Biografía completa de Joan Miró

Joan Miró
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Joan Miró
Joan Miró
Joan Miró en Barcelona, en 1935
Nombre
completo
Joan Miró i Ferrà
Nacimiento
20 de abril de 1893
Barcelona, Cataluña
Fallecimiento
Nacionalidad
España
25 de diciembre de 1983, 90 años
Palma de Mallorca, baleares
España
Española
Área
Pintor, escultor, grabador y ceramista
Movimiento
Surrealismo
Firma
Premios
Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1980); Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña (1978); Gran Premio de
Grabado de la Bienal de Venecia (1954)
Joan Miró i Ferrà (Barcelona, 20 de abril de 1893 — Palma de Mallorca, 25 de diciembre de 1983) pintor, escultor,
grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su
interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y
expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La Masía del año
1920. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e
incorporándose a este movimiento.[1] En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró
manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos,
asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer
doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas.[2]
Uno de sus grandes proyectos fue la creación en 1975, de la Fundación Joan Miró, ubicada en Barcelona, centro
cultural y artístico para difundir las nuevas tendencia del arte contemporáneo, constituyéndose con un gran fondo de
obras donadas por el autor; otros lugares con importantes fondos de sus obras son la Fundación Pilar i Joan Miró de
Palma de Mallorca, el Museo Reina Sofía de Madrid, el Centro Pompidou de París (Musée National d'Art Moderne)
y el MOMA de Nueva York.
Joan Miró
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Biografía
Familia
Su padre fue Miquel Miró i Adzeries hijo de un herrero de Cornudella,
se trasladó a Barcelona donde montó un taller de orfebrería y relojería
en un pasaje cerca de la Plaza Real de Barcelona, allí conoció Miquel
Miró a Dolors Ferrà i Oromí, hija de un ebanista mallorquín, se
casaron y establecieron su residencia en el mismo pasaje de Crédito
donde nacieron sus hijos Dolors y el futuro artista Joan Miró.[3]
Miró se casó con Pilar Juncosa en Palma de Mallorca el 12 de octubre
de 1929, y se instalaron en París en un apartamento con suficiente
espacio para vivienda y taller del artista; el 17 de julio de 1931, la
pareja tuvo su única hija, Dolors.[4] Al quedar libre del contrato con su
marchante Pierre Loeb, Miró decidió volver con la familia a Barcelona,
realizando estancias intermitentes en Mallorca y en Montroig. Se
encontraba en esta última población cuando estalló la Guerra Civil
Española de 1936. En noviembre tenía prevista una exposición en
París, y una vez allí y en vista de las circunstancias adversas
El Pasaje del Crédito en Barcelona, lugar de
provocadas por la guerra, decidió quedarse cuando consiguió la llegada
nacimiento de Joan Miró
de su esposa Pilar y de su hija. En vísperas de la Segunda Guerra
Mundial el ambiente en París era cada vez más tenso. Pasaron alguna
temporada en una casa ofrecida por su amigo el arquitecto George Nelson en Varengeville-sur-Mer en la costa de
Normandía; se encontró bien en la zona, pues le acercaba más a la naturaleza tal y como estaba acostumbrado en
Mallorca o en Montroig, y terminó alquilando una casa. En la primavera de 1940, los amigos habían ido
desapareciendo de Varengeville y junto con Pilar decidió volver a Cataluña y después de una pequeña temporada, la
familia se trasladó a Mallorca, donde, según Miró, allí no era nada más que «el marido de la Pilar». En el año 1942
retornó a Barcelona.[5]
Falleció en Palma de Mallorca el 25 de diciembre de 1983 y fue enterrado en el Cementerio de Montjuïc, en
Barcelona.
Estudios
Mujer botella situada en el Parque Cultural Viera y Clavijo de Santa
Cruz de Tenerife. El 28 de enero de 2002 es declarada Bien de
[6]
Interés Cultural con la categoría de Bien Mueble.
Estudió comercio, según deseo de su padre para tener
una preparación y conseguir ser “alguien en la vida”.
Ante el deseo de Joan de matricularse en la escuela
Llotja para dibujar y al tener la posibilidad de las clases
nocturnas, su padre aceptó la petición, como un
pasatiempo del muchacho. En Llotja, se vio
influenciado por dos maestros Modest Urgell y Josep
Pascó. Los dibujos datados del año 1907 que se
guardan en la Fundación Miró son una buena prueba de
esta influencia clara con Modest Urgell; otros dibujos,
de poco antes del fallecimiento de Miró, realizados con
una simple pero firme línea horizontal y la inscripción:
Joan Miró
"en recuerdo de Modest Urgell" resumen el gran cariño que guardó siempre para su maestro. De las clases recibidas
por Josep Pascó, profesor de artes decorativas, quedan también unos dibujos de aire modernista del año 1909 como
diseño de unos broches representando un pavo real y una serpiente. De este profesor aprendió la simplicidad de
expresión y las tendencias artísticas del momento.
Con diecisiete años acabó sus estudios de comercio y entró a trabajar durante dos años como empleado en una
droguería, hasta que una enfermedad le obligó a retirarse a una casa familiar en el pueblo de Montroig. Cuando
regresó a Barcelona, ya tenía la firme resolución de ser pintor y aunque con reticencias, también contaba con el
permiso paterno; ingresó en la Academia de arte dirigida por Francesc d'Assís Galí, donde conoció las últimas
tendencias artísticas europeas y a la que acudió hasta su cierre en 1915. Mientras también asistía a clases de dibujo
del natural, en el Círculo Artístico de Sant Lluc, donde hizo amistad con Josep Francesc Ràfols, Sebastià Gasch,
Enric Cristòfor Ricart y Josep Llorens i Artigas, formando con todos ellos el grupo artístico Agrupación Courbet
cuya fundación hizo pública el 28 de febrero de 1918 en La Publicitat.
Premios y reconocimientos
• 1954 Gran Premio de Grabado de la Bienal de Venecia
• 1959 Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio
• 1959 Gran Premio de la Fundación Guggenheim.
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1962 Nombrado Chevalier de la Legión de Honor en Francia.
1966 Premio Carnegie de pintura.
1968 Nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Harvard.
1978 recibió la Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña, siendo el primer catalán en recibir tal distinción.
1979 Nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Barcelona.
1980 recibió, de manos del rey Juan Carlos I de España, la Medalla de Oro de las Bellas Artes.
1983 Nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Murcia.
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Joan Miró
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Primeras exposiciones
La primera exposición individual de Joan Miró se
realizó en las Galerías Dalmau de Barcelona entre el 16
de febrero y el 3 de marzo de 1918, con la presentación
de sesenta y cuatro obras entre paisajes, naturalezas
muertas y retratos. Estas primeras pinturas tienen una
clara influencia con las tendencias francesas,
postimpresionismo, fovismo y cubismo; en las pinturas
Ciurana, el pueblo (1917) y Ciurana, la iglesia (1917)
se ve la cercanía con los colores de Van Gogh y los
paisajes de Cézanne reforzados con una pincelada
oscura. Una de las pinturas que llama más la atención
es la llamada Nord-Sud, como la revista francesa en la
que en su primer número del año 1917, Pierre Reverdy,
se escribía sobre el arte del cubismo. En este cuadro
Miró mezcla los rasgos de Cézanne con la inclusión de
rótulos dentro de la pintura, como en las obras cubistas
de Juan Gris o Pablo Picasso; en los retratos
presentados como el Retrato de V. Nubiola, muestra la
fusión del cubismo con el agresivo color fauve.[7] En
esta misma primavera expuso en el Círculo Artístico de
Sant Lluc junto con los miembros de la Agrupació
Coubert.[8]
Gran maternidad, escultura en bronce situada en San Francisco.
Como era su costumbre y continuaría haciendo durante años, Miró pasó ese verano en Montroig, donde abandonó los
colores empleados hasta entonces y las formas duras por las más minuciosas, según explicó en una carta dirigida a su
amigo Ricart fechada el 16 de julio de 1918:
Nada de simplificaciones ni abstracciones. Por ahora lo que me interesa más es la caligrafía de un árbol
o de un tejado, hoja por hoja, ramita por ramita, hierba por hierba, teja por teja. Esto no quiere decir que
estos paisajes al final acaben siendo cubistas o rabiosamente sintéticos. En fin, ya veremos. Lo que si me
propongo es trabajar mucho tiempo en las telas y dejarlas lo más acabadas posible, así es que al final de
temporada y después de haber trabajado mucho si aparezco con pocas telas; no pasa nada. Durante el
invierno siguiente continuarán los señores críticos diciendo que persisto en mi desorientación.
De esta manera se observa en los paisajes pintados durante este tiempo un arquetipo por medio de un vocabulario
nuevo de iconografías y de signos meticulosamente seleccionados y organizados siendo el agente estructurador el
dibujo. En Viñas y olivos de Montroig se ven las raíces dibujadas debajo de la tierra completamente individualizadas
para conseguir la conexión física con la tierra.[9]
El primer viaje a París lo realizó en marzo de 1920 y después de pasar nuevamente el verano en Montroig, regresó
para establecerse en París donde conoció al escultor Pablo Gargallo que tenía un taller en la calle Blomet, que solo
usaba durante los meses de verano, y llegó a un acuerdo con él para utilizarlo solo en la temporada de invierno. Las
gestiones hechas por el galerista Dalmau le proporcionaron una exposición individual en la Galerie La Licorne que
se inauguró el 29 de abril de 1921; a pesar de no obtener ninguna venta, la crítica fue favorable. En la comunidad
artística que se agrupaba en Montparnasse, conoció a André Masson, vecino de la calle Blomet y con quien coincidía
en las reuniones de Max Jacob. Otro asiduo de este grupo era Pablo Picasso que le compró el Autorretrato de 1919 y
más adelante la Bailarina española de 1921.[10]
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La masía
Durante los años 1921 y 1922 realizó La masía, siendo la obra
culminante de esta época «detallista». Trabajó en ella durante nueve
meses de dura elaboración; la relación mítica mantenida por Miró con
la tierra, se resume en este cuadro, que representa la granja de su
familia en Montroig; el grafismo de carácter ingenuo y realista de
todos los objetos, los animales son los domésticos, los vegetales los
que el hombre trabaja y los objetos todos de uso diario y necesarios
para el hombre. Estudia todos sus detalles al mínimo, es lo que se
llama la caligrafía mironiana, punto de partida para los siguientes años
de su contacto con el surrealismo[11]
Vista del Mas Miró desde donde se pintó la obra.
Terminada esta pintura en París, por necesidad económica, inició un recorrido entre marchantes para poder venderla.
Rosenberg, que se ocupaba de las pinturas de Picasso, accedió a tenerla en depósito y al cabo del tiempo y ante la
insistencia de Miró, le sugirió seriamente el dividir la tela en trozos pequeños para su más fácil venta. Miró, enojado,
recogió la tela y se la llevó a su taller. Se hizo cargo de la pintura, entonces, Jacques Viot de la galería Pierre, que
después de unos tratos, se la vendió al escritor Ernest Hemingway, por cinco mil francos.[12] Actualmente se
conserva en la National Gallery de Washington.
Surrealismo
Instalado en el taller de Pablo Gargallo en París, tuvo
contacto con artistas provenientes del movimiento
Dadá, que fundaron en 1924, con el poeta André Bretón
al frente, el grupo del surrealismo.[13]
A Miró le sirvió principalmente para abandonar su
época detallista y sintetizar los motivos ya apuntados
en esa etapa. Es, en el potencial que le ofrecía el
surrealismo, en lo inconsciente y lo onírico, donde
encontró el perfecto material para sus futuras obras. Así
se aprecia en Tierra labrada, con clara alusión a La
masía, pero con elementos surrealistas como el ojo y
una oreja junto al árbol de la pintura. En Cabeza de
fumador, la influencia se ve en la síntesis empleada
para la descripción del personaje.[14]
Pájaro lunar en Madrid (1966).
Realizó una exposición en la Galería Pierre del 12 al 27 de junio de 1925, con la presentación de 16 pinturas y 15
dibujos. Todos los representantes del grupo surrealista firmaron la invitación a la exposición. La inauguración se
realizó a media noche, cosa nada frecuente en aquella época, mientras en el exterior, contratada por su amigo Picasso
tocaban los compases de una sardana una orquesta de músicos; los visitantes, tenían que entrar a la sala, por turnos,
completamente llena. Las ventas fueron tan buenas como la crítica.[15]
En 1926, Joan Miró colaboró con Max Ernst en diseños para los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev, en la obra
Romeo y Julieta. El 4 de mayo de 1926, se representó por primera vez en Montecarlo y el 18 de mayo en el teatro
Sarah Bernhardt de París. Se sabía que estaba en los ánimos de los surrealistas y comunistas, alterar el estreno del
"burgués" Diaghilev y los "traidores" Ernst y Miró, y así fue, al empezar la función, entre silbatos, se lanzó una
lluvia de folletos de color rojo con un texto de protesta, firmado por Louis Aragon y André Breton. Sin embargo, al
cabo de poco tiempo, la revista La Révolution Surréaliste, que editaba Bretón, siguió con la reproducción de obras de
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los dos artistas.[16]
Carnaval de Arlequín
Una de las pinturas más interesantes de este periodo es
Carnaval de Arlequín (1925), completamente
surrealista y que consiguió un gran éxito en la
exposición colectiva de la Peinture surréaliste de la
Galería Pierre a finales de 1925, expuesta junto a obras
de Giorgio de Chirico, Paul Klee, Man Ray, Pablo
Picasso y Max Ernst.
Esta obra es la considerada como el inicio pleno de la
etapa surrealista de Joan Miró. Realizada entre los años
1924 y 1925, la ejecutó en un tiempo en que el artista
pasaba por momentos difíciles y con gran penuria,
incluso alimentaria. Según explicó el mismo artista:
Escultura de Joan Miró en el Museo Hakone al aire libre, Tokio.
Intenté plasmar las alucinaciones que me
producía el hambre que pasaba. No es que pintara lo que veía en sueños, como decían entonces Breton y
los suyos, sino que el hambre me provocaba una manera de tránsito parecido al que experimentaban los
orientales.[17]
Un autómata que toca la guitarra junto con un arlequín con grandes bigotes, son los personajes principales de la
composición pictórica, donde se aprecian también todo un mundo de detalles dominados por la imaginación que se
esparcen por toda la pintura, como un pájaro con alas azules saliendo de un huevo, un par de gatos jugando con un
ovillo de lana, peces volando, un insecto que sale de un dado, una escalera con una gran oreja, y en la parte superior
derecha se ve a través de una ventana una forma cónica con la que quiso representar la torre Eiffel. Compuso Miró
un pequeño texto poético en 1938 sobre este cuadro: "En la madeja de hilo deshecha por los gatos vestidos de
arlequines ahumados retorciéndose y apuñalando mis entrañas..." Actualmente se encuentra en la colección de
Allbright-Knox Art Gallery en Buffalo, (Estados Unidos).[18]
Interiores holandeses
En 1927 realizó por primera vez una ilustración para el libro Gertrudis de J.V. Foix. Se trasladó a vivir a otro estudio
más grande de la calle Tourlaque, donde encontró a viejos amigos Max Ernst, Paul Éluard y conoció a Pierre
Bonnard, René Magritte y Jean Arp. Experimentó con ellos el juego del cadáver exquisito. En 1928 viajó a Bélgica y
a los Países Bajos, visitando los más importantes museos de ambos países, entre los que destaca una visita al
Rijksmuseum. Los pintores neerlandeses, como Vermeer y los maestros del siglo XVII, causaron un gran impacto en
el artista, que compró postales coloreadas de estas pinturas reproducidas a partir de la colección del Rijksmuseum, y
a su regreso a París se dedicó a la creación de una serie conocida como Interiores holandeses compuesta por un total
de 3 pinturas. Realizó numerosos dibujos para la consecución de la primera pintura Interior holandés I, inspirada en
El tocador de Laud de Hendrick Martensz Sorgh; en Interior holandés II, es de la obra Niños enseñando a bailar a
un gato del pintor Jan Havicksz Steen. Interior holandés III, inspirada en otra obra del mismo autor, Mujer joven en
el baño. En esta serie, Miró transformó, la pintura de sus sueños surrealistas, con el espacio vacío en los cuales
imperaban los grafismos, a la recuperación de la composición en perspectiva y las formas analizadas.[19]
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Interior holandés I
La pintura se inspira en la obra del siglo XVII El tocador de Laud de Hendrick Martensz Sorgh que representa a un
intérprete de laud en un interior doméstico. La obra de Sorgh, de colores brillantes y planos, se alejaban del modelo
naturalista y la perspectiva de la pintura de género holandesa del siglo XVII.
Interior Holandés I incluye los elementos presentes en la obra de Martensz Sorgh: el laud, el intérprete, el mantel,
los marcos de la pared, los elementos de detrás de la ventana, un perro, un gato, la mujer joven, una cesta de fruta,
etcétera. También se mantiene la posición básica de los objetos en la pintura.
Sin embargo, las formas son claramente mironianas, con una desporporción acentuada respecto de la obra original
que reflejan la importancia relativa de los elementos en la composición, en lugar de las proporciones físicas. El laud
y el intérprete ocupan la mayor parte del espacio, mientras que la joven se reduce a un detalle fundido en el agua: es
parte del paisaje, como los objetos inanimados.
Centrando la atención en la figura del intérprete, se observa que Miró reduce sus rasgos faciales a un rostro
distendido y rojo en el centro, con un bigote desplazado hacia la derecha, su cuerpo se va disolviendo hasta que el
laud realmente lo sustituye, y todo lo que queda de la figura del joven es un pequeño pie que sobresale por la parte
inferior del instrumento. Un personaje desproporcionado que expresa una especie de excitación física con una fuerza
capaz de romper las cuerdas del instrumento. En este momento Miró pretende atacar la anatomía humana desde la
prespectiva de los términos clásicos, desde la visión ideal de una forma harmónica, para abordar su proyecto
personal de desarmarla. Miró usa un humorismo gráfico trágico, sacrílego y herético que con un genio quijotesco
transforma con su pinzel la obra de Sorgh.
Los colores también son tonos inspirades en la tela original, aunque la intensidad del color es mironiana. Por tanto, el
gradiente de color gris verdoso de la pared de la obra de Sorgh se convierte en un verde manzana en la obra de Miró,
la luz de color marrón y los tonos ocres del laud se transforman en un color naranja oscuro. Aplica la pintura
directamente con el tubo; no los mezcla en la paleta, y tampoco los mezcla en el lienzo. Los verdes, blancos,
naranjas, rojos y amarillos son colores muy puros. La obra es un ejemplo de la facilidad de trazo de Miró. Los
perfiles de todas las figuras son muy precisas, pintadas con un pincel muy fino, su mano es constante y fuerte en los
trazos perimetrales de los personajes.
Interior holandés II
La pintura se inspira en la obra Niños enseñando a bailar a un gato de Jan Havicksz Steen. En esta obra, el artista
vuelve a utilizar la técnica y la filosofía de la obra original. Miró conserva los elementos como la guitarra, el perro y
el hombre que mira por la ventana. El verdadero tema de la pintura de Steen no era el gato, sinó el sonido, el
movimiento y la hiladida que provica la clase de baile. Miró aprovecha de esta anomalía en su versión: a pesar que el
gato sirve como eje de la composición centrífuga, pone en acento en la cacofonía y la animación de la lección a
través del movimiento giratorio de la gran diversidad de detalles y el ritmo de los puntos y contrapuntos de la danza.
La escena es animada, se ve el rostro sonriente de los niños, reforzando la sonrisa grotesca del personaje de la
izquierda de la obra de Steen. La figura central de la chica destaca con un perfil que emula su pose llenando con el
color azul de su falda toda la superficie de la versión mironiana. Los perros y gatos toman la mayor parte del espacio,
mientras que los objetos inanimados se reducen a sus detalles. El personaje inquietante de Steen que observa la
escena preocupado des de la ventana se transforma en la versión de Miró en un par de ojos rojos, continuando una
larga cola que envuelve la escena y donde su final es un aguijón. Como ya pasaba con Interior holandés I, la fuerza
de los colores es intensa y transforma la obra de Steen con diversas variaciones del marrón, que sirve para destacar la
ropa de color azul que viste la niña. Las manchas de naranja de Steen (calcetines, gorras) se encuentran en color rojo
oscuro en la obra de Miró. La pintura está expuesta en el Museo Guggenheim de Venecia.
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Interior holandés III
Si las dos primeras obras de la serie fueron pintadas a partir de targetas postales de museos y son fácilmente
identificables, no es el caso de la tercera pintura de la serie, que no puede ser claramente vinculada a una pintura
flamenca. La identificación se ha conseguido teniendo en cuenta los elementos de esta obra coincidentes con Joven
en el baño, de Jan Steen. El movimiento de la cara inclinada y cubierta con una manta, los calcetines de color
naranja, el movimiento del brazo que acaba en un pie descalzo, un perro blanco y negro en la pared derecha, los dos
zapatos marrones hacia abajo, la importancia de la silla marrón con la ropa de color púrpura, y los elementos de la
capa en la capa de color amarillo, blanco y pálido, descubren la influencia de la obra original, aunque es más difícil
de detectar el parelelismo. La pintura se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Muy similar a estos interiores holandeses fue la siguiente serie de Retratos imaginarios, también con el punto de
partida de unos retratos ya realizados: Retrato de la señora Mills en 1750 de un cuadro con el mismo título de
Georges Engleheart, Retrato de una dama en 1820 de John Constable, La fornarina de Rafael Sanzio y el cuarto el
origen fue un anuncio en un periódico de un motor super diésel, que consiguió hacer una metamorfosis hasta
conseguir una figura femenina a la que tituló La reina Luisa de Prusia. Miró se servía de la imagen no para hacer
una interpretación de una obra ya realizada, sino como punto de partida para analizar la forma pura hasta conseguir
su figura mironiana. El proceso se puede seguir de cada pintura, a través de los dibujos preparatorios que se guardan,
unos en la Fundación Miró de Barcelona y otros en el Museo de Arte Moderno de Nueva York[20]
Ruptura con el surrealismo y "asesinato" de la pintura
Entre los años 1928 y 1930, las diferencias dentro del grupo de los surrealistas cada vez se hacen más evidentes, no
sólo en la plástica, también ocurría en la parte política. Miró cada vez más individualista se fue distanciando más, a
pesar de aceptar los principios de la estética surrealista, no se sintió obligado a ir frecuentemente a participar en
todas las manifestaciones. El 11 de marzo de 1929, en una reunión al Bar du Château, Breton ya adherido al partido
comunista, el tema de discusión fue el destino de Lev Trotsky; este tema quedó al margen y las discusiones llegaron
a clarificar las posiciones. Entre los que se manifestaron en contra de una acción completamente común basado en un
programa de Breton, se encontraban Miró, Michel Leiris, Georges Bataille y André Masson entre otros. Miró solo
quería defenderse y luchar con la pintura. Entre Marx que abogaba por «transformar el mundo» por medio de la
política o el «cambiar la vida» de Rimbaud por medio de la poesía, Miró escogió lo segundo.[21] Fue entonces
cuando Georges Hugnet explicó que Miró solo puede defenderse con las armas propias de él, la pintura:
Sí, Miró ha querido asesinar la pintura, la ha asesinado con medios plásticos, mediante una plástica que
es una de las más expresivas de nuestro tiempo. La ha asesinado, quizá, porque no quería doblegarse a
sus exigencias, a su estética, a un programa demasiado estrecho para dar vía libre a sus aspiraciones y a
su sed.
A partir de aquí Miró dibujó y se dedicó intensamente a otra alternativa, el collage, que no realizó como habían
hecho los cubistas recortando el papel con cuidado y encajándolo en el soporte, sino que sus formas son sin precisión
y después de enganchadas en el soporte deja los bordes al aire y los enlaza con un grafismo; su búsqueda no es inútil,
le abre las puertas a las esculturas que realizará a partir de 1930.
En 1930 expuso en la galería Pierre esculturas-objetos y seguidamente la primera exposición individual en Nueva
York con pinturas de los años 1926-1929. Realizó sus primeras litografías para el libro L’Arbre des voyageurs de
Tristan Tzara. En el verano de 1930 empezó su serie llamada Construcciones, consecuencia de los collages, la
composición la realizaba a partir de formas elementales, círculos y cuadrados recortados en madera y pegados sobre
un soporte generalmente también de madera, con la aplicación de clavos reforzando las líneas del cuadro.[22] Todas
estas piezas fueron expuestas en París, donde las vio el bailarín y coreógrafo Leonide Massine, que enseguida se dio
cuenta que era el artista que estaba buscando para realizar la decoración, vestuario y diversos objetos para el ballet
Jeux d'enfants. Miró aceptó y viajó a Montecarlo a principios del año 1932. Los decorados fueron realizados a base
de volúmenes y diversos objetos dotados de movimiento. La obra se estrenó el 14 de abril de 1932 con un gran éxito.
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Después se representó en París, Nueva York, Londres y en Barcelona en el Gran Teatro del Liceo el 18 de mayo de
1933.[23]
A partir de enero de 1932 pasó a residir en Barcelona, con traslados frecuentes a París, formó parte de la asociación
de Amics de l'Art Nou (ADLAN) junto a Joan Prats, Joaquim Gomis y el arquitecto Josep Lluís Sert, cuyo objetivo
era dar a conocer la vanguardia artística internacional y promocionar la catalana. Realizó numerosas exposiciones en
Barcelona, París, Londres, Nueva York, Berlín. Prosiguió con su trabajo de búsqueda y creó las 18 pinturas según un
collage a partir de imágenes de anuncios aparecidos en diarios, como comentó posteriormente el artista:
Solía recortar diarios en formas no regulares y pegarlas sobre láminas de papel, día tras día acumulé
estas formas, Una vez hechos, los collages me servían como punto de partida de las pinturas. No copiaba
los collages. Sencillamente dejaba que me sugirieren formas.[24]
Creó unos nuevos personajes con una expresión de gran dramatismo con una perfecta simbiosis entre los signos y la
figuras, cuyos fondos son generalmente oscuros, pintados sobre masonita (tablex) como Hombre y mujer frente a un
montón de excrementos (1935), o Mujer y perro frente a la luna (1936), seguramente por el estado de ánimo del
artista ante los acontecimientos de la Guerra Civil Española y la posterior de la Segunda Guerra Mundial.
Bodegón del zapato viejo
Su vuelta a París debido a una exposición que tenía prevista en el mes de noviembre de 1936, con el drama que
representaba la guerra española, le hizo sentir la necesidad de volver a pintar la realidad, que el artista vuelca en una
naturaleza muerta: Bodegón del zapato viejo, en donde consigue una relación entre el zapato y el resto de los
elementos colocados encima la mesa, la botella, una manzana con un tenedor clavado, y el mendrugo de pan; los
colores consiguen la máxima agresividad ya que son ácidos y violentos; la pintura en este cuadro no es plana como
en obras anteriores sino que perfila y da dimensión a las formas de los objetos. Según el mismo Miró, toda esta
representación, la hizo pensando en el cuadro Zapatos del Labriego de Van Gogh, artista muy admirado por él. Está
considerada como una pieza clave de este momento pictórico de la realidad.[25]
Pabellón de 1937 en París
Después de haber realizado el cartel ¡Ayudad a España!, para un sello postal, destinado a ayudar al gobierno
republicano español, se le encargó pintar una obra de grandes dimensiones para el pabellón de la República Española
en la Exposición Internacional de París de 1937 que se iba a inaugurar en el mes de julio de ese mismo año. En este
pabellón expusieron también los artistas Picasso con Guernica, Alexander Calder con la Fuente de mercurio, Julio
González con la escultura Montserrat, Alberto Sánchez también con una obra escultórica El pueblo español tiene un
camino que conduce a una estrella y Miró que realizó El Segador, representando al payés catalán con la hoz en un
puño en actitud revolucionaria, simbolizando la colectividad de todo un pueblo en lucha; esta obra desapareció al fin
de la exposición, cuando fue desmontado el pabellón. Sólo quedan unas fotografías en blanco y negro.[26]
Constelaciones
Pintadas entre los años 1940 y 1941, en Varengeville-sur-Mer, pequeño pueblo de la costa de Normandía, se sintió
atraído por el cielo y empezó una serie de 23 pequeñas obras con el título genérico de «Constelaciones» realizadas en
formato de 38x46 cm, con un soporte de papel que el artista humedecía con gasolina y lo fregaba hasta conseguir una
superficie con una textura rugosa. A partir de aquí ponía el color manteniendo una transparencia para crear el aspecto
final deseado. Sobre este color del fondo, Miró dibujaba con colores puros para lograr el contraste.[27]
En las constelaciones, la iconografía quiere representar todo el orden del cosmos, las estrellas hacen referencia al
mundo celestial, los personajes simbolizan la tierra y los pájaros son la unión de ambos. Estas pinturas integran
perfectamente figuras con el fondo.[28]
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Más adelante en 1958, se editó un libro con el título Constelaciones de muy pocos ejemplares, con la reproducción
de veintidós aguadas de Miró y con veintidós prosas paralelas escritas por André Breton.[29]
A partir del año 1960, Miró entró en una nueva etapa, donde se refleja la soltura en la forma de trazar los grafismos
con una gran simplicidad, propio de la espontaneidad infantil; los gruesos trazos son realizados con el color negro,
en sus telas se ven goteos de pintura y salpicaduras, aludiendo en sus temas repetidamente a la tierra, el cielo, los
pájaros y la mujer y con colores primarios.[30]
Otros materiales
Cerámica
En 1944 empezó a colaborar con su amigo de la adolescencia Josep Llorens i Artigas en la producción de cerámicas,
investigando en la composición de las pastas, tierras, esmaltes y colores; la forma de las cerámicas populares
representó para él, una fuente de inspiración; en estas primeras cerámicas poca diferencia hay con las pinturas y
litografías de la misma época. En el año 1947 residió durante ocho meses en Nueva York donde realizó un mural en
pintura de 3 x 10 metros destinado al restaurante del Cincinnati Terrace Hilton Hotel, a la vez que hizo unas
ilustraciones para el libro L'antitête de Tristan Tzara. Más tarde ya en Barcelona y ayudado también por el hijo de
Josep Llorens, Joan Gardy Llorens, pasó temporadas en la masía-taller que poseían los Artigas en Gallifa, donde se
hicieron todo tipo de pruebas, tanto en las cocciones como en los esmaltes; finalmente el resultado es de 232 obras
que fueron expuestas en junio de 1956 en la Galería Maeght de París y después en la Galería Pierre Matisse de
Nueva York.
Mural cerámico en Wilhelm-Hack-Museum de Ludwigshafen (1971).
En este mismo año de 1956, se trasladó a vivir a Mallorca, donde dispuso de un gran taller, proyectado por su amigo
Josep Lluís Sert. Fue entonces cuando recibió el encargo de realizar dos murales cerámicos para la sede de la Unesco
ubicado en París, de 3 x 15 metros y 3 x 7,5 metros, que fueron inaugurados en 1958. Aunque había trabajado en
grandes formatos nunca lo había hecho en cerámica; junto al ceramista Josep Llorens Artigas, consigue la
posibilidad técnica de la cocción que se elaboró al máximo para obtener un fondo con texturas parecidas a las
pinturas de esa época.[31] Se decidió que la composición se hiciera alrededor de los temas del Sol y la Luna, que,
según palabras de Miró:
... la idea de un gran disco rojo intenso se impone para el muro más grande. Su réplica en el muro
pequeño sería un cuarto creciente azul, dictado por el espacio más reducido, más íntimo, para el cual
estaba previsto. Estas dos formas que quería muy coloreadas hacían falta reforzarlas por un trabajo en
relieve. Ciertos elementos de la construcción, tales como la forma de las ventanas, me han inspirado las
composiciones en escatas y las formas de los personajes. He buscado una expresión brutal en el gran
muro, una sugestión poética en el pequeño.[32]
Joan Miró
Estos murales de la UNESCO, fueron el prototipo para
todos los siguientes. En 1960 el de la Universidad de
Harvard para sustituir el de pintura que había hecho en
el año 1950; en 1964 realizó el de Handelshochschule
de Sankt Gallen en Suiza y el de la Fundación Maeght
para Saint-Paul-de-Vence; en 1966 el del Guggenheim
Museum; en el año 1970 uno para el aeropuerto de
Barcelona y tres para la exposición internacional de
Osaka; al siguiente año el de Wilhelm-Hack-Museum
Mural de Miró en el Palacio de Congresos de Madrid (1980).
de Ludwigshafen; por encargo de la Cinémathèque
française de París realizó un mural también junto
Artigas en el año 1972 y que fue adquirido en 1977 por la diputación Foral de Álava, encontrándose en la actualidad
instalado en el interior del Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz (ARTIUM); en 1977 es
la Universidad de Wichita en Estados Unidos el que le encargó uno y finalmente se inauguró en 1980 el mural del
nuevo Palacio de Congresos de Madrid.
Escultura
En 1946 trabajó en esculturas para fundición en bronce que en
algunas ocasiones fueron cubiertas con pintura de colores vivos. En
la escultura le interesó buscar volúmenes y espacios e incorporar
objetos cotidianos o simplemente encontrados, piedras, raíces,
cubiertos, tricornios, llaves de agua, que funde a la cera perdida. El
sentido de los objetos identificables, lo pierden, al unirse mediante la
fundición con otros objetos. Así formó en 1967 El reloj del viento
que realizó con una caja de cartón y una cuchara, fundidas en bronce
y ensambladas, constituyendo un objeto escultórico que solo mide la
intensidad del viento.[33] Construyó junto con Joseph Llorens i
Artigas una gran escultura de cerámica La diosa del mar que la
sumergieron en Juan-les-Pins. Efectuó en el año 1972, unas
exposiciones de esculturas en el Walker Art Center de Minneapolis,
al Clevelan Art Museum y al Art Institute de Chicago. A partir de
1965 realizó gran cantidad de esculturas para la Fundación Maeght
en Saint-Paul-de-Vence, entre ellas están el Pájaro lunar, Pájaro
solar, Lagarto, Diosa, Horquilla y Mujer con el cabello revuelto.[34]
En abril de 1981 se inauguró en Chicago una escultura monumental
de 12 metros de altura, conocida como Miss Chicago; el 6 de
noviembre otras dos esculturas fueron colocadas en la vía pública en
Palma de Mallorca; en Houston se inauguró en 1982, la escultura
Personaje y pájaro y en colaboración con Joan Gardy Artigas
Dona i ocell (1983) en Barcelona.
realizó su última escultura para Barcelona, Dona i ocell (Mujer y
pájaro), en hormigón y recubierta de cerámica. Fue inaugurada en
1983 sin la presencia de Miró debido a su delicado estado de salud. Situada en el parque de Joan Miró de Barcelona,
al pie de un gran lago artificial, la escultura con 22 metros de altura, representa una forma femenina con sombrero y
sobre éste la imagen de un pájaro. La silueta de mujer se soluciona con una forma de hoja alargada y ahuecada. Por
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Joan Miró
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todo su exterior se encuentra recubierta con cerámica de colores rojos, amarillos, verdes y azules (los más comunes
del artista) tratados como trencadís.
Grabados
Siempre le habían interesado los grabados para la realización de litografías, y en estos últimos años se adentró
mucho más en ello; en su viaje a Nueva York en 1947, trabajó durante un tiempo en el Atelier 17 dirigido por
Hayter, a través del cual aumentó todos sus conocimientos sobre la calcografía; durante estos meses en Nueva York,
realizó las planchas para Le Desesperanto uno de los tres volúmenes de que consta la obra L’antitête de Tristan
Tzara.
Un año más tarde colaboró nuevamente con este autor en un nuevo libro Parler seul, haciendo 72 litografías en
color. A partir de aquí, trabajó en diversos libros de bibliófilo en colaboración con amigos poetas, como Breton en
Anthologie de l’humour noir en 1950 y La clé des champs en 1953; con René Cher, Fête des arbres et du chasseur
en 1948 y A la santé du serpent en 1954; con Michel Leiris en 1956, Bagatelles végétales; y con Paul Éluard, A toute
épreuve con ochenta xilografías realizadas en madera de boj. La ejecución de este trabajo se llevó a cabo entre los
años 1947 y 1958.[35]
Entre el 9 de junio y 27 de septiembre de 1969 realizó una exposición individual «Oeuvre gravé et lithographié» en la
Galería Gérald Cramer de Ginebra y en este mismo año una gran retrospectiva de obra gráfica al Pasadena Art
Museum de Pasadena (California).
Obras destacadas
Pinturas
• Nord-Sud, 1917 óleo, Galería Adrien Maeght en
París.
• La masía, 1921 óleo, National Gallery of Art de
Washington.
• Retrato de bailarina española, 1921 óleo Museo
Picasso de París.
• Tierra labrada, 1923 óleo, Solomon R. Guggenheim
Museum de Nueva York.
• Carnaval de Arlequín, 1924 óleo, Albright-Knox
Art Gallery de Búfalo
• Serie de tres pinturas: Interior holandés, 1928 óleo,
Museo Guggenheim de Venecia- Meadows
Museum, Dallas y Museo de Arte Moderno de
Nueva York.
• Caracol, mujer, flor y estrella, 1934 (Museo del
Prado)
• Mujer y pájaros al amanecer
• Bodegón del zapato viejo, 1937.
• Corrida de toros
• Una estrella acaricia el seno de una negra, 1938
óleo, Tate Gallery de Londres.
Femme (1981), escultura de Joan Miró en la Casa de la Ciudad de
Barcelona.
• Serie de 24 gouaches: Constelaciones, 1940-1941.
• Serie de 3 pinturas: Azul, 1961 óleo, Centro Georges Pompidou de París
• Personaje delante del sol, 1968 acrílico, Fundación Miró en Barcelona.
Joan Miró
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La esperanza del condenado a muerte, 1974 Fundación Miró en Barcelona.
Mujer desnuda subiendo la escalera, 1937 Fundación Miró en Barcelona.
Metamorfosis, serie de Joan Miró.
Manos volando hacia las constelaciones, 1974 Fundación Miró en Barcelona
La esperanza del navegante, 1968 - 1973
Serie Barcelona, 1944 Fundació Joan Miró
Cabeza de campesino catalán
Murales cerámicos
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Murales cerámicos del Sol y la Luna, 1958, Sede de la Unesco en París.
Mural cerámico para la Universidad de Harvard, 1950.
Mural cerámico de la Handekshochschule, 1964 de Sankt Gallen en Suiza.
Mural cerámico de la Fundación Maeght, 1964 en Saint-Paul-de-Vence.
Mural de cerámica de la terminal B, 1970 del Aeropuerto de Barcelona.
Murales cerámicos para el pabellón del Gas, 1970 para la exposición internacional de Osaka
Mural cerámico en Wilhelm-Hack-Museum, 1971 de Ludwigshafen.
Mural de cerámica de la Cinemateca, 1972 de París, actualmente en el Centro-Museo Vasco de Arte
Contemporáneo de Vitoria-Gasteiz (ARTIUM).
• Mural cerámico del nuevo Palacio de Congresos de Madrid, 1980.
Esculturas
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Personaje con paraguas, 1933 escultura de madera, paraguas y hojas secas en la Fundación Miró de Barcelona.
Pájaro lunar, 1946-1949 en bronce diversas copias
Pájaro solar, 1946-1949 en bronce diversas copias
Reloj de viento, 1967 escultura en bronce.
La caricia de un pájaro, 1967 bronce pintado en la Fundación Miró de Barcelona
Mujer botella, 1973 escultura en bronce para el Parque Cultural Viera y Clavijo de Santa Cruz de Tenerife.
Perro, 1974 bronce en la Fundación Miró de Barcelona.
Conjunto monumental para La Défense, 1978 en París.
Miss Chicago, 1981 Escultura pública de doce metros en Chicago.
Femme, 1981 escultura en bronce, expuesta en la Casa de la Ciudad de Barcelona.
Mujer y Pájaro, 1983 escultura de cemento recubierta de cerámica en el Parque Joan Miró de Barcelona
Referencias
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[5] Malet, Rosa M. (1992) pp.76-79
[6] Boletín Oficial de Canarias, Resolución por la que se concede la categoría de BIC a la Femme Bouteille (http:/ / www. gobiernodecanarias.
org/ boc/ anexos/ 2002/ 044/ 00066-00067. pdf)
[7] Raillard, Georges (1992) pp.48-54
[8] Escudero, Carmen/Montaner, Teresa (1993) p.484
[9] Lubar, Robert (1993) pp.45-47
[10] Malet, Rosa M. (1992) pp.25-29
[11] Rebull Trudell, Melania (1994) pp. 6-9
[12] Malet, Rosa M. (1992) pp.29-32
[13]
[14]
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Bibliografía consultada
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Arte.
• Green, Christopher (1993). Joan Miró, 1923-1933: el darrer i primer pintor. Fundació Joan Miró - Leonardo
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• Lubar, Robert S. (1993). La Mediterrània de Miró: concepción d'una identitat cultural. Fundació Joan Miró Leonardo Arte.
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• Raillard, Georges (1992). Miró. Madrid, Editorial Debate. ISBN 84-7444-605-8.
• Rebull Trudell, Melania (1994). Joan Miró. Barcelona, Globus y Ediciones Polígrafa. ISBN 84-88424-96-5 (en catalán).
• Cabañas, Pilar. Joan Miró. El camino del arte (http://www.ediciones-encuentro.es/libro/
joan-miro-el-camino-del-arte.html). Encuentro. ISBN 978-84-9055-004-5.
Enlaces externos
•
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Joan Miró. Commons
•
Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Joan Miró. Wikiquote
• Museo Fundació Joan Miró - Barcelona (http://www.fundaciomiro-bcn.org/)
• Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca (http://miro.palmademallorca.es/index.php?Idi=1&Cod_fam=&
Cod_sub=)
• Miró. Análisis crítico (http://www.arteseleccion.com/ventanas/autor/autor.php?idioma=es&id=50&
autor=Joan)
• Completa Biografía en español (http://web.archive.org/web/20090114065257/http://legislaciones.iespana.
es/Joan_Miro.htm)
• Análisis y rompecabezas de "Carnaval de Arlequín" (http://zachary-jones.com/spanish/archives/7493)
• Listado de Museos con Obra de Joan Miró (http://www.grabados-chillida.com/Joan-Miro-Museos.html)
• Reportaje de Informe Semanal (TVE) con motivo del 120 aniversario de su nacimiento (1993) (http://www.rtve.
es/alacarta/videos/informe-semanal/fue-informe-miro-siglo-estrellas-1993/1820170/).
• Dossier : Joan Miró, La naissance du monde, exposition au Centre Pompidou, 2004 (http://www.
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Fuentes y contribuyentes del artículo
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Joan Miró Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=74647478 Contribuyentes: Airunp, Aka, Alhen, Aloneibar, Amadís, Amire80, Andrea Reyes de Prado, Andreasmperu, Anual,
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