música - Cultural Albacete

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música
musicales
ABONOS INVIERNO 2011
Las fechas para renovación y nuevos abonos
de Gran Telón, Gran Telón Contemporáneo y
Gran Telón Comedia serán las siguientes:
RENOVACIÓN
> 13 Y 14 DICIEMBRE
de 10,00 a 13,00 h y de 17,00 a 19,00 h
> 15 DICIEMBRE
Solo horario de mañana
NUEVOS ABONOS
> 21 Y 22 DICIEMBRE
de 10,00 a 13,00 h y de 17,00 a 19,00 h
> A PARTIR DEL 7 DE ENERO
En horario habitual de taquilla hasta el
día anterior de la primera representación de la primera obra de cada abono.
GRAN TELÓN CONTEMPORÁNEO
Absurdo ma non troppo
Omena-g
Por el placer de volver a verla
36 y 27 €
13 enero
4 febrero
10 marzo
GRAN TELÓN COMEDIA
Angelina o el honor de un brigadier
19:30
Vis a vis en Hawai
36 y 27 €
21 enero
4 marzo
13 mayo
GRAN TELÓN
El cerco de Leningrado
La función por hacer
Todos eran mis hijos
36 y 27 €
28 enero
10 y 11 febrero
17 marzo
LÍRICO
75 y 55 €
Se abre plazo para la adquisición de nuevos abonos
Recital Lírico José Ferrero
El barbero de Sevilla
Tosca
Recital Lírico Celso Albelo
VENTA ANTICIPADA DE ENTRADAS
9 febrero
11 marzo
1 abril
12 mayo
: 10 días antes del día de cada espectáculo
(salvo abonos y otras indicaciones)
: Taquillas del Teatro Circo:
de lunes a viernes de 10,00 a 13,00 horas
: Televenta CCM 902 40 59 02
: Internet: www.ccm.es (24 horas)
: El día del espectáculo las entradas se podrán adquirir 2 horas
antes en las taquillas del teatro.
: Información de taquillas y reserva de grupos
967 19 36 30
Toda la información en
www.teatro-circo.com
Ayuntamiento de Albacete
Concejalía de Cultura
Edita: Cultural Albacete
Director Gerente: Ricardo Beléndez
Redacción: Juan Ángel Fernández
Ilustración: www.cartel-arte.com
Diseño y maquetación: www.cartel-arte.com
Fotografía: Agencias
Impresión: Grupo Gráficas Campollano
entidades consorciadas
club de empresas patrocinadoras
día 8
20,30 h
GRAN CONCIERTO AÑO NUEVO Strauss Festival Orchestra
música
pág 6
día 9
Inspirado en la tradicional cita musical que cada año se celebra en Viena, vuelve a Albacete, tras el
éxito de ediciones anteriores, el Gran Concierto de Año Nuevo con una atractiva selección de los
mejores valses, polcas y marchas de Johann Strauss.
LA FANTASÍA Y EL CINE
familiar
pág 8
Ricardo Casas, piano
El pianista Ricardo Casas acompaña toda la dramaturgia muda de dos grandes obras cinematográficas no
exentas del humor incuestionable de Charles Chaplin y Harold Lloyd. Es el puro goce de aquel cine, vivido en
riguroso directo. El Chico de Charles Chaplin. 12,00 horas / El hombre mosca de Harold Lyoid. 18,00 horas.
Teatro de Malta
día 13
ABSURDO
MA
NON
TROPPO
21,00 h
La compañía que dirige Marta Torres propone un atípico espectáculo musical de clown en el que
teatro
humor y ritmo se dan la mano para contar la historia de tres personajes extravagantes.
pág 9
EL DÚO DE LA AFRICANA
zarzuela
pág 10
día 20
21,00 h
La obra ofrece la interesante visión del teatro dentro del teatro y, más concretamente de la ópera
dentro de la zarzuela. Su hilarante argumento lleno de equívocos y comicidad trata de parodiar la
grandilocuencia de la ópera.
WONDERLAND
ballet
pág 12
Saga Producciones
Víctor Ullate Ballet-Comunidad de Madrid
Wonderland, la última coreografía del Víctor Ullate Ballet, se interna en el complejo mundo de la
mente. El maestro Ullate nos sitúa dentro de un psiquiátrico para mostrarnos, con toda la delicadeza de la danza, la vida de las personas allí ingresadas.
día 21
Pérez de la Fuente
ANGELINA O EL HONOR DE UN BRIGADIER
21,00 h teatro
Una de las obras más delirantes y originales del dramaturgo madrileño Jardiel Poncela, pionera dentro del teatro de humor en España, por sus aportaciones vanguardistas al lenguaje y su originalísimo
concepto del humor.
pág 14
día 28
21,00 h
EL CERCO DE LENINGRADO
teatro
Pentación Espectáculos
José Carlos Plaza dirige a Beatriz Carvajal y Magüi Mira en un apasionante duelo artístico; dos personajes que son aún capaces de mantener los valores espirituales sobre los materiales.
pág 16
día 29
18,00 h
20,30 h
pág 18
EL LIBRO DE LA SELVA
infantil
Moon World Records
Un espectáculo donde se despliegan algunas de esas escenas que siempre recordaremos del libro
de Kipling y la película de Disney: 50 personajes, números aéreos, una escenografía impresionante y
la música y las canciones sonando en absoluto directo.
3
cuatroestaciones
día 14
21,00 h
días 3 y 4
21,00 h
2036-OMENA-G
teatro
pág 20
día 9
21,00 h
21,00 h
pág 23
día 12
20,00 h
En este montaje, la compañía dirige una mirada imaginaria hacia su propio futuro, y más en concreto, hacia el año 2036, cuando una importante entidad bancaria patrocina un homenaje a Joglars en
su 75 Aniversario.
JOSÉ FERRERO
recital lírico
pág 22
días 10 y 11
Els Joglars
El tenor José, Ferrero acompañado por la Orquesta Sinfónica de Albacete bajo la dirección de Juan
Luis Martínez, realizará un recital con obras de Wagner, de Franz Schubert, de Massenet y Puccini.
LA FUNCIÓN POR HACER
teatro
Kamikaze Producciones
Comienza una función más en un teatro cualquiera, pero… algo extraño sucede durante la representación. Miguel del Arco y Aitor Tejada realizan una adaptación libre de Seis personajes en busca de
autor de Luigi Pirandello. Uno de los éxitos de la temporada.
ENCUENTRO DE FOLKLORE
música y danza
Con la participación de los grupos de Fuenteagria de Puertollano (Ciudad Real), Lola Torres
de Jaén y el Grupo de Danzas Manchegas de Magisterio, Albacete.
pág 27
día 23
CONCIERTO EXTRAORDINARIO DE CELEBRACIÓN DEL CENTENARIO
21,00 h DEL PARQUE DE ALBELARDO SÁNCHEZ
Conservatorio Torrejón y Velasco
del 17 al 27 de febrero
4
El Teatro Circo, donde el patio de butacas se convierte en una gran pista central, y la carpa instalada en la Plaza de
Toros, acogerán la fantasía del mayor
espectáculo del mundo. Albacete y el
Circo una vez más de la mano.
Consultar programa específico en el
número especial de 4 ESTACIONES que
aparecerá en el mes de enero.
día 3
21,00 h
DAVID KNOPFLER
música
pág 28
día 4
21,00 h
Miembro fundador del mítico grupo Dire Straits, David llega a Albacete después de una carrera consolidada de diez discos en solitario, interesantes colaboraciones y bandas sonoras cinematográficas.
Sigue conservando el auténtico sonido Straits.
19:30
teatro
pág 30
Moon World Records
Emilia Yagüe Producciones
Un diputado de un partido en el poder, habitualmente serio y discreto, es detenido en pelotas y
borracho a la salida de un club de alterne. Lleva consigo 5 millones de euros en billetes de 500. La
corrupción política en escena.
día 10
POR EL PLACER DE VOLVER A VERLA Concha Busto Producciones
21,00 h
Obra de dos únicos personajes, Miguel Ángel Solá y Blanca Oteyza, en la que aquél irá desentrapág 32
día 11
21,00 h
EL BARBERO DE SEVILLA
ópera
pág 34
día 12
18,00 h
20,30 h
ñando el perfil de su madre, quien ha signado su vida y a la que debe, entre otras cosas, el haber
despertado su vocación de vivir en y para el teatro.
Las óperas de Rossini fueron las mejores y las últimas óperas de estilo cómico. Característicamente
alegres y ligeras, sus óperas son notables por la cómica caracterización. Para la ocasión se ha elegido
una formidable formación.
EL MAGO DE OZ
musical
pág 36
Arte y Promociones Artísticas
Mundi A rtistas
El Mago de Oz es un clásico de la literatura y el cine adaptado por MundiArtistas para recuperar la
memoria, la fantasía, la magia de una historia de siempre, contada en directo con todos los códigos
que impone el espectáculo.
OSA
día 14
PASEO MUSICAL MULTIMEDIA POR CASTILLA-LA MANCHA
21,00 h
Paseo por la historia, los paisajes y las tradiciones de Castilla-La Mancha con impactantes anima-
concierto
pág 38
día 17
21,00 h
TODOS ERAN MIS HIJOS
teatro
pág 40
día 18
18,00 h
21,00 h
pág 42
ciones sintetizadas por ordenador y excelentes selecciones de imágenes, todo ello en cercana
coreografía con la sugerente música de Eduard Toldrà.
Con un reparto de lujo, Carlos Hipólito, Gloria Muñoz, Fran Perea y Manuela Velasco el director
argentino Claudio Tolcachir vuelve a España con un clásico de Arthur Miller. La familia, la responsabilidad, el dinero son temas de un argumento en el que todos los personajes son protagonistas.
LA ROSA DEL AZAFRÁN
zarzuela
PTC Teatro
La Folía
Un nuevo acercamiento al siempre eterno mundo de la zarzuela en una de sus partituras más clásicas, al menos en nuestra región. La compañía hace un esfuerzo gigantesco de reparto (voces, coro,
orquesta, coreografía, etc.) para mantener viva la obra de Guerrero.
5
cuatroestaciones
teatro
Inspirado en la tradicional cita musical que cada año se celebra en
Viena, vuelve a Albacete, tras el
éxito de ediciones anteriores, el
Gran Concierto de Año Nuevo con
una atractiva selección de los mejores valses, polcas y marchas de
Johann Strauss.
Después de más de un siglo de
vida, la música característica de
la Viena imperial decimonónica
ha adquirido en los últimos años
un prestigio inusitado y ha encontrado en la celebración del año
nuevo un lugar preponderante
para su culto. Las grandes salas de
concierto y teatros de Europa se
pueblan por estas fechas del entusiasmo y el aplauso que despierta
el contagioso recuerdo a ritmo de
valses, marchas y polcas que hicieron época.
Impuesto sobre todo a partir de la
enorme audiencia que cada año
sigue por televisión el concierto
televisado de la Orquesta Sinfónica de Viena, este programa se ha
establecido definitivamente en las
principales ciudades europeas —al
igual que en la capital austriaca—
como un espectáculo insustituible,
en torno a las emotivas festividades con las que se celebra el cambio de año. Naturalmente, sin las
pretensiones de «arte mayor» que
orientaron la creación de aquellos prominentes compositores
que florecieron en el ámbito vienés (baste recordar los nombres
e
Gran Concierto d
6
de Haydn, Schubert, Beethoven,
Brahms, Bruckner o Mahler), aunque la llamada «música de salón»
acabó convirtiéndose, con el correr del tiempo, en cabal «música
de concierto», como uno de los
grandes emblemas de la atmósfera encantadora de la corte de
Francisco José, tanto o más que su
legendaria esposa, la Emperatriz
Elisabeth de Wittelsbach (Sissi).
Aunque quizá pueda resultar sorprendente el notable interés actual por esta música —tan ligada a
una época y a una moda en extremo distante de la nuestra—, hoy
resultaría inconcebible una apertura de año sin el ya clásico «Gran
Concierto de Año Nuevo», que ha
AñoNuev
asociado en forma definitiva los
brindis y los fuegos artificiales a
valses inolvidables como En el bello Danubio Azul, Cuentos de los
Bosques de Viena, Vals del Emperador, o a la inefable Marcha Radetzky que cierra habitualmente
el programa, acompasada a palma
batiente por el público.
Integrada por profesores y solistas
de la mayor calificación musical y
profesional, la Strauss Festival Orchestra ha sabido mantener vivas
las expresiones artísticas típicamente vienesas, despertando el
interés de las más exigentes audiencias del continente. Sin olvidar el espíritu jovial y festivo que
anima la música de los Strauss, el
rigor estilístico con el que esta orquesta enfoca habitualmente sus
interpretaciones no es obstáculo
para que haga aflorar a lo largo del
espectáculo la más variada gama
de recursos expresivos, desde los
más nobles y sentimentales hasta
los más jocosos y humorísticos.
Emparejado en igual nivel musical
y profesional al de los miembros
que componen la Strauss Festival
Orchestra, el Strauss Festival Ballet
le ha conferido un cariz definitivamente original al «Gran Concierto
de Año Nuevo».
En efecto, al dotar al programa de
un verdadero carácter escénico, a
través de estilizadas coreografías
y luminosos vestuarios especial-
mente creados para ilustrar algunos de los números musicales, el
ballet restituye de algún modo
una parte esencial a aquellas composiciones que fueron concebidas
precisamente para acompañar la
danza.
Resultan infaltables en el espectáculo diversos números en los que
la fantasía echa a volar, ya de la
mano de los vaporosos y sugestivos atuendos, ya del frenesí y de
la sensualidad de los movimientos
de las parejas de baile e, incluso,
de la aparición de personajes que
ilustran singularmente las escenas de la caza o del brindis —por
ejemplo— con un desembozado
sesgo paródico.
evo con la Strauss Festival Orchestra
cuatroestaciones
7
La
Fantasía
y el Cine
El pianista Ricardo Casas recrea dos grandes clásicos del cine mudo
Ricardo Casas Fischer, nacido el
02 de mayo de 1966 en Lindau,
Alemania, encontró hace tiempo
el antídoto que compatibilizará su
dedicación profesional a la medicina con su extremada pasión por
el cine y, sobre todo, por la música,
más concretamente por el piano
del que es un consumado especialista. Casas ha sabido congeniar la
dualidad artística entre cine y música, su historia y un exquisito manejo del teclado. A Casas le gusta
el cine, eso es indudable y como
gran apasionado quiso moldear a
su manera los grandes clásicos del
cine mudo, ya se sabe, cosas de
Charles Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd... y sus obras cumbres: El
Chico, El Maquinista de la General
8
o El Hombre Mosca. Usa sus propias composiciones para recrear
toda esa generación de imágenes
inolvidables -algunas pudieron escucharse en el homenaje que hace
tan solo un mes y medio se brindó
a su padre, Enrique Casas, al cumplirse los 25 años de su asesinato
a manos de ETA-. La improvisación
también es utilizada por el pianista
en los momentos requeridos como
golpe de efecto. En realidad, hace
lo que ya interpretaron otros músicos de principios de siglo, cuando el
cine aún no tenía la palabra. Ricardo Casas reinventa, una vez más, el
cine y sonoriza a su manera la increíble historia de aquel chico que
llega a la gran ciudad que lo devora
y le obliga a mentir a su chica con
una vida de éxito imaginario (El
Hombre Mosca, de Harold Lloyd) o
para entender el abandono, el sentido social de la maternidad, el acogimiento, la educación, la caridad,
la actitud de las instituciones y el
cariño de los padres adoptivos en
El Chico, de Chaplin. La película tie-
ne detalles autobiográficos, ya que
la infancia de Charlot se desarrolló
entre abandonos, hospicios e instituciones. El piano de Casas acompaña toda la dramaturgia de esas
grandes obras cinematográficas no
exentas del humor incuestionable
de sus autores, algo que tampoco
pasa desapercibido para el músico.
Es el puro goce de aquel cine vivido
en riguroso directo.
Entre 1915 y 1920 las grandes salas de cine proliferaron por todo
el territorio de Estados Unidos,
mientras la industria se trasladaba
de los alrededores de Nueva York a
Hollywood, pequeña localidad californiana junto a Los Ángeles donde
los productores independientes,
como Thomas Harper Ince, Cecil B.
De Mille y Mack Sennett, construyeron sus propios estudios. Se produjeron así cientos de películas al
año como respuesta a la creciente
demanda de las salas. La inmensa
mayoría eran westerns, comedias
de tortazos y resbalones y elegantes melodramas, como el de Cecil
B. De Mille Macho y hembra (1919)
protagonizado por Gloria Swanson.
Ince, por su parte, se especializó
en la Guerra Civil estadounidense
y el lejano Oeste, sin concesiones
al sentimentalismo, en los que destacó el entonces popular vaquero
William S. Hart. El pianista Ricardo
Casas ha elegido la fórmula melodramática de Chaplin y Lloyd para
trasladarnos a aquel increíble mundo de pioneros. Reabrir la historia
del viejo siglo XX, así de sencillo.
Absurdo
El tema central que la compañía
ha querido tratar con su última
obra, Absurdo ma non troppo, es
la competitividad reinante en el
mundo de la música y de las artes
escénicas. Este espectáculo refleja
una particular manera de desafiar
la tendencia actual, la idea cada
vez más instalada y aceptada de
que tienes que ser el mejor para
poder ser. Desde el convencimiento de que la creatividad está reñida
con la competitividad, y que solo
sumando esfuerzos, sueños y proyectos se alcanza el éxito, el verdadero, el que consiste en poder
expresarse, Teatro de Malta explica
que han querido dirigir este show a
cualquier tipo de público desde el
universal lenguaje de la música:
“Es teatro musical porque creamos
atmósferas con melodías y provocamos pasiones, anhelos, fracasos
y triunfos con ritmo. Porque la música envuelve y transmite al espectador cada emoción mejor que mil
troppo
non
palabras.
Es teatro gestual porque nos hemos despojado de todo lo superfluo
para llegar a la esencia de la comunicación a través de la emoción y la
mirada.
Es teatro de clown porque el clown
siempre fracasa, siempre cae y
siempre se levanta, porque el clown
encierra lo más bello y cómico del
alma humana: el intento constante
de superación.
Y es absurdo porque la vida es absurda, y la vida del artista… más.
Inseguridad, vanidad, egocentrismo, soberbia y competitividad nos
acompañan siempre en el camino
al... “éxito”.
Es un atípico espectáculo musical de
clown en el que humor y ritmo se
dan la mano para contar la historia
de tres personajes extravagantes.
Tan extravagantes como los instrumentos que utilizan para interpretar
temas clásicos y muy conocidos de
pop, rock y folk, ya que teniendo a su
disposición instrumentos de fabricación perfecta y afinación homologada, ejecutan los temas musicales con
los aparatos más raros que imaginarse
pueda, algunos de fabricación propia.
La comedia se inicia en la antesala de un casting en la que coinciden
tres artistas. A partir de este primer
episodio, en el que están dispuestos a todo para entrar antes que sus
compañeros, comienza una serie de
encuentros fortuitos a través de los
cuales los veremos competir por cualquier cosa. Les hace falta un instante
de soledad, entregarse al sonido que
les llega y sumarse a él para sentirse
en armonía con su entorno y con
ellos mismos.
9
cuatroestaciones
ma
10
La obra ofrece la interesante visión del teatro dentro del teatro
y, más concretamente de la ópera
dentro de la zarzuela. Su hilarante argumento lleno de equívocos
y comicidad trata de parodiar la
grandilocuencia de la ópera, en
este caso "L´Africaine" (La Africana) de Meyerbeer estrenada en
París en 1865, así como su entorno: cantantes, empresarios y compañía, reflejando los avatares que
sufren al intentar poner la ópera
en escena.
Algunos personajes se expresan en
un italiano muy castellanizado de
modo que el público puede captar
las ironías que plantea el libreto de
Miguel Echegaray.
La trama
Querubini es el director de una
modesta compañía de ópera, que
pretende montar la obra La Africana, de Jacques Meyerbeer. Pero
a las complicaciones habituales
de los ensayos, se van a sumar
en este caso todo tipo de intrigas
cómicas por parte de los diversos
personajes.
El tenor Giussepini, un mujeriego
que se ha unido a la compañía con
el propósito de cortejar a la Antonelli, mujer del director, aprovecha cualquier momento para
declararle su amor en particular
durante el ensayo de la parte del
dúo. Querubini, hombre celoso,
tacaño y calculador, lo consiente
por el bien del negocio, ya que así
consigue que el tenor cante gratis.
El coro chismorrea a propósito del
clandestino idilio entre Giussepini
y la Antonelli.
Pero el desenlace llega cuando
irrumpe en escena la madre del
tenor resuelta a llevarse a su hijo
a casa. La función se interrumpe,
llega la policía, el público grita…
Por fortuna para el empresario,
que ya se temía la devolución del
dinero de la entrada, todo se resuelve y se puede continuar con el
espectáculo.
11
cuatroestaciones
El Dúo de la Africana es una zarzuela en un acto con música de
Manuel Fernández Caballero y libreto de Miguel Echegaray.
Esta obra maestra de nuestro genero lírico pertenece a la época
dorada, en la que destacaban compositores como Francisco Asenjo
Barbieri, Tomás Bretón, Ruperto
Chapí y Federico Chueca, y libretistas como Carlos Arniches, Francisco Camprodón, Miguel Ramos
Carrión o Vital Aza.
Las cataratas nublaban la vista de
su compositor, Fernandez Caballero, hasta el punto de que apenas
si pudo escribir de su puño y letra
la música, teniendo que dictar a su
hijo sus posteriores composiciones.
El estreno tuvo lugar en el Teatro
Apolo de Madrid el 13 de mayo de
1983, y aunque las primeras críticas no fueron muy favorables, llegó a alcanzar las 211 representaciones en su primera temporada,
representándose en el Apolo durante tres temporadas seguidas.
wonderl
“Creo que la mente humana es uno de los misterios más enigmáticos y que más tiempo tardaremos en comprender. Los científicos reconocen
que nuestro desconocimiento se debe, en gran
medida, a su gran complejidad” Víctor Ullate.
12
Wonderland, la última coreografía sus tesoros.
del Víctor Ullate Ballet - Comuni- Víctor Ullate ha trabajado un año
dad de Madrid, se interna en el en esta coreografía con la intencomplejo mundo de la mente. El ción de rendir un homenaje a su
maestro Ullate nos sitúa dentro hermana Marisol, mayor que él
de un psiquiátrico para mostrar- seis años y afectada de una disnos, con toda la delicadeza de la capacidad mental desde que era
danza, la vida de las personas allí niña a causa de una meningitis,
ingresadas. Sus miedos pero tam- pero también a todos los enfermos
bién sus alegrías. El amor,
la dulzura y la ternura de
“En esta obra, he querido plasmar, por
unas personas cuyos penun lado, la cara positiva de este mundo
samientos no funcionan
desconocido, a veces tan incomprendido,
necesariamente como los
que está compuesto por los delirios de la
de los demás pero en los
mente. Ese mundo que tan a menudo nos
que, al mismo tiempo, poatrevemos a ignorar y juzgar, dando por
demos vernos reflejados,
supuesto que nosotros somos los mentalya que los sentimientos
mente correctos” Víctor Ullate.
son universales. Todo ello,
el espectáculo, el ensueño,
corresponde a una de las visitas alejados del mundo y que como
de Víctor Ullate al centro psiquiá- 'Alicia en el país de las maravillas'
trico en el que reside su hermana, viven su propio universo personal.
momento en el que conoció a una Empleando como base la música
mujer muy elegante -cuenta- que de Philip Glass, Wonderland dessiempre portaba un bolso en el taca por la gran expresividad de
que guardaba lo que ella llamaba los intérpretes. Así se demuestra
rland
algo más que un sueño
El Ballet de Víctor Ullate recrea una experiencia personal del artista
la calidad de sus bailarines como
transmisores de emociones más
allá de limitarse a ejecutar una
sucesión de pasos. Glass es músico universal, conocido por ser el
autor de grandes bandas sonoras,
películas como 'Las horas' o 'Kundun', y, en este caso, responsable
de la partitura de Wonderland;
con él, la compañía Víctor Ullate
Ballet-Comunidad de Madrid sale
de su habitual neoclasicismo para
experimentar con la danza contemporánea.
A la complicidad del reconocido
músico se suma la inestimable
aportación del diseño de vestuario
de Anna Güell, colaboradora habitual de Tricicle y que ya había colaborado con la compañía en Samsara, y con el diseño de iluminación
de Paco Azorín, responsable de la
escenografía de La casa de Bernarda Alba, dirigida por Lluis Pasqual, y también de la de Pastoral,
coreografiada por Víctor Ullate.
Wonderland es un espectáculo
con unas características por tanto
muy especiales para Ullate que ha
querido bordear su máxima obra
-el coreógrafo lo ha afirmado alguna vez- , que busca eliminar los
tabúes y librarse de todo prejuicio
a la hora de abordar un mundo
complejo como es el de la mente
humana y sus recovecos. Y cómo
aquellos a los que consideramos
locos, muchas veces, nos muestran una cordura y una lucidez sorprendentes.
La Compañía
Creada en 1988, la compañía Víctor Ullate Ballet ha pasado por
distintas etapas. Desde sus inicios
cuando se abasteció solo y exclusivamente de los alumnos que iban
surgiendo de la propia escuela,
hasta hoy en día, cuando la compañía abre sus puertas internacionalmente y pasa a ser un ballet de
ámbito más global.
Su línea de trabajo se ha caracterizado por distintos factores: por
Fotografías: Eva París
un lado el perfeccionamiento y
potenciación de la técnica clásica,
para nivelar de una forma homogénea el nivel de su elenco, y por
otra parte la diversificación de estilos, desde el repertorio clásico,
hasta el característico neoclásico,
propio de la compañía. Estos factores, más la exclusividad de su repertorio, son los que han definido
la personalidad y caracterizado el
dominio de un estilo único, que
han proporcionado el éxito y continuidad a la compañía.
Actualmente Víctor Ullate Ballet–
Comunidad de Madrid está en
gira con tres de sus espectáculos.
Wonderland, al mismo tiempo que
Beethoven y Samsara, que después de 4 años de gira ininterrumpida continúa cosechando éxitos
tanto dentro como fuera de nuestras fronteras. Entre sus últimos
espectáculos se encuentran 2 You
Maestro, Beethoven, Samsara, Coppelia o El Sur, algunos de ellos ya
vistos en Albacete.
13
cuatroestaciones
“Cuatro paredes, siendo el público la pared abierta a la propia interpretación, son el continente que alberga los distintos casos personales en los que probablemente hallemos nuestro propio
reflejo, el de nuestra locura particular. Un mundo “naif”, abierto a la búsqueda individual de
la felicidad, independientemente del contexto mental de cada uno.” Víctor Ullate
14
Angelina
o el honor de un brigadier
La representación nace como propuesta artística de la necesidad de dar a conocer uno de los textos de Jardiel Poncela menos representados en nuestros días.
trampantojos y candilejas con
su luz dorada y temblorosa. Y las
sombras, personajes con sombra.
Es otro tiempo, un siglo lejano,
para Jardiel, las postrimerías de la
época colonial española. Transposición teatral de la memoria. Angelina transcurre en la primavera de
1880. Un tiempo nuevo llama a la
puerta. Renovarse o morir, aunque
morir de risa. Jardiel trae humor
nuevo, el tinglado de la antigua
farsa cruje y descubrimos atónitos
que lo que relucía no era oro, es
latón. Y se oxida. Este humor ventila, airea, ilumina, hiere, purifica y
es un gratificante distanciamiento
para revisar los mitos y las grandes
palabras, ya tan polvorientas, que
durante siglos, guardadas en escapularios, fueron santo y seña de
este pueblo y de su teatro. Ironías
del tiempo. Lo que hoy es humor,
ayer fue llanto. A esta ceremonia
acudirá Don Juan, que ahora se
llama Germán. ¡Pobre mito desmitificado! Y Angelina, con su candorosa inocencia, desbancará a Doña
Inés. Y tendremos también invitados de lujo: los cuernos que han
florecido en la azotea del brigadier. Y ya se sabe, donde hay cuernos acuden, estén o no invitados,
el honor desvirgado y ofendido, la
honra, la humillación y el ultraje.
La obra transcurre entre un con-
tinuo jolgorio de la grada. Chete
Lera es Don Marcial, el brigadier;
Soledad Mallol, Marcela, su mujer;
Jacobo Dicenta, Germán, el amante; Carolina Lapausa, Angelina, la
hija... así hasta un increíble número
de grandes comediantes que maneja a su antojo Juan Carlos Pérez
de Lafuente, el alquimista Poncela,
el reinventor del desternille nacional siempre con Jardiel de fondo. Al
autor ya se le llevó la crítica alguna
vez por los derroteros de Groucho
Marx, del propio Chaplin, quizá por
aquel acercamiento a Hollywood
entre 1932 y 1933. Es humor del
sano: "El drama es una aberración
del sentimiento. Todo puede hacerse alegremente", decía. Angelina es la desmitificación surrealista
de Don Juan, la decadencia del Romanticismo, la parodia del amor.
Jardiel se nutre de los mismos elementos de los que se burla: Hay un
galán que se pierde por una mujer,
un galán que es anti héroe; un padre, militar, cornudo y deshonrado;
una madre y, a la vez, mujer infiel;
un novio cursi como él sólo; hay
una niña tonta que no sabe si va o
si viene o qué; un duelo, hay honor, hay fantasmas, cementerios,
hay huidas por amor y regresos
porque Carabanchel no es París.
Angelina es el dramón romántico
hecho comedia.
15
cuatroestaciones
“Angelina” es una de las obras más
delirantes y originales del dramaturgo madrileño, pionera dentro
del teatro de humor en España, por
sus aportaciones vanguardistas al
lenguaje, su originalísimo concepto del humor, y la renovación en
los comportamientos sociales de
sus personajes. Sobre el telón de
fondo de 1880 con sus duelos a
pistola, sus damitas de salón, sus
caballeros engominados, sus militares, sus batallas y todo el oropel
que quedaba del Imperio, Jardiel
va más lejos. Sabe que un tiempo
nuevo llama a la puerta y con el
mecanismo preciso de su humor
explosivo se atreve a ofrecernos
nuevos puntos de vista sobre el
conflicto del varón burlado, el drama del donjuanismo o la incipiente emancipación de las mujeres.
Una vuelta de tuerca magistral
sobre la eterna lucha de contrarios: padres/hijos, marido/mujer,
progreso/inmovilismo, tradición/
vanguardia. Al escribir Jardiel este
drama en verso, no sólo crea una
de las mejores piezas del teatro de
humor de todos los tiempos, sino
también una obra excepcional, de
gran actualidad, con conflictos del
siglo XXI, pero muy arraigados en
la cultura española.
Todo es teatro. En el escenario,
otro escenario. Telones pintados,
BEATRIZ CARVAJAL Y MAGÜI MIRA EN UN APASIONAN
16
el cerco de l
Pues no, no vamos a ver ni Leningrado ni su famoso cerco y
pensándolo bien, ni falta que nos
hace, pero sí vamos a ver a dos
actrices (Beatriz Carvajal y Magüi
Mira), dos grandísimas actrices tan
diferentes, tan antagónicas, tan
particulares como solo los grandes
creadores pueden serlo. Tienen,
claro, denominadores comunes:
su sentido del humor, su inteligencia y su enorme talento para incor-
porar unos complejos y difíciles
personajes que Sanchís Sinisterra
ha colocado al borde del abismo,
entre el realismo y el mundo onírico en ese delicado límite que en
el contactan realidad e ilusión.
Dos mujeres enfrentadas por sus
caracteres, por sus orígenes, por
sus temperamentos pero unidas,
profundamente unidas, por una
obcecada fidelidad a sus ideas,
a sus principios, a su amor. ¿Dos
estrafalarias? Puede, o quizá ¿dos
enfermas?, o lo que es peor ¿dos
idealistas? Sí, ¡atención pequeños
seres acomodaticios: peligro! son
dos seres que son aún capaces de
mantener los valores espirituales
sobre los materiales, dos marginadas que se cercan a ellas mismas
para poder ser fieles a sí mismas.
Perdido el contacto con el mundo
real, un mundo que ha perdido su
norte, un mundo de corrupción e
ONANTE DUELO ARTÍSTICO POR JOSE CARLOS PLAZA
infamia, ante el que, al igual que el
autor y que muchos de nosotros,
se desconciertan viendo el descalabro de la utopía igualitaria en
una Europa justa frente a la soberanía inhumana del mercado y los
intereses del capital.
Dos seres que recurren a sus recuerdos porque sin memoria desaparecerían, al humor para mantenerse vivas y a la solidaridad
para vivir con calor. La ilusión en
ellas se confunde con el presente,
el teatro con la realidad. El autor
juega al teatro dentro del teatro,
un fantasmagórico teatro medio
derruido, pretérito y tal vez patético como las vidas de nuestras dos
mujeres pero en pie, sin cesiones
ni cómodos pragmatismos, pleno
de historia, la nuestra, espejo de
nosotros mismos si no nos hubiéramos dejar corromper, si como
mediocres Faustos no hubiéramos
vendido nuestras almas no ya por
la juventud eterna, sino por una
mísera pantalla de plasma de unas
cuantas pulgadas. ¡Ay, Dios!
El Cerco de Leningrado se representará el 28 de enero en el Teatro Circo de Albacete. La obra está
escrita por José Sanchís Sinisterra,
interpretada por Beatriz Carvajal y
Magüi Mira y dirigida por José Calos Plaza
17
cuatroestaciones
e leningrado
18
¡Qué pequeño, ¡Qué desnudo!
Y... ¡Qué atrevido! -dijo dulcemente mamá Loba. El niño se
abría paso entre los cachorros
para arrimarse al calor de la piel-.
¡Vaya! Ahora come con los demás. De manera que éste es un
cachorro de hombre, ¿eh? ¡A ver
si hubo nunca un lobo que pudiera jactarse con uno que estuviera
entre sus hijos!...
La historia de Mowgli en The
Jungle Book, forma parte de la
extensa y valiosa bibliografía
del escritor Rudyard Kipling que
alcanzará el Premio Nobel de Literatura en 1907. Algunas de sus
obras más populares son la novela de espionaje Kim (1901), el relato corto The Man Who Would
Be King (El hombre que pudo ser
rey, 1888) o los poemas Gunga
Din (1892) e If— (traducido al
Para el recuerdo, la historia del
niño criado en la jungla. En el
musical, la historia comienza
cuando el tigre Shere Kan ataca
a Mowgli, un pequeño humano que se encontraba en la selva junto a sus padres. Gracias a
una pareja de lobos, éste será
salvado de las maléficas garras
del tigre, y le acogerán como a
uno más de la manada. Mowgli
vivirá con miedo, porque Shere
Kan quiere venganza, y busca la
muerte del niño. El acogido deberá adaptarse a la vida de los lobos, y deberá ser instruido en la
ley de la selva. Una situación que
no le resultará difícil. Dispondrá
de dos maestros para su adaptación a la manada: el oso Baloo y
la pantera Bagheera. Pero a medida que va creciendo el joven,
se harán evidentes las diferen-
cias con respecto a los lobos. El
poder del tigre se incrementará
aprovechando esta situación.
Mowgli se verá obligado a abandonar la manada y será conducido por el oso y la pantera hasta
un poblado próximo donde se
encuentra su madre biológica.
Pero tendrá pendiente aún una
última tarea en la selva: matar
a Shere Kan. El musical presenta todas las credenciales de gran
desfile visual. En el trasfondo de
la obra del autor indio se atisba
la historia de una inadaptación
continuada, que transcurre entre
los ocho cuentos del original de
Kipling: su crecimiento entre los
lobos o su ubicación en la aldea
humana. Pero, creemos, esa es
otra historia que espera turno.
19
cuatroestaciones
castellano como Si..., 1895). Además, varias de sus obras han sido
llevadas al cine, como esta colección de relatos que nos ocupa,
integrados en su famoso Libro
de la Selva, donde toda la Factoría Walt Disney dejó una de sus
obras memorables. La productora Moonworld la ha hecho ahora
Musical, un espectáculo donde
se despliega toda la parafernalia
inventiva de Kipling y algunas de
esas escenas que siempre recordaremos de la película de Disney:
50 personajes, números aéreos,
una escenografía impresionante
y la música y las canciones sonando en absoluto directo.
2036 Omena-G es
la obra con la que
inician los actos del
Cincuentenario de
Joglars, la compañía
privada y estable más
longeva de Europa
els Joglars
regresan al futuro
20
El viernes 9 de abril Rogério Santos presentó su Tesis Doctoral
sobre Joglars titulada 'El proceso
creativo teatral: conceptualización
y análisis a través de su aplicación
a la obra de Albert Boadella y Els
Joglars' en el Departamento de Filología de la Facultad de Filosofía y
Letras de la Universidad de Alcalá
con el resultado de Sobresaliente Cum laude. Rogério Santos es
profesor en la Universidad Federal
de Ouro Preto, Brasil. No ha sido
el único en hacer una tesis sobre
el mítico grupo catalán de teatro y
su, siempre controvertido, director. Albert Boadella y la compañía Els Joglars han dado un paso
adelante en su continua búsqueda
de emociones. Ahora juegan a ser
adivinos, ahora quieren cruzar las
fronteras de lo inmediato para introducirse de lleno en casi la mitad
del siglo XXI y celebrar ya, cuanto
antes, su 75 aniversario.
2036 Omena-G es la obra con la
que inician los actos del Cincuentenario de Joglars, la compañía
privada y estable más longeva de
Europa, que se cumple en 2011.
Lejos de echar la vista atrás, para
este 50 aniversario, Albert Boadella ha construído lo que se podría
llamar un “anti homenaje”: 2036
Omena-G da un salto de 25 años
hacia el futuro: imaginemos que
en 2036, en el 75 aniversario, se
realiza un acto de homenaje a la
compañía...
¿Qué será de Joglars por aquel en-
para imaginar el futuro de la compañía dentro de 25 años, cuando
celebrará su 75 aniversario.
Albert Boadella cuenta...
Lo primero que percibo cuando
evoco el pasado de esta compañía
es el vértigo que provoca la nostalgia de la juventud ¡Y qué juventud!
Durante nuestras primeras veleidades escénicas vivíamos con una
placentera sensación de impunidad alentada por cierta ignorancia,
lo cual nos permitía entonces toda
clase de disparates con su respectiva felicidad.
Hace ahora 50 años, un manifiesto
fundacional nos inducía a trabajar
por la recuperación de la cultura
catalana, y desde la dictadura hasta hoy, nuestra propia evolución
se ha desarrollado paralelamente
a la transformación de la sociedad
española. El autoexilio escénico en
el que se ha situado actualmente
Joglars, forma parte de este proceso, no sólo por la voluntad de sus
miembros, sino alentado por unos
orígenes éticos y dramáticos mantenidos con una obsesiva terquedad. Hemos venido practicando un
principio muy sencillo y eficaz para
el arte: Nadar a contracorriente de
la corrección. Esta receta artística
ha provocado que seamos tachados de antipatriotas, reaccionarios,
blasfemos, anarquistas o fachas, según las tendencias dominantes del
momento.
Como es obvio, el final de tan prodigiosa aventura llegará irremisiblemente, y en esta obra, sin perder el
humor, ni el sarcasmo, ni la buena
forma física, anticipamos una posible versión del ocaso. Tampoco es
ciencia futura. Se trata simplemente
de cambiar las fechas y situarnos en
el 75 aniversario de nuestra fundación. Lo demás es sólo un cálculo
de probabilidades, muchos ensayos y la experiencia de 50 años.
21
cuatroestaciones
tonces? ¿Vivirán aún los actores?
¿Y el director? ¿Qué harán? ¿Cómo
será la sociedad en 2036? El sarcasmo con el que Joglars ha retratado la evolución de la sociedad en
el último medio siglo de historia
de España, lo aplicamos también
ahora sobre nosotros mismos, sin
contemplaciones. El resultado es
una obra cruel, divertida, tierna,
sarcástica y sin restricciones interpretada por el equipo artístico
de Joglars: Jesús Agelet (31 años
en Joglars), Ramón Fontseré (27),
Pilar Sáenz (23), Jordi Costa (31),
Minnie Marx (17), Xavier Sais (7),
Dolors Tuneu (13) y Lluis Olivé (5)
con dramaturgia, espacio escénico
y dirección de Albert Boadella.
En este montaje, la compañía dirige una mirada imaginaria hacia
su propio futuro, y más en concreto, hacia el año 2036, cuando
una importante entidad bancaria
patrocina un homenaje a Joglars.
O más bien, un «anti homenaje»
22
Anticipándose a la celebración en
2013 del segundo centenario del
nacimiento de Richard Wagner, el
Teatro de la Maestranza de Sevilla propone un reto operístico de
grandes dimensiones: el montaje,
en cuatro temporadas consecutivas, de su obra magna, el Anillo
del Nibelungo. El proyecto supone un gran reto escénico y musical que certifica la edad adulta
de cualquier teatro de ópera del
mundo, por el importante despliegue que requiere. Para su primer
Anillo, el Teatro de la Maestranza
ha reunido un gran plantel de primeras voces especializadas en el
canto wagneriano, como Robert
Brubaker, Jukka Rasilainen, Hanna
Schwarz o Elena Zhidkova. Junto a
ellos está el tenor albaceteño José
Ferrero.
Cuatro Estaciones habló con Ferrero que andaba ocupadísimo esos
días en Sevilla tratando de organizar la estresante agenda que le llevará por los más importantes teatros del mundo. Ferrero ha llegado
donde quería, cantar en, y con las
élites del mundo operístico. Su estado de ánimo es exultante, sien-
do su actuación en solitario, con
la Orquesta Sinfónica de Albacete,
uno de sus compromisos que más
ilusión le hace:
“En Albacete vamos a hacer algo
muy original con la Orquesta
(OSA). No es el programa típico de
arias de ópera de las más manidas
de Verdi o arias de zarzuela; no,
hemos hecho un programa muy
original, Juan Luis Martínez y yo,
para que se pueda escuchar de
otra forma, con orquesta, en mi
ciudad. Es un recital en solitario,
dificilísimo de la leche. Te lo puedo asegurar. Muy pocos se atreven
con algo tan complicado. Mira, de
las arias de Wagner que vamos a
interpretar está Los Maestros Cantores de Nuremberg que es dificilísima y que muchos tenores, como
Plácido Domingo, no la ha cantado
nunca en escena. Lo ha hecho en
disco, pero nunca en directo. Es un
recital muy arriesgado, pero me
apetece hacerlo en Albacete para
que vean el nivel que estamos cogiendo todos”.
José Ferrero canta a Wagner en Sevilla, pero ya prepara su entrada en
el gran espectáculo de La Fura del
Baus, la Valkiria de Richard Wagner
y José la cantará con la densidad y
profundidad que caracteriza a Carlus Padrissa, director escénico de
La Fura. Todo un reto:
“Lo de la Valkiria será en el Teatro
de la Maestranza el año que viene
por ésta época, porque van a hacer todos los años partes de la tetralogía de Wagner. Es un montaje
de La Fura del Baus, fíjate lo que te
estoy diciendo. Con la Fura estoy
trabajando ahora otra cosa que no
puedo decir todavía, un montaje
especial para el Festival de Peralada. Voy a viajar también con la
Orquesta Sinfónica de Euzkadi,
despues voy a Montpellier -Francia- y luego El Liceo de Barcelona a
cantar un primer papel en la Cavallería Rusticana. La verdad es que
va todo muy bien, poco a poco,
pero va todo muy bien”.
El menú que ha preparado para
su concierto en Albacete es, según él, francamente original:
“Hemos elegido, en principio,
unos lieders (breves composiciones para voz y piano, antecesor
de la moderna canción) de Franz
Shubert orquestados por Héctor
Berlioz, entre otros, y otros que
ha orquestado también Juan Luis
Martínez. Al finalizar la primera parte hemos preparado unas
arias de óperas de Wagner. Una
primera parte alemana totalmente. Y también, lo que prepara Juan Luis Martínez, que no
te lo puedo confirmar seguro, es
incluir alguna obertura de ópera
de Wagner”.
Para la segunda parte, el director y tenor han preparado otro
número arriesgado, El ‘Werther’
de Massenet. En la famosa aria
‘Pourquoi me reveiller’, Ferrero
canta un poema de Ossian (un ficticio autor), en un soliloquio desgarrado propio de un alma atormentada e incomprendida camino
de la destrucción. Finalizará el recital con Puccini y el aria de Tosca.
Un autodesafío del propio Ferrero
ante su público. Un gran recital.
LA
FUNCIÓN
POR
HACER
ADAPTACIÓN LIBRE DE SEIS
PERSONAJES EN BUSCA
DE AUTOR, DE LUIGI PIRANDELLO
El teatro no puede morir
Luigi Pirandello
(Fragmento de su discurso en el coloquio “Volta”)
23
cuatroestaciones
“Forma parte de la vida misma;
todos somos sus actores. Y aunque
fueran abolidos y abandonados
los teatros, el teatro seguiría en la
vida, insuprimible. Y siempre sería
espectáculo la misma naturaleza
de las cosas. Hablar de muerte
del teatro en un tiempo como el
nuestro, tan lleno de contrastes
y, por tanto, tan rico de materia
dramática, entre tanto fermento de
pasiones y sucederse de casos que
conmueven la vida entera de los
pueblos, choque de acontecimientos e inestabilidad de situaciones y
la necesidad, cada vez más perceptible, de afirmar, al final, alguna
certidumbre nueva en medio de un
tan angustioso ondear de dudas, es
verdaderamente un contrasentido.”
LA
24
Comienza una función más
FUNCIÓN en un teatro cualquiera. Dos
POR
se afanan sobre el
HACER actores
escenario por contar la historia que les ha sido encomendada. La obra en cuestión no aporta
nada nuevo, pero es ágil, incluso
graciosa por momentos. Un espectáculo más para entretenerse y
después salir del teatro y picar algo
en el bar de la esquina sin que el
sistema nervioso sufra ninguna alteración. Pero algo extraño sucede
durante la representación. Cuatro
personas aparecen entre el público
y se quedan inmóviles observando
a los actores. Esto crea una gran
incomodidad, no sólo a los actores, que pierden la concentración
necesaria para seguir interpretando, sino también al público que no
está acostumbrado ni soporta bien
las fracturas de la comodísima
cuarta pared. El teatro no debería
ser un sitio incómodo, ¿no? Uno
acude al teatro para evadirse, ¿no
es así? A no ser que sea “preciso
liberar al artista y también al público de la influencia de la opinión
de los cultos. Hay que aprender a
prescindir de la desaprobación de
la gente que está constreñida por
sus capacidades emotivas a considerar el arte como un pasatiempo
elegante.” Contradiciendo los deseos del autor que los soñó pero
que no quiso, o no pudo conducirles al mundo del arte, estos cuatro
personajes que han aparecido y
que permanecen inmóviles junto a
los espectadores que han pagado
religiosamente su entrada, hablan
directamente a los actores y al público. Intentan captar su atención
para poder así contarles, e incluso
revivir ante sus ojos, dicen, el drama que les ha movido a irrumpir
en la sala.
Los actores se miran sorprendidos
y hacen al público partícipe de su
sorpresa: esto que está sucediendo ¿es parte de la función, es un
invento o se trata de una conspiración para reventar el espectáculo? ¿Están estos cuatro personajes
compinchados con los actores o
Un reparto de lujo: Israel Elejalde, Bárbara Lennie, Miriam
Montilla, Manuela Paso, Raúl Prieto y Cristóbal Suárez,
personajes de las series más famosas de televisión.
son simples agitadores? ¿Es ésta
la función? ¿Desde cuándo se le
exige al público que se exprese
durante una representación de
teatro? ¿Es esto un acto de terrorismo cultural? ¿Esos gritos que
llegan desde el vestíbulo son las
Fuerzas del Orden que vienen,
como su propio nombre indica, a
reestablecer el orden subvertido?
Los personajes aprovechan estos
momentos de confusión para exponer con vehemencia las razones
que les avalan para poder existir.
Tienen, dicen, derecho a existir y,
por ello, están firmemente decididos a contar su historia. Deberían
callarse para que los dos actores
pudieran proseguir con la función
y que todo siguiera “como es debido”, pero su historia es tan “real”
que no es fácil despegarse de ella.
Tan real y tan íntimamente reconocible que resulta obscena. ¿Qué
haría el público si se le diera la
oportunidad de elegir entre seguir
viendo la entretenida e inofensiva
función que estaban viendo protegidos por la oscuridad, o escuchar
lo que estos “personajes” tienen
que contar a pesar de que puedan
sentirse concernidos…?
Memoria de dirección
Miguel del Arco
Cuando asistimos a una representación teatral esperamos ver
y escuchar una historia que nos
conmueva. Por “conmover” María
Moliner entiende: “Estremecer.
Sacudir. Hacer temblar una cosa
apoyada pesadamente en un sitio.
Afectar. Impresionar. Causar emoción.” ¿Lo conseguimos? ¿Sigue
siendo el teatro, como dice Pirandello, el lugar donde se representa
la vida? La función por hacer se apoya firmemente en “Seis personajes
en busca de autor”. Pero la acción
no se desarrolla durante un ensayo sin público de una compañía
de teatro de la primera mitad del
siglo XX, sino durante la representación de una función a cargo
de una compañía del siglo XXI en
un teatro del siglo XXI. Hemos
reescrito el drama que mueve a
los personajes a emprender su
incivilizada y revolucionaria acción. Nos parecía que el original
estaba demasiado sujeto a los
preceptos morales de principios
del siglo XX como para resultar
verosímil. Un siglo después, vivimos en una sociedad desafortunadamente acostumbrada a casi
todo. Sin embargo, la reflexión
sobre el teatro y la naturaleza del
hombre que Pirandello desarrolla
en su obra sigue intacta, como
intacta sigue la fuerza con la que
golpea el corazón de cualquiera
que se pare a escucharlas. A través de una puesta en escena hiper realista, pretendemos que el
público llegue a preguntarse si lo
que está viendo es real o no; que
se vea obligado a procesar a toda
velocidad la información que recibe, para decidir cómo debe actuar, porque sus reacciones y sus
emociones serán parte activa del
espectáculo. Pretendemos convertir al público, a fin de cuentas,
en un personaje más de la función
que se desarrolla ante sus ojos, a
partir de la aparición de los personajes.
¿Sigue siendo el teatro, como dice Pirandello,
el lugar donde se representa la vida?
cuatroestaciones
25
Médicos del Mundo organiza este
ciclo de cine documental, con el
que se propone contribuir a la prevención y erradicación de la trata
de mujeres con fines de explotación sexual como forma de violencia contra la mujer, garantizando
los derechos de las mujeres víctimas de trata a través de la sensibilización y la movilización social.
Las películas que se proyectarán
en la Sala Pepe Isbert del Teatro
Circo, con entrada libre, son:
Sex Slaves
Trading Women
Niñas de hojalata
Nos cuenta la historia de Viorel,
un hombre que busca a su esposa, capturada en Turquía por una
red de trata. A lo largo de la película, se revela el mundo del tráfico
sexual, los horrores que sufren las
víctimas y cómo son introducidas
en la esclavitud sexual.
Esta película es la primera en
abordar el tema de la trata de
mujeres desde una perspectiva
global, incluyendo la respuesta
de la comunidad internacional.
Narrado por Angelina Jolie, el
documental investiga la trata de
niñas menores de edad y mujeres de las tribus montañosas de
Birmania, Laos y China.
En Nepal, 12.000 niñas, la gran
mayoría menores de 13 años, son
enviadas cada año a trabajar en
burdeles repartidos por toda la
India. En este documental se da
voz a esas niñas, auténticas supervivientes a quienes les han robado su infancia y han sido tratadas
como esclavas.
Documental. 40 minutos.
Dirigida por Ric Esther Bienstock.
Lunes 21 febrero. 19,30 horas.
26
Documental. 77 minutos.
Dirigida por David A. Feingold.
Lunes 28 febrero. 19,30 horas.
Documental. 72 minutos.
Dirigida por Miguel Bardem.
Lunes 7 marzo. 19,30 horas.
Una vez terminada la Navidad, en
nuestra tierra tradicionalmente se
han celebrado danzas colectivas
celebrando acontecimientos familiares y celebraciones colectivas de
ámbito campestre, con la particularidad de la convivencia de diversos ritmos.
Grupos que participan:
Fuenteagria, Puertollano, Ciudad Real.
Lola Torres, Jaén.
Grupo de Danzas Manchegas de Magisterio, Albacete.
encuentro
de
folklore
27
cuatroestaciones
El solsticio hiemal es el acontecimiento que vivifica la Naturaleza
con su luz y su calor, razón por la
cual, para todas las culturas antiguas, representaba el auténtico
nacimiento del Sol y, con él, toda la
Naturaleza comenzaba a despertar
lentamente de su letargo invernal
y los humanos veían renovadas
sus esperanzas de supervivencia,
gracias a la fertilidad de la tierra.
En el solsticio de invierno, todos
los pueblos antiguos celebraban el
nacimiento del astro rey mediante
grandes festejos, caracterizados
por la alegría general y acompañados de ceremonias colectivas, centradas en cantos y danzas rituales
y en la recogida de ciertas plantas
mágicas, como el muérdago. Las
grandes hogueras tenían la función
de provocar el calor y la fuerza de
los rayos de un sol recién nacido,
que encaraba su curso hacia la primavera, inundando la tierra con su
poder regenerador.
pete shaw
martin ditchman
harry bogdanovs
28
DAVID KN
el ex-miembro de Dire Straits presenta su gira en España
Pocos saben que fue David Knopfler (Glasgow, 1952) quien presentó a su hermano Mark, tres
años mayor que él, a su compañero e íntimo amigo John Illsley para
montar una banda experimental.
De esas que les permitieran tocar
en pequeños clubs y pubs de Newcastle, luego Londres, parodiando
las mejores esencias de Bob Dylan
y algunos cantautores británicos
y americanos. Música reposada y
erudita con todas las teorías que
ofreciera la falta de otras ambiciones más terrenales. El grupo
se llamaría Dire Straits y Mark,
siempre el hermano mayor, guitarrista consumado, llevaría todo el
peso del sonido y la voz, aquella
voz que imitaba perfectamente el
deje Dylaniano. No podían imaginar que años más tarde el propio
Dylan les citaría (sólo a Mark y al
batería Pick Withers) para ornamentar su reconocida obra de arte
Slow Train Coming. En realidad, el
álbum sonaba a Dire Straits con las
canciones y la voz del gran maestro
de Minesotta. Para entonces, Bob
Dylan y el mundo ya habían escuchado el formidable primer álbum
del grupo (Dire Straits, 1978)), uno
de esos discos que se recuerdan
para toda la vida y que incluye la
memoria real de lo que estabas haciendo entonces.
David tocaba la segunda guitarra
en Dire Straits entonces, y escuchando aquel inolvidable primer
álbum, con canciones generacionales como Sultan of Swing o
Down the Waterline no sorprende
la acogida entusiasta de la crítica
que descubrió inmediatamente el
camino para alejarse del ya ma-
nido y repetido run-run del punk,
que por entonces ocupaba toda
la atención del público rockero.
Los primeros sorprendidos fueron
ellos que pasaron en pocos meses
a tocar desde los pubs londinenses
a los mayores aforos que cualquier
artista pueda soñar. Las estrellas
del rock se rifaban a cualquiera
de los integrantes, incluido David,
para acicalar sus creaciones. Así
David conoció a muchos de sus futuros compañeros de viaje, Chris
Rea, Peter Gabriel o Chris White
con quienes trabajó en una vida
más personal y autocreativa, alejada del tumulto Straits. Sucedió
a mitad de la grabación de Making
Movies -1980- por lo que no aparece en los créditos de aquel tercer
álbum de Dire Straits. David abrazó su propia inspiración y dejó una
banda que lo tenía todo. Prefirió
La gira que le trae a España, a Albacete, es antesala de la grabación, anuncia, de un nuevo disco
que aparecerá en breve y que ha
perfilado con su ahora inseparable
guitarrista Harry Bogdanovs.
en
29
cuatroestaciones
introducirse en el mundo de las
bandas sonoras, los recitales cómodos, las colaboraciones y la edición de su propia obra, unos diez
álbumes, con temas profundos,
cautivadores, elegantes, pensados
y un sentido exquisito de la melodía. Todo ello condimentado con
una dedicación especial a la comunidad tomando parte activa en la
participación y el entendimiento
entre los humanos y la naturaleza.
Entre otras cosas, ha apoyado activamente a organizaciones como
Amnistía Internacional y Greenpeace.
concierto
NOPFLER
La o
br
a
a
Si no con los mismos detalles, la
música nos suena. En este caso, es
la trama argumental que utilizan el
autor, Paxi Amezcua, los directores,
Adolfo Fernández y Ramón Ibarra
-actores también en la obra- para
cu
ez
30
ción política y el gabinete de prensa activan la alarma para apagar
el fuego, pero las piezas de esa
maquinaria chocan y rozan entre
sí poniendo al descubierto la mezquindad de sus componentes. El
cinismo, la mentira, la puñalada
trapera y el desencanto han oxidado tanto el mecanismo que es
difícil encontrar el modo de tapar
el escándalo. La firma de ese pacto
es vital para continuar en el poder.
Alguien tendrá que sacrificarse
para lograrlo.
m
Pongámonos en situación: Un diputado del partido en el poder,
habitualmente serio y discreto, es
detenido en pelotas y borracho a
la salida de un club de alterne. Lleva consigo 5 millones de euros en
billetes de 500. La situación puede
llevar a una explosión en cadena
de consecuencias impredecibles.
No es fácil sortear el escollo cuando se está en medio de una negociación clave, un asunto de Estado
que ha costado mucho tiempo
consensuar con la oposición. Las
19:30 es la hora límite para la firma del documento.
Los principales dirigentes ponen
en funcionamiento la maquinaria
del partido para evitar que tan
flagrante caso de corrupción tire
abajo las negociaciones. La direc-
de Pat
x
tral
i
A
cuando sopla el volcán
a
te
19:30
poner en escena una parte, más o
menos oculta, de los mecanismos
reales que conforman eso que se
llama “EL PODER”. También para
hablar de la corrupción no sólo
como hecho real y habitual en los
partidos, sino también como parte, a veces indisoluble, de quienes
llevan muchos años ejerciendo el
poder y creyéndose insustituibles
eternamente.
Poner la responsabilidad de esas
situaciones corruptas en el sistema económico dominante o en la
complejidad de la financiación de
los partidos, sería pecar de timoratos. Esto ha existido históricamente. Siempre. No es nada nuevo. Y
es precisamente en ese carácter
intrínsecamente humano de la degradación moral en donde quere-
Con 19:30 los responsables de la obra quieren mostrar esa parte interior del volcán
silencioso, pero en ebullición constante, que dormita en los partidos en el poder.
19:30 se muestra al público para que reflexione, se divierta y comparta el
placer de conocer... la asombrosa mezquindad del comportamiento humano
poético diagnóstico. Pero la realidad se empecina en ensombrecer
el panorama.
Con 19:30 los responsables de la
obra quieren mostrar esa parte
interior del volcán silencioso, pero
en ebullición constante, que dormita en los partidos en el poder.
Acercarnos a “este tema de candente actualidad” no como investigadores periodísticos -no vamos
a destapar ninguna trama nuevasino como observadores de la conducta humana.
Los partidos políticos aparecen
como grandes aparatos que condicionan nuestras vidas. Promulgan
leyes, deciden a través de los medios de comunicación qué es lo
que nos tiene que importar, nos
camuflan la realidad con eso que
llaman “actualidad”, y marcan un
simulacro de agenda cotidiana que
poco tiene que ver con nuestras
vidas reales. Pero sobre todo, son
organismos vivos compuestos por
personas que -en muchos casos- defienden intereses contrapuestos y
que son capaces de hacer lo que sea
para lograrlo. Caiga quien caiga.
Y este juego -a veces mortal- es el
que se muestra al público para que
reflexione, se divierta y comparta el
placer de conocer... la asombrosa
mezquindad del comportamiento
humano, lo que hay debajo de la
alfombra. O simplemente, las entrañas del volcán. La intriga y el
suspense facilitan el camino para
conseguir la propuesta.
31
cuatroestaciones
mos poner la atención: se traicionan los principios, se corrompe el
pensamiento, se justifica un “daño
colateral”... y se acaba podrido en
el basurero de la Historia.
Hay un personaje de la obra que
explica cómo sucede todo esto: El
Vesubio. Año 79 de nuestra era, el
24 de agosto, “después de llevar
años en una ebullición silenciosa,
discreta, nadie era consciente de
lo que se avecinaba, porque nadie
sabía realmente lo que estaba pasando allá dentro...Y un día... salió
disparada hacia el cielo una columna de humo y fuego que alcanzó
veinte kilómetros de altura. Una
hora después comenzó una lluvia
de piedras y ceniza que sepultó
por completo la ciudad de Pompeya”. Es una bella metáfora, un
Esta pequeña gran obra trata del infinito placer de comprobar que la realidad y la verdad no son la misma cosa
Solá se muestra enorme, y Oteyza
se agranda en cada escena en la
que insufla vida a esa madre que
fue todas las madres, dice la crítica. Así toda la obra, así se mantiene el cuerpo a cuerpo entre dos
grandes de la escena. Un duelo
que no es. Una situación que tensa y ensancha el argentino Manuel
Sánchez Gil en su adaptación de
la obra de Michel Trembay que
hace junto a los dos actores. Un
trío des-pampa-nante. Un trabajo
de muchas horas de relación y encuentros.
32
Un famoso y reconocido autor teatral, también director y –en este
caso- actor, nos propone aceptar
que “alguien” es único cuando logra despertar en el otro el placer
de volver a verle. Y nos invita a
pensar que, de no ser eso el amor,
tal vez pueda tratarse de lo más
parecido al amor.
Para probar que es así, y dar sentido a su última pieza teatral, deberá contar con “ella”, esa mujer
Por el placer d
que hará que su nostalgia adopte
el rostro de la felicidad. Ante el
público –sumergiéndose en un pasado muy presente-, sin prejuicios,
ni preconceptos, ni humillaciones,
ni miedos, ni desgarros tortuosos,
iniciará un viaje al corazón abierto
del teatro. Esta pequeña gran obra
trata del infinito placer de comprobar que la realidad y la verdad no
son la misma cosa. Y que se puede
volver a dialogar, emocionar y reír
con quien se supone dejó de ser
realidad, porque, la verdad, puede
traerle cuantas veces quiera.
El amor lo hace posible.
Y el teatro.
Como en “Hoy: el diario de Adán
y Eva, de Mark Twain”: teatro de
sentimientos, teatro para crecer,
cosa
r de volver a verla
Un mano a mano entre dos grandes actores, Blanca Oteyza y Miguel Ángel Solá
Obra de dos únicos personajes,
Miguel (Miguel Ángel Solá) y Nana
(Blanca Oteyza), en la que aquél
irá desentrañando el perfil de su
madre (Nana), quien ha signado
su vida y a la que debe, entre otras
cosas, el haber despertado su vocación de vivir en y para el teatro.
Con su repentina aparición en la
televisión Argentina (1990), Blanca se convirtió en poco tiempo
en una de las actrices más respetadas, queridas y, ¿por qué no
decirlo?, deseadas del país hermano. Manuel Sánchez Gil tiene
palabras para ella, para la pareja,
que descubren el secreto de esa
increíble simbiosis: “Nuestra ga-
llega” -dice-, protagonizó brillantemente ciclos memorables como
“Cartas de amor en casetes”; “Luces y Sombras” –ambas con Solá-,
a quien enamoró (¿a quién no?) a
tal punto, que la vida se le hacía
absurda si no la tenía cerca. Y se
las ingenió para agenciársela. Hicieron “rubro” vital y profesional,
y, hasta hoy”.
Para Solá, la admiración de Sánchez Gil es palpable: “Verlo actuar
es aprender de la vida. Nació así.
Viene desde lejos. De doscientos
años de teatro, asumidos como
propios los de sus ancestros, hasta
la sexta generación, comprobables.
Pero él dice que los bisabuelos de
esos eran de teatro. Y habrá que
creerle, sólo por verlo actuar”.
33
cuatroestaciones
teatro para todos. Teatro que no
excluye a nadie.
el
Barbero
d evilla
d
S
e
34
e
Rossini
La Compañía Estudio Lírico interpreta
la gran obra del maestro italiano
Rossini fue el nexo de unión de
los compositores operísticos setecentistas, con los veristas de la
segunda mitad del siglo XIX. Por
eso su música está entre el clavecín y el piano, entre las arias,
llenas de floridos adornos vocales y, los dramáticos acentos
que aportaron sus sucesores. En
1816, con solo 24 años, estrena
“ El Barbero de Sevilla” en Roma.
Siendo desde entonces un título
universal por su graciosísima trama y su bellísima música.
Giacomo Rossini fue el compositor de óperas italiano más famoso de su tiempo. Destacó con la
ópera cómica y fue uno de los tres
grandes exponentes del estilo Bel
Canto en el siglo XIX, resaltando
La más famosa ópera de Rossini y la única
que permanece permanentemente en su
repertorio es El Barbero de Sevilla,
producida en Roma en 1816
de alboroto. La Compañía Estudio Lírico surge en el panorama
musical español en el año 2.003
por iniciativa de la Musicóloga
y Profesora Belkys Domínguez
que seleccionó a un grupo de jóvenes músicos, cantantes líricos,
actores y bailarines españoles y
latinoamericanos con el objetivo
de ofrecer óperas y zarzuelas de
calidad y para llenar el espacio
dejado por las grandes producciones extranjeras disponibles
sólo en giras y únicamente accesibles para grandes espacios. El
carácter de sus componentes, la
profesionalidad y el entusiasmo
con el que afrontan cada nueva
producción, el rigor musical y la
calidad vocal de sus solistas y
cantantes así como una cuidada
producción escénica, decorados
y vestuario, han conseguido que
esta compañía pueda ofrecer
títulos de opera, zarzuelas y
obras creadas y dirigidas al público infantil. Su elenco artístico
está compuesto por Solistas especialistas de cada uno de los
géneros. Todos ellos figuras del
canto que ya demostraron su calidad en prestigiosos escenarios
y viven constantemente una intensa actividad profesional, conocida por el público amante de
la lírica.
En El Barbero de Sevilla interviene un buen ejemplo de ello: Svetlana Bassova (Rosina), Alexander González (Conde Almaviva),
Carlos Andrade (Figaro), Yelena
Lafargue, Carlos London, Leopoldo Rojas, Alejando Rull, Alejandro Guillén y la agrupación de 25
músicos Orquesta Sinfónica Mediterránea. La dirección musical
es de Sergio Khulmann y la dirección de escena de Jesús Cordon.
Todo ello dirigido por Belkys Domínguez.
35
cuatroestaciones
la belleza de la línea melódica,
tan dramática como emotiva.
Rossini compuso 37 óperas, empezando con Demetrio y Polibio
(1806), y finalizando con Guillermo Tell (1829).
Su primera esposa fue la soprano
española Isabella Colbran, quien
cantó en varias de sus primeras
óperas. La más famosa ópera de
Rossini y la única que permanece permanentemente en su repertorio es El Barbero de Sevilla,
producida en Roma en 1816. Después de 1831, Rossini no compuso nuevas óperas, y durante el
resto de su vida sólo produjo una
importante The Stabat Mater, en
1842. Las óperas de Rossini fueron las mejores y las últimas óperas de estilo cómico.
Característicamente alegres y ligeras, sus óperas son notables
por la cómica caracterización.
Rossini usó brillantemente el estilo del Bel Canto para crear hermosas melodías, las cuales los
cantantes podían interpretar con
efectos brillantes y expresiones
EL
MAGO
OZ
DE
EL MUSICAL
UNO DE LOS MEJORES MUSICALES DE
TODA LA HISTORIA
36
Una niña, un
espantapájaros
sin cerebro, un
hombre de hojalata sin corazón
y un león cobarde...
El Mago de Oz es un clásico de la
Literatura adaptado por MundiArtistas para recuperar la memoria,
la fantasía, la magia de una historia de siempre, contada en directo
con todos los códigos que impone
el espectáculo... El 25 de agosto
de 1939 tuvo lugar el estreno de la
adaptación cinematográfica de “El
Mago de Oz”, gracias a la cual Judy
Garland se convertiría en una estrella mundial y, entre otras, la muy
emotiva y hermosa canción “Over
the Rainbow” en un imperecedero
icono cultural. Cumpliéndose el 70
aniversario de tan mágica fecha,
MundiArtistas se esfuerza ahora
en rendir homenaje a la maravillosa historia que nació de la pluma de Lyman Frank Baum, para
ocupar desde entonces un puesto
de honor en los sueños de niños y
mayores a lo largo y ancho de este
ajetreado planeta. Puede decirse
que esta versión de El Mago de Oz
que ahora se presenta es un digno
representante del teatro familiar e
infantil; en definitiva, un espectáculo
para los niños que creen
en la magia y para los adultos que
creen en los niños.
La compañía, sin dejar de respetar
el armazón original, no ha querido
pasar por alto un notorio afán de
renovación; una puesta al día en la
que, más que modernizar, lo que
intenta es abrir nuevas ventanas
en la historia por todos conocida
para, mediante un mayor acercamiento a los personajes principales, con diálogos ingeniosos
y divertidos, trucos de magia en
directo, una original escenografía
y cinco nuevas y pegadizas canciones, conseguir ofrecer un espectáculo para todos, absolutamente,
todos los públicos, con dirección
de Alber Ponte, y bajo la batuta de
Luis Bomati como director musical.
La historia
El mago de Oz (1939) es una película musical de fantasía dirigida por Víctor Fleming y producida por Metro-Goldwyn-Mayer,
aunque ahora Time Warner posee los derechos de la película.
Contó con las actuaciones de Judy
Garland, Frank Morgan, Ray Bolger, Jack Haley, Bert Lahr, Billie
Burke y Margaret Hamilton. En
la actualidad es considerada una
película de culto, a pesar de su
proyecto inicial como fábula cinematográfica infantil. La obra dejó
su huella en diferentes reposiciones con más o menos fortuna: Journey Back To Oz, la cual cuenta
con la voz de Liza Minnelli, hija de
Garland, como Dorothy, y Margaret Hamilton como la voz de la tía
Em; The Wiz (1978), con Michael
Jackson y una Diana Ross en plena
era Supremes fue otra película sumada a la saga; La película Oz, un
mundo fantástico (Return to Oz),
fue hecha por los estudios Walt
Disney en 1985 con la actuación
de Fairuza Balk como Dorothy.
Esta película es considerada por
los fans de la primera parte como
una secuela poco digna por su simpleza. Dorothy es interpretada por
una niña, lo cual hace parecer que
es más pequeña que en la película
original que fue interpretada por
La trama y los personajes
Dorothy (Marta Sam) anhela viajar
"más allá del arco iris" a una tierra
diferente y su deseo se hace realidad cuando un tornado se la lleva
junto a su perrito al mundo de Oz.
Pero la aventura sólo acaba de
comenzar; Dorothy, tras ofender a la Malvada Bruja del Oeste
(Lucía Zubiri), y por sugerencia
de la Bruja Buena del Norte, (Pilar Alonso), se dirige por el camino amarillo hacia la Ciudad
Esmeralda, donde vive el todopoderoso Mago de Oz (Oliverio
Satisfecho), que puede ayudar a
la niña a regresar a Kansas. Por
el camino, se hace amiga del Espantapájaros (Javier Muñoz), el
Hombre de Hojalata (Zalo Calero) y el León Cobarde (Germán
Vigara). El Espantapájaros ansía un cerebro, el Hombre de
Hojalata quiere un corazón y el
León desea el coraje que le falta; como creen que el Mago les
puede ayudar a ellos también, deciden unirse a Dorothy en su odisea hasta la Ciudad Esmeralda.
37
cuatroestaciones
Judy Garland con 17 años. En fin,
en 2007, el canal Sci Fi estrenó la
mini serie Tin Man, una versión reimaginada de lo que seria el mundo de Oz y aún se sigue hablando
de nuevas reposiciones. En España, Mundi Artistas se ha sumado a
la efemérides del gran clásico perdurable de Fleming
Siguiendo la estética de los vídeos
elaborados para los exitosos montajes "De viaje con la música" y,
especialmente, "Serenata Astronómica", con casi 50 conciertos
multimedia en poco más de un
año, Antonio Castillo como realizador y Juan Ramón Pardo como
guionista, nos proponen un paseo
por la historia, los paisajes y las
tradiciones de Castilla-La Mancha con impactantes animacio-
nes sintetizadas por ordenador y
excelentes selecciones de imágenes, todo ello en cercana coreografía con la sugerente música de
Eduard Toldrà (1895-1962). Figuras paleolíticas que cobran vida
en los abrigos de Nerpio o Alpera, pasajes del Quijote, paisajes
manchegos y serranos, y algunas
de nuestras más sorprendentes
fiestas populares se encadenarán
a lo largo de los 16 minutos que
38
Paseo por la música y
Castilla La Mancha
La Orquesta Sinfónica de Albacete rinde homenaje a nuestra región
Brahms, Vivaldi, Bach o Paganini.
Paseo Musical Multimedia por
Castilla-La Mancha será también
una oportunidad única para echar
una mirada diferente a piezas únicas de nuestro patrimonio, como
son las muñecas romanas de Ontur, ecosistemas sorprendentes
de nuestra región, o algunas de
las tradiciones más sorprendentes
a nivel mundial que se encuentran,
en realidad, a un paso de casa.
39
cuatroestaciones
pondrán la guinda a un inolvidable concierto.
Como complemento a esta sugerente propuesta, la Orquesta Sinfónica de Albacete contará con
dos extraordinarios violinistas, Pablo Suárez y Yulia Nefyodova, que
han maravillado a las audiencias
de diversos auditorios castellanomanchegos con sus espectaculares interpretaciones de obras
para violín solista de Tchaikovsky,
Carlos Hipólito,
Gloria Muñoz,
Fran Perea y
Manuela Velasco
en los principales
papeles
Con el elenco "más perfecto que
podría soñar", Claudio Tolcachir
dirige la obra de Arthur Miller, Todos eran mis hijos, con Carlos Hipólito, Gloria Muñoz y Fran Perea
en el reparto.
Esta es la primera vez que el director argentino dirige a una compañía de actores españoles y lo hace
con una obra que, tras su paso por
el Teatro Español viajará por toda
España.
La puesta en escena de la obra de
Miller "no es una interpretación libre, es una adaptación en la que he
tratado de sintetizar al máximo",
señaló durante la presentación
de la obra Tolcachir, para quien la
adaptación de "Todos eran mis hijos" ha sido muy compleja.
"Es una obra que tiene mucha información y he pretendido que
avance muy rápido". Aunque se
mantienen los espacios en que
transcurre la obra de Miller, el director ha evitado los nombres o los
años ya que el conflicto que plan-
40
C l a u d i o
To l c a c h i r
d i r i g e
u n a
d e
l a s
g r a n d e
a n d e s
Hablan los Protagonistas
Todos eran mis hijos es "una obra
maestra, muy potente en la que
hay misterio, drama y humor y
unos personajes muy complejos,
llenos de contradicciones", en opinión del director, quien destacó
que más allá del drama de la guerra, se tratan temas universales y
o b r a s
d e l
muy actuales como la solidaridad
o la ecología. "Cada obra pide una
estética. Pretendo que la obra me
invada y no invadirla yo a ella",
dice Tolcachir sobre la sobria puesta en escena, pues ha buscado que
no exista el sello del director.
Interpretar a Joe Keller es, según
Hipólito, un regalo para un actor.
"Es un personaje poliédrico que,
como actor, me permite tocar muchos palos. A mí me atrapa emocionalmente, su historia me conmueve y es un disfrute interpretar
este papel", señaló el actor quien
calificó de "privilegio y placer" trabajar con Tolcachir. "El teatro, tal y
como lo enfoca Claudio, es el que
me gusta hacer. Logra que el público vea un trozo de la realidad,
un trozo de vida, contado desde
la realidad". Así, el espectador en
lugar de pensar que está viendo
teatro "se encuentra inmerso en
la realidad de una familia". Hipólito quiso también dar las gracias
al director por el reparto. "Yo sería
incapaz de hacer lo que hago si no
d r a m a t u r g o
fuera por los compañeros que tengo. Somos un equipo de trabajo
muy compacto".
Parte importante de este equipo
es Gloria Muñoz, quien interpreta
a Kate Keller, uno de los personajes que siempre ha querido hacer,
reconoció la actriz. "Me parece
maravilloso, complejísimo, como
una muñeca rusa a la que se le van
quitando capas y van apareciendo
secretos. Es un bombón para una
persona de mi edad", asegura.
El hijo de Kate, Chris Keller, interpretado por Fran Perea, es un
joven "que hace un viaje por la
función. Pasa por todos los estados que puede pasar una persona.
Madura en escena. Tiene que hacerse mayor para poder sobrevivir
a lo que pasa", comentó el actor,
quien cada vez disfruta más con
esta interpretación "y estos compañeros. Cada día es un máster".
El reparto lo completan Manuela
Velasco, Jorge Bosch, Alberto Castrillo-Ferrer, Ainhoa Santamaría,
Nicolás Vega y María Isasi.
A r t h u r
M i l l e r
41
cuatroestaciones
tea el texto trasciende esos datos.
La familia, la responsabilidad, el
dinero son temas de un argumento en el que todos los personajes son protagonistas. Joe Keller
(Carlos Hipólito) es el patriarca de
una modélica familia de un barrio
residencial estadounidense y un
próspero industrial que pasa de
fabricar electrodomésticos a hacer
fortuna vendiendo piezas de aviones al Gobierno durante la Segunda Guerra Mundial. La trama va
destapando los secretos familiares
y la miseria moral de un negocio
enfangado por la ambición sin límites con la guerra como telón de
fondo.
42
La rosa del azafrán
La compañía La Folía interpreta la
célebre zarzuela del maestro Guerrero
Hoy, pasados setenta y siete años,
sigue teniendo vigencia la "Canción
del sembrador"
La partitura de La rosa del azafrán
es la mejor que hasta ahora ha producido Guerrero. La Mancha es,
por aproximación, su patria chica;
los ritmos de la gallarda seguidilla
son connaturales en su lenguaje
musical, y ellos informan y dan
aroma constantemente a la obra.
La construcción melódica tiene
fluidez y cuadratura; esto, que parece tan fácil, no lo es. La palabra
está dicha siempre con naturalidad
y elegancia, y la frase musical tiene exacta correspondencia ideal y
prosódica con la literaria. Hay dos
o tres números cómicos, no inferiores a los mejores que Guerrero
La rosa del azafrán
es una zarzuela en dos
actos, adaptación libre
de la comedia de Félix
Lope de Vega El perro
del Hortelano
ha hecho en el género. Pero también hay que consignar que en los
números serios se nota en Guerrero un visible progreso. Hay varios
momentos de frase apasionada y
dramática, resueltos con verdadera maestría de compositor teatral.
Y los números de carácter decorativo, coros y danzas populares tienen muy notable vigor y brillante
colorido. Las voces están hábilmente trazadas y consigue llegar
con ellas al máximo efecto.
La rosa del azafrán es una zarzuela
en dos actos, adaptación libre de
la comedia de Félix Lope de Vega
El perro del Hortelano, con música
de Jacinto Guerrero, y estrenada el
14 de marzo de 1930 en el Teatro
Calderón de Madrid. Los libretistas
fueron Federico Romero Sarachaga
y Guillermo Fernández-Shaw Iturralde, dúo que previamente había colaborado con Amadeo Vives.
Para la representación de La Folía
se ha contado con la dirección escénica de José María López Ariza,
el coro Schola Cantorum, la Orquesta Filarmónica de la Mancha
y la dirección musical de Francisco
Moya. Los principales papeles son
interpretados en La Folía por Lucía
Escribano, Judith Borrás, Carolina
Moncada, Aurora Frías, Alberto
Arrabal, Daniel Báñez, Juan José
Rodríguez Soria, Germán Scasso,
José María López Ariza, Ana Tebar,
Cleofé Alcañiz, Gabriel Boro, Juan
Tomás Martínez, Irene Rodríguez y
Lourdes Martínez. La iluminación
es de Marta Ramírez; la escenografía de Esmeralda Díaz; el vestuario
de Abuela Santa Ana y la coreografía de Charo de Lara.
43
cuatroestaciones
La rosa del azafrán, puesta en escena por Producciones La Folía,
es página en la que el compositor
toledano, Jacinto Guerrero, utiliza
lo popular con tan extraordinaria
habilidad que a los pocos días del
estreno, los principales números
de esta obra, estaban en la calle,
cantados por el pueblo de Madrid. Hoy, pasados setenta y siete
años, siguen teniendo vigencia la
"Canción del sembrador", que entona Juan Pedro; el dúo de éste
con Sagrario (“Ama, lo que usté
me pide”); la difícil, exigente y
comprometida romanza de Sagrario “No me duele que se vaya"; el
quejumbroso lamento de Carracuca, en el número conocido como
“La caza del viudo”; el simpático
“pasacalle de las escaleras”; el entretenido número de “la monda de
la rosa”, en el que se recuerda que
la del azafrán es “flor arrogante”;
la vistosa jota castellana, (“Bisturí, bisturí”), protagonizada por la
pareja principal y el celebérrimo
“Coro de espigadoras” (“Acudid,
muchachas”).
44
LIMPIEZA
SEGURIDAD
SERVICIOS AUXILIARES
- Servicios Logísticos
- Servicios Generales
- Telemarketing
SOCIOSANITARIOS
MANTENIMIENTO
TRABAJO TEMPORAL
SELECCIÓN
MEDIO AMBIENTE
FORMACIÓN
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cuatroestaciones
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especialistas a su servicio.