pez-Bailarina, Está en la mente (simplemente
fútbol) y Kalashnikov, su proyecto de grado. Hace parte de Monociclo Cine, productora de
su ópera prima Los Nadie.
Mesa holds a degree in Audiovisual and Multimedia Communication from the University of
Antioquia (Medellin).He worked on several shorts, clips and experimental projects, notably
on Maquillando el silencio, Mr. Disco, Pez-Bailarina, Está en la mente (simplemente
fútbol) and Kalashnikov, his graduation project. He is part of Monociclo Cine, who produced his
film debut Los Nadie.
Director Juan Sebastián Mesa Bedoya Productor / Producer Alexander
Arbeláez y José Manuel Duque Guion / Screenplay Juan Sebastián Mesa Bedoya
Editor Isabel Otálvaro Fotografía / Photography David Correa Franco
Reparto / Cast María Angélica Puerta, Luis Felipe Alzate, María Camila Castrillón,
Alejandro Pérez Ceferino, Esteban Alcaraz Contacto / Contact Monociclo Cine,
[email protected]
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NOCHE HERIDA
WOUNDED NIGHT
NICOLÁS RINCÓN GILLE
Colombia, 1973
Colombia / Bélgica - Colombia / Belgium
110
Blanca y tres de sus nietos viven en las fronteras de Bogotá, a donde
han llegado desplazados por la violencia. En plena adolescencia,
Didier, el mayor, decide abandonarla. Blanca hace lo que puede por
protegerlo en la distancia y por cuidar a sus dos nietos más jóvenes,
para evitar que también se pierdan. Para ello se apega a su fe en
las benditas almas y a la fuerza de unas tradiciones que, en ella,
no son letra muerta sino el lugar desde el cual transformar la vida,
volverla siempre posible. Con este relato que parte de la oralidad y
las vivencias de Blanca y los suyos, Rincón Guille concluye “Campo
hablado”, una trilogía también compuesta por En lo escondido y Los
abrazos del río. Estos documentales, que son mucho más que un
inventario del folclor popular, buscan que transitemos por esa zona
donde realidad e imaginario, palabra y acto, son una misma cosa.
En Noche herida, la lucha de la abuela por el presente y el futuro
se convierte en un poderoso ejemplo de unos seres humanos que
extraen del pasado la materia para seguir adelante.
Violence has driven Blanca and three of her teenage grandchildren to
the suburbs of Bogota. When Didier, the eldest, decides to leave home,
Blanca does what she can to protect him from a distance and prevent her
two younger grandchildren from meeting the same fate. She does this by
leaning on her faith in the blessed souls and deeply rooted traditions that
are not dead letters to her, but a means of transforming her reality and
making it livable. This film, which is based on Blanca and her next-of-kin’s
experiences and testimonies, concludes the “Campo hablado” trilogy along
with En lo escondido and Los abrazos del río. More than a mere inventory
of folklore and accepted practices, these documentaries seek to take us to a
place where reality and the imagination, words and deeds, are one and the
same. In Noche herida, a grandmother’s struggle makes her a powerful
example of someone who is able to draw strength from the past and apply
it to the present in the interests of the future.
Mención del Jurado en Cinéma du Réel, 2015
Primer Premio MARFICI, 2015.
Jury mention at the 2015 Cinéma du Réel Festival
First prize at 2015 MARFICI
Estudió Economía en la Universidad Nacional de Colombia y, cine en la escuela pública
INSAS de Bélgica. Un encuentro con la documentalista colombiana Marta Rodríguez
en una reunión del Consejo Regional Indígena del Cauca -CRIC- en el sur de Colombia,
fue determinante para su decisión de hacer cine. Sus primeros cortos de ficción, País
y Azur, realizados en Bélgica, tienen como tema el exilio y la inmigración. Con Noche herida
concluye una trilogía denominada Campo hablado de la cual hacen parte también En lo
escondido (2007) y Los abrazos del río (2010).
Rincón Guille studied Economics at the National University of Colombia and Film at the INSAS
in Belgium. It was meeting documentary filmmaker Marta Rodríguez at a get-together of the
CRIC in South Colombia that made up his mind to become a filmmaker. Exile and immigration
are the themes of his first short fiction films, País and Azur, which he shot in Belgium. Noche
herida concludes his “Campo hablado” trilogy, along with En lo escondido (2007) and Los
abrazos del río (2010).
Director Nicolás Rincón Gille Productor / Producer Manuel Ruiz Montealegre,
Manon Coubia Guion / Screenplay Nicolás Rincón Gille Editor Cédric Zoenen
Fotografía / Photography Nicolás Rincón Gille Reparto / Cast Blanca Ligia
Rodríguez, Didier Ríos, Camilo Ríos, John Ríos, Mauricio Ríos, Claudia Ríos, Hilda
García Contacto / Contact Medio de Contención Producciones, Manuel Ruiz
Montealegre, [email protected]
111
Esta película también participa en Competencia Oficial Ficción
This film also participates in Official Dramatic Competition
OSCURO ANIMAL
FELIPE GUERRERO
Colombia, 1975
Colombia / Argentina / Holanda / Alemania / Grecia - Colombia / Argentina / Holland / Germany / Greece
Ninguna de las muchas películas sobre el conflicto armado
en Colombia había enfocado su mirada de forma tan decidida
al escenario primero donde toda guerra ocurre: el cuerpo de
sus protagonistas. Oscuro animal sigue a tres mujeres obligadas
a abandonar su entorno familiar, para protegerse a ellas mismas
y recomenzar, en otro lugar, una nueva vida posible. En este primer
largo de ficción de Felipe Guerrero la materialidad del cine (sonidos
e imágenes), que obsesiona al director, está puesta al servicio del
registro de la materialidad de la vida: el temor y temblor de unos
cuerpos acosados por lo inminente de la violencia, la sexualidad,
la supervivencia, el rechazo, el asco, la solidaridad. Sin apenas
diálogos y con una intensa concentración en gestos y miradas,
esta película muestra el surgimiento de una esperanza en medio
de ese oscuro animal que la guerra ha instalado en el inconsciente
colectivo y en el cuerpo social de un país.
112
Of the plethora of films on the armed conflict in Colombia, none has
focused so resolutely on the primary battlefield where every war takes
place—the bodies of its protagonists. In Oscuro animal, three women
are forced to abandon their homes and begin a new life elsewhere.
This is Felipe Guerrero’s first fictional feature in which the substance
of film, the sounds and images the director is so obsessed with, are used
to document the substance of life itself; bodies that tremble with fear
at the prospect of imminent violence, rejection and repulsion, sexuality and
the need for survival, solidarity... Dialogue is sparse, with body language
and facial expressions serving as more effective vehicles for conveying
the emergence of hope in the face of the dark animal of war that has
taken up residence in the collective unconscious and permeated the social
fabric of an entire country.
Director, montajista y productor. Se graduó como tecnólogo en Cine y Fotografía de la
Escuela de Cine Unitec de Bogotá y cuatro años después, en el Centro Sperimentale di
Cinematografia de Roma, obtuvo su diploma en montaje, profesión a la que se dedica
actualmente. Entre sus trabajos como montajista se destaca su participación en
El vuelco del cangrejo (2010), El Páramo (2011), La Playa D.C. (2012) y 327 cuadernos (2015).
Dirigió los documentales Paraíso (2006) y Corta (2012) y el cortometraje Nelsa (2014).
Director, editor and producer, Guerrero studied Film and Photography at the Unitec Film School
in Bogota. Four years later, he took a diploma in Film Editing at the Centro Sperimentale di
Cinematografia in Rome. Some of the films he has worked on as an editor -his current profession
of choice- include El vuelco del cangrejo (2010), El Páramo (2011), La Playa D.C. (2012) and 327
cuadernos (2015). He also directed the documentaries Paraíso (2006) and Corta (2012), and the
short film Nelsa (2014).
Director Felipe Guerrero Productor / Producer Gema Juárez Allen, Felipe
Guerrero Guion / Screenplay Felipe Guerrero Editor Eliane Katz Fotografía
/ Photography Fernando Lockett Reparto / Cast Marleyda Soto, Luisa Vides,
Jocelyn Meneses Contacto / Contact Gema Juárez Allen [email protected]
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Esta película también participa en Competencia Oficial Documental
This film also participates in Official Documentary Competition
PACIENTE
PATIENT
JORGE CABALLERO RAMOS
Colombia, 1979
Colombia
Nubia cuida de su hija Leidy Johana, enferma de cáncer. Paciente
borra la presencia del equipo de realizadores y observa cómo madre
e hija entran a formar parte de un universo paralelo que funciona
con lógicas propias. Es el sistema de salud en Colombia, donde
todo parece estar diseñado para que el dolor sea secundario
y prime una compleja red de procedimientos burocráticas. La madre
viene y va por pasillos, cuartos de hospital y oficinas tratando de
descifrar no solo la maraña de reglas que parece reinventarse a cada
paso sino sus propios sentimientos. Al no mostrar nunca a la hija
enferma, el documental le gana la partida al exhibicionismo o la
manipulación sentimental, y lleva a que el espectador se pregunte
quién es el paciente o qué es la paciencia y cuáles son sus límites.
Como en sus trabajos anteriores, Bagatela (2008) y Nacer, diario
de maternidad (2012), en Paciente vemos cómo la mirada nunca
invasiva de Jorge Caballero examina críticamente las instituciones
y revela una profunda solidaridad y empatía con los individuos,
en este caso con la admirable fuerza de una madre para quien amar
es cuidar aquello que se ama.
114
The presence of the film crew is virtually imperceptible in Paciente,
a documentary about a mother and her sick daughter who are forced to
navigate the Colombian health system, a parallel universe where physical
suffering takes second place to a complex set of bureaucratic rules that
appear to change at random. Nubia spends her days in hospital rooms,
corridors and offices, attempting to unravel the internal logic
of this system and come to grips with her own feelings in the process.
Her daughter, Leidy Johana, has cancer, but because we never actually see
her, the elements of sensationalism and sentimentalism are downplayed,
inviting the spectator to ask who the patient is, what exactly patience
is and what its limits are. As in his previous documentaries, Bagatela
(2008) and Nacer, diario de maternidad (2012), in Paciente Jorge
Caballero takes a critical look at the country’s health institutions,
revealing with his non-invasive camera a deep sense of solidarity
and empathy with the individual—in this case a mother whose definition
of love is to care for those she loves.
Realizador, montajista y productor, quien vive y trabaja entre Bogotá y Barcelona. Es socio de
Gusano Films. Entre sus trabajos documentales se destacan Bagatela (2008) y Nacer, diario
de maternidad (2012). Paciente es parte de un ambicioso proyecto multimedia que reflexiona
sobre el sistema de salud en Colombia. Su interés por este tipo de proyectos en nuevas
plataformas ya había dado como resultado reciente el documental interactivo V.O.S.E (2014).
Ha sido ganador del Premio Nacional de Documental de Colombia en dos ocasiones.
Director, editor and producer, Caballero is a partner in Gusano Films and divides his time
between Bogota and Barcelona. Two-time winner of Colombia’s National Documentary Prize,
his most highly acclaimed films include Bagatela (2008) and Nacer, diario de maternidad
(2012). Paciente is part of an ambitious multimedia project that examines Colombia’s health
system. The director’s interest in this type of project has led him to explore new platforms,
resulting in the recent release of the interactive documentary V.O.S.E (2014).
Director Jorge Caballero Ramos Productor / Producer Jorge Caballero Ramos,
Rosa Ramos Guion / Screenplay Carol Ann Figueroa Editor Iván Guarnizo,
Jorge Caballero Ramos Fotografía / Photography Lukas Jaramillo Reparto /
Cast Nubia Martínez, Leidy Johana Ortegón Contacto / Contact Diana Karklin,
[email protected]
115
SIEMBRA
ÁNGELA OSORIO
Colombia
Egresada de la Escuela de Comunicación Social de la Universidad del Valle y candidata
al doctorado en Humanidades en la Universidad Carlos III de Madrid. Ha codirigido
los documentales Calígula (2003), Un nombre para desplazado (2003), Viaje de tambores
(2005) y Oro pacífico (2015). Es docente del programa de Artes Visuales de la Universidad
Javeriana en Cali. Siembra es su ópera prima.
Colombia / Alemania - Colombia / Germany
Desarraigo y esperanza, padres e hijos, ciudad ajena y espacio
propio son los lugares de tensión que sostienen la ópera prima
de Ángela Osorio y Santiago Lozano. Turco, un pescador de la costa
pacífica colombiana sueña con volver a la tierra que abandonó con
su hijo Yosner, a causa de la guerra. El hijo, por su lado, confía en
las promesas de la ciudad. Pero las ilusiones de uno y de otro se
rompen con la muerte de Yosner. Sacudido por esta nueva pérdida,
Turco empieza un recorrido por una ciudad que no alcanza a entender,
mientras debe encontrar la forma de darle a su hijo un entierro
digno. Con sus potentes imágenes en blanco y negro, la irrupción
de momentos de valor documental y antropológico, y la continuidad
entre realidad y mito, Siembra se suma a un nuevo cine del Pacífico
colombiano que muestra a personajes que deben enfrentar lo que
significa perder el sentido de lo comunitario y entrar en una lógica
de derivas e intercambios, donde toda ha perdido su lugar y el futuro
es una pregunta por resolver.
Rootlessness and hope, fathers and sons, strange cities and familiar
places are the dichotomies that underscore Siembra, in which Turco,
a fisherman from Colombia’s Pacific coast, has been forced to leave home
because of the war, but dreams of returning. His son Yosner, however,
is drawn by the promises the city holds. Yosner’s death puts paid to all
these hopes and, devastated by yet another loss; Turco roams a city that is
totally alien to him, trying to find a way of giving his son a proper burial.
With its powerful black and white photography, unexpected moments
of documentary and anthropological interest and seamless melding
of myth and reality, Siembra exemplifies a new type of cinema unique
to Colombia’s Pacific region featuring characters who have lost their sense
of identity and who find themselves sucked into a logic of aimlessness
where everything is out of synch and where the future looms like an
unanswered question.
Premio Boccalino de la Crítica Independiente, Festival de Cine
de Locarno 2015
Boccalino Independent Critics’ Award at the 2015 Locarno Film Festival
Mejor Ópera Prima, Festival Internacional de Cinema de
Tarragona 2015
116
Best First Film at the 2015 Tarragona Film Festival
A graduate of the Social Communications School at the Universidad del Valle and a Humanities
PhD candidate at Madrid’s Carlos III University, Osorio currently teaches the Visual Arts
Program at the Javeriana University in Cali. She co-directed the documentaries Calígula (2003),
Un nombre para desplazado (2003), Viaje de tambores (2005) and Oro pacífico (2015). Siembra
is her first feature film.
SANTIAGO LOZANO
Colombia
Comunicador Social de la Universidad del Valle. En 2005 dirigió el documental Silové
un niño. Se desempeñó como foto fija en El vuelco del cangrejo (2010) y fue asistente de
dirección en La Sirga (2012). Actualmente es docente del programa de Cine y Comunicación
Digital de la Universidad Autónoma de Occidente. Siembra es su ópera prima.
Lozano studied Social Communications at the Universidad del Valle. In 2005, he directed the documentary
Silové un niño. He later worked on El vuelco del cangrejo (2010) as a fixed photographer and as
assistant director on La Sirga (2012). He currently teaches the Film and Digital Communications
Program at the Universidad Autónoma de Occidente. Siembra is his first feature film.
Director Ángela Osorio, Santiago Lozano Productor / Producer Gerylee
Polanco Uribe, Óscar Ruiz Navia, Ángela Osorio, Santiago Lozano Guion /
Screenplay Ángela Osorio, Santiago Lozano Editor Ángela Osorio, Santiago
Lozano Fotografía / Photography Juan David Velásquez Reparto / Cast Diego
Balanta, Inés Granja, José Luis Preciado, Carol Hurtado, Jhon Ramos Contacto /
Contact Cineplex, Elba McAllister, [email protected]
117
ESTRENO MUNDIAL
WORLD PREMIERE
SIN MOVER LOS LABIOS
WITH THE LIPS CLOSED
CARLOS OSUNA
Colombia, 1980
Colombia
Carlos es un fracasado sin remedio, que fue obligado desde la infancia
a participar como ventrílocuo en shows televisivos en los que siempre
salió perdedor. Ahora tiene 45 años, un trabajo que lo hace infeliz,
una novia a la que trata con frialdad y una dependencia enfermiza
de su mamá. Pero lo peor es que sigue siendo ventrílocuo. Cuando
su mamá muere repentinamente, parece abrirse ante él la posibilidad
de un nuevo comienzo. El show que hace para recrear la relación entre
los dos, lo devuelve, sin embargo, a los brazos de la madre ahora
convertida en un muñeco. La historia de Carlos es la parábola
de un descenso y una degradación contada en clave de comedia
negra. Un tono sostenido de malestar y misantropía, perversión
y sadismo, recorre toda la película. El blanco y negro, interrumpido
por el color de un melodrama televisivo, es otra mueca irónica a los
hechos y personajes. Carlos Osuna consolida en su segundo largo
un estilo capaz de observar con ojo travieso esa vulgaridad que
también somos.
118
Carlos is a loser who was forced to play a ventriloquist sidekick in television
shows as a child. Now he is 45, has a job he hates, a girlfriend he is distant
with and an unhealthy attachment to his mother. Worst of all, he is
still a ventriloquist. When his mother unexpectedly dies, Carlos glimpses
the possibility of a new beginning, but the show he does recreates their
relationship, returning him to the arms of his mother, except now she
takes the form of a doll. A tone of malaise and misanthropy undercuts
this parable of descent and degradation, narrated in black comedy code.
The black and white images, spliced with the intermittent color of a
television melodrama, cast the characters in an ironic light as events take
an increasingly perverted, sadistic turn. In this, his second feature film,
Carlos Osuna consolidates his style, observing with a playful eye a vulgarity
we can all identify with.
Maestro en Artes Visuales de la Universidad Javeriana, ha enfocado su carrera hacia la
realización de cine y video arte, campo en el cual ha logrado varios reconocimientos en
América Latina, Europa y Estados Unidos. Fue productor ejecutivo en Perder es cuestión de
método (2004). Es presidente de la productora Malta Cine. En 2012 estrenó su ópera prima
Gordo, calvo y bajito. Su tercer largometraje El concursante, fue seleccionado para L’Atelier
del Festival de Cine de Cannes en 2015.
Osuna holds a Master’s in the Visual Arts from the Javeriana University and has focused on
filmmaking and video art, fields in which he has excelled, earning awards in Latin America,
Europe and the United States. Executive producer of Perder es cuestión de método (2004), he is
president of the production company Malta Cine. In 2012, he made his debut with Gordo, calvo
y bajito. His third feature film, El concursante, was selected for L’Atelier at Cannes in 2015.
Director Carlos Osuna Productor / Producer Juan Mauricio Ruiz, Carlos Osuna
Guion / Screenplay Juan Mauricio Ruiz, Carlos Osuna Editor Carlos Osuna
Fotografía / Photography Guillermo Santos, Nicolás García Reparto / Cast
Giancarlo Chiappe, Álvaro Bayona, Consuelo Luzardo, Marcela Benjumea, Carlos
Gómez, Juan Manuel Combariza, Álvaro Rodríguez, Margarita Ortega, Germán
Quintero, Tiberio Cruz, Laura Junco, Talú Quintero, Fernando Arévalo, Carolina
Rueda, Juan Diego Bernal, Juan Felipe Ortiz, Iván Forero Contacto / Contact
Laboratorios Black Velvet - Velvet Jellyfish, Emmanuel Cely, [email protected]
119
Esta película también participa en Competencia Oficial Documental
This film also participates in Official Documentary Competition
TODO COMENZÓ POR EL FIN
IT ALL STARTED AT THE END
LUIS OSPINA
Colombia, 1949
Colombia
La historia de una pandilla pícara y desafiante, a lo largo de cuatro
décadas. Una banda para la cual las películas fueron medio y fin, algo
muy serio que podía estar al servicio del juego, la fiesta, la celebración
de los sentidos y la transgresión. El Grupo de Cali, en el que
coincidieron escritores, artistas plásticos y cineastas, cambió la forma
de mirar la ciudad en el arte colombiano y deshizo las fronteras entre
alta cultura, cultura popular y cultura de masas. Todo comenzó por
el fin se centra en dos de sus figuras mayores: el escritor Andrés
Caicedo y el director de cine Carlos Mayolo. Y en el propio realizador,
Luis Ospina, quien al momento de emprender este testamento
audiovisual cae gravemente enfermo, lo que sirve de material para el
prólogo y el epílogo. Alrededor de ellos brillan, con matices propios,
los amigos, con historias y testimonios que convierten al documental
en un relato coral brillantemente comentado por el material de
archivo. Drogas, sexo, música y un país a la deriva. Ospina, notario
privilegiado del grupo, actualiza el tono de un desenfado expresado
en creatividad y nos descubre unas vidas atravesadas de principio
a fin por el cine y la amistad.
120
A documentary about a group of writers, artists and filmmakers for whom
motion pictures were a means and an end, something to be taken seriously,
something that encompassed play, fun, a celebration of the senses and
transgression. For four decades the Cali Group defied convention, changing
the way the city was portrayed in Colombian art and straddling the fence
between elite and mass culture. Todo comenzó por el fin focuses on three
of the group’s main figures—the writer Andrés Caicedo, the filmmaker
Carlos Mayolo and the director himself, Luis Ospina, who fell seriously
ill while making the film, providing material for its prologue and epilogue.
The stories and testimonies of those who knew them turn this into an
ensemble piece brilliantly complemented with archive material. Ospina
chronicles these days of drugs, sex and music in a country that had lost
its way with the same creative boldness the Cali Group demonstrated in
its day, offering the spectator a portrait of lives that were dominated from
beginning to end by films and friends.
Director, montajista, productor y actual director del Festival de Cine de Cali. Formó
parte del Cine Club de Cali y de su emblemática revista Ojo al cine. En la década de 1970,
en codirección con Carlos Mayolo realizó clásicos del documental colombiano como
Oiga Vea (1972) y Agarrando pueblo (1978). Dirigió los largos de ficción Pura sangre (1982)
y Soplo de vida (1999). De su reciente trabajo en el cine documental se destacan Un tigre
de papel (2007) y La desazón suprema, retrato incesante de Fernando Vallejo (2003), ambas
ganadoras del Premio Nacional Documental del Ministerio de Cultura de Colombia,
entidad que en 2010 le entregó también el premio “Toda una vida dedicada al cine”.
Filmmaker, editor and director of the Cali Film Festival, Ospina was a member of the Cali Film
Club and contributed to its emblematic magazine Ojo al cine. In the Seventies, he and Carlos
Mayolo co-directed classic Colombian documentaries such as Oiga Vea (1972) and Agarrando
pueblo (1978). His more well-known fiction feature films include Pura sangre (1982) and Soplo
de vida (1999), while his most recent documentaries, Un tigre de papel (2007) and La desazón
suprema, retrato incesante de Fernando Vallejo (2003), both won the National Documentary
Prize presented by Colombia’s Ministry of Culture, which presented Ospina with a lifetime
achievement award in 2010.
Director Luis Ospina Productor / Producer Luis Ospina Guion / Screenplay
Luis Ospina Editor Gustavo Vasco, Luis Ospina Fotografía / Photography
Francisco Medina Reparto / Cast Andrés Caicedo, Carlos Mayolo, Luis Ospina,
Patricia Restrepo, Eduardo Carvajal, Sandro Romero, Rosario Caicedo, Beatriz
Caballero, Lina González, Vicky Hernández, Karen Lamassonne, Ramiro Arbeláez,
Ricardo Duque, Clarisol Lemos, Guillermo Lemos Contacto / Contact Luis
Ospina, [email protected]
121
competencia oficial cortometraje
24º 51º LATITUD NORTE
BUNKER
EL BUZO
EL EDÉN
ESTRENO INTERNACIONAL
INTERNATIONAL PREMIERE
México / Mexico
2015 – 29:13 min. – Digital
Portugal
México / Mexico
2015- 16 min- Digital
Idioma / Language Español con subtítulos en inglés - Spanish with
English subtitles Director Carlos Lenin Productor / Producer
Valentina López de Cea, Paloma Serna Ramones Guion / Screenplay
Carlos Lenin Editor Carlos Lenin Fotografía / Photography Diego
Tenorio Reparto / Cast Armando Hernández, Jorge Adrián Espíndola,
Andúl Zambrano, Orlando Reséndez, Humberto Rubio, Moisés Arizmendi,
Silverio Palacios Contacto / Contact [email protected]
Idioma / Language Sin diálogos Director Sandro Aguilar Productor
/ Producer Luis Urbano, Sandro Aguilar Guion / Screenplay Sandro
Aguilar Editor Sandro Aguilar Fotografía / Photography Rui Xavier
Reparto / Cast Clara Jost, António Júlio Duarte, Isabel Abreu, João
Pedro Vaz, Cláudia Efe, Rui Calçada Bastos Contacto / Contact Salette
Ramalho [email protected]
English subtitles Director Esteban Arrangoiz Productor / Producer
Esteban Arrangoiz, Victor Hugo Jiménez, Jaime B. Ramos, Mariana
Rodríguez Guion / Screenplay Esteban Arrangoiz Editor Martín
Molina Fotografía / Photography Esteban Arrangoiz, Mariana
Rodríguez Reparto / Cast Julio Cesar Cú Contacto / Contact
[email protected]
English subtitles Director Andrés Ramírez Pulido Productor /
Producer Andrés Mossos Guion / Screenplay Andrés Ramírez Pulido
Editor Etienne Boussac Fotografía / Photography Jaime Barrios
Reparto / Cast Iván Acosta, Juan Agudelo, Libardo Oyala Contacto /
Contact Marvin&Wayne Short Film Distribution, [email protected]
Fuera de cualquier compromiso formalista, en un potente blanco
y negro y sin recurrir a los diálogos, Sandro Aguilar construye el
universo enrarecido en el que un joven inestable emocionalmente,
conoce a una chica que vive con sus padres swingers en un parque
de casas rodantes. La fascinación mutua surge pero él se enamora
de ella y rápidamente descubre que no es correspondido.
Julio Cesar Cú, trabaja entre la oscuridad y los desechos de la ciudad
de México. Bucear en los drenajes es para él como salirse de su
cuerpo y observarse desde afuera. Siente que esa agua negra y fétida
lo abraza, lo sostiene. Una sensación que no quiere dejar de sentir.
En medio de juegos que rayan entre la ingenuidad y el vandalismo,
dos adolescentes irrumpen en El Edén, un balneario abandonado
en medio de la espesa vegetación. Juegan con un escorpión, con
un arma de fuego y nadan entre las aguas estancadas de la piscina.
Las fronteras entre lo cotidiano y lo violento se permean con facilidad.
Ernesto tras once años de ausencia, regresa al lugar donde creció
a encontrarse con sus amigos. Entre juegos y bromas, descubre que
aunque todo parece estar igual a como lo dejó, él ya no es el mismo.
Un viaje que lo enfrenta a recorrer sus recuerdos y su memoria,
y que le revelará a pesar suyo, que ya no pertenece a aquel grupo
que alguna vez fue importante.
After eleven years of absence, Ernesto comes back to meet his friends
in the place where he grew up. Between jokes and games, he discovers
that even though things seems just like he had left them, he has changed.
This journey will force him to explore his memories and will expose the
fact that, to his disappontment, he no longer belongs to this group that
was once important to him.
Free of any formalistic commitment, in powerful black and white images
and without dialogue, Sandro Aguilar builds a strained environment in
which a emotionally unstable young man meets a girl who lives with her
swinger parents in a mobile home community. Mutual fascination arises
and he quickly falls in love with her, only to discover shortly after that she
does not share his feelings.
Cortometraje seleccionado en la Berlinale 2016 y ganador del mejor
corto documental en Morelia 2015
Julio Cesar Cú works amidst the darkness and the garbage of Mexico City.
To him, diving through the sewers is like leaving his body and observing
it from the outside. He feels the embrace and support of this foul wastewater, a feeling he wants to keep experiencing.
Colombia
2015 - 19 min. -Digital
official short film competition
THE DIVER
While playing games on the edge of naivety and vandalism, two teenagers
burst into El Edén, a health resort abandoned in the midst of a thick
vegetation. They play with a scorpion, with a gun, and swim in the
stagnant water of the pool. The frontier between everyday life and
violence can be easily crossed.
Berlinale 2016 short film selection. Best documentary short film award,
Morelia 2015
CARLOS LENIN
SANDRO AGUILAR
México / Mexico
Portugal, 1974
Director y Cinefotógrafo del Centro Universitario
de Estudios Cinematográficos –CUEC UNAM-.
En 2012 dirigió el cortometraje Inverso, 3 y media
vueltas en Posición C que participó como selección
oficial en destacados festivales entre ellos, el
FIC Morelia 2012, FIC Guadalajara 2012, Festival
Internacional de Cine Latinoamericano de Sao
Pablo y LondonMx Fest. En 2013, se especializó
en Dirección de Cine bajo la tutela del director
iraní Abbas Kiarostami.
Estudió cine en la Escola Superior de Teatro.
En 1998 fundó la productora O Som e a Fúria.
Sus películas han ganado premios en festivales,
como la Bienal de Venecia, Gijón, Oberhausen
y Vila do Conde, y se han presentado en Torino,
Belfort, Montreal, Clermont-Ferrand, entre otros.
Retrospectivas de su obra han sido programados
en Rotterdam el FIB y el BAFICI.
Graduated in Direction and Cinematography from
the Centro Universitario de Estudios Cinematográficos
(CUEC) of Mexico’s National University (UNAM).
In 2102, he directed the short Reverse, Three and a
Half Somersaults in the Tuck Position, which was
presented in the official selections of prominent
festivals such as FIC Morelia 2012, FIC Guadalajara
2012, Festival Internacional de Cine Latinoamericano
de Sao Pablo and LondonMx Fest.
126
Aguilar studied film at the Escola Superior de Teatro.
In 1998, he founded the production company O Som
e a Fúria. His films received awards in festivals like the
Venice Biennale, Gijón, Oberhausen, and Vila do Conde,
and were presented in Torino, Belfort, Montreal and
Clermont-Ferrand, among others. Retrospectives of his
work were programmed in Rotterdam, at the FIB
and the BAFICI.
ESTEBAN ARRANGOIZ
ANDRÉS RAMIREZ PULIDO
Colombia, 1989
Estudió Comunicaciones en la Universidad de
Macquarie, Australia y Realización Documental en
el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos
-CUEC–UNAM-, de México. Su cortometraje
documental Río Lerma (2010), ganó el premio
a Mejor Cortometraje Documental en los premios
Ariel de México y El baile de tres cochinillas (2012),
ganó premio a Mejor Director en el 5º Festival
Internacional de Cortos Proyección Corta, México.
Estudió cine y la Maestría en Escrituras Creativas
en la Universidad Nacional de Colombia. En el
2007, dirigió el cortometraje Ella, ganador del
festival de video joven Bogolajara, en Guadalajara,
México y en 2013, Mirar hacia el sol. Fue asistente
de dirección de los largometrajes Paisaje Indeleble
y Dos mujeres y una vaca. Actualmente desarrolla
su primer largometraje de ficción La Quietud.
Arrangoiz holds a degree in Communication from
Macquarie University, Australia, and studied Documentary
Filmmaking at the Centro Universitario de Estudios
Cinematográficos (CUEC) of Mexico’s National University
(UNAM). His short film Río Lerma (2010), won the
Best Documentary Short Film award at the Premios
Ariel in Mexico, and El baile de tres cochinillas (2012)
won the Best Director award at the 5th Internacional
de Cortos Proyección Corta Festival in Mexico.
While playing games on the edge of naivety and
vandalism, two teenagers burst into El Edén, a health
resort abandoned in the midst of a thick vegetation.
They play with a scorpion, with a gun, and swim in
the stagnant water of the pool. The frontier between
everyday life and violence can be easily crossed.
127
ENTRE LA TIERRA
THE HOOD
INSIDE LAND
ESTRENO MUNDIAL
WORLD PREMIERE
Colombia
English subtitles Director Sebastián Gabriel Galvis Forero Productor
/ Producer Jenny Alejandra Umaña Mojica Guion / Screenplay
Sebastián Gabriel Galvis Forero Editor Jaime Lara Fotografía /
Photography Nicolay Coral Gómez Reparto / Cast Dagoberto
Ramos, Milton Cano López Contacto / Contact Jeniale Producciones,
[email protected]
Retrato de estética cruda y realista sobre un par de amigos
adolescentes de clase media en un conjunto cerrado de la ciudad
de Bogotá. Ambos comparten calles, alcohol, experiencias sexuales
y dinero producto de robos caseros que hacen en los apartamentos
del conjunto.
A crude and realistic portrait of a couple of teenage middle-class friends
in a gated development in northern Bogota. They share street adventures,
alcohol, sexual experiences and the money they steal from the apartments
of the development.
SEBASTIÁN GABRIEL
GALVIS FORERO
Colombia, 1988
Estudió Medios Audiovisuales con énfasis
en Cine en la Universidad Politécnico Gran
Colombiano, el Diplomado de guion de
cortometraje en la Universidad del Magdalena
y Dirección de Cine en el Centro de Formación
Profesional del Sindicato de la Industria
Cinematográfica en Buenos Aires, Argentina.
Su tesis de grado, el cortometraje En la esquina.
Galvis studied Audiovisual Media with a major
in Film at the Universidad Politécnico Gran
Colombiano, a Degree Course in short film screenwriting
at the Universidad del Magdalena and Film Direction
at the Film Industry Union’s Professional Training
Center in Buenos Aires, Argentina. His graduation
short was En la Esquina.
128
ICEBERG
L’HOMME DE MA VIE
EL HOMBRE DE MI VIDA
DE BARRIO
LATINAMERICAN PREMIERE
Argentina / Costa Rica / Chile
2015 – 25min. - Digital
Venezuela / Cuba
2015 – 27 Min – Digital
Francia / France
2015 – 25:33 min. – Digital
Idioma / Language Español con subtítulos en Inglés - Spanish with English
subtitles Director Sofía Quirós Ubeda Productor / Producer Florencia
Rovlich, Sofía Quirós Ubeda, Tania Lavanderos Guion / Screenplay
Florencia Rovlich, Sofía Quirós Ubeda, Tania Lavanderos Editor Sofía
Quirós Ubeda Fotografía / Photography Francisca Sáez Agurto
Reparto / Cast Stella Maris Isoldi, Paula Castagnetti Contacto / Contact
Gisela Chicolino [email protected] / [email protected]
English subtitles Director Juliana Gómez Castañeda Productor /
Producer EICTV, Ale Cedeño Guion / Screenplay Juan Manuel
Dartizio Editor Eduardo Resing Fotografía / Photography Adrien
Peter Contacto / Contact EICTV, [email protected]
Idioma / Language Francés con subtítulos en español e inglés - French
with Spanish and English subtitles Director Mélanie Delloye Productor
/ Producer Robin Robles Guion / Screenplay Mélanie Delloye Editor
Clémence Carré Fotografía / Photography Leonardo d’Antoni
Reparto / Cast Malorie Chéron, Adel Benchérif, Théo Greuillet, Clarisse
Martin, Marion Simoni, Alissa Virton Contacto / Contact Damien
Megherbi, [email protected]
Volver a la raíz y al origen, volver hacia sí mismo y descubrir aquello
que es más difícil de afrontar. Dos mujeres de distintas generaciones
se encuentran para acompañarse a encarar sus miedos más
profundos y descubrir, que sin importar la brecha generacional, nunca
es tarde para hacerlo. Sofía Quirós nos entrega en esta película una
obra delicada, sensible y al mismo tiempo contundente.
Una mirada íntima y poética a la vida de una solitaria pescadora
de sesenta años que vive con su mascota, una perra que la acompaña
todos los días en una balsa improvisada sobre la cual navega
acostada, remando con sus propias manos. Teresa vive aislada en una
isla dentro de una isla y la monotonía de sus días solo es apaciguada
por la visita esporádica de su sobrina, por el llanto y las visitas a
la tumba de su madre fallecida recientemente y por las ceremonias
de espiritismo a las que asiste para mantenerse en contacto con su
progenitora en un duelo difícil de superar.
Alice tiene 13 años y está convencida de que Eric es su verdadero amor.
Puede que no sea la más popular o la más destacada en el colegio,
pero cuando ve a Eric besando a otra chica, decide hacer todo lo
posible para recuperar al hombre de su vida. La directora colombofrancesa Mélanie Delloye, continúa la exploración de los jóvenes
asumiendo protagonismo, esta vez a través de los ojos de una chica
que se encuentra sobre la difusa línea entre la niñez y la adolescencia.
To return to one’s roots and origins, to return to oneself and discover that
which is most difficult to face. Two women of different generations meet
in order to face their most profound fears together, thus discovering that,
regardless of their generational gap, it is never too late to do so. Sofía
Quirós delivers with this film a delicate, sensitive, yet compelling work.
SOFÍA QUIRÓS UBEDA
An intimate and poetic look at the life of a solitary, seventy-year-old
fisherwoman who lives with her pet, a female dog that accompanies her
every day on an improvised raft over which she navigates adrift, lying down
and rowing with her own hands. Teresa lives isolated, on an island within
an island, and the monotony of her days is only appeased by the sporadic
visits of her niece, by her own tears, by her visits to the tomb of her recently
deceased mother, and by the spiritualism sessions that she attends to remain
in contact with her and live through a mourning that is difficult to overcome.
Argentina
Estudió Dirección de Fotografía en el Sindicato
de Cine Argentino –SICA-. En 2011 dirige su primer
documental Al otro lado, el cual recorrió diversos
festivales. Produjo el cortometraje experimental
“#YA” (2015), selección oficial de cortometrajes
Generation 14plus Berlinale 2015. Actualmente
es Directora General en la productora audiovisual
Migracine y profesora en Sociología de la
Imagen en la UBA.
Quirós studied Direction of Photography at the
Argentinean Film Industry Union (SICA). IN 2011
she directed her documentary Al Otro Lado, which
participated in several festivals. She produced the
experimental short film “#YA” (2015), Official Short
Film Selection, Generation 14plus, Berlinale 2015. She
currently works as General Director at the Migracine
Audiovisual Production Company. She is also a Professor
of Visual Sociology at the University of Buenos Aires.
Thirteen-year-old Alice is convinced that Eric is her true love. She may
not be the most popular or outstanding girl at school, but when she sees
Eric kissing another girl, she decides to do everything possible to win back
the man of her life. French-Colombian director Mélanie Delloye continues
the exploration of youngsters taking the lead, this time through the eyes
of a girl crossing the blurry line between childhood and adolescence.
MÉLANIE DELLOYE
Francia / France
JULIANA GÓMEZ CASTAÑEDA
Venezuela, 1982
Estudió Comunicación Audiovisual en la Universidad
Católica Andrés Bello y cine en No. w.here Estudios,
Londres y en el Saint Martins College of Arts &
Design. Trabajó como jefe de producción para varios
largometrajes venezolanos tales como, El rumor
de las piedras y Entre sombras y susurros.
Juliana studied Audiovisual Communications at the
Andrés Bello Catholic University, as well as Film
Studies at No.w.here Studios in London, and Saint
Martins College of Arts and Design. She has worked
as production manager for a number of Venezuelan
feature films, such as El Rumor de las Piedras and
Entre Sombras y Susurros.
Guionista y directora. Licenciada en Filosofía
y Ruso de La Sorbona de París y en la Maestría
en Bellas Artes en la Escuela de Artes Tisch de la
Universidad de Nueva York. Anna et Jérôme, su
película de tesis, fue seleccionada en más de 35
festivales de todo el mundo, entre ellos Aspen,
Guanajuato, Atlanta, Niza y Huesca.
Screenwriter and director. She holds a degree in
Philosophy and Russian Studies from the Sorbonne
University (Paris) and a Master of Fine Arts, Tisch
School of the Arts, New York University. Her thesis film
project Anna et Jérôme, was in the official selection
of more than 35 festivals worldwide, including Aspen,
Guanajuato, Atlanta, Nice and Huesca.
129
LOCAS PERDIDAS
MAREA DE TIERRA
NO HAY BESTIAS
IMPRESSION OF A WAR
LOST QUEENS
LAND TIDES
THE CRY OF THE OXEN
Colombia / Francia - Colombia / France
Chile
2015 - 28 min- Digital
Chile / Francia - Chile / France
2015 – 13 min – Digital
Argentina
2015 – 21 Min. – Digital
English subtitles Director Camilo Restrepo Productor / Producer
Laurence Rebouillon Guion / Screenplay Camilo Restrepo, Sophie
Zuber Editor Camilo Restrepo, Bénédicte Cazauran Fotografía /
Photography Camilo Restrepo Contacto / Contact Camilo Restrepo,
[email protected]
English subtitles Director Ignacio Juricic Merillán Productor / Producer
Universidad de Chile, Mariana Tejos Martignoni Guion / Screenplay
Ignacio Juricic Merillán Editor Valentina Ruiz Sierra Fotografía /
Photography Danilo Miranda Cares Reparto / Cast Andrew Bargsted,
Catalina Vásquez Cristi, Roxana Campos, Rodrigo Pérez, Macarena Lagos,
Maite Neira Contacto / Contact [email protected]
Idioma / Language Español con subtítulos en inglés - Spanish with English
subtitles Director Amirah Tajdin, Manuela Martelli Productor / Producer
Giancarlo Nasi, Dominique Welinski Guion / Screenplay Amirah Tajdin,
Manuela Martelli Editor Felipe Gálvez Fotografía / Photography Nicolás
Ibieta Reparto / Cast Laura López, Maritza Ampuero, Rosa García-Huidobro,
Bárbara Torres, Lidia Cárcamo, Roberto Sanhueza Contacto / Contact
Giancarlo Nasi, [email protected]
English subtitles Director Agustina San Martín Productor / Producer
Presencia Cine Guion / Screenplay Agustina San Martín Editor
Agustina San Martín, Renata Miranda Fotografía / Photography
Constanza Sandoval Reparto / Cast Mónica Leal, Pablo G. Fernández,
Dora Itatí Recamero, Néstor Benítez, Guillermina Ojeda, Andrea Ojeda,
Valeria Thomas, Rubén Ruiz Contacto / Contact INCAA. Gisela
Chicolino. [email protected]
El fantasma de la muerte pareciera indetectable por exceso de
visibilidad. Tintas, manchas, sangre y píxeles se manifiestan como
cicatrices y rastros de una guerra que ha perdurado por más de 70
años. Violencia escrita en los cuerpos, en los muros, en las calles, en los
periódicos, como tatuajes impresos sobre la maltrecha epidermis de la
ciudad de Medellín, signos contra el olvido, la diferencia y la impunidad.
Rodrigo, de 18 años, vuelve a casa tras ser arrestado en un
allanamiento televisado a la discoteca en la cual trabaja como
transformista. Su hogar es un amable matriarcado de clase media en
el que habitan su madre y sus hermanas adolescentes. Atemorizado
por ser descubierto en el noticiero de la noche, comparte el día
con ellas como si nada hubiera pasado, dejándonos ver una dulce
intimidad de familia que contrasta con los secretos de una vida
pública que no se puede develar.
Al archipiélago de Chiloé en el sur de Chile, llega Laura, una
adolescente que está pasando por una ruptura amorosa. Allí, entre
los acantilados y el mar, las mujeres de la zona y ella, comparten sus
historias personales para descubrir que el tiempo todo lo cura.
Un viaje atemporal entre tres relatos donde se confunden lo visible
con lo invisible. Luego de la desaparición de su tía, Mateo se ve
inmerso en los recuerdos de su niñez en el monte y entra en un
universo, quizás imaginado, quizás fantasmal, donde las cosas
carecen de explicación y en donde los cuentos de su tía parecen
cobrar un realismo escalofriante.
Leopardo de Plata. Festival de Cine de Locarno 2015
The phantom of death is almost too obvious to be seen. Stains, inks, blood
and pixels manifest themselves as scars and traces of a war which has
lasted for more than seventy years. A violence written on the bodies, on
the walls, on the newspapers, like tattoos printed on the battered skin of
the city of Medellin, like signs against oblivion, disparity and impunity.
18-year-old Rodrigo returns home after being arrested during a TVbroadcast raid in the nightclub where he works as a transformist.
His home is a convivial middle-class matriarchy where he lives with his
mother and adolescent sisters. Fearing he may have been discovered on
the evening news, he carries on living together with his family as if nothing
had happened, showing us a sweet, family intimacy that contrasts with
the secrets of a public life that could be unveiled.
Se estrenó en la Quincena de Realizadores de Cannes 2015
On the Chiloe Archipelago in southern Chile, arrives Laura, an adolescent
undergoing a breakup. There, amongst the cliffs and the sea, she shares
personal stories with the local women only to discover that time heals all.
LA IMPRESIÓN DE UNA GUERRA
ESTRENO MUNDIAL
WORLD PREMIERE
A timeless journey told in three stories, where the visible and the invisible
come together. After the parting of his aunt, Mateo sees himself immersed
in the memories of his childhood in the mountains and enters a universe maybe imaginary, maybe ghostly - where things have no explanation and
where his aunt’s tales seem to reveal a unsettling realism.
This film was premiered at the Director’s Fortnight, Cannes Film Festival 2015
Silver Leopard Award, Locarno Film Festival 2015
CAMILO RESTREPO
IGNACIO JURICIC MERILLÁN
Colombia, 1975
Chile
Desde 1999 vive y trabaja en Francia. Miembro de
L’Abominable. Laboratorio centrado en la práctica
del cine en película.
Egresado de la Escuela de Cine de la Universidad
de Chile, donde realizó los cortometrajes La toma,
Contra cancha y Locas perdidas ganador del segundo
premio de la Cinefondation del 68 Festival de
Cannes además de la Queer Palm al mejor corto
LGBT. Actualmente se encuentra desarrollando
su cuarto cortometraje Estacionamiento, además
del proyecto de su primer largometraje Enigma.
Since 1999 Camilo lives and works in France. He is
a member of L’Abominable, a laboratory focused on
cinematographic practice on film.
Ignacio graduated from the University of Chile Film
School, where he produced the short films La Toma,
Contra Cancha and Lost Queens, winner of the
Second Prize of the Cinéfondation at the 68th Cannes
Festival, as well as the Queer Palm for Best LGBT
Short Film. He is currently working on his fourth short
film, titled Estacionamiento, as well as on his first
feature film Enigma.
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MANUELA MARTELLI
AGUSTINA SAN MARTÍN
Chile
Argentina, 1991
Directora y reconocida actriz. Estudió cine en la
Universidad de Temple, Estados Unidos. Dirigió el
corto Apnea y coescribió la película Mar.
Egresada de Diseño de Imagen y Sonido de la
Universidad de Buenos Aires donde también es
docente. Coguionista y directora de fotografía del
cortometraje Lo que dicen del monte, ganador del
16º BAFICI y del Festival Iberoamericano de Sao
Paulo. Dirigió el documental Ventanas y Lima.
Actualmente desarrolla su primer largometraje
El Silencio del Mambue.
Director and renowned actress. She studied Film at
Temple University (USA). She directed the short film
Apnea and co-wrote the film Mar, directed.
AMIRAH TAJDIN
Kenia / Kenya
Graduada en Bellas Artes en la Universidad de
Rhodes, Sudáfrica. Ha escrito y dirigido dos cortometrajes, Fluorescent Sin (2011) y His To Kzp (2013),
presentados en más de veinte festivales.
Amirah graduated in Fine Arts at Rhodes University
(South Africa). She was written and directed two short
films, Fluorescent Sin (2011) and His To Keep (2013),
presented in more than twenty festivals.
Graduated in Image and Sound Design from the
University of Buenos Aires, where she is now a
Professor. Co-writer and Director of Photography for
the short film Lo que Dicen del Monte, winner of the
16th BAFICI and of the São Paulo Ibero-American
Festival. She directed the documentary Ventanas
y Lima. Agustina is currently working on her first
feature film El Silencio del Mambue.
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O TETO SOBRE NÓS
NIGHT WITHOUT DISTANCE
EL TECHO QUE NOS CUBRE
Portugal
Idioma / Language Gallego, portugués con subtítulos en español e inglés
- Galician, Portuguese with Spanish and English subtitles Director Lois
Patiño Productor / Producer Nuno Rodrigues Guion / Screenplay
Lois Patiño Editor Lois Patiño Fotografía / Photography Lois
Patiño Reparto / Cast Eladio Garrido, Bienvenida Rodriguez, Dorinda
Pérez, Andrés Gea, José Otero, António Rodriguez, Julio Couso, Esther
Paz, Celsa Paz, Tomás Pérez, Celso Rodriguez, Dorinda Rodriguez, Rosa
Paz, Perfecto Rodríguez, Auria Perez, Jesús Rodríguez, Pablo Rodríguez,
Michael González, Francisco León Fernández, Domingos Rodríguez, Vera
Costa Voz: Arturo Franco, Mateo Franco, Manuel Franco, Pela del Álamo,
Juan Carlos Corredoira, Felipe Lage, Gil Ramos, Sérgio Miguel Silva
Contacto / Contact Salette Ramalho, [email protected]
El contrabando entre Portugal y Galicia a través de la Sierra
de Gerês, es retratado como un instante en la memoria del paisaje,
uno atemporal que entre trochas, ríos, y árboles, es testigo silencioso
de aquellos que solo esperan la noche para atravesar la distancia que
los separa. Un pasado indeterminado donde se funden las líneas
entre el documental, la ficción y el experimental.
The smuggling activities between Portugal and Galicia via the Gerês
Mountains is portrayed as an instant in the memory of the landscape:
a timeless one, that amongst trails, rivers, and trees, is a silent witness
to those who only wait for dusk to travel the distance that separates them.
An undetermined past where the lines between documentary, fiction
and experimental work, seem to fade away.
SANTIAMÉN
Brasil / Brazil
2015 – 22 min- Digital
Brasil / Brazil
Colombia
Idioma / Language Portugués con subtítulos en español - Portuguese
with Spanish and English subtitles Director Bruno Carboni Productor /
Producer Paola Wink, Davi Pretto Guion / Screenplay Bruno Carboni,
Marcela Bordin, João Kowacs Editor Bruno Carboni Fotografía /
Photography Antônio Ternura Reparto / Cast Silvana Rodrigues,
Cosme Rodrigues, Francisco Gick Contacto / Contact Tokyo Filmes,
[email protected]
Idioma / Language Portugués con subtítulos en español e inglés Portuguese with Spanish and English subtitles Director André Novais Oliveira
Productor / Producer André Novais Oliveira, Gabriel Martins, Maurilio
Martins, Thiago Macêdo Correia Guion / Screenplay André Novais Oliveira
Editor Thiago Ricarte Fotografía / Photography Gabriel Martins
Reparto / Cast Maria José Novais Oliveira, Norberto Novais Oliveira
Contacto / Contact Jean Charles Mille, [email protected]
Idioma / Language Japonés con subtítulos en español e inglés Japanese with Spanish and English subtitles Director William Vega
Productor / Producer Andrea Estrada Gutiérrez Guion / Screenplay
William Vega Editor Rodrigo Ramos Fotografía / Photography Oscar
Ruiz Navia Reparto / Cast Natalia Yukie Nakata, Melisa Días James,
Andrea Estrada Contacto / Contact Contravía Films,
Oscar Ruiz Navia, [email protected]
Los ocupantes de un edificio abandonado reciben la noticia de
que podrán ser desalojados en cualquier momento del lugar que
se ha convertido para todos en un hogar. Mientras Anna intenta
asimilar la inminente realidad de su futuro, percibe y empieza a tener
encuentros sensoriales con una presencia misteriosa que comparte
su pena. Ella y él nunca abandonarán el edificio.
Un día cualquiera en la vida de dos ancianos en un barrio familiar
en Brasil, un portal interdimensional se abre en el patio de su
casa. Un ensayo sobre la aproximación estética de la películas
porno estadounidenses de la década de los 90, enmarcado en una
asombrosa cotidianidad que atrapa y divierte en este corto de André
Novais Oliveira estrenado en la Quincena de Realizadores del Festival
de Cannes 2015.
La extraña voz de Yukie nos conduce por sus recuerdos antes del
fin de los tiempos. Yukie despierta en otras mujeres y se reconoce
en diversos lugares. William Vega, quien estrenó su ópera prima
La Sirga en la Quincena de Realizadores de Cannes, toma material
de diversos orígenes y lo ensambla para mostrar, con una sensual
melancolía, el devenir de una mujer y su tránsito por los “últimos
días” de un mundo que, como en el poema de Eliot, termina no con
una explosión sino con un suspiro.
The occupiers of an abandoned building are given the news that they may
be evicted at any moment from the place which has become their home.
While Anna tries to assimilate the imminent reality of her future, she
begins to perceive and experience sensory encounters with a mysterious
presence that shares her grief. They will never leave the building.
On a random day in the life of two old people in a familial neighborhood
in Brazil, an interdimensional portal opens in their home patio. This
short film by André Novais that premiered at the 2015 Cannes Director’s
Fortnight, is an essay on the aesthetic approach of the American
pornographic movies of the 90s, framed in an astonishing, but
enticing and amusing ordinariness.
ESTRENO MUNDIAL
WORLD PREMIERE
The strange voice of Yukie guides us through her memories before the
end of time. Yukie awakens in the bodies of other women and recognizes
herself in different places. William Vega, who premiered his first feature
La Sirga at the Cannes Director’s Fortnight, takes material from diverse
sources and assembles it to show, with sensual melancholy, the fate of
a woman in her transit through the “final days” of a world that, like in
Eliot’s poem, ends not with a bang but with a whimper.
LOIS PATIÑO
BRUNO CARBONI
ANDRÉ NOVAIS OLIVEIRA
WILLIAM VEGA
Brasil / Brazil
Colombia
Director de cine y vídeo artista, especializado en
cine y arte en la Academia de Cine de Nueva York
y la Universidad de las Artes en Berlín. Realizó una
maestría en cine documental en el Universidad
Pompeu Fabra. Ha dirigido varios cortometrajes,
expuestos en museos y festivales internacionales.
Con su primer largometraje, Costa de la muerte,
Lois ganó el Leopardo de Locarno para el mejor
director emergente.
Se graduó en cine en PUCRS en 2008. Codirigió los
cortos Quarto de espera (2009), seleccionado para
los festivales de Estocolmo, Huelva y São Paulo
y Garry (2012), seleccionado para los festivales
de La Habana y Gramado. O teto sobre nós (2015)
es su primer corto en solitario y tuvo su estreno
mundial en el 68th Locarno Film Festival.
Estudió cine en la Escola Livre de Cine. Sus películas
se han seleccionado en más de 150 festivales de
cine de todo el mundo, ganando premios, como
la Mención Especial del Jurado del Premio Illy en
la 45ª Quincena de Realizadores, Cannes 2013,
IndieLisboa, Cartagena, Glasgow y otros. Su primer
largometraje, Regresa el jueves, tuvo su estreno
mundial en la 25 FID Marseille.
Comunicador Social y Periodista de la Universidad
del Valle. Dirigió el cortometraje Simiente (2011),
que fue la base para su ópera prima La Sirga
(2012). Fue asistente de dirección de El vuelco
del cangrejo (2010). Actualmente desarrolla su
segundo largo, Sal.
Film director and video artist, specialized in Film and
Arts at the New York Film Academy and the Berlin
University of the Arts. He also studied a Masters Course
in Documentary Film at Pompeu Fabra University.
He has directed various short films, shown in museums
as well as international festivals. With his first feature
film, Costa de la muerte (Coast of Death), Lois won
the Locarno Leopard for Best Emerging Director.
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QUINTAL
Bruno graduated in Film Studies at PUCRS in 2008.
He co-directed the short films Quarto de Espera (2009),
selected for the Stockholm, Huelva and São Paulo
festivals, and Garry (2012), selected for the Havana and
Gramado festivals. The Roof Above Us (2015) is his first
individual short film and had its world premiere at the
68th Locarno Film Festival.
Studied Film at the Escola Livre de Cinema. His films
have been selected in more than 150 film festivals
around the world, winning awards such as the Special
Mention of the Jury of the 2013 Illy Award at the
45th Cannes Director’s Fortnight, as well as in the
IndieLisboa, Cartagena, and Glasgow festivals, amongst
others. His work Ela Volta na Quinta (She Comes Back
on Thursday), premiered at the 25th FID in Marseille.
NOITE SEM DISTÂNCIA
Vega holds adegree in Communication and Journalism
from the Universidad del Valle, Colombia. He directed
the short film Simiente (2011), which constituted the
basis for his first work La Sirga (2012). He was Assistant
Director on Oscar Ruiz Navia’s El Vuelco del Cangrejo
(Crab Trap - 2010). He is currently working on his
second feature film Sal.
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TARÁNTULA
TISURE
Brasil / Brazil
2015 -21 min – Digital
Venezuela
2015 – 12:51 min. - Digital
Chile
2015 - 22 min. – Digital
España / Spain
Idioma / Language Portugués con subtítulos en español e inglés – Portuguese
with Spanish and English subtitles Director Aly Muritiba, Marja Calafange
Productor / Producer Aly Muritiba, Antonio Junior, Marisa Merlo Guion
/ Screenplay Marja Calafagne, Aly Muritiba Editor Guilherme Delamuta
Fotografía / Photography Mauricio Vianna Baggio Reparto /
Cast Ana Clara Fisher, Giuly Biancato, Luma Domingues, Malu Zanetti
Contacto / Contact Grafo audiovisual, [email protected]
English subtitles Director Adrián Geyer Productor / Producer
Adrián Geyer Guion / Screenplay Proyecto JFS Editor Adrián Geyer,
Leandro Arvelo Fotografía / Photography Jesús Ayala Reparto /
Cast Alcione Guerrero, Daniel Isaac Contacto / Contact Adrián Geyer,
[email protected]
English subtitles Director Mijael Bustos Productor / Producer Iván
Nakouzi, Paul Kothé, Paulina Moya Guion / Screenplay Mijae Bustos
Editor Mijael Bustos Fotografía / Photography Álvaro Anguita
Contacto / Contact Iván Nakouzi, [email protected]
English subtitles Director Ian Garrido Productor / Producer Ariadna
Terribas, Raúl Arranz Guion / Screenplay Ian Garrido Editor Mireia
Sánchez Fotografía / Photography Sandra Formatger Reparto / Cast
Alba Martínez, Shei Benzidour, Yolanda Cruz, Roser Tapias Contacto /
Contact Marvin&Wayne Short Film Distribution, [email protected]
Isa es una niña que juega con muñecas amputadas a las que, al igual que
ella, les falta la pierna derecha. El novio de su madre, quien también usa
una prótesis en su brazo izquierdo, le trae una prótesis ortopédica pero
la hermana mayor de Isa se disgusta profundamente con el regalo y
en la noche, mientras su madre duerme con él, convence a la pequeña
que debe ayudarla a eliminar el monstruo que le robó su pierna.
Una pareja vive en la soledad de un páramo andino. En la
inmensidad de la montaña, la distancia que los separa es inevitable
y aunque, se tienen el uno al otro, el amor entre ellos podría haberse
transformado en otra cosa. Una tragedia los aleja más y la muerte se
presenta como una opción tangible para vencer los obstáculos pero,
quizás, su perspectiva es errada.
La abuela, ya enferma de los pulmones, tuvo que abandonar su
propia casa debido al humo del cigarrillo consumido constantemente
por su hijo esquizofrénico y, el abuelo, debe encargarse tanto de
cuidar al hijo, como a su esposa dividiendo su tiempo entre dos
hogares. Mijael Bustos, en su doble condición de documentalista
y miembro de la familia, registra con respeto sus rutinas, silencios
y dolores, y un desenlace inesperado.
Víctor experimenta con su género porque no sabe si se siente hombre
o mujer. Vive en un pequeño pueblo pesquero de Almería junto a
su madre y tiene una novia que lo ama. Cuando viaja a la ciudad,
aprovecha el anonimato que esta le ofrece y descubre quién es.
Isa is a girl that plays with severed dolls whom, like her, are missing their right
leg. Her mother’s boyfriend, who uses a prosthetic left arm, brings her an
orthopedic prosthesis, but Isa’s older sister becomes profoundly upset with the
gift. At night, while the man is asleep with their mother, Isa’s sister convinces
the young one to help her eliminate the monster that has stolen her leg.
Ganador iFestival Award del Stockholm International Film Festival 2015
ALY MURITIBA
Director y guionista, ganador del premio Global
Filmmaking del Festival de Sundance de 2013 cpor
el guion de largometraje O Homem que matou a
minha amada morta y su cortometraje A Fábrica,
fue semifinalista a los Óscar de 2013.
Director and screenwriter, winner of the Global
Filmmaking Award at Sundance 2013 for the screenplay
of the feature film O Homem que Matou a Minha
Amada Morta (To My Beloved Dead). His short film
A Fábrica was a runner-up at the 2013 Oscars.
MARJA CALAFANGE
Especializada en Dirección de Arte, Cinematografía
y Dirección de escena. En 2010 dirigió su primer
corto, Ensaio Suíno y, en 2011, Cordero de Dios.
A TALE OF LOVE, MADNESS AND DEATH
A couple lives in the solitude of an Andean moor. In the immensity of the
mountain, the distance that separates them is inevitable and, although
they have each other, the love between them could have transformed
itself into something else. A tragic event pushes them further away, with
death presenting itself as a tangible option to overcome their obstacles,
but then maybe, their perspective is misguided.
VICTOR XX
UN CUENTO DE AMOR,
LOCURA Y MUERTE
In 2009 Mijael began his Film Studies major at UNIACC University
and wrote and directed La Última Escena, his first documentary
short film, in 2013.
The grandmother, now suffering from lung problem, has to abandon her
home because of the cigarette smoke of her chain-smoking schizophrenic
son. The grandfather must now take care of both his wife and son,
dividing his time between two households. Mijael Bustos, in his double
stance as documentary filmmaker and family member, respectfully records
their routines, silences and pains, as well as an unexpected outcome.
Winner, iFestival Award, Stockholm International Film Festival 2015
ADRIÁN GEYER
MIJAEL BUSTOS
IAN GARRIDO
Venezuela, 1986
Chile, 1991
España
Director y Comunicador Social. En 2012 produjo y
dirigió series para televisión, webseries y participó en
las películas Azul y no tan rosa ganadora del Goya
y Desde allá, ganadora del León de Oro de Venecia.
Actualmente dirige el Proyecto JFS.
En el 2009 ingresa a la carrera de Cine en la
Universidad –UNIACC- y en 2013 escribe y dirige La
Última escena, su primer cortometraje documental.
Estudió dirección cinematográfica en la ESCAC.
Víctor XX fue estrenado en Cinefoundation, Cannes
en 2015 y ganó el tercer premio ex aequo.
In 2009 Mijael began his Film Studies major at
UNIACC University and wrote and directed La Última
Escena, his first documentary short film, in 2013.
Ian studied Cinematographic Direction at ESCAC.
Victor XX premiered at Cinéfondation, in Cannes 2015,
winning Third Prize ex aequo.
Director and graduate in Communication studies.
In 2012, he produced television and web series,
participating in the films Azul y No Tan Rosa, winner
of the Goya Award, and Desde Allá (From Afar),
winner of the Golden Lion at the Venice Film Festival.
He currently directs the JFS Project.
Specialized in Art Direction, Cinematography, and
Set Direction. In 2010 she directed her first short film
Ensaio Suíno, and in 2011, Cordero de Dios.
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GEMAS
GRÍMUR HÁKONARSON
Islandia / Iceland, 1977
Graduado en la Academia de Cine
y Arte Dramático en Praga en el
año 2004. Su proyecto de grado
Slavek the Shit (2004) ganó doce
premios en diferentes festivales.
El cortometraje, Wrestling (2007) tuvo
su estreno internacional en el Festival
de Cine de Locarno en 2007 y es
considerado uno de los más exitosos
cortometrajes de Islandia con más
de 25 premios en festivales de todo
el mundo. En 2010 estrena su ópera
prima Summerland y, en 2012 realiza
el documental A Pure Heart.
Hákonarson graduated from the
Academy of Film and the Performing
Arts in Prague in 2004. His degree
project Slavek the Shit (2004) won
12 awards at various festivals. His
short film, Wrestling (2007), made its
international debut at the Locarno Film
Festival in 2007 and is deemed one of
the most successful in its genre to come
out of Iceland, taking home more than
25 awards on the international festival
circuit. In 2010, he made his directorial
debut with Summerland and in 2012
made the documentary A Pure Heart.
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RAK TI KHON KAEN
RAMS
CEMETERY OF SPLENDOUR
Idioma / Language Islandés con subtítulos en español e inglés - Icelandic with Spanish and English subtitles
Director Grímur Hákonarson Productor / Producer Grímar Jónsson Guion / Screenplay Grímur
Hákonarson Editor Kristján Loðmfjörð Fotografía / Photography Sturla Brandth Grøvlen Reparto /
Cast Sigurður Sigurjónsson, Theodór Júlíusson, Charlotte Bøving, Jon Benonysson, Gunnar Jónsson
Contacto / Contact Interior XIII, Iga Harasimowicz, [email protected]
Idioma / Language Tailandés con subtítulos en español - Thai with Spanish subtitles Director Apichatpong
Weerasethakul Productor / Producer Keith Griffiths, Simon Field, Charles de Meaux, Michael Weber, Hans
Geißendörfer Guion / Screenplay Apichatpong Weerasethakul Editor Lee Chatametikool Fotografía /
Photography Diego García Reparto / Cast Jenjira Pongpas Widner, Jarinpattra Rueangram, Banlop Lomnoi
Contacto / Contact Sergi Steegmann, [email protected]
Los únicos puntos en que coinciden los
hermanos Gummi y Kiddi cuarenta años después
de no hablarse, son, el perro de uno de ellos que
les sirve de mensajero, la ancestral conexión
que tienen con sus respectivos rebaños de
carneros a los cuales se parecen y, el concurso
local que cada año premia al mejor carnero de
la región, que en su última versión y por un
escaso puntaje, gana el animal de Kiddi. Conel
orgullo herido y a escondidas, Gummi revisa por
qué fue ese, precisamente, el animal ganador
y le detecta una enfermedad tan contagiosa y
letal que las autoridades obligan al sacrificio
inmediato de todos los especímenes de la
zona, lo que significará para los hermanos la
desaparición de una raza que los ha acompañado
por generaciones, vital para el sustento familiar
y, porque, de manera simbólica, también
forma parte de su árbol genealógico. Gummi
acata parcialmente la orden mientras Kiddi se
niega, generando situaciones clandestinas e
inesperadamente absurdas que con gran humor,
amor y ternura irán restituyendo ese lazo de
hermandad que siempre estuvo allí.
Cemetery of Splendour es poesía hilvanada entre
los sueños y la supuesta realidad, una hecha de
miedo, de dolor y de tristeza, donde las almas
penan en busca de soluciones a acciones pasadas,
repetitivas y no resueltas. Dormir para siempre
y permanecer en ese plano donde no hay edad,
ni limitaciones físicas y poder evadir esa realidad.
En el pabellón de un hospital temporal reubicado
en una antigua escuela en cuya cancha de
fútbol se realizan excavaciones de lo que fuera
un posible cementerio real, postrados, varios
soldados reciben una novedosa terapia lumínica
para tratarles una inexplicable enfermedad del
sueño. A su edad y como ama de casa, Jenjira
dispone del tiempo para ser voluntaria y atender
a uno de los jóvenes y anónimos soldados a quien
nadie visita. Con paciencia y ternura lo acompaña
en el silencio de su estado y trata de entender
los dibujos y frases de su cuaderno, a la par que
lo unge con suaves masajes y, en medio de uno
ellos, despertará y establecerán una comunicación
que irá más allá de la corporeidad terrenal.
Apichatpong Weerasethakul también hace sentir
al espectador que su espíritu y su presencia están
allí: “Al igual que los que duermen en esta película,
me evito la enfermedad de la realidad, y juntos
nos refugiamos en los sueños de siempre”.
Con este, su segundo largometraje de ficción,
Grímur Hákonarson ganó el premio mejor
película Un Certain Regard en el Festival
de Cannes 2015.
Gummi and Kiddi are brothers, but haven’t spoken
for 40 years. The only things they still have in
common are a dog that runs messages for them,
their ancestral connection to their flocks of rams,
which they have come to resemble, and a regional
competition that awards the best ram of the year.
The previous year, it was Kiddi’s ram that won
by just a few points. His pride wounded, Gummi
secretly does some investigating to find out exactly
what it was that made Kiddi’s ram a winner
and discovers a contagious disease so deadly the
authorities immediately order the sacrifice of every
ram in the region. For the brothers, this implies the
extinction of a breed that is not only essential to the
family economy, but that they have been breeding
for generations—symbolically, it is part of their
genealogical tree. Gummi partially complies with the
order, but Kiddi’s refusal and subsequent clandestine
actions create absurd situations that, with great
humor and sensitivity, gradually revive the brotherly
love that was always there waiting to be rekindled.
Grímur Hákonarson won Best Motion Picture in the
Un Certain Regard section of Cannes last year with
this, his second fiction feature.
gems
gemas
Islandia / Dinamarca
Iceland / Denmark
2015 - 93 min.- DCP
CARNEROS
Cemetery of Splendour is a tapestry of poetry
woven together with dreams and an illusory reality
predominated by fear, pain and sadness, one where
troubled souls seek solutions to past actions, repeated
but not resolved. A reality that can only be avoided
by sleeping forever and remaining in that ageless
dimension free of physical limitations. In the ward
of a hospital temporarily relocated in an old school
with a soccer pitch where what is believed to have
been a royal cemetery is being excavated, some
soldiers are being treated for an inexplicable sleep
disorder with an innovative light therapy. Jenjira
is a housewife who has some free time on her hands
and who has volunteered to look after one of these
young, anonymous soldiers who receive no visitors.
She patiently accompanies him in his silent state
and tries to decipher the drawings and phrases
he has jotted down in his notebook. One day
while she is giving him a massage, he wakes
up and establishes communication with her that
transcends the earthly realm. Just like Apichatpong
Weerasethakul makes his spirit and presence felt
in the spectator. “Like those who sleep in this film,
I avoid the disease that is reality and together
we take refuge in our recurring dreams.”
Tailandia / Reino Unido / Francia /
Alemania / Malasia
Thailand / UK / France / Germany
/ Malaysia
APICHATPONG
WEERASETHAKUL
Tailandia / Thailand, 1970
Merecedor de numerosos premios,
entre ellos, la Palma de Oro del
Festival de Cannes en 2010 con Uncle
Boonmee. En 2004, Tropical Malady
ganó el Premio del Jurado en el mismo
festival, así como Blissfully Yours
recibió el premio Un Certain Regard
en 2002. Síndromes y un siglo (2006)
fue reconocida como una de las
mejores películas de la última década
y su primer largometraje, Mysterious
Object at Noon (2000), fue restaurado
recientemente por el World Cinema
Foundation de Martin Scorsese.
His films have earned him international
acclaim and countless awards, including
the Palme d’Or at Cannes in 2010
for Uncle Boonmee. In 2004, Tropical
Malady won the Cannes Jury Prize and
Blissfully Yours won the Un Certain
Regard section of the same festival in
2002. Síndromes y un siglo (2006)
was named one of the best films of the
last decade and his first feature film,
Mysterious Object at Noon (2000), was
recently restored by Martin Scorsese’s
World Cinema Foundation.
143
ATHINA RACHEL
TSANGARI
Grecia / Greece, 1966
Directora, guionista, productora y
actriz. Graduada en Literatura,maestra
en Estudios de Performance y en
Dirección de Cine de la Universidad
de Texas. Dirigió Attenberg (2010)
y Antes del anochecer (2013). Como
cofundadora de Haos Film, ha
producido las películas dirigidas por
Yorgos Lanthimos, Kinetta (2005),
Kynódontas (2009) y Alpes (2011). En
2013, coprodujo con Richard Linklater.
Antes de medianoche, en la que
también aparece como actriz.
Director, screenwriter, producer and
actress, Tsangari studied Literature.
She also holds a Master’s in
Performance Studies and in Film
Directing from the University of Texas.
Tsangari directed Attenberg (2010)
and Antes del anochecer (2013), and
as a co-founder of Haos Film, she has
produced the Yorgos Lanthimos films
Kinetta (2005), Kynódontas (2009) and
Alpes (2011). In 2013, she and Richard
Linklater co-produced Antes
de medianoche, in which she also acts.
144
CHRONIC
Idioma / Language Griego con subtítulos en inglés - Greek with English subtitles Director Athina Rachel
Tsangari Productor / Producer Maria Hatzakou, Athina Rachel Tsangari Guion / Screenplay Efthimis
Filippou, Athina Rachel Tsangari Editor Matt Johnson, Yorgos Mavropsaridis Fotografía / Photography
Christos Karamanis Reparto / Cast Yorgos Kentros, Panos Koronis, Vangelis Mourikis, Makis Papadimitriou,
Yorgos Pirpassopoulos, Sakis Rouvas, Yiannis Drakopoulos, Nikos Orfanos, Kostas Philippoglou Contacto /
Contact The Match Factory, Stanislav Danylyshyn, [email protected]
Idioma / Language Inglés con subtítulos en español - English with Spanish subtitles Director Michel Franco
Productor / Producer Gabriel Ripstein, Michel Franco, Moisés Zonana, Gina Kwon Guion / Screenplay
Michel Franco Editor Michel Franco, Julio C. Pérez IV Fotografía / Photography Yves Cape Reparto / Cast
Tim Roth, Sarah Sutherland, Robin Bartlett, Rachel Pickup, Michael Cristofer, David Dastmalchian, Betsie Tulloch,
Nailea Norvind Contacto / Contact Cinecolor, Armando Aguilar, [email protected]
A través del permanente juego de la comparación,
en una serie de desafíos que básicamente son
destrezas y donde brilla por su ausencia cualquier
habilidad intelectual, la directora griega Athina
Tsangari, elabora en Chevalier una incisiva sátira
sobre la masculinidad, la vanidad y sobre
los estereotipos más básicos de la condición
de los hombres como son la fortaleza, la
fertilidad y la virilidad. Seis amigos de diferentes
edades, pasan el fin de semana en un elegante
yate en medio del imponente mar y comienzan un
peculiar juego donde todo, hasta lo impensado,
será medido, como tomarse muestras de
sangre para determinar que los valores estén
correctos o, de manera inesperada, parodiar el
edulcorado éxito musical de los años 70, Lovin’
you. Hilarantes competencias y alianzas son
elevadas al absurdo en un tono tan grave,
ceremonial y definitivo, que involucran de
manera cómplice a quienes los observan para
que, también, hagan sus apuestas y determinen
cuál es el mejor, quien será entonces el honroso
portador del anillo con el sello del Caballero. ¿En qué momento la relación entre un enfermo
terminal y la persona que lo cuida sobrepasa
lo meramente clínico? ¿Cómo puede llegar a
ser tan intensa esa relación que desplace a los
propios seres queridos y un pequeño gesto puede
ser interpretado de la peor manera? David es
un veterano enfermero que atiende pacientes
en sus hogares, cuidadoso, todo lo hace perfecto,
incluso destinándoles parte de su propio tiempo
de descanso, evitándoles el dolor y en algunos
casos, acortando ese doloroso e infinito trecho
entre el principio y final del sufrimiento. Pero
esta dedicación, en extremo excesiva e invasiva,
invierte los roles llegando a convertirse en alguien
más cercano que los familiares, quienes por
ignorancia, desidia o incapacidad, dejan la dura
carga en sus manos mientras él, por su parte,
vive aislado en una soledad culposa, alejado
de su propia familia que también padece una
dolencia y un duelo que aún persiste entre
ellos. El actor inglés Tim Roth le da vida a este
enfermero mediante una actuación inquietante
que elabora minuciosamente y que persiste aún,
después de la última escena.
Ganadora del Premio a Mejor Película del Festival
de Cine de Londres 2015
Mención especial del Jurado, Festival
Internacional de Cine de Sarajevo 2015
In Chevalier, Greek director Athina Tsangari brings
us a biting satire on male vanity and the most
primitive of masculine stereotypes, such as strength,
fertility and virility. Six friends of different ages spend
the weekend at sea on a flashy yacht, where they
compete to see who is the best of the bunch.
The challenges consist of inane skills such as
parodying the Seventies hit Lovin’ You to the
unthinkable, like taking blood samples to see
who is in the best of health. These hilarious,
often absurd competitions are treated with such
gravity and ceremony that they turn the spectator
into an accomplice, inviting us to place our bets
and help decide who will have the honor of wearing
the chevalier ring. Winner of Best Motion Picture at the 2015 London
Film Festival
Jury Special Mention. Sarajevo International Film
Festival 2015
Chronic, estuvo nominada a la Palma de Oro y
fue ganadora de Mejor Guion en el Festival de
Cannes 2015
At what point does the relationship between
a terminally ill person and his caretaker overstep
the boundaries of the purely professional? David
is a veteran nurse who cares for patients in their own
homes. He is meticulous and dedicated, voluntarily
spending his free time with them and, in some cases,
even helping to expedite that painful and seemingly
endless period between the beginning and the end
of their suffering. But his devotion is extreme to the
point where it could be called invasive, supplanting
the patient’s loved ones, who, out of ignorance,
indifference or inability, leave him to shoulder the
burden, while he lives a lonely, guilt-ridden existence,
alienated from his own family that is also suffering
and dealing with unresolved grief. The English actor
Tim Roth gives a studied, unsettling performance as
David, whose power lingers on even after the final
credits have rolled.
Chronic was nominated for the Palme d’Or and won
Best Screenplay at Cannes in 2015
gems
gemas
Grecia
Greece
2015 – 99 min. – DCP
CHEVALIER
México / Francia
Mexico / France
MICHEL FRANCO
Director, guionista y productor.
Su largometraje Después de Lucía
(2012), ganó el premio a Mejor
Película en Un Certain Regard del
Festival de Cannes en 2012. Como
productor destacan 600 Millas
(2015) dirigida por Gabriel Ripstein
y ganadora a Mejor Ópera Prima
en el Festival de Berlín 2015,
y Desde Allá (2015), dirigida por
Lorenzo Vigas ganadora al León de
Oro en el Festival de Venecia 2015.
Director, screenwriter and producer
Michel Franco won Best Motion
Picture in the Un Certain Regard
section of Cannes in 2012 with his fiction
feature film Después de Lucía (2012).
As a producer, his filmography includes
Gabriel Ripstein’s 600 Millas (2015),
which won Best First Film at the 2015
Berlin Film Festival, and Lorenzo Vigas’
Desde Allá (2015), which won a Golden
Lion at the 2015 Venice Film Festival.
145
MIA MADRE
NO HOME MOVIE
Italia / Francia / Alemania
Italy / France / Germany
NANI MORETTI
Italia, Italy 1953
Director, actor, productor y guionista.
En su extensa filmografía, marcada
por la ironía y la agudeza de sus
comentarios políticos y sociales,
se destacan La messa è finita (1985),
Palombella rossa (1989), Caro diario
(1993), Aprile (1998), La habitación
del hijo (2001), ganadora de la Palma
de Oro en Cannes, Il Caimano (2006)
y Habemus Papam (2011). Director, actor, producer and
screenwriter Nani Moretti is known for
his irony and sharp social and political
commentary. His extensive filmography
includes La messa è finita (1985),
Palombella rossa (1989), Caro diario
(1993), Aprile (1998), La stanza del
figlio (2001), which won the Palme
d’Or at Cannes, Il Caimano (2006)
and Habemus Papam (2011). 146
Idioma / Language Italiano e inglés con subtítulos en español - Italian and English with Spanish subtitles
Director Nanni Moretti Productor / Producer Nanni Moretti, Domenico Procacci Guion / Screenplay
Nanni Moretti, Francesco Piccolo, Valia Santella Editor Clelio Benevento Fotografía / Photography
Arnaldo Catinari Reparto / Cast Margherita Buy, John Turturro, Giulia Lazzarini, Nanni Moretti, Beatrice
Mancini Contacto / Contact Elba McAllister [email protected]
Nanni Moretti vuelve en Mia Madre sobre dos
de los temas obsesivos que le han dado identidad
a su brillante filmografía: el cine dentro del cine
y los dilemas de la creación en medio de las
encrucijadas familiares y políticas. Esta vez
el protagonista no es el propio Moretti sino una
directora que durante las peripecias del rodaje de
una película social y políticamente comprometida,
experimenta el deterioro y muerte de su madre,
la imposibilidad de comunicarse con su hija
adolescente y las dificultades de la relación con
su pareja. El director italiano parte de situaciones
que él mismo vivió mientras dirigía Habemus
Papam y construye un melodrama intenso,
moderado por su característico humor. Un
caos desdoblado: el de cine y el de la vida, que
se miran de forma lúcida y desencantada pero
no exenta de serenidad. Moretti regresa también
a los terrenos que le valieron su Palma de Oro
en Cannes por La habitación del hijo: el desafío
de enfrentar la muerte de un ser querido y darle
un nuevo sentido a la vida que permanece.
In Mia Madre, Nanni Moretti returns to two
of the leitmotifs that unify his brilliant oeuvre as a
director: the film within the film and the difficulties
of creating in the midst of family and political crises.
This time the protagonist is not Moretti himself, but
a director who has to deal with the deteriorating
health and eventual death of her mother, problems
communicating with her teenage daughter and
relationship issues with her partner, all while trying
to shoot a socially and politically engaged film.
Based on his own experiences while directing
Habemus Papam, Moretti creates an intense
melodrama, lightened by his characteristic humor.
Like a two-way mirror, Mia Madre reflects the chaos
of filmmaking and life, which emulate each other
lucidly and aloofly, but not exempt from serenity.
Moretti also revisits a topic that won him the
Palme d’Or at Cannes for La stanza del figlio—
how to cope with the death of a loved one and
find a reason to go on living.
Idioma / Language Francés con subtítulos en español - French with Spanish subtitles Director Chantal
Akerman Productor / Producer Patrick Quinet, Serge Zeitoun, Chantal Akerman Guion / Screenplay
Chantal Akerman Editor Claire Atherton Fotografía / Photography Chantal Akerman Reparto / Cast
Natalia Akerman, Chantal Akerman Contacto / Contact Doc and Film International, Hannah Horner,
[email protected]
Chantal Akerman se ve a través de su madre,
una muy fuerte presencia en su obra y vida,
como un fantasma que mira los últimos vestigios
del hogar: “Esta película es sobre todas las cosas
de mi difunta madre. Acerca de esta mujer que
llegó a Bélgica en 1938, huyendo de Polonia,
los progromos y la violencia. Esta mujer, quien
solo ha visto el interior de su apartamento
en Bruselas. Es una película sobre un mundo
cambiante que mi madre no ve” y es, a la
vez también, el registro que anticipa para
la desaparecida directora, la pérdida de su
madre, de su hogar y de ella misma. Silencio
sobre silencio, y como en muchas de sus obras
precedentes, su rol no es el de la realizadora
tras una cámara, es más bien un silencioso
testigo de rutinas, de soledades, de preguntas
sin respuestas acerca de un doloroso pasado,
que expone lo no evidente para incitar a una
reflexión sobre lo filmado y lo no filmado,
sobre las distancias que separan y unen mediante
una amorosa mirada, donde ambas, lentamente,
se van desvaneciendo.
No Home Movie fue estrenada en el Festival de
Cine de Locarno, Suiza en agosto de 2015.
Chantal Akerman’s mother had a very strong
influence on the director’s life and work.
In No Home Movie, she sees herself through her,
like a ghost looking at the last vestiges of its home.
“This film is about my late mother, about that woman
who came to Belgium in 1938, fleeing the pogroms
and violence of Poland. This woman who has only
ever seen the inside of her apartment in Brussels. It’s
a film about a changing world my mother doesn’t
see”. Yet at the same time, it is one that anticipates
Ackerman’s loss of her mother, her home and herself.
As in many of her previous films, she is not merely a
director behind the camera, but a silent witness of
routines and unanswered questions about a painful
past that invites the spectator to read between the
lines, to peel away the layers of silence upon silence
and reflect upon what is shown on screen and that
which can only be intuited—distances in which the
protagonists are separated and joined by a loving
gaze into which both slowly fade.
No Home Movie premiered at the Locarno Film
Festival in Switzerland in August 2015.
gems
gemas
MY MOTHER
Francia / Bélgica
France / Belgium
2015 – 115 min. - Digital
CHANTAL AKERMAN
Bélgica, 1950 – Francia, 2015
Belgium, 1950 – France, 2015
Estudió en el Institut Supérieur des
Arts, du Spectacle et des Techniques
de Difusión – INSAS- en Bruselas
antes de emigrar a Nueva York. Su
filmografía abarca casi cuarenta
obras entre las que se destacan
los documentales Hôtel Monterey
(1972), News From Home (1977) y
Down There (2006) nominado a los
premios César; películas de ficción
Jeanne Dielman 23, quai du Commerce,
1080 Bruxelles (1975), A Couch in New
York (1996), The Captive (2000) y
Almayer’s Folly (2011).
Akerman studied at the Institut
Supérieur des Arts, du Spectacle et des
Techniques de Diffusion (INSAS) in
Brussels before emigrating to New York.
She has almost 40 films to her credit,
including the documentaries Hôtel
Monterey (1972), News From Home
(1977) and Down There (2006), which
was nominated for a César, and the
fiction features Jeanne Dielman 23, quai
du Commerce, 1080 Bruxelles (1975), A
Couch in New York (1996), The Captive
(2000) and Almayer’s Folly (2011).
147
RABIN, THE LAST DAY
TAKLUB
Israel
AMOS GITAI
Israel, 1950
Arquitecto, productor, guionista y
director. Entre su extensa obra se
encuentran largometrajes de ficción,
cortometrajes y documentales, entre
ellos, Bayit (1980), Esther (1986),
A House in Jerusalem (1998),
Kadosh (1999), Kippur (2000),
Kedma (2002), Free Zone (2005),
Disengagement (2007), Roses
à crédit (2010), Lullaby to My
Father (2012), Ana Arabia (2013)
y Tsili (2014). En 2000 recibió la
distinción Chevalier des Arts et des
Lettres por parte del gobierno francés.
Amos Gitai is an architect,
producer, screenwriter and director
with an extensive filmography of
fictional feature films, short films
and documentaries that include:
Bayit (1980), Esther (1986), A House
in Jerusalem (1998), Kadosh (1999),
Kippur (2000), Kedma (2002), Free
Zone (2005), Disengagement (2007),
Roses à crédit (2010), Lullaby to My
Father (2012), Ana Arabia (2013)
and Tsili (2014). In 2000, he was
presented with the Order of Chevalier
des Arts et des Lettres by the French
Ministry of Culture.
148
gems
gemas
TRAP
Idioma / Language Hebreo con subtítulos en español e inglés - Hebrew with Spanish and English subtitles
Director Amos Gitai Productor / Producer Amos Gitai, Cyril Colbeau-Justin, Jean Baptiste DuPont,
Sylvie Pialat, David Kessler, Laurent Truchot, Michael Tapuach, Francesco Di Silvio Guion / Screenplay
Amos Gitai, Marie-Jose Sanselme Editor Yuval Or Fotografía / Photography Eric Gautier Reparto / Cast
Yaël Abecassis, Ischac Hiskiya, Yariv Horowitz Contacto / Contact Indie Sales, [email protected]
Idioma / Language Filipino con subtítulos en español - Filipino with Spanish subtitles Director Brillante
Mendoza Productor / Producer Loreto F. Castillo Guion / Screenplay Mary Honeylyn Joy Alipio
Editor Kats Serraon Fotografía / Photography Odyssey Flores Reparto / Cast Nora Aunor, Julio Diaz,
Aaron Rivera, Rome Mallari, Shine Santos, Lou Veloso, Ruby Ruiz Contacto / Contact Sanam Madjedi,
[email protected]
Isaac Rabin murió el 4 de noviembre de 1995 y
con él, la más grande y arriesgada oportunidad de
restablecer la paz en un territorio ancestralmente
disputado. Paradójicamente fue asesinado por
un compatriota, en su propia tierra y, al terminar
una multitudinaria manifestación que celebraba
esa proximidad a un futuro de igualdad para
palestinos y judíos. Veinte años después,
Amos Gitai, ensambla magistralmente material
de archivo con intensas puestas en escena que
trascienden lo circunstancial y, va develando un
tenebroso trasfondo, aun no resuelto, en el que
se mezclaron los intereses de la extrema derecha,
oscuras prácticas rituales y la desidia premeditada
de las autoridades, junto con la manipulación de
un Antiguo Testamento reinterpretado por rabinos
y estudiantes integristas, fanáticos cabalistas,
colonos radicales y un considerable segmento
de la población. Plantea así, la inutilidad de su
muerte, la suspensión de los acuerdos de paz
tras décadas consecutivas de violencia y odio
que han ahondado sus grietas en el Medio
Oriente, quedando lejano el legado de un hombre
que aunque vivió todas las guerras, supo que el
único camino a seguir en situaciones de conflicto,
es afrontar paz. Las antiguas playas de pescadores y los
sobrevivientes de la región de Tacloban en
las islas Filipinas, quedaron después del 7 de
noviembre de 2013, como la continuación de
ese mar después de una gran tragedia, bañados
por el silencio sobrecogedor de la ausencia,
por lo restos, escombros y por partes de vidas
inidentificables que se extienden un kilómetro
adentro donde son pocas las casas que quedaron
en pie y comparten vecindario con gigantescos
buques, testigos de un surreal escenario dejado
por el devastador supertifón Haiyan. En medio
del sobrecogedor escenario, Brillante Mendoza
consagra una mirada de profundo respeto a los
miles de sobrevivientes que siguen allí, en medio
del dolor de la pérdida pero solidarios y tenaces
como Bebeth, que comparte su tiempo entre
ayudar a sus vecinos e identificar los restos de
sus hijos para darles la sepultura merecida. Como
Erwin y su hermano que protegen a su hermanita
ocultándole la muerte de sus padres o, quebrados
en la propia fe, como Larry en su viudez que ya
no puede cargar más esa cruz que le es relevada
para que pueda seguir adelante; todos juntos
emergiendo dignos, distintos pero vivos.
Isaac Rabin was assassinated on November 4, 1995.
With him died a very real hope of establishing
peace in a historically disputed land. Paradoxically,
he was murdered by a compatriot in his own
country at the end of a mass rally to celebrate
the proximity of a better, more egalitarian future
for Jews and Palestinians. Twenty years on,
Amos Gitai masterfully pieces together archive
footage and intense scenes that transcend the
circumstantial, gradually lifting the veil on a shady
and as yet untangled web of extreme right-wing
interests, obscure ritualistic practices and the
intentional procrastination of the authorities, further
complicated by a biased reinterpretation of the Old
Testament by rabbis and fundamentalist students,
kabbalist fanatics, radical settlers and a large sector
of society. The subsequent deferral of the peace
agreements after decades of hate and violence
that have left their scars on the Middle East would
seem to confirm the futility of Rabin’s death and
the fading into oblivion of the legacy of a man who
survived many wars, but who knew that the only way
forward in times of conflict is the path marked out
by peace. On November 8, 2013, the shores of Tacloban in
the Philippines where fishing boats used to bob were
gobbled up by the ocean. A hollow silence hovered
over the mass of rubble and unidentified human
body parts that stretched a kilometer inland to where
only a handful of houses still stood, sharing their
yards with enormous ships in the surreal landscape
created by the passage of the super typhoon Haiyan.
Brillante Mendoza takes a respectful look at the
thousands of survivors who chose to stay and deal
with their grief, united and tenacious despite their
losses. Survivors like Bebeth, who divides her time
between helping her neighbors and trying to identify
the remains of her children so she can give them
a decent burial; like Erwin and his brother, who try
to protect their little sister by concealing the death
of their parents from her; or Larry the widower whose
faith is tested, but who is finally relieved of the
burden of the cross he bears so he can move on.
They all emerge from the tragedy with their heads
held high, different people for it, but alive.
Filipinas
Philippines
2015 - 97 min.- Digital
BRILLANTE
MENDOZA
Filipinas / Philippines, 1960
Comenzó su vida en el cine de manera
tardía pero su debut con Masahista,
le hizo acreedor del Leopardo de Oro
en el Festival de Locarno 2005 y desde
entonces ha escrito, producido y
dirigido más de veinte películas entre
cortos, documentales y largometrajes,
algunos de ellos Foster Child (2007),
Serbis (2008), Kinatay (2009),
Cautiva (2012) y Sinapupunan (2012).
Es el primer filipino en ser condecorado
por el gobierno francés con la Orden
de Caballero de las Artes y las Letras.
Brillante Mendoza got off to a late
start as a filmmaker, but made a grand
entrance with Masahista, which won
a Golden Leopard at the 2005 Locarno
Film Festival. Since then, he has written,
produced and directed over 20 short
films, feature films and documentaries,
including Foster Child (2007), Serbis
(2008), Kinatay (2009), (2012) and
Sinapupunan (2012). He is the first
Filipino to be decorated with the Order
of Chevalier des Arts et des Lettres by the
French Ministry of Culture.
149
TAXI
NIE YIN NIANG
Irán / Iran
2015 - 82 min. - Digital
JAFAR PANAHI
Irán / Iran, 1960
Uno de los grandes y valientes
directores de Irán, que aun sigue
pagando su sentencia. Ganó
el León de Oro en el Festival
de Cine de Venecia de 2000 con
El círculo y, el Oso de Plata en el
Festival de Berlín de 2006 con
Offside. Dirigió El globo blanco (1995),
El espejo (1997), Carmesí oro (2003),
Esto no es una película (2011)
y La cortina cerrada (2013).
One of Iran’s greatest and most
courageous directors who is still doing
time for making films. Panahi won the
Golden Lion at the Venice Film Festival
in 2000 with The Circle and the Silver
Bear at Berlin in 2006 with Offside.
He also directed The White Balloon
(1995), The Mirror (1997), Crimson
Gold (2003), This Is Not A Film (2011)
and Closed Curtain (2013).
150
gems
gemas
THE ASSASSIN
Idioma / Language Persa con subtítulos en español e inglés - Persian with Spanish and english subtitles
Director Jafar Panahi Productor / Producer Jafar Panahi Film Production Guion / Screenplay Jafar Panahi
Contacto / Contact Celluloid Dreams, [email protected]
Idioma / Language Chino con subtítulos en español e inglés - Chinese with Spanish and English subtitles Director
Hou Hsiao-Hsien Productor / Producer Gou Tai-Chian Guion / Screenplay Hou Hsiao-Hsien, Chu Tien-Wen,
Hsieh Hai-Meng Editor Liao Ching-Sung, Pauline Huang Chih-Chia Fotografía / Photography Mark Lee PingBing Reparto / Cast Shu Qi, Chang Chen, Zhou Yun, Tsumabuki Satoshi, Juan Ching-Tian, Hsieh Hsin-Ying, Sheu
Fang-Yi Contacto / Contact Wild Bunch, Olpha Ben Salah, [email protected]
Prohibido hacer películas en veinte años,
dar entrevistas, viajar fuera del país y pagar seis
años de arresto domiciliario. Esta es la sentencia
al director Jafar Panahi por “hacer propaganda
contra el sistema” de su país, Irán, que él,
de manera perspicaz, discreta pero también
divertida nos muestra, rodando, literalmente,
desde un taxi en el que Panahi es el chofer,
por las calles de una moderna Teherán, donde
se siente la vitalidad en la cotidianeidad de sus
transeúntes hasta que aparece el primer velo
de la censura en las mujeres que pasan cubiertas
con el obligatorio chador. A medida que avanza,
suben y se bajan todo tipo de pasajeros que
comparten ruta, opiniones y situaciones, desde
la discusión extrema sobre la efectividad de la
sharia, las ejecuciones y el derecho a la vida, las
leyes que atropellan a las mujeres, el fanatismo
religioso, la censura sobre “el realismo sórdido”
que existe pero no se debe mostrar, como
también, un hermoso homenaje de parte de una
de sus últimas pasajeras “…para la gente del cine
porque en la gente del cine se puede confiar”.
Conflictos políticos y venganzas familiares se
mezclan en la China del siglo IX: Yinniang, una
asesina letal con dilemas morales, recibe la orden
de asesinar a su primo Tian J’ian, gobernador de
la provincia rebelde de Weibo. El narrador teje
paciente y elípticamente las intrigas de la corte
de Weibo en su lucha contra la autoridad central
china con el conflicto que Yinniang tiene con sus
obligaciones como asesina al servicio del Estado.
La película procede contraponiendo imágenes
contemplativas de enorme belleza pictórica
y densidad emocional con breves estallidos
violentos de artes marciales elegantemente
practicadas. Con este filme hipnótico y poderoso,
clásico y moderno al mismo tiempo y fiel a su
estilo misterioso y paciente, Hou Hsiao-Hsien
incursiona en el Wuxia, género de artes marciales
que tiene orígenes antiquísimos y que en el cine,
tras la revolución comunista de China, encontró
expansión en Taiwán y Hong Kong. Como en las
películas anteriores de este director, considerado
de forma unánime como un maestro de la
invención formal y narrativa, en The Assassin lo
privado y familiar cabalga con lo público en una
sofisticada visión de la Historia y de las historias.
Ganadora del el Oso de Oro y del Premio
FIPRESCI en el Festival Internacional de Cine
de Berlín 2015.
Iranian director Jafar Panahi was placed under
house arrest for six years, banned from making
films for 20, from giving interviews and leaving
the country, all for daring to “speak out against
the system”. Yet he manages to get around these
constraints by posing as a taxi driver and filming
his passengers. Through the cab window, we get
a glimpse of what appears to be a modern, vibrant
Teheran, until the women covered from head
to foot in their mandatory chadors remind us this
is a country where their rights are severely restricted.
All kinds of passengers share their opinions with
Panahi on everything from the effectiveness of the
sharia or Islamic law, the death penalty and the
right to life to religious fanaticism and censure
of the “sordid realism” that exists, but that no
one dares mention. One of his last passengers
makes a beautiful homage “…to the movie
people because movie people are to be trusted.”
Winner of the Golden Bear and the FIPRESCI
Prize at the 2015 Berlin Film Festival.
Premio a Mejor Director, Festival de Cine
de Cannes 2015.
Political strife meets family vendetta in ninth-century
China. Yinniang, a lethal assassin in the employment
of the Chinese authorities, is ordered to kill her cousin
Tian J’ian, governor of the rebel province of Weibo.
The intrigues of the court of Weibo as it wages a
battle against the central government are patiently
and elliptically interwoven with Yinniang’s moral
dilemma. Tranquil scenes of enormous pictorial
beauty and emotional depth are juxtaposed with
violent outbursts of wuxia, an ancient martial art
that has found increasing expression in Taiwanese
and Hong Kong cinema following the communist
revolution in China. Hypnotic and powerful, classic
yet at the same time modern, in The Assassin
Hou Hsiao-Hsien remains true to his patient,
mysterious style. Like his previous films, this one
is a sophisticated exploration of both the private
and public facets of his country’s history and the
characters’ stories by a director who is unanimously
deemed a maestro of formal and narrative invention.
Best Director at Cannes in 2015.
Taiwán
HOU HSIAO-HSIEN
Taiwán, 1947
Figura central de la “Nueva ola
taiwanesa”, dirigió y escribió
diecinueve largometrajes, además
de producir y actuar en varias de las
películas de sus compañeros de ruta.
Ha dirigido historias vinculadas a la
tormentosa de su país y revisiones
de grandes cineastas como Café
Lumière (2003), en homenaje a Ozu,
y una adaptación del clásico de Albert
Lamorisse en El vuelo del globo rojo
(2007). Ganó el León de Oro de
Venecia en 1989 con A City of Sadness.
A leading figure in the Taiwanese New
Wave movement, Hou Hsiao-Hsein has
written and directed 19 feature films
and produced and acted in several of his
peer’s films. He has directed films on
the stormy history of Taiwan, makeovers
like Café Lumière (2003) in homage to
Ozu, and an adaptation of the Albert
Lamorisse classic Le Ballon Rouge
(2007). In 1989, he won the Golden
Lion at Venice with A City of Sadness.
151
gemas
PEACE TO US IN
OUR DREAMS
Lituania / Francia / Rusia
Lithuania / France / Russia
2014-105 min.-Digital SHARUNAS BARTAS
Lituania / Lithuania, 1964
Uno de los más prominentes
directores de Lituania, ha dirigido
diez películas entre cortometrajes y
largometrajes, entre ellos Praejusios
dienos atminimui (1990), Trys dienos
(1991) Premio FIPRESCI y Mención
de Honor del Jurado Ecuménico en
el Festival de Berlín de 1992, Few of
Us (1996), The House (1997) y Eastern
Drift (2010).
One of Lithuania’s most acclaimed
directors, Sharunas Bartas has ten short
and feature films to his credit, including
Praejusios dienos atminimui (1990),Trys
dienos (1991), which won the FIPRESCI
Prize and received an Honorable
Mention from the Berlin Ecumenical
Jury in 1992, Few of Us (1996), The
House (1997) and Eastern Drift (2010).
152
LATINAMERICAN PREMIERE
Idioma / Language Lituano y ruso con subtítulos en inglés y en español - Lithuanian and Russian with English and
Spanish subtitles Director Sharunas Bartas Productor / Producer Jurga Dikciuviane Guion / Screenplay
Sharunas Bartas Editor Gintare Sokelyte Fotografía / Photography Eitvydas Doshkus Reparto / Cast
Sharunas Bartas, Lora Kmieliauskaite, Ina Marija Bartaite, Edvinas Goldsteinas,Eugenijus Barunovas, Aushra
Eitmontiene, Klaudia Korshunova Contacto / Contact NDM International Sales, [email protected]
Un tempo suspendido, como la misma ejecución
de una violinista que cesa intempestivamente su
interpretación porque al sentirse vacía, no puede
dar más de sí, reflejo de un momento de frágil
interiorización que coincide con la quietud del
paisaje de un bucólico campo de verano a donde
llega ella junto con el novio y la adolescente
hija de este, a pasar unos días envueltos en una
aparente calma cargada de los propios asuntos
sin resolver. Sharunas Bartas, el maestro de la
expresividad silenciosa y de la emocionalidad,
se interpreta y hace una reflexión como hombre
en las tres dimensiones que lo enlazan, consigo
mismo, con su amante y la relación entre ambos,
y como el padre que es dulcemente cuestionado
por una hija adolescente (su hija en la vida
real) respecto a la ausencia de él y de su madre
ya fallecida. Un momento de crisis en los que
habitan tanto la duda como la vulnerabilidad
producto de ella, la incógnita de lo que se espera
y se deja de esperar y esencialmente, la búsqueda
permanente de sentido que amorosamente
expresa el director y padre hacia su hija “…
durante toda la vida se busca, es una
búsqueda sin fin. ¿Qué podemos hacer?”
Time suspended, just as a violinist suddenly stops
playing because she feels empty and has nothing
more of herself to give. The echo of a fragile moment
of introspection that mirrors the tranquil countryside
where she, her lover and his teenage daughter have
come to spend the weekend. But under the apparent
calm simmer unresolved issues. Sharunas Bartas,
a maestro of silent expressivity and emotionality,
plays himself as he reflects on what links him to
his lover and himself as a man and a father who is
innocently questioned by his daughter (who happens
to be his daughter in real life) about his absence and
that of her dead mother. A time of crisis inhabited by
doubt and the vulnerability that comes with it, not
knowing what is around the corner, what we will
have to sacrifice. In short, the constant search for
meaning, as the director and father lovingly explains
to his daughter “…You search your whole life.
It’s an endless search. What can we do?”
nuevos creadores
EL PULSO DE LAS GENERACIONES VENIDERAS
El Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias ofrece esta sección a los nuevos
realizadores cinematográficos de Colombia y a sus trabajos producidos en el marco del
espacio académico. Tenerlos dentro del festival, es la oportunidad de sentir el pulso de las
generaciones venideras y, de crearles una plataforma de discusión en donde lo académico
discurra con la industria.
La selección de los cortometrajes para la competencia de Nuevos creadores implicó afrontar
el reto de ver más de ciento ochenta películas de estudiantes que están en la búsqueda de una
voz propia. Entonces ¿cómo fue seleccionar los catorce definitivos que están en esta edición
del FICCI? Escogimos trabajos propositivos, arriesgados desde la forma y desde el contenido,
pero sobre todo, coherentes en su discurso porque encontramos que tienen algo importante
para decir y que están en el camino para hacerlo de la mejor manera.
Una selección variada con obras íntimas y otras más generales, todas con una cuidadosa
observación del mundo actual. Un primer paso a nivel profesional que esperamos continúe
y se fortalezca en la solidez cinematográfica y en la pluralidad de formas y discursos.
Un espacio dispuesto para los universitarios dentro del Festival Internacional de Cine
de Cartagena de Indias –FICCI–, organizado en alianza con el programa de Extensión
de Educación Continua de la Pontificia Universidad Javeriana.
158
NEW TALENTS
THE PULSE OF FUTURE GENERATIONS
new talents
NUEVOS CREADORES
The Cartagena International Film Festival offers this section for new Colombian filmmakers and the
work they produced within an academic context. Including them in this festival provides us the opportunity
to feel the pulse of these future generations, as well as to create a platform of discussion for academia
and the film industry to dialogue.
The selection process for the short films in the New Talents Competition implied taking on the challenge
of watching more than 180 films made by students in search a voice of their own. So, what was it like to
select the fourteen final entries that made it to this edition of FICCI? We chose propositive works, that
were risk-taking in both their form and content, but above all, coherent in their discourse, as we found they
have something important to say and they are on the right path to achieve this in the best possible way.
A varied selection, with both intimate as well as more general works, all of them bearing witness of
a careful observation of today’s world. A first step in the professional world that, we hope, will move
forward and gain strength in cinematographic solidity and through a plurality of forms and discourses.
This open space for students within the International Film Festival of Cartagena (FICCI)
has been organized in alliance with the Extension of Continuing Education at the Pontificia Universidad
Javeriana.
159
BANIA
AGUA / WATER
Colombia / Cuba
Escuela Internacional de Cine y Televisión –
EICTV– / International School of Film
and Television
2015 – 27 min.- Digital
CANDELARIA HOT DOG
CIUTAT MERIDIANA
Colombia
Fundación Universitaria del Área Andina Diplomado en Dirección Cinematográfica,
Imaginando Nuestra Imagen –INI- / Diploma
in Film Directing - Imagining Our Image
Colombia / Estados Unidos
Instituto de Tecnología de Rochester Escuela de Cine y Animación / Rochester
Institute of Technology - School of Film
and Animation –SOFA–
2015 - 4:18 min.- Digital
Colombia / España
Universidad Autónoma de Barcelona
- UAB - Máster en Teoría y Práctica
del Documental Creativo / Master in Theory
and Practice of Creative Documentary
Idioma / Language Sin diálogos Director
Alexander Montoya Productor / Producer
Alexander Montoya Guion / Screenplay
Alexander Montoya Editor Alexander Montoya
Fotografía / Photography Manojh Reddy
Contacto / Contact Alexander Montoya,
[email protected]
Idioma / Language Español con subtítulos
en inglés - Spanish with English subtitles
Realización colectiva María Antonia
Duque Castellanos, Bally Valdiviezo, Maite
Redondo, Graciana Saccente, Alazne Vásquez
Editor Diana Toucedo Contacto / Contact
[email protected]
Idioma / Language Francés con subtítulos
en español - French with Spanish subtitles
Director Jose Ancines Productor /
Producer ESAV - CROUS - FSDIE Guion
/ Screenplay Jose Ancines Editor Jose
Ancines Fotografía / Photography Aida
Jara Reparto / Cast Emilie Foyard,Claire
Vissac Contacto / Contact Jose
Ancines, [email protected]
Un incansable perrito anda por las calles
de La Candelaria buscando comida. En el
camino se encuentra con un artista callejero
que intenta conseguir algo de dinero y, se
conocen de una manera tan inusual, que esto
cambiará sus vidas para siempre.
Ciutat Meridiana integra el paisaje y la
arquitectura de un barrio en la periferia
norte de Barcelona. Condensa la vida
cotidiana que transcurre frente a la cámara,
en un experimento post-observacional,
que va llenando el paisaje urbano con las
situaciones, comprimiendo las acciones
sucesivas en un mismo tiempo y espacio.
En un mundo en blanco y negro donde
los objetos de color son una hermosa
rareza, Clémentine cumple doce años y es
homenajeada con preciosos regalos por
parte de su familia. Uno de estos regalos la
guía hacia una puerta que abre un puente
hacia el universo paralelo de Violet. Como
resultado de este incidente, las dos niñas
forjan una inusual amistad en la cual se
rompe la barrera que divide sus realidades
y las une en la búsqueda de tesoros a color.
Pero este “inocente” juego, desencadena
una serie de eventos que terminan por traer
consecuencias inesperadas que cambiarán la
vida de ambas de forma definitiva.
en inglés - Spanish with English subtitles
Director Paula Murcia Restrepo Productor /
Producer Giselle Cruz Guion / Screenplay
Laura Conyedo, Lenia Delgado, Paula Murcia
Restrepo Editor Lenia Delgado Fotografía /
Photography Freidell Urbina Reparto / Cast
Maria Consuelo Garlobo, María Antonia Ginarte
Contacto / Contact Silvia Durán Molina,
[email protected]
Idioma / Language Êbera Eyabida con subtítulos
en español - Êbera Eyabida with Spanish
subtitles Director Mileidy Orozco Domicó,
Matías Arango Uribe Productor / Producer
Esteban Uribe Tabares Guion / Screenplay
Mileidy Orozco Domicó Editor Carlos Zapata
Mazo, Rossana Uribe, Matías Arango, Mileidy
Domicó Fotografía / Photography Rossana
Uribe Reparto / Cast Juan Carlos Jamioy,
Keratuma, Ivan Higuita Sucerquia, Rubiela
Carupia, Elmer y Alider Sapia, Yeinson Domicó,
Estefanía Suescún, Yamith Bailarín Contacto /
Contact [email protected]
Idioma / Language Español inglés con
subtítulos en inglés - Spanish with English subtitle
Director Juan José Castillejo Productor /
Producer Jean Jurado Guion / Screenplay
Jean Jurado, Juan José Castillejo Editor Andrés
Sotomayor Fotografía / Photography
Romel Amador Reparto Reparto / Cast
Mariana Motta Villazón, Marlen Clarissa
Cuadros, Leider Gutiérrez Contacto / Contact
Jean Jurado, [email protected]
En la Sierra Maestra, María Consuelo exige
que su hija María Antonia la releve en los
cuidados de tres ancianas y de su hermana
mayor que sufre retardo mental.
La decisión de la hija de abandonar la casa
para independizarse, genera un conflicto
entre ellas que revela sentimientos de
dependencia y culpa.
Karagabí crea el mundo y da vida
a los Emberas para dejarles un legado.
Martina vive a la orilla de una inmensa
ciénaga y, a sus once años, sueña con ser
pescadora como su padre pero todo parece
estar en su contra, hasta que un día decide
escapar de casa e irse a probar su valor.
In the Sierra Maestra, María Consuelo asks
her daughter to relieve her and take over the
responsibility of caring for three elderly women
and her older sister, who suffers from intellectual
disability. The daughter’s decision to leave
home and become independent generates
a conflict between them that will reveal
feelings of dependence and guilt.
160
Colombia
Universidad de Antioquia
2015 - 17:23 min. - Digital
Karagabí creates the world and brings life to
the Embera people, leaving them with a legacy.
CLÉMENTINE ET LES
SOULIERS ROUGES
CANCIÓN ANFIBIA
Martina lives on the shore of a vast wetland. At
eleven years of age, she dreams of becoming a
fisher like her father, but everything seems to be
going against her. Until, one day, she decides to
run away and test her courage.
A restless dog walks the streets of La Candelaria
in search of food. He runs into a street artist
who is trying to make some money. Their very
unusual encounter will change their lives forever.
Ciutat Meridiana conjugates the landscape
and architecture of the northern suburbs of
Barcelona. In a post-observational experiment
that fills the urban landscape with different
stories, it condenses day-to-day life as it unfolds
in front of the camera, as consecutive actions
converge in the same space and time.
CLEMENTINE Y LOS ZAPATOS ROJOS
CLEMENTINE AND THE RED SHOES
new talents
nuevos creadores
A POQUITO ES NOCHE
SOON IT WILL BE NIGHT
Colombia / Francia
École Supérieure d’audiovisuel –ESAV– /
Escuela Superior del Audiovisual
In a black and white world where colored objects
are a beautiful rarity, Clementine turns twelve
and is greeted with beautiful presents from
her family. One of these gifts leads her to a
door that opens onto a bridge and into Violet’s
parallel universe. As a result of this incident,
the two little girls forge an unusual friendship
that will tear down the barriers separating their
realities and unite them in a search for colorful
treasures. But this “innocent” game will unchain
a series of events that will result in unexpected
consequences.
161
THE BIZZANELLI’S CHIMERICAL SHOW
Colombia
Universidad del Magdalena - Programa
de Cine y Audiovisuales / Film and Audiovisual
ELLA LA NOCHE
MADRIGUERA
HER, THE NIGHT
THE DEN
Universidad del Cine
Colombia / Cuba
Escuela Internacional de Cine y
Televisión –EICTV– / International
School of Film and Television
PARALELA
SILENCIO ANTES
PARALLEL
THE SILENCE BEFORE
Colombia - Portugal - Hungría - Bélgica /
Portugal - Hungary - Belgium
DocNomads EMMC - Universidade Lusófona
2015 - 11:10 min.- Digital
Colombia
Universidad de Antioquia - Facultad
de Comunicaciones / Faculty of Communications
Universidad del Cine
2015 - 10 min. – Super-16mm
Idioma / Language Español con subtítulos en
inglés - Spanish with English subtitles Director
Omar E. Ospina Giraldo Productor /
Producer Rosa Sheinekan Castillo Guion /
Screenplay Omar E. Ospina Giraldo Editor
Jose Ancines Fotografía / Photography
Yosimar Ospino Reparto / Cast Omar E.
Ospina Giraldo , Andrea Echeverry, Miguel
Beleño, Hernando Giraldo, Manuel Ospina
Contacto / Contact Omar E. Ospina Giraldo,
[email protected]
en español - Spanish with English subtitles
Director Hans Dieter Fresen Productor
/ Producer Simón Vélez, Paula Orlando
Guion / Screenplay Hans Dieter Fresen
Editor Juan Sebastián Quebrada Fotografía
/ Photography Nicolás Gutiérrez Reparto
/ Cast Esteban Bigliardi, Sofía Brito, Ignacio
Lanzuttin Contacto / Contact Hans Dieter
Fresen, [email protected]
Laura Plaza Productor / Producer Marco
Olmos Guion / Screenplay Laura Plaza y
Laura Conyedo Editor Arturo Peña Fotografía
/ Photography Vladimir Barberán Reparto /
Cast Alexander Guerrero, Malu Tarrau, Freddy
Maragoto Contacto / Contact Silvia Durán
Molina, [email protected]
Idioma / Language Portugués con subtítulos
en español - Portuguese with Spanish subtitles
Director Atsushi Kuwayama, Anna M. Silva
Productor / Producer DocNomads
EMMC Editor Atsushi Kuwayama, Anna M.
Silva Fotografía / Photography Atsushi
Kuwayama, Anna M. Silva Reparto / Cast
Olivia Fernandez Ariera Contacto / Contact
Anna M. Silva, [email protected]
Heider Vargas Productor / Producer Manuel
Zuluaga Guion / Screenplay Heider Vargas
Editor Jason Castrillón Reparto / Cast Heider
Vargas, Sammir Flórez, Jeison Vargas, Brayan
Castrillón, Julián Muñoz, Tomás Ramírez, Jeison
Perea y Carlos Herazo Contacto / Contact
Manuel Zuluaga, [email protected]
Mercedes Gaviria Productor / Producer
María Florencia Palombo Guion / Screenplay
Mercedes Gaviria Editor Laura Valderrama
Fotografía / Photography Mauricio Reyes
Serrano Reparto / Cast Fernando Acosta,
Marisa Grieber, Pablo Toporosi Contacto /
Los Bizzanelli, una excéntrica familia,
conviven en una estrecha pero particular
habitación. Ellos se preparan para
presentar su habitual espectáculo, pero ese
show, no es más que el propio drama que a
diario viven como artistas.
Agustina tiene 27 años y deambula extasiada
en medio de una fiesta electrónica. A la
madrugada, vuelve a su casa, duerme un
poco y luego se va a dar una vuelta por el
parque. Allí juega al fútbol con Martín y
luego conoce a su padre, Pablo. Ella seduce
tanto al padre como al pequeño hijo y los
tres pasan la tarde jugando y divirtiéndose.
Pablo y Agustina se enamoran, o juegan a
enamorarse, empujando la fantasía idílica del
amor a primera vista hasta donde se pueda. En un pueblo abandonado azotado por
la violencia, vive Sergio, un niño de ocho
años, inteligente y de mucha imaginación.
Mariana, su hermana mayor, intenta
protegerlo impidiéndole salir de la casa,
además cuida a Papá, quien padece una
enfermedad terminal. Sergio fantasea con
salir al exterior desconociendo el peligro
que esto representa para él y su familia.
Al quedarse sin provisiones, Mariana se ve
obligada a salir dejándolo solo a cargo de
Papá. Sergio, aprovechando que Mariana
no está, sale al encuentro de este mundo
desconocido y descubre que la realidad
no es como la imaginaba.
zIn an abandoned village ravaged by violence
lives Sergio, a bright and imaginative 8 year-old
boy. Mariana, his older sister, tries to protect
him by preventing him from going out, while
she also takes care of Dad, who suffers from
a terminal disease. Sergio dreams of going
outside, unaware of the danger that represents.
As she runs out of food, Mariana is forced to
leave the house, leaving Sergio alone in charge
of Dad. In Mariana’s absence, Sergio runs off
into this unknown world, only to discover that
reality is not quite what he had imagined.
Olivia es una humilde y hermosa mujer del
norte de Portugal donde sus días transcurren
en la casa donde solía tener un ajetreado
restaurante. A su vida vuelven con frecuencia
las historias pasadas. Pero 87 años de una
vida dura no logran desdibujar su fuerza,
que brilla en cada uno de sus movimientos.
Ante la amenaza de muerte a mi hermano
menor, yo, Heider Vargas, reconozco y
reflexiono sobre la inminencia de enfrentarse
a la muerte y a la vida misma en un barrio
afectado por las problemáticas sociales
de la ciudad de Medellín. Al final de la tarde, dos cuerpos sin vida
flotan en la orilla de la laguna. A través
de objetos misteriosamente concretos,
que indican intenciones, ellos han quedado
congelados en el gesto invisible de los que
ya no están aquí. In the face of the death threat that my brother
received, I, Heider Vargas, acknowledge and
reflect upon the urgency of facing death as well
as life itself in a neighborhood affected by the
social challenges of the city of Medellin.
Late one afternoon, two bodies float lifeless
on the edge of a lake. Mysteriously concrete
objects reveal intentions, they have been
frozen in the invisible gestures of those who
are no longer with us.
The eccentric Bizzanelli family lives in a tiny
and peculiar room. They prepare for the
presentation of their routine show, but the
actual performance is none other than the daily
drama of their lives as artists.
Agustina is 27 and wanders in ecstasy in the
midst of a rave. She goes home at dawn and
sleeps for a bit before going out for a walk in the
park, where she plays soccer with Martin and
meets his father, Pablo. She seduces both father
and son, and the three spend the afternoon
playing and having fun. Pablo and Agustina fall
in love, or play falling in love, pushing the idyllic
fantasy of love-at-first-sight as far as possible.
162
OLIVIA
Olivia is a humble, beautiful woman from
northern Portugal, where she spends her days
in the house where she used to run a busy
restaurant. Old stories from the past often cross
her mind. But 87 years of a hard life cannot
efface her strength, which shines in each of her
movements.
new talents
nuevos creadores
EL QUIMÉRICO ESPECTÁCULO
DE LOS BIZZANELLI
163
CALARTS
TEIKO
VÍTREO
Colombia
Universidad Nacional de Colombia Facultad de Artes - Escuela de Cine y Televisión /
School of Cinema and Television
164
Colombia
Universidad de Medellín Facultad de Comunicación y Lenguajes
Audiovisuales / School of Communication
and Audiovisual Languages
2015 - 15:33 min. - Digital
en español • Spanish with English subtitles
Director Daniel Ochoa Productor /
Producer Sara Bautista Guion / Screenplay
Daniel Ochoa Editor Juan La Rota Fotografía
/ Photography Andrés Carrillo Reparto
/ Cast Camila Valenzuela, Marco Villarreal,
Tanilo Errázuriz, Carlota Cuéllar, Antonia Cuéllar
Contacto / Contact Daniel Ochoa
[email protected]
Idioma / Language Español • Spanish
Director Juan Pablo Areiza Agudelo
Productor / Producer Lina María Sierra
Penagos Guion / Screenplay Juan Pablo
Areiza Agudelo Editor Alejandro Jiménez
Trujillo Fotografía / Photography Simón
Restrepo Palacio Contacto / Contact Lina
María Sierra Penagos, [email protected]
Un hombre abandona su entorno para morir
en las montañas de Los Andes ante la mirada
de dos niñas y un rebaño de vacas. En el
funeral, su amigo y su novia, reconfiguran
su relación mientras recuerdan los últimos
momentos y espacios que habitaron juntos.
Sinfonía audiovisual que explora la ciudad de
Medellín a través de las diferentes atmósferas
que deja traslucir el vidrio como elemento
presente en la cotidianidad, planteando por
medio de una analogía visual y situaciones de
la urbe, una reflexión sobre el uso del mismo.
A man leaves his land to die in the Andes in
front of two little girls and a herd of cows.
During his funeral, a friend and his girlfriend
reconfigure their relationship as they reminisce
on the last moments and spaces they shared
together.
An audiovisual symphony explores the city of
Medellin through different atmospheres, where
glass appears as an element of everyday life.
Through visual analogy and urban situations,
this film proposes a reflection on the use of this
material.
SELECCIÓN ESPECIAL DEL CALIFORNIA
INSTITUTE OF THE ARTS -CALARTS-
new talents
nuevos creadores
VITREOUS
Excelencia creativa, reflexión crítica, desarrollo de formas y nuevas expresiones que
exploran caminos más allá de los límites convencionales, es lo que veremos en la
muestra de doce cortos del reconocido California Institute of the Arts -CalArts- de
Estados Unidos, invitados especiales del FICCI 56 a esta sección de Nuevos creadores.
SPECIAL SELECTION FROM THE CALIFORNIA
INSTITUTE OF THE ARTS -CALARTSCreative excellence, critical reflection, and the development of new forms of expression
that explore paths beyond conventional frontiers, is what we will see in the twelve short
films from the acclaimed California Institute of the Arts -CalArts- from the United States,
special guests of the New Talents section of FICCI 56.
165
IDEAS ARE THAT GRAND
AVE DEL PARAÍSO
BOLÉRO DE RIA
BIRD OF PARADISE
RIA´S BOLERO
CATATUMBO
SONIDOS DE UN
CUERPO HABLANTE
EL DELIRIO DEL PEZ LEÓN
LIONFISH DELUSION
CLANGS FOR THE SPEAKING BODY
2014 – 5:10 min.- Digital
2014 – 3:11 min. – Digital
Estados Unidos / Venezuela
United States / Venezuela
2013 - 3:32 min. - Digital
Idioma / Language Language Español con
subtítulos en inglés - Spanish with English
subtitles Director Quique Rivera Rivera
Productor / Producer Quique Rivera
Rivera Guion / Screenplay René Pérez Joglar
Editor Quique Rivera Rivera Fotografía /
Photography Quique Rivera Rivera Reparto
/ Cast René Pérez Joglar Contacto / Contact
[email protected]
Rigel Yaluk Mosquera Productor / Producer
Rigel Yaluk Mosquera Guion / Screenplay
Rigel Yaluk Mosquera Editor Rigel Yaluk
Mosquera Fotografía / Photography
Rigel Yaluk Mosquera Contacto / Contact
[email protected]
Patricia Galvis Assmus Productor / Producer
Patricia Galvis Assmus Editor Patricia Galvis
Assmus Reparto / Cast Ria Bailey Galvis,
Lead Dancer, Luis Montero Contacto /
Idioma / Language Inglés - English Director
Edgar Jorge-Baralt Productor / Producer
Edgar Jorge-Baralt Editor Edgar Jorge-Baralt
Fotografía / Photography Fotografía
Found footage Contacto / Contact
[email protected]
Director Angela Stempel Productor /
Producer Angela Stempel Editor Angela
Stempel Contacto / Contact angela.
[email protected]
Quique Rivera Rivera Productor / Producer
Quique Rivera Rivera Guion / Screenplay
Quique Rivera Rivera Editor Quique Rivera
Rivera Fotografía / Photography Quique
Rivera Rivera Contacto / Contact contact@
quiquerivera.com
En algún momento en el futuro, un anciano,
equipado con los beneficios de la evolución,
sobrevivió a la extinción de todos los demás
seres vivos. Un solitario mundo para alguien
incapaz de morir.
Una guerrera encuentra la paz en una ciudad
desgarrada por la guerra.
Esta película experimental de animación
celebra lo que se puede compartir a través
de la música, de la danza y de la imagen. El
dramático y fascinante Bolero de Maurice
Ravel es compuesto por medio de una
melodía diatónica mezclada con elementos
del jazz. De la misma manera, mi trabajo
sigue su interés en reinventar movimientos
de danza. Boléro de Ria reinterpreta la
sutileza del bailarín, el drama del pulso
orquestal y la emoción que le imprime la
música misma. Fue concebida como película
muda para ser proyectada en una fachada
sobre tres paneles de setenta a ochenta
metros de ancho.
Haciendo uso de material encontrado en
la web, Catatumbo invoca una experiencia
audiovisual del fenómeno meteorológico
conocido como El Relámpago del Catatumbo,
el cual ilumina las noches sobre el lago de
Maracaibo en el occidente venezolano.
Inspirado en la nomenclatura coreográfica
llamada Labanotation, Sonidos de un cuerpo
hablante muestra variaciones de texturas y
las relaciones entre el sonido y el movimiento
que se presentan a la audiencia para ser
descubiertas.
Inspirado en la plaga del pez león, este corto
narra una historia sobre codicia y jerarquía en
los arrecifes caribeños.
Making use of web found material, Catatumbo
invokes an audiovisual experience of the
meteorological phenomenon known as
Catatumbo’ Flash of Lightning (El Relámpago
del Catatumbo), which lights up the nights over
Lake Maracaibo in Western Venezuela.
Inspired by the choreographic qualifications
of Labanotation, a range of textures and
relationships between sound and movement are
presented to the viewer for discovery and play.
Sometime in the future, an old man equipped
with the benefits of evolution survived the
extinction of all other living beings. A solitary
world for someone who is unable to die.
A warrior woman finds peace in a war-torn city.
2015 - 2:03 min. – Digital
new talents
nuevos creadores
ASÍ DE GRANDES
SON LAS IDEAS
Puerto Rico / Estados Unidos / Puerto Rico
Puerto Rico / United States
Inspired by the Lionfish plague, this underwater
neo-noir tells a story about greed and hierarchy
in the Caribbean reefs.
This experimental animation celebrates what is
shared by music, dance and the visual image.
Maurice Ravel’s dramatic and alluring Bolero,
is composed using a diatonic melody that is
fused with jazz elements. My work parallels his
interest in reinventing dance movements. Boléro
de Ria reinterprets the dancer’s finesse, the
drama of orchestral beat and the emotion that
the music itself instills. It was created to screen
silent, projected on a façade with each of three
panels 70-80 meters wide.
166
167
SAL VIJUA
STEVE POLYESTER
nuevos creadores
TÓXICO
MÁQUINAS DE AÑORANZAS
VENTANAS DE NOCHE
TOXIC
WIND UP MEMORIES
WINDOWS BY NIGHT
2015- 8:30 min. Digital
Estados Unidos / Colombia
United States / Colombia
(Formato original 16 mm)
2015 - 4:04 min. – Digital
2015 – 5:35 min. – Digital
2012 - 12:07 min. – Digital
Estados Unidos / Argentina
United States / Argentina
Idioma / Language Inglés con subtítulos
en español - English with Spanish subtitles
Director Andrés Pineros, Damanuel
Richardson Productor / Producer CalArts
Guion / Screenplay Michel Radford Editor
Andrés Pineros Fotografía / Photography
Andrés Pineros Reparto / Cast Liu Li Zi, Xin
Yi Bao Contacto / Contact Andrés Pineros,
[email protected]
Patricia Galvis Assmus Productor / Producer
Patricia Galvis Assmus Editor Patricia Galvis
Assmus Contacto / Contact chibchacine@
live.com
Angela Stempel Productor / Producer Angela
Stempel Editor Angela Stempel Contacto /
Patricia Luna Productor / Producer Patricia
Luna Guion / Screenplay Patricia Luna
inspirada en la novela Ruido Blanco de Don
DeLillo Editor Patricia Luna Fotografía /
Photography Patricia Luna Reparto / Cast
Mike Nason, Marie Claire García, Maggie
Corona-Goldstein, Alec Sarkisov Contacto /
Adriana Copete Productor / Producer
Adriana Copete Guion / Screenplay Adriana
Copete Editor Juan Gabriel Olarte Fotografía
/ Photography Adriana Copete Reparto
/ Cast Guillermo Trujillo, Luisa Montoya
Contacto / Contact [email protected]
Luciano Piazza Productor / Producer
Luciano Piazza Guion / Screenplay Luciano
Piazza Editor Luciano Piazza Fotografía /
Photography Luciano Piazza Contacto /
Adaptación de una escena de tortura en la
que un hombre que cuestiona la libertad del
ser humano, se ve obligado a arrastrarse para
obtener un vaso de agua.
Documental experimental de animación
que explora los negocios de la época de la
precolonización y actuales, centrándose
en lo que ha sido y es la Catedral de Sal de
Zipaquirá, Colombia.
Una chica busca al mítico héroe local, Steve
Polyester. ¿Lo encontrará? ¿Acaso existe
realmente? Un video sobre la canción Steve
Polyester de la banda Ava Luna, grabada para
su segundo álbum Infinite House.
Una pequeña niña busca las memorias de su
abuelo entre polvorientas máquinas y cajas
arrumadas olvidadas en el ático. A través de
los rieles del tren, ella entreteje las historias
del abuelo.
Sal Vijua – an experimental animated
documentary that explores pre-colonization
and current affairs, focusing on what has
become and is the Salt Cathedral of Zipaquira,
Colombia.
A girl seeks out the mythical town hero. Will
she find him? Does he even exist? The official
musical video for Ava Luna’s song “Steve
Polyester” recorded for her second album
“Infinite House.”
Una misteriosa nube tóxica amarillenta
obliga al Profesor H., y su familia a huir de su
hogar en búsqueda de refugio. Al llegar allí,
cada miembro de la familia se enfrenta a la
situación de alarma a su manera a excepción
del Profesor H., que está consciente de
su situación de riesgo. Pierde el control
gradualmente al darse cuenta que no puede
confiar o depender de nadie. Al final, nadie
muere. Hubo desinformación acerca de las
causas y consecuencias del fenómeno. Todos
vuelven a sus casas pero algo cambia en la
estructura familiar.
Una obra que explora las cualidades
cinematográficas de las ventanas de las
ciudades, contempladas como pequeñas
pantallas que proyectan una performance a
la vez íntima y pública. Al cerrarlas hemos
decidido que lo que ocurrirá en el interior
no es pertinente para el exterior, o viceversa.
Lo que no necesariamente implica que una
ventana sin cortinas sea un espacio público.
Adaptation of a torture scene in which a man
who questions the freedom of human beings, is
forced to crawl to get a glass of water.
Professor H’s family is looking for shelter from
the unexpected spread of a mysterious toxic
cloud when they run out of gas. When they
reach the shelter, each family member copes
with the situation of disaster in their own way
except Professor H who isn’t really in control
anymore. In fact, those that he relied on aren’t
really of any help. Nobody dies at the end.
There was disinformation. People return to their
homes but something isn’t exactly the same in
the family hierarchy. What is a family, but a
representation of a broader sense of society?
168
A little girl looks for her grandpa`s memories
though boxes full of dust and old machines that
have been forgotten in the attic. Through her
grandpa`s train tracks she weaves through and
untangles the stories of her grandpa.
new talents
EL ULTIMO HOMBRE
LASTMAN
The act of opening and closing curtains would
seem to be directed by an eye conscious of
another eye. By closing the curtains, we have
decided that what happens in the interior is not
pertinent for the exterior, or vice versa. This does
not necessarily imply that a window without
curtains is a public space.
169
TRIBUTO
BRILLANTE MENDOZA
tributo brillante mendoza
Brillante Mendoza irrumpió en el cine mundial hace apenas una década, con una personalidad singular
y la potencia en la mirada de aquellos que, como si vinieran de un mundo extraño, ven las cosas por primera
vez. El director, nacido en Filipinas en 1960 y quien durante veinte años trabajó como diseñador de producción
y director de arte, venía a su vez cargado con las voces y susurros de la tradición. La prodigiosa acumulación
de personajes, lugares, objetos, fuerzas de la naturaleza, emociones, costumbres que pueblan sus películas
lo revelan como un agudo y compasivo observador de la vida, consciente de su lugar en ese universo y dotado
de las herramientas del artista para hacer comprensible –y hermoso– lo que en manos de otros serían un
amontonamiento de caos sin sentido.
Las películas de este director que estremeció al Festival de Locarno con su ópera prima Masahista (2005) y que
a partir de ahí ha recibido infinidad de premios y reconocimientos, son también hijas de tradiciones fílmicas que
nacen de la fuente común del realismo (neorrealismo, cinéma vérité) como actitud ante la vida y su representación
artística. Aunque se desprendan de ese tronco principal, sus películas, no obstante, parecen inventarse en el acto
y generarse con milagrosa espontaneidad ante nuestros ojos. Es como si la vida, con toda su extensión
y complejidad, naciera directamente de su cámara siempre inquieta y vagabunda, capaz de atravesar capas
de realidad hasta hacernos creer que el mundo filmado estaba allí esperando para ser revelado por su cine.
Aunque Mendoza es comúnmente asociado a los paisajes urbanos y a la orgánica sinuosidad de la vida en
la ciudad, algunas de sus películas como Kaleldo (2006), Manoro (2006) o Sinapupunan (2012), muestran
que el director está compenetrado con la naturaleza y sus fuerzas y tiene una comprensión casi panteísta del
universo. En eso, es visible su vínculo profundo con la historia, la cultura y la geografía de Filipinas, esa isla
que prolifera y se repite, ese mundo barroco que ante el asedio permanente de una naturaleza amenazante
reacciona acumulando, amontonando, estrechándose.
La habitación propia o el cálido e individualista intérieur burgués, son por completo ajenos a la concepción
del mundo que tiene Mendoza. En sus películas, la vida de sus personajes se despliega y adquiere sentido en
un magma comunitario: un club de masajes para clientes gays como en Masahista, un teatro devenido burdel
como en Serbis (2008), o en los entornos familiares de películas como Lola (2009), Sinapupunan o Kaleldo,
donde esa fantasía occidental de la familia nuclear es corregida y ampliada para admitir una multiplicación de
vínculos posibles. A unos ojos prevenidos esto le puede parecer miseria, suciedad, promiscuidad, desorden.
Mendoza cuestiona precisamente las representaciones ideológicas de la pobreza y el vampirismo mediático
de la miseria presentando con frecuencia, equipos de rodaje que como en el caso del que aparece en Lola,
registra la excepcionalidad etnográfica de la pobreza con una mirada normalizadora, que solo es capaz de
ver hechos aislados e imágenes emocional y políticamente manipuladoras, y no universos completos que
expliquen el contexto general en el que muchas formas de vida son legítimas.
Con una excepcional claridad política, el cine de Mendoza pone en tensión las ideas adquiridas de normalidad
y anormalidad, tradición y transgresión. Por eso, con plena conciencia de sus medios es capaz de ir más
allá de las imágenes “aceptables” representando sin miedo los muchos matices posibles de la sexualidad
y la violencia, hasta llegar, en casos como los de Kinatay (2009), a provocar verdaderas revulsiones en el
espectador normatizado. Pero a diferencia de tanto provocador gratuito, las transgresiones de Mendoza nacen
de una visión orgánica de la vida donde lo biológico y lo espiritual, lo material y lo místico están en igualdad
de condiciones ante sus ojos humildes y maravillados.
THE CINEMA OF BRILLANTE
MENDOZA: ALL POSSIBLE LIVES
Brillante Mendoza burst into the global film scene a mere decade ago, armed with a singular personality
and the piercing gaze of some otherworldly being seeing things for the first time. Born in the Philippines in
1960, he worked for 20 years as a production designer and art director, carrying on his back the weight of the
voices and whispers of tradition. The prodigious accumulation of characters, places, objects, forces of nature,
emotions, and traditions that populate his films reveal him to be a insightful and compassionate observer of
daily life, aware of his place in the universe and gifted with the tools that an artist needs to make something
comprehensible – and beautiful – out of what others would see as a senseless buildup of chaos.
brillante mendoza tribute
EL CINE DE BRILLANTE MENDOZA:
TODAS LAS VIDAS POSIBLES
Mendoza shook the Locarno Festival with his directorial debut, Masahista (2005), and has received countless
awards and recognitions ever since. His films are the products of cinematographic traditions that stem from
realism (neo-realism, cinéma vérité), which he uses as an attitude towards life and artistic representation.
Even though they may branch out, his films seem to be invented as they go, unfolding before our eyes with
miraculous spontaneity. It is as if life, in all its breadth and complexity, emerged directly from his wandering,
inquisitive camera, capable of piercing through the layers of reality until we believe that the world he filmed
was there since the beginning, waiting to be revealed in his films.
Although Mendoza is commonly associated with urban landscapes and the organic twists and turns of city life,
some of his films, such as Kaleldo (2006), Manoro (2006), or Sinapupunan (2012), show an intimate relation
with nature and its forces, and an almost pantheist vision of the universe. He clearly feels a deep bond with the
history, culture, and geography of the Philippines, those islands endlessly repeating themselves and proliferating,
those baroque worlds that react to nature’s permanent siege by accumulating, piling up, and squeezing
themselves together.
Private bedrooms and warm, individualistic intérieurs of the bourgeoisie are absolutely foreign to Mendoza’s
worldview. In his films, the lives of his characters unfold and gain meaning within the magma of community
life: a gay massage parlor in Masahista, a theater turned brothel in Serbis (2008), or the familiar environments
of films like Lola (2009), Sinapupunan, or Kaleldo, where the fantasy of the western nuclear family is corrected
and amplified so that it can host a multiplicity of different bonds. An untrained eye might see these things as
misery, filth, promiscuity, or disarray. It is precisely these ideological representations of poverty and the media’s
vampirism towards squalor that Mendoza calls into question. In films like Lola, for example, his film crew
captures the exceptional ethnography of poverty with a normalizing gaze that is only capable of recording
isolated incidents and emotionally and politically manipulative images, but not complete universes that
explain the general context in which many forms of life are legitimate.
Mendoza’s films are of exceptional political clarity and place tension on the acquired ideas of normalcy,
abnormality, tradition, and transgression. This is why he is fully aware of his resources and able to go beyond
“acceptable” images by fearlessly showing all the possible nuances of sexuality and violence, going as far as to
provoke feelings of revulsion in the mainstream viewer, as was the case with Kinatay (2009). But unlike so many
cheap provocateurs, Mendoza’s transgressions are born from an organic vision of life, where the biological and
the spiritual, the material and the mystical are in equal conditions before his marveled, humble eyes.
174
175
KALELDO
KINATAY
LOLA
Filipinas / Phillipines
2007 – 98 min.
2006 – 90 min
Filipinas / Francia- Philippines / France
Filipinas / Francia - Philippines / France
2009 – 110 min
Idioma / Language Tagalo con subtítulos en español - Tagalog with
Spanish subtitles Director Brillante Mendoza Productor / Producer
Rodel Nacianceno Guion / Screenplay Armando Lao Editor Kats
Serraon Fotografía / Photography Odyssey Flores Reparto / Cast
Coco Martin, Julio Diaz, Mercedes Cabral, Maria Isabel Lopez,
John Regala, Jhong Hilario
Idioma / Language Filipino y tagalo con subtítulos en español Filipino and Tagalog with Spanish subtitles Director Brillante Mendoza
Productor / Producer Ferdinand Lapuz Guion / Screenplay Linda
Casimiro Editor Kats Serraon Fotografía / Photography Odyssey
Flores Reparto / Cast Anita Linda, Rustica Carpio, Tanya Gomez, Jhon
Hilario, Ketchup Eusebio
Arduas polémicas rodearon a Kinatay, desde su estreno en la
selección oficial de Cannes 2009, donde Mendoza ganó el premio
a mejor director. El crudo realismo con el que esta película describe
el descenso a las tinieblas de su joven protagonista, pone a prueba
las certezas morales incluso del espectador más endurecido. Peping
es un estudiante de criminología, con una alegre novia y un hijo
recién nacido, a quien su compañero de clase, Abyong, invita a
participar en un “trabajo especial”. Un grupo de hombres secuestra
a una prostituta con el fin de obligarla a pagar “sus pecados”. Peping
se ve entonces en el centro de un horror que no puede evitar. Esta
noche, real y simbólica, que implicará para el protagonista su pérdida
de la inocencia, es seguida por una cámara inquisitiva e impaciente.
La imagen fragmentada y oscura se apoya en un envolvente trabajo
de sonido para dejar sin aliento al espectador. Kinatay es una
mirada perturbadora a la manera como pueden convivir inocencia
y brutalidad, banalidad cotidiana y maldad pura: una zona gris que
es difícil, pero necesario, reconocer.
Lola, en compañía de su nieto menor, enciende una vela en el sitio
donde su nieto mayor ha sido asesinado. En la primera parte, esta
abuela busca el dinero para el funeral en un conmovedor recorrido
por Manila, seguida por una cámara al hombro que capta la vibración
de una ciudad pobre, sucia y corrupta pero poblada de seres que
enfrentan su destino con total entereza. La aparición de la abuela del
presunto asesino le da al filme una dimensión inesperada. Las dos
lolas luchan con situaciones adversas que ni han escogido ni pueden
evitar. Mendoza no se limita a acompañarlas: cuestiona el cine de la
miseria a través de la inclusión del equipo de rodaje de un documental
que solo registra acciones aisladas, emocional y políticamente
manipuladoras. Su película, por el contrario, crea el universo completo
donde se despliegan las vidas de sus protagonistas, y muestra, con
un compromiso que tiene ecos de la estatura estética y moral del
neorrrealismo y el cinéma vérité, que estos personajes son mucho
más que las circunstancias que los apabullan.
Spanish subtitles Director Brillante Ma. Mendoza Productor /
Producer Jocelyn D. Bracamonte Guion / Screenplay Ralston Jover
Editor Charliebebs Gohetia Fotografía / Photography Odyssey Flores
Reparto / Cast Cherry Pie Picache, Eugene Domingo, Jiro Manio,Dan
Alvaro, Alwyn Uytingo, Kier Segundo
La familia que ha acogido al pequeño John John, de tres años,
y quien va a ser adoptado oficialmente por un rico matrimonio
estadounidense, se prepara para despedirse de él. Con esta premisa
simple pero poderosamente emotiva, Mendoza realiza un film
rodado en cinco días, en su mayor parte en barrios pobres de Manila,
de los cuales es capaz de captar su mágica singularidad y poesía.
Con un sofisticado uso de la cámara, el director documenta, sin
miserabilismo, un espacio donde conviven familias, trabajadores
sociales y todo un pequeño microcosmos lleno de energía e
intensidad. La trasposición de los códigos estilísticos y éticos del
neorrealismo y el cinema vérité se siente completamente natural,
como si esos personajes, esas casas humildes y estrechas y esas calles
sinuosas hubieran estado esperando al cine desde siempre. En este,
su cuarto largometraje como director, Mendoza muestra la progresiva
maduración de un estilo en donde el juego y la fantasía surgen
espontáneamente de las situaciones más extremas, para demostrar
sin grandes discursos que hay muchas maneras de vivir la vida.
The temporary Foster family of 3 year-old John John, who is about to
be officially adopted by a well-off American couple, is getting ready
to bid him fare well. Based on this simple but powerfully emotional
premise, Mendoza directed a film that was shot in five days, mostly
in poor neighborhoods of Manila that reveal their singular magic and
poetry. Thanks to a sophisticated photography far from miserablism, the
director documents a place where families, social workers and a whole
little microcosm of people live together, full of energy and intensity. The
transposition of the stylistic and ethical codes of neorealism and cinema
vérité feel totally natural, as if these characters in their narrow, humble
houses and meandering streets had been waiting forever to be finally
captured on film. In his fourth feature as a director, Mendoza displays the
gradual coming of age of a style in which fantasy and play spontaneously
spark from the most extreme situations, as if to show, without need for
a bombastic discourse, that there are many ways to live life.
SUMMER HEAT
Idioma / Language Inglés, filipino y tagalo con subtítulos en español
- English, Filipino and Tagalog with Spanish subtitles Director Brillante
Mendoza Productor / Producer Brillante Mendoza Guion /
Screenplay Botas Agbayani Pastor, Brillante Mendoza Editor Mark
Phillip Espina Fotografía / Photography Odyssey Flores Reparto /
Cast Johnny Delgado, Cherry Pie Picache, Angel Aquino, Juliana Palermo
Mendoza cuenta un ciclo de tiempo en la vida de Rodolfo, un tallador
de madera, y sus tres hijas: Grace, Lourdes y Jess, una década
después de la erupción del volcán Pinatubo, en la región filipina de
Pampanga. Kaleldo (verano en la lengua Pampango) está contada
en tres segmentos, cada uno desde el punto de vista de una de las
hijas, y con una fuerte presencia simbólica y material de la naturaleza.
Fuego, agua y aire; sangre, luna y tierra, como si cada uno de estos
elementos gobernara a los personajes y marcara su carácter y su
destino. El filme empieza y termina con un matrimonio, señalando
con este gesto la fuerza de las costumbres y las mentalidades y
la manera como, de lo comunitario, depende la continuidad de la
vida, allí donde está es permanentemente puesta en peligro por una
naturaleza amenazante. Mendoza muestra aquí, como en sus otras
películas, el poder de la norma y el valor de la transgresión y parece
querer decirnos que una y otra deben coexistir en sus justos límites,
para la salud del cuerpo social.
Mendoza shows a cycle in the life of Rodolfo, a wood carver, and his
three daughters, Grace, Lourdes, and Jess, a decade after the eruption
of Pinatubo volcano, in the Pampanga region of the Philippines. Kaleldo
(“summer” in the Pampango language) is told in three segments, each
one from the point of view of one of the daughters, against a symbolic
and material backdrop of nature. Fire, water, air, blood, the moon, and
the earth. Each of these elements govern the lives of the characters and
determine their personalities and their destinies. The film begins and ends
with a marriage, and this gesture shows the strength of tradition and
mentality, as well as the ways in which communities depend on them for
the continuation of life in a place where nature looms as an ever-present
threat. Mendoza shows here, as with his other movies, the power of norms
and the value of transgression, as if he wanted to tell us that both of these
things should coexist within reasonable limits for the well-being of society.
Mejor Director, Festival de Cine de Cannes 2009
Mejor Director, Sitges - Festival Internacional de Cinema Fantàstic
de Catalunya 2009
Kinatay has been surrounded by harsh controversy since it premiered as
part of the 2009 Cannes Film Festival official selection, winning Mendoza
the award for Best Director. The crude realism with which this film depicts
the young protagonist’s descent into darkness defies the moral certainties
of even the most hardened audiences. Peping, a criminology student with a
cheerful girlfriend and a newborn son, is invited by his classmate, Abyong,
to take part in a “special assignment”. A group of men kidnaps a prostitute
in order to force her to pay for “her sins”. Peping is then caught in the midst
of a horror he cannot escape. An inquisitive and impatient camera follows
the night, both real and symbolic, that will bring the protagonist to lose his
innocence. The dark, fragmented image is reinforced by an immersive sound
that will leave spectators breathless. Kinatay is a troubling look on how
innocence and brutality, everyday banality and pure evil, can coexist:
a gray area that is hard, but necessary, to acknowledge.
FOSTER CHILD
In the company of her younger grandson, Lola lights a candle in the place
where her older grandson was assassinated. In the first part of the film,
the grandmother touchingly wanders around Manila in search of the
money she needs for the funeral, followed by a hand-held camera that
captures the vibration of this poor, dirty and corrupt city, populated with
beings who face their destiny with fortitude.The appearance of another
grandmother, that of the suspected killer, gives the film an unexpected
turn. Both Lolas start facing adverse situations they have not sought
but that they cannot avoid. Mendoza not only follows them, but also
questions the cinema of misery through the participation of the crew of a
documentary that only registers isolated and politically and emotionally
manipulative actions. On the contrary, his film creates a whole universe
in which the lives of his characters unfold and, echoing the aesthetic and
moral stature of neorealism and cinema vérité, turn out to be much more
than the bewildering circumstances that surround them.
Best Director, 2009 Cannes Film Festival
Best Director, Sitges - Festival Internacional de Cinema Fantàstic
de Catalunya 2009
176
177
MASAHISTA
SAPI
SERBIS
2006 – 75 min
2005 – 80 min– Digital
2013– 100 min.
Filipinas / Francia- Philippines / France
2008 – 93 min
Idioma / Language Magatsi con subtítulos español - Magatsi with
Ferdinand Lapuz Guion / Screenplay Ralston Jover Editor Charlie Bebs
Gohetia Fotografía / Photography Brillante Mendoza Reparto / Cast
Jonalyn Ablong, Edgar Ablong
Idioma / Language Tagalo y Pampango con subtítulos español Tagalog and Pampango with Spanish subtitles Director Brillante Mendoza
Productor / Producer Marissa Cua Guion / Screenplay Boots
Agbayani Pastor Editor Nonoy Dadivas Fotografía / Photography
Timmy Jiménez, Monchie Redoble Reparto / Cast Timmy Jiménez,
Monchie Redoble
Larry Castillo Guion / Screenplay Henry Burgos Editor Kats Serraon
Fotografía / Photography Jeffrey Dela Cruz, Brillante Mendoza
Reparto / Cast Meryll Soriano, Baron Geisler, Dennis Trillo
Ferdinand Lapuz Guion / Screenplay Armando Lao Editor Claire VillaRea Fotografía / Photography Odyssey Flores Reparto / Cast Gina
Pareño, Jaclyn Jose, Julio Diaz, Coco Martin, Kristofer King, Dan Alvaro,
Mercedes Cabral, Roxanne Jordan
Manoro, el tercer largo de Mendoza, se encuentra a mitad de camino
entre el documental y la ficción. Con una sencillez de medios y de
intenciones que raya con lo didáctico, este film sobre el choque
cultural y generacional va imponiendo su fuerza y profundidad
gracias a su claridad política. Jonalyn, la joven de la minoría Aeta,
históricamente marginada en Filipinas, trata de enseñar a leer y
escribir a los suyos para que puedan hacer uso de su derecho al voto
en las próximas eleciones. El entusiasmo cívico de la chica, contrasta
con la indiferencia de su abuelo, quien tiene una relación inmediata
y natural con la vida. Mendoza, en cuyo cine hay una obsesión por
los espacios urbanos, las calles estrechas y el amontonamiento de
los personajes en espacios cerrados, por esta vez parece respirar
“aire puro” y buscar el contacto con las fuerzas de la naturaleza,
hasta llegar por la vía de algunos de sus personajes a una suerte de
panteísmo. Pero a la vez está el Mendoza de siempre con su cámara
inquieta y su profundo interés y compasión por todo lo que filma.
La ópera prima del director filipino ya contenía las claves que su
cine desarrollaría más adelante: ambientes marginales y sórdidos,
complejas relaciones familiares y afectivas, planos que confrontan
las representaciones habituales del cuerpo, la muerte y la sexualidad,
pero sobre todo un genuino interés por sus desorientados
personajes. En esta película, el realismo a veces provocador pero
siempre estilizado de Mendoza se pone al servicio de Iliaco, su
protagonista, un chico de veinte años que trabaja como masajista
en una sauna para clientes homosexuales. Al morir su padre, Ilíaco
debe emprender un viaje de regreso al hogar, donde lo asedian
las preguntas sobre el amor, la supervivencia y la familia. Además
de Iliaco, el director construye un compasivo retrato de los otros
personajes: hombres y mujeres de distintas edades, todos ellos
solitarios incluso en medio del ruido o la multitud que los rodea
y que buscan un lugar que se corresponda a sus sueños.
Una extensa familia vive en una sala de cine porno de su propiedad. Las
películas que se proyectan son heterosexuales pero el teatro es lugar de
encuentro para clientes y prostitutos homosexuales que tienen sexo en
los corredores, asientos y escaleras. Mientras tanto, la familia Pineda
sigue su vida: Nayda es la madre de un pequeño que monta su triciclo
en medio de hombres teniendo sexo oral, Nanay Flor es la matriarca
fuerte próxima a vérselas en la corte con su marido de quien se está
divorciando, y Merly -la novia del sensual proyeccionista Alan- acaba
de anunciar que está embarazada. Serbis (“servicio” en referencia a la
palabra que usan los prostitutos para ofrecerse a sus clientes) es una
película inmersa en el mundo del sexo, pero Mendoza no se conforma
con imágenes simplemente eróticas. Construye un universo bizarro y,
pleno de fantasía e imaginación. Con la desenvoltura de un maestro se
aproxima a los ires y venires de esta peculiar familia, y ofrece una lección
de convivencia en los límites de lo socialmente aceptable.
Manoro, Mendoza’s third feature, is a middle way between documentary
and fiction. This film about cultural and generational conflict, with its
simple resources and intentions that border on the didactic, imposes its
strength and depth thanks to its political clarity. Jonalyn, a young girl
from the Aeta minority, which has historically been maginalized in the
Philippines, tries to teach her people to read and write so that they can
vote in the next elections. The girl’s civic enthusiasm is contrasted with
the indifference expressed by her grandfather, who has an immediate and
natural relationship with life. Mendoza, whose movies show an obsession
with urban spaces, narrow streets, and crowds of people in tight spaces,
seems to be breathing “fresh air” this time around, as he looks to make
contact with the forces of nature and reach a sort of pantheism through
some of his characters. But at the same time, this is the same Mendoza as
always, with his restless camera and his profound interest and compassion
for everything he films.
The Filipino director’s opera prima already contained the keys to the
films he would later create: marginal and sordid environments, complex
family relationships, shots that challenge the conventional representations
of the body, death and sexuality, but above all, a genuine interest for
his confused characters. In this film, Mendoza’s sometimes provocative
but always stylish realism brings us Iliac, the protagonist, a twenty-yearold working as a masseur in a sauna for gay customers. At the death
of his father, Iliac decides to go home, where questions about love,
survival and family will besiege him. Besides Iliac, the director provides a
compassionate portrait of other characters: men and women of different
ages, lonely even while amidst noise and crowds surrounding them,
constantly seeking a place resembling their dreams.
Con Sapi, Brillante Mendoza incursiona de cabeza en el género de
terror, al que ya le había coqueteado en su anterior y demoledora
Kinatay. Y lo hace conservando el registro documental que gobierna
las aproximaciones neorrealistas de sus películas habituales.
A una cadena de televisión en debacle económica se le ocurre
enviar sus reporteros a reunir información por todo Filipinas para
un documental sobre posesiones diabólicas. Pero lo único que
encuentran es a Barón Valdez, quien posee grabaciones que, con
un poco de ingenio, podrían pasar por actuales. Las cosas, como es
de esperarse, se salen de madre. Mendoza conserva, además de su
hiperrealismo, otros vertientes de su más tradicional repertorio: la
denuncia de la representación mediática de la miseria y el interés por
una Manila sucia en toda la extensión de la palabra, además de esa
idea obsesiva de una Filipinas agobiada por la “maldita circunstancia
del agua por todas partes”, la misma que se desborda hasta lo
apocalíptico en su reciente Taklub. Sapi es capaz de desafiar a partes
iguales a dos públicos intransigentes: el de los cultores del cine de
autor y el de los exigentes fans del terror, proponiendo una fábula
entre dos mundos que brilla como un gesto de libertad.
With Sapi, Brillante Mendoza makes headway into the horror genre,
where he had dabbled previously with the devastating Kinatay. And
he does this while keeping with the documentary style that permeates
the neo-realist approach of his previous movies. A financially-struggling
television channel decides to send its reporters to gather information all
over the Philippines for a documentary on demonic possession. But the
only thing they find is Barón Valdez, who has some recordings that, with
a little ingenuity, could be passed off as real. Things get out of hand, as
expected. Besides his hyper-realism, Mendoza keeps other aspects of his
traditional repertoire: condemnation of the media’s representation of
poverty and a special interest in the filth of Manila in every sense of the
word, as well as an obsession with the idea of a Philippines overwhelmed
by “that damn water everywhere”, the same water that overflows
apocalyptically in his recent film Taklub. Sapi is able to challenge two
uncompromising audiences, auteur cinema devotees and demanding
horror fans, by creating a fable that rests between two worlds and shines
as a gesture of freedom.
A large family owns and lives in a dilapidated porno movie theater. The
theater shows straight pornography films, despite the fact that it really is
a meeting place for homosexual johns and prostitutes who have sex in the
hallways, seats and stairways. Meanwhile, the Pineda family goes on with
their life: Nayda is the mother of a small child who rides his tricycle amidst
men having oral sex; Nanay Flor is a strong matriarch soon to have to deal
with her husband, whom is divorcing, in court; and Merly, sexy projectionist
Alan’s girlfriend, has just announced she is pregnant. Serbis (in reference
to the word prostitutes use to offer their “service” to customers) is a film
immersed in the world of sex, but Mendoza is not content with creating
simple erotic images. He has created a bizarre universe, full of fantasy and
imagination. He approaches the comings and goings of this peculiar family
with the ease of a master, while he offers a lesson in coexistence on the edge of
what is socially acceptable.
THE MASSEUR
POSSESSION
178
MANORO
Festival de Cine de Cannes 2008, Nominado a la Palma de Oro.
Festival de Cine de Bangkok 2008, Golden Kinnaree Award.
2008 Cannes Film Festival, Golden Palm Nominee.
2008 Bangkok Film Festival, Golden Kinnaree Award.
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SINAPUPUNAN
TAKLUB
2012 – 100 min
THY WOMB
Idioma / Language Filipino, árabe y tagalo con subtítulos en español
- Filipino, Arabic and Tagalog with Spanish subtitles Director Brillante
Mendoza Productor / Producer Larry Castillo Guion / Screenplay
Brillante Mendoza, Henry Burgos Editor Kats Serraon Fotografía /
Photography Odyssey Flores Reparto / Cast Nora Aunor, Mercedes
Cabral, Lovi Poe, Bembol Roco
TRAP
Idioma / Language Filipino con subtítulos en español - Filipino
with Spanish subtitles Director Brillante Ma Mendoza Productor /
Producer Loreto F. Castillo Guion / Screenplay Mary Honeylyn Joy
Alipio Editor Kats Serraon Fotografía / Photography Odyssey
Flores Reparto / Cast Nora Aunor, Julio Diaz, Aaron Rivera, Rome
Mallari, Shine Santos, Lou Veloso, Ruby Ruiz Contacto / Contact
Sanam Madjedi, [email protected]
Un matrimonio que sobrevive con la desgracia de no poder tener
hijos, debido la infertilidad de la mujer, concibe la idea de comprar
una nueva esposa para resolver el problema. Mendoza filma esta
familia y el pueblo de pescadores nómadas en el que vive, con el
naturalismo que le ha dado el sello característico a su cine, sin
ahorrarse un parto en primer plano o el degollamiento de un toro.
Pero Sinapupunan es sobre todo una película sobre la mujer y la
maternidad, llena de luz y misterio bajo la apariencia de un simple
relato de costumbres o un estudio etnográfico. Más que las sorpresas
que deparan el argumento, la magia de esta película es la manera
como la cámara nos entrega ese mundo insólito: tomas áereas
y submarinas, encuentros y desplazamientos que son como el
correlato estilístico del nomadismo de esta comunidad musulmana.
La vida parece nacer de la cámara misma y el espectador es siempre
consciente de su presencia, sin que la gracia de la espontaneidad
disminuya. Mendoza se consolida en esta película como un agudo
observador de la existencia pero, sobre todo, como un prodigioso
inventor de formas.
A married couple that lives with the sadness of being childless, due to
the wife’s infertility, decides to buy a new wife to solve their problem.
Mendoza films this family, and the nomadic fishing village where they
live, with the naturalism that has become the hallmark of his movies,
without avoiding a close-up of a woman giving birth or a bull getting
its throat slit. But Sinapupunan is above all a film about women and
maternity, filled with light and mystery, under the appearance of being
a simple story about traditions or an ethnographical study. Beyond the
surprises provided by the plot, the magic of this film lies in the ways in
which the camera shows us this unbelievable world: aerial and underwater
shots, encounters and shifts which have a stylistic correlation with the
nomadic lifestyle of this Muslim community. Life seems to sprout from
the camera itself, and the viewer is perpetually aware of its presence,
without a loss of spontaneity. This film confirms Mendoza as an avid
observer of existence, but above all, as a prodigious inventor of forms.
180
Las antiguas playas de pescadores y los sobrevivientes de la región de
Tacloban en las islas Filipinas, quedaron después del 7 de noviembre
de 2013, como la continuación de ese mar después de una gran
tragedia, bañados por el silencio sobrecogedor de la ausencia,
por lo restos, escombros y por partes de vidas inidentificables
que se extienden un kilómetro adentro donde son pocas las casas
que quedaron en pie y comparten vecindario con gigantescos
buques, testigos de un surreal escenario dejado por el devastador
supertifón Haiyan. En medio del sobrecogedor escenario, Brillante
Mendoza consagra una mirada de profundo respeto a los miles de
sobrevivientes que siguen allí, en medio del dolor de la pérdida pero
solidarios y tenaces como Bebeth, que comparte su tiempo entre
ayudar a sus vecinos e identificar los restos de sus hijos para darles
la sepultura merecida. Como Erwin y su hermano que protegen a su
hermanita ocultándole la muerte de sus padres o, quebrados en la
propia fe, como Larry en su viudez que ya no puede cargar más esa
cruz que le es relevada para que pueda seguir adelante; todos juntos
emergiendo dignos, distintos pero vivos.
On November 8, 2013, the shores of Tacloban in the Philippines where
fishing boats used to bob were gobbled up by the ocean. A hollow silence
hovered over the mass of rubble and unidentified human body parts that
stretched a kilometer inland to where only a handful of houses still stood,
sharing their yards with enormous ships in the surreal landscape created
by the passage of the super typhoon Haiyan. Brillante Mendoza takes a
respectful look at the thousands of survivors who chose to stay and deal
with their grief, united and tenacious despite their losses. Survivors like
Bebeth, who divides her time between helping her neighbors and trying
to identify the remains of her children so she can give them a decent
burial; like Erwin and his brother, who try to protect their little sister by
concealing the death of their parents from her; or Larry the widower
whose faith is tested, but who is finally relieved of the burden of the
cross he bears so he can move on. They all emerge from the tragedy
hwith their heads held high, different people for it, but alive.
LUIS THE MEMORABLE
En cuarenta y cinco años de carrera ininterrrumpida, Luis Ospina (Cali, Colombia- 1949) ha transitado
por una variedad de oficios que le han dado forma a su lúcida visión del cine. Montajista, crítico, actor,
productor, curador y director de festivales, amoroso albacea de la memoria de sus amigos, acumulador
obsesivo de momentos de la cultura nacional, y personalísimo director con una obra imprescindible
para entender los debates, los horizontes y las transformaciones del cine colombiano y latinoamericano.
Throughout the forty-five years of his uninterrupted career, Luis Ospina (Cali, Colombia - 1949) has explored
a variety of trades that have shaped his insightful vision of cinema. Editor, critic, actor, producer, curator
and festival director, loving executor of his friends’ memories, obsessive accumulator of moments of our national
culture, Ospina is also a highly personal director whose work is fundamental to understand the debates, horizons
and transformations of Colombian and Latin American cinema.
Su obra empieza con cortos experimentales imbuidos del espítitu inconformista de los años sesenta,
del que se empapó siendo estudiante en California. El cine que vio mientras asistía a las clases en UCLA,
cambió para siempre su visión de este arte y le abrió “las puertas de la percepción” respecto a lo que se
podía lograr con el montaje y los materiales encontrados. Desde allí se empezó a decantar su obsesión por la
memoria, y su convencimiento de que el cine es un lugar desde el cual preservarla pero también cuestionarla.
His first works were experimental short films, deeply rooted in the nonconformist spirit of the sixties that he
discovered as a student in California. The films he saw in UCLA changed his vision of the art forever and opened
“the doors of his perception” regarding what could be achieved through the edition of existing footage. This lastingly
fuelled his obsession for memory and his conviction that cinema is a place to preserve it and to question it.
Creador y destructor de mitos al mismo tiempo, Ospina se ha enfrentado a las verdades heredadas
por la tradición y el conformismo. En la primera parte de su filmografía, él y el vehemente Carlos Mayolo,
cuestionaron el cine oficial e institucional en Oiga vea, y la oportunista usurpación y comercialización de la
miseria en Agarrando pueblo. En Asunción le dieron curso a los pánicos de su propia clase social, cuyo temor
histórico ha sido una revuelta social que le quite privilegios. Como el amigo y mentor Andrés Caicedo,
ejercieron con atención y disciplina el desclasamiento, la búsqueda y el encuentro de esas otredades
que el miedo encubre con la cara de lo monstruoso.
En la década de 1980, huérfanos de la figura, al mismo tiempo frágil y paternal de Andrés Caicedo, dieron
el salto al largometraje en lo que se conoce áun como la época de Focine, establecieron las coordenadas
estilísticas de un género cinematográfico colombiano, el “gótico tropical”, del que hace parte su primer
largo, Pura sangre, y se inventaron un mote, Caliwood, para definir la energía creativa, el humor y el desenfado
que atravesaba a esa vibrante ciudad del occidente del país.
Al final de la década, el triunfo del narcotráfico y la consecuente destrucción del patrimonio urbano y la vida
civica tradicional de Cali expulsaron a Ospina y a Mayolo, junto con otros miembros del Grupo de Cali, de ese
precario paraíso. El arte de Ospina tuvo que reinventarse, impulsado por cambios tecnológicos como la llegada
del video que abrieron un nuevo sensorium. La memoria comenzó a asediar a Ospina y a revelársele como el
gran tema del documental, al mismo tiempo que la desaparición de amigos y conocidos le mostró su propia
condición perecedera.
Sus documentales sobre artistas, cultos y populares, proscritos y olvidados, marginales o inventados, y sobre
obras o tradiciones que el tiempo ha querido borrar, configuran una memoria en movimiento sobre la cultura
nacional, desde Andrés Caicedo, unos pocos buenos amigos a Un tigre de papel. Esta voluntad de recuperar
y conservar da a su obra un conmovedor rasgo de entrega a la fidelidad de unos pocos buenos amigos.
Todo comenzó por el fin, su último documental, es el testamento de un director que acostumbraba realizar
biografías por interpuesta persona hasta que la fuerza de las circunstancias lo obliga a elaborar la propia.
Y lo que resulta de esa necesaria pérdida de pudor es la incansable experiencia de una vida atravesada
de principio a fin, por el cine y la amistad.
Con este tributo el FICCI reconoce al amigo y al maestro, al hombre de cine que es referencia ineludible
de varias generaciones, al lúcido y al escéptico, al caballero que le ha dado estatura y dignidad a todo
lo que ha tocado. Películas suyas y películas de otros, seleccionadas por su ojo cinéfilo, hacen parte
de este gesto de gratitud.
luis ospina tribute
tributo luis ospina
LUIS EL MEMORIOSO
Both a creator and a destructor of myths, Ospina has confronted the truths inherited from tradition and conformism.
In the first period of his filmography, he and his vehement friend Carlos Mayolo challenged the official and institutional
cinema in Oiga vea, and the opportunistic usurpation and commercialization of misery in The Vampires of Poverty
(Agarrando pueblo). In Asunción, they unleashed the fears of their own social class by enacting a social uprising that
would abolish its privileges – a historic threat come true. Like their friend and mentor Andrés Caicedo, they carefully
and methodically derated, searched and exposed the otherness that fear conceals behind a monstrous facade.
In the eighties, as they mourned the fragile and yet fatherly figure of Andrés Caicedo, they took a leap into feature
films during what is still known as the Focine period. Through their first feature, Pure Blood (Pura Sangre), they
established the stylistic landmarks of a Colombian film genre, the “tropical gothic”, and soon came up with
a nickname to coin the creative energy, humor and nonchalance that were thriving in this vibrant city of
southwestern Colombia: Caliwood.
Towards the end of the decade, the golden age of drug trafficking and subsequent destruction of Cali’s urban
patrimony and traditional civic life forced Ospina, Mayolo and others members of the Cali Group out of their
precarious paradise. Ospina had to reinvent his art in the midst of technological changes like the emergence of video,
which opened up a whole new sensorium. The obsession of memory settled in, revealing itself to Ospina as great
documentary material, while the parting of friends and acquaintances made him aware of his own fleeting condition.
From Andrés Caicedo: A Few Good Friends (Andrés Caicedo, unos pocos buenos amigos) to A Paper Tiger (Un tigre
de papel), his documentaries about artists – cult or popular, banished or forgotten, marginal or fictitious – or about
bodies of work and traditions on the verge of oblivion, shaped a “memory in motion” of our national culture. This
urge to retrieve and safeguard it is a touching trait of an artist who dedicated his work to a handful of faithful friends.
It All Started At The End (Todo comenzó por el fin), his latest documentary, is the testament of a director used
to filming other people’s biographies until circumstances forced him to film his own. The result of this necessary
display of the private self is the relentless experience of a life dedicated to friends and cinema from beginning to end.
Through this tribute, the FICCI pays homage to the friend and to the master, to the man of cinema who is
a crucial reference for several generations, to the lucid man and to the skeptic, to the gentleman who brought
dignity and stature to all that crossed his journey. Some of his films, and some made by others, selected by his
passionate eye, are all part of this token of gratitude.
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NUESTRA PELÍCULA
PURA SANGRE
PURE BLOOD
A PAPER TIGER
Colombia
Colombia
Colombia
1982– 105 min. – Digital
Colombia
English subtitles Director Luis Ospina Productor / Producer Luis
Ospina Guion / Screenplay Luis Ospina Editor Rubén Mendoza
Fotografía / Photography Luis Ospina Reparto / Cast Luis Ospina,
[email protected]
English subtitles Director Luis Ospina Productor / Producer Luis
Ospina Guion / Screenplay Luis Ospina Editor Luis Ospina, Amparo
Saavedra Fotografía / Photography Diego García Moreno, Luis
Ospina, Rodrigo Lalinde Reparto / Cast Lorenzo Jaramillo
English subtitles Director Luis Ospina Productor / Producer
Luis Ospina, Rodrigo Castaño Guion / Screenplay Luis Ospina,
Alberto Quiroga Editor Luis Ospina, Rodrigo Lalinde Fotografía /
Photography Ramón Suárez Reparto / Cast Florina Lemaitre, Carlos
Mayolo, Humberto Arango, Gilberto “Fly” Forero, Luis Alberto García
Idioma / Language Español con subtítulos en inglés - Spanish with English
subtitles Director Luis Ospina Productor / Producer Luis Ospina
Guion / Screenplay Luis Ospina Editor Rubén Mendoza, Luis Ospina
Fotografía / Photography Luis Ospina, Rodrigo Lalinde, Miguel
Salazar Reparto / Cast Arturo Alape, Jaime Osorio, Vicky Hernández
La obra literaria y la personalidad iconoclasta del escritor colombiano
Fernando Vallejo despiertan pasiones intensas. La admiración,
el desprecio o la incompresión impiden valorar en su justa medida
la originalidad de una voz narrativa marcada por sus experiencias
propias y por un rechazo vehemente al narrador omnisciente.
El retrato que del escritor, amigo, hermano e hijo hace Luis Ospina,
permite reconocer las varias facetas de una personalidad múltiple,
capaz de sentir amor y odio sin disimulos ni hipocresías. En un
prólogo y nueve capítulos y con un montaje que quiere ser el
equivalente a la furia y la ternura del escritor, el documental muestra
aspectos de su vida familiar y archivos de las intervenciones públicas
y las películas que Vallejo realizó antes de llegar a creer que el cine
es “un embeleco del siglo XX”. Ospina entra, con una pequeña
cámara, a espacios íntimos de su personaje, o permanece a prudente
distancia de otros. Y recoge testimonios de amigos y familiares
que componen un retrato coral de un escritor que podría repetir
la sentencia de Pavese: “Nos hace falta un país aunque solo sea
por el placer de abandonarlo”.
Cuatro encuentros y siete horas de conversación con el pintor
Lorenzo Jaramillo antes de su muerte a causa del sida, son el material
que sirvió de base para Nuestra película. Ospina, equipado con una
cámara de video Hi 8, una sola luz y en la única compañía de un
camarógrafo, registra el esfuerzo del pintor por desenredar los hilos
de una vida que se le escapa. Jaramillo enfrenta la oscuridad y la
muerte con entereza, sin llamarse a engaños sobre nada, ni ceder
a ninguna tentación mística. Estructurado como un viaje a través
de los sentidos guiado por los recuerdos y experiencias del artista,
el resultado es una celebración de la vida y del poder de la creación
artística. Testimonios de amigos y fragmentos de filmes ayudan a
componer esta elegía de lo sensible, esta “canción de cuna para un
moribundo”. Nuestra película se integra a otros retratos de artistas
proscritos realizados por Ospina, como los de Andrés Caicedo,
Fernando Vallejo o Antonio María Valencia, que hacen un ajuste
de cuentas con la aséptica historia cultural colombiana.
Roberto Hurtado, viejo magnate azucarero, padece una rara
enfermedad que solo se controla con transfusiones de sangre
de jóvenes blancos. El macabro grupo dirigido por su hijo y que
conforman Florencia, Perfecto y Ever, se encarga de proveer la sangre
que el anciano necesita, matando y sometiendo a horribles vejaciones
a sus víctimas. En la ciudad, donde reina el temor, el Monstruo
de los Mangones aparece como el principal sospechoso de los
crímenes. Esta película, estrenada en 1982 en el Festival de Cine de
Cartagena y dedicada a la memoria del escritor Andrés Caicedo, no
fue fácilmente entendida por un público y una crítica que esperaban
del cine colombiano frescos históricos-políticos o respuestas obvias
a reclamos monolíticos de identidad nacional. Ospina, ofrecía, por el
contrario, una fábula con apariencia de juego truculento, precursora
del gótico tropical y alimentada como un organismo caníbal por
tradiciones cinéfilas y referentes sociales, históricos y biográficos que
servían para cuestionar las relaciones raciales, económicas y de clase
en el Valle del Cauca. El paso del tiempo ha revelado la originalidad
de Pura sangre y su inteligencia política y estética, hasta convertirla
en una película de culto que desestabiliza todo lo que toca.
“Mi obra soy yo”, se asegura que dijo el precursor del collage
en Colombia, Pedro Manrique Figueroa, cuando se presentó en
el Museo Nacional buscando el reconocimiento que creía merecer.
La biografía de este artista singular que desapareció en 1981, tan
misteriosamente como vivió, es hilvanada por Luis Ospina con
los recuerdos dispersos de la tradición oral, las obras recuperadas
y atribuidas y los testimonios gozosos de quienes lo conocieron.
Una mirada a cuarenta años de historia colombiana que describen
el trayecto que va del entusiasmo al desencanto, de las utopías a los
compromisos. En ese recorrido se ven las luces y sombras de una
generación que entregó su cuerpo en la lucha contra el capitalismo,
eso que Mao llamó un “tigre de papel”. Con osadía formal, este
documental camina sobre una cuerda floja donde hacen peligroso
equilibrio la verdad y la mentira, el arte y la política, el documental
y la ficción. Es como una novela de aventuras, fragmentada y pícara,
sobre un personaje que “si no existiera habría que inventarlo”.
tributo luis ospina
THE SUPREME UNEASINESS: INCESSANT
PORTRAIT OF FERNANDO VALLEJO
The literary work and iconoclastic personality of Colombian writer
Fernando Vallejo tend to arouse intense passions. Admiration, disdain
or incomprehension prevent us from appreciating the originality of a
narrative voice marked by its own experiences and a vehement rejection
of the omniscient narrator. Luis Ospina’s portrait of the writer, his
friend, brother and son, sheds light on the various facets of his multiple
personalities, capable of feeling love and hate without any hypocrisy or
concealment. In one prologue and nine chapters and through a montage
that seeks to resemble the writer’s fury and tenderness, this documentary
film shows us aspects of Vallejo’s family life, files from his public
interventions and the movies he made before he decided that cinema was
“a 20th century fraud”. Ospina alternatively enters into Vallejo’s intimate
spaces, with a tiny camera, or keeps a safe distance from others. He
gathers testimonies from friends and family members that compose
a group portrait of a writer that could embody Pavese’s quote: “You
need a village if only for the pleasure of leaving it”.
188
OUR MOVIE
Four encounters and seven hours of conversations with painter Lorenzo
Jaramillo before dying of AIDS: such was the material that served as the
basis for Nuestra Película. Ospina, equipped with no more than a Hi 8
video camera, a single light and in the sole company of a cameraman,
captures the painter’s efforts to disentangle the threads of a life that is
slipping away. Jaramillo faces darkness and death with fortitude, keeping
delusion and mystical temptations at bay. Structured as a journey through
the senses, guided by the memories and experiences of the artist, the result
is a celebration of life and the power of artistic creation. Testimonies of
friends and fragments of other films contribute to the composition of this
elegy to sensitivity, this “lullaby for a dying man”. Nuestra película adds
to the list of portraits of banished artists directed by Ospina, such as those
of Andrés Caicedo, Fernando Vallejo or Antonio María Valencia, settling
the scores of the aseptic history of Colombian culture.
Roberto Hurtado, old sugar magnate, suffers from a rare disease that
can only be controlled by getting blood transfusions using the blood of
white youths. A macabre group led by his son and made up of Florencia,
Perfecto and Ever, is in charge of providing the old man with the blood he
needs, killing and subjecting its victims to horrific abuses. In a city ruled
by fear, the ‘Monster of the Pastures’ appears to be the prime suspect for
the murders. This film, released in 1982 at the Cartagena Film Festival
and dedicated to the memory of writer Andres Caicedo, was not easily
understood by an audience and critics who expected Colombian cinema
to produce historical-political portraits or provide obvious answers to
monolithic national identity claims. Instead, Ospina offered a gruesome
game-like fable, the precursor of tropical gothic, that was fed like a
cannibal organism by cinéphile traditions and social, historical and
biographical references that served to challenge racial, economic and
class relations in Valle del Cauca. The passage of time has revealed the
originality of Pura sangre and its political and aesthetic intelligence, going
so far as turning it into a cult film that destabilizes everything it touches.
UN TIGRE DE PAPEL
luis ospina tribute
LA DESAZÓN SUPREMA. RETRATO
INCESANTE DE FERNANDO VALLEJO
“I am my work”, allegedly said the precursor of collage in Colombia,
Pedro Manrique Figueroa, when opening his exhibition at Museo
Nacional, seeking the recognition he thought he deserved. Luis Ospina
weaves the biography of this singular artist, who disappeared in 1981
as mysteriously as he lived his life, using the disperse memories of oral
tradition, works that were recovered and attributed to him, and the
joyous testimonies of those who knew him. This film is a look back on
forty years of Colombian history, depicting a journey from enthusiasm to
disenchantment, from utopia to compromise. This exploration reveals
the light and darkness of a generation that gave their bodies to the fight
against capitalism, whom Mao referred to as “paper tigers”. Bold in its
form, this documentary treads on a tightrope where truth and lies, arts
and politics, documentary and fiction are in a dangerous balance. It is an
adventure novel of sorts, fragmented and picaresque, about a character
who, “if he did not exist, should be invented”.
189
EN CONSTRUCCIÓN
GÉNÉRAL IDI AMIN DADA: AUTOPORTRAIT
GENERAL IDI AMIN DADA: A SELF PORTRAIT
JOSÉ LUIS GUERÍN
Director de cine siempre en busca
de nuevas formas de narrativa
y dramaturgia en la frontera de la
ficción y no-ficción. Los motivos de
Berta (1983), Souvenir (1986), Innisfree
(1990), Tren de sombras / El espectro de
Le Thuit (1997), En construcción (2000),
En la ciudad de Sylvia (2007), Guest
(2010) Correspondencias Jonas Mekas
– J.L. Guerín (2011), Recuerdos de una
mañana (2011), Le Saphir de Saint-Louis
(2015) y La Academia de las musas
(2015). En 2001, recibió el Premio
Nacional de Cinematografía Española.
A director forever in search of new
narrative and dramatic forms that
walk the line between fiction and
non-fiction, Guerin’s filmography
includes Los motivos de Berta (1983),
Souvenir (1986), Innisfree (1990),
Tren de sombras / El espectro de Le
Thuit (1997), En construcción (2000),
En la ciudad de Sylvia (2007), Guest
(2010) Correspondencias Jonas Mekas
– J.L. Guerin (2011), Recuerdos de una
mañana (2011),Le Saphir de Saint-Louis
(2015)and La Academia de las musas
(2015). In 2001, he was awarded the
National Prize for Spanish Filmmaking.
190
Idioma / Language Español con subtítulos en inglés - Spanish with English subtitles Director José Luis Guerín
Productor / Producer Joan Antoni Barjau Guion / Screenplay José Luis Guerín Editor Mercedes Álvarez,
Nuria Esquerra Fotografía / Photography Alex Gaultier Reparto / Cast Juana Rodríguez, Iván Guzmán,
Juan López, Juan Manuel López, Santiago Segade, Abdel Aziz El Montassir, Antonio Atar
Idioma / Language Inglés, suajili y francés con subtítulos en español - English, Swahili and French with Spanish
Subtitles Director Barbet Shroeder Productor / Producer Jean-François Chauvel, Charles-Henri Favrod,
Jean-Pierre Rassam Guion / Screenplay Barbet Schroeder Editor Denis de Casabianca Fotografía /
Photography Néstor Almendros Reparto / Cast Idi Amin, Golda Meir, Fidel Castro
“Convivir, conocer y rodar”, en ese orden, fueron
los pasos que siguió Guerín para la realización
de este documental sobre la transformación
urbanística del Barrio Chino de Barcelona.
Después de dos años de rodaje y la captura
de más de 120 horas de material, el resultado
es un gran fresco social donde los habitantes
tradicionales del sector (inmigrantes, prostitutas,
jubilados, entre otras gentes que provienen de
los márgenes sociales) se expresan en medio del
estruendo de unas obras que los van a obligar
a desplazarse hacia otros lugares para darle
paso a la nueva cara de la ciudad. Al director,
fiel a una de las vocaciones esenciales del cine
documental, le interesa mucho más aquello que
está desapareciendo, que las obras recientes
que se levantan impulsadas por el afan del
embellecimiento urbano. La reconstrucción del
barrio se convierte, bajo la mirada discreta pero
nunca neutra de José Luis Guerín, en una fábula
sobre el paso del tiempo y la insensibilidad del
poder. Esta película, escogida por el propio Luis
Ospina, se conecta con la sensibilidad del director
caleño para quien el cine siempre está filmando
la muerte, aquello que debe ser registrado porque,
al segundo siguiente, ya no va a estar más.
Barbet Schroeder realizó este documental con
el beneplácito del propio Idi Amin, dictador de
Uganda entre 1971 y 1979, pero las distintas
versiones del mismo y la leyenda en torno a
ellas, demuestran que una conciliación entre
el realizador y el líder político era imposible.
Responsable de la desgracia y de la muerte
de miles de sus compatriotas, Idi Amin fue
entrenado por el ejército colonial británico en
Uganda, pero una vez en el poder y cuando
tomó distancia de las potencias occidentales,
empezó a ser proscrito, acusado de antisemita
y de caníbal y considerado como parte del “eje
del mal”. La cámara de Néstor Almendros sigue
a Idi Amin en actividades de distinto orden: en
un safari, bailando danzas tribales africanas,
saludando a cocodrilos y elefantes desde su
barca, dirigiendo su gabinete o en el proceso de
sus tomas de conciencia políticas. De apariencia
a veces humorística, como si se tratara de una
cándida farsa orquestada por un prestidigitador
que busca hacerse propaganda, el documental
es sin embargo tremendamente perturbador en
sus implicaciones y en su retrato del ejercicio de
un poder que, en los pequeños detalles, revela su
locura, paranoia e inhumanidad.
Premio Especial del Jurado y Premio
Fipresci, Festival de San Sebastián 2001.
Mejor documental, Premios Goya 2001
“Coexisting, learning and shooting”, in that order,
where the steps that Guerín followed to make
this documentary on the urban transformation of
Barcelona’s Chinatown. After two years of shooting
and having captured 120 hours of material, the result
is a great social fresco where the area’s traditional
residents (immigrants, prostitutes, retirees, and
other people living on the outer fringes of society)
express themselves in the midst of the racket caused
by major construction works that will force them to
relocate in order to give way to the new face of the
city. The director, faithful to the essential vocations
of documentary film, is much more interested in
that which is in the process of disappearing, than he
is in capturing the recent works that are being built,
driven by the desire for urban embellishment. The
neighborhood’s reconstruction becomes, from José
Luis Guerín’s discrete but never neutral perspective,
a fable about the passage of time and the
insensitivity of power. This film, chosen by Luis
Ospina himself, is connected with a notion at the
heart of the caleño filmmaker’s work: to Ospina,
cinema is always capturing death, that which must
be recorded as it will be gone in an instant.
Special Jury Prize and Fipresci Award,
2001 San Sebastián Film Festival.
Best documentary feature, Goya Awards 2001
Barbet Schroeder made this documentary with the
approval of the very Idi Amin, Ugandan President
who, between 1971 and 1979 was the ruler of a
dictatorial regime. The different versions of his
life, together with the legend created around such
versions, would show that a conciliation between the
filmmaker and the political leader was impossible.
Responsible for the disgrace and death of thousands
of his compatriots, Idi Amin was trained by the
British Colonial Army in Uganda, but once in power,
and having distanced himself from Western powers,
he was outlawed, accused of being an anti-Semite
and a cannibal, thus considered part of a so-called
axis of evil. The camera of Néstor Almendros follows
Amin in a diverse number of activities: in a Safari,
participating in African tribal dances, greeting
crocodiles and elephants from a boat, or running
his cabinet, sometimes in the midst of his political
epiphanies. While showing a sometimes humorous
profile, like a candid farce orchestrated by a selfpromoting magician, the documentary is, however,
tremendously disturbing in its implications, as well
as in its portrait of an exercise of power which, in its
smaller details, reveals its madness, paranoia, and
inhumanity.
Francia / Suiza
France / Switzerland
1974 – 92 min.
luis ospina tribute
tributo luis ospina
España
Spain
2001 – 125 min.
BARBET SCHROEDER
Irán / Iran, 1941
Director, actor y productor. Comenzó
su carrera en la década de 1960
en Francia, al lado de directores
legendarios como Jean-Luc Godard y
Jacques Rivette. A los 23 años fundó
junto con Erich Rohmer, Les Films du
Losange, que produjo varios filmes de
la Nueva Ola francesa. En su trabajo
como director se destacan: Barfly
(1987), El misterio Von Bülow (1990),
Mujer soltera busca (1992), La virgen
de los sicarios (1999) y El abogado del
terror (2007).
Director, actor and producer. He began
his career in France during the 1960s,
next to legendary directors such as
Jean-Luc Godard and Jacques Rivette.
At age 23 he founded, alongside Eric
Rohmer, Les Films du Losange, which
produced a number of films of the
French New Wave. Highlights of his
directing career include Barfly (1987),
Reversal of Fortune (1990), Single
White Female (1992), Our Lady of the
Assassins (La Virgen de los Sicarios)
(1999) and Terror’s Advocate (L’avocat
de la Terreur) (2007).
191
GEORGES FRANJU
Francia / France, 1912
Con su cortometraje
La sangre de las bestias (1949), llamó
la atención por su instinto para
transmitir lo misterioso tras la cubierta
de la realidad. El reestreno de Los ojos
sin rostro, en 1986, en la Cinématheque
Française, le granjeó nuevos
admiradores y consolidó la reputación
que su obra disfruta en el presente.
Otros largometrajes suyos son La Tête
contre les murs (1958), Judex (1963)
y Thomas l’imposteur (1965).
His short film Blood of the Beasts (Le
Sang des Bêtes) sparked an interest for
his instinct to transmit the mysteries
that lie beneath the facade of reality.
The rerun of Eyes Without a Face
(Les Yeux Sans Visage) in 1986 by the
Cinémathèque Française earned him
new followers and consolidated his
work’s reputation to this day. Other
feature films of his include Head Against
the Wall (La Tête Contre les Murs)
(1958), Judex (1963) and Thomas the
Impostor (Thomas l’Imposteur - 1965).
192
RETORNO AL PASADO
LES YEAUX SANS VISAGE
OUT OF THE PAST
Idioma / Language Francés con subtítulos en español - French with Spanish Subtitles Director Georges Franju
Productor / Producer Jules Borkon Guion / Screenplay Claude Sautet, Pierre Boileau, Thomas Narcejac,
adaptación de la novela de Jean Redon Editor Gilbert Natot Fotografía / Photography Eugen Schüfftan
Reparto / Cast Pierre Brasseur, Alida Valli, Juliette Mayniel
Idioma / Language Inglés con subtítulos en español - English with Spanish Subtitles Director Jacques Tourneur
Productor / Producer Warren Duff Guion / Screenplay Daniel Mainwaring Editor Samuel E. Beetley
Fotografía / Photography Nicholas Musuraca Reparto / Cast Robert Mitchum, Jane Greer, Kirk Douglas
La película de Franju es un perturbador y hermoso
poema visual en blanco y negro que combina
imaginación y crueldad, sufrimiento y esplendor,
en un marco realista. Película perseguida por
una estela de malentendidos, su recepción inicial
fue muy ambivalente. Mientras la influyente
Pauline Kael la definió como “la película de terror
más elegante que se haya hecho jamás”, otros
críticos la describieron como “nauseabunda”
y “asquerosa”. Los años la han reivindicado
cabalmente, y directores tan disímiles como John
Carpenter en Halloween y Pedro Almodóvar en La
piel que habito han encontrado inspiración en el
universo gótico y de terror que despliega. En Pura
sangre, de Luis Ospina, reverberan asimismo ecos
de su argumento. La joven Christiane, tras un
accidente, queda penosamente desfigurada. Su
padre, un científico de poco recato, se propone
devolverle su belleza, con la ayuda de una
inescrupulosa asistente. Entre los dos secuestran
a mujeres desprevenidas y las someten a terribles
vejaciones en su oscura mansión. Más que una
película de terror al estilo de su tiempo, Los ojos
sin rostro
está dominada por una indefinida angustia, por
el legítimo horror que despierta lo desconocido.
Franju’s film is a disturbing yet beautiful visual poem
shot in black and white, that combines imagination
and cruelty, suffering and splendor, all within
a realistic frame. This film was followed by a trail of
misunderstandings, and triggered a very ambivalent
initial response. While the influential Pauline Kael
defined the film as “the most elegant horror film
ever made,” other critics dubbed it “nauseating” and
“disgusting.” Time has vindicated the film completely:
directors as diverse as John Carpenter (Halloween)
and Pedro Almodóvar (The Skin I Live In) have
drawn inspiration from the horrific, film’s gothic
universe, with Colombian director Luis Ospina’s
Pure Blood (Pura Sangre) reverberating echoes
of the film’s plot as well. Young Christiane is sadly
disfigured in an accident. Her father, a self-satisfied
scientist tries to bring her beauty back with the help
of an unscrupulous assistant. Scientist and helper
kidnap unsuspecting women, subjecting them
to terrible vexations in their obscure mansion.
More than a horror film of its time, Eyes Without
a Face (Les Yeux Sans Visage) is dominated by an
undefined angst and by the genuine horror awaken
by the unknown.
Ambigüedad moral y estilización formal y
narrativa se entrelazan en Retorno al pasado,
“la mejor película de cine negro de la historia”,
según Luis Ospina. Tourneur, director de películas
de culto como Cat People y Yo caminé con un
zombie, logra en Retorno al pasado una suma
de las características del cine negro, en cuanto
a personajes (el investigador privado o la femme
fatale) y ambientación (el claro oscuro que lo
contamina todo). Jeff Bailey es un detective en
retiro dueño de una gasolinera en un pequeño
pueblo y enamorado de una joven con la que
quiere casarse. La visita de un amigo del pasado
obligará a Jeff a rememorar con su prometida
los turbios antecedentes que carga consigo.
Los fantasmas del pasado invaden el presente,
el tiempo narrativo se vuelve sinuoso y todo el
tranquilo ambiente del comienzo se llena de luces
y sombras, que pasan del universo moral de los
personajes al trabajo fotográfico. Los diálogos
y los movimientos de cámara son de una
precisión científica. Pero detrás de toda esa
aparente frialdad intelectual se esconde
la pasión y la fragilidad de unas vidas
al borde de la disolución.
Out of the Past combines moral ambiguity with
a formal and narrative stylization. “The best film
noir in cinematographic history,” according to
Colombian filmmaker Luis Ospina. In Out of the
Past, Tourneur, director of cult movies such as Cat
People and I Walked With a Zombie, presents a
sum of the characteristics of film noir through the
cast (the private investigator, the femme fatale) and
the ambiance (the all-contaminating chiaroscuro
look). Jeff Bailey is a retired detective, owner of a
small town gas station in love with a young woman
he wishes to marry. The visit of an old friend will
force Jeff to remember his obscure background in
the presence of his bride-to-be. The ghosts of the
past invade the present, the narrative slows down,
the peaceful atmosphere of the beginning fills with
the light and shade from the moral universe of the
characters, and onto the film’s cinematographic
work. The dialog and camera movements are of
scientific precision. Yet, behind all this apparent
intellectual coldness hides the passion and fragility
of lives on the verge of dissolution.
Estados Unidos
United States
1947 – 97 min.
luis ospina tribute
tributo luis ospina
Francia
France
1960 – 88 min.
LOS OJOS SIN ROSTRO
JACQUES TOURNEUR
Francia/ France, 1904
Director francés nacionalizado
en Estados Unidos. Se hizo célebre
con tres películas de terror, al lado
del Val Lewton para RKO Pictures.
Estas películas fueron La mujer
pantera (Cat People, 1942), Yo
caminé con un zombie (1943) y The
Leopard Man (1943). Dirigió también
episodios de las series televisivas
Dimensión desconocida y Bonanza.
French director, naturalized American
citizen. He became famous with three
horror films, all made alongside
Val Newton for RKO Pictures: Cat
People (1942), I Walked With a Zombie
(1943) and The Leopard Man (1943).
He also directed various episodes of
American TV series The Twilight
Zone and Bonanza.
193
ADIÓS A CALI
ASUNCIÓN
AUTORRETRATO (DORMIDO)
Colombia / United States
1970 – 17 min.
Colombia
1990 - 50 min.
Colombia
1975 - 15 min.
Colombia / United States
1971 – 3 min.
Idioma / Language Inglés con subtítulos en español - English with
Spanish subtitles Director Luis Ospina Productor / Producer Luis
Ospina Guion / Screenplay Luis Ospina, adaptación del cuento
Eróstrato de Jean-Paul Sartre Editor Luis Ospina Fotografía /
Photography Morgan Renard Reparto / Cast David Hamburger,
Herbert Di Gioia
English subtitles Director Luis Ospina Productor / Producer
Alejandra David Guion / Screenplay Luis Ospina Editor Oscar Agredo,
Luis Ospina Fotografía / Photography Óscar Bernal
English subtitles Director Carlos Mayolo y Luis Ospina Productor /
Producer Luis Ospina, Sergio Dow, Octavio Cruz Guion / Screenplay
Carlos Mayolo, Luis Ospina Editor Luis Ospina Fotografía /
Photography Roberto Álvarez Reparto / Cast Marina Restrepo, Mónica
Silva, Vicenta Carabalí
Director Luis Ospina Productor / Producer Luis Ospina Guion
/ Screenplay Luis Ospina Editor Luis Ospina Fotografía /
Photography Luis Ospina Reparto / Cast Luis Ospina
En un edificio del centro viejo y deteriorado de Los Angeles pasa
sus días el antihéroe del primer proyecto realizado por Luis Ospina
para la escuela de cine de UCLA. Ospina toma el cuento Eróstrato
de Jean-Paul Sartre y lo convierte en el desafiante monólogo interior
de un hombre encerrado, que anticipa la conciencia fracturada de
personajes como el Travis de Taxi Driver y dialoga, sin saberlo, con
los universos de Bukowski. “No le pido nada a nadie y no le doy nada
a nadie”, reflexiona, antes de salir a matar indiscriminadamente.
Esta serie documental de dos capítulos realizada para la televisión
regional recoge un momento crucial de Cali y de la relación de Ospina
con su ciudad: una encrucijada donde la ruptura con la urbe de la
juventud se vuelve inevitable y dolorosa. La primera parte, Cali plano
X plano, es un contrapunto de imagen y sonido sobre la destrucción
del patrimonio arquitectónico. La segunda, Adiós a Cali / ¡Ah, diosa
Kali!, reúne los testimonios opuestos de los artistas locales que han
tratado el tema de la ciudad y los demoledores que se han empeñado
en destruirla.
Una empleada doméstica aprovecha la ausencia de sus patrones para
hacer una fiesta en la casa que, con miles de advertencias, han dejado
a su cuidado. Esta suerte de venganza de clase tocó en su momento
fibras muy sensibles y su exhibición fue desaprobada por una pacata
Junta de Calidad que argumentó deficiencias técnicas y artísticas
donde lo más probable era la existencia de miedos inconscientes
a la abyección y la revuelta social.
¿Qué pasaría si a Sleep, la célebre y extensa película de Andy Warhol
sobre un hombre que duerme, se le quitarán los puntos muertos?
A partir de esta premisa, Ospina se filma durmiendo con una cámara
dotada de un obturador automático que registró un fotograma cada
diez segundos. El resultado es un corto experimental en color
y Super-8mm o la primera película filmada por un hombre dormido.
luis ospina tribute
tributo luis ospina
ACTO DE FE
Primer premio I Festival de Cine Super-8, Bogotá 1977
Primer premio II Festival de Colcultura, Bogotá, 1977
Primer premio I Festival de Cine Super-8, Bogotá, 1977
Círculo Precolombino al Mejor Director de Video, VII Festival de Cine
de Bogotá 1991
The anti-hero of the first project carried out by Luis Ospina for the UCLA
Film School spends his days in a building of the old, eroded center of
Los Angeles. Ospina takes the story “Erostratus” by Jean-Paul Sartre
and turns it into a defiant inner monologue of an imprisoned man who
anticipates the fractured conscience of characters such as Travis of Taxi
Driver and converses, unknowingly, with the universes of Bukowski. “I
don’t ask anything from anyone and I don’t give anything to anyone”,
he reflects, before going out to kill indiscriminately.
First Prize 1st Super-8 Film Festival, Bogotá 1977
This two-chapter documentary series made for regional TV is made up
of a crucial moment in Cali and Ospina’s relationship with his hometown:
a crossroads where the rupture with the big city of his youth becomes
inevitable and painful. The first part, Cali plano X plano / Cali Frame
by Frame, is a counterpoint of image and sound on the destruction
of architectural heritage. The second, Adiós a Cali /
¡Ah, diosa Kali! / Goodbye to Cali / Oh, Goddess Kali, brings together
opposing testimonies of local artists who have discussed the topic
of the city and the demolishers that have been striving to destroy it.
A maid takes advantage of the absence of her employers to have a party
at the house left in her care after thousands of warnings. This sort of class
revenge played on the very sensitive fibers at the time and its showing
was disapproved by a prudish Board of Quality that argued technical
and artistic shortcomings, where the existence of the unconscious fear
of abjection and social revolt was most likely.
What would happen if the dead spot were removed from Sleep,
the famous, extensive Andy Warhol film about a man who sleeps?
Based on this premise, Ospina filmed himself sleeping with a camera
equipped with an automatic shutter that recorded a frame every ten
seconds. The result is an experimental short in color and Super 8-mm
or the first film shot by a man asleep.
First Prize 1st Super-8 Film Festival, Bogotá 1977
First Prize 2nd Colcultura Festival, Bogotá 1977
Pre-Columbian Circle to the Best Video Director, 7th Bogotá
Film Festival 1991
194
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VIDEO (B)ART(H)ES
Colombia
1994 - 25 min.
Colombia
2003 – 3 min.
English subtitles Director Luis Ospina y Raúl Ruiz Productor /
Producer Luis Ospina, Sergio Dow, Octavio Cruz Guion / Screenplay
Raúl Ruiz, Walter Rojas, Astrid Muñoz, Luis Rozo, Víctor Guerrero Editor
Luis Ospina, Amparo Saavedra Fotografía / Photography Rodrigo
Lalinde, Óscar Bernal Roberto Álvarez Reparto / Cast Ricardo Duque,
Rolf Abderhalden, María Paulina de Zubiría, María Teresa Hincapié
Director Luis Ospina Productor / Producer Luis Ospina
Guion / Screenplay Luis Ospina Editor Roberto Herrera, Luis Ospina
Fotografía / Photography Luis Ospina Reparto Reparto / Cast
Natalia Henao, Luis Ospina
Este video experimental fue realizado en el marco de un taller dictado
por Raúl Ruiz en Bogotá. La combinación entre los códigos de las
telenovelas con las historias, ambientes y personajes del género
gótico, produce la extrañeza de aquellos relatos que se no sabe
dónde comienzan o cómo terminarán.
Ospina participó en la convocatoria “Fragmentos de un video
amoroso”, inspirada en el texto de Roland Barthes, con este videoarte
que combina material de archivo (se reconocen fragmentos de su
propia película Acto de fe) y materiales grabados con el propósito de
sugerir la desesperación y la pulsión (erótica) del suicidio.
Segundo premio de video, XI Festival de Cine de Bogotá, 1993
Ospina participated in the call for proposals “Fragments of a Love Video”,
inspired by the text of Roland Barthes. With this video art that combines
footage (fragments of his own film, Act of Faith, can be recognized) and
footage recorded to suggest the despair and (erotic) impulse of suicide.
This experimental video was made in the framework of a workshop
by Raúl Ruiz in Bogotá. The combination between the codes of soap
operas with stories, environments and characters of the Gothic genre
are surprising in the fact that you do not know where the stories begin
or how they will end.
Second Prize for Video, 11th Bogotá Film Festival, 1993
TIERRA SIN PAN
LAS HURDES
Idioma / Language Español with English subtitles - Spanish with English subtitles Director Luis Buñuel
Productor / Producer Ramón Acín, Luis Buñuel Guion / Screenplay Luis Buñuel, Pierre Unik, Rafael
Sánchez Ventura Editor Luis Buñuel Fotografía / Photography Eli Lotar Reparto / Cast Abel Jacquin,
Alexandre O’Neill
Esta obra de Buñuel, que introdujo a Luis Ospina
en “el cine de la crueldad”, es uno de los más
polémicos documentales de la historia del cine.
El retrato descarnado de Las Hurdes, una de las
regiones más pobres de la España de 1932, es una
“puesta en escena intensamente intervencionista y
elaborada, que aleja a la obra de la espontaneidad
tradicionalmente (e ingenuamente) atribuida
al género documental”. El propio Buñuel
contribuyó a la leyenda, al afirmar que el pueblo
de Martilandrán “se puso a nuestra disposición
a cambio de dos cabras que abatimos y asamos
y de veinte panes de gran tamaño que el pueblo
comió colectivamente en el transcurso de un
almuerzo dirigido por el alcalde, quizá el más
hambriento de todos”.
This work by Luis Buñuel, which introduced Luis
Ospina to the “Cinema of Cruelty,” is one of the
most controversial documentaries in film history.
The blunt portrait of Las Hurdes, one of the
poorest regions of Spain in 1932, is “an intensely
interventionist and elaborate mise en scène that
differentiates this work from the spontaneity that
is traditionally (and naively) attributed to the
documentary genre”. The very Buñuel contributed to
the legend by stating that the people of Martilandrán
“made themselves available to us in return for two
goats which we killed and roasted, as well as twenty
very large loafs of bread which the townspeople ate
collectively during a luncheon conducted by the
mayor, quite possibly the hungriest of them all.”
España
Spain
1933- 27 min.
luis ospina tribute
tributo luis ospina
CAPÍTULO 66
LUIS BUÑUEL
España / Spain 1900
México / Mexico 1983
Uno de los directores fundamentales
de la historia del cine, con una carrera
que se extendió por más de cinco
décadas con hitos como Un perro
andaluz (1929), La edad de oro (1930),
Los olvidados (1950), Viridiana (1961),
El ángel exterminador (1962) y Ese
oscuro objeto del deseo (1977).
A fundamental director in the history
of cinema, whose career spanned over
five decades, with landmark works such
as Un Chien Andalou (An Andalusian
Dog - 1929), L’age d’Or (The Golden
Age - 1930), Los Olvidados (The Young
and the Damned - 1950), Viridiana
- 1961), El Ángel Exterminador (The
Exterminating Angel - 1962) and Ese
Oscuro Objeto del Deseo / Cet Obscur
Objet du Désir (That Obscure Object of
Desire - 1977).
196
197
COSMIC RAY
MARILYN TIMES FIVE
REPORT
1958-12 min.
1962- 4 min.
1973-13 min.
1967-13 min.
Idioma / Language Español with English subtitles
Director Bruce Conner
Reparto / Cast Theodore Roosevelt
Idioma / Language English with Spanish subtitles
Reparto / Cast Arline Hunter, Marylin Monroe
Reparto / Cast John F. Kennedy, Jacqueline Kennedy
Un clásico del cine experimental y pionero de las películas que,
con base en materiales preexistentes redescubiertos, exploran las
posibilidades del montaje para crear ritmos y asociaciones. Conner
usa y conecta archivos de distintas fuentes, entre ellas films de serie
B, noticieros y pornografía soft, para evocar emociones que tienen
que ver con la velocidad, la inestabilidad y el dinamismo del mundo
natural. La música de Los pinos de Roma de Respighi le da un carácter
rimbombante a las imágenes de un film preservado por la Biblioteca
del Congreso de Estados Unidos y parte de la exposición permanente
del Centro Pompidou en París.
Conner usa la famosa canción de Ray Charles What’d I Say,
como respaldo musical de un muy dinámico collage de desnudos
femeninos, noticieros de explosiones atómicas y otros tipos
de archivo donde la conciencia del soporte material de la imagen
es evidente. Este film experimental, que Luis Ospina vio en sus
años de formación en la UCLA, anticipa el montaje asociativo que
posteriormente la cultura de masas aceptó como parte constitutiva
de la estética del video musical.
El film de Conner se vale de repeticiones, variaciones y pantallas
en negro: la canción I’m Through With Love, que MariIyn Monroe
cantó en la película Some Like It Hot, se escucha cinco veces,
mientras se suceden imágenes de The Apple-Knockers and the Coke,
una película erótica de 1948 filmada por un director anónimo y con
la participación de Arline Hunter, o quizá de una variación de Monroe
a partir del material original. “No importa que quien aparece
en la imagen original no sea Marilyn, ahora lo es”, dijo Conner
para zanjar la discusión. La textura granulosa hace que la película
misma se convierta en otra piel y que ese cuerpo que es consciente
de la cámara que lo filma y lo desea interpele al espectador y le haga
preguntarse por su deseo de ver, o quizá por esa necesidad de amor
y atención que llevó al sacrificio de la más sensual de las actrices del cine.
Conner toma la narración de los noticieros que describen el día
del asesinato del presidente John F. Kennedy en 1963, intercalando
imágenes de distintas fuentes, colas e intervenciones sobre películas,
para crear un discurso visual y conceptual que cuestiona a los medios
y al mercado.
A classic of experimental cinema; a pioneer film that, based on
rediscovered pre-existing material, explores the possibilities of montage
to create rhythms and associations. Conner uses and connects archives
from diverse sources, including B-movies, newsreels and soft porn in order
to evoke emotions related to the speed, instability, and dynamism of the
natural world. The music of Respighi’s Pines of Rome gives a flamboyant
character to the images of a film that has been preserved by the United
States Library of Congress and joined the permanent collection of the
Centre Pompidou in Paris.
Conner uses the famous Ray Charles song What’d I Say as a musical
support of a very dynamic collage of female nudes, newsreels of atomic
explosions and other kinds of archive material, evidencing the support
that images can provide. This experimental film, seen by Luis Ospina
during his time at UCLA, anticipates the associative editing that would
later be accepted by the mainstream as a fundamental aspect of the
music video aesthetic.
luis ospina tribute
tributo luis ospina
A MOVIE
Conner uses news footage of President John F. Kennedy’s assassination in
1963 and interweaves images from diverse sources, cues and interventions
on film strips in order to create a visual and conceptual discourse that
questions the media and the market.
Conner’s film uses repetitions, variations and black screens: I’m Through With
Love, sung by Marilyn Monroe in the movie Some Like It Hot, is played five
times over a series of images from The Apple-Knockers and the Coke, a 1948
erotic film by an anonymous director, featuring Arline Hunter (or maybe a
variation of Monroe based on the original material). “It doesn’t matter if the
person on the original image isn’t Marilyn. It is now”, said Conner, ending all
discussion. The grainy texture turns the film into another skin, and this body,
aware of the camera that shoots it and wants it, captivates the viewer and
questions his desire to watch, or maybe the need for love and attention that
caused the sacrifice of the most sensual of all actresses.
BRUCE CONNER
Estados Unidos / United States, 1933-2008
Bruce Conner experimentó durante cinco décadas en distintos formatos y
fue pionero del ensamblaje de materiales preexistentes a los que reactivó con
lecturas críticas y políticas a partir de intervenciones sobre la película física y
la duración temporal de las imágenes. Exploró los sentidos estéticos y sociales
detrás de una variedad de archivos: cortometrajes educativos y de propaganda,
noticieros, películas olvidadas de la historia del cine y películas porno.
Over the course of five decades, Bruce Conner built his career by experimenting different
formats, becoming a pioneer in the edition of pre-existing footage, which he reactivated
with critical and political interpretations through interventions on the physical celluloid
film, as well as on the duration of the image segments. Conner explored the underlying
aesthetic and social meanings of a variety of archives – propaganda and educational
short films, newsreels, forgotten movies and porn.
198
199
TRIBUTO
SUSAN SARANDON
SUSAN SARANDON:
NUNCA A MEDIAS
SUSAN SARANDON:
NO HALF MEASURES
Nueva York años 70, ciudad de todos, donde todo sucedía y el mundo se reinventaba al límite. En ese
contexto, una joven desprevenida interpretaba su primer papel en Joe y desde entonces proyectaba ya
un alma provista de muchas vidas, trasegada en las pieles de otros, manteniendo esa misma mirada
de joven sorprendida, que hoy sigue intacta, que nos mueve y conmueve todavía luego de haberla visto
interpretar 114 roles en 81 largometrajes, 18 series de televisión, 7 cortometrajes y 8 telefilms, recorriendo
todos los géneros dramáticos y haciendo gala de una poderosa presencia incluso con el solo uso de su
voz en varias cintas de animación.
New York in the Seventies. A city where anything was possible, a hive of creativity that left no one out in the
cold. It was here that a young, carefree Susan Sarandon was given her first part in Joe. Even then, her eyes
sparkled with the light of many lives, while those eyebrows permanently raised in surprise have donned the
skin of no less than 114 characters in 81 feature films, 18 television series, seven short films and eight telefilms,
tackling every genre imaginable and continuing to move us with her powerful presence—a feat she can achieve
with her voice alone, as the animated films she has done go to prove.
¿En qué radica ese magnetismo y qué esconde su aparente y contenida calma? La intensidad integral.
Una capacidad interpretativa en crescendo que no discrimina protagónico de reparto para convertirse
en la columna vertebral de las películas en las que ha participado, que incluyen títulos como Wall
Street 2: Money Never Sleeps, Lovely Bones, Enchanted, Speed Racer, Elizabethtown, Shall We Dance?, The
Banger Sisters, The Rocky Horror Picture Show, Mr. Woodcock, In the Valley of Elah, Alfie, Moonlight Mile,
Igby Goes Down, Romance & Cigarettes, Twilight, Step Mom, The Hunger, Jeff Who Lives at Home, That’s
My Boy, Cloud Atlas, Robot & Frank, Arbitrage, Snitch, The Company You Keep, Tammy, The Last of Robin
Hood, y The Calling, entre otras. Y aunque la locura frenética de la figuración, no parece hacer parte
de su día a día, su trabajo la ha llevado a ser nominada en cinco oportunidades al Premio Oscar, por
interpretaciones en The Client, Lorenzo’s Oil, Thelma & Louis, Atlantic City y Dead Man Walking, con la
cual obtuvo el premio a Mejor Actriz, tanto en los Oscar como en los Globo de Oro y los ASG (Premio
del Sindicato de Actores).
Ninguno de estos papeles ha sido interpretado a medias, generando una empatía total con los
espectadores, mostrando diversidad de caminos y opciones de vida: “…tienes que ser consciente de lo
que dice una película y de la responsabilidad de elegir tus trabajos”. Su capacidad de hacer reír, llorar
y vivir la emocionalidad en un gesto eterno, representa el arte mismo. Un espíritu que vive en su total
plenitud el significado de ser actriz. Ella conjuga todos los personajes que ha interpretado y a su vez,
está compuesta de los cientos de mujeres que ha representado, condensando toda su humanidad.
La entrega total con la que ha asumido sus roles es igual al compromiso con las causas que sigue
defendiendo con la misma convicción de años atrás cuando era una estudiante universitaria y marchaba
a favor de los derechos civiles, o cuando visitaba otros países para ayudar a madres con sus pequeños
hijos, o como Embajadora de Buena Voluntad de la UNICEF o abrazando refugiados, dando siempre su
mano pero nunca su brazo a torcer, siendo lo que mejor sabe ser, auténtica, glamurosa, sensual, radical,
contestataria pero ante todo, humana, muy humana. Una magnética luz en esta tierra.
Definitely not your conventional diva, Susan Sarandon has her own unique brand of sensuality and beauty
and, above all, integrity, which is what makes her the authentic movie icon she is today. Always true to herself,
she has translated her essence into anthological and memorable big screen moments, like the thin fingers of
an impotent Sister Helen on the glass separating her from condemned man Matthew Poncelet. Unforgettable
scenes like this, teetering on the limits of human dignity, can only be created by an actress whose spirt inhabits
her entire body, transporting us to a sublime beauty beyond the images themselves, because they come from
deep within.
susan sarandon tribute
tributo susan sarandon
Ajena a la convencional idea de diva, Susan Sarandon, de manera auténtica y única, nos ha ofrecido una
nueva mirada sobre la sensualidad, la belleza y ante todo, sobre la integridad con la que está compuesta
la figura del mítico ícono en la que se ha convertido. Un alma que la habita completamente y que ella ha
sabido transmitir en antológicos y conmovedores momentos de la actuación: una impotente hermana
Helen mirando a un condenado Matthew Poncelet, que con sus delgados dedos sobre el vidrio, crea la
imborrable imagen de quien transmite todo su espíritu a su cuerpo. Escenas plenas que sobrepasan los
límites de la humanidad, de la dignidad y que nos transportan a esa belleza más allá de las imágenes
porque viven en la esencia misma de donde provienen.
Where does that magnetism come from? What lies behind that calm, collected exterior? Full-blown intensity,
a talent for acting that continues to crescendo. Whether it’s a lead or a supporting role, Sarandon forms the
backbone of all the films she has appeared in. Films like Wall Street 2: Money Never Sleeps, Lovely Bones
Enchanted, Speed Racer, Elizabethtown, Shall We Dance?, The Banger Sisters, The Rocky Horror Picture
Show, Mr. Woodcock, In the Valley of Elah, Alfie, Moonlight Mile, Igby Goes Down, Romance & Cigarettes,
Twilight, Step Mom, The Hunger, Jeff Who Lives at Home, That’s My Boy, Cloud Atlas, Robot & Frank,
Arbitrage, Snitch, The Company You Keep, Tammy, The Last of Robin Hood, The Calling, and the list goes on.
And although the crazy world of acting doesn’t seem to infringe on her day-to-day life, it has earned her five
Oscar nominations for her performances in The Client, Lorenzo’s Oil, Thelma & Louis, Atlantic City and Dead
Man Walking, for which she won an Oscar, a Golden Globe and the ASG prize for Best Actress.
Sarandon does nothing in half measures; she surrenders to her characters, creating a sense of empathy with the
spectator and pointing out new paths and options in life in the process: “…you have to be aware of what a film
says and of the responsibility choosing your jobs entails”. Her ability to make us laugh or cry is an art in itself,
summed up in the emotion of a gesture that lingers an eternity. Hers is a spirit that has fully assimilated what
it means to be an actress. She is all the characters she has played, a microcosm of the hundreds of women
whose humanity she has represented.
This same commitment can be seen in the causes she champions. Her energy and conviction are no less intense
today as a Goodwill Ambassador for UNICEF as when she was a university student marching for civil rights.
She can be seen visiting mothers with their young children and hugging refugees, always holding out a helping
hand, but never allowing her arm to be twisted, being what she knows best how to be: authentic, glamorous,
sensual, radical, defiant but always human, incredibly human. A magnetic light on this Earth.
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DEAD MAN WALKING
ROMANCE & CIGARETTES
Canadá / France - Canada / France
1981 - 104 min.
Reino Unido / Estados Unidos - United Kingdom / United States
1995 - 122 min.
2005 – 115 min.
1983 - 97 min.
Idioma / Language Inglés y francés con subtítulos en español - English
and French with Spanish subtitles Director Louis Malle Productor /
Producer Denis Heroux Guion / Screenplay John Guare Editor
Suzanne Baron Fotografía / Photography Richard Ciupka Reparto /
Cast Susan Sarandon, Burt Lancaster, Michel Piccoli
Spanish subtitles Director Tim Robbins Productor / Producer Jon Kilik,
Tim Robbins, Rudd Simonns Guion / Screenplay Tim Robbins, según
el libro de Helen Prejean Editor Lisa Zeno Churgin, Ray Hubley
Fotografía / Photography Roger Deakins Reparto / Cast Susan
Sarandon, Sean Penn, Robert Prosky
Idioma / Language Inglés con subtítulos en inglés - English with Spanish
subtitles Director John Turturro Productor / Producer John Turturro,
Joel e Ethan Cohen Guion / Screenplay John Turturro Editor Ray
Hubley Fotografía / Photography Tom Stern Reparto / Cast James
Gandolfini, Susan Sarandon, Kate Winslet, Mary-Louise Parker, Mandy
Moore, Steve Buscemi, Christopher Walken
Spanish subtitles Director Tony Scott Productor / Producer Richard
Shepherd Guion / Screenplay Ivan Davis, Michael Thomas, según
la novela de Whitley Strieber Editor Pamela Power Fotografía /
Photography Stephen Goldblatt Reparto / Cast Catherine Deneuve,
David Bowie, Susan Sarandon
En una Atlantic City venida a menos, Sally (Susan Sarandon)
y Lou (Burt Lancaster) son vecinos en un edificio que está a punto
de ser demolido para convertirse en un hotel con casino. Ella es
una camarera con sueños de ser croupier, él un antiguo miembro
menor de las mafias de antaño que está reducido a cuidar de una
mujer que lo mantiene y manejar las apuestas del gueto de la zona.
Como el edificio, como la ciudad, Sally, Lou, y los demás personajes
de carne y hueso que se cruzan en esta película delicada y sensible,
están inmersos en las adversidades. Sin embargo, pesar del ambiente
sórdido donde las drogas, las mafias y la pobreza rodean y atacan a
los personajes, la película no se permite caer en los lugares comunes
de la marginalidad. Malle y Guare, director y guionista, permiten que
exista la posibilidad de la esperanza y la generosidad, apostando
por la luz en medio de las tinieblas. Como humanidad debemos
agradecer a los dioses del cine que está apuesta les haya dado
buenos frutos.
Pena de muerte no es solo una lección de cine, con su absorbente
narración y su complejo retrato de personajes, es algo que muy
pocas películas consiguen: una lección de espiritualidad.
Sin manipulaciones, con un logrado equilibrio entre honestidad
emocional y valentía ética para abordar un tema desde muy diversos
ángulos, considerando el punto de vista de todos los implicados.
La película dirigida por Tim Robbins se basa en las memorias
escrita por la propia Helen Prejean (interpretada por la gran Susan
Sarandon), la religiosa que un buen día se empieza a escribir con
Matthew Poncelet (Sean Penn), condenado a muerte por el crimen
de dos adolescentes. La relación que a partir de ahí surge entre
estos dos personajes, a quienes no los une aparentemente nada
salvo que ambos han conocido la precariedad, el “lado pobre de
la vida”, no se desarrolla en ningún sentido previsible. Entre todos
los vínculos posibles, Helen y Mattew acceden al más difícil y
tortuoso: la comunicación franca, el cara a cara, la confrontación
espiritual en el más amplio sentido del término, libre del dogmatismo
de la fe o de la recriminación moral. Una película que no solo amplía
las posibilidades del cine sino, y mucho más importante, de la
experiencia humana.
Nick, un buen hombre, Kitty, una buena mujer, él un obrero de la
industria metalúrgica y ella, modista y madre de tres hijas conforman
una familia funcional hasta que Kitty (Susan Sarandon) encuentra una
nota en la camisa de él que subvierte su cómodo y seguro entorno y la
hace despertar abruptamente a otra realidad con la misma intensidad
desaforada que siente su marido por Tula, la sensual prostituta pelirroja
que supo volver a encender su dormido erotismo. John Turturro realiza
una mirada retrospectiva, a la vez que un homenaje, al barrio de clase
media baja donde se crió y a las personas que lo inspiraron y, expone
las múltiples alteridades que pueden existir en cualquier anónimo,
sencillo y bonachón hombre que se debate entre el deseo y la culpa,
entre el romance y los cigarrillos, mientras su mujer decide perdonarlo
o no. Una comedia en la que el componente musical atraviesa toda la
estructura narrativa de la película tan naturalmente como las canciones
forman parte de las vidas de estos personajes, para servir de desahogo
emocional y expresar lo que normalmente podrían pero no pueden decir.
El debut de Tony Scott comienza como una aplanadora: en una
discoteca oscura donde Bauhaus toca su clásico Bela Lugosi’s Dead,
una pareja de vampiros seduce, cada uno por su cuenta, a un hombre
y a una mujer, se los llevan para la casa y beben su sangre. Fiel a
la mitología de los muertos vivos, estos vampiros son hermosos
aristócratas que saben de buena música y viven en un palacio,
aquí neoyorquino. Sin embargo no todo es placer y buena vida;
Miriam (Catherine Deneuve), el vampiro original, debe buscarse
una nueva pareja después de que Jon (David Bowie, hermoso como
siempre lo estuvo frente a la cámara) envejece y pierde su fuerza vital.
Para ello encuentra en la doctora Sarah Roberts (Susan Sarandon)
una candidata ideal. El ansia hace un trabajo estupendo actualizando
el mito del vampirismo a los años ochenta; con la sexualidad a flor de
piel, estos vampiros convertidos no son todopoderosos, sino eternos
adictos condenados a la eventual decrepitud sin el descanso de la
muerte. A este ciclo perverso de la adicción, la película propone una
eventual salida, un cambio de roles, una liberación desesperada.
In an Atlantic City that has seen better days, Sally (Susan Sarandon)
and Lou (Burt Lancaster) are neighbors whose building is about to be
demolished and turned into a hotel with a casino. She is a waitress who
dreams of being a croupier; he is a former gangster who has been reduced
to caring for an elderly lady and running numbers in poor parts of town.
Like the city, their building and the other flesh and blood characters whose
paths cross in this sensitive, moving film, Sally and Lou are falling apart,
each in their own way, but despite their sordid surroundings, director
Louis Malle and writer John Guare take pains not to fall prey to the
clichés of drugs, the mob and poverty. A ray of hope shines through
the adversity and generosity promises to banish the dark. As human
beings we should be grateful to the gods of cinema that this bet paid off.
206
PENA DE MUERTE
With its compelling narrative and complex character portrayal, Dead
Man Walking is more than a lesson in filmmaking; it is a lesson in
spirituality, which is something few films can lay claim to. Without the
need to manipulate, it manages to strike a balance between emotional
honesty and ethical courage, addressing the issue at hand from different
angles that take into account the views of all those involved. The film is
based on the memoirs of Sister Helen Prejean (played by the talented
Susan Sarandon), who begins corresponding with Matthew Poncelet
(Sean Penn), a man who has been sentenced to death for murdering two
teenagers. The relationship that forms between these two characters—
who appear to have absolutely nothing in common except for the fact
they’ve both known the “poor side of life”—takes a completely unforeseen
direction. Of all the possible forms of communication, Helen and
Matthew choose the most difficult, the most torturous one: face-to-face
brutally honest spiritual confrontation, free of religious dogmatism and
moral recrimination. A film that not only broadens the horizons
of cinema, but, more importantly, of human experience.
Nick is a good man and Kitty, a decent woman. He is a steel worker
and she is a seamstress and mother of three. Together they form a
conventional family until one day Kitty (Susan Sarandon) finds a note
in Nick’s shirt pocket that turns her safe world upside down, opening her
eyes to a new reality with the same intense feelings her husband has for
Tula, the sensual red-haired prostitute who has reawakened his eroticism.
John Turturro at once recalls and pays homage to the lower-middleclass neighborhood where he grew up and the people who inspired him,
revealing the multiple facets that can manifest in any simple, down-toearth man who struggles to choose between desire and guilt, while his
wife decides whether to forgive him or not. A comedy of romance and
cigarettes in which music envelops the narrative structure like smoke, as
naturally as the songs that form part of the characters’ lives, providing
them with an emotional outlet and allowing them to express what can’t
be put into words.
THE HUNGER
EL ANSIA
susan sarandon tribute
ATLANTIC CITY
Tony Scott’s debut feature gets off to a riveting start—in a dark nightclub
where Bauhaus is playing its classic Bela Lugosi Is Dead, Miriam
(Catherine Deneuve) and her lover John (David Bowie, beautiful as
always in front of the camera) each pick up a partner and take them
home to drink of their blood. True to the mythology of the living dead,
these vampires are fine-looking aristocrats with a taste for good music
and live in a palace, in this case, in New York. But not all is fun and
bloodsucking games. Miriam has grown tired of John and is on the hunt
for a new lover. Dr. Sarah Roberts (Susan Sarandon) proves to be the
perfect candidate, but without Miriam’s bite, John grows old and wastes
away. The Hunger does a great job bringing the vampire myth into the
Eighties for these sensual creatures are not omnipotent, but addicts
condemned to physical decrepitude without the release of death.
The film does, however, point to a possible way out of this perverse
cycle of addiction, a change of roles, a desperate liberation.
207
THE ROCKY HORROR
PICTURE SHOW
THELMA Y LOUISE
Estados Unidos / Francia - United States / France
1991 - 130 min.
Spanish subtitles Director Jim Sharman Productor / Producer Michael
White Guion / Screenplay Richard O’Brien, Jim Sharman Editor
Graeme Clifford Fotografía / Photography Peter Suschitzky Reparto /
Cast Tim Curry, Susan Sarandon, Barry Bostwick
Spanish subtitles Director Ridley Scott Productor / Producer Ridley
Scott, Mimi Polk Gitlin, Callie Khouri, Dean O’Brien Guion / Screenplay
Callie Khouri Editor Thom Noble Fotografía / Photography Adrian
Biddle Reparto / Cast Susan Sarandon, Geena Davis, Harvey Keitel
Pocas películas le hacen tanta justicia a la etiqueta “cine de culto”
como The Rocky Horror Picture Show. Desde su estreno como obra
de teatro musical en 1973 y su posterior adaptación al cine dos
años después, The Rocky Horror Picture Show ha sido objeto de
peregrinación para lo amantes de las salas grindhouse y los cines
de media noche. Las proyecciones de esta cinta se han convertido
en grandes eventos a los cuales los espectadores asisten travestidos,
cargados de objetos alusivos y prestos a entablar una liberadora
complicidad con el film. Las deliciosa actuación de Tim Curry como
el Dr. Frank N. Furter, un “dulce travesti de Transexual, Transilvania”
y de una floreciente Susan Sarandon, la impúdica representación
del sexo y los vestuarios rebosantes de picardía, trasgreden durante
toda la película la opresión de una moral normativa. The Rocky Horror
Picture Show se ha establecido en un lugar privilegiado dentro
de la historia del cine musical a base de personajes inolvidables,
números musicales exuberantes y una trama en la que sexo,
alienígenas, monstruos góticos y cabaret conviven para revelar
el absurdo dentro del recatado y moralista imaginario de la vida
suburbana norteamericana.
Thelma (Geena Davis) y Louise (Susan Sarandon) salen de viaje
de pesca, solas; Thelma se va sin decirle al troglodita de su marido,
Louise sin avisarle a su novio. Paran en un bar de la carretera y beben;
Thelma baila y coquetea con un tipo que luego intenta violarla.
Louise rescata a Thelma y termina matando a su agresor. Las dos
se vuelven fugitivas e inician un vertiginoso y emocionante camino
hacia la libertad. Scott filma acontecimientos en el sentido profundo
de la palabra; apariciones de cosas nuevas que debilitan cualquier
diseño estable anterior y modifican las coordenadas de la realidad.
Thelma y Louise enfrentan acontecimientos que modifican su
realidad, que transforman sus personalidades, que cambian sus
vidas. Ellas se asumen fugitivas, apuestan todo por vivir una vida
que valga la pena ser vivida. Y como todo acontecimiento, sus causas
solamente se pueden ver retroactivamente; así se puede entender
la clave de la película, el momento en que Louise le dice a a Thelma:
“Tú siempre has estado loca. Solo que esta es la primera oportunidad
que has tenido para expresarte.”
Few films do justice to the term “cult cinema” like The Rocky Horror
Picture Show. Based on the 1973 musical stage production, it was
adapted to the big screen two years later and has since garnered a
following of grindhouse and midnight theater aficionados. Audience
members dress up like the characters in the film, bring along props and
even lip synch along to the unforgettable performances of Tim Curry as
Dr. Frank-N-Furter, a “sweet transvestite from Transsexual, Transylvania”
and a fresh-faced, uninhibited Susan Sarandon. Raunchy characters,
catchy musical numbers and a hotchpotch plot of sex, aliens, gothic
monsters and cabaret have established The Rocky Horror Picture
Show as a classic in the musical horror genre, one that rebels against
the conservative, moralistic repression of suburban America.
208
THELMA & LOUISE
Thelma (Geena Davis) and Louise (Susan Sarandon) go off fishing alone
without telling their significant others. They stop for a drink at a roadside
bar, where Thelma dances and flirts with a guy who later tries to rape her.
Louise shoots Thelma’s aggressor in an attempt to rescue her and they
embark on a road trip as fugitives from the law, intent on living life to the
full. The things that happen to them on the road change them as people,
but like every experience, it can only be properly understood in retrospect,
like when Louise says to Thelma, “You’ve always been crazy. This is just
the first chance you’ve had to express yourself.” Scott films events in the
deeper sense of the word; the appearance of new things undermines any
stable design that went before and modifies the coordinates of reality.
ESO QUE LLAMAN AMOR
ESTRENO MUNDIAL
WORLD PREMIERE
MALCRIADOS
ESTRENO MUNDIAL
WORLD PREMIERE
THAT THING CALLED LOVE
CARLOS CÉSAR
ARBÉLAEZ
Colombia, 1967
Comunicador Social egresado de la
Universidad de Antioquia. Dirigió los
cortometrajes La edad del hielo (1999)
y La serenata (2007) y su ópera prima,
Los colores de la montaña (2010)
fue selección en más de cincuenta
festivales, recibiendo en el Festival
de San Sebastián el Premio KutxaNuevos Directores, siendo la primera
vez que es otorgado un colombiano.
He graduated from the Social
Communications program at
Universidad de Antioquia (Colombia).
He has directed documentary films
La Edad del Hielo [The Ice Age] (1999)
and La Serenata [The Serenade] (2007);
his opera prima, Los Colores de la
Montaña [The Colors of The Mountain]
(2010) was selected to participate in
over fifty festivals, winning the Kutxa
New Directors Award at the San
Sebastian Film Festival, the first prize
of this category ever to be awarded to
a Colombian filmmaker.
214
Idioma / Language Español con subtítulos en inglés - Spanish with English subtitles Director Carlos César
Arbeláez Productor / Producer Juan Pablo Tamayo Guion / Screenplay Carlos César Arbeláez Editor
Isabel Otálvaro Fotografía / Photography Mauricio Vidal Reparto / Cast Cristóbal Peláez, Beatriz Ángel,
Hiroyuki Ono Linsy Holguín, Pedro Julio Arias, Yira Plaza Contacto / Contact Diamond Films, Carlos Llano,
[email protected]
Idioma / Language Español con subtítulos en inglés - Spanish with English subtitles Director Felipe Martínez
Amador Productor / Producer Juan Pablo Galli, Juan Vera, Alejandro Cacetta, Andrés Calderón Guion /
Screenplay Mariano Vera Editor Alejandro Parysow Fotografía / Photography Juan Carlos Gil Reparto
/ Cast Víctor Mallarino, Julieth Restrepo, Juan Fernando Sánchez, José Restrepo, Michel Brown, Yuli Pedraza,
Juan Pablo Barragán Contacto / Contact Dynamo, Andrés Calderon, [email protected]
Una atractiva y joven mujer se ve obligada
a ejercer, la que cree será su última noche
como prostituta para poder reencontrarse
con su pequeña hija fuera del país. Una pareja,
cuyo único vínculo parece ser el hijo asesinado
y que al ser desenterrado por la demolición del
cementerio, con sus restos en casa resucita
el desencuentro por lo que ya ninguno podrá
descansar en paz. Dos deslumbrantes estatuas
vivientes compiten por el espacio y la atención de
los turistas en el tumultuoso centro de Medellín
para terminar despojados de su esplendor y
descubrirse en la esperanza de una incipiente
amistad, en el deseo y en la solidaridad frente al
dolor. Esa fortalecedora y a la vez frágil condición
que se llama amor, impulsa las decisiones de los
personajes de esta película coral que comparten
unos pocos fragmentos de ese sentimiento
en un Día de la Madre, cuya celebración deberá
ser pospuesta al igual que su devenir.
El precio que hay que pagar por ser “hijo de papi”
y, también por ser padre y responsable de tres
jóvenes malcriados. Una divertida moraleja que
en tono de comedia hace descender a los tres
herederos del emporio constructor dirigido por su
padre Manuel Rico, de su lujosa mansión ubicada
en los selectos altos de la sabana bogotana hasta
un populoso barrio del centro de la ciudad. Javi,
un joven ejecutivo de fachada que vive de rumba
en rumba, Bárbara la consentida, para quien
su principal preocupación es decidir el color
de los zapatos que se pondrá para anunciar su
matrimonio con un argentino descendiente de
una dudosa casta de barones venido a menos y
Charly, el colegial de ideas marxistas y con chófer,
en conjunto con su padre, quedan sin previo
aviso, sin celulares, sin tarjetas de crédito y en
la total ruina. Una jugada estratégica en la que
aprenderán la solidaridad de los que alguna vez
miraron por debajo del hombro, la importancia
de valerse por sí mismos y, a encontrar el amor
y restaurar el verdadero sentido de la familia.
An attractive young woman is forced to work
for what she believes will be her final night as a
prostitute, in order to be able to reunite with her
very young daughter abroad. A couple whose only
bond seems to be their murdered son whose remains,
having been unearthed during the demolition of
the cemetery where it was buried, now back in the
family home, revive the misunderstandings for which
neither one of them will ever be able to rest in peace.
Two glittering living statues compete for the attention
of tourists in Medellin’s tumultuous downtown,
only to end up stripped of their splendor and discover
themselves and each other through the hope of a
nascent friendship, desire and solidarity in the face
of pain. This empowering and simultaneously fragile
condition called love drives the decisions made
by the main characters in this choral film, who
share glimpses of that feeling on one Mother’s
Day celebration which will have to be postponed,
much like their fate.
There is a price to be paid for being a “mama’s
boy” but also for being the father of three spoiled
youngsters. An entertaining moral tale told in
comedic tone brings us the descent of the tree heirs
of a construction emporium run by their father,
Manuel Rico, from their luxurious mansion on the
exclusive heights of the Bogotá savannah, down
to a populous downtown neighborhood. Javi, a
young faux businessman and party animal; Bárbara,
the pampered daughter, whose main concern is
deciding the shoe color she will wear to announce
her marriage to an Argentinean, who is himself the
descendent of a chaste of dubious barons who fell
on hard times; and Charly, a schoolboy with Marxist
ideas and a chauffeur to boot; along with their father,
become, with no prior notice, devoid of all cellphone
communications and credit cards, and are left in
complete ruin. A strategic play of chance in which
they will learn to appreciate the solidarity of those
whom they once looked down on, as well as the
importance of being self-sufficient, finding love
and restoring the true meaning of family.
special presentations
galas
Colombia
FELIPE MARTÍNEZ
Colombia
Estudió Cine y televisión en la Escuela
Superior de Artes y espectáculos
de Madrid –TAI-. Guionista, director
y editor dirigió Bluff (2007), Low-Batt
(2004), Siguiente por favor (2002),
Ticket (2001) y Club (2001).
He graduated from the Film and TV
Studies program at Escuela Superior
de Artes y Espectáculos de Madrid
(TAI). Screenwriter, director, and
editor, his film credits as a director
include Bluff (2007), Low-Batt (2004),
Siguiente por Favor [Next Please]
(2002), Ticket (2001) and Club (2001).
215
LA MANSIÓN DE ARAUCAÍMA
ARAUCAIMA MANSION
galas
Colombia
1986 – 86 min.
CARLOS MAYOLO
Colombia, 1945 - 2007
Director, guionista y actor.
En la primera parte de su filmografía,
en asocio con Luis Ospina,
introdujeron formas modernas en
el cine documental y de ficción en
Colombia con títulos como Oiga vea
(1972) y Agarrando pueblo (1977).
Dirigió Carne de tu carne (1983)
y La mansión de Araucaima (1986).
Dirigió la serie de televisión Azúcar
(1989-1991), profundamente
vinculada a sus intereses, su
biografía y su sensibilidad.
Director, scriptwriter, actor and member
of the Cali Group. In the first part of his
filmography, he and his associate Luis
Ospina introduced modern forms into
Colombian documentary and fiction
cinema with films such as Oiga vea
(1972) and The Vampires of Poverty
(Agarrando pueblo) are part of this crop.
He directed Flesh of your Flesh (1983) and
Araucaima Mansion (1986). He directed
television series:Sugar (1989-1991),
which was deeply linked to his interests,
his biography, and his sensibilities.
216
Idioma / Language Español con subtítulos en inglés - Spanish with English subtitles Director Carlos Mayolo
Productor / Producer Bertha de Carvajal, Liuba Hleap Guion / Screenplay Julio Olaciregui, Philip Priestey
(guión premiado). Carlos Mayolo y Sandro Romero (adaptación), según la novela de Álvaro Mutis Editor Luis
Ospina, Karen Lamassonne Fotografía / Photography Rodrigo Lalinde Reparto / Cast Vicky Hernández,
Adriana Herrán, Antonio Pitanga, Luis Fernando Montoya, Alejandro Buenaventura, Carlos Mayolo, José Lewgoy
Contacto / Contact Juana Suárez, [email protected]
A partir de esta película, adaptación de la novela
homónima de Álvaro Mutis, que venía precedida
de un subtítulo (relato gótico de tierra caliente),
en el cine colombiano se empezó a hablar del
“gótico tropical”. Narrativa de síntesis, lúdica y
problemática al mismo tiempo, de los imaginarios
gótico y tropical, en apariencia incomunicados.
La jovencita que escapa de un set de filmación y
llega a una mansión decadente y aislada donde se
cultivan extraños placeres, seduce y es seducida
por los seis extraños personajes que la habitan.
La pasoliniana irrupción de ese personaje
inocente pero corruptible, desestabiliza el
precario orden de esa utópica comunidad, que no
tardará en explotar desde adentro. Esta película
estuvo en el centro de múltiples discusiones
sobre la naturaleza de su adaptación, no solo del
material literario que está en su base, sino de
todo la visión del mundo que definió la tradición
anglosajona de la narrativa gótica. Hoy, treinta
años después, se reconoce en ella a una película
visionaria que revela pasión y espíritu iconoclasta
en cada minuto de su metraje, y que renovó
también la comprensión de películas colombianas
predecesoras como Pura sangre (1982) y Carne
de tu carne (1983) y la posibilidad de muchas
películas futuras.
Premio Especial del Jurado, Festival de Rio de
Janeiro, 1986
This film, an adaptation of the eponym novel
by Álvaro Mutis, which bore the subtitle (a gothic
tale in warm weather), started a conversation in
Colombian cinema about the “tropical gothic”.
It stages a synthetic, playful, and problematic
narration of the seemingly-unrelated tropical and
gothic spirits. A young girl escapes from a film set
and reaches an isolated, decadent mansion where
strange pleasures are cultivated. She seduces and
is seduced by the six strange characters living in
it. The “Pasolinean” irruption of this innocent-yetcorruptible character destabilizes the precarious
order of this utopian community that will soon start
imploding. This film was at the center of multiple
debates about the nature of adaptation, not just
of the literary material on which it was based,
but also of the world vision that was defined by
the Anglo-Saxon gothic narrative style. Today, thirty
years later, this film is recognized as a visionary work
that displays a passionate and iconoclastic spirit
in each minute of its running time, and fostered
a renewed understanding of its predecessors,
such as Pure Blood (1982), Flesh of Your Flesh
(1983), and of future films as well.
Jury Award, Rio de Janeiro Festival, 1986
FRANCISCO VARONE
Argentina, 1978
Estudió en la Universidad del Cine
y es docente en la Escuela Nacional
de Experimentación y Realización
Cinematográfica – ENERC - en
Buenos Aires. En el año 2000 empezó
su carrera en el cine publicitario,
dirigiendo más de cien comerciales
por los cuales recibió varios premios,
entre los que destacan tres Leones
de Oro en Cannes Lions. Camino a La
Paz es su ópera prima.
Francisco Varone studied at the
Universidad del Cine and currently
teaches at the ENERC film school in
Buenos Aires. In 2000, he began his
career in advertising, directing over 100
commercials, for which he received
numerous awards, including three
Golden Lions at Cannes Lions. Camino
a La Paz is his first feature film.
222
COMOARA
ROAD TO LA PAZ
THE TREASURE
Idioma / Language Español y áhrabe con subtítulos en inglés - Spanish and Arabic with English subtitles
Director Francisco Varone Productor / Producer Gema Suárez Allen Guion / Screenplay Francisco
Varone Editor Alberto Ponce, Federico Peretti Fotografía / Photography Christian Cottet Reparto /
Cast Rodrigo de la Serna, Ernesto Suárez, Elisa Carricajo Contacto / Contact FiGa Films, Sandro Fiorin,
[email protected]
Idioma / Language Rumano con subtítulos en español - Romanian with Spanish subtitles Director Corneliu
Porumboiu Productor / Producer Marcela Ursu, Nadia Turnicev, Olivier Père, Sylvie Pialat, Julie Gayet
Guion / Screenplay Corneliu Porumbiou Editor Roxana Szel Fotografía / Photography Tudor Mircea
Reparto / Cast Toma Cuzin, Adrian Pucarescu, Corneliu Cozmei Contacto / Contact Esther Devos,
[email protected]
Nada más complejo que cambiar las conductas
y herencias recibidas que permiten llevar una vida
sin alterar las costumbres, pero más difícil aun,
es atravesar el límite que nos hace conscientes
de ellas. Sebas está desempleado, su matrimonio
y todo su mundo en crisis, pero él, es el único que
parece no darse cuenta hasta que por una llamada
equivocada se ve obligado a trabajar como chofer
privado en su más preciada posesión, el viejo
pero muy bien cuidado Peugeot. Jalil, que a su
edad sabe del poco tiempo que dispone para
cumplir uno de los principales preceptos de su
fe, debe viajar por tierra hasta La Paz, Bolivia.
En este recorrido de tres mil kilómetros, ambos
compartirán sus mundos, sabrán sobre apegos
y desapegos, pero muy especialmente Sebastián,
conocerá y sentirá de la manera más natural
y sutil, una faceta del islamismo que es
transversal a las religiones y que a su vez
las une y, es la necesidad humana de cuidarnos,
de entregarnos pero sobre todo, de trascender.
Costi, un funcionario menor de una agencia
estatal, lee a su hijo pequeño la leyenda de Robin
Hood, cuando su vecino Adrian lo visita y lo
sorprende con una propuesta como salida de una
novela de aventuras: buscar un tesoro, que según
la leyenda, su abuelo enterró en el patio de su
casa a las afueras de Bucarest antes de la toma
del poder por los comunistas en 1947. Adrian
le promete la mitad de lo que logren encontrar
a cambio de pagar el alquiler del detector de
metales para escanear la propiedad. Después
de consultarlo con su mujer, Costi decide poner
el dinero para “la operación”. Sin dejar de lado
su humor cínico, la agudeza de su comentario
social, la preocupación por la historia reciente
de su país, y su estilo ascético y riguroso,
Porumboiu despliega por primera vez en su
filmografía una visión esperanzadora del mundo
y construye una fábula enaltecedora. La película
va al encuentro de una utopía cotidiana que nos
permite creer una vez más en el poder redentor
de los sueños y la ficción.
Ganadora de la primera edición de PuertoLab
2015 en el Festival Internacional de Cine
de Cartagena –FICCI 55-.
It’s not easy to change the behavioral patterns we
have inherited, but it’s even harder to break through
the barrier that makes us aware of them. Sebastián
is unemployed and his marriage is on the rocks. In
general, his life is a mess, but he’s the only one who
doesn’t seem to notice. Until one day he accidently
finds himself working as a private chauffeur in his
most prized possession—an old, but well-cared-for
Peugeot. Jalil is getting on and knows he doesn’t
have much time left to fulfill one of the main
precepts of his faith, which implies traveling 3,000
kilometers over land to La Paz, Bolivia. On the
journey, the two men share their worlds and learn
about their respective attachments and detachments,
especially Sebastián, who is introduced in a very
natural, subtle way to a facet of Islam common
to all religions, which is the human need to care
for one another, to surrender to our faith and
gain transcendence.
Winner of the first edition of PuertoLab at the 2015
Cartagena Film Festival
Costi, a low-grade civil servant at a government
agency, is reading Robin Hood to his young son
when his neighbor Adrian drops in and surprises
him with a proposition that sounds like something
out of a storybook—to go hunting for treasure his
grandfather allegedly buried in his yard in his house
on the outskirts of Bucharest before the communists
came to power in 1947. Adrian promises to share
whatever they find with Costi fifty-fifty provided
he pays for the rental of a metal detector to scan
the property. After discussing it with his wife, Costi
decides to put up the money for the “operation”.
The cynical humor, biting social commentary,
interest in his country’s recent history and austere,
rigorous style are all still there, but for the first time
Porumboiu brings us a more optimistic view of the
world with this uplifting fable. Comoara sets out in
search of an everyday utopia that restores our faith
in the redemptive power of dreams and fantasy.
Rumania / Romania
2015 - 89 min.-Digital
cinema under the stars
cine bajo las estrellas
Argentina / Holanda / Catar
Argentina / Holland / Qatar
2015 – 90 min. -Digital
CAMINO A LA PAZ
CORNELIU
PORUMBOIU
Rumania / Romania, 1975
Figura central de la “nueva ola
rumana”. Sus últimas dos películas,
Cae la noche en Bucarest (2013)
y El segundo juego (2014), marcaron
una variación temática (la puesta
en abismo del cine en la primera)
y formal (el documental en la
segunda) en su filmografía. Con El
Tesoro, Porumboiu vuelve a la línea
que había inaugurado con 12:08 al
Este de Bucarest (2006) y continuado
con Policía, adjetivo (2009).
A central voice in the “Romanian
New Wave”, Porumboiu’s last two films,
When Evening Falls on Bucharest (2013)
and The Second Game (2014), marked
a thematic and formal deviation (the
cinematic mise-en-abyme in the case of
the former and the documentary in the
case of the latter) from the precedent
set by 12:08 East of Bucharest (2006),
which he then followed up with Police,
Adjective (2009).
223
EMBRACE OF THE SERPENT
THE ADVENTURES OF NUKU
Idioma / Language Español, portugués, alemán, catalán, latín y lenguas amazónicas Cubeo, Huitoto, Wanano,
Tikuna con subtítulos en español - Spanish, Portuguese, German, Catalan, Latin and Amazonian languages Cubeo,
Huitoto, Wanano, Tikuna with Spanish subtitles Director Ciro Guerra Productor / Producer Cristina Gallego
Guion / Screenplay Ciro Guerra, Jacques Toulemonde Editor Etienne Boussac Fotografía / Photography
David Gallego Reparto / Cast Jan Bijvoet, Brionne Davis, Antonio Bolívar, Nilbio Torres, Yauenkü Miguee
Idioma / Language Español con subtítulos en inglés - Spanish with English subtitles Director Jairo Carrillo
Productor / Producer Jairo Carrillo Guion / Screenplay Mauricio Laguna, Mauricio Leiva y Jairo Carrillo
Editor Etienne Boussac Fotografía / Photography El ratón mickey Reparto / Cast Cristina Umaña, Andrés
López, Martina la peligrosa, Paola Peña, Julián Guerra Contacto / Contact Jairo Carrillo, [email protected]
Colombia / Venezuela / Argentina
CIRO GUERRA
Colombia, 1981
Director, guionista y productor.
Dirigió los cortometrajes Silencio
(1998), Alma (2000), el documental,
Documental siniestro: Jairo Pinilla,
cineasta colombiano (1999) y el corto
de animación Intento (2001). Sus
tres largos La sombra del caminante
(2004), Los viajes del viento (2009)
y El abrazo de la serpiente (2015)
han tenido reconocimientos y
participaciones en festivales de todo
el mundo.
Ciro Guerra is a director, screenwriter
and producer. His short films include
Silencio (1998), Alma (2000), the
documentary Documental siniestro:
Jairo Pinilla, cineasta colombiano
(1999) and the short animated film
Intento (2001), while his three features
to date, La sombra del caminante
(2004), Los viajes del viento (2009) and
El abrazo de la serpiente (2015), have
all been successful on the international
festival circuit.
224
LAS AVENTURAS DE NUKU
Este tercer largometraje de Ciro Guerra es,
como sus dos anteriores, La sombra del
caminante y Los viajes del viento, una historia de
reconocimiento y una inmersión en esa alteridad
que nos constituye. El cara a cara de Mañe y
El Carguero en la primera película, o el viaje de
unos personajes por la geografía de una música
y un instrumento, en la segunda, resuenan en
la épica historia del contacto, traición y posible
amistad entre Karamakate, un chamán y último
sobreviviente de su tribu, y dos científicos
occidentales que recorren el Amazonas en
busca de una planta sagrada que cure sus males.
Los de El abrazo de la serpiente son también viajes
de conocimiento y reconocimiento que ponen
en tensión las ideas y el sentido mismo de lo
que significan la tradición y la transmisión, como
los bienes más preciados de una cultura. En un
evocador blanco y negro, Ciro Guerra construye
un palimpsesto de tiempos y escrituras que nos
devuelven la dimensión histórica, pero a la vez
mítica, de una región que ha sido intervenida,
ultrajada y explotada, pero con la que podríamos
–y deberíamos– relacionarnos de otra manera.
Like his two previous films, La sombra del caminante
and Los viajes del viento, Ciro Guerra’s third feature
is one of self-discovery and immersion in the sense of
otherness we all carry within. Mañe and El Carguero’s
meeting in his first film and the trip the characters
in his second one embark on through the geography
of a music and an instrument resonate in this epic
story of contact between Karamakate, a shaman
who is the last survivor of his tribe, and two Western
scientists in search of a sacred Amazonian plant to
cure their ills. In El abrazo de la serpiente, the seeds
of this friendship in the making also hold the seeds
of betrayal as the characters set out on a journey
of knowledge and self-discovery that calls into
question ideas and traditions as the most valuable
aspect of a culture and their passing on. Filmed in
an evocative black and white, Ciro Guerra pieces
together a palimpsest of times and writings that
depict the historical, yet at the same time mythical
dimension of a region that has been intervened,
spoiled and exploited, but that we can–and should–
learn to relate to differently.
Winner of the Art Cinema Award at the 2015 Cannes
Film Festival
Ganadora del Art Cinema Award en el festival
de Cine de Cannes 2015
NOMINADA AL OSCAR A MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA
NOMINATED FOR BEST FOREIGN L ANGUAGE FILM
Para salvar el mundo solo se necesita una
olla, pero la de esta película, no es cualquiera
porque en ella se encuentra la energía sagrada
que una ciudad, cual parque de diversiones, en
decadencia y sin combustibles, liderada por una
despiadada y ambiciosa multinacional, necesita
para alimentar ese derrochador sitio. Nuku es
un niño indígena, curioso y travieso que vive en
el amado y respetado territorio de sus ancestros.
Sabe que del otro lado de este, existe un portal
donde se encuentra el lugar prohibido, la
ciudad, donde la riqueza y las dulces tentaciones
corrompen y la vida pierde su natural balance;
allí llegará en compañía de su fiel amigo, el
mono Kiki, en medio de inesperadas y divertidas
aventuras a rescatar la olla que ha sido robada y
puesta en venta para valientemente salvar a su
madre enferma y a su comunidad, recuperando
la protección y el equilibrio de su tierra y sus
ancestros.
In this film, all it takes is a pot to save the world,
but not just any pot. This one contains the sacred
energy a city in the full throes of decadence and all
out of fuel needs to support its frivolous and wasteful
lifestyle. Nuku is an indigenous boy who lives on his
ancestors’ beloved and respected land. Curious by
nature and a bit of an imp, he knows there is a portal
to the other side, to the city, that forbidden place
ruled by an ambitious and merciless multinational,
where wealth and sweet temptations have corrupted
life. In a courageous effort to save his sick mother,
while protecting and restoring the balance of his
elders’ land, he comes here with his trusty friend, Kiki
the monkey, to recover the pot which has been stolen
and put up for sale. And along the way, he and Kiki
will experience some fun and unexpected adventures.
ESTRENO MUNDIAL
WORLD PREMIERE
Colombia
2016- 72 min.-Digital
EL ABRAZO DE LA SERPIENTE
JAIRO CARRILLO
Colombia
Animación Digital en la London
Guildhall University. Director del
galardonado largometraje Pequeñas
voces (2003), ha codirigido las
películas Muertos de susto (2007)
y, Dios los junta y ellos se separan
(2005) junto a Harold Trompetero.
Dirigió el cortometraje documental
animado Hospital, ganador
del Premio Plata en el Flagstaff
International Film Festival de
Arizona en 1998.
Jairo Carrillo studied Social
Communications at the Pontificia
Universidad Javeriana in Bogota and
holds a Master’s in Digital Animation
from the London Guildhall University.
He directed the award-winning feature
film Pequeñas voces (2003) and
co-directed Muertos de susto (2007)
and Dios los junta y ellos se separan
(2005) with Harold Trompetero. He
also directed the short animated
documentary film Hospital, which won
the Silver Prize at the 1998 Flagstaff
International Film Festival in Arizona.
225
UN CABALLO LLAMADO ELEFANTE
TAXI
ESTRENO MUNDIAL
WORLD PREMIERE
ELEPHANT, THE HORSE
JAFAR PANAHI
Irán / Iran, 1960
Uno de los grandes y valientes
directores de Irán, que aun sigue
pagando su sentencia. Ganó
el León de Oro en el Festival
de Cine de Venecia de 2000 con
El círculo y, el Oso de Plata en el
Festival de Berlín de 2006 con
Offside. Dirigió El globo blanco (1995),
El espejo (1997), Carmesí oro (2003),
Esto no es una película (2011)
y La cortina cerrada (2013).
One of Iran’s greatest and most
courageous directors who is still doing
time for making films. Panahi won the
Golden Lion at the Venice Film Festival
in 2000 with The Circle and the Silver
Bear at Berlin in 2006 with Offside.
He also directed The White Balloon
(1995), The Mirror (1997), Crimson
Gold (2003), This Is Not A Film (2011)
and Closed Curtain (2013).
226
Idioma / Language Persa con subtítulos en español e inglés - Persian with Spanish and english subtitles
Director Jafar Panahi Productor / Producer Jafar Panahi Film Production Guion / Screenplay Jafar Panahi
Contacto / Contact Celluloid Dreams, [email protected]
Idioma / Language Español con subtítulos en inglés - Spanish with English subtitles Director Andrés
Waissbluth Productor / Producer Constanza Aragay Guion / Screenplay Andrés Waissbluth, Miguel Angel
Labarca, Daniel Laguna Editor Soledad Salfate, Adriana Martínez Fotografía / Photography Enrique
Stindt Reparto / Cast Tomás Arriagada, Joaquín Saldaña, Ana Sofía Durán, Miguel Rodarte, Salvo Basile,
Patricia Ércole, Ramón Llao Contacto / Contact Rhayuela Films, Federico Durán, [email protected]
Prohibido hacer películas en veinte años,
dar entrevistas, viajar fuera del país y pagar seis
años de arresto domiciliario. Esta es la sentencia
al director Jafar Panahi por “hacer propaganda
contra el sistema” de su país, Irán, que él,
de manera perspicaz, discreta pero también
divertida nos muestra, rodando, literalmente,
desde un taxi en el que Panahi es el chofer,
por las calles de una moderna Teherán, donde
se siente la vitalidad en la cotidianeidad de sus
transeúntes hasta que aparece el primer velo
de la censura en las mujeres que pasan cubiertas
con el obligatorio chador. A medida que avanza,
suben y se bajan todo tipo de pasajeros que
comparten ruta, opiniones y situaciones, desde
la discusión extrema sobre la efectividad de la
sharia, las ejecuciones y el derecho a la vida, las
leyes que atropellan a las mujeres, el fanatismo
religioso, la censura sobre “el realismo sórdido”
que existe pero no se debe mostrar, como
también, un hermoso homenaje de parte de una
de sus últimas pasajeras “…para la gente del cine
porque en la gente del cine se puede confiar”.
Roberto y Lalo son hermanos en extremo
diferentes, el primero, vive en el mundo de la
imaginación y el segundo, en el de la acción.
Pertenecen a una numerosa familia y, al igual
que sus pequeños primos, esperan en respetuoso
silencio el turno para darle el adiós a su moribundo
abuelo, patriarca que en postrer aliento alcanzará
a pedirles un final e inesperado deseo: liberar
su alma. Para lograrlo, deberán dejar escapar
a su caballo predilecto llamado Elefante, pero
lo que parece una sencilla acción, los llevará a
transitar por caminos desconocidos, los mismos
que recorre el héroe de la historieta preferida de
Roberto, convirtiéndose así, en los protagonistas
de su propia aventura, tratando de rescatar a
Elefante, robado por los integrantes de un circo de
paso, en el cual se esconden, y donde descubrirán
la maldad, la bondad y el amor y reconocerán
el valor de la hermandad, invencibles y seguros
de lograr lo que se propongan.
Ganadora del el Oso de Oro y del Premio
FIPRESCI en el Festival Internacional de Cine
de Berlín 2015.
Iranian director Jafar Panahi was placed under
house arrest for six years, banned from making
films for 20, from giving interviews and leaving
the country, all for daring to “speak out against
the system”. Yet he manages to get around these
constraints by posing as a taxi driver and filming
his passengers. Through the cab window, we get
a glimpse of what appears to be a modern, vibrant
Teheran, until the women covered from head
to foot in their mandatory chadors remind us this
is a country where their rights are severely restricted.
All kinds of passengers share their opinions with
Panahi on everything from the effectiveness of the
sharia or Islamic law, the death penalty and the
right to life to religious fanaticism and censure
of the “sordid realism” that exists, but that no
one dares mention. One of his last passengers
makes a beautiful homage “…to the movie
people because movie people are to be trusted.”
Winner of the Golden Bear and the FIPRESCI
Prize at the 2015 Berlin Film Festival.
Although they are brothers, Roberto and Lalo
couldn’t be more different. Roberto lives in
a fantasy world, while Lalo is a man of action.
They and their younger cousins respectfully wait
their turn in silence to say goodbye to their
grandfather, the patriarch of their large family
who has one last and unexpected wish—he wants
Roberto and Lalo to free his soul. To do this, they
must set Elephant, their grandfather’s beloved horse,
free. But what seems to be a relatively simple task
takes them down the same untrodden paths traveled
by Roberto’s favorite comic book hero. And so the
pair become the invincible protagonists of their own
adventure as they attempt to rescue Elephant from
a circus that has come to town. It is here, in the big
tent, that they will discover evil, goodness and love,
and come to acknowledge the value of brotherhood,
which gives them the confidence to achieve whatever
they put their minds to.
Chile / México / Colombia
Irán / Iran
ANDRÉS WAISSBLUTH
Estados Unidos, 1973
Director y artista plástico.
Estudió Ingeniería Comercial de
la Universidad Católica de Chile y
Dirección de Cine y Televisión en San
Antonio de los Baños, Cuba. En 1999
dirigió el documental 18 en el Parque.
En 2003 dirige su primer largometraje
Los Debutantes y en 2008, su segundo
largometraje 199 Recetas para ser Feliz.
Andrés Waissbluth is a director
and artist who studied Commercial
Engineering at the Universidad Católica
de Chile and Film and Television
Directing at the San Antonio de los
Baños film school in Cuba. In 1999,
he directed the documentary 18 en el
parque and went on to direct his first
feature film, Los debutantes, in 2003.
This was followed with a second feature
film in 2008, 199 recetas para ser feliz.
227
Los placeres de la desobediencia
The pleasures of desobedience
La noche acoge lo que el día repele. Lo que no quiere
ser visto, lo que no queremos ver. A la media noche se
revela aquello que, oculto, hace parte de una esencia
humana menos simple.
The night embraces what the day repels: that which does
not want to be seen, and that which we do not want to see.
The midnight hour reveals what is concealed, what is part
of a less simple human essence.
“Estas no son horas de salir a la calle”, pero sí de ir a cine
y desobedecer. Cubrirse con sombras que nos protegen
pero también nos descubren. Experimentar la sexualidad
y el amor, reconocer mundos posibles en lo imposible,
emprender viajes irracionales hacia lo que se esconde en
la tras escena inescrutable de la mente humana. Paisajes
abiertos y encierro doméstico, vida cotidiana y fiesta, los
intercambios entre lo conocido y lo desconocido.
“This is not a time to be out on the street”, but it is a good
time for movies and disobedience, a time to wrap un in
shadows that protect us and expose us, to experience
sexuality and love, to acknowledge possible worlds in
impossible settings, to undertake irrational journeys into
the unfathomable “behind-the-scenes” of the human mind:
open landscapes and home confinement, daily life and party,
exchanges between the known and the unknown.
Cine de medianoche recupera el espíritu original de estas
películas pero también lo reinventa. Todo lo que el día
mantiene controlado en su ilusión de racionalidad aquí
se exacerba: los sentidos, el miedo, el terror, el placer.
Diferentes enfoques sobre el eros y la muerte, bizarras
y atrevidas expresiones de aquello que el temor
transfigura en monstruoso.
The Midnight Cinema revive the original spirit of these
films but also reinvent it. All that lives under the illusion
of rationality and control is exacerbated: senses, fear, terror,
pleasure. Through different lenses, they look at eros and
death, these bold and bizarre expressions of that which
fear turns into monstrosity.
A la medianoche, la invitación es a dejarse llevar por la
dispar electricidad que proviene de las pantallas.
At midnight, let yourselves be compelled by the jolts
of electricity coming from the screen.
Diana Bustamante & Pedro Adrián Zuluaga
LOVE
LOVEMILLA
MI NOVIO ES UN ROBOT
GASPAR NOÉ
Argentina, 1963
Director y escritor argentino radicado
en Francia. Desde su cortometraje
Carne (1991), premiado en Cannes,
empezó a desarrollar una carrera
marcada por la provocación y la
voluntad de experimentar con
tecnologías y formas narrativas.
Ha dirigido los largometrajes Solo
contra todos (1998), Irreversible (2002),
Enter the Void (2009) y Love (2015).
Argentinean writer and director living in
France. Since his short film Carne (1991)
which received an award in Cannes,
Noé has built a career marked by
provocation and a desire to experiment
new technologies and narrative forms.
He directed the feature films I Stand
Alone (1998), Irreversible (2002), Enter
the Void (2009) and Love (2015).
234
Idioma / Language Francés e inglés con subtítulos en español - French and English with Spanish subtitles
Director Gaspar Noé Productor / Producer Brahim Chioua, Vincent Maraval, Gaspar Noé, Rodrigo
Teixeira, Edouard Weil Guion / Screenplay Gaspar Noé Editor Denis Bedlow, Gaspar Noé Fotografía /
Photography Benoît Debie Reparto / Cast Aomi Muyock,Karl Glusman, Klara Contacto / Contact
Federico Mejía [email protected]
Idioma / Language Finlandés con subtítulos en español e inglés - Finnish with Spanish and English subtitles
Director Teemu Nikki Productor / Producer Jani Pösö Guion / Screenplay Teemu Nikki, Jani Pösö
Editor Likka Hesse Fotografía / Photography Jarmo Katila Reparto / Cast Milka Suonpää, Joel Hirvonen,
Pauliina Suominen, Miina Penttinen, Lauri Jokinen, Saku Teemu Nieminen, Jouko Puolanto, Rami Rusinen Contacto /
Contact Cinemaran-Procinal, Andrés Arévalo, [email protected]
Murphy, un idealista estudiante de cine
norteamericano que busca la Europa estimulante
y romántica de Rimbaud y Joyce, intenta recuperar
la capacidad de sentir tras romper con su amante,
Electra, una estudiante de arte parisina. Un día
Murphy se despierta de un sueño que termina en
una eyaculación frontal en 3-D, rodeado por su
nueva realidad: una mujer y un niño de dos años.
Tras una llamada de la madre de Electra, empieza
a recordar el frenesí sexual y a reconstruir la
historia de un amor confirmado una y otra vez por
la afinidad carnal. En esta película con sexo real,
Noé sigue la línea de su predecesora Enter the
Void, y muestra una realidad transformada,
de colores intensificados por drogas y experiencias
que intentan lograr una conexión de orden casi
místico entre los personajes. Más allá de lo
explícito de su representación del sexo y del uso
de la tecnología del 3-D para provocar una
experiencia inmersiva, Love es un filme sobre
el misterio de un personaje que solo es posible
recuperar a través de recuerdos fragmentados
y fugaces, como si se tratara de una sensible y
delicada metáfora sobre el amor contemporáneo.
Milla es una joven como cualquiera de su edad
que vive y trabaja en una ciudad en la que
aparecen amorfos extraterrestres, cómplices
y gigantes osos panda y una celosa mujer-abejamaya que esparce el virus de la caca. Su mejor
amiga, una superheroína de lento vuelo, sus
padres, una par de zombies y su novio, Aimo,
quien siente que su mundo se le va al piso al
ver que alguien más puede llamar la atención
de ella. Decide entonces implantarse extensiones
robóticas articuladas que le hacen sentir mejor
físicamente más no emocionalmente por lo que
también cambia su corazón y el sentimiento entre
ambos comienza a transformarse. Una comedia
que se inspira en las películas de fantasía y
ciencia ficción de los años 70 y 80 cuando no
existían los avances digitales de hoy y los efectos
especiales eran manufacturados artesanalmente.
Un homenaje a la inocente amistad y al amor que
solo ve, lo que realmente es.
Murphy, an idealistic North American film student in
search of the stimulating and romantic Europe
of Rimbaud and Joyce, tries to recover from his
break-up with Electra, a Parisian arts student.
One day, Murphy, in the midst of a dream that
ends with a 3-D facial ejaculation, wakes up to
his new reality: a wife and a two-year-old child.
After receiving a call from Electra’s mother, he
starts reminiscing about the sexual frenzy and
reconstructing a love story many times confirmed
by their carnal attraction. In a movie full of real
sex scenes, Noé follows the trail of his previous
work, Enter the Void, showing a transformed reality
bathed in the gaudy colors of a drug trip where the
characters drown themselves in a search for the
ultimate mystical connection. Beyond its explicit
staging of sex and the use of an immersive 3-D
technology, Love is about the mystery of a character
that can only be grasped through fragments of
transient memories – a kind of sensitive and
delicate metaphor of contemporary love.
Milla is a young girl like any other, who lives and
works in a city among amorphous extraterrestrials,
giant and friendly panda bears, and a jealous
Maya-the-bee woman spreading a poop virus, and
in the company of her best friend – a slow-flying
superhero –, her parents – a pair of zombies –, and
her boyfriend Aimo, whose world crumbles after he
sees that someone else can attract her attention. He
decides to get articulated robotic implants that make
him feel better physically but not emotionally, so he
also replaces his heart, and the feelings them start to
change. This is a comedy inspired by the fantasy and
science fiction movies of the 70s and 80s, from a time
when digital effects did not exist and special effects
where made by hand. A tribute to innocent friendship
and to love that sees things as they really are.
Finlandia
Finland
2015- 95 min.-Digital
midnight cinema
cine de medianoche
Francia / Bélgica
France / Belgium
TEEMU NIKKI
Finlandia / Finland, 1975
Director, productor y guionista
de más de diez cortometrajes,
comerciales y videoclips. En 2012
dirigió su primer largometraje
Simo Times Three y al año siguiente
Verhon takaa.
Director, producer, and screenwriter of
over ten shorts, commercials, and video
clips. In 2012 he directed his first featurelength film, Simo Times Three, followed
by Verhon takaa the year after.
235
cine de medianoche
Reino Unido
United Kingdom
BEN RIVERS
Reino Unido /
United Kingdom, 1972
Artista y cineasta experimental,
ha dirigido varios cortometrajes
que fluctúan entre el documental
y la ficción, tales como This is My
Land (2006) y Slow Action (2010).
Su primer largometraje, Two
Years at Sea (2011), hizo parte del
Festival de Cine de Venecia y ganó
el premio FIPRESCI de la crítica. Su
segundo largometraje, A Spell to
Ward Off Darkness (2013), hecho en
colaboración con Ben Russell, tuvo
su estreno en el Festival de Cine de
Locarno de ese mismo año.
Experimental artist and filmmaker, Ben
Rivers has directed various short films,
always fluctuating between documentary
and fiction, such as This is My Land
(2006) and Slow Action (2010). His first
feature film Two Years at Sea (2011) won
the FIPRESCI Critics Prize at the Venice
Film Festival. His second feature A Spell
to Ward Off Darkness (2013), made in
collaboration with Ben Rusell, premiered
at the Locarno International Film
Festival that same year.
236
THE SKY TREMBLES AND THE
EARTH IS AFRAID AND THE
TWO EYES ARE NOT BROTHERS
Idioma / Language Árabe, inglés, francés y español con subtítulos en español - Arabic, English, French and Spanish with
Spanish subtitles Director Ben Rivers Productor / Producer Jacqui Davies, Ben Rivers Guion / Screenplay Sin
crédito Editor Ben Rivers, Benjamin Mirguet Fotografía / Photography Ben Rivers Reparto / Cast Oliver Laxe
Contacto / Contact Sata Cissokho, [email protected]
Un primer plano hipnótico y misterioso donde
tres carros son seguidos por una cuatrimoto
en un desierto se resuelve cuando vemos una
cámara montada en la parte trasera de la moto:
presenciamos el rodaje de una película.
El director gallego Oliver Laxe está al mando de
su largometraje Las Mimosas, sobre una caravana
que cruza los montes Atlas en Marruecos.
La película se presenta como un making of en
clave de documental de observación, donde se
intercalan momentos del rodaje con “vistas” de
la gente del lugar. Sin embargo, como en un acto
de prestidigitación, un quiebre aparece en la
narración en el momento en que Laxe emprende
la huida en su camioneta. Hemos entrado al
terreno de la ficción, se pierde al equipo de rodaje
y vemos la adaptación de Rivers del cuento Un
episodio distante del escritor Paul Bowles. Como
en el cuento, Laxe es secuestrado por un grupo de
bereberes que le cortan la lengua, lo visten con un
vestido de latas y lo vuelven su bufón, obligándolo
a bailar para su entretenimiento. Tal como lo hace
Bowles, la película pone en tensión las figuras
del colonizador y el colonizado, trocándolas de
la misma forma en que la película intercala el
documental y la ficción. La venganza fantástica
del colonizado se solapa sobre la mirada del
colonizador.
A hypnotic and mysterious close-up view of three
cars followed by a quad bike is resolved when a
camera mounted on the rear of the bike appears in
the frame: we are witnessing the shooting of a film.
Galician director Oliver Laxe is directing his feature
Las Mimosas, a film about a caravan crossing the
Atlas Mountains in Morocco. The movie is presented
as a making of, in an observational documentary
style, in which moments of the shooting interweave
with “shots” of the local folk. But suddenly, like a
magic trick, the narrative reaches a turning point
when Laxe escapes in his truck. We have now entered
the realm of fiction. We lose sight of the crew and
enter Rivers’ adaptation of Paul Bowles story, A
Distant Episode. Just like in the short story, Laxe
is kidnapped by a group of Berbers who cut off
his tongue, dress him up in a tin robe and make
him their buffoon, forcing him to dance for their
amusement. Just like in Bowles’ work, the film
creates a tension between the colonizer and the
colonized, interchanging them in the same way that
the film combines documentary and fiction. The
fictitious vengeance of the colonized covers the look
of the colonizer.
THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW
Idioma / Language Inglés con subtítulos en español - English with Spanish subtitles Director Jim Sharman
Productor / Producer Michael White Guion / Screenplay Richard O’Brien, Jim Sharman Editor Graeme Clifford
Fotografía / Photography Peter Suschitzky Reparto / Cast Tim Curry, Susan Sarandon, Barry Bostwick
Pocas películas le hacen tanta justicia a la etiqueta
“cine de culto” como The Rocky Horror Picture
Show. Desde su estreno como obra de teatro
musical en 1973 y su posterior adaptación al cine
dos años después, The Rocky Horror Picture Show
ha sido objeto de peregrinación para lo amantes
de las salas grindhouse y los cines de media noche.
Las proyecciones de esta cinta se han convertido
en grandes eventos a los cuales los espectadores
asisten travestidos, cargados de objetos alusivos
y prestos a entablar una liberadora complicidad
con el film. Las deliciosa actuación de Tim Curry
como el Dr. Frank N. Furter, un “dulce travesti
de Transexual, Transilvania” y de una floreciente
Susan Sarandon, la impúdica representación
del sexo y los vestuarios rebosantes de picardía,
trasgreden durante toda la película la opresión
de una moral normativa. The Rocky Horror Picture
Show se ha establecido en un lugar privilegiado
dentro de la historia del cine musical a base de
personajes inolvidables, números musicales
exuberantes y una trama en la que sexo,
alienígenas, monstruos góticos y cabaret
conviven para revelar el absurdo dentro del
recatado y moralista imaginario de la vida
suburbana norteamericana.
Few films do justice to the term “cult cinema”
like The Rocky Horror Picture Show. Based on
the 1973 musical stage production, it was adapted
to the big screen two years later and has since
garnered a following of grindhouse and midnight
theater aficionados. Audience members dress up
like the characters in the film, bring along props
and even lip synch along to the unforgettable
performances of Tim Curry as Dr. Frank-N-Furter,
a “sweet transvestite from Transsexual, Transylvania”
and a fresh-faced, uninhibited Susan Sarandon.
Raunchy characters, catchy musical numbers and a
hotchpotch plot of sex, aliens, gothic monsters and
cabaret have established The Rocky Horror Picture
Show as a classic in the musical horror genre,
one that rebels against the conservative,
moralistic repression of suburban America.
Reino Unido / Estados Unidos United Kingdom / United States
midnight cinema
ESTRENO
LATINOAMERICANO
L ATIN AMERICAN
PREMIERE
JIM SHARMAN
Australia, 1948
Sharman se ha desempeñado
principalmente como director de
teatro musical, formato en el cual
dirigió musicales de la relevancia de
Hair y Jesus Christ Superstar. Saltó a la
fama internacional al dirigir y producir
en 1973 la comedia musical The Rocky
Horror Picture Show, así como su
posterior adaptación cinematográfica
en 1975.
Jim Sharman has directed musical
stage productions of the magnitude
of Hair and Jesus Christ Superstar.
He shot to international fame with the
1973 musical comedy The Rocky Horror
Picture Show, which he produced and
directed and which was adapted to the
big screen in 1975.
237
MARÍA
GAMBOA
JAVIER
MEJÍA
el séptimo y otros tres
SPIROS
STATHOULOPOULOS
JORGE
NAVAS
LUCAS
MALDONADO
MATÍAS
MALDONADO
CARLOS
MORENO
242
FRÍO EN COLOMBIA
Idioma / Language Español con subtítulos en inglés - Spanish with English subtitles Director Jorge Navas, Lucas
y Matías Maldonado, María Gamboa, Spiros Stathoulopoulos, Carlos Moreno, Javier Mejía Productor / Producer
Emiliano Mansilla, Antonio von Hildebrand Guion / Screenplay Spiros Stathoulopoulos, Carlos Moreno, Javier
Mejía, Antonio von Hildebrand, Matías Maldonado, Alonso Torres Editor Patrick Danse, Andrés Porras, Sebastián
Hernández, Lenz Claure Fotografía / Photography Luis Otero, Sofía Oggioni, Diego Jiménez, David Curto,
Lucas Maldonado Reparto / Cast Alberto Valdiri, Harold Devasten, Angel Becassino, David Ortiz, Absalon Arango
Gómez Contacto / Contact Antonio von Hildebrand, [email protected]
Ana María Millán
Instalación de tres canales / Three channel installation
Existen tantos imaginarios y expectativas
acerca del Amazonas como formas de verlo
y este proyecto interactivo que combina cine
y tecnología y que lleva su nombre, es uno de
ellos. Siete directores colombianos, Jorge Navas,
Lucas y Matías Maldonado, María Gamboa,
Spiros Stathoulopoulos, Carlos Moreno y Javier
Mejía, realizan una película compuesta por seis
cortometrajes de ficción para, desde diferentes
intenciones e ideas, permitirnos apropiar y
acercarnos a la cosmogonía de sus habitantes,
a sus riquezas y desafíos mediante originales
fábulas que con respeto, humor, intriga, fantasía
y suspenso, nos llevan a descubrir un poco más
de esta zona vital, sobre la cual sabemos que
nos pertenece como nación pero que
desconocemos absolutamente.
A manera de instalación, estos cortometrajes
serán proyectados en forma simultánea y no
sucesiva, en el Museo de Arte Moderno de
Cartagena.
There are as many collective fantasies and
expectations around the Amazon as there are
ways of seeing it. This interactive project,
which combines film and technology and is
named after the region, is one of them. Seven
Colombian directors, Jorge Navas, Lucas and
Matías Maldonado, María Gamboa, Spiros
Stathoulopoulos, Carlos Moreno, and Javier Mejía,
put together six shorts into one feature-length film
that allows us to approach the cosmogony, the
richness and the challenges of the people of the
Amazon. Through different intentions and ideas
expressed in original fables full of humor, respect,
intrigue, fantasy and suspense, we discover this vital
region of our territory about which
we know nothing.
These shorts will be projected simultaneously, and
not consecutively, as an art installation at the
Cartagena Museum of Modern Art.
Colombia
2015
Frío en Colombia, la videoinstalación de la artista
caleña Ana María Millán, que hizo parte en 2015
de las obras realizadas en el marco de la VIII
versión del Premio Luis Caballero, se alimenta de
una historia de leyenda y tragedia que guarda una
estrecha relación con Cartagena y su festival de
cine. Millán reinterpreta, de forma fragmentada
y alusiva, la película Kalt in Kolumbien, rodada en
Cartagena en 1985 y dirigida por el actor alemán
Dieter Schidor, que tres años antes había asistido
al festival a presentar Querelle, de Rainer Werner
Fassbinder. Seducido por la ciudad, en la que
veía un decadente encanto tropical, Schidor
logró reunir a un variado grupo de personas a
quienes involucró en la producción, entre ellos el
videoartista alemán Marcel Odenbach, el escritor
y crítico de arte Gary Indiana, la directora de
arte Karen Lamassonne y Víctor Nieto Jr., hijo
del fundador del FICCI y quien en el momento
de realizar la película era el director del festival.
Mucho de los participantes de Kalt in Kolumbien
fueron cubiertos por una estela de tragedia,
y la película misma cayó en el olvido: las copias
de la película, hoy en día están bajo secuestro
legal en Hamburgo, en espera de alguien que se
haga cargo. A partir de un deteriorado casete de
video que le sirvió como sustrato inicial, Millán
rehace la película atendiendo la multiplicidad
de referencias políticas, culturales y sexuales que
en ella aparecen explícitas o encubiertas. En tres
pantallas, la reinterpretación de Millán, grabada en
Cartagena en 2015, rescata las alusiones y comenta,
crítica y juguetonamente, la década de los ochenta
en Colombia, los imaginarios que circularon en
torno a un país atravesado por la violencia y el
narcotráfico, pero, al mismo tiempo, la seducción
de un trópico siempre en trance de corromperse.
Cold in Colombia, Cali-born artist Ana María
Millán’s video installation, is one of the works
that was made for the VIII edition of the Luis
Caballero award. It is rooted in a history of legends
and tragedies closely related to Cartagena and its
film festival. In Cold in Colombia, Millán proposes
a fragmented and allusive reinterpretation of Kalt
in Kolumbien, filmed in Cartagena in 1985 and
directed by German actor Dieter Schidor, who
attended the festival three years before to present
Querelle, by Rainer Werner Fassbinder. Seduced
by the city, in which he saw a decadent tropical
charm, Schidor brought together a varied group
of people and involved them in the production,
among them German video artist Marcel Odenbach,
writer and art critic Gary Indiana, art director Karen
Lamassonne, and Victor Nieto Jr., son of the founder
of FICCI, who at the time was the director of the
festival. Many of the people who participated in
Kalt in Kolumbien were struck by tragedies, and
the film itself was forgotten. Today, all copies of the
movie are legally retained in Hamburg, waiting
for someone to claim ownership of them. Using a
deteriorated video cassette as an initial layer, Millán
recreated the movie and addressed the multiple
political, cultural, and sexual references that are
explicit or hidden in the film. Millán’s reinterpretation,
recorded in Cartagena in 2015 and displayed on three
screens, rescues the allusions and features a playful
and critical commentary on Colombia in the Eighties,
on the popular consciousness of a country that was
affected by violence and drug trafficking, and the
seduction of a tropical environment always on the
verge of corruption.
ANA MARÍA MILLÁN
Colombia, 1975
Artista plástica y curadora. Desde
el colectivo Helena Producciones
ha contribuido a la circulación del
performance en Colombia y a la
reivindicación de la figura del cineasta
caleño Jairo Pinilla, como parte de
su interés por la precariedad formal
y cultural. En sus trabajos, muchos
de ellos en formato de video, Millán
reposiciona las subculturas y los
discursos de exclusión. “Me ocupo
de la cultura amateur, sus errores
y posibilidades, su violencia, de
huecos negros de la historia”, afirma
la propia artista, que con Frío en
Colombia participó en la VIII versión
del premio Luis Caballero, uno
de los máximos reconocimientos
a la trayectoria artística en el país.
the seventh and three others
Colombia
2015 -90 min. -Digital
AMAZONAS
Visual artist and curator. Through
the Helena Producciones collective,
she has contributed to the circulation
of performance in Colombia and the
vindication of Cali-born filmmaker
Jairo Pinilla, as part of her interest
n formal and cultural precariousness.
In her works, many of them in video
format, Millán repositions subcultures
and discourses of exclusion. “I deal with
amateur culture, its errors and possibilities,
its violence, the black holes in history,”
says the artist, who participated in the
VIII edition of the Luis Caballero Award,
one of the most important artistic
recognition awards in the country,
with her work Cold in Colombia.
243
ZOÉ - PANORAMAS
PAZCIENCIA
VIDEODANZA EN ESCENA
México
Mexico
2016- 90 min. – Digital
Idioma / Language Español e inglés con subtítulos en inglés - Spanish and English withSpanih subtitles
Director Rodrigo Guardiola, Gabriel Cruz Rivas Productor / Producer Rodrigo Guardiola, Gabriel
Cruz Rivas Guion / Screenplay Rodrigo Guardiola, Gabriel Cruz Rivas Editor Adriana Martínez, Olmo
Guerra,Rodrigo Guardiola, Gabriel Cruz Rivas Fotografía / Photography Guillermo Garza Reparto / Cast
León Larregui, Sergio Acosta, Jesús Báez, Ángel Mosqueda, Rodrigo Guardiola Contacto / Contact Natalia
Idioma / Lenguaje Español e inglés - Spanish and English Dirección y coreografía Lobadys Pérez
Interpretación Compañía Periferia Dirección audiovisual Camila Falquez y TeléfonoRoto Dirección
técnica Luis Cáceres Bailarines / Dancers Yainer Ariza, Dina Candela, Juan Leyder Chico, Gina Collazos,
Frey González, Mónica Laguna, Eduardo Puello, Raynara Sánchez Contacto / Contact Compañía Periferia,
Lobadys Pérez, [email protected]
Colombia / España
Colombia / Spain
2015 -30 min.
Danza y video
La ciencia de la Paz. La reconciliación está
cerca, la espera ha sido larga, pero ahora se
confirma que el destino que vivimos no ha
sido predeterminado, las voluntades han sido
fundamentales en este proceso, tanto para
mantener el estado de las cosas, como ahora para
cambiarlo. Una narración abstracta y poética,
donde la danza encuentra el lenguaje audiovisual,
para crear una pieza única interpretada
magistralmente por la Compañía Periferia.
COMPAÑÍA PERIFERIA
Agudelo Campillo, [email protected]
Estudió Artes Plásticas y una Maestría
en Artes Digitales en la Universidad
Pompeu Fabra, Barcelona. Desde 2005
trabaja en la realización de videos de
los conciertos en vivo de Zoé.
He studied Plastic Arts and obtained a
Masters Degree in Digital Arts at Pompeu
Fabra University, Barcelona. As of 2005 he
works as videographer for Mexican band
Zoe’s live shows.
To enter a world in suspension, while the other world
carries on. Panoramas – a title borrowed from one
of their songs - more than a Rockumentary, is a
travel diary, the diary of an extensive tour that starts
in Europe, continues in South America and ends in
a recording studio in the U.S. With a respectful gaze
and from appropriate distances, this film documents
public moments of this Mexican cult band that
started in the mid-90’s, but also captures more
intimate moments that take place during their long
coexistence, where the conducting thread is always
their music. This film depicts topics such as creation,
reconciliation, mistakes, human error, silence, fun
moments, the isolation in contemplation brought
on by spending several hours on the road, constant
experimentation with sounds, the return to painful
realities but above all, the vibrant energy of this
band’s unconditional followers who, once the band
hits the stage, leave exhaustion behind and then
everything makes sense.
The Science of Peace. Reconciliation is near, it
has been a long wait, but now it is confirmed
that the destiny that we live was not predetermined.
Acts of will have been fundamental in this process,
as much to maintain the status quo as to now
change it. An abstract and poetic narration, where
dance meets audiovisual language in order to
create a unique piece, beautifully performed
by the Compañía Periferia.
Fundada por el bailarín y
coreógrafo Lobadys Pérez,
Periferia es una compañía de
danza con sede en Cartagena
de Indias (Colombia). Su
repertorio está permeado por
investigaciones inspiradas en los
Estudios culturales y reflexiones
críticas sobre los efectos del
fenómeno colonial en las
sociedades contemporáneas.
GABRIEL CRUZ RIVAS
Entrar a un mundo suspendido, mientras el otro,
sigue afuera. Panoramas, - nombre tomado de
una sus canciones- más que un rockumentary es
un diario de viaje, el diario sobre una extensa gira
que comienza en Europa, sigue en Suramérica
y termina en un estudio de grabación en Estados
Unidos y que, desde una respetuosa mirada y
distancias apropiadas, recoge momentos públicos
de esta banda mexicana de culto que comenzó
a mediados de los años 90 pero también, los
más íntimos que en una larga convivencia puedan
aparecer y donde el hilo conductor siempre será
su música. Creación, acercamientos, errores,
humanos errores, silencios, divertidos momentos,
el aislamiento de la contemplación que permite
las largas horas de carretera, la experimentación
constante de sonidos, el regreso a realidades
dolorosas pero sobre todo, la vibrante energía
de sus incondicionales seguidores cuando al salir
al escenario, hace quedar el cansancio atrás
y todo toma sentido.
RODRIGO GUARDIOLA
Compositor y baterista de Zoé y director
de sus videos musicales 10AM, Zoé
281107 (2009), Algunos días son mejores
que otros (1999) y Arena de Chetes.
Music composer and Zoe’s drummer.
He has directed various Zoe music
videos, such as 10AM, Zoé 281107
(2009), Algunos Días son Mejores
que Otros [Some days are better than
others] (1999), and Arena by recording
artist Chetes.
244
245
EDUARDO “LA RATA”
CARVAJAL
LA PERMANENCIA DE LO INMEDIATO
THE ENDURING INSTANT
Fotografías Eduardo “La Rata” Carvajal Curaduría Diana Bustamante Digitalización de materiales
Erik Bongue Diseño Gráfico y Montaje Santiago Mendoza y Juanita Carrillo
Photographer Eduardo “La Rata” Carvajal Curator Diana Bustamante Digitization Erik Bongue
Graphic Design and Installation Santiago Mendoza y Juanita Carrillo
Eduardo “La Rata” Carvajal representa eso que por momentos parece diluirse en nuestro contexto
y en nuestro tiempo: la memoria. Su obra fotográfica reúne el registro de más de cuarenta años del cine
y el arte colombiano. Del Grupo de Cali, el movimiento que desde los años setenta ha dinamitado
el orden establecido del cine colombiano y del que él mismo fue parte activa, “La Rata” conserva
momentos imborrables, retratos de grupo o individuales que muestran no solo la actitud rebelde
de sus miembros sino el gozo de la amistad compartida, hecha celebración permanente.
Eduardo “The Rat” Carvajal embodies something that seems, at times, to dissolve in our context and our time:
memory. His photographic work covers more than forty years of Colombian art and cinema. “The Rat” was an
active member of the Cali Group, the movement that started undermining the status quo of Colombian cinema
in the 1960’s, and captured unforgettable moments and portraits of the group that not only show the rebellious
attitude of its members but also the joy of their friendship and permanent celebration.
Viajero incansable que ha atravesado regiones, paisajes y géneros artísticos, en busca de riesgos y
experiencias. Ha trabajado con sus amigos de siempre, pero también se ha abierto generosamente
a esos nuevos directores que han visto en él, la figura icónica que acompaña en silencio cómplice
la creación de películas maravillosas.
Su trabajo en la tras escena del cine nacional le ha permitido urdir una narrativa propia, un estilo que
atraviesa toda su obra. Para “La Rata”, la mayor aventura es escudriñar, y desestabilizar lo que la imagen
plantea. Lo que él hace va más allá de lo que tradicionalmente se conoce como Foto Fija dentro del
esquema tradicional de una producción; sus fotografías revelan una historia propia. El pulso particular
de cómo se filmó y se vivió la realización de una película. La vida misma, a través del cine, es el regalo
de este fotógrafo, despreocupado por el crédito y ajeno a la angustia del nombre, pero obsesionado por
encontrar el mejor momento, el plano ideal, la imagen que quedará detenida para siempre haciéndonos
imaginar el universo que la rodea y la hizo posible.
Ante su curiosa mirada, han transcurrido los largos y agitados días de rodaje de películas como Angelita
y Miguel Ángel de Andrés Caicedo y Carlos Mayolo; Cali de Película de Luis Ospina y Carlos Mayolo;
Campesinos de Jorge Silva y Marta Rodríguez; Agarrando pueblo de Luis Ospina y Carlos Mayolo; Pura
Sangre de Luis Ospina; Carne de tu carne de Carlos Mayolo; Aquel 19 de Carlos Mayolo; En busca de María
de Luis Ospina y Jorge Nieto; Valeria de Óscar Campo; Andrés Caicedo: unos pocos buenos amigos de Luis
Ospina; María Cano de Camila Loboguerrero; la serie de televisión Azúcar de Carlos Mayolo; La vendedora
de rosas de Víctor Gaviria; Soplo de vida de Luis Ospina; Alguien mató algo, de Jorge Navas; La virgen de los
sicarios de Barbet Schroeder; Sumas y restas de Víctor Gaviria, La sangre y la lluvia de Jorge Navas; Todos tus
muertos y Que viva la música de Carlos Moreno y por supuesto, La mansión de Araucaima de Carlos Mayolo.
El FICCI 56, celebra la fortuna de contar con este invitado de lujo que abre sus archivos para festejar los
30 años de La Mansión de Araucaima. Un archivo inédito, que con la crudeza del material en proceso,
no pretende maquillar ni distorsionar. Que plantea ante todo la honestidad del oficio, sin trampas ni
artificios. El momento, lo inmediato y el escritorio de trabajo, es lo que nos trae esta exposición.
246
Carvajal was a relentless traveler and explored many regions, landscapes and artistic genres in search of dangers
and experiences. He worked with his old friends, but also generously opened up to new directors who saw in him
the iconic figure, the silent accomplice of the creation of fabulous films.
His work in the backstage of the national film industry allowed him to devise his own personal narrative, a style
that permeates all his art. For “The Rat”, the greatest adventure is scrutiny, thus destabilizing what the image
suggests. His work goes beyond what is traditionally known as the still photograph in the usual context of a film
production. His photos reveal a story of their own, the peculiar pulse behind the film shoot and the work of the
director. Life itself, as seen through the eyes of a motion picture, is this photographer’s greatest gift, one that is
free of any preoccupation for credits, of any concern for authorship but rather obsessed by the right moment,
the ideal frame, the still that will forever invite us to imagine the atmosphere that made it possible.
Fotofija La Mansión de Araucaíma
EDUARDO “LA RATA”
CARVAJAL
Many long and agitated days of filmmaking have unfolded before his inquisitive eyes, like those of Angelita
y Miguel Ángel by Andrés Caicedo and Carlos Mayolo, Cali de Película by Luis Ospina and Carlos Mayolo,
Peasants (Campesinos) by Jorge Silva and Marta Rodríguez, The Vampires of Poverty (Agarrando pueblo)
by Luis Ospina and Carlos Mayolo, Pure Blood (Pura Sangre) by Luis Ospina, Bloody Flesh (Carne de tu carne)
by Carlos Mayolo, Aquel 19 by Carlos Mayolo, In Search of Maria (En busca de María) by Luis Ospina and
Jorge Nieto, Valeria by Óscar Campo, Andrés Caicedo: A Few Good Friends (Andrés Caicedo: unos pocos
buenos amigos) by Luis Ospina, María Cano by Camila Loboguerrero, the Azúcar TV series by Carlos Mayolo,
The Rose Seller (La vendedora de rosas) by Víctor Gaviria, Breath of Life (Soplo de vida) by Luis Ospina,
Someone Killed Something (Alguien mató algo) by Jorge Navas, Our Lady of the Assassins (La virgen de los
sicarios) by Barbet Schroeder, Additions and Subtractions (Sumas y restas) by Víctor Gaviria, Blood and Rain
(La sangre y la lluvia) by Jorge Navas, All Your Dead Ones (Todos tus muertos) and ¡Que viva la música!
by Carlos Moreno and, of course, Carlos Mayolo’s Araucaima Mansion (La mansión de Araucaíma).
FICCI 56 is honored to have such a distinguished guest open up his archives to celebrates the 30th anniversary
of The Araucaima Mansion. This archive is unpublished and has the crudeness of a work in progress that does
not seek to disguise or distort. It presents the honesty of a trade, without any trick or device. The moment,
the immediate and the work table – this is what this exhibition is about.
247
SHARUNAS BARTAS,
THAT WHICH HAS NO NAME
En una entrevista para el documental Sharunas Bartas: An Army of One, Bartas rememora el suceso
mítico que dio inicio a su voluntad de hacer cine: en una expedición por las montañas siberianas se
encontró con un viejo chamán que lo recibió en su cabaña, motivado, en un principio, por la venta de
un rifle. Con una marcada renuencia a relatar su vivencia, se limita a señalar que allí tuvo lugar algo
que fue importante para él y que no descansaría hasta lograr expresarlo. Sharunas Bartas encuentra en
el cine la única vía para referirse a eso que no tiene nombre, organizando un conjunto de relaciones e
intensidades donde quizás pueda aflorar la experiencia mística, esencial, sensible.
In an interview for the documentary Sharunas Bartas, An Army of One, Bartas recalls the one single event that
made him want to be a filmmaker: on an expedition to the Siberian mountains he met an old shaman who
welcomed him into his hut, motivated by the possibility of buying a rifle. The director has never told anyone
what happened in that hut; all he has said about it is that it was life-changing and that he would not rest
until he could give it expression. It is through film that he has found a way to refer to that which has no name,
threading together a series of relationships and intense moments where the critical but insubstantial mystical
experience can thrive.
El autor lituano nació en 1964. Concluyó sus estudios de cine con Tofolaria (1986), un documental que
realiza en una segunda expedición a las montañas siberianas, y que sigue a los nativos del lugar. En
In The Memory of a Day Gone By (Praejusios dienos atminimui, 1990), estrenado el mismo año en que
Lituania se independiza de la Unión Soviética, justo antes de la disolución de esta última, se pueden
leer los códigos de las sinfonías de ciudad; en él, Bartas manifiesta una desorientación y un pesimismo
radicales frente al nuevo estado de las cosas. Este estilo se pronunciará en sus dos películas posteriores:
Three Days (Trys dienos, 1992) y The Corridor (Koridorius, 1995).
Born in 1964 in Lithuania, Bartas graduated from film school with Tofolaria (1986), a documentary on the
native peoples that inhabit the mountains of Siberia and that he made on a second expedition to the region.
The Memory of the Day Passed By (Praejusios dienos atminimui, 1990), released the same year Lithuania
gained its independence from an already disintegrating Soviet Union, contains the codes of a city alienated
from itself. Here, Bartas expresses a deep sense of disorientation and pessimism vis-à-vis the new order of
things, a sentiment that was to become even more accentuated in Three Days (Trys dienos, 1992) and The
Corridor (Koridorius, 1995).
En Three Days, el autor mira a una juventud marginal y sin propósito que se arroja a las calles. En las
tres películas aparecen fachadas resquebrajadas, construcciones industriales, interiores. Esta filmografía
inicial consituye una arqueología social, donde las ruinas reflejan la geografía psíquica de los personajes.
Es también el inicio de una constante necesidad de trascendencia. Aves alzando al vuelo, luz ocre sobre
los rostros, niños jugando con fuego en una catedral destechada –lugar que recuerda el monasterio en
Nostalghia de Andrei Tarkovski–, una conversación acerca de la muerte y el alma. “Después del final está
la luz”, asegura un anciano.
Three Days is about four marginalized young people with no direction in life. These three films, shot against walls
with peeling paint, in industrial complexes and interiors, are exercises in social archaeology, where the ruins reflect
the geography of the characters’ psyches and a pressing need for transcendence. Birds taking flight, ochre light
shining on faces, children playing with fire in a cathedral without a roof—reminiscent of the monastery in Andrei
Tarkovski’s Nostalghia—, a conversation about death and the soul. “After the end comes light,” says an old man.
Few of Us (1996) lo reconecta con sus impulsos iniciales. Bartas se concentra en las fuerzas de la
naturaleza, a las cuales, los hijos sin futuro de la civilización, vuelven sus pasos, encontrando una
desolación de la cual terminan brotando los impulsos primitivos. Desde The Corridor, pasando por
Few of Us, hasta obras como Seven Invisible Men (2005), las tensiones se acumulan, el sufrimiento y la
desesperanza encuentran un escape en la fiesta, pero esos momentos de goce reclaman algo de vuelta
y entonces emerge una violencia primordial. Desde Few of Us, sus películas dan un giro fascinante: todo
queda puesto en segundo plano por acontecimientos materiales puros, manifestaciones que son la
base de toda una metafísica, cuya culmen es Freedom (2000), donde un grupo de inmigrantes ilegales
esperan sus últimos días a merced de una geografía poderosa, un limbo en el cual se da el cumplimento
de una condena, el fin del mundo, lo desconocido.
Antes de Freedom, Sharunas Bartas había elaborado con A Casa (1997), un poema alegórico sobre la
madre (o el hogar o la patria, realidades inasibles para alguien que como él, creció con la violencia de
la historia). En Peace to Us in Our Dreams (2015), Sharunas vuelve al centro magnético de la familia,
para recomponer en un paisaje luminoso, con personajes en fuga como en Few of Us, las tensiones de
siempre: la fina línea entre la superficie y lo material y un misterio que pugna por aflorar.
Esta retrospectiva de Bartas, realizada gracias al apoyo del Centro de Cine de Lituania-LFC-, permite
acceder, a través de un autor capital, a las derivas de los cines pos-soviéticos. Mientras otros directores
se concentran en lo más prosaico de ese mundo en crisis, al director lituano le interesan otros signos: la
pérdida de un centro y una fe. El de Sharunas es un cine que se experimenta, un conjunto de impresiones.
Few of Us (1996) reconnects with director’s initial preoccupations. Here, Bartas focuses on the forces of nature,
to which civilization’s futureless children turn, only to find a desolation that ends up stoking their primitive
impulses. From The Corridor and Few of Us to films like Seven Invisible Men (2005), the tension gradually
mounts and suffering and despair find an escape valve in merrymaking, but these rare moments demand
something be given back and this is when primal violence emerges. Few of Us marks a fascinating turning point
in the director’s filmography: events in themselves take a backseat to the underlying metaphysical experience
that culminates in Freedom (2000), in which a group of illegal immigrants wait out their final days at the
mercy of a powerful geography, a limbo in which a sentence is executed, the end of the world, the unknown.
sharunas bartas retrospective
retrospectiva sharunas bartas
SHARUNAS BARTAS,
ESO QUE NO TIENE NOMBRE
But before Freedom came A Casa (1997), an allegorical poem about the figure of the mother or home or
country, ungraspable realities for someone like Bartas whose country has a history of violence. In Peace to Us in
Our Dreams (2015), he draws us back like a magnet to the family nucleus, recreating in a luminous landscape
with fugitive characters like in Few of Us, the same old conflicts, the fine line separating the surface and the
material, and a mystery that begs to rise to the surface.
This retrospective of Bartas’ work, made possible with the support of the Lithuanian Film Center (LFC), gives
us insight into the course post-Soviet cinema has taken, but while other directors focus on the more prosaic
aspects of this world in crisis, Bartas is more interested in its loss of identity and faith. His is a cinema that can
only be understood with the senses, experienced in the flesh.
Daniel D. Flórez
Daniel D. Flórez
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A CASA
FEW OF US
KORIDORIUS
Lituania / Portugal / Francia - Lithuania / Portugal / Francia
1997 – 120 min.– 35mm
Portugal / Francia / Alemania / Lituania
Portugal / France / Germany / Lithuania
1996 – 105 min.
Alemania / Lituania - Germany / Lithuania
1995 – 85 min.
Rusia
1990 – 40 min.
PRAEJUSIOS DIENOS ATMINIMUI
IN THE MEMORY OF A DAY GONE BY
Idioma / Language Sin diálogos Director Sharunas Bartas Productor
/ Producer Paulo Branco Guion / Screenplay Sharunas Bartas,
Yekaterina Golubeva Editor Ariadna Gruodiene, Nina Romanovskaja
Fotografía / Photography Sharunas Bartas, Rimvydas Leipus Reparto /
Cast Valeria Bruni Tedeschi, Leos Carax, Micaela Cardoso, Oksana Chernych,
Alex Descas, Grazina Kernagiene, Egle Kuckaite, Jean-Louis Loca, Viktorija
Nareiko, Francisco Nascimento, Eugenija Sulgaite, Leonardas Zelcius
/ Producer Paulo Branco Guion / Screenplay Sharunas Bartas Editor
Mingaile MurmulaitieneFotografía / Photography Sharunas Bartas
Reparto / Cast Yekaterina Golubeva, Piotr Kishteev, Sergei Tulayev
/ Producer Sharunas Bartas, Ilona Ziok Guion / Screenplay Sharunas
Bartas Editor Mingaile Murmulaitiene Fotografía / Photography
Rimvydas Leipus Reparto / Cast Daiva Ksivickiene, Mantvydas Janeliunas,
Viacheslav Amirhanian
Idioma / Language Sin diálogos Director Sharunas Bartas Productor /
Producer Sharunas Bartas Guion / Screenplay Sharunas Bartas Editor
Ariadna Gruodiene, Nina Romanovskaja Fotografía / Photography
Vladas Naudzius
Entre toda la obra de Sharunas Bartas, A Casa es, sin lugar a dudas,
su película con mayor fuerza lírica. La poesía se presenta como único
medio para hablarle a una figura materna, que engloba el concepto de
madre, de patria y de casa. La película inicia con el aria Erbarme dich,
mein Gott de J.S.Bach, que nos introduce a una vista general de una
antigua mansión, sobre la cual, una voz masculina lee el fragmento
de una carta a su madre “Cada vez que vengo aquí a escucharte, ya
no puedo hablarte (...) todas mis preguntas, las respondiste en mi
interior”. Adentro de la mansión, un hombre despierta y empieza
el reconocimiento del lugar. De allí en adelante se despliega una
maravillosa alegoría audiovisual, con una riqueza plástica y conceptual
absolutamente pasmante. Como un elemento conector entre sus
películas, vemos nuevamente –luego de Few of us– la imagen de
un ático interior donde han crecido flores, alumbradas por una luz
dorada. Sin embargo, este paraíso es abruptamente profanado por
las fuerzas militares trayendo una bruma radical. “Madre, el tiempo
ha pasado y estoy lejos de ti. Lo que es importante para mí, madre,
es creer que estas cosas no desaparecerán (...) Porque no somos
más que almas muertas. Almas enfermas, fatigadas. Muy simple.
Y sobre todo, casi sin esperanza. Pero no desapareceremos”.
Una misteriosa mujer representada por Yekaterina Golubeva –actriz
presente a lo largo de la obra de este autor– emprende un viaje a
una región siberiana poblada por unos pocos nativos. La relación
entre ella y estos es enigmática. No hay señales sobre la motivación
de este viaje ni elementos que den cuenta de un pasado en común;
sólo se hace evidente el profundo sufrimiento padecido por la mujer.
En Few of Us, los cuerpos adquieren un valor plástico y simbólico;
cada plano está compuesto cuidadosamente como una fotografía,
donde cuerpos y paisaje se entrelazan en un constante intercambio.
La cámara hace un estudio detallado de las formas, los flujos de
materia, los contornos, tanto de los rostros como de las montañas,
las planicies y los ríos. Con esta película, Sharunas Bartas abre un
aspecto metafísico en su obra, por la dimensión poética de algunas
escenas y los misterios que se sugieren. La tensión es llevada hasta el
extremo como si el tiempo se condensara en una pequeña eternidad
que puede estallar en cualquier momento. Amanece, y un cielo rojo
es el índice de lo sucedido.
La melancolía y la abulia, la soledad, esconderse, escapar, arrastrarse
por el suelo. Como una continuidad de su documental Praejusios
Dienos Atminimui, Sharunas Bartas construye un poema de
ensimismamiento y precariedad, de lo que no retoña, lo que no
puede surgir; rostros rotos en medio de un paisaje industrial sin
amparo ni esperanza: el subproducto del socialismo –y su caída–
en los países bálticos. Luego de la independencia de Lituania, sus
habitantes parecen atrapados en el tiempo. En Koridorius hay una
tensión creciente e irresuelta que transita de personaje en personaje,
de espacio en espacio, en regiones de luz y penumbra, en largos
pasillos y miradas profundas. De la espera y la contención brotan
las pasiones y los instintos humanos, ese empuje que llama al
vandalismo, la seducción y la violencia. La película se desarrolla como
un conjunto de intensidades que terminan en el alboroto, la juerga,
un motivo que se verá de manera reiterativa en su obra. Siempre, a
un lado, los testigos: el autor que irrumpe en su obra para esclarecer
su carácter de autorretrato. En medio de todo eso, Sharunas Bartas
logra resaltar la belleza.
Esta película representa un día en Kaliningrado, una ciudad
incrustada en medio de una geografía inclemente. En las calles,
la diminuta humanidad ha hecho un espacio a su medida, un
resguardo cultural que los salve del estado de naturaleza.
Sin embargo, han fracasado. El sentido de aquella sociedad ha
quedado sepultado por el cemento y la nieve, dejando un mundo
fragmentado y destinado a desaparecer, como trozos de hielo
impulsados por la corriente de un río. Hombres uniformados se
enfilan como una masa homogénea para celebrar la eucaristía,
un mendigo se arrastra por el suelo, un grupo de jóvenes sordos
conversan, una familia prepara una comida miserable en medio
de un vertedero de basura, un titiritero representa la agonía de su
marioneta tendida sobre la nieve, un hombre avanza de rodillas
alzando plegarias. En medio de la disfuncionalidad social y
material, la institución católica se presenta como la única manera
de trascender la precariedad. Este es el segundo cortometraje
documental del director lituano luego de Tofolaria (1986).
A Casa has to be Sharunas Bartas’ most lyrical film yet. Here, poetry is
the only possible vehicle for addressing a maternal figure who encompasses
the concept of mother, home and country. The film begins with the Bach
aria Erbarme dich, mein Gott and a wide shot introduces us to a big old
house. A male voice reads a fragment of a letter he has written to his
mother. “Every time I come here to listen to you, I can’t talk (...) all my
questions, you answered them within me.” Inside the house, a man wakes
up and looks around. From here on, we are treated to a filmic allegory of
overpowering artistic and conceptual wealth. Once again, as in Few of Us,
the leitmotif linking Bartas’ films is the image of an attic of flowers bathed
in golden light. But this paradise is abruptly profaned by the military, which
carries in a thick fog on its boots. “Mother, time has passed and I’m far
from you. What matters to me, Mother, is believing these things won’t
disappear (...) Because we are nothing but dead souls. Sick, tired souls. Very
simple. And above all, virtually without hope. But we will not disappear.”
256
THE CORRIDOR
A mysterious woman—played by Bartas’ muse Yekaterina Golubeva—
travels to a region of Siberia inhabited by a few natives. Her connection to
them is enigmatic. No indication is given as to why she has come here or
what common past they might share. All we know for certain is that the
woman is in great emotional pain. In Few of Us, each shot is meticulously
composed like a photograph. Bodies take on symbolic meaning and
intertwine with landscapes in a constant give and take. The camera
makes a detailed study of forms, flows of matter, contours, be it of faces,
mountains, plains or rivers, while the sheer poetry of certain scenes and
the mysteries intuited open up a metaphysical aspect. The tension builds
to the point where it’s as if time had been condensed into a tiny eternity
that threatens to explode at any moment. Day breaks and a red sky tells
us all we need to know.
Melancholy, apathy, loneliness, hiding, escaping, dragging oneself along
the ground. In what could be deemed a follow up to his documentary
Praejusios Dienos Atminimui, Sharunas Bartas brings us a poem of
self-absorption and fragility, an ode to that which does not bloom, whose
growth is stunted; worn faces in an industrial landscape void of refuge
and hope: the sub-product of socialism—and its fall—in the Baltics.
Lithuania has gained its independence, but its inhabitants are trapped in
time. In Koridorius, a growing, unresolved tension is passed from character
to character, from space to space, in regions of light and shadow, long
corridors and penetrating gazes. Base human instincts and passions
eventually override patience and self-control, leading to vandalism,
seduction and violence. The action consists of a series of intense moments
that culminate in upheaval and self-indulgence, a theme that runs
throughout Bartas’ work. And as always, standing on the sidelines, the
director who appears in person to clarify his status as observer and point
us toward the beauty of it all.
sharunas bartas retrospective
THE HOUSE
A day in Kaliningrad, a city at war with its inclement geography. On the
streets, a diminutive humanity has carved out a space for itself, a refuge to
protect it from the onslaught of nature. Yet it has failed. This is a culture
whose raison d’être has been buried under layers of cement and snow,
leaving a fragmented world on the surface that is destined to disappear,
like blocks of ice dragged downriver by the current. Men in uniform stand
in line in a homogenous mass to take communion, a beggar crawls on the
ground, a group of young deaf people communicate, a family prepares
a pitiful meal in the middle of a landfill, a puppeteer represents the
suffering of his puppet laid out on the snow, a man walks on his knees
while offering up prayers. In the midst of it all, the Catholic Church offers
the only hope of transcending the uncertainty of this social and material
dysfunctionality. This is Lithuanian director Sharunas Bartas’ second short
documentary film after Tofolaria (1986).
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PEACE TO US IN OUR DREAMS
OÙ EN ÊTES-VOUS? SHARUNAS BARTAS
Lituania/ Francia / Rusia - Lithuania / France / Russia
2014-105 min.-Digital
Francia / Lituania - France / Lithuania
Idioma / Language Lituano y ruso con subtítulos en inglés y en español
- Lithuanian and Russian with English and Spanish subtitles Director
Sharunas Bartas Productor / Producer Jurga Dikciuviane Guion /
Screenplay Sharunas Bartas Editor Gintare Sokelyte Fotografía /
Photography Eitvydas Doshkus Reparto / Cast Sharunas Bartas,
Lora Kmieliauskaite, Ina Marija Bartaite, Edvinas Goldsteinas,Eugenijus
Barunovas, Aushra Eitmontiene, Klaudia Korshunova Contacto / Contact
NDM International Sales, [email protected]
Un tempo suspendido, como la misma ejecución de una violinista
que cesa intempestivamente su interpretación porque al sentirse
vacía, no puede dar más de sí, reflejo de un momento de frágil
interiorización que coincide con la quietud del paisaje de un
bucólico campo de verano a donde llega ella junto con el novio y la
adolescente hija de este, a pasar unos días envueltos en una aparente
calma cargada de los propios asuntos sin resolver. Sharunas Bartas,
el maestro de la expresividad silenciosa y de la emocionalidad, se
interpreta y hace una reflexión como hombre en las tres dimensiones
que lo enlazan, consigo mismo, con su amante y la relación entre
ambos, y como el padre que es dulcemente cuestionado por una
hija adolescente (su hija en la vida real) respecto a la ausencia de él
y de su madre ya fallecida. Un momento de crisis en los que habitan
tanto la duda como la vulnerabilidad producto de ella, la incógnita
de lo que se espera y se deja de esperar y esencialmente, la búsqueda
permanente de sentido que amorosamente expresa el director y padre
hacia su hija “…durante toda la vida se busca, es una búsqueda
sin fin. ¿Qué podemos hacer?”
Time suspended, just as a violinist suddenly stops playing because she
feels empty and has nothing more of herself to give. The echo of a fragile
moment of introspection that mirrors the tranquil countryside where she,
her lover and his teenage daughter have come to spend the weekend.
But under the apparent calm simmer unresolved issues. Sharunas Bartas,
a maestro of silent expressivity and emotionality, plays himself as he
reflects on what links him to his lover and himself as a man and a father
who is innocently questioned by his daughter (who happens to be his
daughter in real life) about his absence and that of her dead mother.
A time of crisis inhabited by doubt and the vulnerability that comes with
it, not knowing what is around the corner, what we will have to sacrifice.
In short, the constant search for meaning, as the director and father
lovingly explains to his daughter “…You search your whole life.
It’s an endless search. What can we do?”
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WHERE DO YOU STAND TODAY? SHARUNAS BARTAS
Idioma / Language Sin diálogos Director Sharunas Bartas
Productor / Producer Centre Pompidou, Arte France Guion /
Screenplay Sharunas Bartas Reparto / Cast Sharunas Bartas
Où en êtes-vous? Sharunas Bartas Es una colección del Centro Nacional
de Arte y Cultura Georges Pompidou (París, Francia), en asociación
con Arte France, cuyo objetivo es propiciar una plataforma creativa
en la que distintos realizadores den una mirada retrospectiva,
introspectiva y proyectiva en relación con su vida y obra, respondiendo
a la pregunta ¿Dónde estás? Esto, a través de un cortometraje de libre
formato, que en el caso de Bartas, ha dado lugar a un autorretrato
fílmico, donde el autor lituano se enfrenta al público de una nueva
manera, fuera de los roles interpretados dentro de su filmografía.
Where do you stand today? Sharunas Bartas is a creative initiative
by the Georges Pompidou Center in Paris, France, in association with
Arte France, the purpose of which is to encourage filmmakers to take a
retrospective, introspective and projective look at their lives and works by
making a short film in any format of their choosing. Lithuanian director
Sharunas Bartas answered the question “Where do you stand today?” by
making a self-portrait, in which he shows us a facet of himself we have not
seen in any of his other films.
GASPAR NOÉ: VERLO TODO
Y DESPUÉS MORIR
GASPAR NOÉ: SEEING IT ALL
AND THEN DYING
En 1991 el Festival de Cine de Cannes le da el pistoletazo de salida a la corta pero ampliamente
discutida obra cinematográfica de Gaspar Noé. El premio de la Semana Internacional de la Crítica
Francesa reconoció ese año un cortometraje de cuarenta minutos, Carne (el tercero de su filmografía),
que exhibía abiertamente el repertorio de pesimismo existencial -con eventuales alusiones a la
redención-, crudeza de la mirada y eficacia de medios para llevar hasta la irritación o el escándalo
al espectador. El director franco-argentino perfilaba su marca.
In 1991, the 40-minute short film Carne premiered at Cannes International Critics Week and won first prize
in its category. Gaspar Noé’s third film openly flaunted a repertoire of existential pessimism—with the odd
allusion to redemption—, at best unsettling but more often scandalizing the spectator, despite having been
forewarned. The Franco-Argentine director’s knife had struck the bone, deftly, efficiently.
El carnicero de Nahon vuelve a aparecer en un cameo en Irreversible, segundo largo de Noé. Oscuro
filme que escarba en las entrañas del mal, pero que a la vez está planteado como una suerte de viaje
a la semilla, al origen. El universo Noé, aunque reconocible, admite variaciones. La crudeza se matiza
con esbozos de misticismo. La demanda de amor o la necesidad de un vínculo, incluso más allá de la
muerte, va a estar presente también en Enter the Void y en Love.
retrospectiva gaspar noé
La experimentación en recursos estilísticos, estructuras narrativas y potencialidades tecnológicas,
desde esa narración en sentido inverso de su segundo largo, el despliegue hipnótico de las imágenes
en Enter the Void o el 3D en Love hablan de un director que no solo provoca con sus temas tabú, sino
forzando, estirando las posibilidades de lo que el cine puede mostrar y los medios a su alcance para
lograrlo. Noé se sirve de la técnica para este propósito. Con su despliegue de grúas, giros de cámara
y un menú variadísimo de encuadres, Enter the Void se propone nada menos que hacernos ver el viaje
de un cuerpo desencarnado por una Tokio hipertrofiada, precisamente, a causa de la tecnología. Con el
3D, al servicio de una película recorrida por la pasión sexual, el director busca obligar a una herramienta
técnica a que produzca experiencias nuevas.
Más que un “enfant terrible” que se complace en “épater les bourgeois” (impresionar a los burgueses),
dos mitos franceses por excelencia, Noé abre el camino para un cuestionamiento profundo del pudor
habitual del cine respetable.
En su representación explícita de la violencia o la sexualidad, dos temas recurrentes en su filmografía,
el director hace parte de una tendencia más amplia del cine contemporáneo. Solo que al acento de sus
trabajos parece querer decirnos que el precio de ver más es un profundo estremecimiento de las rutinas,
las certezas y la comodidad moral. Su cine es una invitación a ese arriesgado y necesario desplazamiento.
Nahon the butcher reappears in a cameo role in Noé’s second feature, Irréversible, a dark film that grapples
in the bowels of evil, but that is conceived as a journey of sorts to the beginning, to the origin. Noé’s universe,
while recognizable, admits variations. Moments of mysticism take the edge off its rawness. The need for love
and emotional ties, even beyond death, can also be seen in Enter the Void and Love.
Experimentation with stylistic recourses, narrative structures and new technologies, from the back-to-front
storyline of Irréversible and the hypnotic parade of images in Enter the Void to the use of 3D in Love speak of
a director who doesn’t merely rely on the taboo to his needle his audiences, but who milks the possibilities of
what can be shown on the screen and employs every means of doing so at his disposal, including technology.
Using cranes and a varied menu of frames and camera angles, Enter the Void allows us to visualize a
disembodied soul floating over a Tokyo hypertrophied precisely by technology. By putting 3D techniques to the
service of a film fueled by sexual passion, the director forces a technical tool to create new experiences.
More than an enfant terrible who gets a kick out of impressing the bourgeoisie (épater les bourgeois), two
French myths par excellence, Noé encourages us to question the habitual decorum of respectable cinema.
gaspar noé retrospective
Las advertencias sobre imágenes fuertes y lenguaje crudo, el rotundo esquematismo de las situaciones
y personajes, las frases lapidarias (escritas a manera de intertítulos), demostraban un talento nato para
la provocación que sus posteriores películas no hicieron más que intensificar. El personaje del carnicero,
interpretado por el mismo actor, Philippe Nahon, reaparecerá, con más alcance en su caída al abismo, en la
ópera prima de Noé, Solo contra todos. La violencia sexual y emocional de esta película lo contamina todo.
El “ordinario fascismo” del personaje, es antes que nada la acusación brutal a una sociedad que impone un
“infame comercio” de cuerpos y relaciones del cual no hay escapatoria posible, salvo la muerte.
The film’s strong images and unsavory language, the schematism of its situations and characters and its
to-the-point intertitles all revealed an innate gift for provoking audiences, one he was to exploit to the full in
his following films. Like his first feature, Seul contre tous, a film permeated by sexual and emotional violence
in which Philippe Nahon plays the butcher once again, this time one closer to bottoming out. More than
anything, the character’s “ordinary fascism” points the finger at a society that imposes a “vile trade” of bodies
and relationships on us, from which there is no escape, bar death.
Explicit violence and sexuality are two recurring themes in his films, associating Noé with a broader trend in
contemporary cinema, except that the message here seems to be that there is a price to be paid for seeing it all,
and that is to have our strongest beliefs, our sense of morality, our very way of life shaken to the core. His films
are an invitation to take that risqué, but very necessary step into the void.
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IRREVERSIBLE
LOVE
SEULS CONTRE TOUS
Francia / Alemania / Italia / Canadá - France / Germany / Italy / Canada
2009 – 161 min.
Francia / France
2002 – 97 min.
Francia / Bélgica - France / Belgium
Francia
Idioma / Language Inglés y japonés con subtítulos en español - English
and Japanese with Spanish subtitles Director Gaspar Noé Productor
/ Producer Pierre Buffin, Brahim Chioua, Olivier Delbosc, Vincent
Maraval, Marc Missonnier Guion / Screenplay Gaspar Noé, Lucile
Hadzihalilovic Editor Marc Boucrot, Gaspar Noé, Jérôme Pesnel
Fotografía / Photography Benoît Debie Reparto / Cast Paz de la
Huerta, Nathaniel Brown, Cyril Roy
Idioma / Language Francés, español, italiano e inglés con subtítulos
en español - French, Spanish, Italian and English with Spanish subtitles
Director Gaspar Noé Productor / Producer Christophe Rossignon
Guion / Screenplay Gaspar Noé Editor Gaspar Noé Fotografía
/ Photography Benoît Debie, Gaspar Noé Reparto / Cast Monica
Bellucci, Vincent Cassel, Albert Dupontel
Idioma / Language Francés e inglés con subtítulos en español - French
and English with Spanish subtitles Director Gaspar Noé Productor /
Producer Brahim Chioua, Vincent Maraval, Gaspar Noé, Rodrigo Teixeira,
Edouard Weil Guion / Screenplay Gaspar Noé Editor Denis Bedlow,
Gaspar Noé Fotografía / Photography Benoît Debie Reparto / Cast
Aomi Muyock,Karl Glusman, Klara Contacto / Contact Federico Mejía
[email protected]
Idioma / Language Francés con subtítulos en español - French with
Spanish subtitles Director Gaspar Noé Productor / Producer
Lucile Hadzihalilovic Gaspar Noé Guion / Screenplay Gaspar Noé
Editor Lucile Hadzihalilovic Gaspar Noé Fotografía / Photography
Dominique Colin Reparto / Cast Philippe Nahon, Blandine Lenoir,
Frankie Pain
Si con Irreversible Gaspar Noé intentaba probar la incapacidad que
tenemos los seres vivos de sustraernos de la secuencialidad del
tiempo y su efímero paso, con Enter the Void el extremista realizador
franco-argentino hace la apuesta contraria. Con un ritmo distendido,
imágenes estroboscópicas que rozan en la abstracción y una historia
que va del mundo de los muertos al de los vivos, de lo sagrado a lo
profano en una versión de la ciudad de Tokio por cuyas venas fluye
neón, Noé apuesta ahora por la representación (menos brutal, pero
igual de descarnada) de la experiencia extratemporal y psicodélica
de la muerte. En esta película, inspirada en el Libro tibetano de los
muertos, se fuerza al espectador a ponerse tras la mirada de un joven
traficante de drogas que muere a balazos y a seguirle a través de
los vericuetos de la realidad, el tiempo y la memoria. Si antes Noé
buscaba enfrentarnos a la imposibilidad de huir al trascurso del
tiempo, ahora nos presenta un punto de vista que lo trasciende
y nos seduce con la embriagadora y atemorizante posibilidad de
hacer cognoscible ese mundo que va más allá de lo físico.
Cruel, extrema, violenta, morbosa, perturbadora, casi insoportable.
Con esos calificativos fue recibida esta película de Gaspar Noé,
todos ellos merecidos y todos ellos propiciados intencionalmente
por un realizador que se ha enarbolado como un provocador
contemporáneo, siempre dispuesto a corromper los límites del
buen gusto europeo, tan acomodado en la corrección política.
Irreversible es una película que, con sus imágenes explícitas que
golpean brutalmente al espectador en la cabeza, se desata en una
representación de lo ineluctable del tiempo. Más allá de tratarse
de la historia de una violación y sus repercusiones contadas en
reversa, Irreversible es un juego manipulador en el cual Noé inquieta
al espectador al presentarle las consecuencias antes que las causas,
donde se nos reta a tratar de vislumbrar lo trágico de la condición
humana entre la confusión y la violencia propias de nuestra
incapacidad de percibir el tiempo como algo más que un
flujo imparable e irreversible que nos lleva atropelladamente
hacia la muerte, la violenta muerte.
Murphy, un idealista estudiante de cine norteamericano que busca
la Europa estimulante y romántica de Rimbaud y Joyce, intenta
recuperar la capacidad de sentir tras romper con su amante,
Electra, una estudiante de arte parisina. Un día Murphy se despierta
de un sueño que termina en una eyaculación frontal en 3-D, rodeado
por su nueva realidad: una mujer y un niño de dos años. Tras una
llamada de la madre de Electra, empieza a recordar el frenesí sexual
y a reconstruir la historia de un amor confirmado una y otra vez por
la afinidad carnal. En esta película con sexo real, Noé sigue la línea de
su predecesora Enter the Void, y muestra una realidad transformada,
de colores intensificados por drogas y experiencias que intentan
lograr una conexión de orden casi místico entre los personajes.
Más allá de lo explícito de su representación del sexo y del uso
de la tecnología del 3-D para provocar una experiencia inmersiva,
Love es un filme sobre el misterio de un personaje que solo es
posible recuperar a través de recuerdos fragmentados y fugaces,
como si se tratara de una sensible y delicada metáfora sobre el
amor contemporáneo.
“La miseria ha caído sobre Francia” declara el protagonista
de la ópera prima de quien más adelante se convertiría en uno
de los directores más polémicos del cine contemporáneo,
Gaspar Noé. Mediante una apresurada y caótica narración
en primera persona, este viejo carnicero huérfano de padres
y afecto, relata los infortunados hechos que constituyen su
biografía y lo han llevado a soportar una vida infeliz. Sin embargo,
su carácter impulsivo, salvaje e irracional se revela y termina
por hacerlo actuar con violencia y es entonces cuando el caos,
antes intuido, se evidencia con mayor intensidad, hasta hacerlo
comprender que su lugar en el mundo ha sido determinado tiempo
atrás por una fuerza superior inexpugnable, el destino o el azar, da
lo mismo. No hay salida, no hay otra solución diferente a la muerte.
Esta obra, que serviría de apertura para aquellos universos alterados
y aquellas formas en que Gaspar Noé desafiará al espectador en sus
siguientes largometrajes, fue premiado en 1998 en el Festival de Cine
de Cannes, que también había galardornado su corto, Carne, del que
en buena medida su primer largo se alimenta.
In Irreversible, the controversial Franco-Argentine director Gaspar Noé
set out to show how we human beings are incapable of transcending
the linear concept of time, but in Enter the Void he attempts the exact
opposite. Inspired by the Tibetan Book of the Dead, the storyline takes us
from the land of the living to the land of the departed, from the sacred
to the profane in a Tokyo that has neon flowing in its veins. Stroboscopic
images bordering on the abstract represent less brutally, but just as crudely
in his other films, the timeless, psychedelic experience of death. The
spectator is forced to put himself in the shoes of a young drug trafficker
who is shot dead and follow him through the twists and turns of reality,
time and memory. The inexorable passage of time and the futility of all
efforts to escape it are here replaced with the dizzying and very frightening
possibility of cognizance of a world beyond the physical plane.
Cruel, extreme, violent, morbid, disturbing, almost unwatchable.
These were just some of the adjectives used to describe Irréversible
by Gaspar Noé when it was first released. All merited. All intentionally
elicited by a director who plays the part of a modern-day agent
provocateur, eager to push the envelope of European good taste,
so accustomed to the politically correct. The film’s explicit images
brutally beat the spectator over the head, driving home the inexorability
of time. More than the story of a rape and its repercussions told in reverse,
Irréversible is an exercise in manipulation in which Noé unsettles the
spectator by presenting him with the consequences before the causes,
challenging us to look the tragedy of the human condition in the eye
amid the confusion and violence arising from our inability to perceive
time as something more than an unstoppable, irreversible force that
carries us relentlessly toward death. Violent death.
Murphy, an idealistic North American film student in search of the
stimulating and romantic Europe of Rimbaud and Joyce, tries to recover
from his break-up with Electra, a Parisian arts student. One day, Murphy,
in the midst of a dream that ends with a 3-D facial ejaculation, wakes
up to his new reality: a wife and a two-year-old child. After receiving a
call from Electra’s mother, he starts reminiscing about the sexual frenzy
and reconstructing a love story many times confirmed by their carnal
attraction. In a movie full of real sex scenes, Noé follows the trail of his
previous work, Enter the Void, showing a transformed reality bathed in
the gaudy colors of a drug trip where the characters drown themselves in
a search for the ultimate mystical connection. Beyond its explicit staging
of sex and the use of an immersive 3-D technology, Love is about the
mystery of a character that can only be grasped through fragments
of transient memories – a kind of sensitive and delicate metaphor
of contemporary love.
“Misfortune has befallen France,” declares the protagonist of this debut
feature by Gaspar Noé, a director who was to become one of the most
controversial of our day. In a fast-paced, jumbled first-person narrative,
a lonely old horsemeat butcher recounts the details of his sad life. In the
end, his impulsive, irrational nature will get the better of him, causing
him to act with unrestrained violence. This is when the mayhem, merely
anticipated up until then, breaks loose, to the point where he is forced to
acknowledge that his place in the world has been predetermined by
a higher, unassailable force, call it destiny or chance as you will.
There is no escape. Death is the only way out. A winner at Cannes
in 1998, Seul contre tous was to pave the way for the altered universes
and ways in which Gaspar Noé was to challenge the spectator in his
following features. It largely draws on his first short film, Carne,
which also won an award at Cannes.
SOLO CONTRA TODOS
gaspar noé retrospective
retrospectiva gaspar noé
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ENTER THE VOID
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CIENCIA FICCIÓN:
DÍAS DE MIEDO Y ASOMBRO
SCI-FI: DAYS OF
FEAR AND WONDER
Un género es una forma narrativa que surge como novedad, como acontecimiento que rompe el curso
rutinario del arte. Su aparición es casi mágica; parece no venir de ninguna parte y sin embargo modifica las
coordenadas lógicas y previsibles de una disciplina artística. Un género nunca es una clasificación cerrada
de una vez y para siempre. Los géneros trabajan a partir de excesos, siempre hay un texto de más en ellos.
Su identidad es frágil y puesta en entredicho por un elemento que parece romper sus fronteras.
A genre is a narrative form that emerges as a novelty; a new art form that breaks the mold. It appears from
nowhere, almost as if by magic, modifying the logical, predictable coordinates of an entire discipline. A genre
is never an open and shut door. It thrives on excesses; there is always a text that doesn’t quite fit. Its identity is
fragile and anything that dares venture outside its boundaries calls it into question.
Rápidamente el cine bebió de esa fuente de historias y presentó imágenes novedosas que nacían de la
ampliación del imaginario cultural que había fraguado el nuevo género. Estudios como Hammer en Inglaterra,
en colaboración con la Warner Bros., de Hollywood, abrieron un lugar en el cine para este género joven. En las
películas de estos estudios se ve el saber acumulado, colectivo, que está en constante movimiento de ida
y venida con la comunidad de espectadores y sus imaginarios sociales, políticos y afectivos.
Esta selección de películas eclécticas (varían los años, los estilos, los tonos) es un homenaje a la madre
patria de la ciencia ficción y sirve para poner en tensión, como buen género con sus tradiciones internas,
la definición misma de sus límites. Tienen científicos como personajes: nobles, locos, malvados, perversos,
héroes, villanos y el espectro de los valores humanos está representado allí, y una amplia gama de
emociones que van de lo inocente a lo trágico. Muestran tecnologías maravillosas que tienen el potencial
del terror y el mal inscrito en su naturaleza, pero que pueden ser usadas para el bien; es evidente como
beben de las fuentes del melodrama con su tajante división moral. Además, como buen reflejo de su
tiempo, todas estas películas marcan la ruta de lo que J. G. Ballard llamaba la “autopista al inconsciente”,
los síntomas y los traumas de una época, pero estas en particular, hablan de la psicología de su tiempo.
programas especiales
La muestra Sci-Fi: Days of Fear and Wonder hace un recorrido cronológico que arranca en los años
30 con The Man Who Changed His Mind (El hombre que cambió su mente), salta a los 50 con X, The
Unknown (Lo desconocido), y hace varias paradas entre los 70 y los 80 con The Clockwork Orange
(La naranja mecánica), The Man Who Fell to Earth (El hombre que cayó a la tierra), Flash Gordon y
Blade Runner. Esta selección discute las ideas fijas del género (¿Qué hace La naranja mecánica ahí?,
preguntará más de uno), que como ya sabemos, siempre está en proceso. Además, como un espejo
del pasado, permite ver el estado de la imaginación científica de esas décadas. No solo son objetos de
divertimento y placer, sino pequeños pedazos de historia: la guerra fría, la era atómica, los rezagos del
siglo XIX y su fascinación por la ciencia, vuelta razón instrumental al servicio de la destrucción, todos
estos traumas y tópicos están ahí, palpables y evidentes.
Agradecemos al British Council, el British Film Institute, Park Circus y Studio Canal por ofrecernos la
ocasión de ver, en pantalla grande, estas películas a través de las cuales accedemos al siglo XX, y sus
astillas, con el filtro de la ciencia ficción; un filtro que aparentemente deforma o altera la visión de la
realidad, pero que quizá nos permita verla en su verdadera dimensión: monstruosa pero fascinante.
It was in the mid-nineteenth century, following the publication of the novels of H.G. Wells and Julio Verne in
Great Britain and France, that science was adopted as a narrative theme. Thanks to these imaginative works
of fiction, we were able to envisage intergalactic travel, encounters with beings from other planets, artificial
intelligences and wonderfully terrifyingly technologies.
Filmmakers quickly flocked to this well of stories and drank from it copiously, bringing us never-before-seen
images born of a broadening of the vision of the cultures that had spawned this new genre. Studios like
Hammer in England, in collaboration with Warner Bros. in Hollywood, made space for this young genre.
The films they produced were based on collective knowledge accumulated over time and constant interchanges
with a community of spectators and their social, political and emotional universes.
This eclectic selection of films, made in different years and adopting a variety of styles and tones, pays homage
to the motherland of science fiction and, like any good genre with its internal conflicts, casts doubt on its very
definition. Their characters are mad scientists, noble heroes and merciless villains who play out the whole
spectrum of human values and emotions that range from the naïve to the tragic. They feature mind-boggling
technologies with the potential to strike fear into our hearts, that are evil by nature, but that can be used for
good, while their black-and-white moral stance reveals a penchant for melodrama. All display the maladies
of an age, but these ones in particular echo the psychology of their time as we travel the interplanetary highway
J.G. Ballard dubbed the “road to the unconscious”.
“Sci-Fi, Days of Fear and Wonder” is a chronological journey that blasts off in the Thirties with The Man Who
Changed His Mind, rockets to the Fifties with X, The Unknown and makes several space walks in the Seventies
and Eighties with The Clockwork Orange, The Man Who Fell to Earth, Flash Gordon and Blade Runner. These
are films that undermine fixed notions of the genre (what’s The Clockwork Orange doing here, you might ask
yourself ), which, as we all know, is a forever mutating entity. Like a mirror on the past, they reflect the state of
scientific invention in their era. More than a source of fun and entertainment, they are time capsules of history:
the Cold War, the atomic era, the backwardness of the 19th century and its obsession with science put to the
service of destruction. All these traumas and topics are there, tangible, self-evident.
special programs
La ciencia ficción, cuyos orígenes míticos datan de mediados del siglo XIX en Gran Bretaña y Francia,
con H.G. Wells y Julio Verne como estandartes, supuso la novedosa irrupción de la ciencia como tema
de ficciones narrativas. Gracias a esos textos era posible imaginar viajes interplanetarios, encuentros
con seres de otros planetas, inteligencias artificiales y tecnologías maravillosas y aterradoras.
We would like to take this opportunity to thank the British Council, the British Film Institute, Park Circus and
Studio Canal for giving us a glimpse of the 20th century and its preoccupations on the big screen through the
filter of science fiction; a filter that would appear to deform our perspective of reality, but that perhaps allows
us to see it more clearly for the intriguing monster it is.
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A CLOCKWORK ORANGE
BLADE RUNNER
LA NARANJA MECÁNICA
STANLEY KUBRICK
Estados Unidos / United
States, 1928-1999
Debutó con un cortometraje
documental, El día de la pelea, sobre
el boxeador Walter Cartier. Su carrera
como director de largometrajes
empezó con The Killing (1956),
aunque fue con Paths of Glory (1957),
protagonizada por Kirk Douglas,
que tuvo su primer reconocimiento
importante. De su filmografía se
destacan Dr. Strangelove (1964),
2001: Odisea del espacio (1968), y El
resplandor (1980).
He made his debut with a short
documentary film, Day of the Fight
(1951), about the boxer Walter Cartier.
His career as a feature director began
with The Killing (1956), but it was
Paths of Glory (1957), starring Kirk
Douglas, that brought him widespread
recognition. Other successful films he
has directed include Dr. Strangelove
(1964), 2001: A Space Odyssey (1968)
and The Shining (1980).
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Idioma / Language Inglés con subtítulos en español - English with Spanish subtitles Director Stanley Kubrick
Productor / Producer Stanley Kubrick, Si Litvinoff, Max L. Raab, Bernard Williams Guion / Screenplay
Stanley Kubrick, basado n la novela de Anthony Burgess Editor Bill Butler Fotografía / Photography John
Alcott Reparto / Cast Malcolm McDowell, Patrick Magee, Michael Bates, Warren Clarke
La naranja mecánica, cuyo críptico título explicaba
Burgess, autor del libro que la inspira, como
“la aplicación de una moral mecánica a un
organismo vivo, rebosante de jugo y dulzura”,
es una película que aún sigue vigente. Pocas
obras de grandes maestros pueden decir que
corrieron la misma suerte. Es ya mítico el
uniforme de pantalones y camisas blancas,
tirantes y coca protectora, en el que Alex y sus
drugos se enfundan para darse sus festines
de ultraviolencia gratuita. También es parte
de la cultura el fervor de Alex por Ludwig Van,
su perverso homenaje a Singin’ in the Rain,
la terapia conductista que lo obliga a ver
imágenes del horror acompañadas por la música
de su amado Beethoven. La lista podría continuar,
sin embargo la película es más que la forma en
la que la cultura fagocitó sus elementos y los
volvió moda; es sobretodo una visión cruda y fría
sobre la violencia. Sin sermones, sin lecciones
de moralidad, Kubrick mira en el abismo del mal
y el abismo devuelve la mirada, de la que no se
salva nadie: individuo y sociedad, ciencia y arte,
disciplina y anarquía, todos están implicados.
Few cinematic masterpieces can claim to still be
relevant in contemporary society, but A Clockwork
Orange is one of those few. Burgess, the author of
the novella it is based on, explains its cryptic title as
“the application of mechanical laws to an organism
which, like a fruit, was capable of colour and
sweetness.” The white pants, shirts and protective
cups Alex and his droogs wear on their binges of
gratuitous ultra-violence are now mythical, as is
his perverse homage to Singin’ in the Rain and the
aversion therapy during which he is forced to watch
scenes of violence while listening to his beloved
Beethoven. The list could go on, but over and beyond
its cult appeal, the film takes a cold, hard look at
violence. Kubrick stares non-judgmentally into the
abyss of evil and the abyss stares right back. No one
is safe and everyone is implicated: individuals and
society, science and art, discipline and anarchy.
Idioma / Language Inglés con subtítulos en español - English with Spanish subtitles Director Ridley Scott
Productor / Producer Michael Deely, Hampton Francher, Brian Kelly, Ivor Powell Guion / Screenplay Hampton
Francher, David Peoples, Philip K. Dick (novela original) Editor Marsha Nakashima, Terry Rawlings Fotografía /
Photography Jordan Cronenweth Reparto / Cast Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young, Daryl Hannah
En una oscura y deprimida ciudad de Los Ángeles
del año 2019, Rick Deckard, debe hacer una vez
más su trabajo policial de blade runner: perseguir
y finalizar, elegante eufemismo para matar,
a cuatro replicantes que se han fugado de su
trabajo. Los replicantes son robots humanoides
con habilidades físicas superiores a las humanas
que se emplean como trabajadores en minas
y en misiones de conquista espacial. Con una
atmósfera oscura y ominosa, este policial negro
en clave de película de ciencia ficción, adaptación
del texto de Phillip K. Dick ¿Sueñan los androides
con ovejas eléctricas?, conserva una impresionante
actualidad. A pesar de que aún no hayamos
llegado a ese salto exponencial en la robótica
que la película plantea, Blade Runner nos sigue
cuestionando hoy, como hace 33 años, con las
mismas preguntas sobre la naturaleza y los
límites de lo humano. El romance entre Deckard
y Rachel, una replicante de última generación que
tiene recuerdos implantados y no es consciente
de su condición de robot, sigue siendo la más
bella historia de amor narrada en una película
de ciencia ficción.
A dystopian Los Angeles in the year 2019.
Expert Blade Runner Rick Deckard agrees to take
on one last assignment—to hunt down and “retire”
(basically a euphemism for kill) four replicants
that have escaped and returned to Earth. These
genetically engineered robots have superhuman
powers and are used exclusively to perform dangerous
or menial tasks on other colonies. Dark and ominous,
this neo-noir sci-fi film is an adaptation of the Phillip
K. Dick novel Do Androids Dream of Electric Sheep?
and although we haven’t yet taken the quantum
leap in robotics it suggests, Blade Runner continues
to raise the same questions about nature and human
limits as it did 33 years ago. The love affair between
Deckard and Rachel, a new-generation replicant with
implanted memories who isn’t aware she is a robot,
has to be the most moving of any sci-fi film ever.
Estados Unidos/ Hong Kong /
Reino Unido
United States / Hong Kong /
United Kingdom
1982 - 117 min.
RIDLEY SCOTT
Reino Unido, 1937
Estudió Arte y Cinematografía en
el West Hartlepool College of Art
y en el Royal College of Art. Su prolífica
carrera como director se inició en
la televisión y, sus primeras películas,
Los duelistas (1977) y Alien (1978)
tuvieron resonancia inmediata. En los
años noventa se apuntó un notable
éxito con Thelma y Louise (1991),
que se exhibe también en esta edición
del FICCI. De sus películas recientes
se destacan The Martian (2015)
nominada a los premios Oscar 2015.
special programs
Reino Unido / Estados Unidos
United Kingdom / United States
1971 - 136 min.
Ridley Scott studied Art and
Cinematography at West Hartlepool
College of Art and the Royal College
of Art. His prolific career as a director
began in television and his first films,
The Duellists (1977) and Alien (1978),
immediately struck a chord with
audiences. In the Nineties, he became
a household name with Thelma &
Louise (1991), which features on the
program of this year’s edition of FICCI.
His most recent films include
The Martian (2015), which was
nominated for an Oscar in 2015.
279
FLASH GORDON
THE MAN WHO CHANGED HIS MIND
EL HOMBRE QUE CAMBIÓ SU MENTE
MIKE HODGES
Reino Unido/ United
Kingdom, 1932
Director, dramaturgo, guionista,
productor y novelista, Hodges
empezó su carrera como operador
de teleprompter en televisión. De
ahí saltó a la dirección y la escritura.
Su primer largometraje, Get Carter
(1971), es considerado el mejor filme
británico de gangsters de la historia.
Entró en el panteón de los directores
de culto con Flash Gordon. A destacar
entre sus películas se encuentran
Croupier (1998) y Fuera de Control
(2003), ambas con Clive Owen
como protagonista. Director, playwright, screenwriter,
producer and novelist, Mike Hodges
started out in television as a
teleprompter operator before making
the transition to directing and writing.
His first feature, Get Carter (1971), is
rated the best British gangster film of all
time. Flash Gordon established him as
a cult director, but he is also known for
Croupier (1998) and I’ll sleep When I’m
Dead (2003), both starring Clive Owen.
280
Idioma / Language Inglés con subtítulos en español - English with Spanish subtitles Director Mike Hodges
Productor / Producer Dino De Laurentis Guion / Screenplay Lorenzo Semple Jr., Michael Allin, según el
cómic original de Alex Raymond Editor Malcolm Cooke Fotografía / Photography Gilbert Taylor Reparto /
Cast Sam Jones, Melody Anderson, Max von Sydow, Topol, Ornella Muti
Si el argumento suena ridículo y exagerado no
es por equivocación: Flash Gordon, un jugador
de fútbol americano; Dale, una agente de viajes,
y el científico loco Zarkov, emprenden un viaje
espacial de emergencia para salvar a la tierra de
su inminente choque con la luna, pero caen bajo
las garras del malvado emperador Ming, dueño
del universo y culpable de la destrucción de la
tierra. Ming se encapricha con Dale, la hija de
Ming (una Ornella Muti que se come con los
ojos a todos) con Flash, quien es condenado a
muerte pero sobrevive para liderar una revolución.
Hay hombres halcón, príncipes de un planeta
cenagoso, concubinas de Ming, sexo, muerte,
deseo y mucho sentido del humor. Hodges se
propone hacer una película de ciencia ficción
con viajes interplanetarios sin tomarse las cosas
demasiado en serio, y le sale una obra maravillosa
que hoy es considerada de culto. Todo lo que está
tapado y edulcorado en La guerra de las galaxias,
acá está expuesto: el sexo, la muerte,
la artificialidad de la trama, las traiciones.
Hasta el final es una joya de auto-conciencia.
Si la cultura fuera justa, Flash Gordon habría
corrido con mejor suerte. Para reparar estos
errores, el FICCI 2016 programa esta joya.
If the plot sounds far-fetched, it’s because it’s
meant to be. Mad scientist Zarkov skyjacks American
football hero Flash Gordon and Dale the travel agent
aboard his rocketship and together they attempt
to stop the Earth colliding with the Moon, but fall
into the clutches of the evil emperor Ming, master
of the universe and the man behind the imminent
destruction of our planet. Ming is captivated by
Dale and his daughter (a sultry Ornella Muti) by
Flash, who is condemned to death but survives to
lead a revolution. Hodges sets out to make a sci-fi
movie that doesn’t take itself too seriously. The result
is a fabulous film that now enjoys cult statusoteful
for your patience. . Everything that is concealed or
glossed over in Star Wars is out in the open and
unabashed here, from the artificiality of the plot
and back-stabbings to Hawkmen, princes from a
muddy planet, Ming’s concubines, sex, death, lust
and lashings of humor. From beginning to end, this
is a gem of self-awareness and if all were fair in love
and intergalactic warfare, Flash Gordon would have
gotten better press. Fortunately FICCI 2016 is here
to put that right.
Idioma / Language Inglés con subtítulos en español - English with Spanish subtitles Director Robert Stevenson
Productor / Producer Michael Balcon Guion / Screenplay L. du Garde Peach, Sidney Gilliat, John L. Balderston
Editor R.E. Dearing, Alfred Roome Fotografía / Photography Jack E. Cox Reparto / Cast Boris Karloff,
John Loder, Anna Lee
Boris Karloff demostró que era más que su mítico
Frankenstein en esta película de la productora
Hammer, donde la ciencia y los medios de
comunicación evidencian una vez más que son
irreconciliables. El doctor Laurience investiga
la transferencia de mentes, lo que él llama
“el contenido de pensamientos”, cuando recibe
el apoyo de un magnate de los medios. La latente
locura del científico explota al ser ridiculizado por
sus colegas al compartir sus descubrimientos con
la comunidad científica; la venganza se vuelve su
norte. El despliegue tecnológico de la época hace
al encanto de esta película B de un director que
casi 30 años después encontraría en Mary Poppins
su gran opus. Algo del espíritu humorístico y
esperanzador de la película de Disney se cuela
dentro de los elementos del terror y la ciencia
ficción de esta narración. Las demostraciones
de la veracidad del experimento se ven tiernas
y graciosas a la distancia, aunque el desarrollo
perverso del argumento nos recuerde que esta
no es una comedia. Sin embargo, la esperanza
no se pierde, porque gracias al amor el doctor
Laurience es capaz de redimirse de todos sus
males en su lecho de muerte.
Boris Karloff proved he could play more than
his cult Frankenstein in this Hammer film where
science and the media once again reveal just how
incompatible they are. A media magnate offers to
sponsor Doctor Laurience’s research into the transfer
of minds or what he calls “the content of thoughts”,
but the doctor’s latent madness is unleashed when
the scientific community ridicules his findings and
he vows to get revenge. The show of technology of
the period is what is so endearing about this B movie
by a director who was to be remembered for Mary
Poppins almost 30 years later. A hint of the lighthearted spirit of the Disney film seeps between the
cracks in the horror and while the demonstrations
to prove the veracity of the doctor’s experiments
might be amusing to a modern-day audience,
the twistedness of the argument reminds us this
is no comedy. Yet hope is not lost and thanks
to love, Doctor Laurience is able to redeem
himself on his death bed.
Reino Unido
United Kingdom
1936 - 66 min.
ROBERT STEVENSON
Reino Unido / United
Kindom, 1905 - Estados
Unidos / United States, 1986
Robert Stevenson tuvo una carrera
que siguió una trayectoria similar a la
de Alfred Htichcock; fue descubierto
por Michael Balcon en Inglaterra, para
después seguir el canto de sirena que
David O. Selznick entonaba desde
Hollywood. Entre sus películas más
recordadas se encuentran Mary Poppins
(1964) y Ahí va ese bólido (The Love Big,
1968), ambas dirigidas en los 60 para
Disney. El Hombre que cambió su mente
fue la segunda película que dirigió para
Michael Balcon y la Hammer.
special programs
Reino Unido / Estados Unidos
United Kingdom / United States
1980 - 111 min.
Robert Stevenson’s career followed a
similar path to that of Alfred Hitchcock.
He was discovered by Michael Balcon
in England and then lured to Hollywood
by David O. Selznick. His most
memorable films are Mary Poppins
(1964) and The Love Big (1968),
which he directed in the Sixties for Disney.
The Man Who Changed His Mind was
the second film he directed for Michael
Balcon and Hammer Film Productions.
281
NICOLAS ROEG
Kingdom, 1928
Roeg comenzó trabajando desde
abajo en el mundo del cine. Debutó
con Performance (1970), donde fue
director de fotografía y codirigió
con Donald Cammell; la película
es recordada por el primer papel
protagónico de Mick Jagger. Entre sus
largometrajes, se destacan Don’t Look
Now (1973), Bad Timming (1980),
protagonizada por Art Garfunkel
y The Witches (1990), adaptación
de la novela de Roald Dahl.
Roeg began working as a boy Friday
in the film industry. He was director
of photography on Roger Corman’s
The Masque of the Red Death (1964),
François Truffaut’s Fahrenheit 451
(1966) and Performance (1970), a film
he co-directed with Donald Cammell
and that is remembered because it
featured Mick Jagger in his first lead
role. Roeg’s most memorable feature
films include Don’t Look Now (1973),
Bad Timing (1980), starring Art
Garfunkel, and The Witches (1990),
an adaptation of the Roald Dahl novel.
282
X: THE UNKNOWN
EL HOMBRE QUE CAYÓ A LA TIERRA
LO DESCONOCIDO
Idioma / Language Inglés con subtítulos en español - English with Spanish subtitles Director Nicolas Roeg
Productor / Producer Michael Deeley, Barry Spikings Guion / Screenplay Paul Mayersberg,
según la novela de Walter Tevis Editor Graeme Clifford Fotografía / Photography Anthony B. Richmond
Reparto / Cast David Bowie, Rip Torn, Candy Clark, Buck Henry
Idioma / Language Inglés con subtítulos en español - English with Spanish subtitles Director Leslie Norman,
Joseph Losey (sin crédito) Productor / Producer Anthony Hinds, Michael Carreras Guion / Screenplay
Jimmy Sangster Editor James Needs Fotografía / Photography Gerald Gibbs Reparto / Cast Dean Jagger,
Edward Chapman, Leo McKern
David Bowie grabó su legendario The Rise and
Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars
en 1972; el disco narraba de forma elíptica la
historia de un hombre de las estrellas que bajaba
a la tierra para volverse una estrella de rock con
un mensaje de amor y paz y luego caer en la
espiral decadente del mundo de la música.
Cuatro años más tarde, en una película al servicio
de Nicolas Roeg, ese hombre que ahora nos
mira desde las estrellas personificaba a Thomas
Jerome Newton, otro extraterrestre que venía
a la tierra, esta vez para llevar agua a su planeta
desértico. De nuevo, de forma elíptica se narraba
la historia de un hombre venido del espacio
y su caída por culpa de las adicciones después
de volverse, no una estrella de rock, sino un
magnate dueño de una empresa de proporciones
imperiales. Pacientemente, Roeg construye
la película biográfica de un ser de otro mundo,
dando la información poco a poco, sorprendiendo
con cada corte, atacando con poesía la
catástrofe ecológica, la corrupción industrial
y la omnipresencia de los medios de
comunicación. Una película actual y poderosa
que al mismo permite la nostalgia de ver en la
epítome de su belleza a un genio que se nos fue.
David Bowie recorded The Rise and Fall of Ziggy
Stardust and the Spiders from Mars in 1972.
The tracks on his legendary album speak of a star
man who came down to Earth to become a rock star
preaching a message of love and peace, only to fall
prey to the temptations of the music business and
embark on a downward spiral that inevitably ends
in decadence. Four years later, Nicolas Roeg chose
Bowie to play Thomas Jerome Newton, another alien
come to Earth, this time to take water back to his
quenched planet. As in the album, The Man Who
Fell to Earth is about a man from space brought to
his knees by addiction after becoming not a rock star,
but the owner of corporation of titanic proportions.
Roeg patiently constructs this biographical film about
a being from another world, feeding us snippets of
information in non-chronological order, surprising
us with each cut and using poetry to censure
environmental disaster, corporate corruption and
the omnipresence of the media. A powerful film that
still has something to tell us and that evokes pangs
of nostalgia on seeing a genius who is perhaps
looking down on us from the stars as we watch
him perform in his prime.
En un pequeño pueblo inglés, un pelotón del
ejército británico realiza un ejercicio con un
contador Geiger en una zona árida y, de repente,
la tierra se abre. Lo que al inicio parece una falla
geológica resulta siendo la aparición de una
radiación poderosa, sedienta de energía nuclear
que pone en peligro a toda la humanidad. Lo
desconocido es una película de la productora
británica Hammer, especializada en películas
de clase B de horror y ciencia ficción, que
inicialmente estuvo a cargo del reputado director
Joseph Losey, quien tuvo que abandonarla por
culpa de una enfermedad. Hija de su tiempo,
ataca de frente el miedo al exterminio nuclear que
se vivió durante la guerra fría. Aquí, el hombre
se ve enfrentado contra la Cosa misma, una
otredad que nace del centro de la tierra y derrite
cuerpos humanos tal como lo haría una explosión
atómica. Solamente la ciencia nuclear, encarnada
en la figura de un científico viejo y paciente que
hace las veces de detective, es capaz de salvar
el mundo de la amenaza nuclear (espléndida
paradoja) en este híbrido maravilloso entre la
ciencia ficción y el terror.
A group of British soldiers are taking turns using
a Geiger counter to find a hidden source of
radioactivity when suddenly there is an explosion
and the ground opens. What initially appears to
be a geological phenomenon turns out to be the
resurgence of a creature that feeds on radioactivity
and that poses a threat to all humanity. The film was
produced by Hammer, a British production company
specializing in B-movies that was originally headed
by the reputed director Joseph Losey, who was forced
to stand down because of ill health. A child of its
time, The Unknown deals head-on with the Cold
War threat of nuclear annihilation. Here, man comes
face-to-face with a monster from the center of the
Earth that melts human bodies just as an atomic
bomb would. Paradoxically, only nuclear science,
incarnated by a patient old scientist who moonlights
as a detective, can save the world in this wonderful
science fiction/ horror hybrid.
Reino Unido
United Kingdom
1956 - 81 min.
LESLIE NORMAN
Kingdom, 1911
En un carrera que se extendió por
cincuenta años, Norman desempeñó
varios roles en la industria del cine
y la televisión. En la década de 1950
dirigió, además de Lo desconocido,
los films The Night My Number Came
Up (1955) y el drama de la segunda
guerra mundial Dunkirk (1958).
En los sesenta, dirigió episodios
de conocidas series británicas de
televisión entre ellas The Avengers.
special programs
Reino Unido
United Kingdom
1976 - 139 min.
THE MAN WHO FELL TO EARTH
Norman donned several hats during
the 50 years he spent working in film
and television. In the 1950s, he directed
The Unknown, The Night My Number
Came Up (1955) and the Word War II
drama Dunkirk (1958). In the Sixties,
he directed episodes of popular British
television series like The Avengers.
283
DOCTV LATINOAMÉRICA
10 AÑOS DE INTEGRACIÓN
DOCTV LATIN AMERICA
10 YEARS OF INTEGRATION
DOCTV Latinoamérica surge en el seno de la Conferencia de Autoridades Cinematográficas de
Iberoamérica -CACI-, como un Programa que busca fomentar la producción y distribución del
documental en nuestra región con los objetivos de estimular el intercambio cultural y económico
entre los pueblos latinoamericanos, el desarrollo de políticas públicas integradas de fomento a la
producción y distribución de documentales en los países de la región y la difusión de la producción
cultural de nuestros pueblos en el mercado mundial.
DOCTV Latin America emerged within the Conference of Ibero-American Cinematographic Authorities
(CACI) as a program that seeks to promote the production and distribution of documentaries in our region,
in order to stimulate cultural and economic exchanges in Latin America, encourage the development
of integrated public policies supporting the production and distribution of documentaries in the countries
of the region, and disseminate the cultural production of our people on the global market.
El Programa incentiva la producción de un documental por país, cuya autoridad cinematográfica forme
parte de la CACI y haga parte de la Red del Programa, que integrará una serie de documentales para
ser distribuida simultáneamente en las televisiones públicas de esos mismos países.
Al continuar este Programa que ya cumple diez años, la CACI actúa con la certeza que el documental
es una herramienta para reconocernos en nuestras culturas e idiosincrasias y que la integración
y el trabajo en conjunto, son fundamentales para generar las oportunidades de desarrollo que
exigen nuestros pueblos.
El DOCTV, ha logrado sumar esfuerzos a muchos niveles y conseguido constituir una red de 21
televisiones públicas que exhiben los documentales de los 17 países participantes y ser parte de
una nueva plataforma cultural educativa de cine iberoamericano como lo es Pantalla CACI.
Ten years of implementation of the Program have comforted CACI’s view that documentary is a tool to
recognize ourselves within our cultures and idiosyncrasies, and that integration and teamwork are essential
to the creation of the development opportunities that our people are calling for.
DOCTV has managed to sum up contributions at many levels, thus setting up a network of 21 public televisions
that broadcast documentaries from the 17 participating countries. It has also joined a new cultural and
educational platform of Ibero-American cinema: Pantalla CACI.
It is with this firm conviction that we celebrate our participation to the 56th edition of the Cartagena de Indias
International Film Festival (FICCI) with six documentary films that represent the progress of the filmmakers
who are part of the history of a Program that has become a part of the heritage of Latin American audiovisual
culture, and will continue to help our people recognize themselves.
special programs
Con esa convicción celebramos ser parte de la edición 56 del Festival Internacional de Cartagena de
Indias – FICCI- con seis documentales que representan el camino recorrido por los cineastas que hacen
parte de la historia de un Programa que se constituye hoy como parte del Patrimonio de la cultura
audiovisual latinoamericana y es una herramienta valiosa para que nuestros pueblos se reconozcan.
The program supports the production of one documentary in each country represented in the CACI
and member of the Program Network, so as to constitute a documentary series to be broadcasted
on the public television channels of each participating country.
284
285
LA BISABUELA TIENE ALZHEIMER
LA MALDICIÓN,
EL MILAGRO Y EL BURRO
LAS MANOS EN LA TIERRA
THE GREAT GRANDMOTHER HAS ALZHEIMER’S
THE CURSE, THE MIRACLE AND THE DONKEY
HANDS ON EARTH
Ecuador
Colombia
Uruguay
Paraguay
Idioma / Language Español - Spanish Director Iván Mora Manzano
Productor / Producer Iván Mora Manzano Guión / Screenplay
Isabel Carrasco, Iván Mora Manzano Fotografía / Photography
Michael Aguirre, Simón Bauer Reparto / Cast Olivia Mora
Contacto / Contact DOCTV Latinoamérica, Consuelo Castillo Ulloa,
[email protected]
Idioma / Language Español - Spanish Director Ayoze O’Shanahan, María
Fernanda Céspedes Productor / Producer Diana Patricia Cuéllar, María
Fernanda Céspedes Guión / Screenplay Ayoze O’Shanahan Editor Ayoze
O’Shanahan, María Fernanda Céspedes Fotografía / Photography Julio
Hernández, Rubén Fernández Contacto / Contact DOCTV Latinoamérica,
Consuelo Castillo Ulloa, [email protected]
Idioma / Language Español - Spanish Director Virginia Martínez
Productor / Producer Hernán Rodríguez Guión / Screenplay
Gonzalo Arijón, Virginia Martínez Editor Federico La Rosa Fotografía
/ Photography Christian Quijano Contacto / Contact DOCTV
Latinoamérica, Consuelo Castillo, [email protected]
Idioma / Language Español - Spanish Director Mauricio Rial Banti
Productor / Producer El Tendedero, Jerónimo Buman, Richard
Careaga, Víctor Acosta Guión / Screenplay Mauricio Rial Banti
Editor Anita Remón Fotografía / Photography Luis Reggiardo
Contacto / Contact DOCTV Latinoamérica, Consuelo Castillo,
[email protected]
Un encuentro entre la abuela y la hija del director, Iván Mora
Manzano, en momentos en que la memoria de la niña se formaba
y la de la abuela, se desvanecía. Punto de partida para hablar de la
importancia del recuerdo familiar y la búsqueda de la memoria.
Gramalote, una pequeña comunidad en Norte de Santander,
Colombia, da testimonio a través de sus habitantes sobre el pasado,
presente y futuro de una comunidad que vio caer sus casas lentamente.
Un invierno sin precedentes, sumado al mal uso de los recursos
naturales y planificación urbanística, generó el desplazamiento
de la tierra en un fenómeno geológico particular, dejando 150 años
de un pueblo, convertidos en maleza. ¿Apocalipsis o castigo divino?
Un grupo de arqueólogos de la Universidad de la República ingresa,
por primera vez en la historia del Uruguay, a un cuartel en busca
de los restos de detenidos-desaparecidos durante la dictadura
militar. Al cabo de cien días de excavación, la tierra revela su secreto.
Las manos en la tierra reconstruye la trama de este proceso que
marca un antes y un después en la historia del país.
Overava, que en guaraní significa “que brilla”, hace referencia a los
tesoros escondidos bajo tierra en Paraguay a mediados del siglo XIX,
durante la guerra de la Triple Alianza. La creencia popular cuenta que
los antiguos dueños de estos valores no volvieron a sacarlos porque
murieron cruelmente en el enfrentamiento, pero su codicia, hizo que
sus espíritus quedaran condenados para cuidarlos.
A group of archaeologists of Universidad de la República enters a
barracks, for the first time in the history of Uruguay, in search of the
remains of those who were detained or disappeared during the military
dictatorship. After one hundred days of excavation, the earth reveals its
secret. Hands on Earth reconstructs the plot of this process, which marks
a before and after of the country’s history.
Overava, which means “shiny” in Guarani, refers to the treasures hidden
underground in Paraguay in the mid-nineteenth century, during the War
of the Triple Alliance (Paraguayan War). The popular belief says that the
former owners of these treasures did not return to take them out because
they died cruel deaths in the confrontation, but their greed damned their
spirits to stay and take care of them.
Gramalote, a small community in Norte de Santander department,
Colombia, bears witness, through its inhabitants, to the past, present
and future of a community that watched their houses slowly fall apart.
A unprecedented rainy season, along with the misuse of natural resources
and poor urban planning, led to a landslide of a particular geological kind,
turning a 150-year village into weeds. Apocalypse or divine punishment?
IVÁN MORA MANZANO
AYOZE O’SHANAHAN
Ecuador
España / Spain
Director, editor y músico. Su cortometraje,
Silencio nuclear (2002), fue el primer
cortometraje ecuatoriano en presentarse en
el Festival de Cine de Venecia. Fue editor de
Crónicas (2004), primera película ecuatoriana en
ser seleccionada en el Festival de Cannes.
Estudió cine y guion en la Escuela Internacional
de Cine y Televisión, en San Antonio de los
Baños, Cuba. Sus multipremiadas producciones
han llegado a estar presente en más de ochenta
festivales de cine.
Director, editor and musician. His short film,
Silencio nuclear / Nuclear Silence (2002), was the
first Ecuadorian short film to be featured at the
Venice Film Festival. He was the editor of Crónicas
(2004), the first Ecuadorian film to be selected at
the Cannes Film Festival.
He studied film and screenplay at the International
School of Film and Television in San Antonio de los
Baños, Cuba. His many-time awarded productions
have been a part of more than eighty film festivals.
MARÍA FERNANDA CÉSPEDES
Colombia
Ha sido productora en nueve largometrajes
y numerosos cortometrajes. Directora ejecutiva
de la Academia Colombiana de Artes y Ciencias
Cinematográficas.
VIRGINIA MARTÍNEZ
MAURICIO RIAL BANTI
Uruguay
Paraguay
Directora, productora, investigadora, escritora
y docente. Actualmente es la directora de
Televisión Nacional Uruguay y fue directora de
TV Ciudad. Como guionista y realizadora produjo
los documentales Historias de militantes (2008),
Memorias de mujeres (2005), Ácratas (2000) y
junto a Gonzalo Arijón Por esos ojos (1998).
Dirigió la serie de cortometrajes Che suerte
y el documental Tren Paraguay (2011), ganador
del premio a Mejor Película Iberoamericana
en DOCSDF México, Mejor Documental
en Festival Internacional de Estudiantes de
Cine de Londres (2012) y Premio Innovación
del Festival Internacional UNASUR (2012).
Director, producer, researcher, writer and
professor. She is currently the director of Televisión
Nacional Uruguay and was previously the director
of TV Ciudad. As a screenwriter and director,
she produced the documentaries Historias de
militantes / Stories of Activists (2008), Memorias
de mujeres / Women’s Memories (2005), Ácratas
(2000) and with Gonzalo Arijón, Por esos ojos /
For The Eyes of Mariana (1998).
He directed the series of short films Che suerte and
the documentary Tren Paraguay / Paraguay Train
(2011), winner of the award for Best Iberoamerican
Film at DOCSDF México, Best Documentary
at the Student Film Festival London (2012) and
Innovation Award of the UNASUR International
Film Festival (2012).
special programs
A meeting between the grandmother and daughter of the Director, Iván Mora
Manzano, at a time when the child’s memory was just beginning, and the
other, the grandmother’s, was starting to falter. The starting point for talking
about the importance of family memories and the search for memory.
OVERAVA
She has been the producer of nine feature films
and numerous short films. Executive Director of the
Colombian Academy of Film Arts and Sciences.
286
287
DEAR CAMILO
A BORDER, ALL BORDERS
México / Mexico
2007 -52 min.- Digital
Idioma / Language Español - Spanish Director Daniel Ross, Julio
Molina Productor / Producer Daniel Ross Mix, Latica de Película
Guión / Screenplay Daniel Ross, Julio Molina Editor Jaime Natche
Fotografía / Photography Frank Pineda Reparto / Cast Camilo
Mejía Contacto / Contact DOCTV Latinoamérica, Consuelo Castillo,
[email protected]
Idioma / Language Español - Spanish Director David Pablos Sánchez
Productor / Producer David Pablos Guión / Screenplay David
Pablos Sánchez Editor Aina Calleja Fotografía / Photography
Hatuey Viveros Contacto / Contact DOCTV Latinoamérica,
Consuelo Castillo, [email protected]
Dos documentalistas se reencuentran por medio de un noticiero,
con su amigo de la adolescencia, Camilo Mejía, el primer soldado
estadounidense que sirvió en la Guerra de Irak, declarado desertor
y condenado a un año de cárcel. Querido Camilo encuentra en Mejía,
un activista antibélico y una reflexión sobre la experiencia de la guerra.
Historias de encuentros y desencuentros en un muro fronterizo entre
México y Estados Unidos que separa a familias, amigos y amantes.
En algunos casos, el muro se presenta como una división física que
no logra impedir el contacto y convivencia humana, mientras que
en otros, es una metáfora de la ruptura en las relaciones humanas.
Two documentalists reunite by means of a newscast, with their childhood
friend, Camilo Mejia, the first American soldier who served in the Iraq
War, was declared a deserter and was sentenced to one year in prison.
Dear Camilo finds in Mejía an anti-war activist and a reflection on the
experience of the war.
Stories of encounters and conflicts at a border wall between Mexico
and the United States that separates families, friends and lovers. In some
cases, the wall is presented as a physical division that fails to prevent
human contact and coexistence, while in others, it is a metaphor for
the breakdown in human relations.
Costa Rica
2007- 52 min.- Digital
DANIEL ROSS MIX
DAVID PABLOS
Costa Rica
Director, productor y actor. Escribió y dirigió
los documentales Juímolos (2012), Paso a paso:
A sentimental journey (2006) y, Por así decirlo
(2004) entre otros.
Estudió en el Centro de Capacitación
Cinematográfica de México. Entre sus obras
se destacan La escritura en la pared (2010),
La canción de los niños muertos (2008), Mirando
las nubes, y El mundo al atardecer (2006).
Director, producer and actor. He wrote and directed
the documentaries Juímolos (2012), Paso a paso:
A sentimental journey (2006) and Por así decirlo
(2004) among others.
JULIO MOLINA MONTENEGRO
Costa Rica
He studied at the Centro de Capacitación
Cinematográfica in Mexico. His most outstanding
works include La escritura en la pared / The
Writing on the Wall (2010), La canción de los niños
muertos / The Song of the Dead Children (2008),
Mirando las nubes / Watching the Clouds, and El
mundo al atardecer / The World at Sunset (2006).
RESTORED ARCHIVES: TV OF YOUR FILMS
En este año en que el FICCI celebra la memoria y el presente del
cine colombiano, se abre también un espacio en la programación
para reconocer que no existe memoria sin soportes que la
albergue, y sin la necesaria recuperación y difusión de un cine
que nos hable desde el pasado y nos recuerde de dónde venimos.
This year, as FICCI pays tribute to the past and present of Colombian
cinema, we also inaugurate a space to acknowledge that there is
no memory without the medium that carries it and without the
necessary restoration and dissemination of a cinema that talks to
us from the past and reminds us where we come from.
Las iniciativas de recuperación patrimonial del cine colombiano
tienen una larga historia que se remonta a la década de 1950,
cuando pioneros como Luis Vicens y Hernando Salcedo Silva
e instituciones como el Cine Club de Colombia y la Filmoteca
Colombiana, dieron los primeros pasos para crear una conciencia
de la tradición de nuestro cine y de la importancia de recuperarla,
preservarla y difundirla. La Fundación Patrimonio Fílmico
Colombiano y la Cinemateca del Caribe, que este año celebran
30 años, y la Cinemateca Distrital que llega a su 45 aniversario,
recogen hoy por hoy esa historia con la que se han logrado,
en colaboración permanente con otras entidades públicas
y privadas, grandes avances en la custodia y circulación de
nuestro patrimonio audiovisual.
The restoration of Colombian cinematographic archives began in
the 1950’s, when pioneers like Luis Vicens and Hernando Salcedo
Silva, together with institutions like the Cine Club de Colombia
and the Filmoteca Colombiana, started raising awareness about
our cinematographic tradition and the importance of retrieving it,
preserving it and disseminating it. Over the decades, the Colombian
Film Heritage Foundation and the Caribbean Film Library, which
are celebrating their 30th anniversary this year, and the District
Cinematheque, founded 45 years ago, have worked with other public
and private entities to ensure the preservation of our audiovisual
heritage so it can be enjoyed by generations to come.
Las películas que se presentan en este programa especial
– gracias a la Fundación Patrimonio Fílmico Colombiano y
Proimágenes Colombia – han sido restauradas para que nuevos
públicos se encuentren con ellas y las lecturas sobre el lugar
de estas obras en el cine colombiano se renueve: Tres cuentos
colombianos, una película pionera en su aproximación desde el
cine a los problemas del país y que abrió y señaló en los años
sesenta los posibles caminos para un cine moderno en el país;
la serie Yuruparí, emitida por televisión pero realizada en formato
cinematográfico, que es hasta hoy el principal acervo audiovisual
sobre la diversidad cultural colombiana (fiestas, personajes,
tradiciones), de la cual se verá uno de sus capítulos restaurados:
Cerro Nariz, la aldea proscrita; y finalmente el segundo largometraje
del genial Carlos Mayolo, La Mansión de Araucaíma, una
película que consolidó un género, el “gótico tropical” y movilizó
discusiones sustanciales sobre adaptación y apropiación de
lenguajes y tradiciones en las películas colombianas.
special programs
QUERIDO CAMILO
UNA FRONTERA
TODAS LAS FRONTERAS
ARCHIVOS RESTAURADOS:
CINE DE TU CINE
The films that will be screened as part of this special program
have been restored so that new audiences may discover them
and that their place in the history of Colombian cinema may
be reviewed. Three Colombian Tales (Tres Cuentos Colombianos),
a groundbreaking work in its cinematographic approach of the
country’s problems that paved the way towards modern cinema in
1960’s Colombia; theYuruparí series - broadcasted on television but
produced in film format -, the most important audiovisual account
of Colombian cultural diversity to this day (celebrations, characters,
traditions), of which one of the restored episodes will be screened:
Cerro Nariz, Outlawed Village; and finally the great Carlos Mayolo’s
second feature film, Araucaima Mansion, the film that established
the “tropical gothic” genre and triggered substantial debates about
the adaptation and appropriation of artistic languages and traditions
in Colombian films.
“Restored Archives: the Film of Your Films” is a tribute to the
heritage that has shaped us, a space
“Archivos restaurados: cine de tu cine” es un reconocimiento a la
herencia que nos dio forma, al discurrir de tiempos que nos han
traído hasta aquí, con el rostro que hoy tenemos.
Estudió en la Escuela de Cine de San Antonio
de los Baños, Cuba.Docente en la Universidad
de Bournemouth y productor independiente. Graduated from the San Antonio de los Baños
Film School (Cuba), He teaches at the University
of Bournemouth and works as an independent
documentary filmmaker.
288
festival intenacional de cine
de cartagena de indias - ficci
289
LA MANSIÓN DE ARAUCAÍMA
TRES CUENTOS COLOMBIANOS
ARAUCAIMA MANSION
CARLOS MAYOLO
Colombia, 1945 - 2007
Director, guionista y actor.
En la primera parte de su filmografía,
en asocio con Luis Ospina,
introdujeron formas modernas en
el cine documental y de ficción en
Colombia con títulos como Oiga vea
(1972) y Agarrando pueblo (1977).
Dirigió Carne de tu carne (1983)
y La mansión de Araucaima (1986).
Dirigió la serie de televisión Azúcar
(1989-1991), profundamente
vinculada a sus intereses, su
biografía y su sensibilidad.
Director, scriptwriter, actor and member
of the Cali Group. In the first part of his
filmography, he and his associate Luis
Ospina introduced modern forms into
Colombian documentary and fiction
cinema with films such as Oiga vea
(1972) and The Vampires of Poverty
(Agarrando pueblo) are part of this crop.
He directed Flesh of your Flesh (1983) and
Araucaima Mansion (1986). He directed
television series:Sugar (1989-1991),
which was deeply linked to his interests,
his biography, and his sensibilities.
Idioma / Language Español con subtítulos en inglés - Spanish with English subtitles Director Carlos Mayolo
Productor / Producer Bertha de Carvajal, Liuba Hleap Guion / Screenplay Julio Olaciregui, Philip Priestey
(guión premiado). Carlos Mayolo y Sandro Romero (adaptación), según la novela de Álvaro Mutis Editor Luis
Ospina, Karen Lamassonne Fotografía / Photography Rodrigo Lalinde Reparto / Cast Vicky Hernández,
Adriana Herrán, Antonio Pitanga, Luis Fernando Montoya, Alejandro Buenaventura, Carlos Mayolo, José Lewgoy
Contacto / Contact Juana Suárez, [email protected]
A partir de esta película, adaptación de la novela
homónima de Álvaro Mutis, que venía precedida
de un subtítulo (relato gótico de tierra caliente),
en el cine colombiano se empezó a hablar del
“gótico tropical”. Narrativa de síntesis, lúdica y
problemática al mismo tiempo, de los imaginarios
gótico y tropical, en apariencia incomunicados.
La jovencita que escapa de un set de filmación y
llega a una mansión decadente y aislada donde se
cultivan extraños placeres, seduce y es seducida
por los seis extraños personajes que la habitan.
La pasoliniana irrupción de ese personaje
inocente pero corruptible, desestabiliza el
precario orden de esa utópica comunidad, que no
tardará en explotar desde adentro. Esta película
estuvo en el centro de múltiples discusiones
sobre la naturaleza de su adaptación, no solo del
material literario que está en su base, sino de
todo la visión del mundo que definió la tradición
anglosajona de la narrativa gótica. Hoy, treinta
años después, se reconoce en ella a una película
visionaria que revela pasión y espíritu iconoclasta
en cada minuto de su metraje, y que renovó
también la comprensión de películas colombianas
predecesoras como Pura sangre (1982) y Carne
de tu carne (1983) y la posibilidad de muchas
películas futuras.
Premio Especial del Jurado, Festival de Rio de
Janeiro, 1986
This film, an adaptation of the eponym novel
by Álvaro Mutis, which bore the subtitle (a gothic
tale in warm weather), started a conversation in
Colombian cinema about the “tropical gothic”.
It stages a synthetic, playful, and problematic
narration of the seemingly-unrelated tropical and
gothic spirits. A young girl escapes from a film set
and reaches an isolated, decadent mansion where
strange pleasures are cultivated. She seduces and
is seduced by the six strange characters living in
it. The “Pasolinean” irruption of this innocent-yetcorruptible character destabilizes the precarious
order of this utopian community that will soon start
imploding. This film was at the center of multiple
debates about the nature of adaptation, not just
of the literary material on which it was based,
but also of the world vision that was defined by
the Anglo-Saxon gothic narrative style. Today, thirty
years later, this film is recognized as a visionary work
that displays a passionate and iconoclastic spirit
in each minute of its running time, and fostered
a renewed understanding of its predecessors,
such as Pure Blood (1982), Flesh of Your Flesh
(1983), and of future films as well.
Jury Award, Rio de Janeiro Festival, 1986
Idioma / Language Español con subtítulos en inglés - Spanish with English subtitle Director Julio Luzardo:
Tiempo de sequía y La Sarda y Alberto Mejía: El Zorrero Productor / Producer Héctor Echeverri Correa
Guion / Screenplay Julio Luzardo: Tiempo de sequía, según el cuento de Manuel Mejía Vallejo. Julio Luzardo
y Helio Silva: La Sarda, según el cuento de Luis Guillermo Echeverri. Alberto Mejía y Jaime González García:
El Zorrero Editor Julio Luzardo Fotografía / Photography Dagoberto Castro: Tiempo de sequía, Helio Silva:
La Sarda y José Rojas: El Zorrero Reparto / Cast Lyda Zamora y Camilo Medina en Tiempo de sequía; Jorgito
Boneu, Ramón Boneu en La Sarda; Fernando González Pacheco, Consuelo Luzardo y Juan Harvey Caicedo en
El Zorrero Contacto / Contact Fundación Patrimonio Fílmico Colombiano, [email protected]
Este largometraje de tres episodios fue uno
de los primeros gestos de modernidad del cine
colombiano, tras los lánguidos años cincuenta
en que se produjeron muy pocas películas y la
mayor parte de ellas lastradas por una visión
folclorista y complaciente. Julio Luzardo y Alberto
Mejía, quienes habían regresado al país luego de
estudiar y vivir en el extranjero, emprendieron
este proyecto con el respaldo de la productora
Cine TV Films. En los tres cortos que componen
la película resalta no solo la preocupación por
problemas sociales como la pobreza en el campo,
en Tiempo de sequía; las tensiones entre desarrollo
y tradición en La Sarda; o las difíciles formas de
convivencia social en la ciudad, en El Zorrero.
También es destacable el salto en la calidad
técnica y narrativa, y el genuino interés por
nuevos sujetos fílmicos: marginados y personas
sometidas por las condiciones de inequidad
social. Los conflictos políticos, culturales y
económicos de los cuales el cine de los años
siguientes se iba a hacer cargo, ya se perfilaban
en este film, así como las preguntas y desafíos
que van a modular el debate social y cultural.
El FICCI, en su compromiso con la memoria
y el cine colombiano, se complace en presentar
esta restauración liderada por la Fundación
Patrimonio Fílmico Colombiano.
This three-episode feature was one of the first
modern gestures of Colombian cinema, after the
50s languidly produced only a few movies, most
of which were tarnished by a complacent, folkloric
worldview. Julio Luzardo and Alberto Mejía, who
had returned to the country after studying and living
abroad, undertook this project with the support
the Cine TV Films production company. The three
shorts that make up the film highlight a concern for
social issues, such as rural poverty in A Season of
Drought (Tiempo de sequía); the tensions between
development and tradition in La Sarda; or the
difficulties of urban coexistence in The Cart Driver
(El Zorrero). Also of note are the jumps in technical
and narrative quality, and a genuine interest in
new film subjects: outcasts and people subjugated
by social inequality. This film highlighted the
political, cultural, and economic conflicts that would
become commonplace in cinema in the following
years, and brought up questions and challenges that
would modulate social and cultural debates of the
time. FICCI, in its commitment to conservation
and Colombian cinema, is pleased to present this
restoration, achieved with the leadership of the
Colombian Film Heritage Foundation
(Fundación Patrimonio Fílmico Colombiano).
Colombia
1963 – 87 min.
JULIO LUZARDO
Colombia, 1938
Director, productor y montajista.
Dirigió El río de las tumbas (1965).
Director, producer, and editor.
He directed The River of the Graves
(El Río de las Tumbas - 1965).
special programs
Colombia
1986 – 86 min.
ALBERTO MEJÍA
Colombia, 1933 - 2008
Director y periodista. Dirigió el
documental Bolívar, ¿dónde estás
que no te veo? (1968).
Director and journalist. He directed
the documentary, Bolívar, ¿dónde
estás que no te veo? (1968).
290
291
GLORIA TRIANA
Colombia, 1950
Antropóloga y cineasta, galardonada
en 2015 con el Premio Nacional Vida
y Obra del Ministerio de Cultura.
Fue ganadora cuatro veces del premio
Simón Bolívar de periodismo. Desarrolló la serie Yuruparí (1983-1986).
This anthropologist and filmmaker
received the Ministry of Culture’s Life
and Work Award in 2015, and the Simón
Bolivar journalism prize four times. She
directed the Yuruparí documentary series.
JORGE RUIZ ARDILA
LAS IMÁGENES EN MOVIMIENTO,
ANTES DEL CINEMATÓGRAFO
CERRO NARIZ, OUTLAWED VILLAGE
MOVING IMAGES BEFORE THE CINEMATOGRAPH
Idioma / Language Español con subtítulos en español - Spanish with English subtitles Director Gloria Triana
y Jorge Ruiz Ardila Productor / Producer Alberto Amaya Guion / Screenplay Gloria Triana Editor Mady
Samper Fotografía / Photography Jorge Ruiz Ardila Reparto / Cast Habitantes de las aldeas de Remanso y
Cerro Nariz Contacto / Contact Juana Suárez, [email protected]
Cerro Nariz, la aldea proscrita es un documental
de la serie de televisión Yuruparí, emitida en
la televisión colombiana entre 1983 y 1986,
y producida por Focine y la Compañía de
Informaciones Audiovisuales. Ofrece un retrato
de un grupo del pueblo Puinave que decide en
forma deliberada aislarse para poder mantener
sus costumbres, fiestas, credo e idioma ante
la colonización religiosa, lingüística y cultural
que enfrentaba. Enmarcado en otro contexto
narrativo y en otra época, coincide con temáticas
planteadas por Ciro Guerra en El abrazo de
la serpiente (2015). Hasta la fecha, Yuruparí
es el registro audiovisual más amplio sobre
tradiciones y costumbres de todas las regiones
colombianas, incluyendo celebraciones religiosas,
expresiones de la música, artes y oficios populares,
y homenajes a importantes creadores colombianos.
Esta versión restaurada resulta de labores de
rescate de la serie realizadas por Proimágenes
Colombia, con el apoyo de Señal Colombia y
Fundación Patrimonio Fílmico Colombiano.
Cerro Nariz, Outlawed Village is a documentary
from the television series Yuruparí, broadcasted on
Colombian television between 1983 is 1986 and
produced by Focine and Compañía de Informaciones
Audiovisuales (Audiovisual Information Company).
It presents a portrait from a group of Puinave
indigenous people who decides to go on isolation in
order to maintain their customs, celebrations, beliefs
and language in the face of the religious, linguistic
and cultural colonization they are submitted to.
Although from a different narrative context and a
different time, it coincides with some of the themes
described by Ciro Guerra in The Embrace of the
Serpent (2015). So far, Yuruparí is the most complete
audiovisual record of the traditions and customs
of the regions of Colombia, including religious
celebrations, music, arts, popular crafts, and tributes
to important Colombian creators. This version of the
series was restored by Proimágenes Colombia with
the support of Señal Colombia and the Colombian
Film Heritage Foundation (Fundación Patrimonio
Fílmico Colombiano).
En la función del día 3 de marzo a las 21:30
en la Plaza de la Proclamación se hará un
reconocimiento a la obra de la directora.
Tribute will be paid to the director and her works
at the March 3 showing at 21:30 at Plaza de la
Proclamación.
Antes del cinematógrafo, las linternas
mágicas servían para crear espectáculos
de fantasmagorías, que, con la ilusión del
movimiento de sombras y figuras espectrales,
maravillaban a los espectadores y creaban un
envolvente y hechizante mundo mágico de figuras
humanas que daban vueltas, en una danza
eterna. El cine como espectáculo comenzó un
28 de diciembre de 1895 en París, pero antes
de este advenimiento, existían precursoras
diversiones que ofrecían la representación
de imágenes en movimiento valiéndose de
ingeniosos aparatos como la Linterna mágica,
el Caleidoscopio, Fenaquitoscopio, Viviscopio
Taumátropo Praxinoscopio y Mutoscopio que
se presentan en esta exposición Las imágenes en
movimiento, antes del cinematógrafo, la cual reúne
un grupo de réplicas de aparatos que reproducen
mecánicamente imágenes en movimiento, entre
otros artefactos que antecedieron la llegada del
cinematógrafo, el instrumento que permitió
finalmente, capturar la vida en movimiento y
fijarla sobre un soporte fílmico. Con esta muestra,
el Festival de Internacional de Cine de Cartagena
de Indias, FICCI 56, celebra la fundamental
labor de rescate y preservación de la memoria
audiovisual nacional realizada durante treinta
años por la Fundación Patrimonio Fílmico
Colombiano.
Before the cinematograph was invented, magic
lanterns were used to create phantasmagoric
shows through the illusion of shadows and spectral
figures that kept the spectators in awe, and created
an embracing and spellbinding world of magical
human figures moving in circles in an eternal
dance. Cinema as a show was born on December
28th, 1895 in Paris. Before this advent, a variety of
pioneering and inventive entertainment machines
proposed the representation of moving images,
like the Magic Lantern, the Kaleidoscope, the
Phenakistoscope, the Vitascope, the Thaumatrope,
the Praxinoscope and the Mutoscope, which can be
observed in this exhibition. Moving Images Before the
Cinematograph brings together a set of replicas of
the devices designed for the mechanical reproduction
of moving images that were all invented prior to
the cinematograph, the instrument that opened
the possibility to capture life in motion on film.
With this exhibition, the 56th Cartagena de Indias
International Film Festival (FICCI), pays homage to
the very important work of retrieval and conservation
of our national audiovisual memory that the
Colombian Film Heritage Foundation (Fundación
Patrimonio Fílmico Colombiano) has been carrying
out for thirty years.
special programs
Colombia
CERRO NARIZ,
LA ALDEA PROSCRITA
Colombia, 1949
Entre 1983 y 1985 trabajó como
director junto con Gloria Triana,
y como director de fotografía en 24
documentales de la serie Yuruparí.
Between 1983 and 1985 he was
the co-director (with Gloria Triana)
and director of photography of the
24-documentary series Yuruparí.
292
293
RUTA UNIDOS
UNIDAD Y CINE PARA LA ATENCIÓN Y REPARACIÓN INTEGRAL
A LAS VÍCTIMAS DEL CONFLICTO COLOMBIANO /
UNITY AND FILM FOR THE INTEGRAL ATTENTION AND
COMPENSATION TO THE VICTIMS OF THE COLOMBIAN CONFLICT
Nos corresponde así, desde el gran escenario geográfico, cultural
e ideológico que nos acoge, conocer y reconocer a los que han
estado sometidos a la sombra del dolor, revisando su historia,
visibilizándola y dándoles voz, mediante caminos expresivos
dotados de belleza y alternativas.
Surge entonces, la idea de abrir vías hacia la construcción
de una nueva sociedad que aprenda a vivir en comunidad, en
armonía con su pasado y su presente, única y necesaria forma
que entendemos para transitar esa vía hacia el futuro. Desde
esta perspectiva, La Ruta Unidos, nace para sensibilizar acerca
de este proceso de reparación hacia los más de siete millones
de víctimas, mediante una plataforma transmedia que incluye
una serie de cortometrajes que narran las historias y proyectos
en la búsqueda de la paz, por medio de las voces de sus
protagonistas y que presentaremos durante esta edición del
Festival Internacional de Cine de Cartagena –FICCI-, como
preámbulo de las películas en nuestra salas.
Experiencias de vida, pero también de superación y de esperanza,
que guiados de un riguroso acompañamiento brindado por
La Unidad para la Atención y Reparación Integral a las Víctimas,
abre el camino para recordamos que dar asistencia y reparar a las
víctimas es tarea de todos, y que solo perdonando y, recordando
y aprendiendo del pasado, podremos construir un futuro.
294
It is impossible to think of a post-conflict and peacebuilding process
without memories, as they are the pillar of reconciliation, especially
for the Colombian people, who have lived in permanent armed
conflict for over seventy years. Memory is what should guide us
unfailingly to a sensitive and historic revision, in order to
define what we have lived through as a nation during that time.
It is our mission, in this geographic, cultural, and ideological setting
that is our country, to know and recognize those who have suffered
by revising and shedding light on their history, by giving them a voice
through a choice of ways to express beauty.
This has led us to open pathways for the construction of a new society
that is learning how to live in harmony with its past and present.
To us, this is the only way into the future. From this perspective, La
Ruta Unidos was created to raise awareness about the seven million
victims of the conflict involved in the reparation process, through
a transmedia platform that includes a series of short films that tell
stories and projects about the peace-building through the voices of
their protagonists. During this edition of the Cartagena International
Film Festival, these stories will be presented as a prelude to the films
that will be shown in our theaters.
These life experiences, as well as stories of hope and overcoming,
which are supported rigorously by the Unit for the Integral Attention
and Reparation of Victims, paves the way to remind us that providing
help and assistance to victims is everyone’s responsibility, and
9 DE ABRIL
CERRO AZUL
APRIL 9TH
BLUE MOUNTAIN
5:14 min.
2:56 min.
5:08 min.
Idioma / Language Español - Spanish
Director Mario Medina, Antonio
Alarcón Productor / Producer La Liga
Producciones Editor Juan Camilo Vergara
Fotografía / Photography Harry Smith,
Producciones Editor Irina Santana
Producciones Editor Carlos Ruiz, Ana
Camila Jaramillo Fotografía / Photography
Inti Roncancio, Santiago Jaimes, Mateo
Hincapié, Carlos Ruiz
Santiago Jaimes, Ana Camila Jaramillo
Harry Smith
En medio de lo que podría llamarse como la
ruta del café, se encuentra Cerro Azul, una
población que recoge día a día su memoria
para reparar los daños de la violencia que
un día intentó detener su proyecto como
comunidad.
En medio de lo que podría llamarse como la
ruta del café, se encuentra Cerro Azul, una
comunidad.
Cerro Azul is located in the middle of what can
be called the coffee route. Its people collect
their memories day by day in order to repair
the damage done by the violence that tried to
destroy their community in the past.
Cerro Azul is located in the middle of what can
be called the coffee route. Its people collect
Los derechos laborales siempre han sido
una de las razones por las cuales la historia
ha contado actos de vulneración y violencia.
Coproagrosur es la historia de un proceso de
reparación que no se detiene ante la guerra,
y continúa su andar desde la construcción de
un campo más justo.
COPROAGROSUR
special programs
Es imposible pensar un proceso de pacificación y postconflicto
sin recurrir a la memoria, porque esta se constituye en el pilar
fundamental de la reconciliación de un pueblo, que como el
colombiano, ha vivido por más de setenta años en permanente
enfrentamiento. Esa memoria, es la que nos debe conducir, de
manera indefectible, a una revisión histórica y sensible para llegar
a poder determinar lo que nos ha ocurrido como nación a lo
largo de este tiempo.
Workers’ rights have always been one of the
roots of historic acts of violence and violations.
Coproagrosur is the story of a reparation process
that does not bend before war, and continues
its steady march towards the creation of a fairer
rural life.
295
BARRIO OBRERO,
LA CHINITA
LA SECRETA
LAS PALMAS
296
REDEPAZ
UNIVERSIDAD
DE CÓRDOBA /
UNIVERSITY OF CORDOBA
WOMEN’S ROUTE, PASTO
AND TUMACO
5:16 min.
5:08 min.
5:23 min.
4:32 min.
4:19 min.
3:39 min.
Producciones Editor Ana Camila Jaramillo
Director Mario Medina, Antonio Alarcón
Productor / Producer Andrés Díaz, Shirley
Carrera, Martha Mora Editor Iván Villamil
Idioma / Language Español - Spanish Director
Mario Medina, Antonio Alarcón Productor /
Producer La Liga Producciones Editor Camilo
Cañón Fotografía / Photography Santiago
Alarcón Productor / Producer La
Liga Producciones Editor Iván Villamil
Productor / Producer La Liga Producciones
Editor Juan Camilo Vergara Fotografía /
Photography Harry Smith, Inti Roncancio,
Editor Carlos Ruiz Fotografía /
Photography Carlos Ruiz
Ana Camila Jaramillo
Santiago Jaimes, Mateo Hincapié, Carlos Ruiz
El Barrio Obrero, ubicado en la antigua
finca La Chinita en el Urabá Antioqueño
reconstruye su historia tras una masacre
que intentó derribar a una comunidad pero
que, a través del proceso de reparación,
demuestra la tenacidad de sus habitantes.
En medio de lo que podría conocerse como
la ruta del café, se encuentra La Secreta, una
comunidad.
Las mujeres que no callan, que no temen,
que no paran a pesar de la violencia hacia
sus cuerpos. Mujeres que a través de los
procesos de reparación, redescubrieron su
fuerza, su proyecto de vida y el mar.
Redepaz, una organización construida
sobre la importancia de una comunicación
alternativa, sufrió la estigmatización de su
lenguaje diferente, encaminado a la paz.
The Barrio Obrero, located in the old La
Chinita farm in the Urabá region of Antioquia,
is rebuilding its history after a massacre almost
destroyed their community. The reparation
process evidences of the tenacity of its
inhabitants.
La Secreta is located in the middle of what
can be called the coffee route. Its people collect
Cortés, Mateo Hincapié, Carlos Ruiz, Christian
Martínez, Santiago Jaimes, Mauricio Navarro,
Harry Smith, Paola Vargas
Las Palmas es una población que renace
a partir del retorno de quienes se fueron
huyendo de la violencia, y regresan en busca
de su proyecto de vida, de comunidad.
Las Palmas is a community that is coming
back to life as those who fled from violence
now return in search of a new life and a new
community.
LETICIA Y SUS VEREDAS
LIBERTAD
NUEVA VENECIA
Y BELLAVISTA
LETICIA AND ITS VILLAGES
FREEDOM
NUEVA VENECIA AND BELLAVISTA
5:23 min.
5:23 min.
5:20 min.
Fotografía / Photography Mateo Chávez,
Producciones Editor Camilo Cañón
Director Mario Medina - Antonio
Ana Camila Jaramillo
Carlos Ruiz
Santiago Jaimes, Mauricio Navarro, Ana
Camila Jaramillo
En Leticia y sus veredas, ubicadas en el
departamento de Córdoba, relatan como la
violencia intentó derribar su futuro, y como
sus habitantes, de diferentes generaciones
pretenden por medio de la reparación
demostrarle a todo un país la importancia de
sus campos.
Libertad es una palabra, una necesidad
y una población en el departamento de
Sucre. A través de la música y el apoyo
intergeneracional a esta, la población de
Libertad se escribe y se canta en medio de
la reparación a sus habitantes que quieren
cerrar el capítulo de la violencia.
Un pueblo palafito es aquel que se construye
sobre el agua y Colombia tiene uno sobre
la Ciénaga Grande de Magdalena, el cual
fue parte de la violencia interna del país.
Hoy se reconstruye a partir de la fuerza de
sus habitantes en un proceso de reparación
colectiva.
The different generations of inhabitants of
Leticia and its villages, in the department of
Córdoba, talk about how violence tried to
destroy their future, and how they want to
use the reparation process to show the entire
country the importance of their home.
Libertad (Freedom) is a word, a need, and a
community in the Sucre department. Through
their intergenerational love for music, the
people of Libertad writes and sings in the midst
of a reparation process that seeks to close the
chapter of violence.
A stilt village is one that is built over water.
Colombia has one over the Magdalena
department’s Ciénaga Grande (Great Marsh),
which was a victim of the country’s internal
violence. Today, it is being rebuilt by the
strength of its inhabitants through a collective
reparation process.
Women who refuse to be silenced, who refuse
to live in fear, who refuse to stop despite
the violence being inflicted on their bodies.
Women who, through the reparation process,
rediscovered their strength, their life projects,
and the sea.
Redepaz is an organization that works on the
importance of alternative communication,
that suffered from the stigmatization of the
difference of its peace-building language.
Recuperar la posibilidad de tener y construir
un espacio de libre pensamiento es el
objetivo principal de la reparación a las
víctimas de la Universidad de Córdoba.
Allí, a través del arte y la cultura se elabora
permanentemente el camino hacia la
desestigmatización de la universidad pública
del caribe colombiano.
The main objective of the University of
Cordoba’s victims compensation programme
is to restore the possibility to build and
maintain a space for freedom of thought.
There, through arts and culture, the road to
the destigmatization of public universities
in the Colombian Caribbean region is under
permanente construction.
ORGANIZACIÓN DE
PUEBLOS INDÍGENAS DE LA
AMAZONÍA COLOMBIANA –
OPIAC- AMAZONAS
INDIGENOUS PEOPLES
ORGANIZATION OF THE COLOMBIAN
AMAZON-OPIAC-AMAZON
5:38 min.
Editor Carlos Ruiz, Ana Camila Jaramillo
special programs
WORKING-CLASS
NEIGHBORHOOD, LA CHINITA
RUTA DE MUJERES
PASTO Y TUMACO
Santiago Cortés
La selva preserva la historia de la humanidad
en su naturaleza misma. Desde allí los
pueblos indígenas organizados hacen un
llamado para detener la violencia, con
música, rituales y la voluntad de reparar el
andar mismo del proyecto nacional.
The jungle preserves the history of humanity
within nature itself. The organized indigenous
populations who live there call for an end to
violence through music, rituals, and the will to
repair the nation-building process itself.
297
CINE EN
LOS BARRIOS
CINE EN LOS BARRIOS
Cine en los barrios, es, sin lugar a dudas, una de las experiencias más particulares que ofrece el
Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias. Un punto de encuentro y comunión entre
vecinos, de todas las edades, que alrededor de una proyección fortalecen sus lazos como comunidad,
reflexionan y comparten como lo soñaron sus creadores Víctor Nieto y Jorge García Usta, con una
variada programación que este año presenta una selección de cortometrajes con pluralidad de
historias, géneros y puntos de vista. Esta selección da cuenta de trabajos realizados en los programas,
Imaginando Nuestra Imagen -INI-, Asociación Internacional de Films Animados -ASIFA-, el Taller
de video comunitario organizado por el FICCI y la Escuela Taller de Cartagena de Indias en la isla
de Tierrabomba, del Programa DOCTV y de selecciones de festivales como Bogoshorts, Ambulante
y del canal público Señal Colombia. Igualmente harán parte, diversos trabajos de documental
y ficción provenientes de la convocatoria de inscripción regular de FICCI.
Esta iniciativa abre el espacio para que no solo las comunidades, sino todo tipo de instituciones,
asociaciones e incluso los centros penitenciarios de la ciudad se unan, aportando desde sus
posibilidades, para lograr una semana donde se tiene el acceso a todo un universo de diversidad.
En 2016, gracias al apoyo de la Fundación Tenaris Tubocaribe, es posible mantener las actividades
de integración en la comunidad de Nelson Mandela con las proyecciones de Cine en los Barrios.
Así mismo, con el acompañamiento de Ganaya – Supergiros, seguiremos dando continuidad a los
procesos que durante todo el año realiza el festival en las comunidades más remotas de la región,
expandiendo y fortaleciendo un trabajo permanente que no se limita a las fechas del festival.
Cinema in the Neighborhood is undoubtedly one of the most particular experiences offered by the Cartagena
de Indias International Film Festival. It is a meeting point, a gateway to the communion between neighbors
of all ages who can strengthen their community ties around a screening, think and share, as the creators of
the program Victor Nieto and Jorge García Usta once dreamed. This year’s selection features a variety of short
films and a range of stories, genres and viewpoints. This selection presents the films made with support of
programs such as Imaginando Nuestra Imagen (Imagining our Image - INI), the International Animated Film
Society (ASIFA), the Community Video Workshop organized by the FICCI and the Escuela Taller of Cartagena
de Indias in the island of Tierrabomba, the DOCTV Program and selections of festivals like Bogoshorts,
Ambulante and of the Señal Colombia public television channel. Various documentaries and fiction films
from FICCI’S annual call for entries will also be screened.
This initiative opens up a space for communities but also for any kind of institution – associations and even
penitentiary centers – to participate and contribute with their own means to a week that opens a door onto
a whole universe of diversity.
This year, thanks to the support of the Tenaris Turbocaribe Foundation, we have been able to maintain the
activities of the program in the Nelson Mandela neighborhood. Furthermore, with the help of Ganaya –
Supergiros, we will keep working on the year-round processes implemented by the festival in the region’s most
remote communities, expanding and strengthening a permanent work way beyond the week of the festival.
Cinema in the Neighborhood invites all the people of Cartagena and our visitors to dream with their eyes open.
cine en los barrios
cine en los barrios
Cine en los Barrios, es una invitación para todos los cartageneros y visitantes a soñar con los ojos abiertos.
302
303
PROGRAMACIÓN CINE EN LOS BARRIOS
PACIENTE
Competencia oficial documental
Competencia oficial cine colombiano
Mie/Wed 2 10:00 Barrio Zaragocilla, Universidad
de Cartagena, sede Zaragocilla.
HOME, EL PAÍS DE LA ILUSIÓN
Competencia oficial cine colombiano
Jue/Thur 3 10:00 Barrio Nuevo Bosque, Urb., Barlovento
Transversal 53 # 23A -104 Manzana I - I.E. Nuevo Bosque.
Programas especiales DocTV 10 años
Jue/Thur 3 16:00 Barrio España, carrera 44D No. 30-91.
Fundación Universitaria Tecnológico Comfenalco.
Vie /Fri 4 21:0o Parque El Alma del Manglar.
EL MUNDO DE CAROLINA
Competencia oficial documental
Jue/Thur 3 11:00 Barrio San Diego, San Diego Escuelas
Profesionales Salesianas.
CASA BLANCA
Competencia Oficial Documental
Vie /Fri 4 10:00 Barrio Lemaitre, Daniel Lemaitre,
carrera17 # 71-25 I.E. Liceo Bolívar.
MATE-ME POR FAVOR
Competencia oficial ficción
Vie/Fri 4 10:00 Barrio Ternera. Diagonal 32 No. 30-96
Universidad San Buenaventura.
NUEVA VENECIA
Ambulante Presenta
Vie/Fri 4 15:00 Barrio Zaragocilla 187, Diagonal.
30 #50 P. TEC. Cedesarrollo.
AISLADOS
Ambulante Presenta
Lun /Mon 7 9:30 Barrio El Líbano. Av. Pedro de Heredia
#31-41 Sector Tesca. Fundación Universitaria Tecnar.
RONALDO
Ambulante Presenta
Vie/Fri 4 19:00 Parque El Alma del Manglar.
EL ABRAZO DE LA SERPIENTE
Cine bajo las Estrellas
Lun /Mon 7 18:30 Barrio San Diego, Calle 39 Cárcel de Mujeres.
THE WOLFPACK
Sundance Channel Presenta
Mie/Wed 2 14:00 Universidad Centro Colombo Americano, centro.
cine en los barrios
PROYECCIONES EN LOS BARRIOS
“SHOW CAR FICCI 56” 304
RONALDO
Ambulante Presenta
Mie/Wed 2 19:00 Barrio San Francisco, Parque Principal, F.
Coronel José Carmelo Villizar
CORTOS FICCI
Cine en los barrios
Sab /Sat 5 19:00 Barrio Olaya, cancha Playa Blanca,
Gobernación de Bolívar.
CORTOS ASIF
Cine en los barrios
Jue/Thur 3 19:00 Barrio Lo ador, El Playón,
Alcaldía de la localidad 1 - Alcaldía de Cartagena.
CORTOS BOGOSHORT
Cine en los barrios
Dom/ Sun 6 19:00 Barrio Luis C. Sarmiento, manzana G lote 24-1
etapa F. Creando Sinergia.
CORTOS FICCI
Cine en los barrios
Vie/Fri 4 19:00 Barrio Villa Olímpica, cancha,
Alcaldía de la localidad 2,Alcaldía de Cartagena
PROGRAMA ABRE TUS OJOS
Cine en los barrios
Lun /Mon 7 19:00 Barrio Nuevo Paraíso, Cancha Policía Nacional.
PROYECCIONES EN LOS BARRIOS
CINE MOVIL FICCI 56
TALLERES AUDIOVISUALES
FICCI 56
PROGRAMA ABRE TUS OJOS
Cortos FICCI Cine en los Barrios
Mie/Wed 2 19:00 Barrio Chiquinquirá, Parque principal, Policía.
RUEDA TU CUENTO
Tallerista: Corporación Cinematográfica del Tolima
2,3 y 4 marzo de 8:00 a 12:00
(De 7 a 15 años) Pasacaballos, I.E. Tecnológico de Pasacaballos.
CORTOS SEÑAL COLOMBIA
Cine en los Barrios
Jue/Thur 3 19:00 Barrio El Pozón, parqueadero Casa Cultural
Las pilanderas, F.Coronel José Carmelo Villizar
Programas especiales DocTV 10 años
Vie/Fri 4 19:00 Barrio Henequen 7, cancha principal,
Fundación para el desarrollo comunitario.
CORTOS ASIFA
Cine en los Barrios
Sab /Sat 5 19:00 Barrio Ciudadela 2000, cancha Colegio
Ciudadela 2000, Fundación Creando Sinergia.
CORTOS FICCI
Cine en los Barrios
Mie/Wed 2 19:00 Turbaco, Parque Alcaldía de Turbaco,
Gobernación de Bolívar.
CORTOS BOGOSHORT
Cine en los barrios
Lun /Mon 7 19.00 Barrio Plazuela, Parqueadero Alcaldía,
Localidad 3, Alcaldía de Cartagena.
REALIZACIÓN DOCUMENTAL
Tallerista: Full producciones
3,4,5 y 6 marzo de 8:00 a 12:00
(De 9 a 14 años). La Boquilla/ Skinner
MI ÁRBOL FAVORITO
Tallerista: ASIFA
29 de febrero, 1 y 8 Marzo de 8:00 a 12:00
Barrio Ceballos, I.E. Salim Bechara.
EL CINE SOCIAL COMO VEHÍCULO DE TRANSFORMACIÓN
Tallerista: Conservatorio Audiovisual del Tolima
2,3,4 y 7 marzo de 8:00 a 13:00
(De 10 a 15 años) Barrio Nuevo Bosque, Normal Superior
de Cartagena de Indias
TRAMARATÓN
Tallerista: Ciclo
3 y 4 marzo 8:00 a 13:00
(14 a 16 años) Barrio José María Córdoba, Pasacaballos,
I. E. José María Córdoba
cine en los barrios
PROYECCIONES EN INSTITUCIONES
CON PRESENCIA DE DIRECTORES
305
EL FESTIVAL INTERNACIONAL DE
CINE DE CARTAGENA RECUERDA A
THE CARTAGENA INTERNATIONAL
FILM FESTIVAL REMEMBERS
JORGE GARCÍA USTA
(1960-2005)
JORGE GARCÍA USTA
(1960-2005)
Nacido en 1960, en Ciénaga de Oro,Córdoba, estudió Filosofía y Letras en la Universidad Santo Tomás
en Cartagena. Como escritor, poeta, investigador, ensayista y periodista, García Usta vivió sus 45 años
intensamente, aprovechando su corta vida y su visión como gestor cultural, para dejar un profundo
impacto en el Festival Internacional de Cine de Cartagena que hizo suyo y, el cual siempre quiso extender
a los rincones de Cartagena y el Caribe, lejos de los tradicionales recintos del evento, comenzando a
llevar películas a la Biblioteca Caimán en la zona suroriental de Cartagena. Así fue como con un VHS
prestado y con el apoyo del director de dicha biblioteca, Orlando González, originó lo que más tarde
se conocería como Cine en los barrios, que este año llega a su decimosexta versión.
Sus cinco poemarios, Noticias desde otra orilla, Libro de las crónicas, El reino errante, Monteadentro y
La tribu interior fueron reeditados por la gobernación de Córdoba en 2001 bajo el título Noticias de un
animal antiguo. En conjunto con el periodista Alberto Salcedo Ramos, escribió 10 juglares en su patio,
recopilación de premiados artículos que resaltan los valores y talentos de los músicos del Caribe.
cine en los barrios
Su libro más conocido, Cómo aprendió a escribir García Márquez, publicado en 1995 y reeditado en 2015,
muestra los buenos comienzos del Premio Nobel cuando fue periodista novato en El Universal de
Cartagena, periódico en que Jorge también inició sus labores. Fue editor de varias revistas entre ellas
En tono menor, Historia y Cultura, de la Universidad de Cartagena, Aguaíta del Observatorio del Caribe
y asesor permanente de la premiada revista Noventaynueve. Fue ganador de varios premios periodísticos
y literarios entre ellos el Premio Nacional de Poesía Joven, León de Greiff y el premio de periodismo
Antonio J. Olier. Para la celebración de los 35 años del FICCI editó y prologó el libro Víctor Nieto,
hombre de cine en homenaje al fundador del Festival.
306
On the tenth anniversary of his death, Jorge García Usta, who worked as the FICCI’s Chief of Press and Cultural
Programming between 1990 and 2005, will be honored through a series of activities that will take place in the
context of Salón FICCI’s Cine en los barrios (Cinema in the neighborhoods) program, and on Sunday, March
6th, from 2 to 4 p.m., at the Salón Rey auditorium of the Centro de Formación de la Cooperación Española
(AECID), where the documentary film Daniel Lemaitre: Crónica, canto y olor a corralito (Chronicles, songs
and the smell of corrals) will be screened. García Usta wrote the script for this documentary feature, which
aired for the first time on Telecaribe in 1992. Subsequently, a panel discussion will be held with film critic
Gonzalo Restrepo, arts administrator Orlando González and Cine en los barrios’s head programming
David Covo and coordinator Angela Bueno..
Born in 1960, in Ciénaga de Oro, Córdoba (Colombia), García Usta studied philosophy and literature at
Universidad Santo Tomás in Cartagena. Being a writer, poet, researcher, essayist and journalist, García Usta
lived his 45 years of life intensely. During his short life and making the most of his perspective as cultural
manager, he left an indelible mark on the Cartagena International Film Festival, which he made his own,
determined to extend the event to the most isolated corners of Cartagena and the Caribbean, far from the
event’s traditional venues. He was the first to bring movies to the Biblioteca Caimán library located in
southeast Cartagena. Armed with a VHS tape player and the support of Orlando González, the library
director, he thus gave birth to the program that would later be known as Cine en los Barrios (Cinema
in the neighborhoods), which will celebrate its 16th edition this year.
His five collections of poems, Noticias desde la otra orilla (News from the other shore), El reino errante
(The wandering kingdom), Monteadentro (Through the forest) and La tribu interior (The inner tribe)
were re-edited by the Office of the Governor of Córdoba in 2001 under the title Noticias de un animal
antiguo (News from an ancient animal). Along with journalist Alberto Salcedo Ramos he co-wrote 10
juglares en su patio (10 jugglers in their yard), a collection of award-winning articles that highlight the
values and talents of Caribbean musicians.
Estuvo en permanente contacto con el nuevo cine lo que se reflejaba en las conferencias y charlas
mantenidas con destacados críticos, realizadores y estudiosos del séptimo arte, además del
conocimiento que tenía sobre los cineclubes, de los cuales resaltaba sus esfuerzos por promover
un cine de alto nivel artístico y cultural.
His most well-renowned book, Cómo aprendió a escribir García Márquez (How García Márquez learned to
write), published in 1995 and re-printed in 2015, discusses the Nobel Prize Winner’s early beginnings as a rookie
journalist in Cartagena at El Universal, the newspaper where Jorge himself got his first big break. He served
as an editor in several magazines, including En tono menor, Historia & Cultura, a publication by Universidad
de Cartagena, Aguaíta published by Observatorio del Caribe, and also as a permanent advisor of the awardwinning magazine Noventaynueve. He won several journalism and literary prizes, including the León de
Greiff Young Poets National Poetry Prize, and the Antonio J. Olier prize for journalism. In celebration
of the 35th edition of the FICCI, he edited and wrote the prologue for the book Víctor Nieto, hombre
del cine (Victor Nieto, movie man) in honor of the founder of this Festival.
Su dedicada labor permitió ampliar la participación de todos los cartageneros en las principales
actividades culturales de la ciudad, legado que hoy todavía se disfruta durante el Festival de Cine
de Cartagena, por el cual no queda sino decir una vez más, Gracias por siempre, Jorge.
He was always up to date with new cinema, as was made visible by the conferences and talks he organized
with renowned critics, movie directors and film experts, and by his knowledge of movie clubs, whose efforts
to promote high-level artistic and cultural cinema he praised.
cine en los barrios
En el décimo aniversario de la muerte de Jorge García Usta, quien se desempeñara durante quince
años como Jefe de prensa y actividades culturales del FICCI, entre 1990 y el 2005, será especialmente
recordado con varias actividades que se realizarán en el marco del Salón FICCI, espacio Cine en los
barrios, el domingo 6 de marzo de 2 a 4 p.m., en el Salón Rey del Centro de Formación de la Cooperación
Española -AECID-, con la proyección del documental Daniel Lemaitre: Crónica, canto y olor a corralito,
con libreto de su autoría y el cual fuera presentado por Telecaribe en 1992. Posteriormente, se llevará
a cabo un conversatorio con el crítico de cine, Gonzalo Restrepo, el gestor cultural, Orlando González
y el programador, David Covo, y la coordinadora, Ángela Bueno, ambos de Cine en los barrios del FICCI.
307
APROPIARSE
DE LA IMAGEN
TAKING OWNERSHIP
OF THE IMAGE
TALLERES AUDIOVISUALES EN CINE EN LOS BARRIOS
AUDIOVISUAL WORKSHOP ON FILM
Apropiarse de la imagen como un elemento expresivo estructural, analizarla desde diferentes puntos de
vista para poder comprender su poder y elaborar criterios respecto al quehacer audiovisual y aplicación
de los mismos en la práctica, son algunos de los fundamentos que el Festival Internacional de Cine de
Cartagena –FICCI-, en el marco de Cine en los Barrios, lleva al programa de Talleres comunitarios para
niños y a jóvenes de Cartagena.
Taking ownership of the image as a central element of artistic expression, analyzing it from different points of
view in order to understand its power, and creating and applying criteria for audiovisual endeavors, are some of
the central tenets that the Cartagena International Film Festival – FICCI – is taking to Community workshops
for children and young people in Cartagena through its Cine en los Barrios initiative.
TRAMARATÓN
Ciclo es una entidad que promueve la cultura audiovisual a través de sus talleres Trama, didáctica
mediante la cual experimentarán con dispositivos móviles, cada una de las etapas de la producción
audiovisual, desde la generación de la idea hasta la postproducción. Esta iniciativa de formación
para crear, soñar, aprender y expresar, estará a cargo de Juan David Orozco, Sara Chavarriaga Restrepo
y Juliana Monsalve Castro.
EL CINE SOCIAL COMO VEHÍCULO DE TRANSFORMACIÓN CULTURAL
El Conservatorio Audiovisual del Tolima, dará a conocer las normas básicas para producir material
audiovisual. Como producto final, los participantes asesorados por los talleristas, realizarán un segmento
audiovisual de máximo cinco minutos bajo el formato de cadáver exquisito (figura creativa y lúdica propuesta
por los surrealistas). Estarán a cargo de Hugo Andrés Quintero Rivera y Ligia Constanza Morales.
TALLER DE ANIMACIÓN, MI ÁRBOL FAVORITO
La Asociación Internacional de Films Animados, ASIFA Colombia, realizará el taller de animación Mi árbol
favorito del Animation Workshop Group. Para el desarrollo de esta propuesta, se contará con la presencia de los
talleristas Diego Felipe Ríos, Ricardo Arce, Carlo Guillot, Miller Almario, Mauricio Lozano y Laura Vásquez.
cine en los barrios
LA BOQUILLA 2016, CAPTAR LA REALIDAD A TRAVÉS DE LA LENTE
Corporación Full Producciones de la Comuna 13 de Medellín, fundamenta su taller de producción
audiovisual Captar la realidad a través de la lente, en la capacidad de observación de cada joven frente
a su territorio y la desarrolla a través de encuentros teórico-prácticos que ayudan a cada participante
a encontrar una forma para mostrar audiovisualmente los acontecimientos inmersos en su realidad.
Sus facilitadores: Oscar Fernando Arbeláez Naranjo, María Camila Cano Franco, Juan Carlos Gutiérrez,
Carlos Felipe Alarcón, Luis Fernando Avendaño y Germán Arango.
RUEDA TU CUENTO
En este taller, los asistentes realizarán dos producciones de cine ecológico con la técnica de animación
Stop Motion y con materiales reciclables, basados en historias locales que reflejen y promuevan el
diálogo entre el FICCI y la comunidad. La Corporación Cinematográfica del Tolima es una entidad sin
ánimo de lucro comprometida con el fomento de la realización con el fin de generar proyectos regionales
y nacionales de alta calidad, que tengan en cuenta los contextos sociales, políticos y/o culturales por los
que se ha visto permeado el país. A cargo de Wilmar Jair Martínez, Rocío del Pilar Hernández, Mauricio
Ledesma, Johan Sebastián Rivas Robayo, Paola Andrea Hernández Buritacá.
308
After two editions in which these workshops were carried out spontaneously, in 2015 they will be formally led
by a team of professionals from different Colombian entities and audiovisual associations. In this, FICCI 56,
the Audiovisual Conservatory of Tolima, Ciclo, the International Animated Film Society – ASIFA – Colombia
chapter, Full Producciones, and the Tolima Film Corporation, will be organizing workshops in different
public institutions during four days, in which groups of 15 to 25 participants aged 8 to 15 will live a teamwork
experience and see their films on screen during the festival.
TRAMARATON
Ciclo is an entity that promotes audiovisual culture through its workshop, Trama. This teaching approach will
allow participants to use mobile devices to experience the stages of audiovisual production, from conception to
postproduction. This initiative, headed by Juan David Orozco, Sara Chavarriaga, and Juliana Monsalve, seeks
to teach participants to create, dream, learn, and express themselves.
SOCIAL CINEMA AS A VEHICLE FOR CULTURAL CHANGE
The Audiovisual Conservatory of Tolima will teach the basics of filmmaking. The final product will be a fiveminute segment, created by the participants with the assistance of the workshop facilitators, under the theme
of the Exquisite Corpse (a playful, creative method first proposed by the surrealists). This initiative, headed by
Hugo Andrés Quintero Rivera y Ligia Constanza Morales.
ANIMATION WORKSHOP: MY FAVORITE TREE
The International Animated Film Society, ASIFA Colombia, will carry out the workshop My Favorite Tree from
the Animation Workshop Group. The following facilitators will lead the workshop: Diego Felipe Ríos, Ricardo
Arce, Carlo Guillot, Miller Almario, Mauricio Lozano, and Laura Vásquez.
LA BOQUILLA 2016 CAPTURING REALITY THROUGH THE LENS
The Full Producciones Corporation works in Medellin’s Comuna 13, bases their audiovisual production
workshop, Capturing Reality Through the Lens, on every young person’s capacity to observe their territory, and
develops the workshop through theoretical-practical meetings that allow each participant to find a way to show
the events of their everyday lives through an audiovisual medium. This initiative, headed by Oscar Fernando
Arbeláez Naranjo, María Camila Cano Franco, Juan Carlos Gutiérrez, Carlos Felipe Alarcón, Luis Fernando
Avendaño y Germán Arango.
cine en los barrios
Luego de dos ediciones realizadas de manera espontánea, a partir de 2015 se llevan a cabo de manera formal
por un equipo de profesionales de diferentes entidades y asociaciones audiovisuales de Colombia. En esta
versión 56 del FICCI, el Conservatorio Audiovisual del Tolima, Ciclo, la Asociación Internacional de Films
Animados, -ASIFA- Colombia, Full Producciones y la Corporación Cinematográfica del Tolima, tendrán
a su cargo la impartición de cinco talleres a realizar en diferentes instituciones públicas durante cuatro días
en los que grupos conformados por 15 a 25 integrantes con edades que oscilan entre los 8 y 15 años, van
a compartir la experiencia del trabajo en equipo y ver proyectados sus propios trabajos durante el festival.
TELL YOUR STORY
In this workshop, participants will produce two works of eco-cinema using the Stop Motion animation
technique and recycled materials, based on local stories that reflect and promote the ongoing dialog between
FICCI and the community. The Tolima Film Corporation is a non-profit entity that is committed to film
production with the objective of generating high-quality national and regional projects that take into account
the social, political, and cultural contexts that permeate the country. This initiative, headed by Wilmar Jair
Martínez, Rocío del Pilar Hernández, Mauricio Ledesma, Johan Sebastián Rivas Robayo, Paola Andrea
Hernández Buritacá.
309
EMILIANO MAZZA
DE LUCCA
Uruguay, 1970
Socio fundador de la productora
Paristexas. Dirigió y produjo los
largometrajes Multitudes, Vida
a Bordo. Sus proyectos han sido
invitados a varios festivales y foros,
entre ellos, Doc Montevideo , Doc
Bs As, DocsDF, Latin Side of the Doc,
Sunny Side of the Doc y Ventana Sur.
cine en los barrios
Founding partner of the Paristexas
production company, he directed and
produced the feature films Multitudes
and Life on Board (Vida a bordo). His
projects have been featured in several
festivals and forums, among which Doc
Montevideo, Doc Bs As, DocsDF, Latin
Side of the Doc, Sunny Side of the Doc
and Ventana Sur.
310
RONALDO
Idioma / Language Español - Spanish Director Emiliano Mazza de Lucca Productor / Producer Emiliano
Mazza de Luca, Martha Orozco, Diana Kuellar, Jaime Tenorio Guion / Screenplay Emiliano Mazza, Martha Orozco
Editor Guillermo Madeiro, Lenz Claure Fotografía / Photography Ricardo Restrepo Contacto / Contact
Idioma / Language Inglés y portugués con subtítulos en español - English and Portuguese with Spanish subtitles
Director Anthony Wonke Productor / Producer Paul Martin Guion / Screenplay Nick Silverman
Editor Stephen Ellis, Ace Reparto / Cast Christiano Ronaldo Contacto / Contact Camilo Corredor Escobar,
Camilo Corredor, [email protected]
[email protected]
Entre el mar y la tierra de la costa norte de
Colombia, se erige una aldea flotante que se
resiste a desaparecer a pesar de las inundaciones
y los recuerdos de la masacre que la fracturó
años atrás. La pasión por el fútbol unirá a los
que quedaron allí en una aventura de realismo
mágico: sacar a flote la cancha de Nueva Venecia.
Un documental que enlaza la vida de este pueblo
sobre palafitos ubicado en medio de la Gran
Ciénaga de Santa Marta y, la pasión que les
llevó a construir, sobre el agua, una cancha de
fútbol años atrás. Un estilo de vida, historias que
marcan la piel y el alma y el arraigo a un lugar que
carece de tierra firme, de agua dulce, de quienes
permanecen fieles al sitio donde nacieron y donde
quieren morir.
On the northern coast of Colombia, between land
and sea, stands a floating village that refuses to
disappear despite the flooding and the memories
of the massacre that crushed it years before. The
passion for football will unite those who have stayed
in an adventure of magical realism: get Nueva
Venecia’s football pitch afloat. The documentary
interweaves the life of this stilt village in the middle
of the Santa Marta Great Marsh with the passion
that brought them to build a floating football pitch
years before. A lifestyle, stories that mark the skin
and the soul, the roots into a place that has neither
firm ground nor fresh water, of those who remain
faithful to the place where they were born and where
they want to die.
FUNCIÓN ESPECIAL PRESENTADA CON EL APOYO DE AMBULANTE COLOMBIA /
SPECIAL SCREENING WITH THE SUPPORT OF AMBULANTE COLOMBIA
Ronaldo, un viaje íntimo y revelador sobre el
significado de vivir como un atleta icónico y
en el ojo de la tormenta. Un acercamiento sin
precedentes a Cristiano Ronaldo, como hombre
y como deportista. La primera película autorizada
acerca de una de las figuras más célebres de
fútbol, el triple Balón de Oro, sobre su entorno
y círculo más cercano, como futbolista, padre,
hombre de familia y amigo. A través de intensas
conversaciones, imágenes del arte del fútbol
y de archivo nunca antes vistas, el filme revela
una mirada al interior de su vida deportiva y
personal en el momento culmen de su carrera.
Ronaldo is an intimate and enlightening journey
about what it means to live as an iconic athlete in
the eye of the storm, and an unprecedented close-up
on Cristiano Ronaldo, the man and sportsman. It
is the first authorized film about one of the most
famous figures of world football, three times FIFA
Ballon d’Or winner, his environment, the inner circle
around the football player, the father, the family
man and friend. Through intense conversations and
unseen footage of the art of football and its archives,
the film is an insider’s look into his athletic and
personal life, at the peak of his professional career.
Reino Unido
United Kingdom
2015 - 92min.- Digital
ANTJONY WONKE
Reino Unido /
United Kingdom
Tres veces ganador del premio BAFTA.
Reconocido por la serie La Torre:
la Historia de dos ciudades (2007)
y La batalla por Marjah (2010)
nominada a tres premios Emmy.
FUNCIÓN ESPECIAL PRESENTADA CON EL APOYO DE AMBULANTE COLOMBIA /
SPECIAL SCREENING WITH THE SUPPORT OF AMBULANTE COLOMBIA
Three times BAFTA winner. His series
The Tower: A Tale of Two Cities (2007)
and The Battle for Marjah (2010),
which was nominated for three
Emmy awards.
cine en los barrios
Colombia / Uruguay / México
Colombia / Uruguay / Mexico
2015 - 52 min.-Digital
NUEVA VENECIA
311
BOLÍVAR SOY YO
COMFENALCO
PROGRAMA FOMENTO CULTURA AUDIOVISUAL /
AUDIOVISUAL CULTURE PROMOTION PROGRAM
Colombia
2002 – 93 min.
Idioma / Language Español con subtítulos en inglés - Spanish with English subtitles Director Jorge Alí Triana
Productor / Producer Jorge Alí Triana Guion / Screenplay Manuel Arias, Alberto Quiroga y Jorge Alí Triana
Editor Erick Morris Fotografía / Photography Rodrigo Lalinde Reparto / Cast Robinson Díaz, Amparo
Grisales, Jairo Camargo, Fanny Mickey, Gustavo Angarita, María Eugenia Dávila Contacto / Contact Jorge Alí Triana,
[email protected]
cine en los barrios
Director de cine y televisión,
dramaturgo, actor y guionista. Un
personaje fundamental de la cultura
audiovisual y teatral de Colombia
en las últimas décadas. Ha dirigido
cuatro largometrajes, entre ellos
Tiempo de morir (1985), Edipo Alcalde
(1996) y Bolívar soy yo (2002);
un gran número de telenovelas y
seriados como Bolívar, el hombre de las
dificultades (1981) y Los pecados de Inés
de Hinojosa (1988) y obras de teatro
como La fiesta del Chivo (2003)
y La muerte de un viajante (2008).
Film and television director, playwright,
actor, and screenwriter. A central
figure in the audiovisual and theatrical
culture of Colombia in recent decades.
He has directed four feature-length
films, among which Time to die (1985),
Oedipus Mayor (1996), and I am
Bolívar (2002), and a large number of
telenovelas and series such as Bolívar,
man of difficulties (1981) and The Sins
of Inés de Hinojosa (1988) and plays
like The Feast of the Goat (2003)
and Death of a Salesman (2008).
312
I am Bolivar is a brilliant story about the relationship
between reality and fiction that tells the extravagant
tale of Santiago Miranda, an actor who experiences
a dissociative identity disorder after interpreting
the role of Simón Bolívar in a popular Colombian
telenovela. Jorge Alí Triana, a talented film, television,
and theater artist who directed a popular television
series in the eighties about the Libertador, uses the
entirety of his thespian experience to give consistency
to his character’s delirium. Miranda teeters between
madness and sanity, between his loyalty to an ideal
vision of the past and the present of a country adrift.
Like a modern-day Quijote, Bolívar gallops again
through the streets of Bogotá and undertakes a
journey on the Magdalena river, where he meets
a guerrilla group that salutes him as a hero. His
mission is to finish Bolívar’s unfinished work and
consolidate a Great Colombia through the union of
five nations, a robust country capable of confronting
the colonial ambitions of the world’s great powers.
Like the character, the movie comes and goes
between farce, black humor and political satire,
and talks freely and imaginatively about a reality
that is more magical than any fiction.
The Comfenalco Family Compensation Fund of
Cartagena’s Complementary School Day Program
provides pedagogic orientation to schoolchildren
through activities that strengthen their essential
and citizen skills. With its Audiovisual Culture
Promotion Program, the Fund seeks to improve the
quality of education and contributes to the research
and production of student short films that foster
interdisciplinary work and the recuperation of the
memories of their environment.
cine en los barrios
JORGE ALÍ TRIANA
Colombia, 1942
Bolívar soy yo es una brillante fábula sobre las
relaciones entre la realidad y la ficción, a partir
de la extravagante historia de Santiago Miranda,
un actor que sufre un desdoblamiento de su
personalidad después de interpretar a Simón
Bolívar en una popular telenovela colombiana.
Jorge Alí Triana, un hombre de teatro, cine y
televisión, que en los años ochenta dirigió el
popular seriado de televisión sobre El Libertador,
exprime toda su experiencia dramatúrgica para
darle consistencia al delirio de su personaje:
Miranda se balancea entre la locura y la lucidez,
entre su pertenencia a un ideario del pasado
y su conciencia de un presente que lleva al país
directo al desbarrancadero. Como un quijote
contemporáneo, Bolívar cabalga de nuevo por
las calles de Bogotá y emprende un viaje por
el río Magdalena, en el que se encuentra con un
grupo guerrillero que lo saluda como su héroe.
Su misión es terminar la obra inconclusa de
Bolívar: la consolidación de una Gran Colombia
conformada por cinco naciones, un país robusto
y capaz de enfrentar las ambiciones coloniales
de las grandes potencias del mundo. Como el
personaje, la película viene y va entre la farsa,
la comedia negra y el comentario político, para
hablar con libertad e imaginación sobre una
realidad más mágica que cualquier ficción.
La Caja de Compensación Familiar Comfenalco
Cartagena desarrolla el Programa Jornada Escolar
Complementaria, orientando pedagógicamente
la utilización del tiempo libre en actividades que
fortalecen las competencias básicas y ciudadanas.
En su Programa Fomento Cultura Audiovisual busca
mejorar la calidad del aprendizaje del educando
contribuyendo así a la investigación y realización de
cortometrajes estudiantiles donde se demuestre el
desempeño de la interdisciplinariedad de las áreas
y la recuperación de la memoria de su entorno.
Golden Ombú, Mar del Plata Film Festival, 2002
Ombú de Oro, Festival de Cine de Mar del Plata 2002
En la función del día 3 de marzo a las 21:30
en la Plaza de la Proclamación se hará un
reconocimiento a la obra del director.
Tribute will be paid to the director and her works
at the March 3 showing at 21:30 at Plaza de la
Proclamación.
313
EL MISTERIO DE CAMILA
LA PEQUEÑA HEROÍNA
EL MOHAN
ORIKA, SUEÑOS DE LIBERTAD
CAMILA’S MYSTERY
THE SMALL HEROINE
THE MOHAN
ORIKA, DREAMS OF FREEDOM
Institución Educativa Salim Bechara
16 min.- HD
Institución Educativa Nuestra Señora del Buen Aire
16 min.- HD
Institución Educativa Técnica de Pasacaballos
13 min.- HD
Institución Educativa de Santa Ana
14 min.- HD
Institución Educativa de Flamenco
19 min.- HD
Cámara / Camera Fidel Mercado
Claqueta / Clapperboard Diego Mena
Sonido / Sound José González
Maquillaje / MakeUp Laura Figueroa,
Angie Hernández
Reparto / Cast Royberg Ariza, Jeison Jaramillo,
Diego Mena, Diego Lara, José González,
Aura Melendez, María Nisperuza
Cámara / Camera Cristian Medina
Claqueta / Clapperboard Zoila Marrugo,
Mayerlis Julio
Sonido / Sound John Romero,
Kendry Bustamante
Maquillaje / MakeUp Yuranis Monterrosa
Reparto / Cast Estefany Cordero, Yillian
Narváez, Gabrielis Gómez, Luis Martínez,
Arantxa González, Yuranis Monterrosa,
Mayerlis Julio, John Capachero
Cámara / Camera Andrés Lozano
Claqueta / Clapperboard Valentina Banda
Sonido / Sound Kevin Olivo Torres,
Luis Felipe Orozco
Maquillaje / MakeUp Katleen Orozco,
Shelsyn Herrera
Reparto / Cast Jordan David Ortiz Batista,
Luis Felipe Orozco Pájaro, Carlos Mario Pérez
Muñoz, Ronald Herrera Matute, Kamila Ruiz
Ortiz, Kelsi Elles Madrid, Jania Ahumedo Jaraba,
Kelly Goez Aconcha, Marnie Valero Matute
Cámara / Camera Alejandro González
Claqueta / Clapperboard Luna Contreras
Herrera, Yaidys Díaz Cardales
Sonido / Sound Linda Flórez Cuadro,
Johana Hernández Julio
Maquillaje / MakeUp Yanicelis González
Pacheco, Taina Olivera Molina
Reparto / Cast Bleidy Barcasnegras Valdelamar,
Jose Andrés Páez Bello, Anderson Maldonado
Barcasnegra, Luis David Herrera, Kenedi Villero
Meza, Raiza Hernández Valdelamar, Gerlin Zúñiga
Caballero, María Angélica Contreras Valiente
Cámara / Camera Deiner Correa, Keiner
Claqueta / Clapperboard Luna Contreras
Herrera, Yaidys Díaz Cardales
Sonido / Sound José C. Suárez, Osmairo
Martínez, Fabián Arrieta
Maquillaje / MakeUp Mailin Marimón,
Yulidis Marimón, Eilyn Palomino, Sheilla Carreazo
Reparto / Cast Orika Iawa Salas, Melissa
González, Kelly Iglesias, Yulissa Marimón,
Eder Berrío, Luís A. Pérez, Samuel Valenzuela,
Aleidis Mendivil, Deivis Bello, David J. Julio,
Alejandro Castro, Osney Alvárez
Juanito y Roberto son amigos de infancia
que viven en un barrio humilde. Juanito
debido a la falta de dinero en su hogar, a un
padrastro que lo humilla y por culpa de las
malas influencias de un muchacho del barrio,
termina en las garras de la delincuencia.
Mientras tanto, su amigo Roberto se esfuerza
por ser un estudiante responsable y trata
de proteger a su hermanito Gustavo de
la amistad negativa de Juanito y la cultura
del dinero fácil.
Nicolás es un chico curioso y un día, de
camino a la escuela, siente la presencia de
alguien en una casa abandonada. Junto a sus
compañeras de colegio, indaga y descubre
a una joven llamada Camila, la cual esconde
una trágica historia que la llevó a huir de su
hogar y refugiarse en aquel solitario lugar.
Antonia es la joven hija de una familia
criolla quien mantiene una buena amistad
con la niña Dominga y su madre Gregoria,
dos esclavas que trabajan en su hogar.
Debido a unas deudas con la corona
española, el padre de Antonia debe vender
a los esclavos. Antonia, preocupada, avisa a
Dominga y a su madre que van a separarlas
y les ayuda a fugarse. Al enterarse, los
soldados españoles salen tras ellas.
Unos niños son secuestrados por el Mohan
a la orilla del mar. Los padres acongojados
deciden rescatarlos y con la ayuda de unos
amigos le tienden una trampa y lo siguen
hasta su propia guarida, en donde encontrarán
a los retenidos y una sorpresa más.
Orika trabajadora en una hacienda trapichera,
decide huir debido a los malos tratos. Doña
Luisa, la dueña del trapiche, está furiosa
por este hecho y la acusa del robo de unas
monedas de oro producto del trabajo de la
hacienda. Orika se refugia en su pueblo
y hasta allá llegará Doña Luisa.
Juanito and Roberto are childhood friends
who live in a modest neighborhood. With
money lacking in the household, a humiliating
step-father and the bad influence of a young
local mobster, Juanito falls into delinquency.
Meanwhile, his friend Roberto tries hard to be a
responsible student while protecting his younger
brother Gustavo from the negative friendship
of Juanito and the culture of easy money.
314
Nicolás is an inquisitive kid. One day, on his way
to school, he feels a presence in an abandoned
house. Along with his school girlfriends, he
inquires and discovers a young girl, Camila,
whose tragic story has forced her to leave her
home and seek refuge in this solitary place.
In the time of the Colony, Antonia, the young
daughter of a criollo family (mixed-race locals
of Spanish origin) is friends with niña Dominga
and her mother Gregoria, two slaves who work
in her home. Unable to settle a number of debts
to the Spanish crown, Antonia’s father must sell
the slaves. Worried, Antonia tells Dominga and
Gregoria that they will soon be separated and
helps them escape. Upon hearing of their flight,
Spanish soldiers go after them.
A group of children are kidnapped on the
seashore by the Mohan. Their distressed parents
try to rescue them and set a trap for the Mohan
with the help from some friends. They follow
him to his lair, where they find their missing
children, along with an un expected surprise.
Orika, the worker of a sugar farm, decides to
escape the abuse he is submitted to. Furious,
Doña Luisa, the farm owner, accuses Orika of
stealing a number of gold coins that belonged to
the farm. Orika takes refuge in her hometown,
where Doña Luisa will come after her.
cine en los barrios
cine en los barrios
MALAS INFLUENCIAS
BAD INFLUENCE
315
PREMIO VICTOR NIETO ANAFE
VICTOR NIETO ANAFE AWARD
Con un promedio de 1.500 proyecciones y de cien actividades
anuales de cine independiente, la Asociación nacional de
festivales, muestras y eventos cinematográficos y audiovisuales
de Colombia -ANAFE- contribuye a la formación audiovisual de
más de un millón de espectadores en 19 departamentos del país
y anualmente, en el marco del Festival Internacional de Cine de
Cartagena de Indias, -FICCI-, exalta la memoria de Víctor Nieto,
su creador, con la entrega del premio que lleva su nombre y
resalta también, la necesaria labor de mantener vivos los festivales
que se llevan a cabo en todo el territorio nacional, premiando una
película colombiana seleccionada entre las ganadoras de
los festivales de cine de todo el país realizados en 2015.
Cortometrajes ganadores en las pasadas versiones:
Best short film award in previous editions:
2013
BENJAMÍN TECNICOLOR
2013
BENJAMÍN TECNICOLOR
Dirigida por Ángela Tobón y Juan David Gil
Presentado por el Festival de Cine Corto de Popayán.
Directed by Ángela Tobón and Juan David Gil
Presented by the Popayán Short Film Festival.
2014
DE AGUANTE
2014
DE AGUANTE
Dirigida por Carlos Arias
Presentado por el Festival Internacional de Cortometrajes
y Escuelas de Cine, El Espejo.
Directed by Carlos Arias
Presented International Short Film and Film Schools Festival,
El Espejo.
2015
JULIA
2015
JULIA
Dirigida por Jaime Avendaño.
Presentado por la Muestra Internacional de Cine de Sincelejo.
Directed by Jaime Avendaño
Presented by the Sincelejo International Film Show.
cine en los barrios
ANAFE was created five years ago during the FICCI and has, since
then, gathered and supported the coordination of 63 of Colombia’s
alternative circulation networks, theaters, shows and audiovisual events.
IN HONOR OF THE ORGANIZERS OF
CINEMATOGRAPHIC EVENTS
cine en los barrios
ANAFE nació hace cinco años en el marco del FICCI y desde
entonces articula los espacios de circulación y exhibición
alternativa que se realizan en el país, en las diferentes muestras,
festivales y eventos audiovisuales, a través de sus 63 agremiados.
With a total of 1.500 screenings and over 100 independent
cinematographic events, the Colombian Association of
Cinematograpic and Audiovisual Festivals, Shows and Events –
ANAFE– reaches over a million spectators every year. During the
Cartagena de Indias International Film Festival –FICCI – it pays
tribute to the memory of its founder, Victor Nieto, by giving an award
that bears his name to one of the winning Colombian films of the
2015 festivals that took place throughout the country, as an incentive
to keep these important festivals alive.
EN HONOR A LOS GESTORES DE
EVENTOS CINEMATOGRÁFICOS
316
317
LA BATALLA DE LOS
MONTES DE MARÍA
AISLADOS
THE BATTLE FOR MONTES DE MARIA
RODRIGO OBREGÓN
Francia, 1951
Director, actor y camarógrafo.
Estudió actuación y dirección
con Lee Strasberg. Ha actuado en 44
películas y dirigido dos largosmetrajes y varios cortos
y documentales.
cine en los barrios
Director, actor and cameraman.
THe studied acting and directing with
Lee Strasberg. He has acted in 44 films,
and has directed two feature films and
several shorts and documentaries.
Idioma / Language Español - Spanish Director Rodrigo Obregón Productor / Producer Rodrigo Obregón
Guion / Screenplay Rodrigo Obregón Editor David Botero Herrán y Rodrigo Obregón Fotografía / Photography
David Botero Herrán Contacto / Contact Andes Films, Rodrigo Obregón, [email protected]
Idioma / Language Español con subtítulos en inglés - Spanish with English subtitles Director Marcela Lizcano
Productor / Producer Marcela Lizcano, Simón Beltrán, Juan Pablo Solano, Diego Bustamante, Sarahí Echeverría
Guion / Screenplay Marcela Lizcano Editor Carla Valencia, Etienne Boussac, Marcela Lizcano Fotografía /
Photography Marcela Lizcano, Cecilia Madorno Contacto / Contact Marcela Lizcano, [email protected]
Un corresponsal de guerra regresa, diez años
después, a los campos de batalla que patrulló
en Montes de María, Departamento de Bolívar,
Colombia, para satisfacer la necesidad de
entender mejor que paso allí. Este mediometraje
recrea con fuerza, la atmósfera triste e impotente
que llevó a algunos a la locura y a otros a la
amarga resignación con la que lograron sobrevivir
a los momentos de terror.
540 personas habitan una isla del tamaño
de media manzana. Aislados nos lleva a la isla
artificial más densamente poblada del Caribe
colombiano. Allí no hay policías. Ni curas.
Ni conflicto armado. Hay 97 casas en las que
conviven 18 familias. Una escuela y una plaza
pequeña con una cruz en el medio que hace
honor a su nombre: Santa Cruz del Islote.
La llegada de la modernidad y la posibilidad de
un desalojo, los hace despertar como comunidad
para enfrentarse a las nuevas posibilidades que
les plantea el futuro. Aislados reflexiona sobre el
papel del hombre con su entorno, convirtiendo
esta isla en una metáfora de nuestro mundo.
This short film is about the return of a war
correspondent, 10 years later, to the battlefields he
patrolled in Montes de Maria, Department of Bolivar,
Colombia, searching for a better understanding of
what happened there. This medium-length film
recreates forcefully the sorrowful and impotent
atmosphere that drove some to madness and other’s
to the bitter resignation with which they managed
to survive those times of terror.
Aislados takes us to the most densely populated
artificial island on Colombia’s Caribbean coast—
97 houses where 18 families live, some 540 people in
all on a piece of land that takes up just a half a block.
Here there are no police officers, no priests, no armed
conflict. Just a school and a small square with a cross
in the middle in honor of the island’s name: Santa
Cruz del Islote. But the arrival of modernity and
the threat of being driven from their homes prompts
the islanders to join forces and look to the future
as a cohesive community. A metaphor of our planet
and the role man plays in shaping his environment.
Colombia / Ecuador
2015- 73 min. -Digital
MARCELA LIZCANO
Colombia
Graduada de fotografía de la
academia francesa de la Imagen
y de Dirección de Cine en la FUC de
Buenos Aires. Actualmente se dedica
a la creación y gestión cultural desde
su productora Viceversa Cine. Entre
estos trabajos se destacan: Madres
trabajo en conjunto con el fotógrafo
Carlos Saavedra, Doble Yo de Felipe
Rugeles (Premio FDC, IDARTES)
y Las últimas palabras serie documental
coproducida con ATROX y apoyada
por Canal Encuentro.
cine en los barrios
Colombia
2015 -42 min. Digital
Marcela Lizcano holds a degree in
Photography from the French Academy
of Photography and in Film Directing
from the FUC in Buenos Aires. She
has her own production company,
Viceversa Cine, which specializes in
cultural projects like Madres, an initiative
in collaboration with the photographer
Carlos Saavedra, Doble Yo by Felipe
Rugeles (FDC and IDARTES prizes) and
Las últimas palabras, a documentary
series co-produced with ATROX with
the support of Canal Encuentro.
318
319
PUERTO FICCI
INDUSTRIA PUERTO FICCI
INDUSTRY PUERTO FICCI
PARADA OBLIGATORIA EN LA RUTA
DEL CINE IBEROAMERICANO
MANDATORY STOP ON THE IBEROAMERICAN FILM ROUTE
Cartagena se ha caracterizado por ser un festival de audiencia y de directores, de fiesta y alegría, pero así como
otros festivales crean mercados paralelos como motores para la generación de nuevos proyectos, dentro del
FICCI nació uno casi de manera orgánica y natural: Puerto FICCI.
Cartagena is a festival for audiences and directors, for party and fun. But just as other festivals have created
parallel markets to foster the creation of new projects, so too has FICCI engendered a market in a way that is
almost completely organic and natural: Puerto FICCI.
Un espacio para quienes desde sus diversos oficios de la industria audiovisual, encuentran el lugar para
discurrir, aprender, canjear, sortear, vender, diversificar y nutrir sus ideas a partir del intercambio. Aquí
convergen el amor por el cine, el networking, los proyectos, las películas en proceso de terminación y las
clases magistrales de los expertos Año tras año, durante el festival, en cada esquina de Cartagena nacen
nuevas ideas, se cierran negocios de la industria del cine, se firman acuerdos, se encuentran directores con
productores de diversos países de nuestro continente, se hacen alianzas, socios y amigos y, lo mejor, nacen
nuevas películas. Puerto FICCI promueve la construcción de este andamiaje para seguir soñando con la
posibilidad de crear un cine con una identidad que lleva nuestra marca.
It is a space for those who work in the audiovisual industry to think, learn trade, sort, sell, diversify, and enrich
their ideas through exchange. This place brings together the love of cinema, networking opportunities, projects,
works in progress, and master classes from the experts.
puerto ficci
• Salón FICCI: Clases magistrales, conversatorios, VII Taller de Documental Transmedia, y X Taller de Crítica
y Periodismo Cinematográfico.
• PuertoLab work in progress: Five Ibero-American films by novice, first-time, second-time, and third-time
directors will compete for our seal on their path through the international circuit. This year, PuertoLab’s
prize pool has grown: USD$5000 in cash, CINECOLOR postproduction and image finalization services
for the winner, Motiff Award for best poster design, and Post Bros y Gato Encerrado Award for best trailer
development.
• Salón FICCI: Master classes, discussion sessions, VIIº Transmedia Documentary Workshop, and Xº Film
Criticism and Journalism Workshop.
• Encuentros Cartagena: XI Encuentro Internacional de Productores, una iniciativa liderada por el Ministerio
de Cultura cuyo objetivo es fortalecer y preparar proyectos cinematográficos sostenibles que se inserten
de forma eficiente en el mercado y que sean competitivos frente a la oferta existente en los escenarios de
mercado audiovisual a nivel mundial.
• Encuentros Cartagena: the XIº International Producer’s Meeting is an initiative led by the Ministry
of Culture with the objective of strengthening and preparing sustainable cinematographic projects to
successfully enter the market and be competitive among the existing offer on the world audiovisual markets.
• VII Taller Documental espacio de trabajo, fortalecimiento y preparación para diez proyectos latinoamericanos
con potencial transmedial para dar respuesta a los retos y necesidades de una industria en transformación,
con una nueva realidad de exhibición, distribución y formas de acceso.
• The VIIº Documentary Workshop is a space to develop, strengthen and prepare ten Latin American
projects that have a potentiel for transmedia formats, in the face of the challenges and needs of a industry
in transformation that requires new types of exhibition, distribution and access forms.
• X Taller de Crítica y Periodismo Cinematográfico: se enfocará en la vinculación real de los participantes en
el cubrimiento y revisión del festival en tiempo real.
• The Xº Film Criticism and Journalism Workshop will be based on real-life and real-time coverage of the
festival by the participants.
• Café-Puerto FICCI: Espacio de reuniones y encuentro de los más de 400 miembros de la industria acreditados.
Contaremos con Wi-Fi, café y bebidas.
• Café-Puerto FICCI: Meeting point for the 400+ accredited members of the industry. We will have Wi-Fi,
coffee and snacks.
• Happy Hours - Networking Time: Todos los días, de 5 p.m. a 7 p.m., los acreditados de industria se podrán
encontrar, conocer y contactar en un ambiente mucho más relajado y festivo. Nada mejor que un encuentro
tranquilo y sin tensiones para hablar de futuros negocios.
• Happy Hours - Networking Time: Every day, from 5-7 p.m., accredited members of the industry will be able
to meet, greet, and do some networking in a relaxed, festive atmosphere. Nothing better than a relaxed,
stress-free meeting to discuss future business opportunities.
• Videolibrería Cinando: Los acreditados de industria podrán ver las películas de las secciones oficiales de la
competencia en un área cómoda y equipada con todas las facilidades para verlas. Además, podrán acceder
a ellas desde su computador en cualquier lugar del mundo.
• Cinando Video Library: Accredited industry members will have the opportunity to see films of the official
selection in a comfortable screening room with all the necessary amenities to watch movies. They will also
be able to access the films from their computers, anywhere in the world.
Gracias al apoyo de Encuentros Cartagena, la Dirección de Cinematografía del Ministerio de Cultura, Proimágenes
Colombia, Tribeca Film Institute, Congo Films, Centro Ático y el Centro de Formación de la Cooperación Española –
AECID-, abrimos un año más este puerto donde distribuidores nacionales y regionales, programadores
de festivales, productores, directores, equipos técnicos, agentes de ventas, talento y todos los que de una
u otra forma participan activamente en la creación de películas, se podrán vincular a través de Puerto FICCI
y esperamos que en Cartagena encuentren su casa, el puerto amable y productivo en el camino de ese gran
sueño colectivo que son las películas.
Thanks to the support of Encuentros Cartagena, the Ministry of Culture’s Film Office, Proimágenes Colombia,
the Tribeca Film Institute, Congo Films, Centro Ático, and the Spanish Cooperation Training Center - AECID-, we
are able to open this space once again so that national and regional distributors, festival programming managers,
producers, directors, technical teams, sales agents, talent, and all of those who participate actively in film creation
in one way or another, can make contact through Puerto FICCI. We hope that you will feel at home in Cartagena,
this friendly, productive port of call on the long journey towards the collective dream of filmmaking.
puerto ficci
• PuertoLab work in progress: Cinco películas iberoamericanas de directores noveles, primeras, segundas
y terceras películas, que competirán para llevar nuestro sello en su recorrido internacional. Este año, la
bolsa de premios de PuertoLab crece en premios: USD 5.000 en efectivo, premio CINECOLOR de servicios
de postproducción y finalización de imagen para el largometraje ganador, premio Motiff para el diseño del
afiche y, premio Post Bros y Gato encerrado para el desarrollo del tráiler.
Year after year, during the festival, in each corner of Cartagena, ideas are born, movie deals are closed,
agreements are negotiated and signed, directors with ideas meet producers from all over the continent,
alliances are forged, friendships and partnerships are made, and best of all, new movies are born. Puerto
FICCI fosters the construction of this framework so that we can keep dreaming of the possibility of creating
films with an identity that carries our mark.
We wish fair winds and following seas to all the films and projects calling at this port of FICCI!
¡Buen viento y buena mar para todas las películas y los proyectos que pasen por este Puerto FICCI!
326
327
JUEVES 3 DE MARZO
THURSDAY, MARCH 3RD
VI SALÓN FICCI
El hilo conductor de buena parte de las actividades de esta edición
será la memoria, un concepto amplio que toma diferentes formas
al relacionarse con el cine, y particularmente, al relacionarse con
el festival más antiguo en una región que actualmente ocupa un
lugar central en la producción cinematográfico a nivel mundial.
Algunas de estas actividades abordan la memoria como un
atributo propio del cine; otras ponen acento en personajes
fundamentales cuyo valor es importante preservar y,
en otras, el FICCI reflexiona alrededor de su historia.
puerto ficci
El Salón FICCI presenta los siguientes paneles, conversatorios,
ruedas de prensa y masterclass que complementan las
proyecciones programadas durante el festival.
328
The creation of spaces for training and debate around
cinematographic issues has become a fundamental purpose of
the festival. This is why, for the last six years, Salón FICCI has
grown to become a key component to reflect on cinema through an
encounter of the different views of the participants and an in-depth
review of topics of concern of our rapidly growing industry. With the
support of directors, screenwriters, producers, critics, distributers and
other leaders of the audiovisual industry, Salón FICCI proposes
a series of conferences and master classes that will provide an
overview of its different trends.
The guiding theme of most of this year’s program will be memory,
a wide concept that cinema has approached in a variety of ways,
especially when it comes to the oldest festival of a region that
currently plays a central role in cinematographic production
worldwide. Some of these events will approach memory as one
of cinema’s own attributes, others will look at fundamental
characters whose value should be preserved, and in others,
the FICCI will reflect upon its own history.
11:00 a.m. - 1:00 p.m.
PRESENTACIÓN / PRESENTATION
Memoria y memorias: Somos lo que fuimos
Lanzamiento Memorias del V Salón FICCI 55 /
Memory and memories: We are what we were
Release of the memories of the 5th Salón FICCI 55
¿Cómo acceder a los estímulos del Fondo para
el Desarrollo Cinematográfico –FDC-?: haga cine,
infórmese. Lanzamiento Convocatoria FDC 2016 /
How to obtain an FDC (Film Development Fund)
grant: make films, be inquisitive. FDC 2016 first call.
LUGAR / LOCATION
Salón Rey
INTERVIENEN / FACILITATORS
Diana Bustamante, Directora Artística del Festival Internacional
de Cine de Cartagena de Indias / Artistic Drector, Cartagena de
Indias International Film Festival; Andrés Murillo, Director de la
Revista Kinetoscopio / Director of Kinetoscopio Magazine.
LUGAR / LOCATION
Salón Rey
Representantes del CNACC. Ministerio de Cultura, Proimágenes
Colombia / CNACC Representatives. Ministry of Culture,
Proimágenes Colombia.
MODERADOR / MODERATOR
Juliana Saa, Coordinadora Académica del Festival Internacional
de Cine de Cartagena de Indias / Academic Coordinator, Cartagena
de Indias International Film Festival.
Salón FICCI presents the following panels, debates, press conferences
and master classes, that will complement the festival’s screenings.
11:00 a.m. - 12:00 p.m.
2:00 p.m. - 3:00 p.m.
Perspectivas del Amazonas del maestro
Martín von Hildebrand - Conversatorio /
Perspectives on the Amazon, from Martín
von Hildebrand - Conversation
Masterclass Viktor Kossakovsky: la ética
y la estética en el cine de lo real /
Masterclass Viktor Kossakovsky: ethics
and aesthetics in realist cinema
LUGAR / LOCATION
Sala Taller
LUGAR / LOCATION
Salón Rey
Martin von Hildebrand, director de la Fundación Gaia; Antonio
von Hildebrand, productor y director / Director, Gaia Foundation;
Antonio von Hildebrand, producer and director.
Viktor Kossakovsky, director / Director; Pedro Adrián Zuluaga,
Jefe de Programación del Festival Internacional de Cine de
Cartagena de Indias / Programming Director, Cartagena de Indias
International Film Festival.
puerto ficci
Propiciar un espacio de formación y debate en torno al quehacer
cinematográfico se ha convertido en una búsqueda sustancial para
el festival. Así, en sus seis años, el Salón FICCI se consolida como
un componente fundamental para la reflexión alrededor del cine,
una que se acerca a las diferentes miradas de los realizadores que
nos acompañan y que profundiza sobre temas de interés actual
para esta industria que crece a pasos agigantados. De la mano
de directores, guionistas, productores, críticos, distribuidores y
líderes del área audiovisual, ofreceremos una serie de encuentros
a través de los cuales el público asistente podrá tener un
panorama sobre el rumbo que está tomando la industria.
10:00 a.m. - 11:00 a.m.
329
JUEVES 3 DE MARZO
VIERNES 4 DE MARZO
3:00 p.m. - 4:00 p.m.
FRIDAY, MARCH 4TH
4:00 p.m. - 5:00 p.m.
10:00 a.m. - 11:00 a.m.
Seis miradas de mujer / Six views of women.
Panel
Colombia en el Spotlight: ¿filmamos Colombia
o filmando en Colombia? Panel la ley 1556
(segunda ley de cine) / Colombia in the Spotlight:
are we filming Colombia, or filming in Colombia?
A panel on law 1556 (second law of cinema)
Coproducir entre Francia y Colombia. Lanzamiento
Fomento Centro Nacional de Cinematografía e
Imagen Animada de Francia -CNC- /
Coproductions between France and Colombia
Launch of the French National Center for Film and
Animation (CNC) grant.
Alternativas de distribución para el cine
latinoamericano. Panel plataformas digitales /
Distribution alternatives for Latin American cinema.
Digital platforms panel.
LUGAR / LOCATION
Salón Rey
Mariana Viñoles, directora de El mundo de Carolina / director of
El mundo de Carolina; Tatiana Huezo, directora de Tempestad /
director of Tempestad; Josephine Landertinger, directora de Home,
el país de la ilusión / director of Home el país de la ilusión y Vania
Catani, productora / producer.
Natalia Smirnoff, directora / director.
LUGAR / LOCATION
Salón Rey
Rodrigo Guerrero, Ítaca Films; Andrés Calderón, Dynamo;
Alejandro Toro, Caracol Televisión, Diana Camargo, Laberinto
Producciones.
Silvia Echeverri, directora de la Comisión Fílmica Colombiana /
director of the Colombian Film Commission.
LUGAR / LOCATION
Salón Rey
Michel Plazanet, Director de Asuntos Internacionales, -CNC/ director of international affairs, Céline Chesnay, Agregada
audiovisual para los Países Andinos de la Embajada de Francia /
Audiovisual attaché for Andean countries, French Embassy; Thierry
Lenouvel, productor Ciné Sud Promotion / producer at Ciné Sud
Promotion y Adriana González Hässig, asesora Dirección de
Cinematografía, Ministerio de Cultura / advisor to the Ministry
of Culture’s Office for Cinematography.
3:00 p.m. - 4:00 p.m.
Cine para todos: hacia un acceso incluyente.
Lanzamiento Portal Micineaccesible /
Films for everyone: towards inclusive access.
Launch of Micineaccesible portal.
LUGAR / LOCATION
Sala Taller
puerto ficci
Adriana Correa, Directora de Apropiación de TC. Ministerio
de Tecnologías de la Información y las Comunicaciones /
Director of Appropriation of Communications Technology.
Ministry of Information Technologies and Communications.
330
11:00 a.m. - 12:00 p.m.
LUGAR / LOCATION
Salón Rey
Yenny Chaverra, Coordinadora de la plataforma Retina
Latina del Ministerio de Cultura de Colombia / platform
coordinator, Retina Latina, Colombian Ministry of Culture;
Gabriela Sandoval, productora y Coordinadora de la plataforma
VOD de Storyboardmedia / producer and coordinator for the
Storyboardmedia VOD platform; y Linithd Aparicio, productora
y Coordinadora de la plataforma Indyon.tv / producer and
coordinator for Indyon.tv.
Jaime de Greiff, Coordinador de convergencia tecnológica
y de contenidos de Retina Latina / technological convergence
and content coordinator for Retina Latina.
10:00 a.m. - 12:00 a.m.
Comunicación en tiempos de paz /
Communication in times of peace
Panel
LUGAR / LOCATION
Sala Taller
Beatriz Quiñones, miembro de la Junta Nacional de Televisión /
member of the National Television Board; Tatiana Duplat, Directora
de Señal Memoria de RTVC / director of RTVC’s Señal Memoria;
Armando Silva, docente Universidad Nacional de Colombia /
professor at Colombia’s Universidad Nacional; Juanita León García,
Directora de la Silla Vacía e integrante de la Fundación FLIP /
director of La Silla Vacía and member of the Foundation
for Journalistic Freedom-FLIP.
11:00 a.m. - 12:00 p.m.
Nuevas narrativas audiovisuales /
New audiovisual narratives.
Panel
LUGAR / LOCATION
Sala Taller
Olga Castaño, miembro de la Junta Nacional de Televisión
/ member of the National Television Board, Gabriel Vieira,
Investigador Narrativas Audiovisuales Universidad de Antioquia
/ researcher into audiovisual narratives at the Universidad de
Antioquia, Carlos Mario Bernal, docente del programa de Cine y
Audiovisuales de la Universidad del Magdalena / professor of the
Film and Audiovisual Program at the Universidad del Magdalena y
Mauricio Gutiérrez, asesor permanente de la carrera Cine y TV de
la Universidad Jorge Tadeo Lozano / standing advisor to the Film
and Television course at the Universidad Jorge Tadeo Lozano.
puerto ficci
THURSDAY, MARCH 3RD
331
VIERNES 4 DE MARZO
SÁBADO 5 DE MARZO
12:00 p.m. - 1:00 p.m.
SATURDAY, MARCH 5TH
2:00 p.m. - 5:00 p.m.
10:00 a.m. – 11:00 a.m.
Masterclass Luis Ospina: enseñar con el mal
ejemplo / Luis Ospina masterclass: teaching
through bad examples
La televisión hecha por productores
independientes. Muestra de contenidos de la
Autoridad Nacional de Televisión –ANTV- /
Television made by indepentent producers. National
Television Authority (ANTV) content showcase.
Utopías de papel: publicar sobre cine en Colombia /
Utopias on paper: publishing about film in Colombia
Panel
Cine y memoria: recuperando archivos /
Film and memory: recovering the archives
Panel
LUGAR / LOCATION
Salón Mutis
LUGAR / LOCATION
Salón Mutis
Andrés Murillo, Director Revista Kinetoscopio / director,
Kinetoscopio Magazine, Sandro Romero Rey, autor de Memorias
de una cinefilia / author of Memories of a Cinephil; Pedro Adrián
Zuluaga, crítico y Jefe de Programación del Festival Internacional
de Cine de Cartagena de Indias –FICCI- / critic and Programming
Director, Cartagena de Indias International Film Festival (FICCI).
Alexandra Falla Zárate, Directora Patrimonio Fílmico Colombiano
/ director, Colombian Film Heritage Foundation; Ricardo Chica,
Universidad de Cartagena / Cartagena University; Juana Suárez,
archivos Proimágenes Colombia / Proimágenes Colombia archives.
LUGAR / LOCATION
Salón Rey
Luis Ospina, director ; José Luis Guerín, director.
LUGAR / LOCATION
Sala Taller
3:00 p.m. - 5:00 p.m.
2:00 p.m. - 3:00 p.m.
Armando el rompecabezas: diálogo entre las
necesidades y realidades de la postproducción
desde los diferentes agentes que intervienen en
ella / Putting the puzzle together: dialogues on
the needs and realities of postproduction, and the
different actors involved.
Panel
¿Y cómo se maneja esa platica?: bases y
perspectivas desde la práctica de la ley 814 de 2013 /
So, how do we manage the cash? Bases and practical
perspectives based on law 814 of 2003.
Panel
LUGAR / LOCATION
Salón Rey
Adelfa Martínez Bonilla, Directora de Cinematografía del
Ministerio de Cultura / Director of Cinematography at the
Ministry of Culture, Adriana González Hässig, asesora Dirección
de Cinematografía / advisor to the Ministry of Culture’s Office
for Cinematography, Katherine Ávila Guevara, Dirección de
Cinematografía / Ministry of Culture’s Office for Cinematography,
Nancy Fernández de 64-A Films / 64-A Films, Carol Jaime de
Proimágenes Colombia / Proimágenes Colombia, Diana Camargo
de Laberinto Producciones / Laberinto Productions.
LUGAR / LOCATION
Salón Rey
Carlos Mario Lozano, Jefe de Posproducción Centro Ático / chief
producer, Centro Ático; Adriana Ángel, productora ejecutiva en 2-35
/ executive producer, 2-35; Alejandro Uribe, La Tina. Sonido creativo
/ La Tina Creative Sound; Sebastián Bueno, OnSet / OnSet y Jorge
Forero, productor de Burning Blue / producer, Burning Blue.
Carolina Barrera, Gerente comercial de OnSet / Commercial
manager at OnSet.
Julián David Correa, Director de la Cinemateca Distrital
de Bogotá y Gerente de artes audiovisuales del IDARTES /
director of Bogotá’s Cinemateca Distrital, and Audiovisual
Director at IDARTES.
puerto ficci
Jesús Pinango, director contenidos estratégico de TV, Olympusat
/ director of strategic television content, Olympusat.
10:00 a.m. – 11:00 a.m.
11:00 a.m. – 1:00 p.m.
¡A coproducir con el Estado! Alternativas de
realización. Lanzamiento del VI Mercado de
Coproducción de Señal Colombia / Let’s
coproduce with the state! Production alternatives.
Launch, VI Coproduction Market, Señal Colombia
Panel
Entre el color y la luz: Taller Sony sobre
flujos de trabajo para cinema, 4k y HDR /
Between color and light: Sony Workshop on
production workflows for film, 4k, and HDR
Workshop
LUGAR / LOCATION
Sala Taller
John Jairo Ocampo, Gerente de RTVC / Manager, RTVC, Adriana
López, Subgerente de Televisión de RTVC / Deputy Director for
Television, RTVC, Paula Arenas, asesora de contenidos / Content
Manager y Jaime Tenorio, Director de Señal Colombia / Director,
Señal Colombia.
332
11:00 a.m. – 12:00 p.m.
LUGAR / LOCATION
Sala Taller
Salvador de la Serna y Samuel Fares, Sony / Sony; Francisco
Monje, FilmLight / FilmLight y directores de fotografía invitados /
and guest directors of photography.
puerto ficci
FRIDAY, MARCH 4TH
333
SÁBADO 5 DE MARZO
DOMINGO 6 DE MARZO
SATURDAY, MARCH 5TH
12:00 p.m. – 1:00 p.m.
10:00 a.m. – 11:00 a.m.
2:00 p.m. – 4:00 p.m.
Masterclass con Sharunas Bartas: rupturas
narrativas y paisajes inhóspitos /
Sharunas Bartas masterclass: narrative ruptures
and inhospitable landscapes.
¿Sí futuro?: panorama de distribución
cinematográfica en Colombia / What future?
Overview of film distribution in Colombia.
Panel
De la muralla al barrio /
From the wall to the neighborhood.
LUGAR / LOCATION
Salón Mutis
LUGAR / LOCATION
Salón Mutis
LUGAR / LOCATION
Salón Rey
Paula Gaviria, Directora de la Unidad para las Víctimas / director,
Victim Reparations Unit, Antonio Alarcón, Director de Contenidos
Estrategia de Pedagogía Social de la Unidad para las Víctimas /
director of content and social pedagogic strategy, Victims Reparation
Unit, Mario Medina, Gerente de La Liga Producciones / director,
La Liga Producciones, Jhon Jairo Ocampo, Gerente de RTVC
-Señal Colombia / Manager, RTVC-Señal Colombia, Luis Miguel
Caravallo, Vocero del Proceso de Reparación en Libertad, Sucre
/ spokesperson for the Reparation Process in Libertad, Sucre; and
Diana Uribe, historian.
Sharunas Bartas, director / director; Diego Lerer, crítico / critic.
Salomón Simhon, Cine Tonalá, Elba McAllister, Cineplex
Colombia, Representante de Cine Colombia / Cineplex Colombia;
Cine Colombia Representative y Federico Mejía, Babilla Cinè.
Dislocaciones geográficas: experiencias
fílmicas colombianas en el extranjero /
Geographical dislocations: experiences of
Colombian cinema abroad.
Panel
Maximiliano Cruz, Interior 13 / Interior 13.
Masterclass Susan Sarandon: el reto de
re-presentación / Susan Sarandon masterclass
the challenge of re-presentation.
Panel
LUGAR / LOCATION
Patio AECID
Susan Sarandon, actriz / actress, Juan Pablo Félix, director de
actores / director of actors.
4:00 p.m. – 5:00 p.m.
Jorge Caballero, director / director, Juana Suárez, investigadora /
researcher, Juan Sebastián Quebrada, director / director; Franco
Lolli, director / director; Jacques Toulemonde, director / director
y Josephine Landertinger Forero, directora / director.
¡Disparen al guionista! / Shoot the screenwriter!
Taller
Gonzalo Restrepo, crítico / critic, Orlando González, gestor
cultural / cultural manager y Lina Rodríguez, directora general de
Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias / General
Director of the Cartagena de Indias International Film Festival.
David Covo, coordinador Cine en los Barrios / coordinator, Cinema
in the Neighborhood.
4:00 p.m. – 5:00 p.m.
LUGAR / LOCATION
Salón Mutis
Pedro Adrián Zuluaga, Jefe de Programación del Festival
Internacional de Cine de Cartagena de Indias / director of
programming, Cartagena de Indias International Film Festival.
LUGAR / LOCATION
Salón Rey
LUGAR / LOCATION
Salón Mutis
Alicia Luna, Andrés Salgado y Carlos Franco, guionistas y
docentes de la maestría en Escrituras Audiovisuales de la
Universidad del Magdalena /screenwriters and professors, Master’s
in Audiovisual Writing, Magdalena University.
11:00 a.m. – 12:00 p.m.
Masterclass Brillante Mendoza: la dignidad
en lo inimaginable / Brillante Mendoza
masterclass: the dignity of the unthinkable.
LUGAR / LOCATION
Salón Rey
Brillante Mendoza, director / director y Diana Bustamante,
Directora Artística del Festival Internacional de Cine de
Cartagena de Indias / artistic director, Cartagena de Indias
International Film Festival.
11:00 a.m. – 12:00 p.m.
2:00 p.m. – 5:00 p.m.
DSony Cinealta: experiencias en la creación de
cinema digital. Taller / Sony Cinealta: experiences
creating digital cinema. Workshop
LUGAR / LOCATION
Sala Taller
Salvador de la Serna, Sony; Samuel Fares, Sony; directores de
fotografía invitados / guest directors of photography.
puerto ficci
puerto ficci
2:00 p.m. – 3:00 p.m.
La Ruta Unidos: una voz desde la expresión para el
postconflicto / Intervienen: Salvador de la Serna y
Samuel Fares de Sony; Francisco Monje de FilmLight
Panel
3:00 p.m. – 4:00 p.m.
334
SUNDAY, MARCH 6TH
Get in shape: accesorios para cinema digital.
Taller Sony / Get in shape: digital cinema
accessories. Sony workshop.
LUGAR / LOCATION
Sala Taller
José Ureña, Vidiexco.
335
32° PREMIOS INDIA CATALINA
DE LA TELEVISIÓN COLOMBIANA
32° INDIA CATALINA AWARDS
OF COLOMBIAN TELEVISION
El encuentro donde la industria de la televisión nacional reconoce la calidad
de sus producciones y talento.
An event where the national television industry honors the quality of its
productions and talent.
Los Premios India Catalina han venido consolidándose como un referente de calidad en la industria
de la televisión del país, gran parte por el cambio en el mecanismo de selección de nominados
y ganadores que desde ya hace cuatro años se viene implementando.
The India Catalina Awards have become a benchmark of quality for Colombia’s television industry
thanks to the changes in the selection process of the nominees and winners that took place four years ago.
Más de 400 producciones pasaron por la lupa de un destacado y selecto grupo de expertos en las
31 categorías habilitadas para este 2016, lo que evidencia la validación que hacen los canales y/o
productoras a los Premios India Catalina como el encuentro, donde de la industria reconoce lo mejor
de sus producciones y talentos.
Más allá de las instituciones, los profesionales, técnicos, actores, y todos aquellos que hacen parte
del sector como miembros votantes, también han dado su espaldarazo a este proyecto que ya lleva
32 años, siendo el único espacio donde ellos como sus propios jueces, escogen a los merecedores
del India Catalina. La madurez de los Premios India Catalina no hubiese sido posible sin en el apoyo de importantes
aliados cómo la Autoridad Nacional de Televisión ANTV, que con sus aportes en incentivos
económicos a categorías especiales en competencia, ha permitido que esta organización, se haya
convertido en un espacio de democratización, visibilización y apalancamiento de nuevos proyectos
televisivos de envidiable factura. This year, over 400 productions in 31 categories were reviewed by a select group of prominent experts,
a number that confirms the recognition of the India Catalina Awards by broadcasters and producers
as the place where the industry recognizes the best of its productions and talents.
Beyond the institutions, it is the professionals, technicians, actors and the voters from the industry as
a whole who have supported a project that, after 32 years, still is the only event that allows them to
be their own judges to choose the winners of the India Catalina.
The coming of age of the India Catalina Awards would not have been possible without the support
of key partners like the National Television Authority (ANTV) who, thanks to the economic incentives
it invested in some categories of the competition, has helped our organization become a tool for the
democratization, dissemination and leverage of ambitious new television projects.
Part of this success is also the result of the help we received from the JHAV McGregor auditing firm
who shared with us all their experience in certifying the validity and transparency of the results of the
voting process of the Technical Committee and Voting Members.
Parte de este éxito también se debe a la firma auditora JHAV McGregor quien aporta toda su
experiencia para certificar la validez y transparencia de los resultados obtenidos del ejercicio que
el Comité Técnico y los Miembros Votantes hacen al escoger a sus predilectos.
In our 32º edition, the Victor Nieto Award to a Lifetime Achievement will be awarded to Jorge Alí Triana,
a pillar of Colombia’s small screen, theater and film industries, whose multifaceted career and life and
work contribution to our national audiovisual culture make him a deserving recipient of this tribute.
En esta versión 32° el Premio Víctor Nieto a toda una vida, será entregado a Jorge Alí Triana uno de los
pilares de la pantalla chica, el teatro y el cine del país, su polifacética trayectoria profesional lo hace
merecedor de este homenaje, por su contribución con su vida y obra a la cultura audiovisual nacional.
Hand in hand with Latin America’s oldest film festival, the Cartagena de Indias International
Film Festival’s edition 56, let the celebration of television begin.
342
343
india catalina awards
premios india catalina
Que comience la fiesta de la televisión, en el marco del festival más antiguo de Latinoamérica –
El Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias -FICCI- en su edición No. 56.
AUTORIDAD NACIONAL
DE TELEVISIÓN
Para la Autoridad Nacional de Televisión resulta muy satisfactorio continuar apoyando
el talento, la creatividad y el esfuerzo que vienen realizando todos aquellos apasionados
por el mundo de la televisión.
En la versión 32 de los Premios India Catalina de Televisión, que se realizan durante edición
56 del Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias –FICCI-, la ANTV decidió
participar de nuevo al entregar incentivos en siete categorías: Mejor programa infantil,
mejor noticiero regional o local, Premio a la innovación o mejor nuevo formato, Premio
documental para televisión, Mejor producción de televisión comunitaria, Mejor producción
de televisión universitaria y Mejor producción de inclusión social.
Es necesario resaltar que la Entidad tiene dentro de sus prioridades fortalecer la promoción
y producción de contenidos, al igual que apoyar y promover la televisión inclusiva y étnica.
Por ello, ser aliado del Festival da un valor agregado a las políticas institucionales de
la ANTV, para el fomento de la industria en la implementación de una estrategia sólida
que promueva el fortalecimiento y el desarrollo de la televisión pública, impulsando la
producción y emisión de programas de interés público, de inclusión social, innovación
y nuevos formatos.
Igualmente, este espacio se convertirá en el escenario académico donde la ANTV, como
principal interlocutor con los usuarios del servicio de televisión y la opinión pública, buscará
abrir un espacio para el debate en torno a la dinámica actual de la industria de la televisión
en Colombia, convocando a los diferentes “protagonistas” del sector en torno a la actualidad
de la televisión en Colombia y al papel que juegan las audiencias ante la misma. Para la Autoridad esta es una apuesta orientada a fortalecer la industria audiovisual, mediante
incentivos a los realizadores de la televisión pública nacional, así como la de promover
acciones para favorecer la oferta de contenidos, que lidera la Autoridad Nacional de Televisión. The National Television Authority is proud to support once again the talent, creativity and efforts
of all those who are passionate about the world of television.
For the 32nd India Catalina TV Awards, held during the 56th Cartagena de Indias International
Film Festival (FICCI), the ANTV decided to participate once again by awarding prizes in seven
categories: Best Children’s Program, Best Regional or Local Newscast, Innovation or Best New
Format Award, TV Documentary Award, Best Community TV Production, Best University TV
Production and Best Social Inclusion Production.
It is important to point out that one of the Authority’s priorities is to strengthen the promotion
and production of content, as well as to support and promote inclusive and ethnic television.
Therefore, being an ally of the Festival provides value added to the institutional policies of the
ANTV, for the promotion of the industry through the implementation of a sound strategy that
promotes the strengthening and development of public television and boosts the production
and broadcasting of programs of public interest, social inclusion, innovation and new formats.
In addition, this space will become the academic platform that the ANTV, with a direct access
to viewers and public opinion, will open for debate about the current dynamics of the TV industry
in Colombia, inviting different “protagonists” of the sector to discuss current TV trends in
Colombia and the role of the audience.
For the Authority, this effort is focused on strengthening the audiovisual industry through
incentives for directors of national public television contents, as well as promoting actions
to favor the offering of new contents, under the leadership of the National Television Authority.
Through its participation in the Cartagena International Film Festival, the ANTV would like
to encourage producers and new TV directors, highlight the quality of their work and invite them
to participate in future editions of the India Catalina Awards.
344
345
La ANTV quiere, mediante la participación en el Festival Internacional de Cine de Cartagena,
estimular a las productoras y nuevos realizadores de televisión, para resaltar la calidad de
sus trabajos y motivarlos a participar en las futuras versiones de los Premios India Catalina.
MIEMBROS DEL
COMITÉ TÉCNICO
MEMBERS OF THE TECHNICAL COMMITTEE
PAULA ARENAS
MARIA PAULA BUSTAMANTE
Representante canales públicos nacionales /
National public television channels representative
Asesora de contenidos y promoción - RTVC – Sistema de medios públicos /
Contents and Promotion Advisor – Colombian National Radio and Television
(RTVC – Sistema de medios públicos)
Representante de Caracol Televisión / Caracol Televisión representative
Directora de Programación Estratégica – Caracol Televisión /
Head of Strategic Programming – Caracol Televisión
Ha sido gerente de programación de Cinevisión y RTI Televisión, directora creativa del canal RCN
y gerente de producto del canal Citytv. En 2003 desarrolló para el Ministerio de Cultura el modelo
de canal Señal Colombia en el que se establecieron las bases para la programación y selección de
contenidos que hoy se encuentra vigente. Fue directora del programa diario Culturama y productora
ejecutiva de la serie colombo–argentina, Meridiano 1810. Asistió como representante de Colombia,
a espacios de discusión de política pública de televisión en México, Uruguay y Argentina.
She worked as a Broadcast Director for Cinevisión and RTI Televisión, Creative Director for RCN and Product
Manager for CityTv. In 2003, for the Ministry of Culture, she designed the structure of Señal Colombia channel, which
then served to establish the bases for the selection of the programs and contents that are broadcasted today. She was
the director of the daily show Culturama, and the executive producer of the Colombo-Argentinian series Meridiano
1810. She represented Colombia in several panels on television public policy in Mexico, Uruguay and Argentina.
CLAUDIA CÁRDENAS
Representante de Canal Uno / Canal Uno representative
Gerente de Producción y Administrativa – CM& / Production and Administrative Manager – CM&
Desde 1984 trabaja en televisión. Ha incursionado en los campos de la escenografía, ambientación,
dirección de arte y producción, en empresas como RTI, Punch, Caracol, Audiovisuales, Prego, Teleset
y CM& Televisión. Trabajó como gerente nacional de producción en Teleamazonas, Ecuador, durante
cinco años. A su regreso a Colombia fue productora del Proyecto Bicentenario, del Ministerio de Cultura,
y luego volvió a CM& Televisión, la que considera su casa, y en la que actualmente se desempeña como
gerente de producción y administrativa.
Cárdenas has been working in television since 1984. She explored the fields of scenography, set design, art direction
and production for companies like RTI, Punch, Caracol, Audiovisuales, Prego, Teleset and CM& Televisión. She
worked for five years as National Production Manager for Teleamazonas in Ecuador. After returning to Colombia,
she became the producer of the Ministry of Culture’s Proyecto Bicentenario, before coming back to CM& Televisión,
which she considers her home and where she currently works as production and administrative manager.
Comunicadora social con Énfasis en Publicidad y Comunicación Organizacional de la Pontificia
Universidad Javeriana, Magister en Television Management de la Universidad de Boston con vasta
experiencia a nivel nacional e internacional en la industria televisiva, y en las áreas de programación
y televisión digital, entre ellas como Analista de adquisiciones y desarrollo digital para Telemundo.
Bustamante holds a degree in Communication with a major in Publicity and Organizational Communication
from Pontificia Universidad Javeriana (Bogota), and a M.A. in Television Management from Boston University.
She has extensive national and international experience in the TV industry, programming and digital television,
and has held positions such as Acquisitions and Digital Development Analyst for Telemundo.
JUAN MANUEL BUELVAS DÍAZ
Representante de los canales regionales / Regional channels representative
Gerente del Canal Regional Telecaribe / Manager of Telecaribe regional channel
Es comunicador social y graduado en Producción de televisión, ha recibido formación audiovisual
en la Escuela de Cine de San Antonio de los Baños, Cuba y en la Universidad de Andalucía, España.
Fundó su empresa, De la Tierra Producciones, con la que ha producido series como Caribe 100% y Caribe
pop para Señal Colombia, con las que obtuvo los premios India Catalina y Simón Bolívar. Produjo la
película El Faro, del director Pacho Bottía y es productor asociado de la película Crimen con vista al mar.
Buelvas holds a degree in communications and pursued graduate studies in TV production. He has received
audiovisual training at the San Antonio de los Baños Film School (Cuba), and at the University of Andalucía,
Spain. He started his own company, De la Tierra Producciones, through which he produced series such as
Caribe 100% and Caribe pop for Señal Colombia, which were awarded India Catalina and Simón Bolívar
awards. He was the producer of the feature El Faro, by director Pacho Bottía, and is currently an associate
producer of the film Crimen con vista al mar.
ENRIQUE URIBE JONGBLOED
Realizó estudios en dirección artística, fotografía, actuación y teatro experimental. Ha desempeñado
diferentes roles en importantes producciones nacionales, logrando consagrarse como una de las
mejores editoras conceptuales del país. Entre sus proyectos más destacados se encuentran: Café
con aroma de mujer, Yo soy Betty la fea, Escalona y Gallito Ramírez.
Vásquez studied art direction, photography, acting and experimental theater. She has held different positions in
important national productions, and she is considered one of the best conceptual editors in Colombia. Her most
distinguished projects include: Café con aroma de mujer, Yo soy Betty la fea, Escalona and Gallito Ramírez.
346
Es profesor en el Departamento de Comunicación Social de la Universidad del Norte en Barranquilla.
Su investigación se centra en aspectos de identidad y cultura relacionados con la producción audiovisual.
Actualmente está realizando una investigación sobre la transformación de productos audiovisuales entre
países, incluyendo temas de adaptación, doblaje, venta de formatos, y similares. Ha hecho trabajos
de investigación para la antigua CNTV.
Uribe is a professor in Universidad del Norte’s Social Communications Department in Barranquilla.
His research focuses on issues of identity and culture in the field of audiovisual production. He is currently
leading a research project on the transformation of audiovisual products between countries, studying topics
such as adaptation, dubbing, format sales and other related issues. He has carried out several research projects
for the former National Television Commission (CNTV).
347
MARÍA MERCEDES VÁSQUEZ
Representante de RCN Televisión / RCN Televisión representative
Directora de Calidad de la Vicepresidencia de Producto - RCN Televisión /
Quality Manager, Office of the Vicepresident of Product Management- RCN Televisión
Representante de la academia / Academic representative
Docente e Investigador de la Universidad del Norte
MIEMBROS DEL
COMITÉ TÉCNICO
MEMBERS OF THE TECHNICAL COMMITTEE
PREMIO VICTOR NIETO A TODA UN VIDA /
VICTOR NIETO LIFETIME AWARD
JORGE ALÍ TRIANA
DARÍO RESTREPO
Representante canales locales / Local channels representative
Editor Multimedia El Tiempo Casa Editorial / Multimedia Editor, El Tiempo Casa Editorial
Throughout his career, Restrepo has held various positions in Colombian and foreign media. A renowned
reporter and radio, press and TV host, he is now El Tiempo Casa Editorial’s Multimedia Editor.
JERÓNIMO RIVERA
Representante críticos de televisión / TV critics representative
Es comunicador social de la Universidad de Antioquia –UdeA-, especialista en Dirección Escénica
de la Escuela de Cine y Televisión –EICTV- de Cuba, Magister en Educación de la Universidad Javeriana
y candidato a PhD en Comunicación. Docente-investigador, analista de medios y cultura de los
periódicos El Tiempo, El Nuevo Siglo y Jerónimo Rivera Presenta; también es el Director y fundador
de la Red Iberoamericana de Investigación en Narrativas Audiovisuales (Red INAV).Autor de los libros
La imagen una mirada por construir, Narrativas audiovisuales: Personajes, acciones y escenarios, entre otros.
After graduating in Communications from Universidad de Antioquia (Medellin), Rivera specialized in
Stage Direction at the Cuba International Film and Television School (EICTV), studied a Master’s degree
in Education in Universidad Javeriana (Bogota), and is currently a PhD candidate in Communication.
Professor and researcher, cultural and media analyst for newspapers like El Tiempo, El Nuevo Siglo and
his program Jerónimo Rivera Presenta, he is also the founder and director of the Ibero American Research
Network on Audiovisual Narratives (Red INAV) and author of La imagen una mirada por construir and
Narrativas audiovisuales: Personajes, acciones y escenarios, among others.
SALVATORE BASILE
Representante del FICCI / FICCI representative
Miembro Principal Junta Directiva Corporación Festival Internacional de
Cine de Cartagena de Indias (FICCI) / Senior Member of the Cartagena International
Film Festival Corporation (FICCI) Board of Directors
Este actor y productor de cine y televisión colombo–italiano es reconocido en el medio artístico como
Salvo. Fue Gerente de producción de CENPRO Televisión, ha actuado en reconocidas producciones
televisivas en Colombia y desempeñado distintos cargos en películas, participando en más de cincuenta
proyectos, varios de ellos, de corte internacional, dentro de los cuales se destacan El amor en los tiempos
del cólera del director británico Mike Newell, basado en la novela del escritor colombiano Gabriel García
Márquez y La Quemada, film rodado en Cartagena, donde se desempeñó como asistente de dirección.
In the art world, this colombo-italian film and television actor and producer is known as Salvo. He was the
Production Manager for CENPRO Televisión, acted in famous TV productions in Colombia and held several
positions in over fifty film projects, several of which of international reach. The most important ones include
Love in the Times of Cholera by british director Mike Newell, based on the novel by colombian writer Gabrel
García Márquez, and La Quemada, filmed in Cartagena, on which he worked as an assistant director.
348
Es uno de los más reconocidos directores de cine, teatro y televisión de Colombia. Se graduó en la Academia
Superior de Artes –AMU- de Praga, Checoslovaquia. A su regreso a Colombia, en 1967, creó el Teatro Popular
de Bogotá –TPB-, donde se desempeñó como director y empezó un largo período de montajes, presentando
más de cincuenta obras clásicas, contemporáneas y creaciones propias. También incursionó en la televisión
con diferentes adaptaciones y dirección de series.
Dirigió y escribió largometrajes para la televisión de mucha recordación en el público colombiano, entre
ellos destacan: No morirás (1997), Crónicas de una generación trágica (1994) y Maten al león (1989), entre
otras. Posee una amplia experiencia en el teatro, con diversos montajes para el TPB, el Teatro Nacional y el
Repertorio Español (New York), destacándose entre varias, Cabaret (2006), Art (1998) y The True West (1990).
En el campo cinematográfico, ha dirigido dos películas con guiones originales de Gabriel García Márquez.
En 1985, filmó Tiempo de morir, con la cual ganó el Tucán de Oro a mejor película y mejor actor, y el Premio
Unesco en el Festival de Río de Janeiro; además, obtuvo reconocimientos en los festivales de La Habana
y Biarritz. En 1996, rodó Edipo Alcalde, con la cual participó en la Quincena de Realizadores del Festival de
Cannes y en el Sundance Film Festival. También dirigió Bolívar soy yo, que le hizo merecedor del Ombú de Oro
a la mejor película y el Ombú de Plata a la mejor película iberoamericana en el Festival Internacional de Cine
de Mar del Plata (2002); con ella también ganó los premios del público en los festivales de Lima y Tolouse;
así mismo, se llevó el premio de mejor guión en el Festival de Cinema Latino de Trieste y los galardones de
mejor guión, mejor director y el premio especial del público en el Festival de San Juan de Puerto Rico.
Su más reciente largometraje, Esto huele mal (2007), está basado en la novela de Fernando Quiroz.
Actualmente, dirige su propia compañía productora, Dramax, con la cual ha realizado la exitosa serie de
televisión Comando Élite (2014) y La luz de mis ojos (2015) y el musical para el Teatro Cafam de Bellas Artes
Pantaleón y las visitadoras (2014), basada en la novela del Nobel Mario Vargas LLosa.
Jorge Alí Triana is one of the most renowned film, theatre and television directors in Colombia. He graduated from
the Academy of Performing Arts in Prague, Czech Republic (former Czechoslovakia). After returning to Colombia
in 1967 he created the Teatro Popular de Bogotá TPB (Bogotá Popular Theatre), working as director and thus
beginning a long period of productions, presenting more than fifty works, ranging from classic to contemporary,
as well as original creations. He also ventured in television work through numerous adaptations and series.
He directed and wrote feature films for TV that are still fondly remembered by the Colombian public, namely No
Morirás (1997), Crónicas de Una Generación Trágica (1994) y Maten al León (1989), among others. He possesses
an ample experience in theatre, having staged numerous productions for the TPB, the National Theatre and the
Repertorio Español Theatre of New York, featuring works like Cabaret (2006), Art (1998) and The True West (1990).
In the field of cinema, he has directed two feature films with original screenplays written by Gabriel García Márquez.
In 1985 he filmed Time to Die (Tiempo de Morir), with which he won the Tucán de Oro Award for Best Film and
Best Actor, as well as the Unesco Award at the Rio de Janeiro Festival and special mentions at the Havana and
Biarritz festivals. In 1996 he shot the film Oedipus Mayor (Edipo Alcalde), which was presented at the Cannes
Festival’s Directors Fortnight and at the Sundance Film Festival. At the time, he also directed Bolívar Soy Yo,
which earned him the Golden Ombú for Best Film and the Silver Ombú for Best Ibero American film at the Mar
del Plata International Film Festival (2002). This film also received the Audience Award at the Lima and Toulouse
Festivals. Furthermore, he won Best Screenplay Award at the Trieste Latin American Film Festival, as well as Best
Screenplay, Best Director, and the Special Audience Awards at the San Juan de Puerto Rico International Film
Festival. His most recent feature film, Esto Huele Mal (2007), is based on the novel by Fernando Quiroz.
He currently runs his own production company, Dramax, with which he has produced the blockbuster TV series
Comando Élite (2014), along with La luz de mis ojos (2015) and the musical Pantaleón y las visitadoras (Captain
Pantoja and the Special Service - 2014), commissioned by the Cafam Fine Arts Theatre and based on the novel
by Nobel Prize in Literature laureate Mario Vargas Llosa.
349
A lo largo de su carrera ha desempeñado distintos cargos en medios colombianos y extranjeros.
Ha sido destacado reportero y presentador en radio, prensa y televisión. Actualmente es el Editor
Multimedia de El Tiempo Casa Editorial.
Cadena Logística y Mensajería
Universidad
de Cartagena
Fundada en 1827
Resolución 2583 del 26 de febrero de 2014. Ministerio de Educación Nacional
AGRADECIMIENTOS
• Adelfa Martínez
• Adriana González
• Agencia Colombiana para la Reintegración
• Agência Nacional Do Cinema - ANCINE
• Aida Hodson Gomez
• Alcaldía de Turbaco
• Alcaldía Localidad 1 Histórica y del Caribe Norte
• Alcaldía Localidad 2 de la Virgen y Turística
• Alcaldía Localidad 3 Industrial y de La Bahía
• Alcaldía Localidad Histórica y del Caribe Norte
• Alcaldía Localidad Industrial y de la Bahía
• Alcaldía Mayor de Cartagena de Indias
• Alexandra Falla
• Alfonso Lizarazo
• Alfredo Calvino
• Alquimia Peña
• Ambulante Colombia
• Ana Cecilia Arnedo
• Ana David
• Ana María Guerrero
• Anandá
• ANCINE
• Andrés Arévalo
• Andrés Calderón
• Andrés Castillo
• Ángel Unfried
• Angélica Bejarano
• Angélica Guerra
• Antoine Sebire
• Antonio Lozano
• ANTV
• Armada Nacional de Colombia - Cartagena
• Armando Gutiérrez
• Arquidiócesis de Cartagena de indias
• Asocentro
• Asociación Internacional de Films Animados ASIFA.
• Babilla Cine
• Bananeira Films
• Banco de la República
• Bastión Luxury Hotel
• Belén Palacios
• Benjamin Domec
• Benjamín Román
• Bernabé Aguilar Arigo
• Bernardo Bergeret
• Betzabé Martínez
• Big Video
• Bogoshorts
• British Council - Chris Rawlings,
Director del British Council
• Cámara de Comercio de Bogotá Cluster Bogotá Industrias Creativas y Contenidos
• Camila Builes
• Camilo Acuña
• Canal Caracol
• Canal UNO
• CANNES CLASSICS
• Cárcel de Mujeres de San Diego
• CalArts
• Carlos A. Gutiérrez
• Carlos Fernando Motoa
• Carlos Julio Ardila Gaviria
• Carole Joy
• Carolina Calderón
• Casa Pestagua
• Casa Productora
• Cedesarrollo
• Céline Chesnay
• Centro Ático - Pontificia Universidad Javeriana
• Centro Comercial Caribe Plaza
• Centro Comercial Plaza Bocagrande
• Centro de Formación de la Cooperación Española
Cartagena de Indias - AECID • César Mora
• Christopher Tibble
• CINANDO
• Cine Colombia
• Cine Tonalá
• Cinecolor Digital
• Cinema Tropical
• Cinemaran
• Cinemateca Rodante de la Cinemateca Distrital
de Bogotá
• Cineplex
• Ciro Guerra
• Ciudad Lunar Producciones
• Claude Pimont
• Claudia Cárdenas
• Claudia Triana de Vargas
• Claudia Villanueva
• Claudio Garrido
• Centro Nacional de Cinematografía
y de la Imagen Animada -CNC• Centro Colombo Americano de Medellín
• Comfenalco
• Comunidad de Bocachica
• Comunidad de Caño de Oro
• Comunidad de Punta Arena
• Comunidad de Tierra Bomba
• Comunidad Nelson Mandela
• Comunidades de la Localidad 1
• Comunidades de los municipios de Bolívar
• Congo Films
• Consejo Nacional para la Cultura
y las Artes de México - CONACULTA
• Consuelo Castillo Ulloa
• Consuelo Luzardo
• Corporación Universitaria Rafael Núñez
• Cristian Sandoval
• Cristina Consuegra
• Cristina Gallego
• Cristina Garza
• Cuerpo de Bomberos
• DADIS
• Dago García
• Darío Restrepo
• DATT
• David Gallego
• David Luna
• David Ricardo Cortez
• Decorfiestas
• Defensa Civil
• Dian
• Diana Gedeón
• Diana Lozano
• Diego Lerer
• Dirección de Asuntos Culturales del Ministerio de
Relaciones Exteriores de Chile -DIRAC • DocTV Latinoamérica
• Dorota Kobierowska
• Dumek Turbay
• Edmer Tovar
• Eduardo Machuca Valiente
• EGEDA
• Elba McAllister
• Elena Manrique
• Elkin Zair Manco
• Eloísa López Gómez
• Elsa España
• Embajada de Argentina
• Embajada de Brasil María Elisa Berenguer, Embajadora de Brasil
• Embajada de Chile Ricardo Navarrete Betanzo, Embajador de Chile
• Embajada de España - Ramón Gandarias Alonso
de Celis, Embajador de España
• Embajada de Estados Unidos - Kevin Whitaker,
Embajador de Estados Unidos
• Embajada de Francia - Jean-Marc Laforêt,
Embajador de Francia
• Embajada de Israel Marco Sermonta,
Embajador de Israel
• Embajada de Lituania
• Embajada de México Arnulfo Valdivia Machuca, Embajador de México
• Embajada de Polonia Maciej Zietara, Embajador de Polonia
• Embajada de Uruguay - Duncan Croci
• Embajada del Reino Unido Peter Tibber, Embajador del Reino Unido
• Enrique Uribe Jongbloed
• EPA
• Eric Schnedecker
• Escuela Taller Cartagena de Indias
• Espacio Público
• Eulalia Pinedo
• Federico Mejía
• Felipe Boshell
• Fernando Araújo
• Fernando Gaitán
• Fernando Gómez Garzón
• Fernando Molina
• Festival Internacional de Cine de Guadalajara
• FESTIVALSCOPE
• Film Society of Lincoln Center
• Filmoteca Española - ICAA • Fondo Mixto de Cultura y las Artes de Cartagena
• FOX
• Francisco Escobar
• Francisco Hernández Cáceres
• Francisco Montoya
• Francisco Vergara
• Fundación Amor Arte
• Fundación Coronel José Carmelo Villamizar
• Fundación Creando Sinergia
• Fundación Juan Felipe Gómez Escobar
• Fundación Patrimonio Fílmico Colombiano
• Fundación Social para la Formación Integral
- FUSFI • Fundación Tenaris - TuboCaribe
• Fundación Universitaria Colombo Americano
• Fundación Universitaria Tecnar
• Fundación Universitaria Tecnológica Comfenalco
• Gabriel Reyes
• Gabriela Castro
• Gabriela Londoño
• Gabriela Sandoval
• Gato Encerrado
• Gema Films
• Gema Juárez Allen
• Gematours
• Gérald Duchaussoy
• Gerardo Calero
• Germán Cepeda
• Germán Yances
• Gestión de Riesgos y Desastres
• Gilberto Gallego
• Gilma Rubio
• Gobernación de Bolívar
• Gobierno de Chile
• Habanero Films
• Hans Londoño
• Heriberto Fiorillo
• Hollman Morris
• Hotel Armería Real
• Hotel Casa San Agustín
• Ibon Andrea Bernal
• Icultur
• IDER
• Ilse López
• Iluminamos
• Indie Sales
• Ingrid Peña
• Institución Tecnológica Colegio Mayor de Bolívar
• Instituciones Educativas De Bolívar
• Instituciones Educativas De Cartagena
• Institut Français
• Instituto del Cine y Audiovisual del Uruguay
- ICAU • Instituto Mexicano de Cinematografía - IMCINE • Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales
- INCAA • Instituto Polaco de Cinematografía
• Interior XIII
• IPCC
• Iván Suzzarini
• Isabel de Ávila
• Jahv McGregor S.A.
• Jaie Laplante
• Jaime Abello Banfi
• Jaime Hernández
• Jaime Torrado
• Jairo Dueñas
• Jairo Enrique Rodríguez Chaparro
• Jerónimo Rivera
• JetBlue
• Jim Kolmar
• Joaquín Gutiérrez
• Joaquín Mauricio López
• Jorge Alí Triana
• Jorge Caballero
• José Ángel Báez
• José F. Rodríguez
• José María Prado
• Juan Camilo Prado Cantillo
• Juan Carlos Ossa
• Juan David Correa
• Juan Felipe Bedoya
• Juan Fernando Ujueta
• Juan Manuel Buelvas
• Juan Manuel Santos Calderón
• Juan Succar
• Juana Uribe
• Julián Giraldo
• Juliana Rojas Roman
• Juliana Uscátegui
• Juliana Villega
• Julio Beltrán
• Julio Castillo
• Julio César Guzmán
• Jurga Dikciuviene
• Karen Juliao
• Karim Ganem Maloof
• Laura Escobar
• Lejla Karisik
• Lic. Rodrigo Márquez
• Ligia Melo
• Liliana Saavedra
• Lithuanian Film Center
• Lucía Films
• Luis Alfonso Prada
• Luis Guillermo Torres
• Luis Mayolo
• Luisa Fernanda Samuniio Piñerez
• Luz Amanda Avella Garzón
• Luz Estela Cáceres
• Manuel Vicente Duque
• Marcela Nossa
• Marcela Ochoa
• Marcela Restrepo
• Marcelo Dalmazzo
• Maria Alejandra Neria Montes
• María Beatriz García Dereix
• María Cecilia Botero
• María Cristina Pimiento Barrera
• María Elisa Botero
• María Jose Mejía
• María Mercedes Vásquez
• María Paula Bustamante
• María Teresa del Castillo
• Mariana Garcés
• Mariana Villamizar
• Mariangela Rubbini
• Mariangela Urbina
• Mariela Mastrangelo
• Marina Tejedor Cruz
• Mario Morales Rincón
• Mario Ramos Vélez
• Marta Andreu
• Martha Bossio
• Mauricio Ardila
• Mauricio Barrantes
• Mauricio Navas
• Maximiliano Cruz
• Memento Films International
• Mercedes Flórez
• Miami International Film Festival
• Michel Franco
• Michel Rubens
• Ministerio de Cultura de Colombia
• Ministerio de Relaciones Exteriores de Colombia
• Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile
• Ministerio de Relaciones Exteriores de Francia
• Mirsad Purivatra
• Moisés Álvarez
• Mónica Moreno
• Mottif
• MUNDIAL
• Munir Falah
• Nasly Boude
• Olga Cuadrado
• Organización Ardila Lülle - OAL • Oscar González
• Paola Pérez
• Park Circus Limited
• Paspartu Ltda.
• Patricia Escallón de Ardila
• Patricia Giraldo
• Patricia Tascon de Falah
• Paula Arenas
• Paula Jaramillo
• Paula Silva
• Pía Barragán
• Piedad Rojas
• Policía Metropolitana de Cartagena
• Policía Nacional
• Polish Film Institute
• Post Bros
• Presidencia de la República
• Procolombia
• PROIMAGENES Colombia
• Promoambiental
• RCN Radio
• RCN Televisión
• Revista Diners
• Ricardo Bermúdez
• Ricardo Prosperi
• Richard Emblin
• Rodrigo García Barcha
• Rodrigo Torrijos Parra
• Salvatore Salomone
• Salvo Basile
• Sandra Dávila
• Sandra Gómez
• SANFIC
• Santiago Álvarez
• Sata Cissokho
• Sayco
• Secretaría de Educación de Bolívar
• Secretaría de Educación de Cartagena
• Secretaría de Espacio Público
• Secretaría del Interior Distrital
• Secretaría del Interior y Convivencia Ciudadana
• Señal Colombia
• SER - Secretaría de Relaciones Exteriores
de la Embajada De México
• Sergi Steegmann
• Sergio Villamizar
• Servicio Nacional de Aprendizaje Sena
• Sofía Gómez
• SONY
• SXSW
• Sylvia Ospina
• T310
• Tatiana Vergara
• Telecaribe
• The Match Factory
• Tribeca Film Institute
• Twitter Colombia
• UNIBAC
• Unidad de Reparación de Víctimas
• Unifrance
• Universidad Antonio Nariño
• Universidad de Cartagena
• Universidad Jorge Tadeo Lozano
Seccional Cartagena
• Universidad Los Libertadores
• Universidad San Buenaventura
• Universidad Tecnológica de Bolívar
• Urban Distribution - UDI • Vania Catani
• Vicky Hernández
• Vivian Denise Prieto
• Viviana Beltrán
• Volkswagen
• Wilder Ramirez
• Will Massa
• William Torres
• Zulma Rodríguez
• 575 Café
ÍNDICE POR PELÍCULA
INDEX BY FILM
0A9
El Mohán, Orika, sueños de libertad 314-315
H
Locas perdidas / Lost Queens 130
Praejusios dienos atminimui /
Tierra sin pan / Las Hurdes 197
24º51º Latitud Norte 126
Comoara / The Treasure 223
Historias de dos que soñaron /
Lola 177
In the Memory of a Day Gone By 257
Tisure 134
Cosmic Ray 198
Tales of Two Who Dreamt 62
Los Nadie / The Nobodies 36 - 108
Pura Sangre 189
Todo comenzó por el fin /
Home - El país de la ilusión /
Los ojos sin rostro / Les Yeaux Sans Visage 192
Home - The Country of Illusion 106
Love 234 - 269
A
Tres cuentos colombianos 291
A Casa 256
D
A Clockwork Orange / La naranja mecánica 278
De barrio / The Hood 128
A Movie 198
Dead Man Walking / Pena de muerte 206
I
A poquito es noche / Soon It Will Be Night 160
Días extraños / Strange Days 104
Iceberg 129
M
Acto de fe 194
In the Memory of a Day Gone By/
Madriguera / The Den 162
Adiós a Cali 194
Praejusios Dienos Atminimui 257
Malcriados 215
R
A Tale of Love, Madness and Death 135
Irreversible 268
Manoro 178
Rabin, the Last Day 148
Un tigre de papel 189
Una frontera, todas las fronteras 288
Lovemilla / Mi novio es un robot 235
Q
Querido Camilo 288
Quintal 133
U
Un caballo llamado elefante 227
Un cuento de amor, locura y muerte /
Aislados 319
E
Amazonas 242
Eduardo “La Rata” Carvajal (Exposición) 246
Marea de tierra / Land Tides 131
Rak ti Khon Kaen / Cemetery of Splendour 143
Anna 102
El abrazo de la serpiente 224
Marilyn Times Five 199
Report 199
Aquí no ha pasado nada / Much Ado About
El ansia / The Hunger
K
Masahista /The Masseur 178
Retorno al pasado 193
Nothing 54
El buzo / The Diver 127
Kàleldo / Summer Heat 176
Mate-me por favor / Kill Me Please 66
Rolando 311
V
Aracati 78
El edén 127
Kinatay 177
Mi novio es un robot / Lovemilla
Romance & Cigarettes 207
Víctor xx 135
Asunción 195
El hombre que cayó a la tierra /
Koridorius / The Corridor 257
Mia Madre / My Mother 146
Ruta Unidos 295/297
Video (B)Art(H)Es 196
Atlantic City 206
The Man Who Fell To Earth 282
Autorretrato (dormido) / Self Portrait (Asleep) 195
El hombre que cambió su mente /
Vítreo 164
The Man Who Changed His Mind 281
N
S
El Movimiento / The Movement 60
Santiamén 133
Z
B
L
Nie yin niang / The Assassin 151
El mundo de Carolina / Carolina’s World 82
No hay bestias / The Cry of the Oxen 131
Sapi / Possession 179
Zoé - Panoramas 244
Bania / Agua 160
El quimérico espectáculo de los Bizzanelli /
L’homme da ma vie / El hombre de mi vida 129
No Home Movie 147
Serbis 179
The Bizanelli’s Chimerical Show 162
La academia de las musas / The Academy of the
Blade Runner 279
Siembra 116
Boi Neon / Neon Bull 56
El rastreador de estatuas / The Monument
Muses 68
Noche herida / Wounded Night 110
Silencio antes / The Silence Before 163
Bolívar soy yo 312
Hunter 84
La balada del Oppenheimer Park / The Ballad of
Noite sem distancia / Night Without Distance
132
Sin mover los labios / With the Lips Closed 118
Bunker 126
El rey del Once 37
Oppenheimer Park 88
La batalla de los Montes de María 318
Nuestra película 188
Sinapupunan / Thy Womb 180
La bisabuela tiene Alzheimer 286
Nueva Venecia 310
Solo contra todos 269
El viento sabe que vuelvo a casa /
The Wind Knows I’m Coming Back Home 86
C
Ella, la noche / Her, the Night 162
CalArts 166 - 167 - 168 - 169
En construcción 190
Camino a la paz 222
Enter the void 268
Canción anfibia 160
Entre la tierra / Inside Land 128
Candelaria Hot Dog 161
Eso que llaman amor 214
Capítulo 66 196
Carneros /Rams 142
Cartas da guerra / Letters From War 58
F
Casa Blanca 80
Few of Us 256
Cerro Nariz, la aldea proscrita 292
Flash Gordon 280
Chevalier 144
Foster Child 176
Chronic 145
Frío en Colombia (Instalación) 243
Ciutat Meridiana 161
Clementine et les souliers rouges /
Clementine y los zapatos rojos 161
G
Cortos Comfenalco: Malas influencias,
Général Idi Amin Dada: Autoportrait 191
El Misterio de Camila, La pequeña heroína
360
It All Started at the End 96 - 120
La desazón suprema: retrato incesante de
Fernando Vallejo / The Supreme Uneasiness:
Incessant Portrait
O
T
Of Fernando Vallejo 188
O Futebol / On Football 90
Taklub / Trap 149 - 180
La impresión de una guerra / Impression of a
O teto sobre nós / El techo que nos cubre 132
Tarântula 134
War 130
Olivia 163
Taxi 150 - 226
La maldición, el milagro y el burro 286
Oscuro animal 70 - 112
Te prometo anarquía / I Promise You Anarchy 72
La Mansión de Araucaíma 216 - 290
Où en êtes-vous? Sharunas Bartas / Where Do
Teiko 164
La naranja mecánica / A Clockwork Orange 278
You Stand Today? Sharunas Bartas 258
Tempestad 94
La última tierra / The Last Land 64
Overava 287
The Hunger /El ansia 207
The Man Who Changed His Mind /
Las aventuras de Nuku 225
Las Hurdes / Tierra sin pan 197
El hombre que cambió su mente 281
Las imágenes en movimiento, antes del
P
The Man Who Fell To Earth /
cinematógrafo (Exposición) 293
Paciente / Patient 92 - 114
El hombre que cayó a la tierra 282
Las manos en la tierra 287
Paralela / Parallel 163
The Rocky Horror Picture Show 237
Les Yeaux Sans Visage / Los ojos sin rostro 192
PazCiencia (Videodanza en escena) 245
The Sky Trembles and the Earth Is Afraid And the
Lo desconocido / X: The Unknown
Peace to Us in Our Dreams 151 - 258
Two Eyes Are Not Brothers 236
Pena de muerte/ Dead Man Walking 206
Thelma y Louise 208
361
ÍNDICE POR DIRECTOR
INDEX BY DIRECTOR
A
Chantal Akerman 147
Iván Mora 286
M
Santiago Lozano 116
Adrián Geyer 134
Ciro Guerra 224
Ivo Ferreira 58
Maite Redondo 161
Sebastián Galvis Forero 128
Agustina San Martín 131
Corneliu Porumboiu 223
Manuela Martelli 131
Sergio Oksman 90
María Gamboa 242
Sharunas Bartas 151 - 256/258
J
María Antonia Duque 161
Spiros Stathoulopoulos 242
María Fernanda Céspedes 286
Sofía Quirós Ubeda 128
Stanley Kubrick 278
Alazne Vázquez 161
Alberto Mejía 291
Alejandro Fernández Almendras 54
D
Jacques Toulemonde 102
Aleksandra Maciuszek 80
Daniel Burman 37
Jacques Tourneur 193
Mariana Viñoles 82
Alexander Montoya 161
Daniel Ochoa 164
Jafar Panahi 150 - 226
Marcela Lizcano 319
Aline Portugal 78
Daniel Ross Mix 288
Jairo Carrillo 225
Marja Calafange 134
David Pablos 288
Javier Mejía 242
Matías Maldonado 242
T
Jerónimo Rodríguez 84
Mauricio Rial Banti 287
Tatiana Huezo 94
Aly Muritiba 134
Amirah Tajdin 131
Amos Gitai 148
Jim Sharman 237
Mélanie Delloye 129
Teemu Nikki 235
Ana María Millán 243
E
John Turturro 207
Mercedes Gaviria 163
Tim Robbins 206
André Novais Oliveira 133
Eduardo “La Rata” Carvajal 246
Jorge Alí Triana 312
Michel Franco 145
Tony Scott 207
Andrea Bussmann 62
Emiliano Mazza de Lucca 310
Jorge Caballero 92 - 114
Mijael Bustos Gutiérrez 135
Andrés Ramírez Pulido 127
Esteban Arrangoiz 127
Jorge Navas 242
Mike Hodges 280
Andrés Waissbluth 227
Jorge Ruiz Ardila 292
Mileidy Orozco Domicó 160
Ángela Osorio 116
Jose Ancines 161
Anita Rocha da Silveira 66
Anna M. Silva 163
Anthony Wonke 311
Apichatpong Weerasethakul 143
Athina Rachel Tsangari 144
Atsushi Kuwayama 163
F
Felipe Guerrero 70 - 112
Felipe Martínez Amador 215
Francisco Varone 222
Ayoze O´Shanahan 286
Bally Valdiviezo 161
Barbet Schroeder 191
Ben Rivers 236
Benjamín Naishtat 60
Brillante Mendoza 149 - 176 / 180
Bruce Conner 198 - 199
Gabriel Cruz Rivas 244
Gabriel Mascaro 56
Gaspar Noé 234 - 268 - 269
Georges Franju 192
Gloria Triana 292
Graciana Saccente 161
Camilo Restrepo 130
Hans Dieter Fresen 162
Heider Vargas 163
Hou Hsiao-Hsien 151
Carlos Mayolo 216 - 290
Carlos Moreno 242
Carlos Osuna 118
362
Nanni Moretti 146
Josephine Landertinger Forero 106
W
Nicolás Pereda 62
Juan José Castillejo 160
William Vega 133
Nicolás Rincón Gillé 110
Juan Manuel Sepúlveda 88
Nicolas Roeg 282
Juan Sebastián Mesa 36 - 108
Juan Sebastián Quebrada 104
O
Julia De Simone 78
Omar E. Ospina Giraldo 162
Juliana Gómez Castañed 129
Julio Hernández Cordón 72
Julio Luzardo 291
Julio Molina 288
P
Pablo Lamar 64
Paula Murcia Restrepo 160
Laura Plaza 162
Leslie Norman 283
Lobadys Pérez 245
Lois Patiño 132
Louis Malle 206
Lucas Maldonado 242
Carlos César Arbeláez 214
Carlos Lenin 126
N
Joseph Losey 283
L
H
C
José Luis Torres Leiva 86
Grímur Hákonarson 142
Bruno Carboni 132
Camila Falquez 245
José Luis Guerín 68 - 190
Juan Pablo Areiza Agudelo 164
G
B
V
Virginia Martínez 287
I
Ian Garrido 135
Ignacio Juricic Merillán 130
Luis Buñuel 197
R
Raúl Ruiz
Ridley Scott 279
Robert Stevenson 281
Rodrigo Guardiola 244
Rodrigo Obregón 318
Luis Ospina 96 - 120 - 188 - 189 - 194 - 195
S
Sandro Aguilar 126
363
ÍNDICE POR PAÍS
INDEX BY COUNTRY
ALEMANIA / GERMANY
Enter the void 268
Few of us 256
Rak Ti Khon Kaen / Cemetery of Splendour 143
Siembra 116
ARGENTINA
Camino a la paz 222
El rey del Once 37
Malcriados 215
No hay bestias / The Cry of the Oxen 131
BÉLGICA / BELGIUM
Love 234 - 269
No home movie 147
Olivia 163
BRASIL / BRAZIL
Aracati 78
Mate-me por favor / Kill Me Please 66
O teto sobre nós / El techo que nos cubre 132
Quintal 133
Tarântula 134
CANADÁ / CANADA
Atlantic City 206
Enter the void 268
CATAR / QUATAR
Camino a la paz 222
CHILE
Aquí no ha pasado nada / Much Ado About Nothing 54
El rastreador de estatuas / The Monument Hunter 84
El viento sabe que vuelvo a casa /
The Wind Knows I’m Coming Back Home 86
Locas perdidas / Lost Queens 130
364
Un cuento de amor, locura y muerte /
A Tale of Love, Madness and Death 135
COLOMBIA
Acto de fe 194
Adiós a Cali 194
Aislados 319
Amazonas 242
Anna 102
Asunción 195
Autorretrato 195
Bania / Agua 160
Bolívar soy yo 312
Canción Anfibia 160
Capítulo 66 196
Cerro Nariz, la aldea proscrita 292
Cortos Comfenalco: Malas influencias, El Misterio
de Camila, La pequeña heroína,El Mohán, Orika,
sueños de libertad 314-315
De barrio / The Hood 128
El edén 127
El quimérico espectáculo de los Bizzanelli /
The Bizanelli’s Chimerical Show 162
Eso que llaman amor 214
Frío en Colombia 243
La batalla de los Montes María 318
La impresión de una guerra /
Impression of a War 130
La desazón suprema: retrato incesante de Fernando
Vallejo / The Supreme Uneasiness: Incessant Portrait
Of Fernando Vallejo 188
La maldición, el milagro y el burro 286
La Mansión de la Araucaíma 216 - 290
Las aventuras de Nuku 225
Las imágenes en movimiento, antes del
cinematógrafo (Exposición) 293
Los Nadie / The Nobodies 36 - 108
Malcriados 215
Nuestra película 188
Nueva Venecia 310
Olivia 163
Paciente / Patient 92 - 114
Paralela / Parallel 163
PazCiencia 245
Pura sangre 189
Ruta Unidos 295/297
Santiamén 133
Siembra 116
Sin mover los labios / With the Lips Closed 118
Teiko 164
Todo comenzó por el fin /
It All Started at the End 96 - 120
Tres cuentos colombianos 291
Un tigre de papel 189
Video (B)Art(H)Es 196
Vítreo 164
COREA DEL SUR
COSTA RICA
Querido Camilo 288
CUBA
Casa Blanca 80
Iceberg 129
DINAMARCA / DENMARK
Carneros /Rams 142
ECUADOR
Aislados 319
La bisabuela tiene Alzheimer 286
ESPAÑA / SPAIN
En construcción 190
La academia de las musas /
The Academy of the Muses 68
PazCiencia 245
Tierra sin pan / Las Hurdes 197
Víctor XX 135
ESTADOS UNIDOS / UNITED STATES
A Movie 198
Acto de fe 194
Autorretrato 195
Blade Runner 279
Cosmic Ray 198
El ansia / The Hunger 207
Flash Gordon 280
Marilyn Times Five 199
Pena de muerte /Dead Man Walking 206
Report 199
Retorno al pasado 193
Romance & Cigarettes 207
Thelma y Louise 208
FILIPINAS / PHILLIPINES
Foster Child 176
Kàleldo 176
Kinatay 177
Lola 177
Manoro 178
Masahista 178
Sapi / Possesion 179
Serbis 179
Sinapupunan / Thy Womb 180
Taklub / Trap 149 - 180
FINLANDIA / FINLAND
Lovemilla / Mi novio es un robot 235
FRANCIA /FRANCE
A Casa 256
Anna 102
Atlantic Cityv 206
Chronic 145
Enter the void 268
Few of us 256
Irreversible 268
Kinatay 177
La impresión de una guerra / Impression of a War 130
Los ojos sin rostro / Les yeaux sans visage 192
L’homme da ma vie / El hombre de mi vida 129
Lola 177
Love 234 - 269
No Home Movie 147
Oú en étes-vous? Sharuna Bartas /
Where do you stand today? Sharuna Bartas 258
Rabin, the Last Day
Solo contra todos 269
Serbis 179
Thelma y Louise 208
GRECIA / GREECE
Chevalier 144
HOLANDA / HOLLAND
Camino a la paz 222
HONG KONG
Blade Runner 279
HUNGRÍA /HUNGARY
Olivia 163
IRÁN /IRAN
Taxi 150 -226
ISLANDIA /ICELAND
Carneros /Rams 142
ISRAEL
Rabin, the Last Day 148
ITALIA /ITALY
Enter the void 268
LITUANIA /LITHUANIA
A Casa 256
Few of us 256
Oú en étes-vous? Sharuna Bartas /
Where do you stand today? Sharuna Bartas 258
MALASIA /MALASYA
PORTUGAL
A Casa 256
Bunker 126
Cartas da guerra / Letters From War 58
Few of us 256
Noite sem distancia / Night Without Distance 132
Olivia 163
REINO UNIDO / UNITED KINGDOM
Blade Runner 279
El ansia / The Hunger 207
El hombre que cayó a la tierra /
The Man Who Fell To Earth 282
El hombre que cambió su mente /
The Man Who Changed His Mind 281
Flash Gordon 280
Lo desconocido / X: lo desconocido 283
Pena de muerte / Dead Man Walking 206
Ronaldo 311
The Sky Trembles and the Earth Is Afraid
and the Two Eyes are not Brothers 236
RUMANIA / ROMANIA
Comoara / The Treasure 223
RUSIA / RUSSIA
In the Memory of a Day Gone By /
Praejusios dienos atminimui 257
MÉXICO /MEXICO
24º51º Latitud Norte 126
Casa Blanca 80
Chronic 145
El Buzo / The Diver 127
Nueva Venecia 310
La balada del Oppenheimer Park /
The Ballad of Oppenheimer Park 88
Tempestad 94
Una frontera, todas las fronteras 288
Zoé - Panoramas 244
SUIZA / SWITZERLAND
PARAGUAY
Overava 287
VENEZUELA
Iceberg 129
Tisure 134
TAILANDIA / THAILAND
TAIWÁN /TAIWAN
Nie yin niang / The Assassin 151
URUGUAY
El mundo de Carolina / Carolina’s World 82
Las manos en la tierra 287
Nueva Venecia 310
POLONIA /POLAND
Casa Blanca 80
365

competencia oficial documental - Festival Internacional de Cine de

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