galeria 2001-2003 - Vidrioperfil.com
Transcripción
galeria 2001-2003 - Vidrioperfil.com
2001-2003 www.vidrioperfil.com GALERÍA de ARTISTAS es una página abierta al ARTE EN VIDRIO, dedicada a los artistas y artesanos más importantes y destacados del mundo que han plasmado su obra y su creatividad a través del VIDRIO como material de expresión. Desde el inicio de la publicación de Revista del Vidrio Plano e Industrias Afines hemos querido mostrar y compartir con los profesionales del Sector del Vidrio otras formas de creatividad y de expresión artística y artesanal, teniendo como referencia el material VIDRIO en sus múltiples facetas, técnicas y posibilidades. Entre y sumérjase en un mundo de sensaciones... Aquí sólo encontrará ARTE en VIDRIO. Índice pág. 32 Kazue Taguchi pág. 4 Karen LaMonte Marisa & Alain Bégou pág. 6 Frederic Morin + Salome pág. 34 Jean-Paul Raymond pág. 8 Dario Bartolini pág. 36 Franz Schönbeck pág. 10 Meeli Kõiva pág. 38 Carmelo López pág. 12 Maria Grazia Rosin pág. 40 Miguel Díez pág. 14 Eduardo Giuseppe Nieto Antonio Sciacca pág. 42 Anna Skibska pág. 18 Miriam di Fiore pág. 44 Matei Negreanu pág. 20 Silvia Levenson pág. 46 Julia Ares pág. 22 Ricardo Reh pág. 48 Edmée Delsol pág. 24 Severino Antonio Ribeiro Pereira pág. 50 Edward Leibovitz pág. 52 Michèle Lapointe pág. 28 Javier Gómez pág. 30 KAZUE TAGUCHI 4 Un océano de creatividad PUBLICADO EN EL Nº 81 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO (NOVIEMBRE DE 2003) Con motivo del Festival de les Arts del Penedès, que tuvo lugar en noviembre de 2000, Kazue Taguchi daba vida a esta instalación en la sede de las cavas Chandon, exactamente en un lago artificial que posee la firma en Sant Cugat Sesgarrigues (Barcelona, España). A pesar de que la obra debía permanecer allí durante un tiempo determinado, la compra de la instalación por parte de la compañía ha hecho que todavía hoy podamos visionar en directo la grandeza de esta obra. DATOS PERSONALES “He atado los sentimientos, encerrado uno en su interior mensajes escritos por amigos a uno en botellas de cava, que yacen está- y por ella misma en diferentes idiomas, ticas pero inalterables sobre el agua”. entre ellos inglés, árabe, indú, japonés, En esta obra Kazue Taguchi, artista japo- catalán y castellano; incluido un pliego de nesa afincada en Barcelona (España) desde cartas de amor. Las botellas, conectadas hace seis años, ha aunado los dos materiales entre sí con hilo de nylon y pegadas con sili- más socorridos de su obra: papel y vidrio, y cona, se agrupan formando siete figuras ha dado respuesta a uno de los enigmas que orgánicas, siete islas de un mismo archi- persiguió a la artista durante su infancia. piélago que flota sobre un mar de 3.600 m2. “Cuando era pequeña e iba a la playa, mira- Kazue ha conseguido hacer realidad su ba fijamente a lo lejos para encontrar, aunque sueño al comunicarse con todas las cultu- fuera, un trocito de continente”. ras, al llegar a todos los países mediante el De niña siempre tuvo un latente deseo de lenguaje universal del arte. comunicarse con otros lugares y otras gentes Ahora vislumbra ante sí un océano de diferentes a ella y que hablaran otros idiomas, creatividad, en el que se sumerge para pero la lejanía se lo impidió durante años. engendrar todas sus obras. Por este motivo, Kazue pensaba “escribiré cartas, las meteré en botellas y pondré mi dirección. Después las tiraré al mar, a ver si Varios años después, y a miles de kilómetros de su Japón natal, Kazue daba vida 2.000 botellas de cava vacías que albergan EXPOSICIONES COLECTIVAS • 2003: Col.legi d’Aparelladors i Arquitectes Tècnics de Barcelona, “Nou Vitrall” (Barcelona, España). • 2002: Gallery Artnovo (Brujas, Bélgica). - Gallery Montcada Taller (Barcelona, España). - Theater Mercat de les Flors (Barcelona, España). - GAS Conference “Emerging Artists from Europe” (Amsterdam, Países Bajos). • 2001: Galería Espai Vidre (Barcelona, España). - Gallery Chuwa (Tokyo, Japón). • 2000: “Paris Photo 2000” (París, Francia). - Gallery Paloma Dotze (Barcelona, España). - Museo del Vidrio “Diez años de formación en vidrio” (Segovia, España). - Instalación en Chandon “Festival de les Arts 2000”. (Barcelona, España). - Gallery Espai Vidre “Glass Toy” (Barcelona, España). • 1998: Metropolitan Museum of Ibaraki (Ibaraki, Japón). COLECCIONES me contestan”. a esta original instalación formada por • 1975: Nacimiento de Kazue Taguchi en Mito (Ibaraki, Japón). • 1993-97: “Joshibi University of Arts and Design” (Kanagawa, Japón). Clase de pintura al óleo y litografía. • 1997 - : “Fundació Centre del Vidre de Barcelona”. Curso de Vidrieras contemporáneas, Diseño y Decoración, Formas en Horno y Fusing (Barcelona, España). • 2000: Monográfico vidrio soplado “Fundación Centro Nacional del Vidrio” (Segovia, España). • 2000: Monográfico Lampworking “Fundación Centro Nacional del Vidrio” (Segovia, España). www.kazuetaguchi.com - Moet Hennesy Spain, Chandon S.A. (Vilafranca del Penedès, Barcelona, España). - Hotel Chateau Frontenac (Quebec, Canadá). - Sres. Huard (Quebec, Canadá). - Xavier Osarte (Barcelona, España). 5 marisa & alain bégou Una expresión de amor Cada una de las creaciones de Marisa y Alain Bégou es fruto del amor y la convivencia. El vidrio hace las veces de punto de reflexión entre ambos. El éxito en la vida de estos artistas reside en su lucha constante contra la monotonía y la demostración de que nada es imposible. Trabajan conjuntamente en silencio porque algo grande va a suceder. 6 FRÉDÉRIC JAULMES Pieza de la serie basada en huellas en el desierto (1998). Tamaño de 39’6 x 32 cm. PUBLICADO EN EL Nº 80 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO (SEPTIEMBRE DE 2003) El taller de Marisa y Alain Bégou, ubicado Pieza realizada en 1987. Tamaño 21’5 x 21’5 cm. en Villetelle (Hérault, Francia), es un lugar parecido a ellos, abierto y sereno. Sus 32 años de convivencia han hecho que se comuniquen sin palabras y se fusionen en cada una de sus EXPOSICIONES INDIVIDUALES obras, impregnadas a su vez de la capacidad comunicativa de él y la sensibilidad de ella. La singladura común es fruto de tenacidad, atrevimiento, talento y libertad. “En la creación debes asumir riesgos, luchar contra la monotonía y comprobar que nada es imposible”. tas de los más ilustres museos y salas de exposiciones del mundo occidental. Para este tándem de artistas mezclar FRÉDÉRIC JAULMES Desde que se conocieron han ido forjando un camino que les ha abierto las puer- amor y profesión ha sido la mejor fuente de Pieza sobre la noche realizada en 1998. Tamaño 40’5 x 35’1 cm. inspiración, cada obra es un claro acto de entrega en el que cada uno aporta lo mejor. ejecuta las formas, sopla el vidrio por la mañana y ella lo decora por la tarde, crea unas composiciones con polvos de vidrio sobre una lámina que posteriormente él adhiere a la superficie del vidrio caliente. Marisa pinta y decora con libertad aunque sionan los límites que me impone el vidrio, de FRÉDÉRIC JAULMES Para él, la innovación reside en ella; para confiesa que la comparte con fuego, “me apahecho los necesito, ellos dictan mis movi- Pieza de la serie basada en un paseo por un campo de amapolas (1998). Tamaño 45’7 x 31’3 cm. mientos”. Pero siempre espera que una vez finalizada, “la pieza desencadene mis emociones”. Marisa acompaña a Alain mientras realiza el soplado del vidrio, quien apuesta por cada retazo artístico. “No puedes saber si una cosa saldrá mal antes de que esté acabada”. Para Alain la técnica del soplado es una sólo que requiere ciertas habilidades técniPor su parte, el vidrio es “un medio sincero y transparente, cada pieza es única y tiene FRÉDÉRIC JAULMES forma de expresión como cualquier otra, cas que invaden de libertad a su poseedor. • 1998: Galería Sanske, Zurich (Suiza). - Espace 54, Nancy (Francia). - Galería H-D. Nick, Aubais (Francia). • 1997: Galería Polack, Montpellier (Francia). - Galería D.M. Sarver, Lyon (Francia). • 1996: Galería “13”, Rennes (Francia). - Galerie J. Betton, Lyon (Francia). • 1995: Salón Internacional de Arte Contemporáneo, Estrasburgo (Francia). - Galería Polack, Montpellier (Francia). - Galería D.M. Sarver, París (Francia). - Galería Chapelotte, Luxemburgo. • 1994: Galería D.M. Sarver, 982 Transparencia de Arte en Venecia, Zitelle (Italia). • 1993: Galería Viguerie, Toulouse (Francia). - Galería J. Betton: Salon des Antiquaires, Lyon (Francia). - Galería Polack, Montpellier (Francia). • 1992: Galería 13, Rennes (Francia). - Galería Anne Laroche: Europ-Art, Génova (Italia). - Galería J. Betton, Lyon (Francia). EXPOSICIONES COLECTIVAS Marisa diseña los modelos mientras Alain ella, la creación es fruto de él. DATOS PERSONALES • 1945: Nace Alain Bégou en Drôme (Francia). • 1948: Nace Marisa en Italia. • 1979: Alain y Marisa crean su propio taller en Villetelle (Hérault, Francia). su propia alma”. Pieza de la serie basada en un paseo por un campo de amapolas (1998). Tamaño 38’4 x 38 cm. “Cuando hacemos una pieza extraordinaria • 1998: Galería Sophie et Gérard Capazza Cardin (Paris, Francia) - Galería Sanske: “Aperto Vetro Venézia” (Italia) y Int. New Art Forms, Chicago (EE.UU.) • 1996: “Aperto Vetro Venézia”, Musée Correr, Venecia (Italia). • 1995-1996: Couleurs et transparences, Museo de la Cerámica de Sèvre y Museo de Dunkerque (Francia). • 1993: “Espace 54: Liberté du Verre”, St-Diédes-Voges (Francia). • 1992: Générale de Banque, Liege (Bélgica). - “Glass now 92”, Yamaha Hamamatsu (Japón). • 1991: “Internationales Studioglas, Kunsthaus am Museum”, Colonia (Alemania). - “Europaïsches Kinsthandwerk 91”, Haus der Wirtschaft, Landesgerwerbeamt BadenWürttemberg, Stuttgart (Alemania). - “Chefs d’oeuvre du Verre Français XIXe -XXe siècle”, Museo de las Artes Decorativas de Praga (República Checa). - “Chefs-d’oeuvre de la verrerie et de la cristallerie française au Musée des Arts Décoratifs, 1800-1900”, Suntory Muséum de Tokio (Japón). • 1990: “Neues glas in Europa, Kunstmuseum”, Düsseldorf (Alemania). - “Glas Van Drinkbeker Tot Kunstobject provincialal museum Sterckshoft”, Amberes (Bélgica). - “Glass Now, 90”, Yammaha Hamamatsu (Japón). - “Glas-Métamorphosen, 90”, Galerie Kunsthandwerk, Colonia (Alemania). • 1989: “Glas Now, 89”, Yammaha Hamamatsu (Japón). - “Glas Métamorphosen, 89”, Rolandsek (Alemania). • 1986: Matsuya, Tokio (Japón). - “Hommes de verre”, Hotel de Sens, París (Francia). - “100 ans de verre fraçais”, Seúl (Corea del Sur). • 1985: “L’art du verre en Europe”, Cobourg (Alemania). • 1982: “New glass”, Museo de las Artes Decorativas, París (Francia). es algo que los dos sabemos inmediatamente COLECCIONES PÚBLICAS y la tensión crece en el taller”. Para la pareja • Museo de las Artes Decorativas, París (Francia). • Museo de Vidrio Sars-Poteries (Francia). • Museo de Vidrio y de Cristal, Meisenthal (Alemania) • Museo de Bellas Artes, Boulogne-sur-Mer (Francia). • Museo de las Artes Decorativas, Bordeaux (Francia). • Fondo Nacional de Arte Contemporáneo, París (Francia). • Smith Sonian Institution Cooper Hewit, Nueva York (Estados Unidos). • Museo de la Cerámica, Sèvres (Francia). • Fondo regional de Arte Contemporáneo de la Alta Normandia, Rouen (Francia). • Kuntsmuseum de Düsseldorf (Alemania) • Museo de Arte Contemporáneo de Niza (Francia). • Région Languedoc-Roussillon. se trata de una prueba de alquimia, la perfecta armonía entre formas y colores. “No decimos ni una palabra, trabajamos en silencio, sabien- www.begou-ma.com FRÉDÉRIC JAULMES do que algo incontrolable pasará”. 7 Danse sous le soleil (1999) Vidrio óptico, tallado, grabado al chorro de arena y dorado. 90 x 120 x 35 cm. Jean-Paul Raymond 8 DIVERSIDAD EN FORMAS Amparado en las propiedades y características del vidrio óptico, la obra actual del artista Jean-Paul Raymond es una clara alegoría a las formas humanas. El tallado, el grabado y el collage son sus principales aliados en cada una de sus cruzadas artísticas y creativas. Visage de femme (2002) Vidrio soplado en molde, grabado, con base de metal. 70 x 50 cm. Le Temple (2001) Vidrio óptico, tallado, grabado al chorro de arena, dorado. 60 x 60 cm. PUBLICADO EN EL Nº 79 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO (JULIO DE 2003) Le Poisson (1999) Vidrio óptico amarillo, tallado, grabado al chorro de arena, dorado. 20 x 50 x 30 cm. JEAN-PAUL RAYMOND Nacido en Brive (Francia) en 1948. Formación: • 1967-1974 Estudios en Burdeos. • 1976 Primer contacto con el vidrio en el taller de Walter Couffini. Actividades: • 1977 Taller en la Región de Angulema (Francia). • 1980 Taller en Montcaret (Burdeos, Francia). • 1993 Vive y trabaja en Colonia (Alemania). La trayectoria de Jean-Paul Raymond está vinculada a los primeros talleres para el plena armonía lo que yo no había sido capaz de decir, gravar, hacer, diseñar...”. trabajo del vidrio asentados en el Suroeste de Tomando como base el vidrio óptico, el Francia, en unos parajes rodeados de natu- Jean Paul maduro, que ha conocido ya todas raleza, que se convertiría en una inagotable las técnicas, se decanta por el tallado, el gra- fuente de inspiración para el artista. bado y el collage. “El tallado me fascina, es Su primer contacto con el vidrio tuvo lugar genial dentro de su simplicidad. Con la ayu- en un precario taller donde aprendió la téc- da de un cincel se puede golpear exactamente nica del soplado entre los años 1976-90. De la zona escogida del bloque y obtener frag- esta época le quedan al artista muchos mentos y conseguir así la forma deseada”. recuerdos y algún que otro frasco de perfume, copas y vasos. Por su parte, el grabado “me atrae, al igual que le ha sucedido a numerosos artistas para La construcción en la zona de otro taller el trabajo de la piedra y el metal”. La sensa- supuso un cambio cualitativo en sus obras. ción de penetrar en estratos es exultante y Ahora, persiguen la narración. Para ello permite obtener los efectos de alto y bajo incorpora a su acervo artístico otras técnicas relieve. como el grabado y el arenado. Sus primeras Para el artista, el collage aporta un cierto obras englobadas en esta tendencia son los eco del mundo cotidiano que le rodea. “Lo discos o platos. En 1986 sus trabajos recogen el efecto de aplico en mis obras de vidrio óptico en las que las imágenes coloreadas de rostros y de cuer- la bidimensionalidad. La yuxtaposición de pos atrapados dentro de su contemporanei- imágenes simbólicas y paisajes, fruto de algu- dad, atenuando el rigor de las piezas arqui- nos de sus momentos oníricos o de paseos y tectónicas en las que se inscriben”. lecturas, consiguen transmitir esta sensación en cada una de sus creaciones. El universo proyectado de Jean-Paul Raymond está poblado de figuras humanas A partir de la década de los 90 Jean-Paul y, a veces, también de animales de largas entra en una “nueva dimensión”. A partir de extremidades, esbeltas y diáfanas. Sus obras entonces sus obras unen diversos planos de están repletas de detalles faciales, ojos, nari- lectura y permiten, incluso reclaman, distin- ces, pelos, perfiles, motivos y ornamentos de tas posibilidades interpretativas: abstracción otras culturas, por lo general prehistóricas o y figuración. Empieza su dilatada trayectoria no europeas. con la tridimensionalidad. Ya en Colonia (Alemania), donde se construyen dos nuevos talleres dedicados al trabajo con el bloque de vidrio, entra en contacto con otras técnicas que amplían su lenguaje artístico: cincelar, grabar, esculpir... ”La cuestión era encontrar un camino, una técnica capaz de expresar en www.jeanpaulraymond.com Exposiciones individuales: • 2003 Museo de Arte en Vidrio de Alcorcón (MAVA) (España). • 2003 Westerwaldmuseum, Höhr-Grenzhausen (Alemania). • 2001 Galería Uta Klotz, Colonia (Alemania). • 2000 Glasmuseum Rheinbach (Alemania). • 1999 Galería L’Eclat du Verre (París, Francia). • 1999 Galería Uta Klotz (Colonia, Alemania). • 1998 Galería Place des Arts (Montpellier, Francia). • 1997 Galería Peters (Paderborn, Alemania). • 1996 Glass Art Center (Schalkwijk, Países Bajos). • 1995 Galería Place des Arts (Montpellier, Francia). Exposiciones colectivas: • 2002 Masters in Glass, Meditaties IV (Roermond, Países Bajos). • 2001 Galería Place des Arts (Montpellier, Francia). Galería Unter Giebeln, Uta Goppelsröder, (Bretten, Alemania). • 2000 Glass 2000, Glasmuseum Immenhausen, (Alemania). • 1999 Silencium (Roermond, Países Bajos). Galería Uta Klotz (Colonia, Alemania). Galería Hermann (Drachselsried, Alemania). Galería M.R. (Angouleme, Francia). • 1998 Château de Delle (Francia). Le Verre dans tous ses Etats”. Château de Beychevelle (Francia), con la Galería L’Eclat du Verre. CCAA Galería (Colonia, Alemania). Galería Hermann (Drachselsried, Alemania). • 1997 An 2000, 2000 Lumiéres, Château de Bouillants, Dammarie les Lys (Francia). Galería Art du Verre Chapelotte (Luxemburgo). Glassymposium Lauscha (Alemania). Galería Hermann (Drachselsried, Alemania). Glassymposium (Novy Bor, República Checa). Suche nach dem Licht der Welt, Glasmuseum Immenhausen (Alemania). • 1996 Sofex, Feria de Arte Contemporáneo (Estrasburgo, Francia). Color y Transparencia. Museo Nacional de la Cerámica, Sèvres y Dunkerque (Francia). Art de Vivre - Artistas modernos y culturas primitivas (Austria, Suiza). Galería Stölting (Hittfeld, Alemania). Color y Transparencia. Museo Nacional de la Cerámica (Sèvres, Francia). Obras en museos: • Alemania Glass Museum Immenhausen. Glass Museum Frauenau. Glass Museum Lauscha. Glass Museum Veste-Coburg. Glass Museum Rheinbach. • España Museo de Arte en Vidrio de Alcorcón, Madrid. • Francia Museo de Artes Decorativas (París). Museo-Taller de Vidrio (Sars-Poteries). Museo Nacional de la Cerámica (Sévres). • Estados Unidos Irvin Borowsky (Filadelfia). 9 FRANZ SCHÖNBECK Algo tan simple como pegar piezas de vidrio roto sobre otra lámina de vidrio. Éste es el trabajo artístico desarrollado por el alemán Franz Schönbeck que, con laboriosa metodología y una gran dosis de talento creativo, capta retazos de realidad atrapados al instante. 10 We are strong in partnership. (Somos fuertes en compañía, 2001). Dimensiones: 40 x 50 cm. La vida VIDRIO a VIDRIO PUBLICADO EN EL Nº 78 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO (MAYO DE 2003) Connection. (Conexión, 2001). Dimensiones: 40 x 50 cm. The time is running. (El tiempo pasa, 2000). Dimensiones: 50 x 70 cm. Como un niño que juega inocentemente Desde su despertar al mundo del vidrio en con piezas de vidrio roto superpuestas, Franz el año 1998, Schönbeck rompe los esquemas EXPOSICIONES 2003 • National Liberty Museum Glass, Filadelfia (Estados Unidos). • “Alles in Sachen Glas”, Gallery Müntz, Düsseldorf (Alemania). • “Broken glass” (“Vidrio roto”), Inspiration Touch, Solingen (Alemania). • “Feeling” (“Sentimiento”), GlasKon 2003, Feria de Munich (Alemania). • Museo del Vidrio de Immenhausen (Alemania). Exposición colectiva. • Int. Exposición del Año del Vidrio de St. Gilles, Bruselas (Bélgica). • Conferencia de la Glass Art Society Conference, Seattle (Estados Unidos). • Int. Glassart, Horn (Países Bajos). • “Formensprache”, Weru AG, Rudersberg (Alemania). 2002 • “Clear purpuse”, Galería Spiegel, Porta Westfalica (Alemania). • “Glass in Historic Light”, Int. Glassart, Horn (Países Bajos). Exposición colectiva. • “Feeling” (“Sentimiento”), Glasstec 2002, Düsseldorf (Alemania). • “Broken glass” (“Vidrio roto”), Combo Design, Roermond (Países Bajos). 2001 • “Broken glass pictures” (“Cuadros de vidrio roto”), Kaarst (Alemania). • “Clearness Fascination” (“Fascinación de la claridad”), Museo de vidrio Gernheim, Petershagen (Alemania). • “How the glass form the light” (“Cómo el vidrio da forma a la luz”), Rudersberg (Alemania). Exposición colectiva. 2000 • “Clearness fascination” (“Fascinación de la claridad”) Galería Gross, Kaarst (Alemania). • “Clearness fascination” (“Fascinación de la claridad”), Glasstec 2000, Düsseldorf (Alemania). Schönbeck (1946, Düsseldorf, Alemania) ha establecidos con un modus operandi que se hallado un nuevo camino para el arte en distingue de las otras técnicas artísticas exis- vidrio. Sus murales vítreos retoman la técni- tentes. Tras quebrar las piezas de vidrio float ca del collage para llevar las cualidades inhe- transparente adhiere cuidadosamente los rentes del vidrio, la transparencia y la fragi- fragmentos sobre otra hoja de vidrio que hace En una primera etapa, Schönbeck trabajó lidad, a su punto más álgido. las veces de marco. En este proceso emplea con un única capa de fragmentos pero ahora La inspiración proviene de “ver las piezas desde siliconas hasta los más sofisticados lo hace con dos capas, lo que confiere el relie- rotas de vidrio float transparente. La brillantez adhesivos ultravioleta que, con el uso de una ve al cuadro. De esta manera, la figura se ele- de los diferentes fragmentos alimentaron la lámpara especial, dotan la pieza final de va y los cantos de las piezas de vidrio, rotos idea de crear este nuevo diseño en arte en mayor consistencia. Los restos de adhesivo arbitrariamente o cortados voluntariamente, vidrio. El reto más importante era trabajar úni- son eliminados con un limpiador especial. delimitan los trazos de la imagen. Esta técni- camente con las características propias del Una vez grabada la firma del autor, visible a ca es un reflejo de la dilatada experiencia del vidrio, mostrar la claridad y la fragilidad del la luz de un foco, el mural debe reposar autor en el terreno del diseño gráfico. material con la ayuda de una luz tenue”. durante un día entero. Unmindfulness. (Caso omiso, 2002). Dimensiones: 40 x 50 cm. Facing oneself exceeding wise. (Extremadamente cuerdo, 2002). Dimensiones: 40 x 50 cm. Recientemente, tal y como pudieron ver los asistentes a la pasada edición de Glasstec, el artista presentó su nueva serie “Feeling” (Sentimiento), donde incorpora fragmentos adicionales de vidrio de color. Por lo que respecta a las temáticas, Schönbeck explica que “los fragmentos de vidrio reflejan el genio negativo de un periodo que se extiende a través del terror, la violencia, la destrucción y las diferencias sociales”. Éste es el fondo de los mensajes visuales de un autor que se considera “optimista” y que intenta advertir a través de su obra que “lo negativo puede desarrollarse a partir de lo positivo”. Vidrio a vidrio, con la permanencia del contorno dibujado a media luz, Schönbeck vuelve la vista a retazos de la cotidianidad. Franz Schönbeck Rheinstrasse, 50 41564 Kaarst - Alemania Tel. y Fax: +49 2131 668345 11 12 FOTOGRAFÍA RALF BAUER CARMELO LÓPEZ Carmelo López contempla una de las figuras que integran su obra Niñas, Niña II (2002), realizada como todas sus creaciones en pâte de verre. Las dimensiones de esta pieza son de 33 x 18 x 26 cm. EL VIDRIO EN MOVIMIENTO La figura Hombrecitos III, núm. 3 (2002), de dimensiones 10 x 25 x 23 cm., yace sobre una base de aluminio de 40 x 40 cm. PUBLICADO EN EL Nº 77 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO (MARZO DE 2003) FOTOGRAFÍA RALF BAUER Congelar el movimiento humano y perpetuarlo. Esta es la premisa que rige la obra de Carmelo López, artista canario afincado en Alemania. El vidrio, el elemento que mejor consigue expresar esta sensación. Sus creaciones, auténticos fotogramas en vidrio. Muestra de seis piezas de la instalación Isla (2000), que recoge diferentes movimientos y posturas humanas. La gran temática de la obra de Carmelo López (Gran Canaria, España, 1964) es la figu- pudiendo éste contemplar algo de cerca que intenta emular una realidad lejana. ra humana en movimiento. El artista intenta Carmelo reconoce no tener una respuesta plasmar en sus esculturas y creaciones un aná- clara a sus representaciones y obras. A pesar lisis de esos momentos de impás que tienen los de que muchos de sus espectadores ven en sus cuerpos en acción, siempre referidos a aque- obras evocaciones a la danza, a la teatralidad llos instantes en que afloran y entran en juego o a sentimientos contradictorios, e intentan la seguridad, la fragilidad, el equilibrio y las ten- buscar una literatura expresiva más definida. siones. “Aquello interno e íntimo que, en un ins- Cuando Carmelo engendra y da vida a sus tante determinado y sin importar el motivo, se figuras “no hay una voluntad de provocar inter- pone en cuestión”. pretaciones, sino más bien de dar pie a algo Carmelo realiza todas sus obras en vidrio, empleando para ello la técnica del pâte de verre. Para el artista, el vidrio es un material más básico y propio del cuerpo, algo que aún permanece en la esencia del movimiento”. Con otras de sus obras maestras, Anna y Las que reúne muchas cualidades. Al tratarse de Niñas, Carmelo desea afrontar esos mismos un líquido solidificado, simula estar siempre en momentos de impás que con Los hombrecitos, BIOGRAFIA • 1964: Nace en Gran Canaria (España) • 1983-88: Estudios de Bellas Artes en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona. Licenciado en Escultura. • 1988-91: Trabaja como escultor para “Creaciones Arpa”. • 1988-97: Estudia y trabaja Psicomotricidad Educativa (Barcelona) • 1992-95: Formación en vidrio creativo (Centro del vidrio de Barcelona). • 1999: Traslada su taller a Colonia (miembro de CAP 3 (Clouth Art Projekt). • 2000: Nacimiento de su hija Anna. • 2001: Miembro de la asociación de artistas del vidrio Nort Westfalia NPW (www.glaskunst.nrw.org). EXPOSICIONES • 2002: GKV; Glasstec 2002, Feria Internacional Düsseldorf (Alemania). CAP 3 Talleres abiertos (Colonia, Alemania). Arte español, Landdrostsi, Pinnerberg. Glasplastik und Garten 4, Munster (catálogo). Blickachse, Worms. • 2001: Glasrijk Tubbergen, Holanda (catálogo). Weru-Glaskunstpreis, Rudersberg. CAP 3 Talleres abiertos, Colonia. • 2000: Galerie Barroco I, Colonia. Glasplastik und Garten 3, Munster (catálogo). CAP 3 Talleres abiertos, Colonia. • 1999: CAP 3 Talleres abiertos, Colonia. • 1996: Real Fábrica de Vidrio de Segovia (España). • 1995: Centro de Artesanía de Barcelona (España). • 1993: Arte y Fuego, cotxeres de Sants (Barcelona). movimiento. “Este comportamiento del vidrio me resulta interesante, consigue que las piezas tengan su propia identidad haciéndolas partícipes de ese caos interior de los cuerpos”. Su translucidez amplía las posibilidades creativas y permite incorporar estructuras interiores. Por último, el binomio fragilidad/dureza que ofrece este material refuerza la imagen de tensión del momento, ese instante congelado que persiguen sus figuras. Sus creaciones son secuencias en movimiento que giran en torno a una consigna: dan FOTOGRAFÍA RALF BAUER vida a momentos que divagan entre el dentro y fuera del agua, entre la seguridad y el desequilibrio, entre el vértigo y la levedad, entre la memoria y el olvido... Estas secuencias necesitan un espacio arquitectónico en el que adquirir pleno significado, Falling Angel (Ángeles Cayendo, 2002) es una de las creaciones más etéreas y dinámicas del artista. un lugar donde los elementos formales que acompañan a las piezas extiendan un puente en esta ocasión desde una mirada fresca e ino- hasta lo imaginario. Por este motivo, muchas cente al aprendizaje humano del movimiento. obras están pensadas para exteriores, parques, Para ello, se produce un cambio en el tipo de jardines, espacio urbano o, por ejemplo, un vidrio y la transparencia se convierte en opa- arroyo, como es el caso de su reconocida serie lina. Las proporciones son más reales, pre- Hombrecitos. sentan una apariencia humana más elemen- El tamaño de sus obras no obedece a crite- tal y, por tanto, más cercana. rios arbitrarios, sino que persigue generar un En cada una de sus obras, Carmelo retiene efecto determinado. Cada obra tiene una esca- un instante que se repite constantemente. la concreta con el objetivo de crear y estable- Inmortaliza un movimiento que no cesa, sin cer una distancia adecuada con el espectador, principio ni fin, como su capacidad creadora. www.glaskunst-nrw.org 13 T rte virtual Arte real 14 Miguel Díez PUBLICADO EN EL Nº 76 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO (ENERO DE 2003) Esmaltado, soplado, casting, fusing, pasta, vitrales... El artista porteño Miguel Díez experimenta con todas las técnicas de manipulación del vidrio, material en el que confiesa haber encontrado su lienzo más idóneo: “(el vidrio) me despertó un gran interés por su ductilidad y a la vez dificultad, lo que hace que investigue constantemente”. Una investigación que le ha llevado, incluso, al terreno del ciberespacio. 15 Miguel Ángel González Díez nació en Buenos Aires (Argentina) y su formación se dirigió inicialmente hacia el diseño gráfico, disciplina que estudió en 1984 en la escuela E.M.E.T. Fernando Fader, de su ciudad natal. En 1988, durante un viaje a Estados Unidos, descubrió el vidrio como arte al visitar varias galerías donde se exponían obras realizadas mediante las técnicas del horneado y el soplado. Díez quedó muy impresionado por la ductilidad de este material, hasta el punto de decidirse a convertirlo en su medio de expresión artística personal. De vuelta a Argentina, se dedicó a estudiar, intensa y extensamente, las diferentes técnicas de manipulación del vidrio, en una ordalía iniciática que le llevó a peregrinar por diversas escuelas y talleres de Argentina y Brasil, y de la que salió domi16 nando prácticamente todas las técnicas: el soplado, el vitral, el esmaltado, el casting y el fusing, en una obra rica y variada que incluye tanto vitrales, joyas y objetos decorativos como composiciones de especulación estética pura, donde a veces se rastrean influencias arcaizantes, a veces influencias más modernas: Art Déco, Pop Art, Fauvismo... Pero, como buen hijo de su tiempo, Díaz también ha explorado las posibilidades de la nueva tecnología informática. Aunque, eso sí, lo ha hecho desde su declarada pasión por el vidrio: el resultado son una serie de imágenes digitales que toman como punto de partida sus obras de arte real (real en el sentido de físico, de materia, hechas de átomos ocupando espacio tridimensional) para crear obras de arte virtual (no físicas, inmateriales, compuestas por píxeles en el ciberespacio) donde las cualidades estéticas propias del vidrio, ese material duro y frío, dialogan con las suavidades y calideces de la piel humana para crear atmósferas in-quietantes donde se combinan el misticismo y la sensualidad. migueldiez.4d2.net FORMACIÓN: 1984 • Diseñador gráfico. E.M.E.T. Fernando Fader, Buenos Aires (Argentina). 1988 • Experimentación en Vidrio. Profesora María Inés Mazaira, Buenos Aires (Argentina). • Soplado en Varilla de Vidrio. Profesor Ermón Goncalvez, Pozos dos Caldas, Minas Geraes (Brasil). • Fusing. Taller de la artista Mabel Waisman, Buenos Aires (Argentina). • Casting y Pasta de Vidrio. Escuela del Vidrio de Berazategui, Buenos Aires (Argentina). • Diseñador gráfico por PC. IT College, Buenos Aires (Argentina). 1999 • Pintura y Restauración de Vitreaux. Profesor Gabriel Bouza, Buenos Aires (Argentina). • Técnicas en Armado para Vitrales. Profesor Alfredo Menghi, Buenos Aires (Argentina) 2000 • Técnicas de Esmaltados en Vidrio. Profesor Roberto Bonino, San Pablo (Brasil). EXPOSICIONES INDIVIDUALES: 1999 • Galería de Arte Nerja, Buenos Aires (Argentina). • Fernando Jaeguer Design, Moema, Sao Paulo (Brasil). • Biblioteca Pública Alceu Amoroso Lima, “Objetos de Arte en Vidrio”, Secretaría de Cultura, Sao Paulo (Brasil). 2000 • Galería de Arte de la Asociación Bancaria, “Idolatría Vítrea”, Buenos Aires (Argentina). 2001 • Telecom Argentina, Espacio de Arte Contemporáneo, “Buenos Aires Tango”, Buenos Aires (Argentina). 2002 • Holiday Inn Select Abasto, “The Place Of Tango”, “Idolatría Tango Vítrea”, Buenos Aires (Argentina). EXPOSICIONES COLECTIVAS: 1998 • Galería de arte “Espacio Zero”, Pacaembú, Sao Paulo (Brasil). 1999 • XIII Salón Integrado del Arte, Círculo de Bellas Artes de Buenos Aires (Argentina). • 3er Salón Nacional del Vidrio en el Arte, Museo-Complejo Municipal “San Francisco”, Buenos Aires (Argentina). • VIII Feria Internacional de Materiales y Tecnologías para la Construcción, Pabellón del Vidrio, Centro Internacional de Exposiciones San Justo, Buenos Aires (Argentina). • Fundación Pro Arte Palermo, Buenos Aires (Argentina). • 1er Salón Internacional y 6º Nacional del Vitral Artístico, Museo de Arte Juan Carlos Castagnino, Mar del Plata (Argentina). 2000 • Tradición y Creatividad, Centro Educativo Sefardí, Palais de Glace, Buenos Aires (Argentina). • 1er Salón Nacional de Objetos de Vidrio Funcionales, Villa Victoria Ocampo, Mar del Plata (Argentina). • 2º Salón Internacional y 7º Salón Nacional del Vitral Artístico, Museo Juan Carlos Castagnino, Mar del Plata (Argentina). • 5º Salón Estímulo, Círculo Cerámico del Sur, Museo Municipal Histórico Regional Almirante G. Brown, Buenos Aires (Argentina). • 1ª Muestra Interna de Diseñadores de Joyas. Taller del Ángel, Buenos Aires (Argentina). • Salón Nacional del Vidrio en el Arte, Museo-Complejo Municipal “San Francisco”, Berazategui (Argentina). • VII Salón Nacional y II Internacional del Vitral Artístico, AVAMP, Museo Juan C. Castagnino, Mar del Plata (Argentina). • IV Salón Nacional del Vidrio en el Arte, Complejo Municipal “San Francisco”, Berazategui (Argentina). • 1er Salón Nacional de Esculturas de Vidrio, Municipalidad de San Lorenzo. Secretaria de Gobierno y Cultura. Entre Rios, Santa Fé (Argentina). • Casa Foa, espacio Revista Elle Decoración. Antiguo Hotel de los Inmigrantes, Buenos Aires (Argentina). 2002 • Salón de Otoño de la SAAP (Sociedad Argentina de Artistas Plásticos), Buenos Aires (Argentina). 17 ANNA SKIBSKA 18 ¿Cómo expresar el misterio del momento de la creación? ¿La química? ¿El huevo? ¿La bocanada, el primer aliento? ¿El claro de las nubes que revelan el eterno cielo? ¿La oscuridad penetrada por un halo de luz? “No estoy segura.” Anna Skibska PUBLICADO EN EL Nº 75 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO (NOVIEMBRE DE 2002) Anna Skibska conoce la disciplina para EXPOSICIONES INDIVIDUALES • 1999: “Anna Skibska”, The Bullseye Connection, Portland, Oregon (EE.UU.). - “Anna Skibska about the tower”, Premio su interpretación. St. Elizabeth Church, Wroclaw (Polonia). • 1998: W. Traver Gallery, Seattle, Washington (EE.UU.). - R. Duane Reed Gallery, St. Louis, Missouri (EE.UU.). • 1997: “From behind…”, National Museum, Wroclaw (Polonia). - “nw”, W. Traver Gallery, Seattle, Washington (EE.UU.). - “Anna Skibska”, Miller Gallery, Nueva York (EE.UU.). • 1996: W. Traver Gallery, Seattle, Washington (EE.UU.) • 1995: “Simple pieces of furniture”, Domek Miedziorytnika, Wroclaw (Polonia). • 1994: “Look at my eye…”, Gallery Na Odwachu, Wroclaw (Polonia). • 1993: Instalación permanente en el Moses Taylor Hospital, Scranton, Pennsylvania (EE.UU.). • 1992: National Museum, Wroclaw (Polonia). - Anna Skibska y Eugeniusz Get Stankiewicz, Gallery of Modern Art Na Solnym, Wroclaw (Polonia). • 1991: “a/s exhibition”, Gallery of Modern Art Na Solnym, Wroclaw (Polonia). • 1990: “Stained glass?” (two), Gallery of Theater STU, Cracovia (Polonia). - Galerie D.M. Sarver, París (Francia). - “International Meetings of Open Theater”, Gallery of the Open Theater Center, Dalambur, Wroclaw (Polonia). • 1989: “Pictures of glass No. 6”, Gallery of Modern Art DESA, Wroclaw (Polonia). • 1988: “Drawings of glass”, Gallery of Modern Art DESA, Wroclaw (Polonia). - “Stained glass”, Theater STU, Cracovia (Polonia). • 1987: “Stained glass”, St. Clement Hofbauer Church, Wroclaw (Polonia). - “Pictures of glass”, Gallery of Modern Art DESA, Wroclaw (Polonia). - “Stained glass?”, Gallery of Theater STU, Cracovia (Polonia). • 1986: Gallery of Modern Art DESA, Wroclaw (Polonia). - “Pictures of glass”, Gallery of Modern Art DESA, Wroclaw (Polonia). transformar misteriosos sueños en realidades artísticas con una elegancia encantadora. Su capacidad de experimentación y descubrimiento parece inagotable. En sus manos, el vidrio se convierte en línea y forma, fuerte y frágil, enorme y delicado. En su mente, las dualidades de la vida se dignifican y se celebran en formas escultóricas, casi todas confrontadas, y siempre conectadas al espíritu humano tanto en su escala como en su presencia física. Creció en los límites de Polonia y ahora vive parte del año en Seattle (EE.UU.). Podría decirse que su método de trabajo se encuentra en los límites del movimiento del vidrio porque no involucra ninguna de las formas convencionales en que el material suele ser manipulado, excepto el flameado. En la colección que aquí se muestra, parte de su exhibición en Bullseye Connection, la artista se encuentra en un nuevo desafío: por medio de creaciones monumentales que parecen una inagotable red de frágiles lazos de vidrio, la artista intenta explorar y ordenar la luz y el espacio. Su obra resulta especialmente seductora precisamente porque llegó al vidrio sin ningún tipo de formación técnica o conocimiento. Su niñez en Polonia, como la de todos los niños, incluía seis horas de arte a la semana. A los 14 años, haciendo prácticas obligatorias en la escuela de policía, recibió un importante aprendizaje al describir accidentes automovilísticos, pues se veía forzada a visualizar las escenas en tres dimensiones. Más tarde, tras graduarse en pintura y arquitectura, practicó la docencia durante 12 años. No se introduciría en el mundo del vidrio hasta 1991, cuando tomó un pequeño soplete y se dio cuenta de que la estabilidad que ofrecía el material era fascinante. Desde entonces, compagina la escultura con el cine, del que también es devota. De hecho, ha recibido algún premio por sus interpretaciones cinematográficas. La primera aparición del trabajo de Skibska en Estados Unidos data en 1988, en una edición del New Glass Review, publicado por el Corning Museum of Glass. Pese a que en la forma, aquellos primeros trabajos denotaban cierta inmadurez e inocencia, el jurado estuvo atento a sus posteriores propuestas artísticas. En 1992, dos piezas la consolidan como una artista madura y excepcional, al demostrar que el vidrio flameado puede ser el medio efectivo para crear una escultura monumental. Y en su caso, siempre espiritual, explorando el misterio eternamente presente debajo de lo familiar, como la memoria de una esencia evaporada, bella, sutil y luminosa. www.annaskibska.com EXPOSICIONES COLECTIVAS: • 1998: “The Fifth Annual International Exposition of Sculpture, Objects, and functional Art”, R. Duane Reed Gallery, Chicago, Illinoi (EE.UU.). - Trabajos seleccionados para “Poncho and Pratt Auctions”, Seafirst Gallery, Seattle, Washington (EE.UU.). • 1997: Pilchuck Glass School Exhibition, SeattleTacoma Int. Airport, Seatac, Washington (EE.UU.). - Exempla ’96, Munich (Alemania). • 1996: Trabajos seleccionados para “The Fourteenth Annual Multi-Media Pratt Art Auction”, Seafirst Gallery, Seattle, Washington (EE.UU.). • 1995: “World Glass Now ’94”, exposición itinerante en varias ciudades de Japón. • 1994: “World Glass Now ‘94”, Hokkaido Museum of Modern Art, Sapporo (Japón). - Hiroshima City Museum of Contemporary Art, (Japón). - Daimaru Museum, Tokyo, Japón. • 1992: “5th Int. Triennal of Drawing”, Wroclaw (Polonia). • 1991: “Die Malerei von Schiessscheiben, Galerie Raiffeisenäle am Marktplatz”, Innsbruck (Austria). - “Reims presente Wroclaw expose”, Reims (Francia). - “I love you”, Monetti Gallery, Warsaw (Polonia). • 1990: “OB’ART 5e. Salon de l’object d’art contemporain”; Porte de Versaile, París (Francia). - “200 Jahre Kunkstchulen in Breslau”, Wiesbaden (Alemania). - “L’eau, L’Europe, l’environment”, La Villette, París (Francia) - “Interart ’90”, Poznan, Polonia. • 1989: “Literature and Art”; National Museum, Wroclaw (Polonia). • 1988: Judgend Gestaltet 1987, Munich, (Alemania). - “ABCD Exhibition”; Klodzko, Polonia. • 1987: “The Way and the Truth”, Wroclaw (Polonia). - “Collective exhibition”, Speyer (Alemania). • 1986: “Picture, Sculpture, Stained Glass”, Saska Kepa Gallery, Warsaw (Polonia). • 1985: “Diploma ‘84”, Museum of Architecture, Wroclaw (Polonia). 19 Matei Negreanu “el artista debe tener siempre la última palabra” Matei Negreanu ha explotado el vidrio en todos sus estados y lo ha convertido en la esencia pura de su escultura, sometiéndolo a toda clase de tratamientos. Los modos en que explora y modela son el resultado de una confrontación básica entre el artista y el material que empezó hace mucho tiempo. 20 PUBLICADO EN EL Nº 74 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO (SEPTIEMBRE DE 2002) Matei Negreanu llegó a Francia en 1981, COLECCIONES PÚBLICAS: Museo de las Artes Decorativas, Atenas (Grecia). Ulster Museum, Belfast (Gran Bretaña). Musée des Arts Décoratifs, Bordeaus (Francia). Museo de las Artes Decorativas, Bucarest (Rumania). Museo de las Artes Decorativas, Cluj (Rumania). Kunstsammulungen der Veste, Coburg (Alemania). Musée Unterlinden, Colmbar (Francia). Corning Museum of Glass, Corning (Estados Unidos). Kunstumuseum, Düsseldorf (Alemania). Musée des Arts Décoratifs, Lausanne (Suiza). Fonds National d’Art Contemporain, Paris (Francia). Musée des Arts Décoratifs, Paris (Francia). Autotran Museum, Rosmalen (Holanda). Saxe Collection, San Francisco (Estados Unidos). Hokkaido Museum of Modern Art, Sapporo (Japón). Musée du Verre, Sars-Poteries (Francia). Pilkington Glass Museum, Saint Helene (Gran Bretaña). Hoya Ind, Japon (Japón). Museum Bellerive, Zürich (Suiza). Collection Corning, Fontainebleau-Avon (Francia). Collection Ernsting (Alemania). Collection Lechaczynski (Francia). tras abandonar su Rumania natal con 40 años y habiéndolo dejado todo atrás, sin ninguna referencia para abrirse camino. Sin embargo, sólo necesitó tres años para establecerse en el arte del vidrio, que comenzaba a florecer a principios de los ochenta. Hoy en día, pinta y esculpe en un enorme estudio dentro de su residencia de Lamotte Beuvron, en Sologne (Francia). Su formación nunca siguió cánones predeterminados. Nació en Bucarest (Rumania) en 1941. Tras la muerte de su padre, su madre lo envió a una escuela técnica donde aprendió a trabajar con metal para la construcción de maquinaria. El aprendizaje incluía fundición PRINCIPALES EXPOSICIONES INDIVIDUALES: • 1982: Caja de Ahorros, Segovia (España). • 1987: Galerie Trois, Genève (Suiza). Galerie Bragiotti, Rotterdam (Holanda). Galerie MR, Angoulême (Francia). • 1988: Galerie Gottschalk-Betz, Frankfurt (Alemania). • 1989: Galería Bergman y Museo de Immenhausen (Alemania). • 1991: Habatat Galleries, Farmington Hills (Estados Unidos) • 1992, 1995, 1998: Miller Gallery, Nueva York (Estados Unidos), exposición permanente. • 1993: Galerie J.CC – L’Art du Verre, Luxemburgo (Luxemburgo). • 1994: Vesperman Gallery, Atlanta (Estados Unidos). Galerie di Folco (pinturas) Niort (Francia). • 1995: Espace 54, Nancy (Francia). Venezia 982, Venecia (Italia). Bordeaux 98. Exposición permanente. - L’Eclat du Verre, París (Francia). - Galerie 13, Rennes (Francia). Exposición permanente. • 1996: Galerie in Vetro, Hannover (Alemania). Exposición permanente. • 1985, 1995, 1999: Galerie Capazza, NanVay (Francia). Exposición permanente. • 1988, 1992: Galerie d’Amon, París (Francia). • 1989, 1991, 1996: Clara Scremini Gallery, Paris y Salon Découvertes, París (Francia). - Int New Art forms (Estados Unidos). - Taller, Amsterdam (Países Bajos). Exposición permanente. • 1990, 1995: Galerie Place des Arts, Montpellier (Francia). • 1991, 1998: Galerie HD Nick, Aubais (Francia). Exposición permanente. • 1997: Galerie Sordello, París (Francia). Exposición permanente. Galerie Nadir, Annecy (Francia) y Foire d’Art de Gand (Bélgica). Exposición permanente. • 1995 a 1998: Serge Lechaczynski, Galerie Internationale Du Verre, Biot (Francia) e Int New Art Forms (Estados Unidos) y Foire d’Art de Estrasburgo (Francia). Exposición permanente. • 1998: Musée de Belfort (Francia). artística, y esto, unido a la temprana fascinación del artista por el dibujo, lo llevaron a especializarse en el arte por medio de cursos de escenografía. Todo ello le proporcionó una particular destreza para trabajar con una extensa gama de materiales. Negreanu se convirtió en un diseñador. Como tal, llevó a cabo toda clase de trabajos. Desde el sector industrial –donde comienza su intensa relación con el vidrio, incluso esculpiendo- hasta ropa y escenografía, todo ello del boceto a la ejecución. Su primer trabajo en Francia consistió en diseñar escenografías para teatro, esculpiendo y pintando alternativamente en una pequeña buhardilla cerca de La Bastilla. Fue allí donde Negreanu dio a luz su primera colección: “Waves” (“Olas”), realizada a base de vidrio tratado con rayos ultravioleta y con la que obtuvo un éxito inmediato e irrevocable. Pero Negreanu huye de un estilo lineal de trabajo de la misma forma que reniega de aferrarse a una sola disciplina. Cree en el vidrio como el material más bello y elemental de una obra de arte y, pese a la reticencia del público y de la crítica, se aventura al límite de sus posibilidades y transfor- espacio. Como sea, siempre un compromiso maciones. Vidrio óptico, indivisible entre el cuerpo y la mente. “Mis soplado proyectos se desarrollan mentalmente. Antes y reflectante arenado, y em- plomado, y la técnica de darles forma con mis manos, pienso en ellos mucho tiempo. Nunca hay un dibujo pre- del pâte de verre, todo existente. No hago bocetos porque no sé cómo ello explorando los copiarme a mí mismo”. resultados del azar como confrontación inevitable del material y gran parte de su embrujo. ¿El fondo? A veces un alfabeto abstracto, otras, definición de un no- www.hdnick.com EXPOSICIONES COLECTIVAS: • 1982: Galerie Paskine de Gignoux, Estrasburgo (Francia). • 1984, 1991: “Le Verre”, Rouen (Francia). • 1984: BAG Westminister Gallery, Boston (Estados Unidos) y Shipley Gallery, Gaselhead (Gran Bretaña). • 1985: Veste Coburg, Coburg (Alemania). • 1986: “Hommes de Verre”, París (Francia). • 1988 a 1990: “Glas Metamorphosen I y II” Rolandseck y Köln (Alemania). • 1989: “Le Verre Grandeur Nature”, París (Francia). • 1988, 1991: “World Glass Now”; Hokkaido. Museo de Arte Moderno, Sapporo (Japón). • 1985, 1989: “Expressions en Verre”, Lausanne (Suiza). • 1990/1991: “Neues Glas in Europa”, Düsseldorf (Alemania). • 1991 y 1992: “Nomades du Verre”, Barcelona (España), Albi, Montpellier y París (Francia). • 1994, 1995: “New Century in European Design”, Museo Metropolitano de Arte de Teien, Tokyo (Japón). • 1996: “Venezia Aperto Vetro”, Venecia (Italia). - “Couleurs et Transparences”, Sèvres, Dunkerque (Francia). CATÁLOGOS PERSONALES: • 1997: Caminui Artei, Rumania. • 1987: Galerie MR, Angoulême (Francia). • 1989: Glas 8, Immenhausen Glas Museum (Alemania). Clara Scremini Gallery, París (Francia). • 1992: Galerie di Folco, Niort (pinturas) (Francia). Galerie Place des Arts, Montpellier (Francia). • 1995: Galerie Espace 54, Nancy (Francia). • 1996: Galerie L’Eclat du Verre, París (Francia). • 1997: Galerie Nadir, Annecy (Francia). 21 Un mar de t r a ns pa r e nci a s 22 Julia Ares Cuaderno de bitácora 110 x 102 x 62 cm. Julia Ares ha querido rendir homenaje a la ciudad que la vio nacer: A Coruña (España). Después del reciente desastre ecológico, esta obra cobra un especial valor, por lo que hemos decidido rendir homenaje al entorno natural que inspiró su última exposición, “Aqua”, la cual nos sumerge en un paisaje marinero repleto de esculturas en vidrio en las que fluyen los peces, las redes, las olas. Una obra que recrea un espacio irreal, indefinible y cambiante, porque el vidrio, como “Aqua”, tiene sus propios límites, que, aunque imperceptibles, varían con la luz, como el mar con las mareas. Julia proyecta su celeste mirada hacia una nueva visión de este material transparente, como el agua, como el mar. Ojo de buey 200 x 1.000 x 55 cm. “Agua, mar, vidrio, un tríptico transparente del que espero poder aportar al mundo del arte algo más que una compleja técnica” Julia Ares PUBLICADO EN EL Nº 73 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO (JULIO DE 2002) EXPOSICIONES INDIVIDUALES. SELECCIÓN • 1982: Delegación Provincial de Cultura. A Coruña (España). • 1983: Galería Kandinsky. Madrid (España). • 1988: Palacio Municipal de Exposiciones del Excmo. Ayto. de A Coruña. • 1997: (Zodiaco) Galería Obelisco. A Coruña. EXPOSICIONES COLECTIVAS. SELECCIÓN • 1982: Festival Intercéltico de L’Orient. Francia. • 1984: VII Bienal Internacional del Arte del Esmalte. Limoges (Francia). • 1985: Long Beach Museum. Los Angeles, California (Estados Unidos). • 1993: “X Aniversary C.I.D.A.E.”. Unión Española de California (Estados Unidos). • 1994: Museum National of Arts. Moscú (Rusia). • 2001: XIV Exposición Internacional del Esmalte Artístico C.E.A.R.A. República Argentina. Archivo Histórico-Artístico y Museo Histórico de la provincia de Buenos Aires (Argentina). • 2002: Arte y Paz por la Palabra. Fundación Araguaney. Santiago de Compostela (España). - The International Enamelling Art Exhibition in Japan. Ueno National Museum. Tokio (Japón). PREMIOS Y MENCIONES: Absurdo 143 x 162 x 96 cm. DEL LEGADO FAMILIAR AL MUNDO DEL ARTE CONTEMPORÁNEO Una clara muestra de su nueva línea de trabajo es su última exposición: “Aqua” (Palacio Municipal de Exposiciones Kiosco Nacida en A Coruña (España), Julia Ares Alfonso de A Coruña). Ésta incluye obras rea- cursa estudios en la Escuela de Artes Pablo lizadas en las diferentes técnicas del vidrio Picasso de la misma ciudad, experimentan- fusing y termoformado, incorporando a las do diferentes especialidades artísticas. Su mismas otras técnicas ancestrales, como el encuentro con la técnica del esmaltado a fue- esmalte a fuego sobre metal y el grabado al go es casual, investigando esta materia de ácido, o las más modernas, como el láser, forma autodidacta. Su obra se caracteriza chorro de arena o ultravioleta, además del por la ejecución de piezas de gran formato hierro, que en unos casos hace las veces de y el empleo del volumen, además del uso de soporte y en otros adquiere el papel prota- altas temperaturas de hasta 1.250 ºC. Uno de sus trabajos más importantes ha gonista de la obra. Todas ellas han sido realizadas entre los años 2000 y 2002. • 1987: Premio Exequo. “Esmaltes Internacionales II”. A Coruña. • 1989: Premio Especial de Compra. III Bienal Internacional del Arte del Esmalte. Salou, Taragona (España). - Premio “Chairman Award”. Royal Museum of Ueno, Tokio (repite en 1995). • 1993: Premio “Award for Artistic Work”. Royal Museum of Ueno, Tokio. • 1996: Mención especial del Jurado. Bienal de Salou, Tarragona. • 1999: Premio del Jurado. Centro de esmaltadores artísticos de la República Argentina. MUSEOS Y COLECCIONES: • C.I.D.A.E. Barcelona. • Ayuntamiento de A Coruña. • Museo del Esmalte. Salou, Tarragona. • Museo Nacional de Palanga. Lituania. • Museo Nacional de Klaypeda. Letonia. • Museo de las Artes Decorativas. Moscú. • Fundación Araguaney. • Colección Manfred Suharwz. • Casa de Galicia en Buenos Aires. • Diputación Provincial de A Coruña. • Museo Provincial de Kécskemet. Hungría. sido la ejecución de 1.200 esmaltes que narran toda la historia de A Coruña, integrados en las farolas que iluminan los seis kilómetros del Paseo Marítimo de dicha ciudad. En Julia Ares se fusionan su sólida formación industrial y técnica junto a su interés por la investigación estética. Solamente desde el legado familiar, con muchos años de experiencia vidriera, puede entenderse su excelso dominio técnico, los medios que desarrolla y su profundo conocimiento del vidrio. En ella, la técnica se supedita a una búsqueda artística en la que lleva enfrascada más de 20 años. Primero desde el esmalte y ahora, dentro de las artes del fuego, desde el vidrio. www.juliaares.com Trofeo. 230 x 200 x 50 cm. 23 EDMÉE DELSOL Barro y Vidrio: In s ti n to y e s p o nt a ne i d a d Las olvidadas y redescubiertas tartas de lodo son la fuente del largo río de la creatividad de Edmée Delsol. En sus composiciones, fuertes y delicadas, el barro y el vidrio conviven sin negar ni exaltar sus diferencias. En vez de alejarse, se funden como reveladores de dos estados de un mismo mineral que se escindió en el tiempo cósmico, y que ahora se impregna de colores gracias a la magia de la luz. “...el trabajo de Edmée Delsol es, primero y ante todo, un testimonio de esperanza; un ensueño, pero también una representación de la realidad. La emoción que nos transmite es indispensable” Didier Nick - Editions – Agosto 2000 24 èlytres 35/54/8 2000 PUBLICADO EN EL Nº 72 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO SUPLEMENTO QUIÉN es QUIÉN (OCTUBRE DE 2008) sarabande 40/20/15 2000 25 Edmée Delsol comenzó dibujando. A los vivía en la Cité des Arts, montó sus prime- do terapéutico. A los diecisiete años tuvo la cinco años sufrió una enfermedad que la ale- ras exposiciones. Después siguió un largo oportunidad de entrar en el mundo de la jó de su familia durante dos años. Sola en periodo marcado por su matrimonio, el naci- cerámica, gracias a Jeanne y Norbert Pierlot. Suiza, y sin asistir a la escuela, Edmée sólo miento de sus dos hijos, la llegada a En 1979, Edmée construyó el primer hacía dos cosas: jugar en el campo y dibujar. Normandía y la residencia en Meudon estudio de cerámica raku. Se trata de una Inició su formación en el estudio del pintor (Francia). Durante todo este lapso, la artista disciplina tradicional japonesa que nace Brianchon, y otros de sus maestros fueron en ningún momento interrumpió su trabajo. del espíritu del Zen, y se basa en la idea Etienne Martin, Adam y Licata. Exploró los De entre todo el abanico de disciplinas en de la búsqueda de una belleza accidental medios de la escultura, la pintura y el las artes visuales, eligió el barro debido a que pero humanamente creada, a través de la mosaico, así como la arquitectura. Mientras su abuelo, un pintor, lo utilizaba como méto- escultura. sarabande 50/23/26 2000 épaulement 47/30/8 2000 épaulement 48/28/8 2000 También de enorme influencia para la artista fue un viaje a Áfri- les ajours 34/36/14 2000 ca que realizó para un programa de intercambio entre ceramistas africanos y artistas europeos. En una comunidad al sur de Burkina, Edmée aprendió, en medio de la tradición colectiva de trabajo entre cantos y bromas, de la rudimentaria simplicidad que toma lo que hay a la mano, y va directo a lo esencial. En 1990 incorpora el elemento del vidrio a su trabajo. En palabras de la propia artista: “Hace miles de años, los mercaderes 26 fenicios hacían un fuego en la playa, y descubrían trozos de vidrio en las cenizas. La naturaleza química del esmalte me parecía un estado de transición natural al vidrio, llevando muchísima luz consigo. El vidrio es para mí como una extensión del mismo barro en un estado de transparencia, de metamorfosis, de transposición, de transcendencia”. Pero Edmée Delsol va más lejos. Huyendo de la evidente belleza óptica de transparencia del vidrio, que se le antoja fría, busca un modo de relación distinta del material con la luz. Después de diez años, son varios los artistas que han imitado su método para obtener una impactante sustancia arqueológica llena de color, lograda gracias al fuego, a la mezcla y al modelado, en una continuidad con el barro que asemeja a la piel. Partiendo de dicha base, la imaginación de la artista se dispara hacia construcciones temáticas, no tanto siguiendo una nomenclatura arquitectónica, sino comprometiéndose con la memoria de formas míticas y arquetípicas. De ahí surgen pilares, triángulos, montañas, ángeles, escaleras, bóvedas románticas, arcos góticos, puentes, pilas y, en su trabajo más reciente, dúos y conversaciones. Estos últimos, logrados gracias a un efecto de apertura de luz entre el vidrio y el barro, reflejando colores de una pieza a otra. La obra de Edmée Delsol está hecha para la interpretación. La artista huye del “significado”, de la alusión y la anécdota, y se encamina hacia un intercambio de ideas sugestivas. Como en la pintura, busca el trazo de movimientos impulsivos, la traducción de ideas complejas y emociones en formas simples. Todo ello, con la tra- dición como ancla, pero buscando la modernidad en la creación. www.hdnick.com épaulement 44/30/9 2000 lien 45/30/9 2000 EXPOSICIONES PERSONALES • 1988: Galería Se och Ge Sofino, Suecia. • 1989: Galería Complément d´Objetct, Rouen. • 1992: Galería D.M. Sarver, París, “terre, ciel”. • 1993: Galería H.D. Nick, Aubais. - Galería D.M. Sarver, París, “de terre et de verre”. • 1995: Galería Les Emibois, Suiza. - Galería D.M. Saver, París, “verre ailé, un souffle de terre”. • 1996: Galería Complément d´Objet, Rouen. - Galería H.D. Nick, Aubais. • 1997: Galería Braggiotti, Amsterdam. • 1998: Galería G. Godar, Lille, “d´une rive à l´autre”. - Galería Complément d´Objetc, Rouen. • 1999: Galería Ortilles, París, “liens et quelques équilibres”. - Galería Braggiotti, Amsterdam. • 2000: Galería H.D. Nick, Aubais. EXPOSICIONES COLECTIVAS • 1984: Abbaye d´Ouville. - Centre d´Arts Contemporains, Rouen. • 1985: Maison des Arts, Everux. • 1991: “In Situ” sculptures, Banon. - Galería Huit de Coeur, París. - Galería Argile, Bruselas. • 1993: “in Situ”, Muids. • 1994: “World glass now 94”, Japón, Museo Hokkaido. - “Verre Métis, terres mélées”, Galería H.D. Nick, Aubais. - “Tour de terre”, Maison de la Céramique, Mulhouse. - La Louvière, Bélgica, Galería Hamelin, Honfleur. • 1995: Musée d´Art Contemporain, Dunkerque, colección Bueno. - Hôtel de Région, Montpellier, Galería H.D. Nick. - Bibliothèque Méjannes, Aix-en-Provence, espiritu d´Afrique Association: “Les Artistes Nomades”. - Musée National de Céramique, Sèvres, “Couleurs et transparence”. • 1996: Musée d´Art Contemporain, Dunkerque, “Couleurs et transparence”. - “Art Strasbourg” Galería H.D. Nick. - Sculpteurs de lumière, Nimes, Galería de la Salamandre. - Musée Correr “Venezia Aperto Vetro” international New Glass. • 1997: “Métis de terre et de verre” C.C. départemental Rodez, Galería H.C. Nick. - Céramiques Contemporaines, Chartres de Bretagne. • 1998: Voyage initiatique, Galería Capazza, París, Espace Cardin. - Verre contamporain: “regards”, Galería Capazza, Nançay. • 1999: Matière en représentation, Médiathèque de Miramas, H.D. Nick. - Global Art Glass Triennale, Borgholm, Suecia. COLECCIONES • Musée des Arts Décoratifs – París. • Musée du Verre de Sars Poteries. • Musée d´Elbeuf. • Fondation Ernsting – Alemania. • FRAC de Basse Normandía. 27 Michèle Lapointe Astronomía y Símbolos 28 La pieza “L’insoutenable légèreté de la plume” (1997-1999) de 6 metros de altura preside la entrada de la escuela primaria de Parchemin, en Carignan (Québec). Sobre estas líneas y a la izquierda, “Et pourtant elle tourne” de Michèle Lapointe (1995), reloj de sol de 3 x 4’5 m. basado en las teorías de Galileo. Al igual que el sol es el eje sobre el que se desplaza la Tierra, esta obra es el punto central de la librería de Ile Bizard (Montreal). PUBLICADO EN EL Nº 72 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO (MAYO DE 2002) Michèle Lapointe ha decidido desprenderse de todas las herramientas de las que ARTE PÚBLICO se arma el artista a través de la experien- • 1986: “El teatro de papel”, Casa de la Cultura de Petite Patrie, Montreal (Canadá). • 1987: “Vuelo de sueño”, Observatorio del Estadio Olímpico, Montreal (Canadá). • 1989-90: “...como nuestras raíces...”, Hotel de la ciudad de Repentigny (Canadá). • 1991-92: “Derecho a la diferencia”, Lac Nipissing, North Bay, Ontario (Canadá). • 1992: “La subida”, CLSC Ahuntsic, Montreal (Canadá). • 1995: “Y, sin embargo, gira”, Biblioteca Municipal de Ile Bizard (Canadá). • 1996-97: “La Insoportable Levedad de la Pluma”, Escuela Primaria de Carignan, Carignan (Canadá). • 1998-2001: “Te miraré de reojo”, Escuela primaria de l’Aquarelle, Sainte-Rose de Laval (Canadá). • 1999: “Escultura interior y exterior”, CLSA. J. Octave Roussin. Pointe-aux-Trembles (Canadá). - “El regreso a la tierra como un despegue”, Complejo funerario de Trembles, Parque Natural de Pointe-aux-Prairies (Canadá). • 2000: “Así cantaba mi padre”, Terraza de la Casa de la Cultura Marie-Uguay, Montreal (Canadá). cia. Con este olvido premeditado, consigue enfrentarse al vidrio con la magia e impunidad de lo desconocido, prestándose a los imperativos de la creación y asumiendo riesgos técnicos desafiantes. A través de su obra en vidrio, que va desde pequeñas piezas de museo hasta gigantescos murales al aire libre, la artista canadiense explica la discontinuidad del mundo actual a través de una singular “arqueología imaginaria”. El vidrio laminado y la incidencia de la luz se convierten en dos firmes aliados para su propósito. El gran mural que preside la librería de Ile Bizard (Montreal) retoma las teorías de Galileo para crear un reloj de sol, apropiándose de su celebérrima sentencia “Et pourtant, elle tourne” (“Y, sin embargo, gira”) para bautizar esta genuina obra. Coincidiendo con el ángulo y la latitud de la pendiente del tejado, este inmenso reloj de sol se transforma en eje de la bibliote- 29 ca, de la misma manera que el sol rige el movimiento de la Tierra. Incluso la distri- EXPOSICIONES bución de los elementos a lo largo y ancho • 1993: Galería Suzel Berna, París (Francia). - Galería Mireille Mercier Munch, Niza (Francia). - Centro de Exposiciones de Vieux-Palais, Saint-Jérôme (Francia). • 1994: Galería Braggiotti, Amsterdam (Países Bajos). - Casa de la Cultura Plateau Mt-Royal, Montreal (Canadá). • 1995: Sofa, Chicago (EE UU). • 1996-97: Galería Les Trois C, Ville LaSalle. - Casa de la Cultura, Montreal (Canadá). - Casa de la Cultura, Dorval (Canadá). - Biblioteca pública, Côte Saint-Luc (Canadá). - Galería Stewart Hall, Pointe-Claire (Canadá). - Museo de Arte de Saint-Laurent (Canadá). - Galería de Arte de Outremont (Canadá). - Galería de los Maestros Artesanos, Montreal (Canadá). - Bienal Canadiense del Vidrio, Marché Bonsecours, Montreal (Canadá). - Bienal del Gran Premio de los Maestros Artesanos, Québec (Canadá). - Galería Ann Natham, Chicago (EE UU). • 1997: “Maquetas”, Galería Espacio Vidrio, Montreal (Canadá). • 1998: Casa de la Cultura Marie Uguay, Montreal (Canadá). • 2000: PassArt, Centro de Exposiciones de Rouyn-Noranda (Canadá). • 2001: “éVAsion”, Galería Espacio Vidrio, Montreal (Canadá). - Sesión de Québec en New York, Corning Gallery, New York (EE UU). del mural respeta la trayectoria elíptica de nuestro planeta respecto al Astro Rey. La igualdad y la libertad son temas recurrentes en su obra, tal y como demuestran las dos gigantescas esculturas “L’Insoutenable Légèreté de la Plume” (“La Insoportable Levedad de la Pluma”) o “...comme nos racines...” (“...como nuestras raíces...”). La primera, creada a partir de pâte du verre y madera a la entrada de una escuela municipal, simboliza a los niños en la escuela como pájaros dentro de una jaula, y se complementa con un mural que encarcela pájaros y letras en un metafórico cuaderno de ejercicios. Por otra parte, la segunda obra, empapa cada una de sus 380 capas de vidrio laminado arenado del clima invernal canadiense y adquiere forma de árbol para recordarnos la fuerza de las raíces que determinan nuestra pertenencia física a un determinado territorio. www.michelelapointe.com La escultura “...comme nos racines...” (2’60 x 1’22 x 0’36 m.) de Michèle Lapointe (1989-1990), está realizada con un total de 380 láminas de vidrio arenado y cemento acrílico. La artista ha escogido el clima invernal de Canadá para sugerir a través de este simbólico árbol la fuerza y la continuidad, así como remarcar la importancia de nuestras raíces. JAVIER GÓMEZ Espacio Abierto XLVIII Vidrio tintado negro. 70 x 33 x 11 cm., año 2001 30 Formas de luz Espacio Abierto XIV. Vidrio laminado. 17’5 x 32’5 x 14 cm., año 2000 Espacio Abierto XXXVI. Vidrio laminado 18 x 17 x 12 cm., año 2001 Espacio Abierto X. Vidrio laminado 16 x 17’5 x 11 cm., año 1999 La línea curva, génesis del movimiento, la luz, principio de vida, y el vidrio, icono de la transparencia, son tres de los pilares capitales sobre los que se sustenta la obra escultórica de este artista. Una obra que pervive, se contornea y extiende gracias a la convivencia harmoniosa de la línea y el volumen, la opacidad y la transparencia, la luz y el color. Espacio Abierto III. Vidrio laminado. 11 x 21 x 11 cm., año 2002 PUBLICADO EN EL Nº 71 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO (MARZO DE 2002) Javier Gómez apenas contaba con 14 años cuando comenzó su formación autodidacta en su taller familiar de vidrio plano en Pedro Bernardo (Ávila, España, 1971), aprendiendo las diferentes técnicas industriales del vidrio, hecho que más tarde le llevó a iniciar su evolución artística y hoy, goza de una vasta experiencia en el desarrollo de la técnica del vidrio laminado. Recurre al empleo y la unión de simples láminas de vidrio para elaborar sus esculturas dándoles formas distintas mediante cortes en frío. Una vez cortadas, pule sus bordes y las superpone pegando una lámina y otra, generando el volumen deseado. A estos trabajos añade la elaboración del vidrio mediante otras técnicas como los mateados al ácido o a la arena, o el craquelado, alterando el vidrio como material de base para convertirlo en una materia diferente que deriva en la concreción de obras de arte. El resultado es una obra, una escultura que se aleja de la propia materia, generando construcciones ilusorias, piezas helicoidales, transparentes, donde el volumen se insinúa con estudiadas sucesiones y efectos. La opacidad de sus primeras creaciones contrasta ahora con la reciente búsqueda del color. Javier Gómez juega mucho más con las láminas de color, tratadas con tintes, ácidos, grabadas con chorro de arena, talladas, pulidas, mezclando distintos tipos de vidrio y colores, logrando la consecución de un sinnúmero de texturas diferentes. Miembro de la Asociación Española para la Historia del Vidrio y asesor artístico y fundador, junto al Ayuntamiento de Alcorcón (Madrid, España) del MAVA, Museo Municipal de Arte en Vidrio de Alcorcón, ha superado la mítica cifra de 100 exposiciones entre individuales y colectivas en museos, instituciones y colecciones privadas de todo el mundo. Su labor creativa ha sido reconocida con la consecución de numerosos premios, como lo es el hecho de que un gran número de personalidades de todos los ámbitos, entre las que destacan S.S. el Papa Juan Pablo II, Su Majestad D. Juan Carlos I, Rey de España o Doña Fabiola, Reina de Bélgica, así como conocidos empresarios, artistas, políticos y EXPOSICIONES COLECTIVAS MÁS DESTACADAS • 1989: - Habatat Galeries, Boca Ratón, Florida (Estados Unidos). • 1990: - “Glass Now”, Yokohama (Japón). - Kurland / Summers Gallery, Los Ángeles, California (Estados Unidos). • 1991: - Galerie L. Hamburg (Alemania). • 1992: - “Esculturas Contemporáneas en Cristal y Vidrio”, Lieja (Bélgica). - “The Glass Art Society”, Ciudad de México (México). • 1993: - Glas Galerie Dowe Dekker (Holanda). - “Construmat’93. Galería de Artistas de Revista del Vidrio Plano”, Barcelona (España). • 1994: - Galeria Art du Verre (Luxemburgo). • 1995: - “CUKNO 95”, Lviv (Ucrania). • 1996: - Galería Quórum, Santander (España). • 1997: - “27th anual G.A.S. Conference Glass Art Society”, Tucson, Arizona (Estados Unidos). • 1998: - “Volumen y forma”, MAVA, Alcorcón, Madrid (España). - Fusion Gallery, Adelaide (Australia). • 1999: - ARCO, Madrid (España). - “Esculturas de Vidrio Contemporáneo en España”, FCNV, Segovia (España). - “Transparencias. Vidrio Artístico Contemporáneo”, Portimão (Portugal). • 2000: - “Fragilidad Fundida. Vidrio Artístico Contemporáneo”, San Sebastián (España). • 2001: - Espai Vidre, FCVB, Barcelona (España). - “Fragilidad Fundida. Vidrio Artístico Contemporáneo”, MAVA, Madrid (España). www.alcorcon.org/mava Espacio Abierto XXV. Vidrio laminado 29 x 37 x 14 cm., año 2001 31 EXPOSICIONES INDIVIDUALES MÁS DESTACADAS • 1987: - Cevisama, Feria Internacional de Valencia (España). • 1988: - Hemeroteca Nacional, Madrid (España). • 1990: - Schloss Zell An Der Pram (Austria). - Galerie Amon, París (Francia). • 1992: - Galería Quórum, Madrid (España). • 1993: - Galerie Art du Verre (Luxemburgo). • 1997: - Casino Gran Madrid, Madrid (España). • 1999: - Wagga Regional Art Gallery (Australia). • 2000: - MAVA, Madrid (España). • 2001: - De Cristal, Galería de Arte en Vidrio, Madrid (España). OBRAS EN MUSEOS Y GALERIAS. SELECCIÓN. • Glass Museum de Sars Poteries (Francia) • Glass Museum de Lieja (Bélgica) • Glass Museum de Boca Ratón (Estados Unidos) • Philabaum Glass Gallery (Arizona, Estados Unidos) • Corning Museum (Nueva York, Estados Unidos) • Glass Museum de Ebeltoft (Dinamarca) • The Kestner Museum (Hannover, Alemania) • Museo del Vidrio (Monterrey, México) • MAVA (Madrid, España) • FCNV (Segovia, España) • Revista del Vidrio Plano (Barcelona, España) • Museo do Vidrio (Marinha Grande, Portugal). escritores, entre otros, cuenten con alguna de sus obras en sus colecciones particulares. Eclipse II. Vidrio laminado 12’5 x 15’5 x 10 cm., año 1999 COLECCIONES PRIVADAS. SELECCIÓN. • D. Juan Carlos I (Rey de España) • Dª Fabiola (Reina de Bélgica) • SS el Papa Juan Pablo II • D. José María Aznar (Presidente del Gobierno Español) • Antonio Gala (escritor) • Pepe Domingo Castaño (periodista). Espacio Abierto XXXIII. Vidrio laminado 23’5 x 29 x 17 cm., año 2001 Espacio Abierto XL. Vidrio laminado 18’5 x 27’5 x 16 cm., año 2001 Karen LaMonte 32 Vista frontal y posterior de uno de los modelos confeccionados por Karen LaMonte. VIDRIO DE ALTA COSTURA Los caminos del vidrio son inescrutables. Originales ideas y novedosas técnicas se entrecruzan para ofrecer resultados espectaculares. Mediante la técnica del casting, Karen LaMonte desenmascara cada una de estas sendas e hilvana la precisa aguja del arte para confeccionar elegantes vestidos en vidrio. PUBLICADO EN EL Nº 70 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO (ENERO DE 2002) La trayectoria artística de Karen LaMonte, FORMACIÓN: nacida en Estados Unidos en el año 1967, se • 1988: Escuela de Cerámica de Penland, Penland (Estados Unidos). • 1989-1996: Escuela de Vidrio de Pilchuck, Seattle (Estados Unidos). • 1990: Escuela de Diseño Rhode Island, Providence (Estados Unidos). • 1999-2000: Academia de Arte, Arquitectura y Diseño, Praga (República Checa). forma a caballo entre su país natal y la República Checa. A pesar del estancamiento al que fue sometido el movimiento artístico checo, LaMonte se deja seducir por el mosaico de pintores, escultores y otros artistas que encontraron en el vidrio el material PREMIOS: idóneo con el que expresar sus ideas. la ciudad checa de Pelechov, se convirtió en • Julio - Septiembre 1999: “Vidrio Creativo de las Tierras del Norte”, Residencia Escocesa. • 1999-2000: “Escultura de vidrio colado en la República Checa”, Beca Fulbright. • 2000: “Premio a la Excelencia”, por el Manhattan Arts International. el refugio de la artista. Con el miedo de quien MUESTRAS EN MUSEOS: se embarca en un proyecto que difiere de lo • 1998 - “VIII Muestra Symposium Internacional de Arte Húngaro en Vidrio”, Vysegrad Fortress (Hungría). - “¡Disfrázate! Vestidos y Complementos”, Charles A. Wustum Museum of Fine Arts, Racine (EE.UU.). • 2000 - “Luz en Vidrio”, Tucson Museum of Art, Tucson (Estados Unidos). - “El Vidrio en Contexto”, GlasMuseum, Frauenau (Alemania). • 2001 - “La realidad cambia: Imágenes representativas en un medio diferente”, Ohio Craft Museum, Columbus (Estados Unidos). - “Rompiendo Moldes: Vidrio Conceptual”, Cleveland Center for Contemporary Art, Cleveland, Ohio (Estados Unidos). Tras años de experimentación y enseñanza en el continente americano, el estudio de Zdenek Lhotsky fundado en los años 50 en establecido, LaMonte presenta un ambicioso desafío: la creación mediante la técnica del casting de vestidos de vidrio a escala real. Lhotsky quedó entusiasmado con el reto de conseguir una pieza complicada y, por su parte, los fabricantes de moldes encontraron alentador el encargo de una nueva propuesta diferente a lo visto hasta el momento. De esta manera, la artista empezó a confeccionar originales vestidos para niños para diversificar su obra en una auténtica EXPOSICIONES INDIVIDUALES Y COLECTIVAS: pasarela en vidrio. Su capacidad por cap- • 1997 - “Juguetes de vidrio: ponis, marionetas y barcos”, exposición individual en The Glass Gallery, Bethesda (Estados Unidos). - “Muestra de la Facultad UrbanGlass”, Robert Lehman Gallery, Brooklyn, Nueva York (Estados Unidos). • 1999 - “La magia de Venecia”, exposición abierta de arte de alta calidad, Las Vegas (Estados Unidos). - “Un encuentro del vidrio”, Sable V Fine Art Gallery, Wimberley (Estados Unidos). • 2000 - “El vidrio: una celebración”, Nancy Hoffman Gallery, Nueva York (Estados Unidos). - “SOFA”, exposición internacional de objetos escultóricos y arte funcional, Nueva York y Chicago (Estados Unidos). - “Sombras coladas”, exposición de dos artistas, Portia Gallery, Chicago (Estados Unidos). - “Iconos, Ídolos y Arquetipos”, Morgan Contemporany Glass Gallery, Pittsburgh (Estados Unidos). - “Obrazy Obrazy”, Zacheta Gallery, Varsovia (Polonia). • 2001 - “Impresiones Ausentes”, exposición individual en Heller Gallery, Nueva York (Estados Unidos). - “SOFA: Maestros del Vidrio Colado”, Exposición Internacional de objetos escultóricos y arte funcional, Nueva York (Estados Unidos). - “Fabricado en la República Checa”, exposición en grupo, Praga (República Checa). - “Mujeres visionarias: una Exposición de Escultura en Vidrio”, Bausch & Lomb Gallery, Rochester, Nueva York (Estados Unidos). - “Vidrio América”, selección nacional de arte contemporáneo, Heller Gallery, Nueva York (Estados Unidos). turar el gesto queda plasmada en cada una de sus confecciones: bultos y pliegues consiguen evocar “animados seres ya ausentes, una forma humana sin un cuerpo humano”. Su línea de vestuario, que desborda vida y elegancia, consigue exportar la mundanalidad de cada gesto cotidiano a la magia imperecedera del vidrio. Además de la originalidad de sus diseños, Karen LaMonte define su obra en torno a una particular concepción del arte: “La gente está tan cautivada con la técnica que pierde de vista sus propias ideas. Ideas y técnica son como dos pies andando, uno no puede ir sin el otro”. Tijeras, aguja, hilo e imaginación se ponen a la entera disposición del arte en vidrio. El costurero de Karen LaMonte queda abierto para sus próximas confecciones. COLECCIONES EN ESTADOS UNIDOS: www.karenlamonte.com Colección de vestidos en vidrio a escala real realizados mediante la técnica de vidrio colado. • The Tucson Museum of Art, Tucson. • Charles A. Wustum Museum of Fine Arts, Racine. • The Corning Museum, Corning. • The Museum of American Glass, Millville. • Saxe Collection. • Wendy and Peter Joseph, Nueva York. • Paul Stankard, Nueva Jersey. • Doug & Dale Anderson Collection, Nueva York. 33 FRÉDÉRIC MORIN + SALOMÉ 34 El arte de la caricia “La caricia, ese gesto de afecto de la madre hacia su hijo, es la primera experiencia en la vida de cualquiera...” Frédéric Morin y Salomé forman un tándem artístico excepcional, cuyas esculturas en vidrio transpiran humanismo y conocimientos en cantidades abrumadoras. Estos dos artistas galos, grandes estudiosos y conocedores de la historia del arte y de las distintas representaciones que se han hecho del cuerpo y de la sexualidad, trascienden el tiempo y la materia en cada una de sus obras, reivindicando la ternura, la sensualidad, la solidaridad y otros muchos sentimientos latentes en lo más profundo de nuestro ser. “Le cœur sur la main”, de Salomé y Frédéric Morin (2001). Escultura en pâte de verre a la “tierra perdida”. Altura: 64 cm. Peso: 36’5 Kg. PUBLICADO EN EL Nº 69 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO (NOVIEMBRE DE 2001) Arquitecto diplomado en 1982, Frédéric Morin ha consagrado su trabajo profesional al estudio de la concepción musulmana del espacio. Sus competencias le llevaron a trabajar incluso en excavaciones arqueológicas en Siria y Jordania. De vuelta a Francia, la arqueología medieval, la fotografía y la edición histórica fueron sus principales actividades hasta que regresó al universo del vidrio en 1991, dentro del taller paterno “Le Pontil”, donde tiempo atrás ya intentó insuflar emociones a sus primeras piezas en vidrio soplado. Poco depués fundó su propio taller: “Verre en Forme”, para lanzarse de pleno a la investigación artística y a la experimentación técnica con el vidrio. Salomé, diplomada en escultura por la Escuela Superior de Bellas Artes de París en 1979, recibía en 1998 una propuesta de Frédéric Morin para colaborar puntualmente en una línea de esculturas en pâte de verre. Desde entonces, Frédéric Morin y Salomé han trabajado y creado en conjunto, reivindicando en sus obras algo tan humano como “Isis” Frédéric Morin (2001) Altura: 58 cm. Peso: 21 Kg. “Monsieur” Salomé Altura: 58 cm. Peso: 28 Kg. la caricia, entendida como génesis de un len- 35 guaje, el de los sentimientos, basado en men- SELECCIÓN DE EXPOSICIONES: sajes mucho más profundos que la palabra o • 1993. Marq-en-Baroeul (Francia). Fondation Septentrion. “La sculpture française en verre depuis 1985”. Ville d’Avray (Francia). Centre Le Colombier. “Magie du Verre”. Saint-Dié (Francia). La Tour de la Liberté/Espace 54. “Libertés du Verre”. Amsterdam (Holanda). Glasgalerie Kühler. “Frédéric Morin”. la imagen. Y la historia de la humanidad concebida como el aprendizaje de ofrecer caricias a los demás. En la edad adulta, este aprendizaje consiste, entre otras cosas, en “superar la paradoja exis- • 1994. Berlín (Alemania). Galerie Glaswerk. “Enlightened”. Hagen (Alemania). Eurogalerie. “Frédéric Morin”. Metz (Francia). L’Arsenal/Espace 54. “Aspects du Verre Contemporain”. tente entre el deseo personal de sexualidad y la reprobación social de las imágenes que la vehículan (...) En aceptar las partes masculinas y femeninas que componen nuestro cuerpo y • 1995. Luxemburgo. Galerie de La Pétrusse. “Au-delà du Verre”. nuestra mente”. Es necesario para ello un largo aprendizaje al que Morin y Salomé contribuyen • 1996. Lieja (Bélgica) y Luxemburgo. “4ème triennale européenne de la Sculpture en Verre”. Tai-Chung (Taiwan). Pleasure Artistic Decoration. “Glass Art Collection France 1996”. con sus esculturas, repletas de sensualidad y ambigüedad. El matrimonio escultórico entre vidrio y barro, la fusión entre la técnica legenda- • 1997. Dammarie-lès-Lys (Francia). Château des Bouillants. “An 2000-2000 lumières”. Pompano Beach (EE.UU.). Di-Donna Art Gallery. 1998. Luxemburgo. Banque Générale de Luxembourg. “Le génie verrier de l’Europe”. Tai Chung (Taiwan). Pleasure Artistic Decoration. “Glass Art Collection Czecho-France 1998”. ria de la pâte de verre y el peculiar moldeado a “tierra perdida”, que confiere a las esculturas esa apariencia de haber sido “acariciadas” por la mano del artista, como si de una pieza de arcilla se tratara, es ideal para este fin. • 1999. Montbéliard (Francia). Galerie Perrin. “Frédéric Morin + Salomé”. L’Isle-sur-la-Sorgue (Francia). Galerie Reflets. “Frédéric Morin + Salomé - oeuvres récentes”. “Deux Isis” Frédéric Morin (2001) Altura: 58 cm. Peso: 20’2 Kg (rojo) 21 Kg. (naranja) • 2000. Lieja y Luxemburgo. “5ème triennale européenne de la Sculpture en Verre”. Knokkle-Zoute (Francia). Cafmeyer Gallery. “Frédéric Morin + Salomé = Modèles”. Montpellier (Francia). Galerie Cool-Heures. “Frédéric Morin + Salomé”. Bratislava (Eslovaquia). Palais Palffy. “Transparences”. Arles (Francia). Espace Laly. “Frédéric Morin + Salomé”. • 2001. Bourglinster (Luxemburgo). Château. “Frédéric Morin & Salomé, nouveaux rivages de la pâte-de-verre”. EXPOSICIÓN PERMANENTE: www.chambres-hotes-monin-salome.fr L’Eclat du Verre. Louvre des Antiquaires. 75001 París. Tel. +33 1 47033719. DARIO BARTOLINI LA LÍNEA IMAGINARIA 36 Nacido en la localidad italiana de Trieste en 1943, Dario Bartolini, arquitecto, dibujante, artista, turista, hombre de mundo, en definitiva, puede presumir de haber visitado los más recónditos parajes del Viejo Continente. Una de sus últimas exposiciones, “Acque Meridiane” (“Aguas Meridionales”), recoge su más amplia colección de obras realizadas con varillas de vidrio. Como su nombre indica, se trata de un viaje a través del meridiano que recorre toda Europa Central, de norte a sur y viceversa, que éste retrata mediante 62 obras que aglutinan las imágenes, el ambiente, el paisaje más característico de cada uno de los lugares de esta encantadora latitud del planeta. PUBLICADO EN EL Nº 68 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO (SEPTIEMBRE DE 2001) ESCULTURAS ITINERANTES POR EL MERIDIANO Entender el mensaje que se esconde tras la filosofía artística de Dario Bartolini requiere conocer el significado que éste concede a dos conceptos básicos que se repiten a lo largo de su obra: el agua y la línea. Para el artista, el agua es el motor que mueve el mundo, la fuente de la vida, el ele“Ventana” al aire libre. Realizada con varillas de vidrio sustentadas con marcos de madera. Colección itinerante “Acque Meridiane”. mento cohesionador de cada uno de los paisajes que le rodean y se forman a su alrededor. Por su parte, la línea permite crear las formas más variopintas, con libertad, configurando diferentes imágenes, mensajes, emociones. Así, no es de extrañar el porqué de su viaje de casi un mes (del 10 de julio al 5 de agosto de 2000) a través del meridiano (línea imaginaria) que recorre toda Europa Central. “Ventana” en medio de la carretera que bordea el río Po (Italia). Colección itinerante “Plein Air”. Un total de 10.569 Km. de sur a norte y viceversa a través de países como Italia, Francia, “Ventana” apoyada sobre un grupo de rocas erosionadas por la acción del agua. Realizada en madera y varillas de vidrio. Colección itinerante “Acque Meridiane”. Austria, Alemania, Holanda, Dinamarca, Suecia y Noruega, en el que indagó cada uno de sus paisajes más característicos, siempre 37 al abrigo del mar, el río, la costa, los lagos, del agua en sus diferentes estados. A resultas de ello, la línea y el agua como telón de fondo, se funden para dar significado, vida, a sus curiosas obras de vidrio. Qué mejor que emular la línea y sus formas con varillas de vidrio de Murano, brillantes, transparentes, de colores, como la naturaleza, el paisaje y la vida misma. Todo, acompañado “Ventana” sobre un puente del Valle de Namsen (Noruega). Colección itinerante “Acque Meridiane”. del empleo del hierro y la madera, materiales que, como el vidrio, son maleables según las exigencias de la creación. En resumidas cuentas, la pureza, el resplandor y el cromatismo del vidrio, la rigidez del hierro, así como la alta capacidad estética y vertebradora de la madera, derivan en la concreción de diferentes motivos artísticos como sus “ventanas”, “Ventana” instalada a medio camino entre los ríos Ticino y Po (Italia). Colección itinerante “Plein Air”. marcos a través de los cuales se pueden contemplar y retratar las imágenes más pintorescas del mundo, del hálito de sus diferentes paisajes. Combinación de lo estable (la “Ventana” sobre rocas de la cascada de Fiskumfoss (Noruega). Colección itinerante “Acque Meridiane”. línea) y lo inestable (el agua) como esencia del movimiento, del motor de la vida. La línea y el agua, dos conceptos que gozan de plena libertad, infinitos, inacabables, capaces de ofrecernos un lenguaje particular de ideas y sensaciones, de imágenes y mensajes. “Ventana” fotografiada al anochecer. Colección itinerante “Acque Meridiane”. www.dariobartolini.net TRAYECTORIA PERSONAL • 1967-73.- Miembro del grupo vanguardista radical de arquitectos Archizoom. • 1969.- Contrae matrimonio con Lucia, del que nacen Ernesto en 1970 y Giuseppe en 1973. • 1972.- Tésis de arquitectura “Vehículo a paso variable”. • 1973-76.- Investigación en diseño de vestuario. • 1973.- Trienal de Milán (Italia): “Vestirse es fácil”. • 1989-93.- Estudios sobre la simetría. • 1993-99.- Producción de obras con perfiles de hierro. Estudio del equilibrio y la estática. • 1995-99.- Producción de varillas de vidrio: obras mixtas en hierro y vidrio. • 1996.- “In Cava”. Obras en hierro y vidrio. • 2000.- “Acque Meridiane”, Florencia (Italia). Colección itinerante de obras en hierro y varillas de vidrio. • 2001.- “Plein Air”, Ticino y Po (Italia). Colección itinerante de obras realizadas en hierro y varillas de vidrio. MEELI KÕIVA 38 Detalle de varillas de vidrio con borosilicato. FOTOGRAFÍAS DE SERGEI DIDYK. EL VIDRIO CON LUZ PROPIA PUBLICADO EN EL Nº 67 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO (JULIO DE 2001) Atrapar la luz puede parecer una ilusión qui- Esculturas luminosas con varillas de vidrio. mérica. Sin embargo, este es el pueril objetivo con el que la artista estonia Meeli Kõiva-Vällo ha alcanzado la madurez de su obra en vidrio, modus operandi al que le atribuye un “sentido y sentimiento cósmico de final de siglo”. Miembro de la Asociación Estonia de Artistas, Kõiva consagra el vidrio como material y la luz como elemento dinámico. Luces y sombras, reflejos y profundidades, juegan un rol esencial en cada uno de sus proyectos. Su amplio legado de pinturas en vidrio de color ratifica su explícito deseo de sintetizar la arquitectura con el diseño artístico, dejando su huella en importantes edificios públicos de su país natal o elaborando pedidos particulares. En el año 1985, la artista diseña su primer objeto luminoso con varillas de vidrio de cuarzo, Tele Echo, que se instala en la Torre de Televisión de Tallinn, capital estonia. A partir de este momento, iniciará una creación paralela de esculturas realizadas mediante esta técnica, cuya estructura de varillas de vidrio, combinada con nuevas aplicaciones de fibra 39 óptica, permite crear iluminación y sombras en la estancia durante el día, mientras que la luz del atardecer sobrevive gracias a varios sistemas que iluminan su estructura. La tecnología más avanzada, en concordancia con la últimas innovaciones en materiales, se conjuran para crear un misterioso punto de concentración en el espacio capaz de convertir la “nada” en “algo” a través de la transparencia de la iluminación. Su propuesta logra emfatizar la singularidad de la estancia otorgándole un profundo sentido de libertad, flexibilidad y profundidad, del que sólo la FORMACIÓN artista es responsable. • 1984: Instituto de Arte del Estado Estonio. • Desde 1988 artista independiente. • Desde 1993 miembro de la Asociación de Artistas de Estonia. • 1993-1995: estudios en Finlandia y en diversas compañías de iluminación. • 1996: Estudios de vidrio y vidrio de color en Nueva York y Philadelphia (Estados Unidos). • 2000: Estudios sobre fibra óptica en la finlandesa SAAS Instrumentti Oy. • Estudios de diferentes compañías arquitectónicas de Nueva York (Estados Unidos). Trabajos con iluminación con láser, vidrio de color, arenado, técnicas de vidrio caliente, etc. En este campo, Kõiva opina que el artista no es sólo creador, sino que se debe también a una misión filosófica especial en la que determinar los parámetros de la luminosidad y sus proporciones, entregándose a sus precedentes y buscando analogías en la arquitectura moderna y su lenguaje. Kõiva aboga por un futuro en el que la cooperación entre diseñadores, científicos y arquitectos abra nuevos caminos y posibilidades para el vidrio. Obras como la suya suponen el primer paso de este largo camino. [email protected] EXPOSICIONES • 1989: Primera exposición “Trash 89”. • 1990: Exhibe sus objetos luminosos en una exposición de arte, Tallinn (Estonia). • 1994: Representa a Estonia en el festival Baltic Jubilee de Malmö (Suecia) con vidrios de color monumentales. - Exposición colectiva con artistas estonios del vidrio, Hvitträsk (Finlandia). • 1997: exposición colectiva “Estonian Glass 60”, dos vidrios de color monumetales y objetos luminosos. • 1998: Pieza luminosa en el banco Ühispank, Tallinn (Estonia). • 2000: Objetos de vidrio con luz en la exposición “Viru” en Jõhvi (Estonia). - Muestra de arte en vidrio en la playa de Toila (Estonia). TRABAJOS MONUMENTALES • 1985: “Tele Echo”, composición con varillas de cuarzo en la Torre de la Televisión de Tallinn (Estonia). • 1993: “Scratching horizon” (“Rayando el horizonte”), cuatro ventanas en vidrio de color en el edificio de administración del puerto de Tallinn (Estonia). • 1995: Vidrio decorado para las escaleras en espiral de un domicilio particular, Tallinn (Estonia). • 1996: Tres pinturas de vidrio en color en los Tribunales de Justicia de Tartu (Estonia). • 1998: Objetos luminosos (acrílicos, vidrio, sistemas de iluminación) en el bano Ühispank, Tallinn (Estonia). • 2000: Objetos luminosos para domicilio particular, Tallinn (Estonia). CONFERENCIAS • 1999: Participación en “Hoy y en el siglo XXI”, Conferencia de Vidrio Arquitectónico y de Automoción, en Tampere (Finlandia), con “Vidrio de color y objetos luminosos que traen la singularidad y el misterio a la arquitectura”. • 2001: “Luz, vidrio y fibra óptica crean una nueva dimensión en las formas arquitectónicas”, en el marco de la séptima edición de Glass Processing Days, Tampere (Finlandia). MARIA GRAZIA ROSIN METAMORPHOSIS VENERELLA (1996). 35 x 35 x 17 cm. 40 SATIRELLA de la serie BODY GARDEN (1996). 35 x 35 20 cm. PUBLICADO EN EL Nº 66 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO (MAYO DE 2001) EL REFLEJO DEL DÍA A DÍA La Galería D’Arte & Divetro presenta las esculturas en vidrio y acuarelas de la artista Maria Grazia Rosin. En el año 1992, la Fundación Bevilacqua La Masa ofrece a Maria Grazia Rosin, diplomada en la Academia de Bellas Artes de Venezia con Emilio Vedova, la posibilidad, junto a otros siete jóvenes del área de Veneto, de realizar sus propias obras en colaboración con los hornos muranenses De Majo. A esta oportunidad le seguirá la exposición Progetto Vetro, a cargo de Rosa Barovier Mentasti. A partir de esta experiencia, Rosin afianza a la bidimensionalidad visionaria de sus grandes telas, la potencia escultórica del vidrio, material nuevo para ella. La última obra expuesta de Maria Grazia Rosin ha sido realizada por entero en Murano, donde la artista se sirve de la obra de maestros célebres por su extraordinaria capacidad, como Pino Signoretto, Vittorio FORMACIÓN Nacida en Cortina D’Ampezzo (Italia) Estudia en la Academia de Bellas Artes de Venecia, en la especialidad de pintura, bajo la direc. de Emilio Vedova. Vive y trabaja entre Milán y Venecia. MUESTRA COLECTIVA - Art Multiple, Dusseldorf (Alemania). - Museum Van Bommel, Van Dam, Venlo (Holanda). - L’Art Verriere du XX Siècle, París (Francia). - New Glass in Venezia, Venezia (Italia). 1996-Art Miami Convention Centre, Miami (USA). -“Tresors’96”, Marco Polo Glass Gallery (Singapur). -“New Design in Glass”, Kunst Museum, Dusseldorf (Alemania). -“La Fabbrica dell’Arte”, Louisiana Museum, Copenhaghen (Dinamarca). -“Aperto Vetro”, I Biennaledella Scultura in Vetro Contemporanea, Museo Correr, Venezia (Italia). 1997-Flash Art Museum, Trevi (Italia). 1998-Galleria D’Arte & Divetro, Bergamo (Italia). -“Aperto Vetro”, II Biennal of Contemporary Glass Sculpture, Venezia (Italia). 1999-Galleria Blanchaert, Milano (Italia). 2000-Galleria Blanchaert, Milano (Italia). -Galleria Colombari, Milano (Italia). -The Bullseye Connection, Portland (USA). 1982-Fondazione Bevilacqua La Masa, Venezia (Italia). 1983-“Mescolanze”, Galleria Lillo, Venezia Mestre (Italia). 1984-Galleria Mascarella, Bologna (Italia). 1985-“Serenate”, Reggio Emilia (Italia). -Fondazione Bevilacqua La Masa, Venezia (Italia). 1987-Galerie Boom E rang, París (Francia). 1989-Galleria Contatto Europa, Milano (Italia). 1992-“Progetto Vetro”, Fondazione Bevilacqua La Masa, Venezia (Italia). 1993-“Objects de Design-Objects de Dèsir”, Scremini Gallery, París (Francia). -45º Biennale d’Arte Contemporanea di Venezia, Venezia (Italia). 1994-Musée de Beaux Arts, Carcassonne (Francia). -World Glass Now, Sapporo (Japón): Hokkaido Museum MUESTRA PERSONAL of Modern Art, Hiroshima City Museum of Contemporany 1988-“Fluidi Obliqui”, Galleria Interno Quattro, Art, Hokkaido Museum of Modern Art, Shimonoseki City Udine (Italia). Art Museum, National Museum of Modern Art of Tokio, 1994-Gooijer Fine Arts, Doesburg (Holanda). Daimari Museum, Umeda Osaka. -Galleria D’Arte & Divetro, Bergamo (I talia). -Galleria D’Arte & Divetro, Bergamo (Italia). 2000-Museo Correr, Venezia (Italia). -Galerie Ingrid Mensendiek, Dusseldorf (Alemania). -Galleria D’Arte & Divetro, Bergamo (Italia). -Kunstuitleen Kunsthandel Dijkstra, Waalwijk (Holanda). 1995-New Glass, Venezia Kunst Beur, den Haag COLECCIONES PÚBLICAS (Holanda). -Ernsting Stiftung Foundation (Alemania). -Glass Kunst Beur, Leerdam (Holanda). -Kunstmuseum Dusseldorf (Alemania). Ferro, Andrea Zilio y Gianluca Pagnin. La muestra presenta, en particular, las nuevas venusianas, de construcción aérea y 41 www.galeriemariskadirkx.nl dinámica, que evidencian un estudio cuidado en el equilibrio de la forma y la armonía de colores, pero reemprendiendo también, en el modo del todo nuevo, temas que la artista ya había afrontado en el pasado: las botellas de detergente, por trama y color de la matriz de De Stijl, con descubierta referencia a Mondrian, la araña que, entrelazando un tupido coloquio con aquellas tradiciones muranenses del siglo XVII, se resuelve en clave de afectuosa ironia en la envolvente forma del folpo, término dialectal para pólipo; los organicosmici, que contienen una explosión irregular de flores antropomórficas y una serie de pite y body garden, formas redondeadas con efecto realista y con clara referencia animal y humana, destacando las piezas denominadas satirella, y por último, la serie venerella, claras referencias corporales en las que el color intensifica su mensaje. Maria Grazia Rosin trae su inspiración de la observación de la vida cotidiana. Por ello no podía faltar, en esta muestra, los vasos, tema recurrente en Murano así como en la obra de Rosin. Tras haber tomado como excusa, en el pasado, las partes del cuerpo humano para dar vida a la inusual copa de los improbables, pero no imposibles, usos, la artista expone una nueva serie de vasos que contienen píldoras coloreadas en vidrio, expresión de su actual búsqueda del estrés y el ansia, neurosis de nuestros tiempos. VENUSSIANO, compuesto de dos elementos, uno en cristal y el otro en vidrio blanco (1999). 45 x 70 x 22 cm. ARGENTINOS EN EUROPA EDUARDO GIUSEPPE NIETO ANTONIO SCIACCA “ESPECIALISTAS EN FUSING” De izquierda a derecha Eduardo Giussepe Nieto, Guillermo Candela y Antonio Sciacca 42 PUBLICADO EN EL Nº 66 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO SUPLEMENTO QUIÉN es QUIÉN ARGENTINA, (MAYO DE 2001) La idea de trabajar conjuntamente nació artistas que pasaron por ese taller milanés, productos alemanes Bohle, estando pre- en Milán (Italia), entre dos amigos, Antonio entre otros, Narciso Quagliata y Silvia sentes en el stand de esta compañía en las Sciacca y Eduardo Giuseppe Nieto, que des- Levenson. Junto a Miriam aprendí las bases dos cubrieron el amor de ambos por la Ciudad técnicas, estéticas y de respeto por este barcelonesa Construmat. Asimismo, Aleph Condal, encontrándola llena de energía e ecléctico material y, sobre todo, las cosas ha organizado seminarios en diversas ciu- iniciativas, decidieron hacer las maletas e que no se deben hacer...”. dades de Portugal y en la fábrica de hornos últimas ediciones de la feria Barracha, ubicada en Valado Dos Frades instalarse en el barrio del Raval para vivir Después de esos años de transición, y, de paso, reciclar una vieja panadería en Eduardo y Antonio se conocen y establecen la zona del Borne, donde instalaron el taller una profunda amistad y una gran pasión por En Julio del año 2000 se agrega al taller, de fusing Aleph, lugar en el que se continúa el arte. Con una renovada energía creativa asociado a AAIP FAD y al Centre Català comienzan a organizar sus vidas. Antonio nos d’Artesania, comenta “...vivía en una pequeña ciudad del Guillermo Candela como colaborador. horneando, pero en este caso, vidrio. Nacido en Buenos Aires (Argentina), (Nazaré). el también argentino Eduardo Giuseppe Nieto llega a Europa en el norte de Milán, donde el motor es la fabrica- En mayo del presente año abre sus año 1980 y se instala en Italia. Allí se introdu- ción de muebles, especialmente de diseño y, puertas la tienda de Aleph en la calle ce en el mundo de la cerámica. Residiendo en trabajar en una de estas fábricas, me ha per- Princesa de Barcelona, culminando el cons- Padua e influido por la vecindad de Venecia, mitido estar en contacto con los objetos crea- tante crecimiento con el que Aleph ha desarrolla su obra inspirándose en los perso- dos por artistas que admiraba: Le Courboiser, impulsado su producto, conocido a nivel najes de la Commedia dell’Arte y en sus más- F.L. Wright, Aldo Rossi, P. Starck, etc. Había nacional e internacional. Las obras de los caras y, de manera autodidacta, va desarro- estudiado Bellas Artes pero no había conse- tres artistas se encuentran en los bookshops del Museo de Arte Moderno Reina llando su técnica. Tras un periplo de cuatro guido canalizar mi creatividad de manera años, en 1984 regresa a Buenos Aires y en la continuada... pero lo que tenía claro era que Sofía (Madrid), Casa Museu Parque Güell Escuela de Cerámica hace un curso de técni- el Pop Art y el Rock ejercían una fuerte influen- (Barcelona), Palau Güell (Barcelona), La ca ceramista y participa en diversas exposi- cia en mi modo de expresarme, en mi coti- Pedrera (Barcelona), Sagrada Familia ciones colectivas. En 1988 viaja a Faenza dianidad creativa: dibujos, pinturas, escultu- (Barcelona), Galleria Fabio Cammarata de (Italia), cuna de la cerámica, para estudiar ras con objetos reciclados que regalaba a mis Milán (Italia) y colecciones privadas en cursos de perfeccionamiento con hornos de amigos. Luego conocí a Eduardo y un día me Suiza, Italia y Estados Unidos. altas temperaturas obteniendo, conjunta- llevó al estudio donde trabajaba junto a mente con su tesis de escultura, el premio Miriam. Allí me dí cuenta de las posibilidades anual del Instituto Ballardini. Continúa resi- que me daba el vidrio para expresarme...”. diendo en Faenza, donde participa en diver- Lo demás es presente y la creatividad en sas exposiciones además de trabajar con la este viejo “Horno del Borne” és inagotable, artista italiana Mirta Morigi, en su estudio de es el lugar donde se les puede ver traba- cerámica, uno de los más prestigiosos de jando y exponiendo sus obras, unas obras Faenza. en vidrio y de vidrio, no sólo por el mate- Al mundo del vidrio se acerca, primero rial, sino por su delicadeza y, sobre todo, Eduardo, y más tarde Antonio, de la mano de belleza. En este espacio creativo se realizan Miriam Di Fiore. Eduardo nos comenta: “...era variadas técnicas de fusión del vidrio con el verano de 1991 y estaba haciendo un mer- diseños siempre innovadores y alta calidad cadillo de artesanía en Recanati, una peque- del producto, desde el trabajo con vidrio EDUARDO GIUSEPPE NIETO ña ciudad del centro de Italia, donde se tra- float a vidrios más sofisticados, como son el • 6-8-1957.- Nace en Buenos Aires (Argentina). • 1985-87.- Estudia en la Escuela de Cerámica Arranz de Buenos Aires. • 1987-88.- Enseña cerámica en el estudio de Silvia Berkoff en Buenos Aires. • 1988-90.- Estudia en el Instituto Ballardini de Faenza (Italia) escultura en gres y porcelana. - Exposiciones colectivas en Imola, Faenza, Milán, Genova, Savona y Recanati (Italia). • 1991-97.- Trabaja en el estudio Arco Iris de Miriam Di Fiore. • 1998.Inaugura junto a Antonio Sciacca el Taller - Show Room Aleph en Barcelona (España). baja para que el público viera la elaboración Bullseye, óxidos y esmaltes, fritas, realiza- de los productos, cuando en un intervalo fui a dos en plano o termoformados para apli- dar un paseo por los otros puestos y en un rin- caciones que van desde objetos de regalo cón, encuentro uno que tenía una magia muy (ceniceros, platos, bandejas, relojes, etc.) a especial, era Miriam que, con un pequeño hor- móviles, lámparas y trabajos para la arqui- no, moldes, polvitos mágicos y muchos vidrios, tectura (planchas para vidrieras y puertas, cocía, rodeada de gente y su curiosidad, unos enteras o modulares), baldos y revesti- magníficos objetos con toda la luminosidad y mientos. Aleph responde a trabajos por la transparencia que sólo el vidrio nos puede encargo con proyectos únicos y personales ofrecer...”. en pequeñas y grandes series. Así, se entabla la relación con quien fue- Un variado surtido en regalos empresa- ra su maestra y posteriormente su gran riales configura la principal actividad de los amiga. “... Fueron años de intenso trabajo y dos artesanos vidrieros que, asimismo, orga- de constante aprendizaje en los cuales mi nizan cursos y seminarios de técnicas bási- creatividad se había apagado... abandoné cas y avanzadas. Estas actividades de la cerámica aunque el vidrio no terminaba aprendizaje cuentan con el asesoramiento de hacerse mío. Pero seguía aprendiendo y técnico de la firma Maquimetal, S.A. de viviendo ese mundo, al lado de diferentes Barcelona (España), representante de los www.talleraleph.com ANTONIO SCIACCA • 8-6-1965.- Nace en Seregno, Milán (Italia). • 1980-83.- Estudia Bellas Artes en la Villa Reale (Monza). • 1984-91.- Trabaja en el taller de muebles de su padre. • 1992-97.- Trabaja en la fábrica Cassina de Meda (Italia) produciendo muebles de diseño. • 1998.Inaugura junto a Eduardo G. Nieto el Taller - Show Room Aleph en Barcelona (España). 43 ARGENTINOS EN EUROPA MIRIAM DI FIORE “Amo el vidrio en todas sus múltiples variantes y formas. A través de él me expreso plenamente. Lo conozco, lo siento, y como es dócil conmigo, lo trato con profundo respeto” 44 “Imágenes imperecederas” “Legío Crudele”(2001) 40’5 x 28 x 1’5 cm. Vidrio micromosaico fusionado y sierra para madera Foto: Ferruzi (gentileza de la Habatat Gallery International de Pontiac, Estados Unidos) PUBLICADO EN EL Nº 66 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO SUPLEMENTO QUIÉN es QUIÉN ARGENTINA, (MAYO DE 2001) Miriam Silvia Di Fiore nacía en Buenos Aires (Argentina) en enero del año 1959. Hoy presume de contar con la doble nacionalidad argentina e italiana, además de haber maravillado a los amantes del vidrio de todo el mundo, exponiendo su incomparable obra tanto en círculos íntimos como en las más importantes galerías de arte del planeta. En su obra, el vidrio y la madera, así como las características intrínsecas de ambos, se fusionan, recreando paisajes inmortales pese al paso del tiempo, llenos de luz y de fuego, de fulgor, de una chispa vital en definitiva, que no se apagará jamás. El principal mensaje de sus objetos artísticos, más allá de su valor ornamental y material, cabe descifrarlo en la búsqueda incesante de lo que ella misma define como la recreación de la “ilusión de eternidad”, de conservar, de inmortalizar y enmarcar mediante un objeto una idea, un sentimiento, una confesión, los valores cambiantes absorbidos y difuminados en un ente atemporal capaz de detener las agujas del reloj, capaz de aboler las fronteras espaciales. Miriam Di Fiore concibe el vidrio como un espejo en el que poder observar y reconocer la realidad más auténtica, nuestros valores y sentimientos más íntimos, a modo de confesionario en el que expresar nuestra propia visión del entorno, del mundo que nos envuelve. Para ella, “el vidrio es un material que no conoce fronteras porque, la luz, fuente de inspiración de nuestra propia visión de la vida, puede atravesarlo, como nuestra mente, como nuestro corazón”. www.miriamdifiore.com MUESTRAS COLECTIVAS 1975. - Salón Regional de Cerámica, Mar del Plata (Argentina). 1976. - Salón Nacional de Artes Plásticas, Buenos Aires (Argentina). 1977. - II Selección de Artistas Plásticos, Provincia de Buenos Aires (Argentina). 1983. - Premio DIME, Milán (Italia), por los revestimientos cerámicos: mención especial del jurado. 1984. - Premio DIME, Milán (Italia), por la mejor composición para la pavimentación interior. 1985. - Premio DIME, Milán (Italia), por la mejor composición para el revestimiento exterior. 1990. - Artista invitada a la muestra “Estilo italiano, moda y diseño” de Mosca (Italia).- “La seducción del Artesanado”, Ministerio de Comercio, Industria y Artesanado, Roma (Italia). 1991. - Tres muestras de búsqueda del color: “BiancoNero”, “Verde-Blu”, “Viola-Arancio”, Studio Sargam, Milán (Italia). 1992.- “Vidre i escultura contemporània”, Galeria Ambre, Banyoles (España).- “The Italian Art of Living”, New York (Estados Unidos), Departamento Italiano para el comercio exterior. 1996.- “Allo specchio”, Galleria La Porta Rossa, Milán (Italia). 1997.- Ikedaya Gallery, Osaka (Japón).- Canadian National Exhibition, Toronto (Canadá).- Museo Etnográfico de Rusia, San Petersburgo (Rusia). 1997-2000.- Galería Valmore, Vicenza (Italia). 1999.- “Transparencia - Vidrio Artístico Contemporáneo”, Museo del Vidrio de Marinha Grande (Portugal). 2000.- “Sofa, International Glass Exhibition”, Chicago (Estados Unidos). 2001.- Exposición de vidrio artístico en la Habatat Gallery International, Pontiac (Estados Unidos). EXPOSICIONES INDIVIDUALES 1985.- Studio Sargam, Milán (Italia). 1989.- Spazio d’Arte Pizzol, Milán (Italia). 1991.- Realiza el vitral del Ayuntamiento de Súria, Barcelona (España).- Galería La Costarella, San Gimignano, Siena (Italia). 1993.- Studio Cecè Casile, Milán (Italia). 1995.- Studio Pandora, Sorano. CURSOS Y SEMINARIOS 1991.- Linda Ethier, Pâte de Verre, Creative Glass, Zúrich (Suiza). 1992.- Simposio de Vidrio, Barnbach (Austria). 1994.- Rudy Gritsch, Creative Glass, Zúrich (Suiza).Pilchuk Glass School, Seattle (Estados Unidos). Lino Tagliapietra, Rudy Gritsch, fusión y soplado. 1995-96.- Asistente docente durante el Seminario de Narcisus Quagliata, Florencia (Italia). 1996.- Asistente docente durante el Seminario de Narcisus Quagliata en el Museo de la Real Escuela del Vidrio de La Granja, Segovia (España). 1997.- Imparte un curso de técnicas básicas de la fusión del vidrio para la S.R. Glass Design de Bangkok (Thailandia).- Imparte curso sobre técnicas alternativas para decoración del vidrio en caliente.- Imparte curso sobre técnicas avanzadas para la fusión del vidrio para el Instituto Nacional del Vidrio de la Granja de San Ildefonso, Segovia (España). 1998.- Curso individual de batido e incisión con el maestro Luigi Carnozzo, Murano (Italia).Imparte curso sobre la técnica del Light Painting en la Escuela de Arte de Palermo, Buenos Aires (Argentina).- Imparte curso sobre la técnica de fusión y termoformado en la Escuela Municipal del Vidrio del Centro Leòn Rigoleau de Berazategui (Argentina).Participa en la Conferencia “Avances técnicos y artísticos en la vidriera contemporánea” celebrada en la Universidad de Cantabria (España). 2000.- Semana de trabajo soplando obras de micromosaico fusionado con el maestro Vittorio Ferro, Murano (Italia).- Simposio Internacional “10 años de formación en vidrio”, Centro Nacional del Vidrio de La Granja de San Ildefonso, Segovia (España).- Curso de técnicas básicas del vidrio fusionado. Centro del Vidrio de Galicia, Santiago de Compostela (España). OTROS ASPECTOS RESEÑABLES • Formación: Liceo Clásico y Licenciatura de Cerámica y Diseño en la Escuela Nacional de Cerámica de Mar del Plata (Argentina). • Exposiciones permanentes: algunas de sus obras forman parte de la Colección de Vidrio Contemporáneo del Museo Nacional del Vidrio de Segovia (España); de la Colección de obras de arte en vidrio de Revista del Vidrio Plano, Barcelona (España); en la Galería Regina Arte in Vetro de Murano (Italia); o la Mostly Glass Gallery de New Jersey (Estados Unidos), en la que precisamente el pasado año 2000 recibía el primer premio en el concurso internacional que organiza esta galería. • Durante los últimos tres años ha sido seleccionada en la competición internacional del New Glass - Corning Museum (Estados Unidos) para la 20ª, 21ª y 22ª edición de su prestigioso catálogo. “Tavolozza del Tramonto” (2000) 45 x 38 x 7 cm. Vidrio micromosaico fusionado, Pâte de Verre, caja de madera, raíces de hiedra Foto: Editha Grasso (cortesía de la Mostly Glass Gallery de New Jersey, Estados Unidos) “Scrigno della speranza” (2000) 18 x 15 x 10 cm. Vidrio micromosaico fusionado, ilado y modelado a nido, caja de madera Foto: Ferruzzi (cortesía de la Galería Regina de Murano, Italia) 45 ARGENTINOS EN EUROPA SILVIA LEVENSON “FASHION GLASS” SÍMBOLOS AMBIGUOS AMBIGUOS “No soy una fanática del vidrio, soy una fanática de mi trabajo en general” “Soy una señora, yo” 20 x 24 x 8 cm. Vidrio industrial elaborado mediante la técnica del Casting 46 “Amor” (2001) 20 x 25 x 10 cm. Pieza realizada en vidrio fundido y técnica Tiffany “Touch Me” (2000) 40 x 30 x 20 cm. Pieza elaborada mediante la técnica de Pâte de Verre “Prêt a Porter” Pieza elaborada mediante la técnica de vitrofusión PUBLICADO EN EL Nº 66 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO SUPLEMENTO QUIÉN es QUIÉN ARGENTINA, (MAYO DE 2001) Nacida en Buenos Aires (Argentina) en el año 1957, Silvia Levenson se establece en Italia a principios de la década de los 80 como consecuencia de los problemas surgidos a raíz de la Dictadura Militar argentina. Sus primeros trabajos en vidrio estuvieron marcados por el recuerdo de la persecución a la que fue sometida su familia por el régimen dictatorial argentino (libros de viaje, maletas) para, una vez anestesiada de esos tristes recuerdos retratar en este noble material un miedo que ella considera todavía mayor: el de la violencia domés- FORMACIÓN Y ACTIVIDAD PROFESIONAL 1991.- Curso con Antoine Leperlier en el Museo - Atelier de Vidrio de Sars Poteries (Francia). 1994.- Curso con Vincent Van Ginneke en el Museo - Atelier de Vidrio de Sars Poteries (Francia), (escultura en vidrio). - Artista invitada a la Bienal de Arte Aplicada en La Habana (curso y conferencia). - Dicta conferencias sobre su trabajo en la Escuela de Bellas Artes San Alejandro, La Habana (Cuba). 1995.- “Artist in residence” en la fábrica de vidrio “Bullseye co.”, Portland (USA). - Dicta un curso de casting en la Escuela de Vidrio de Berazategui, Buenos Aires (Argentina). 1996.- ”Artist in residence” en el Museo del Vidrio de Sars Poteries (Francia). 1997.- Dicta curso y conferencia en la Escuela de Vidrio de Berazategui, y en la Escuela de Arte de Palermo, Buenos Aires (Argentina). - A partir del 1997 enseña en la Scuola Vetro Ricerca di Bolzano (Italia). 1998.- ”Artist in residence” en la fábrica de vidrio Bullseye Co.” (USA). 1999.- Conferencia en el Museo Bagatti Valsecchi, Milán (Italia). 2001.- Conferencia en la Escuela de Bellas Artes de Venecia (Italia). tica. Un temor que se padece en un gran EXPOSICIONES PERSONALES número de familias, una temática desgra- 1990.- Galleria Città Giardino, Pavia (Italia). 1994.- ”Totem d’ombra, totem di luce”, Galleria Colorenero, Milano (Italia). 1995.- ”El Viaje”, con Florencia Martínez, Mercato del Pesce, Milano (Italia). - ”Trans-ferirsi” Galleria Arch & Craft”, Milano (Italia). - ”Valijas Transparentes”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (Argentina). - ”D’arte & Divetro”, Bergamo (Italia). - ”El viaje: selección de trabajos”, Bullseye Connection, Portland (USA). 1996.- ”Canibalismo de sentimientos”, Musee Atelier de verre Sars Poteries, (Francia). - ”Batalla Naval”, Galería Materia Prima, Venecia (Italia). - ”Levenson/Northbrook”, Bullseye Connection, Portland (USA). 1997.- ”Todo está en orden, querido”, Galería Materia Prima, Venecia (Italia). - ”No me mires así, tesoro”, Espacio Care/Of, Milán (Italia) con Florencia Martínez. 1998.- ”Cenetta Intima”, Connection Gallery of Bullseye Glass, Portland, (USA). -Braggiotty Gallery, Amsterdam (Holanda). 1999.- ”Fashion Glass”, Galleria Maria Cilena, Milán (Italia). - ”Los zapatos de cenicienta”, Galerie Hyaline, Marsella (Francia). 2000.- ”Design by Silvia Levenson”, Braggioti Gallery, Amsterdam (Holanda). - ”Nena mala”, Galleria D’Arte & Divetro, Bergamo (Italia). - ”Haute Glass”, Bullseye Connection, Portland (USA). 2001.- ”Correre ai ripari” Galleria Fioretto, Padova instalación en el Museo Archeologico de Padova (Italia). ciadamente de moda en la sociedad contemporánea. Su tercera gran línea de actuación se centra en lo que denomina como la “Fashion Glass” (“moda en vidrio”), una serie de obras en vidrio (bolsos, zapatos, vestidos, lencería) que retratan la ambigüedad existente entre la apariencia y la realidad que se esconde tras ésta. Actualmente, Silvia está abordando una nueva temática tan actual como problemática: la infancia. Dentro de este apartado está trabajando en vestidos, juegos y columpios en vidrio que esconden nuevamente el mensaje capital de su obra: la contradicción, la ambigüedad que recrea el vidrio, un material que se emplea en nues- PRINCIPALES EXPOSICIONES COLECTIVAS tra vida cotidiana (elemento protector en 1987.1992.1993.1994.1995.- ventanas, puertas) pero que al mismo tiempo resulta peligroso (puede romperse, es frágil). Más allá de la técnica (trabaja la pasta de vidrio y el casting fundamentalmente) le interesa el símbolo, el mensaje que transmiten sus obras: una pieza de vidrio puede servir para hacernos reflexionar. 1996.1997.- Es el caso, por ejemplo, de sus obras dedicadas a la moda, al glamour: vestidos, zapatos, bolsos, lencería, piezas muy bellas en apariencia pero que cuando uno se acer- 1998.- ca a ellas puede descubrir la otra cara de la moneda, la cara oculta, el lado oscuro, como la sociedad misma, al amparo de una de las principales ambigüedades que ésta esconde: apariencia y realidad. 2000.2001.- ”Biennale Giovane Arte Contemporanea”, Sartirana. ”International Exhibition of Glass”, Kanazawa (Japón). ”Jeune peinture, jeune sculpture”, Hotel de la Ville Allones (Francia). ”Galería Domingo Ravenet”, La Habana, (Cuba). ”Libro Objeto”, Centro Wilfredo Lam, La Habana (Cuba). - ”New Glass a Venezia”, Venecia (Italia). - “International Exhibition of Glass”, Kanazawa (Japón). ”Huellas”, Galeria Fuoricentro, Roma (Italia). - ”Distrazioni”, Galleria Materia Prima, Venecia (Italia). ”O que acontece quando se muda de lugar” Museo de Belo Horizonte (Brasil). - Ernesting Glass Collection, Alemania (exposición con Esteher Jiskoot y Fokkelman). - D’arte e Divetro, Bergamo (Italia). - Trevi Flash Museum, Trevi. - Braggioty Gallery, Amsterdam (Holanda). ”Interpretation”, Glassmuseum Ebeltoft (Dinamarca). - ”Preview”, Galleria Maria Cilena, Milán (Italia). - ”Casa d’altri”, Omphalos Arte Contemporanea, Terlizzi. - ”Cronache vere”, Spazio Consolo, Milán (Italia). - Galeria “D’arte & Divetro”, Bergamo (Italia). - ”Arte da mangiare - mangiare l’arte”, Società Umanitaria, Milán (Italia). - ”Ernesting Glass Collection” (Alemania). - ”L’opening è dentro”, Carcel de menores Beccaria, Milán (Italia). - ”Full Circle”, Hoffman Gallery, Portland (USA). ”Suis Generis”, P.A.C. Milán (Italia). ”Ghost”, Gianferrari Arte Contemporanea, Milán (Italia). COLECCIONES PÚBLICAS www.silvialevenson.com • Museo del Vidrio de Altare (Italia). • Museo Atelier Sars Poteries (Francia) • Colección Casa de las Américas, La Habana (Cuba). • Colección Ernesting (Alemania). • Colección Fundación Leon Rigaulleau, Buenos Aires (Argentina). • Glasmuseum Ebeltoft (Dinamarca). 47 PUBLICADO EN EL Nº 66 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO SUPLEMENTO QUIÉN es QUIÉN ARGENTINA, (MAYO DE 2001) ARGENTINOS EN EUROPA RICARDO REH NO SOY ARTISTA SOY ARTESANO Imagen de Reh cuando era joven y, según el propio autor, estaba “más gordo”. Ricardo Reh (Buenos Aires, 1952), jamás se ha considerado un artista. Aunque su devoción por el vidrio y el arte se manifestó a temprana edad, desde chico vivía fascinado por los ventanales de las viejas casonas del barrio de Belgrano (Argentina) y los vitraux importados de Francia que inundaban las calles de luz y color. Su amor por el vidrio siempre se ha manifestado de manera alter48 nativa y sin los convencionalismos de otros muchos de sus colegas: sin exposiciones oficiales y sin burocracia. Quizás por ello, Reh tardaría bastantes años en dedicarse plenamente a la actividad que ahora centra su vida. Después del Bachillerato, al no encontrar ninguna posibilidad de trabajar con el vidrio, comenzó la carrera de Arquitectura, que abandonó cuatro años más tarde al entender que como arquitecto terminaría manejando un taxi, como Bullseye dorado sobre negro arenado con el centro transparente de 40 cm. de diámetro. tantos amigos que habían regresado a la capital argentina después de estudiar en la universidad a finales de la década de Comenzó a trabajar de camarero en Zürich (Suiza). Sin los 70. A este fracaso profesional, ayudarían además sus dis- embargo, su espíritu artístico continuaba latente y se despertó crepancias políticas con el gobierno vigente por aquella épo- un día leyendo el periódico, cuando se encontró un artículo ca. A los 28 años decidió darle otro rumbo a su vida y estudiar sobre un artista que hacía vitraux. No pasó una hora y ya esta- hostelería, para lo cual emigró a Suiza. ba golpeando a la puerta. A partir de allí se acabó el aburrimiento. Cursos de Tiffany y fusión, hasta que al visitar un semi- Bullseye irizado arenado de 35 cm. de diámetro. nario de arenado de vidrios tomó la decisión de cambiar la gastronomía por su viejo amor, el vidrio. Fue en ese preciso instante cuando nació el artesano del vidrio, como Reh se ha definido siempre a sí mismo. En 1986 instala su primer taller y organiza, de una mane- Pieza realizada en Bullseye irizado con diámetro de 35 cm. ra muy peculiar, sus primeras exposiciones: alquila locales por 10 días, invita a todos sus amigos y conocidos e intenta vender todo lo que puede. Este sistema propio de exponer le hizo cosechar importantes éxitos. Así, en 1998 inaugura su atelier y negocio de venta directa al público en la calle Freiestrasse 217 (8032 Zürich), desde donde crea con sus manos de artista lo que le dicta su corazón de artesano. www.ricardoreh.ch Todas las soluciones en vidrio para sus proyectos Más de 2.000 vidrios/colores Vidrios decorativos y técnicos e da mos ac ce s o a lm un d o d el vi d r io FLOAT INCOLORO 1 a 25 mm EXTRA BLANCOS hasta 19 mm FLOAT COLOR Gris, Bronce, Azul, Verde, Rosa IMPRESOS / ARMADOS Claro y Colores LUNA ARMADA LAMINADOS (Todos) ESPEJO Claro, Color y Decorativos MATEADOS ÁCIDO Lisos y Grabados REFLECTANTES Y BAJO EMISIVOS Incoloro y Color FLOAT Y ESTIRADO 2 mm Incoloro, Antirreflejo y Anti UV VIDRIOS DE COLOR Arte & Industria “1000 texturas y colores” VIDRIOS ESMALTADOS “Gran Gama de Colores” ILUMINACIÓN Opal Plaqué TÉCNICOS “CERAM”, “Borosilicato”, Anti-fuego VIDRIOS SOLARES “SOLAR’IN” MOLDEADOS Incoloros y Color U GLASS Liso y Armado L Vidrios arquitectónicos e industriales ¡CONSÚLTENOS! GALICIA CATALUÑA (Sede Central) Travesía Industrial, 43 08907 L’hospitalet de Ll. - Barcelona Tel.: 93 263 25 15 - Fax: 93 263 38 43 Nave 6 - Parcela B-6 - Pol. Ind. De Toedo 36680 A Estrada - Pontevedra Tel.: 986 57 34 17 - Fax: 986 57 17 04 NORTE Pol. Ind. De Villalonquéjar Valle de Mena, 2 - 09001 Burgos Tel.: 947 29 87 29 - Fax.: 947 29 89 13 ANDALUCÍA LEVANTE CENTRO C/ La Gitanilla, 20 Pol. Ind. Santa Cruz - 29196 Málaga Tel.: 952 17 68 00 - Fax: 952 17 68 02 C/ Turia - Parcela nº 13 - Pol. del Mediterráneo 46550 Albuixech - Valencia Tel.: 96 140 22 78 - Fax: 96 144 47 23 C/ Laguna, 23 - 25 - Pol. Ind. Campohermoso 28940 Fuenlabrada - Madrid Tel.: 91 608 04 45 - Fax: 91 649 01 02 NUEVO LASRY GLASS PORTUGAL Estrada Nacional 10, km 138 - Fonte da Talha, 2695-801 São João da Talha - Lisboa Tel.: (351) 219 947 434 - Fax: (351) 219 947 439 www.lasryglass.com La vitalidad de lo inerte SEVERINO ANTÓNIO 50 RIBEIRO PEREIRA “Cuanto más rico en posibilidades de lectura es un objeto, más perdura éste en el tiempo” EVA. Uno de los temas más recurridos de su obra. Mujeres sin rostro, sin ningún tipo de referencia personal explícita. La mujer originaria, el mejor regalo del hombre y al mismo tiempo su perdición. PUBLICADO EN EL Nº 65 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO (MARZO DE 2001) DESCUBRIR LA HISTORIA EN FEMENINO Nacido en Vieira do Minho (Portugal) en el año 1957, Severino António Ribeiro Pereira es uno de los pocos escultores en vidrio que se conocen del país vecino. Sus primeros contactos con este material se remontan al año 1989 cuando aprendió las diferentes técnicas y secretos de este arte en los talleres de Sars-Poteries bajo las directrices del eslovaco Alés Vásicés y del australiano Warren Langley. Dos años más tarde, decide abrir su propio taller en la localidad lusa de Janas (Sintra). Severino remarca sin reparo alguno que “aprendí donde se aprende: en las bibliotecas, en el día a día, observando y experimentando. Quizás esto lleve más tiempo, pero es un proceso de aprendizaje más sincero”. Sus esculturas cobran vida gracias al empleo de una gramática escultórica personal, en la que cada obra nos sugiere una his- DAR FORMA A SU ARTE: ESCULPIR VIDRIO A la hora de crear, Severino sigue un proceso poco ortodoxo, un poco indisciplinado en la medida en que no escoge siempre el mismo camino para la consecución final de sus piezas. Tras concebir mentalmente la obra y diseñarla gráficamente, es el momento de plasmar la pieza en un molde de barro. El siguiente paso es elaborar el molde en yeso para, seguidamente, fundir el vidrio sobre el molde. Es precisamente durante el proceso de fundición cuando se eligen los diferentes colores que teñirán la obra, paralelamente a la definición y colocación de los adornos específicos de la pieza (se colocan pedazos de vidrio dentro del bloque principal, etc.), permitiendo la recreación de un exquisito combate de colorido y reflejos. Tras ser fundida, la pieza tarda un cierto tiempo en enfriarse, fase de vital importancia, ya que determinará la solidez final de la obra. Es entonces cuando se trabaja la escultura propiamente dicha mediante la talla, otorgándole la forma definitiva mediante el empleo de máquinas y herramientas abrasivas. EXPOSICIONES: Severino ha presentado sus trabajos especialmente en el extranjero, sobre todo en exposiciones colectivas, si bien no descarta una exposición individual como máximo cada año, realizando un proyecto específico desarrollado expresamente para la ocasión. En los últimos años ha expuesto en las siguientes ciudades y países: 1992 - Lieja (Bélgica). 1993 - Luxemburgo. 1994 - Alizay (Francia) y Lisboa (Portugal). 1995 - Estoril, Alizay y Lisboa (individual). 1996 - Lieja, Luxemburgo, Rouen (individual, Francia) y Lisboa. 1997 - Lisboa (individual), Amadora y Barreiro (Portugal). 1998 - Marinha Grande y Sintra (individual, Portugal). 1999 - Lisboa (individual). 2000 - Lieja, Alizay, Lisboa, Marinha Grande, Luxemburgo, San Sebastián y Santiago de Compostela (España). Actualmente algunas de sus obras están expuestas en el Museo del Vidrio de Lieja, Museo del Vidrio de Sars-Poteries, Museo del Vidrio de Alcorcón (Madrid, España), Colección Pública de Alizay, y en diversas colecciones particulares. toria particular, un recuerdo, una memoria, un diálogo, una imagen. Para ello, los arque- 51 tipos más comunes de la mitología griega son una fuente inagotable de recursos. Al enfrentarnos a cualquiera de sus obras podremos extraer nuestra propia lectura, a través de nuestras vivencias personales, de nuestra memoria, transformando la escultura en nuestro propio espejo del alma. Es quizás por ello que sus piezas no tienen rostro, si bien si transmiten el carácter mineral y orgánico del vidrio como si de la piedra se tratara: ni muy pulido, ni muy limpio, ni muy transparente, rompiendo con los tópicos que por tradición se asocian a este noble material. Severino concibe el vidrio como un soporte escultórico tan noble como lo puedan ser el mármol o el bronce, por lo que entiende que éste debe ser objeto de exposición en galerías de arte convencionales, no sólo en espacios especializados en vidrio. Una de las constantes habituales de sus esculturas es la recreación del cuerpo de una mujer, unas veces como elemento protagonista, otras, como ingrediente secundario. Siempre tituladas, sus piezas transmiten un romanticismo y una delicadeza incomparables, teñidas de verde y rosa, blanco, azules, grisáceo y negro, emulando los valores metódicos de Leonardo da Vinci, las claves ancestrales de la filosofía Taoísta. severino-severinoportflio.blogspot.com SER IMAGINANTE III. La tercera pieza de una serie de obras bajo el mismo nombre genérico. El autor intenta transmitir un estado de profunda meditación sobre la memoria. mensajes en vidrio EDWARD LEIBOVITZ La década de los años 60 estuvo marcada por la asimilación inmediata por parte de los artistas europeos de los nuevos métodos de trabajo del vidrio a la americana, creando obras basadas en las tradiciones continentales que perduraban desde hacía siglos. Edward Leibovitz (derecha), en la foto junto a Brychta, E.L., fue uno de los precursores de este nuevo movimiento. 52 Vaquero mujer caballo Escultura en cristal, 48 x 18 x 18 cm. El elefante cazador Escultura en cristal, 94 x 43 x 31 cm. Mujer elefante Escultura en cristal, 48 x 18 x 18 cm. PUBLICADO EN EL Nº 64 DE REVISTA DEL VIDRIO PLANO SUPLEMENTO QUIÉN es QUIÉN (MARZO DE 2001) Tras dedicarse plenamente a la pintura en Jerusalén, Edward Leibovitz se traslada a Amberes, uno de los principales núcleos del vidrio belga. Atraído por la vida artística de Flandes, quiso desde el principio de su estancia solucionar su déficit de experiencias culturales, volcándose, de esta manera, en el mundo del vidrio, material al que respeta profundamente y en el que se inspira con total libertad. Los años 70 se presentan como una lucha contra todo lo establecido y Leibovitz reniega del encasillamiento de las formas tradicionales para encontrar soluciones, sin duda, poco comunes. De esta manera inicia su primera etapa, uniendo a la vidriera clásica vidrios rotos que se distribuyen como en las antiguas piezas góticas. El artista utiliza dos técnicas diferentes de superposición. La primera se trata de una capa de vidrio superior oscuro, rojo o azul, ocasionalmente verde, que cubre un vidrio inferior más luminoso. La otra técnica se forma con la superposición de vidrio de muchos colores. El vidrio superior se crea con los colores mezclados de los cristales rojos, azules, amarillos y marrones, formando llamas y fuegos. El vidrio inferior es claro. Para su realización, espolvoreó las capas con arena, las trató con ácidos y pintó los relieves formados con color negro o plata, para cocerlos posteriormente en el horno. La impresión visual resulta muy pictórica. satánicas, con su propia lógica y significado. A partir del año 1991, el autor desarrollaría su propia teoría after print que aplicaría en la litografía en color. Con ella descubre la aventura de entrar en un trabajo ya terminado y se afirma en el hecho de que la conclusión de un trabajo es una decisión totalmente subjetiva. www.edwardleibovitz.com EDWARD LEIBOVITZ Nace en Iasi (Rumanía), el 28 de febrero de 1946. ESTUDIOS • Academia de Bellas Artes (Departamento de pintura, profesor Okshi Avchalom), Haifa (Israel). • Academia de Bellas Artes Bezalel (Departamento de pintura, profesor Raphael Moar), Jerusalem (Israel). • Academia de Bellas Artes Gemeentelijke, Berchem (Bélgica). Las vidrieras simbolizan, usualmente, iconos ortodoxos, como la expresión rusa del arte popular. Las creaciones de esta primera etapa representan la acción y una cierta PREMIOS • Prijs voor glasraam van de burgemeester van Berchem (Bélgica). • Urkunde, Coburger Glaspreis, Coburg (Alemania). • Premio de Escultura en Vidrio, Lieja (Bélgica). • Prijs van de Provincie Amberes voor Beeldhouwkunst (Bélgica). • Prijs voor artistieke roeping van het Ministerie van Vlaamse Cultuur als jonge glasbeeld ouwer (Bélgica). • Medalla de Oro, presentado por el American Interfaith Institut por su escultura Homage to Sound, dedicado a las víctimas del Holocausto, Filadelfia (EUA). EXPOSICIONES INDIVIDUALES Hace más de 25 años desde que Edward Leibovitz inició su primera exposición individual en la Galería Poes (Gante, Bélgica). Desde entonces, un sinfín de exposiciones han presentado la obra del artista en un gran número de países, entre los que se encuentran su país de residencia, Bélgica, así como Holanda, Suiza, Francia, Alemania, Italia, República Checa y Estados Unidos. Su última exposición individual ha permitido acercarnos su obra a nuestro país, precisamente en el Museo Municipal de Arte en Vidrio (MAVA), en Alcorcón (España). EXPOSICIONES COLECTIVAS Junto a otros artistas que han trabajado las diversas facetas del vidrio, Edward Leibovitz ha realizado numerosas muestras. Las primeras, realizadas en la Invetro Galerie (Hannover, Alemania), Galería De Harmonie (Amberes, Bélgica) y Tentoonstelling van Aanvinsten van het Ministerie van Vlaamse Cultuur de Bruselas (Bélgica), datan del año 1974. Tras ellas, Leibovitz ha colaborado en obras colectivas por todo el mundo: Bélgica, Suiza, Alemania, Holanda, Francia, Austria, Estados Unidos, y una larga lista de países europeos. Durante el año 2000, Leibovitz presentó en el Generale Bank de Lieja (Bélgica) su exposición “Esculturas contemporáneas en cristal entre el Mediterráneo y el Ártico” y, asimismo, mostró “Formas esféricas” en la Galería Liehrman de la misma ciudad. VIDRIERAS INTEGRADAS EN LA ARQUITECTURA narración, basada a menudo en la inspiración literaria. No se constata como una mera • 1981 - Sinagoga portuguea (38 m2), Amberes (Bélgica). • 1987 - Joods Centrum Lamorièrestraat (20 m2), Ambere (Bélgica). • 1990 - Privé-gebouw (8 m2), Nistelrode (Holanda). representación de las relaciones existentes (tiempo, espacio, relaciones espaciales), sino que se deja llevar impulsivamente a través de sus estados de ánimo. Tras esta etapa, descubre nuevas técnicas entre las que se destaca la realización de su ciclo de sillas, tratado con espolvoreamiento de arena sobre el vidrio plano. La temática se remite a las bases del teatro del absurdo del dramaturgo francés Eugène Ionesco y sus figuras obligan a una explicación personal de lo que se ve y se experimenta. Con el propósito de profundizar en estas situaciones absurdas, Leibovitz introduce en su obra los zapatos, expresión de momentos satánicos, simbolizados por pechos de mujer o directamente a través de cabezas Velas al viento Escultura en cristal, 175 x 60 x 60 cm. Privé-gebouw Nistelrode (Holanda) 53