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UNA COMEDIA
BASADA EN UN
HECHO REAL
El 4 de junio del 2006 El País amenizó bajo el titular “Las campeonas de los Andes” lo que nosotros preferimos
llamar “Un colorido pelotazo genocida”.
Las Campeonas de los Andes viven en la aldea de Churubamba. Una escuela y sesenta casas de adobe y paja se
sitúan en un paisaje que parece la imitación natural de un gran estadio de fútbol. Allí no hay comisaría, ni prostíbulo,
ni iglesia, pero sí dos porterías ubicadas en el centro de una gran explanada-plaza de armas-cancha de fútbol. Esta
comunidad desde hace años celebra con partidos de fútbol femenino las cosechas, los nacimientos y las fiestas. Las
mujeres de Churubamba juegan como verdaderas profesionales. Vestidas con faldas de color, sin botines ni entrenador, ganan títulos. En Perú, el fútbol podría ser el idioma más extendido después del quechua.
La historia comienza durante los años noventa: Alberto Fujimori, presidente del Perú, con la excusa de reducir las
estadísticas de pobreza en las zonas rurales del país, auspició una campaña para esterilizar a las mujeres. Esta
campaña llegó a Churubamba. El profesor Pilco cuenta que cuando una mujer llegaba al hospital más cercano, en
este caso al hospital de Andahuaylillas, para curarse de un dolor de estómago, allí la atendían, Pero además le ligaban las trompas. Resultado: en aquella década nacieron menos pobres. “Tuvimos que cerrar la escuela porque no
había alumnos”, dice el profesor. “Imagine el castigo de la esterilización en un pueblo donde las mujeres son criadas
para tener hijos y los hijos son criados para trabajar la tierra. A ellas les sobraba el tiempo libre”.
La campaña de esterilización forzada de Fujimori dejó un total de 150.000 mujeres esterilizadas en Perú durante su
gobierno. No todas son futbolistas, ni viven en una aldea donde el centro del mundo es una cancha de fútbol, como
en Churubamba. Según el relato del profesor las mujeres empezaron a jugar al fútbol porque tenían tiempo de sobra.
Pero es difícil distinguir los terrenos de “realidad” y “fábula”.
Hoy un megáfono retumba en la aldea como un despertador: “Señoras, ha llegado la avena desde Andalhuaylillas.
Reunión en la cancha de fútbol. Después se jugará un partido”. Esta mañana hay un juicio en la aldea. Una mujer
obesa, Toribia Copa, es acusada de comer demasiada avena, y el juicio, como todas las decisiones, será comunal:
si robas, la comunidad te lleva al río Vilcanota y te hace reflexionar a latigazos. La acusada castigada por su mala
conducta tiene por destino tarjeta roja.
Terminado el juicio se disputa el partido entre dos equipos femeninos. Presente, el alcalde de Andahuaylillas Guillermo Chillihuane, nos comenta “El deporte es una manera de combatir los problemas de la comunidad, estamos
construyendo más campos de fútbol”.
Versión de la Cía. CRHOMA, inspirada en el artículo de Marco Avilés, publicado por el periódico El País, el
04/06/2006
Esta comedia, basada en un hecho real, expone con total impunidad el caso de Toribia Copa, una de las tantas mujeres
esterilizadas en Perú durante los años 90, bajo la presidencia de Fujimori.
Un comando japonés formado por tres mujeres que adoptan una falsa identidad europeizada realiza la grabación de un
spot publicitario con la ayuda de un camarógrafo que ignora por completo sus planes. Bajo la excusa de promocionar
un producto sorpresa, que es un pañal especial para mujer esterilizada, se lleva a cabo una conquista del público al cual
se le impondrá una invasión japonesa.
Esta invasión tiene como objetivo implantar el plan Fuji. Éste consiste en esterilizar a las mujeres españolas para disminuir el índice de la incipiente pero amenazante crisis económica actual.
En este juego, que se sirve del uso de la meta-teatralidad, operan diferentes grados de realidad de los personajes.
Todos los caracteres, menos la directora, interpretarán a varios personajes de ficción, con el fin de grabar el spot. Gracias a estas características, podemos obtener varias lecturas relacionadas a la problemática de los individuos que son
invadidos por los rápidos cambios sociales de los últimos años y una cultura basada en los mass media.
La alquimia desordenada de las problemáticas de nuestra sociedad actual, devenidas del ámbito político, cultural y
social, dejan al individuo imposibilitado de discernir con claridad los sucesos vertiginosos en los que se encuentra
inmerso. Esto dificulta el desarrollo de una identidad sólida.
Los personajes que transitan la obra van cambiando caleidoscópicamente de identidad, no son uno sino varios o ninguno. Aún así, dada la complejidad social mencionada anteriormente, es más fácil percibir este cambio identitario en el
juego ficcional que en la realidad. Esto es lo irónico de nuestra sociedad actual.
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¿Qué es, en este momento de mi vida, ser una autora teatral y hasta dónde el proceso de escritura involucra a los actores con los que trabajo?
Cuando escribo lo hago desde la escena y no para la escena. Por tanto, para particularizar la visualización de una posible escenificación, al momento de escribir, me sirvo del aliento que implica tener en mente a unos actores específicos
para que éstos sean los modelos, los referentes, de los nuevos personajes que están en fase de gestación.
Trabajar desde una visualización escénica, con unos actores concretos, habilita el enriquecimiento de la fábula puesto
que las acciones que en ella se desarrollan cobran un carácter propio y singular.
Mayoritariamente, antes que pensar en un grupo de actores como elemento disparador de la escritura, primero soy
seducida por un tema que desata el torrente de inspiración necesaria como para conducirme a investigar y escribir un
primer bosquejo de un cuento. En el caso de Toribia Copa y las de Falopio, una noticia publicada en el País sobre una
región de los Andes en donde triunfa el fútbol disparó mi imaginación. El artículo describe una situación paradójica sin
posicionarse frente al horror que ésta implica: una campaña de esterilización forzada de mujeres pobres que reduce los
nacimientos y lleva a las mujeres a ocupar su tiempo con una pelota.
Cuando surge una imagen concreta sobre la fábula, inmediatamente pienso en los actores con los que podría escenificarla y cómo éstos con su interpretación la harían crecer. Por tanto ambos procesos, el de encontrar un tema que motive
la escritura y el de hallar a unos actores que interpretarían la obra escrita, se dan de manera simultánea. En consecuencia puede deducirse que, generalmente, los actores modélicos de los que me sirvo para desarrollar la escritura,
son los actores con los que comúnmente trabajo, quienes a su vez, me permiten asegurar la posterior escenificación del
texto. Por tanto en mi caso, la escritura de obras de teatro está íntimamente ligada a la posibilidad de su escenificación
y de su rentabilización. Por placer escribo sólo monólogos y poesía.
Pero como ya sabemos, a medida que nos adentramos en un proceso de creación, ya sea de escritura o escenificación,
es imposible no realizar asociaciones constantes entre imágenes diversas. Al ir conociendo más profundamente a los
actores con los que trabajo, sucede que sus atributos, sus facetas de carácter o ciertos gestos, despiertan en mi memoria escenas, estilos, o frases dichas por actores de la gran pantalla o la escena. Por ejemplo, el personaje de la directora
del spot publicitario de Toribia Copa es ahora una diva del cine negro.
En el proceso de escritura, unos seres se tamizan con otros, y es así como los caracteres de la historia que está en
desarrollo terminan adquiriendo una teatralidad mayor que la que podría surgir si trabajara con referentes concretos,
pero únicos, desde un principio. Federico, el camarógrafo, un ser excéntrico inspirado en Andy Warhol, dice una frase de
Moria Casán, una diva argentina del teatro de revista y de la televisión: Te perjudicas, te hacés mal.
Esta retroalimentación entre autor teatral y actores modélicos -cercanos o no-, enriquece y amplía las posibilidades
relacionales de los personajes que se re-crean en la escritura del texto que se está gestando.
Una característica en común de las últimas piezas que escribí, es la de aprovechar el juego que deviene de la coexistencia de los diferentes grados de realidad de los personajes, los cuáles por sus distintas capas de lectura, pueden dar
lugar a un juego meta-teatral.
Lo que quiero decir es que en estos últimos juegos teatrales que escribí, coexisten como personajes de ficción:
a-Personajes que parodian a personajes ficcionales reconocidos -como Mónica Naranjo-,
b-Personajes que parodian a seres reales, no tan conocidos -como una jugadora de fútbol andinac-Personajes individualizados -un doctor, una enfermera, una directora de TV, etc-.
d-Finalmente, varios de estos personajes, confiesan que estaban realizando una estafa al espectador y eran sólo invasores que habían tomado esas personalidades como una máscara ante la cual presentarse.
Este juego meta-teatral no responde a un capricho estético, sino que es el resultado de analizar en profundidad cuáles
son las asociaciones por las cuáles he elegido la imagen de un actor referente “X”, como modelo inspirador que activa
el universo dramático en constante composición y descomposición. Para que la aparición de esos personajes no sea
banal intento comprometerme con la búsqueda de dinámicas de escena específicas, que generen patrones de comportamiento capaces de jugar con las reglas del juego que se está creando.
Durante este proceso de escritura, inspirado en la visualización de una posible escenificación, las reglas que sostienen
el juego teatral que está naciendo y los personajes que lo transitan están en constante tamización y reformulación.
Las piezas teatrales concebidas bajo este proceso de escritura, son difíciles de entender en una primera lectura, ya que
el escenario ha sido concebido como un todo dinámico y los procesos y acciones allí descriptas tienen un carácter muy
personal.
¿Cuál es la estética y la ética que reconozco en la escritura y puesta en escena de mis obras, hasta ahora?
Los textos de ritmo ágil son como vómitos y generalmente evocan una estética esperpéntica y grotesca donde la fisicalidad de los cuerpos es muy marcada.
Mayoritariamente escojo trabajar tragicomedias, en las que la utilización del lenguaje no verbal, reforzado por la clara
utilización codificada de la fisicalidad de los intérpretes, configura un elemento expresivo fundamental en la creación
de metalenguajes.
Las creaciones propias, al momento de ser escritas ya conciben una escenificación que desdibuja las líneas de separación entre el teatro, la danza y la performance. Esta síntesis poética ironiza con un humor agridulce sobre la crudeza
de la realidad, jugando impunemente sobre el territorio de lo patético y lo decadente. Los personajes que transitan
normalmente mi imaginario son seres especiales, que no son más que personas de carne y hueso que se fugan de sí
mismas. Seres reales que transitan por la vida como personajes que no son y caricaturas que viven inspiradas por el
aliento de la realidad.
Pienso, a su vez, que el lenguaje teatral que se imprime en una obra debe estar al servicio de un conflicto que se desarrolla delante de un tipo de espectador “X”. Esto debe ser tenido en cuenta a la hora de escribir y/o a la hora de poner
el producto en el mercado. Siempre me ha gustado escribir obras con la intención de incluir como receptor a un público
joven y no específicamente teatral, aún sabiendo que normalmente éste no se ve atraído por el teatro.
Esto me obliga a comprometerme con dos aspectos, uno ideológico y otro lúdico: por un lado quiero que la obra representada sea capaz de profundizar en la oscuridad de problemas actuales, mostrando la arista trágica que surge como
consecuencia de la capacidad destructiva inherente en el ser humano; por otro, quiero comprometerme con la parte
lúdica del teatro y hacer que éste sea un juego en el que el espectador participe a través del uso de su inteligencia.
Lograr que sus ojos gocen de una estética que esté relacionada con una belleza emergente del horror humano. Es por
esto que me gustan las tragicomedias en las que uno se puede reír ácida y dolorosamente de su capacidad de producir
horror como ser humano.
Quiero escribir y dirigir piezas que hagan partícipe al espectador, considerando que éste no viene sólo a escuchar o ver
una obra, sino a presenciarla, a vivenciar la acción teatral.
El dispositivo teatral debe incluir un lenguaje adecuado a la pieza que se presenta y debe estar al servicio de la activación de la existencia de ese fragmento de vida que se muestra al espectador. Es por ello que el dispositivo teatral, este
artilugio que re-presenta conflictos, pasiones, amores, desencantos, frustraciones desde mi óptica debe estar escrito
desde la escena y no para la escena.
¿Que el texto teatral esté re-escrito desde la escena, a partir de un proceso de fluctuación entre dramaturgo e intérprete, responde a una búsqueda de identidad teatral?
En mi caso sí, y trataré de explicar el porqué de esto poco a poco.
Confío profundamente en el trabajo conjunto del dramaturgo y los actores (esto no implica quitar importancia al director
y al público en este proceso de re-creación).
Hasta ahora he dirigido más obras escritas por amigos dramaturgos o por mí, que escritas por autores consagrados.
Esto es producto de mi formación o deformación en Argentina, donde he entrenado con directores que apuestan a que
cada artista sea creador, gestor y productor de su propio trabajo teatral.
Cuando trabajo un texto escrito por mí, me es necesario probar en escena con los actores ese mundo de leyes que he
imaginado y escrito, para comprobar tridimensionalmente cuáles son las fallas del sistema de relaciones creado y cuáles sus virtudes. Luego realizo las adaptaciones necesarias y es en esta parte del proceso, cuando cuento con la ayuda
de un dramaturgo y un asistente de dirección.
Existe un proceso quejumbroso de re-escritura del guión, lleno de aciertos y desaciertos, en el cuál éste sufre modificaciones devenidas de su puesta en escena. Los actores, desde la escena, a través de su improvisación y sus observaciones, activan el diálogo que mantiene vivo el vaivén de mutua excitación entre el triángulo de fuerzas representado por
el texto (o autor teatral), el actor y el público.
Por otra parte el proceso de retroalimentación entre ellos (actor, texto y público) sufre continuas transformaciones derivadas del intercambio de información, por tanto los procesos de escritura y actuación no son fijados de modo taxativo
aun cuando la pieza ha sido estrenada, con el fin de favorecer la evolución y la no mecanización de la misma. Esta es
una característica estética estable dentro de la dinámica de trabajo. Por tanto me interesa trabajar con actores que sean
flexibles, con la suficiente escucha como para recoger lo que sucede en este aquí y ahora de la función; y que, siendo
capaces de permanecer estables puedan improvisar, si es necesario, en un proceso que tiende a vehicular la verdad,
con el fin de evitar un teatro muerto.
Desde mi punto de vista, que el autor del texto teatral opere en el mismo campo de producción que el actor, es decir
desde la escena, trae como resultado que el texto y la improvisación actoral no estén planteados como una oposición.
Este vaivén de mutua excitación permite que el poder cultural al que hace referencia la pieza creada no responda sólo a
una moda que, muchas veces, responde a lo extranjero. A esto lo digo, claro está, como miembro de un país que durante
mucho tiempo ha despreciado su creación nacional o se ha auto-sometido a crear y generar un teatro que respondiera
al gusto de los grandes imperios económicos y teatrales.
La Argentina, tanto como los otros países latinoamericanos, formaba parte de un circuito de venta de un teatro llamado
teatro latinoamericano, género que hasta hoy se vende en festivales que apoyan la libertad del proletariado, teatro en
el que se ve a indios cristianizados felices y humildemente humanizados, expresando sus lamentos al son de flautas y
quenas, vestidos en pantalones cortos y camisas blancas mal abotonadas; en fin, representando un teatro panfletario
del indio colonizado, como diría Alberto Ure, teórico y director argentino.
A raíz de lo expuesto, pienso que esta voluntad de re-crear el texto previamente dibujado en casa, junto al actor, es
la oportunidad de redescubrir las voces de una identidad que me ha sido tapada por una forma que corresponde a lo
que, políticamente, debería ser correcto en el comportamiento de un sudamericano “clásico” dentro del circuito teatral
internacional.
Recién ahora comienzan a escucharse alaridos teatrales argentinos, y lamentablemente no digo latinoamericanos, que
comienzan a ser re-valorizados no sólo en el extranjero sino en el interior de mi propio país. Estas nuevas expresiones
teatrales son la contrapartida a la repulsión derivada del hecho de formar parte de un teatro llamado teatro latinoamericano. Y de una falta de identidad.
Estas expresiones teatrales juegan con una nueva forma. A veces, muestran una creación fractal, amena, con un contenido más bien básico, donde queda de manifiesto la intención lúdica del autor. Autor-es, que a veces, quieren impactarnos con la forma que adopta su inteligencia matemática, más que con el contenido de la obra en sí. Otros, jugando con
una forma más artesanal llenan el teatro de la llamada carne argentina. Lo bueno de estas nuevas expresiones, y de
otras no descriptas, es que hay una búsqueda de revalorización de lo autóctono, que permite alejarse de la responsabilidad de responder a una comparación con las formas y contenidos extranjeros. Muchas veces éstos tapan la identidad,
la expresión autóctona de cada creador, la lumpenizan y empobrecen. Entonces esto me lleva a la siguiente pregunta:
¿Qué haré yo, una argentina que continúa su formación en Europa?
Europa es un crisol de razas en la que existe un cóctel de elementos extranjeros que en muchos casos luchan para no
mezclarse bajo las publicidades de una integración social de una comunidad cosmopolita.
Esto ya es material de inspiración para una artista como yo, hablar de la extranjería. Pero no sólo de ser extranjero en
un país que no es el de origen, porque ya mi propio origen es, en herencia, poco puro; sólo uno de mis cuatro abuelos
es argentino así que no sé cuánto de alemana, de catalana y de italiana hay en mí. Mientras más descubra mi extranjería más podré hablar con humor de lo extranjero que es vivir en este mundo donde la política va en detrimento de los
derechos humanos al mismo tiempo que los clama como llamador de urna. Paradójicamente hablar de lo extranjero
que hay en mí es al mismo tiempo reconocer lo autóctono que tengo en este encuentro con Europa. Es manifestar lo
confortable que me siento cuando puedo ser extranjera a mis propias herencias culturales argentinas, y desde la distancia ser crítica para enriquecerme.
Por ahora, sólo así puedo devolver la deuda de gratitud que tengo para con mi propio ser extranjero, que es material de
inspiración teatral, volcán en el cual se funde la inspiración. Otros temas que me interesan son el abandono, la incomunicación, la violencia cotidiana de acción y aludida, el mundo de las fantasías eróticas, la falta de identidad, la soledad,
los mundos oníricos y simbólicos,… Quiero trabajar sobre los temas que manifiestan los límites actuales de nuestra
sociedad. Y no es que quiera hacer un teatro político, simplemente quiero reconocer que el teatro para mí no puede
distanciarse de una realidad política y social, aunque es fundamental presentarlo como un juego para que éste no deje
de divertir al espectador al mismo tiempo que lo obligue a utilizar su inteligencia y reflexionar.
¿Hay que tener en cuenta a la crítica teatral y al público?
Y…si, éstos son parte del público al que hay que conquistar. Conquistar para que ellos digan lo que nosotros queremos, porque tal vez queremos que hablen de nuestra obra como un material que no es para todo público, lo cual con
el sadismo desarrollado en nuestra sociedad actual provoca un gran llamamiento al público. La crítica del teatro hecha
por los medios funciona como una manta que hace apetecible o no el camino del espectador hacia una sala. Más profundamente, esto quiere decir, que la crítica manipula el gusto estético común, promueve mayor o menor prestigio a
ciertas piezas y con el tiempo a autores, actores, quienes inclusive, muchas veces, se rotulan, yendo en este modo más
allá de lo puramente artístico.
De la crítica depende que buena parte del público asista o no a una obra. En gran parte, de la crítica, dependen las giras
subsiguientes, las presentaciones a festivales, las futuras subvenciones que aseguran la continuidad del trabajo, la
productividad de nuestro arte.
Tener un éxito no es nada, sostenerlo es un trabajo.
La crítica teatral puede ser orientativa de la aceptación que tiene una pieza de arte, pero no definitoria de la estética
que se quiere mostrar.
Como autora o directora teatral en ciertos casos debo responder a un compromiso con la taquilla, con las instituciones, y
con un público. Es bueno saber esto, porque si no sucede, mi deseo de trabajar un teatro artesanal agujerea mi bolsillo.
Creo que hay que conocer muy bien al público para el que se va a trabajar. Preparar un menú para complacerlo, sin que
esto deje de lado la ética y la estética de las que he esbozado algunas aristas. Es decir, no querría participar en la dirección de una obra cuya ambición temática sea nula o banal porque creo que iría en detrimento de mi compromiso con
mantener vivo al teatro. El posible cumplimiento de este deseo radica en un compromiso ético y estético con el trabajo
de autor. Implica profundizar cómo entretener al público logrando que éste reflexione sobre algún aspecto relacionado
con su existencia.
Melina Pereyra
ESPACIO 4X6M APROX
“NEUTRO”:
· Fondo y suelo oscuro
· A la Italiana, con posibilidad de acceso por los dos laterales
ENTRADA
ENTRADA
Silla con ruedas
(de despacho)
Telón abierto
al medio
Minipimer
· Estudio de grabación.
· Aldea en los Andes
(elemento identificativo).
· Composición cúbica y
geométrica.
Trípode
ter d
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m ire
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CONCEPTOS ESPACIO
Cámara=
viseras
foco
intervencion pacientes
Triciclo
Parte traslúcida
con luz interior
Teléfono
Cartel
indicador
Cubo Madera
R
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Nae Móstiré
ran nic
jo a
Alargo
Cubo neutro
Cubo, que
contiene
objetos
(Soporte)
gong
Estructura de tres cubos
Pañuelo = Río
ACCESO PÚBLICO
REQUERIMIENTOS TÉCNICOS MÍNIMOS DEL ESPECTÁCULO
1M
SONIDO
L198
L198
L711
L198
· Doble lector de CD................1
· Micrófono de corbata...........1
· Monitores de sonido............2
LUCES
L170
L711
· Canales de dimmer.............18
· Focos totales.........................15
· Consola programable...........1
· Potencia de luz necesaria 18kW para 12 PC de 1kW y 3 recortes.
· La cía. provee 3 PAR 16 y una bola de cristal motorizada operados por
los propios actores.
MEDIDAS DEL ESCENARIO
· Como mínimo de 5x5 m. Sin bambalinas y con telón de fondo negro con
apertura en medio.
· Escenografía detallada en “Espacio físico y dramático”
· Duración de la pieza..............45 min
· Intérpretes..................................4
L154
L200
L219
L170
PAR 16
L205
L101
L200
L201
PC 1Kw
L170
L200
RECORTE
Dirección y dramatúrgia
Melina Pereyra
Intérpretes
Diseño y producción
de vestuario
Cía. Chroma
Juan Pablo Miranda
Neus Suñé
Karolina Górecka
Marta Teixidó Roldán
Colaboración artística
Ayudante de dirección
Maquillaje y
caracterización
Aimé Malena
Coreografía
Pedro Zlachevsky
Adriana Bellot
Salvador S. Sánchez
Paula Torres Giménez
Juan Carlo Castillo
Cía. Chroma
Fotografía
Iluminación
Diseño gráfico
Ricard Soler
Marcelo Garolla
Espacio escénico
y figurinismo
Producción
Eli Siles Jiménez
Julia López
Cía. Chroma
Asistencia de producción
Gabriela Marsal
Leila Barenboim
Como actriz y creadora de piezas propias en el año 1998 sentí
la necesidad de fundar una compañía. El objetivo era afianzar
la identidad y la poética que venía experimentando con los trabajos desarrollados hasta aquel momento.
Primeramente creé el dúo grotesco-cómico llamado NN CHAPEAU con el que desarrollamos una poética carnal enraizada
en las emociones, con una estética que apostaba por una fisicalidad distorsionada, el fin de esta mixtura era denunciar lo
grotesco de nuestra plástica realidad social.
Posteriormente creé, en Argentina, la Cía. Teatral LA NIT. En
aquel momento, fusioné mi trabajo teatral con Pedro Zlachevsky, entrenador argentino de alto rendimiento deportivo, quien
se dedicó al entrenamiento físico de los actores y bailarines.
Este hecho precisó y potenció la poética del cuerpo como elemento narrativo.
Juntos creamos y dirigimos los espectáculos SINTONIZA LA
NIT, LA NIT DEL PECAT, LA NIT PORTEÑA y LUZ EN LA OSCURIDAD, además de diversas presentaciones de piezas cortas
presentadas en el underground de la ciudad de Buenos Aires.
Debido a la crisis social que eclipsó el 2002, decidimos con Pedro Zlachevsky y Kiti Gilabert, miembro de la Cía. LA NIT, trasladarnos a Barcelona y comenzar una nueva etapa.
Ese mismo año, fundamos la Cía. CHROMA. Sus creaciones
desdibujan las líneas de separación entre el teatro, la danza
y la performance. Esta síntesis poética ironiza con un humor
agridulce la crudeza de la realidad, juega impunemente sobre
el territorio de lo patético y lo decadente. Los personajes que
transitan el imaginario de la compañía son seres especiales,
que no son más que personas de carne y hueso que se fugan
de sí mismas. Seres reales que transitan por la vida como un
personaje que no son y caricaturas que viven inspiradas por el
aliento de la realidad.
La compañía está integrada por intérpretes formados en disciplinas varias (teatro, danza, canto, máscara). Este hecho hace
que la interpretación cobre riqueza y flexibilidad a la hora de
concebir un trabajo teatral de humor ácido y peculiar que tamiza la visión de diversas culturas (española, polaca, belga, y
argentina) sobre una misma realidad.
“Tres invasiones japonesas”
· Festival Ulls, Palau de la Virreina, octubre 2009. Barcelona.
“Enero”
· (adaptación dramatúrgica del texto de Angélica Lidell para teatro y cine) Institut del Teatre de Barcelona, mayo
2009. Barcelona.
“Superpoderosas en Chupáte esa Laguna”
· Sala Beckett, noviembre, diciembre 2005. Barcelona.
“Quién los parió?”
· Bibliotecas de Barcelona y Espai Jove de L`Eixample 2007-08. Barcelona.
“Andrea Puma”
· Cova de las Culturas, Centre Cívic Can Fabre, Centre Cívic Torre Baró, 2005. Barcelona.
“Ese Limón inalcanzable”
· Centro Cívico Cotxeres Borrell, Centro Cívico Drasannes, abril, mayo 2005. Barcelona.
“Bigotudas”
· Milans y Human Fuzz, 2004-08. Barcelona.
“Ahora Sí”
· Circuito de monólogos realizados en Margarita Blue, Rita Blue, Varietès, Va de Vins, entre otros, 2003-04. Bar
celona.
“Flipando en Colorines”
· Sala Muntaner, marzo 2004. Barcelona.
· IV Concurso de Teatro Nou Barris en el Teatro Zona Nord, noviembre 2003. Barcelona.
· Programación del Centro Cultural Drassanes, noviembre 2003. Barcelona.
· Café- Teatro Llantiol, julio 2003. Barcelona.
· II Festival de Artes Escénicas de Poble Nou en el Centro Cultural Can Felipa, septiembre 2003. Barcelona.
· En evento para el “Día del Orgullo Gay”. Contratados por el Ayuntamiento de Terrassa. Catalunia.
“Flipando en Colorines” en formato Café- Teatro o danza.
· Festival Invictro, septiembre 2005. Vic. Barcelona.
· Marató del Espectacle 2003, 2003. Barcelona.
· Festival Insomni I, 2003. Barcelona.
· III Concurso de Monólogos del Raval, 2003. Barcelona.
· City TV, 2003. Barcelona.
· Centro Cultural Valentina, 2003. Barcelona.
· Margarita Blue, 2003. Barcelona.
· Domestic, 2003. Barcelona.
· Varietés, 2003. Barcelona.
· It, 2003. Barcelona.
· Otto Zuts, 2003. Barcelona.
· Nao Colón, 2003. Barcelona.
· Rita Blue, 2003. Barcelona.
· Firestiçu, 2003. Barcelona.
· L`Aroma, 2003. Villa Franca del Penedés.
· Va de Vins 2003. Villa Franca del Penedés.
· Primer premio otorgado por el jurado en el VII Concurso de Monólo-
gos del Raval. Monólogo “BURDA PARA MORENAS”. Pieza que pertenece
al Espectáculo Quien los parió? 2007 Barcelona.
· Seleccionado finalista en el 5 Premi d`Arts Escèniques
de Lleida con el espectáculo SUPERPODEROSAS en CHUPáTE ESA LAGUNA!. 2004. Barcelona.
· Primer premio otorgado por el jurado en el IV Concurso de Mo-
nólogos del Raval. Monólogo “La Chica Plástica”. Pieza que pertenece al
Espectáculo Flipando en Colorines. 2004. Barcelona.
· Primer premio otorgado por el jurado en el III Concurso de Monó-
logos del Raval. Monólogo “Conténganme, no me puedo contener”. Pieza
que pertenece al Espectáculo Flipando en Colorines. 2003. Barcelona.
· Primer premio otorgado por el público en el IV Concurso de Teatro
Nou Barris, con el Espectáculo Flipando en Colorines. 2003. Barcelona.
· Segundo premio otorgado por el jurado en el IV Concurso de Teatro
Nou Barris, con el Espectáculo Flipando en Colorines. 2003. Barcelona.
MELINA
PEREYRA
(DIRECTORA- DRAMATURGA)
Actualmente cursa la carrera de Dirección y Dramaturgia en el Institut del Teatre de Barcelona (IT). Estudió Dirección
Actoral con Alejandro Catalán. Cursos de dramaturgia con Rafael Spregelburg, Lluis Hansem, Càrol López, Javier
Daulte. Cursos de Dramaturgia de la Danza con Toni Cots y Victoria Spluzberg. Curso de Escritura Dramática con
Javier Daulte, Sala Beckett, 2003, España. Interpretación con Gabriela Izcovich, Manuel Lillo, Norman Briski, Montse
Esteba, Boris Rotenstein, Javo Rocha (Actor’s Studio), José Luis Arce, Gabriela Grosso, Sergio Coy y Graciela Ferrari...
entre otros. Danza contemporánea con Sol Picó, Cecilia Colacrai, Lola López Luna, Leticia Mazur, Pipi Onetto, entre
otros. Técnica vocal con Pilar Rebull, María Chemes. Cursos de Diseño y Confección de Vestuarios. Cursos de Maquillaje Teatral y Teatro- Danza.
Directora y Dramaturga de los siguientes espectáculos con la Cía. Chroma: TRES INVASIONES JAPONESAS, (Festival
Ulls, Palau de la Virreina, Bcn, 2009), SUPERPODEROSAS EN CHUPATE ESA LAGUNA (Sala Beckett, finalista en el 5
Premi D´ Arts Esceniques de Lleida Bcn, 2005), FLIPANDO EN COLORINES (co-dirección con Pedro Zlachevsky, Sala
Muntaner, Teatro Artenbrut, Llantiol, 9 Mostre de Teatre de Bcn -Nominación para Melina Pereyra a Mejor Actriz-, 1°
Premio del Público y 2° Premio del Jurado en el IV Festival de Nou Barris, 1° Premio III Concurso Monólogos del Raval,
II Premio en el IV Concurso de Monòlogos del Raval, Bcn, 2002-03-04), ESE LIMÓN INALCANZABLE (co-dirección
con Adriana Roffi, Centro Cìvico Cotxeras Borrell, Centro Cívico Drasannes Bcn, 2005), ANDREA PUMA (co-dirección
con Adriana Roffi, Cova de las Culturas, Centre Cívic Can Fabre, Centre Cívic Torre Baró, Bcn, 2005), AHORA SI (codirección con Pedro Zlachevsky, circuito de monólogos realizados en Margarita Blue, Rita Blue, Varietès, Va de Vins,
entre otros, Bcn, 2003-04), BIGOTUDAS (Milans y Human Fuzz, Bcn, 2004-08), ¿QUIÉN LOS PARIÓ? (Bibliotecas
de Bcn, 2008-09), ENERO (Dir. y adaptación dramatúrgica del texto de Angélica Lidell para teatro y cine, Institut del
Teatre de Bcn, 2009), FRAGMENTS (Centre Cívic Parc Sandaru, Bcn, 2009).
Creación y co-dirección con Pedro Zlachevsky de las siguientes piezas cortas de Teatro- Danza realizadas con la
Cía. La Nit: LA NIT PORTEÑA, SINTONIZÁ LA NIT, TRAMPA DE ARAÑAS, LUZ EN LA OSCURIDAD, LA NIT DEL PECAT,
GHOBLIN’ S NIGHT, GHOBLIN’ S ATTACK, WHAT THE FUCK? (Presentadas en Teatro Farabute, Teatro Calibàn, Niceto
Teatro, Club Woodoo, entre otros, Argentina, 1999-2002)
Intérprete en las piezas teatrales: RABIA (Dir. Ricard Soler Mallols, Institut del Teatre de Bcn, 2010), CICLO DE CINE
ULLS (entrevistadora y monologuista, Festival Ulls, Bcn, 2008-09). FRAGMENTS (Bcn, 2009), AHMOSIS I, AMENOFIS
IV, TUTANKHAMON (Dir. Carolina Llacher Institut del Teatre de Bcn, 2008), ESTÁS AHÍ (Dir. Jordi López Institut del
Teatre de Bcn, 2008), ¿QUIEN LOS PARIÓ? (Bcn, 2008-09), BIGOTUDAS (Bcn, 2004-08), SUPERPODEROSAS EN
CHUPATE ESA LAGUNA (Bcn, 2005), ESE LIMÓN INACANZABLE (Bcn, 2005), ANDREA PUMA (Bcn, 2005), FLIPANDO
EN COLORINES (Bcn, 2002-03-04), DONAM UNA OPORTUNITAT (Cía. La Jarra Azul, Dir. Cristina Cazorla, Festival
Hispano de Dallas, Teatro SAT y Centros Cívicos de Bcn, EUA-Bcn, 2004), NOCHES DE MIÉRCOLES (Dúo NN Chapeau,
Dir. Diana Baxter y Silvia Armoza Niceto Teatro, Argentina, 2001), LA PILETA (Dir. Pablo Quaglia, Teatro Del Otro Lado,
Argentina, 2000), CLÁSICO AMORAL (Dúo NN Chapeau, Dir. Carlos Lorca y Omra Chabán, Teatro Cemento, Argentina,
2000-01), NOCHES DE VIERNES (Dúo NN Chapeau, Dir. Diana Baxter y Silvia Armoza, Teatro La Ideal, Argentina,
2000-01), X MADRES HASTA V (Dir. N. Briski, Sala Madres de P. de Mayo y Teatro Calibán, Argentina, 1999), SR GALÍNDEZ (Dir. Norman Briski, Teatro Calibán, Argentina, 1999), TRES MUJERES Y TEXTOS BALBUCEANTES (Dir. Briski, Teatro Calibán, Argentina, 1999), BLUE JEANS (Dir. Briski, Teatro Calibán, Argentina, 1998-99), DESAPARECIDOS
- RECUERDOS LATENTES (Dir. N. Briski, Teatro Calibán, Sala Madres de P. de Mayo, P. de Mayo, 1998), IL VARIETÉ
(Dir. Sergio Coy, Teatro Candilejas II, Argentina -Espectáculo premiado por la Municipalidad de Córdoba, 1996-97),
MANY, MANY (Dir. Gabriela Grosso, Festival Nacional de Teatro de Córdoba, Argentina, 1996).
En cine realiza la dirección y la adaptación dramatúrgica de ENERO (guión original de Angélica Liddell, Bcn, 2010). Es
actriz en los cortometrajes: SILENCIO QUE DISCRIMINA (Dir. Carolina Pastor, Bcn, 2003). LA PASADA DEL METRO (Dir.
C. Pastor, Bcn, 2002), LA ESPERA (Dir. María Dondero, Argentina, 1999), MARIPOSITA MÍA (Dir. Griselda González,
Argentina, 1999), EL MENDIGO (Dir. Natalia Obatta, Argentina, 1998). En televisión trabaja como actriz en: LATIDOS
(Telefé, Argentina, 2001), RECETAS INMORALES (Utilísima Satelital, Argentina, 1998-99), NO SOMOS ÁNGELES (Video
Visión, Reportera cómica, Argentina, 1997). Rol protagónico en publicidades para TÉ LIPTON (para Estados Unidos,
Bcn, 2008), BOOTS (para Inglaterra, Bcn, 2008), AMENA (co-protagónica, Bcn, 2007), SONY (Argentina, 2001), PAÑALES DUMBO (Argentina, 2000).
JUAN
MIRANDA
(INTÉRPRETE)
Actualmente cursa Dirección Escénica y Dramaturgia en el Institut del Teatre de Barcelona (IT).
Inició su formación como actor en Argentina, en la Comedia Municipal de Quilmes, en el Instituto Superior del Teatro
Colón de Buenos Aires y en el Centro Cultural General San Martín. Realizó talleres con los maestros Alejandro Catalán,
Pompeyo Audivert, Rhea Volij, Casandra da Cunha, Claudia Dessi y Juan Carlos Miranda. Realizó cursos de producción
de espectáculos en la Walt Disney World University - Florida USA. Participó en el concurso Desafío joven patrocinado
por la empresa Shell, obteniendo el primer premio con el proyecto SAI (Studio de
Artes Integradas).
Como actor trabajó en:
TRES INVASIONES JAPONESAS (Dir. y dramaturgia Melina Pereyra, Cía. Chroma, Festival Ulls 2009), · GEORG Y SARAH O LA MUERTE DE MERSAULT (Dir. y dramaturgia Salvador S. Sánchez, Institut delTeatre, 2009), · ENERO (Dir. y
adaptación Melina Pereyra, Institut del Teatre, 2009), · PLAYBACK, EL GRITO DE LA VIRREINA (Cía. Teatro Lírico de
Muñecas, Bcn, 2008) · ¿QUIÉN LOS PARIÓ? (Cía. Chroma, Bibliotecas de Bcn, 2007), · BURDA PARA MORENAS (Dir. y
dramaturgia Melina Pereyra, Festival SET! y en el 7mo Concurso de Monólogos del Raval - 2do premio -, 2007).
En cine ha realizado como actor: el mediometraje ENERO (Dir. y adaptación de guión Melina Pereyra, 2009), · DE PLAZAS (Dir. y guión de Bruno Zaffora, 2008).
Ha dirigido en teatro: EL CADAVER DE LA NACIÓN (de Néstor Perlongher, El excéntrico de la 18vo, Bs. As, 2006-08)
· AVENTURA SIN FIN (Cía. Escena Pedigree, Bs. As, 2006), · MUSICIRCO (Cía. Colores primarios, gira por Argentina,
2003-06), · NOCHE DE SHOW (Cía. TIQ, Bs. As, 2003).
Ha sido asistente de dirección de:SING SING SING! (Cía. Divinas & D´Band, gira España, Egipto, 2008-09) · TAPGEA
(Cía. Divinas & D´Band, gira España, 2008-09). Co-dirigió las obras de Marcela Paoli: DELIKATESSEN HAUS (Clásica y
moderna, Bs.As, 2007) · ANIMAL PORTEÑO (Teatro del nudo, Bs.As, 2004).
Dictó seminarios de entrenamiento actoral en la Universitat de Barcelona (Jornadas de teatre formatiu, 2008), y en el
Taller de Marcela Paoli, (Bs. As 2004-07).
NEUS
SUÑÉ
(INTÉRPRETE)
Actualmente cursa el tercer año de Técnica Meisner con Javier Galitó Cava. Realizó los estudios de Deug en Arts et
Metiers du spectacle en la Universitée Paris VIII. Es licenciada en danza en el Institut del Teatre de Barcelona (IT). Se
ha formado en el Taller- escuela de Txiqui Berraondo y Manuel Carlos Lillo. Ha sido invitada en las escuelas CNDC
Angers (Francia) y Teatro San Martín (Argentina). Realizó numerosos cursos y stages profesionales en Bruselas,
París, Amsterdam, Geneve, entre otros. Estudia canto con Mónica Miralles.
Trabajó como intérprete en EXPLOTADHAS (Dir. Lorena Montenegro, Teatro de Baracaldo, 2009), · TRES INVASIONES JAPONESAS (Dir. y dramaturgia Melina Pereyra, Cía. Chroma Festival Ulls 2009), · THIS IS MY LIFE (Dir. Jordi
Fondevila, Teatre Lliure, Circuito de la Red, 2006), · GAGÁ (Dir. Marta Carrasco, TNC, 2005), · LA CASA DE SOFÍA (Dir.
La Fura dels Baus, Fira Milán, 2006), · ETERNO? ESO SI QUE NO (Dir. Marta Carrasco, TNC, 4ª Pared Madrid, giras
festivales nacionales e internacionales, 2007), · MIRA`M (Dir. Marta Carrasco, Mercat de les Flors, Romea, giras
festivales nacionales e internacionales, 2006), · BIGOTUDAS (Dir. Melina Pereyra, Milans, Human Fuzz, 2004-08),
FLIPANDO EN COLORINES (Dir. Melina Pereyra y Pedro Zlachevsky, Sala Mountaner, Artenbrut, giras en Bcn, Mostre
de Teatre de Bcn, 2002-04), · VAGUE ESTELLA DE L`ORSA (Dir. Miquel Gòrriz, Convent de Sant Agustí), · BAILAMOS?
(Cía. Semola, Mercat de les Flors, 2000), · BOCHORNO (Dir. Cisco Aznar, Théâtre de Vidy, Petit Théâtre, Suiza, 2000),
PETER FUNK (Dir. Cisco Aznar, Petit Théâtre, Suiza, 1999), · OX-OY (Dir. Francis Plisson, La Plejade de Tours, Francia,
1998), · LES ESPOUSÉES (Dir. Faizal Zeghoudi, T. de la Verrerie, Francia), · ST VALENTIN (Dir. Faizal Zeghoudi, T.
Glazart de París, 1997), · AGATHE (Dir. Isabelle Rius, Sale Domont, Francia), · ESTEM DIVINAMENT (Dir. Ramón Oller,
Principal de Valencia), · QUÉ PASÓ CON LAS MAGDALENAS? (Dir. Ramón Oller, Mercat de les Flors, Bcn, 1993), · SOLS
A SOLES (Dir. Ramón Oller, Bolzano, Italia, 1994).
En Cine trabaja en el largometraje FAQ (Dir. Carlos Atanes, 2005), en el cortometraje MAGICUS MAX (Dir. Federic Mas,
para Eurovisión TVE, 2006) y trabaja como intérprete en el videodanza LA FRICHE (Dir. Valeria Ardito).
Realiza la Asistencia de Dirección de VARIACIONES GOLDBERG (Dir. Ferrán Carvajal, Mercat de les Flors, Bcn, 2008).
Es coreógrafa en los siguientes espectáculos: ELECTRA (Cía. Prejost, Teatre de Torelló), CONTE D`HIVERN (Dir. Ferrán
Madico, TNC, 2007), TABULA RASA (Dir. Mey-ling Bisogno, L`Eglise de Remis, Francia, 2006), VOYEUR (Dir. Luciana
Carlevaro, Sala La Paloma, Bcn, 2005), THIS IS MY LIFE (Dir. Jordi Fondevila, Teatre Lliure, Bcn), EL BOSC DE FARUCARUM (Dir. Jordi Fondevila, Teatre Lliure, Bcn, 2006), LA NUIT (Cía. Les Templiers, París, 2007), MARCIA (Cía. Les
Templiers, París, 2008), Coreógrafa de la Cía. DEKADANCE durante dos temporadas en Francia. Realiza tareas de
ayudante de coreografía en AL OTRO LADO DE LA CAMA (Dir. J. Mª Mestres, Teatro de Baracaldo, 2004), EL PERRO
DEL HORTELANO (Dir. Magüi Mira, Teatro Condal, 2002), RONDA DE MORT (Dir. Ricard Salvat, Teatre Lliure, 2002).
MARTA
TEIXIDOR
(INTÉRPRETE)
Actualmente cursa Lincenciatura en Arte Dramático en el Institut del Teatre de Barcelona (IT). Curso intensivo “Jugando
con Shakespeare” con Simon Scardifield en el programa del “Festival Shakespeare” de Mataró (Agosto 2009). Curso de
experimentación con la voz y el canto con la cantante Mariona Sagarra en el Institut del Teatre de Barcelona (Febrero
2009). Cursó los tres años de la carrera de Comedia Musical en la Escuela Memory de Barcelona (2004 - 2007). Curso
de interpretación de la Ópera de los cuatro cuartos de Brecht con Jordi Boixaderas, y textos de Romeo y Julieta y Macbeth de Shakespeare con Ángels Gonyalons en la Escuela Memory (Julio 2006). Curso de preparación de càstings con
el director de càsting de TV3 Pep Armengol en la Escuela Memory (Julio 2005).
Como actriz trabajó en FREGUEM-NOS UNA MICA (de Octavi Egea con la Cía. Agitats Teatre, 2009-10), · TRES INVASIONES JAPONESAS (Dir. y dramaturgia Melina Pereyra, Cía. Chroma Festival Ulls 2009), · NOMÉS ÉS AMOR (de Octavi
Egea, 2009), · SOLO ES AMOR (de Octavi Egea, 2008).
Participa en INTO THE WOODS con el personaje de “Rapunzel” (dentro del programa “Primavera en el Heron City”,
2007). Actriz protagonista en el mediometraje ENERO (Dir. y adaptación Melina Pereyra, 2009), cortometraje ELECTRICIDAD SINTÁCTICA (Escuela de Cine Micro Obert de Bcn, 2005).
KAROLINA
GORECKA
(INTÉRPRETE)
Actualmente cursa la licenciatura en Dirección dramática en la Escuela Superior Nacional de Teatro de Cracovia,
Pañstwowa Wyzsza Szkola Teatralna. Dirección y Dramaturgia en el Institut del Teatre de Barcelona, dentro del
marco del Programa Erasmus. Master en Realización Audiovisual en la Escuela Superior Nacional de Comunicación
Audiovisual y Teatro “L. Schiller” de Lodz, Polinia (Pañstwowa Wyzsza Szkola Filmowa Telewizyjna i Teatralna im. L.
Schillera, 2005), Studium de actor (Lart Studio, Cracovia, 2004), Diplomada en Periodismo en la Escuela Superior “M.
Wankowicz” (Wyzsza Szkola Dziennikarskia im M. Wañkowicza Varsovia, 2003). Participó en varios stages teatrales
en Polonia Sundance Institut, Teatr Stary y OsrodekTeatralny- Remus.
En cine trabajó como actriz en el mediometraje ENERO (Dir. y adaptación de guión Melina Pereyra, 2009), realizó
películas documentales sobre la gente sin techo GIGANTE, ENCUENTROS, ME HE ENAMORADO, KUGLARZE (2003).
Trabajó para empresas como BAS-Studio (Varsovia, 2006-08), Experts-team (Varsovia, 2006), TVP.SA, C/ Woronicza (Polonia, 2002-03).
Como actriz en teatro realizó TRES INVASIONES JAPONESAS (Dir. y dramaturgia de Melina Pereyra, Cía. Chroma
festival Ulls 2009), DIOSAS DESNUDAS (Dir. Juan Carlo Castillo, Institut del Teatre, 2009), ENERO (Dir. y adaptación
Melina Pereyra, Institut del Teatre, 2009),
En teatro ha dirigido LULÚ (Basado en la obra de Frank Wedekind, Institiut del Teatre, 2009), OCEAN (Festival Internacional de Teatro, Tczew, Polonia, 2008), Coordina el grupo PODEST, realizando performances y happenings callejeros (Cracovia, 2005-07), Colabora con diversos espectáculos en el Centro Cultural de Ciudad Bialoleka (Varsovia,
2001-02).
AIMÉ
MALENA
(AYUDANTE DE DIRECCIÓN)
Licenciada en Artes Escénicas en la Universidad de París III Sorbonne Nouvelle, gracias a una beca otorgada por el
gobierno francés. Dirección y Dramaturgia en el Institut del Teatre de Barcelona (IT) dentro del marco del Programa Erasmus. Actualmente cursa el Doctorado de Artes de Artes Escénicas en la Universidad de París III Sorbone
Nouvelle. Cursos de movimiento con la Cía. Raravis (Bugé, 2009). Danza con Olga Tragant y África Navarro (Tragant
Dansa, 2009). Danza contemporánea con Dominik Borucki (La Poderosa, 2009). Taller de Creación Escénica con
Carmelo Salazar (La Poderosa, 2009). Body Weather con María Monsteny (Tragant Dansa, 2009). Escenificación con
Roger Bernat (Eòlia, 2008). Creación Escénica con Rosa Muñoz, Sergi Faustino, Sonia Gómez (La Poderosa, 2008).
Creación Coreográfica con Lyse Seguin (Universidad de París III, 2008). Hip-hop con Gabin Nuissier (2008). Dansa
Contemporánea con Gabriela Maiorino (Amsterdan, 2008). Títeres con Cía. Turak (Théâtre de la Cité Internationale,
2007). Títeres con François Lázaro (Cía. Clastic Théâtre, 2006). Interpretación con Analía Couceyro (Buenos Aires,
2006). Interpretación con Ricardo Bartís (Buenos Aires 2003), entre otros.
Dramaturgia de CIRC DE LA LLUNA (2010). Creadora i co- intérprete de TU ESTÁS AQUÍ (dirección Cristina Núñez, La
Caldera y Ca l`Estruch 2009-10). Asistente de Dirección de TRES INVASIONES JAPONESAS (Dir. y dramaturgia de
Melina Pereyra, Cía. Chroma festival Ulls 2009). Dramaturgia y dirección PROYECTO B (Nau Ivanov y Festival Sismo
Creación in situ, Matadero Madrid 2009). Intérprete en DÉPENDANCES (Universidad de París III, 2007), utilería y
técnica en DE MAL EN PEOR (Dir. Ricardo Bartís Festival de Tardor de París, 2007), intérprete de teatro de calle en la
Cía. Ivresse Publique (2005).
ELI
SILES
ESPACIO ESCÉNICO
Se licenció en la especialidad de Escenografía en el Institut del Teatre de Barcelona. Realizó cursos de Iluminación
de Espectáculos Escénicos (Asociación Artixoc, Barcelona, 2005) y cursos de Dibujo y Pintura (Escuela Davinci, Barcelona, 2004-05).
Trabajo en LA ÚLTIMA VEDETTE DEL MOLINO… (Nau Ivanov, 2009), GERMÁ PETIT ON THE ROCKS (De Aleix Aguilà,
Obrador de la Sala Beckett, Bcn, 2009), TRES INVASIONES JAPONESAS (Dir. y dramaturgia de Melina Pereyra, Cía.
Chroma festival Ulls 2009)
Realizó prácticas de figurinismo en LA CABEZA DE BAUTISTA (Mercé Paloma, Gran Teatre del Liceu, Bcn, 2009), actividades Interculturales con la associación AFRICAT (Senegal- Mballoucunda, 2009), DE POSTRES FRANÇOIS VILLON
(Por María Vera, Asso. Verins Escénics, Bcn, 2009), diseño de maquillaje para GUASSAKA 09, diseño de mascota
para parque infantil LA MAR DE DIVERTIT (St. Andreu, 2008), auxiliar de Producción, en el evento de la marca TEFAL
(productora Comunicación LB press, Bcn, 2008).
Regidora de escena en el espectáculo PEDRA I SANG (St. Cugat del Vallés, 2007-08), LA BICICLETA RING! RING! (Cía.
Pessic de Circ, Cerdañola del Vallés).
Trabajo en la Exposición de Arte Contemporáneo BAC´05, CUADRIENAL DE PRAGA (Praga, 2007), asistente de vestuario en el Teatre Lliure y en el FESTIVAL GREC (Bcn, 2007).
JUAN
CASTILLO
(COREÓGRAFO)
Actualmente, cursa la licenciatura de Coreografía y Técnicas de Interpretación en el Institut del Teatre de Barcelona.
Realizó seminarios de teatro y danza: Shizuku Danza Butho (Japón 2004), Unterwegs Theatre (CIA. Félix Ruckert,
Alemania, 2000), Odin Theater (Dinamarca, 1998), Danza Kathakali (India 1995). Asistió al V Encuentro Internacional
de Performance (Practicas indígenas contemporáneas y movilización comunitaria-Hemisferic de Performance y
Política, Brasil, 2005). Participó del intercambio cultural entre Drama Makina Producctions y Komilfó (Lille, Francia,
2001). Danza contemporánea en la escuela Danza Viva (1999-2001).Estudió teatro con el grupo Cuatrotablas, agrupación con la que organizó el IX Encuentro Internacional de Teatro de Grupo (Perú 1994-99).
Trabajó como coreógrafo en TRES INVASIONES JAPONESAS (Dir. y dramaturgia Melina Pereyra, Cía. Chroma Festival
Ulls 2009), IMÁGENES DEL PERÚ (PROM PERÚ, ITB, Berlín, 2004), PERÚ 4 MOMENTOS (Beijing, 2005).
Como perfomer y creador realizó PROCESO COMATOSO (Cia. Proceso, con el artista plástico y sonoro Emiliano Zelada, Madrid, Bcn, 2007-08), LA IMPORTANCIA DE CONTENERSE (Festival BackStage, Mercat de les Flors, Bcn, 2008),
8m16s y PeÇa Nro U (XXI Certamen Coreográfico de Madrid, Paso a 2, Concurso Nou Espiral - Girona, Certamen
Coreográfico de Sabadell - Barcelona” - donde consigue el 2do. Premio)
Es profesor de Técnica en Danza Contemporánea en el Centro de Formación Maxime D´Harroche, L´Aula de Dansa
y en Le Ball.
RICARD
SOLER
(ILUMINADOR)
Actualmente cursa Dirección Escénica y Dramaturgia en el Institut del Teatre de Barcelona (IT). Licenciado en Matemáticas por la Universidad Politécnica de Catalunya (UPC). Ingeniero Superior de Telecomunicaciones por la UPC.
Estudios de luminotécnica en ESTATE (UPC e IT). Curso dirección escénica: del texto a la escena con Gloria Balañá.
Curso de escritura dramática: Los mecanismos narrativos con Lluis Hansen. Titulado en flauta por el Conservatorio
Superior de Música de Barcelona.
Director del espectáculo de calle CIRC DE LA LLUNA (2010) y de una lectura dramatizada de L’AMANT de H.Pinter
(Kursaal de Manresa, 2009). Dramaturgo y Director de PRIVAT RESERVAT estrenada en el Magatzem de Tarragona y
seleccionada en la 14a Mostra de teatre de Barcelona (2009). Director de: OBRIM LES PORTES DE LA CIÈNCIA (2009),
FLAMENC CLOWN (2007), T’ODIO AMOR MEU (2005), RODOREDANT (2003). Iluminador y técnico de DIMECRES d’Aina
Tur (lectura dramatizada a la Sala Beckett 2010), TRES INVASIONES JAPONESAS (Dir. y dramaturgia Melina Pereyra,
Cía. Chroma Festival Ulls 2009), EVOLUCIÓ (de Aina Tur, dirección Esther Nadal, 2008), RE-PRESIÓN (Cía. Entropia
Zero, performance, 2008), INSERT COIN (Cía. Entropia Zero, cabaret, 2007), ADICCIONS (de Aina Tur, dirección
d’Esther Nadal, 2007), EXPRESAMIENTOS (poesía, dirección Esther Nadal, 2007), FUGADAS (de Ignacio del Moral,
dirección Jaume Mallofré, 2004). Programador del ciclo UN PASSEIG PEL TEATRE para la Diputación de Barcelona
(2007). Técnico de luces de UN TRAMVIA ANOMENAT DESIG (dirección Esther Nadal, Sala Muntaner 2009).
PEDRO
ZLACHEVSKY
(COLABORADOR ARTÍSTICO)
Co-fundador de la Cía. Chroma. Es Profesor Nacional de Educación Física (Argentina, 1990). Realizó el Curso Anual
de Entrenamiento Deportivo (U.B.A, 1995). Se formo en Interpretación con el maestro Manuel Lillo (Barcelona, 2006),
Norman Briski (Argentina, 1998-99), y en la Escuela Contemporánea de Mimo Dir. Willy Manghy (Argentina, 198384).
En teatro y cine trabajó en TRES INVASIONES JAPONESAS (Dir. y dramaturgia Melina Pereyra, Cía. Chroma Festival
Ulls 2009). Co-director de FLIPANDO EN COLORINES (Sala Muntaner, Teatro Llantiol y Festivales en Bcn, 2003-04),
Co-director de los espctáculos y piezas de la Cía. De Teatro-danza La Nit LA NIT PORTEÑA, TRAMPA DE ARAÑAS,
SINTONIZA LA NIT, LUZ EN LA OSCURIDAD, LA NIT DEL PECAT, GHOBLIN`S NIGHT, GHOBLIN´S ATTACK y WHATH
THE FUCH? (Argentina 2000-01). HIGRUÑA (Cía. Sarruga. Forum Barcelona, 2003-2004), largometraje HIMNOS (Dir.
Cristian Berbera, Bcn, 2003-04).
Trabajo como productor en SINNAMON PRODUCCIONES y SALAS RAZZMATAZZ (Bcn, 2003-2004), TRES TRISTES
STRIPTEASES (Cía. de Danza Damián Muñoz, España, 2003-04), OPEN DOORS (espectáculos de Danza y Conciertos,
España, 2003-04). Supervisión y coordinación de actores y modelos en ELENCOS y ELENQUITOS (Argentina, 199397), ANA JUAN PRODUCCIONES (Argentina, 1985-90).
Preparador físico de las actrices y bailarinas de las compañías CHROMA y LA NIT (Argentina-España, 2001-04).
Profesor de Educación Física en colegios universitarios, Clubes y piscinas de Natación (Argentina, 1988-2001). Preparador Físico con deportistas de alto rendimiento (Centro Nacional de Alto Rendimiento Deportivo CENARD, Argentina, 1997-2000). Preparador físico de rugbiers (Olivos Rugby Club primera división, Argentina, 1996), CLUB ATLÉTICO
INDEPENDIENTE y CLUB ARGENTINO DE ATLETISMO (Argentina 1984-1992), SECR. DE DEPORTES DE LA NACIÓN
(Juegos de la Juventud. Coord. De Área, Argentina, 1988), CLUB DE REGATAS LA MARINA (Canotaje y Kayak Olímpico.
Federado Nacional. Argentina, 1980-84).
617 51 25 28
Melina Pereyra Tel.:
Tel.: 669 24 79 69
Juan Pablo Miranda
hoo.com.ar
Mail: melinanit@ya
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